Street Fighter '89 ?
En 1989, Capcom s'apprêtait à lancer une suite potentielle de son célèbre jeu de combat, Street Fighter. Cependant, au lieu de continuer sur la voie des combats en un contre un, les développeurs ont opté pour une approche radicalement différente, donnant naissance à un chef-d'œuvre du genre "beat'em up" : Final Fight.
Depuis sa sortie en 1989, Final Fight a tracé son chemin dans l'histoire du jeu vidéo en tant que pionnier du genre "beat'em up des années 1990", captivant les joueurs avec son action frénétique et ses personnages emblématiques. Développé par Capcom Production Studio 1, ce titre légendaire offre une expérience de jeu riche, combinant un charme rétro avec des éléments de gameplay intemporels.




Génèse du jeu :
Street Fighter '89, comme il était initialement connu au Japon, devait explorer davantage l'univers et les personnages de son prédécesseur. Cependant, les développeurs ont rapidement réalisé que le gameplay et l'esthétique prévus ne correspondaient pas à ce qu'ils avaient en tête. Au lieu de forcer une connexion artificielle avec Street Fighter, ils ont décidé de faire de Street Fighter '89 un jeu autonome, s'inspirant plutôt des jeux "beat'em up" populaires de l'époque. Donc, à la base, Final Fight est né de l'intention initiale de Capcom de créer une suite à Street Fighter.
Cependant, au lieu de continuer sur la voie des combats en un contre un, les développeurs ont opté pour une approche radicalement différente, donnant naissance à ce maitre-étalon du genre "beat'em up". Ainsi, Street Fighter '89, comme il était initialement connu au Japon, devait explorer davantage l'univers et les personnages de son prédécesseur.

Un Changement de cap :
Street Fighter '89 a été rebaptisé Final Fight pour mieux refléter son identité distincte et son objectif renouvelé. Cette décision a permis au jeu de s'épanouir pleinement en tant qu'expérience unique, plutôt que de rester dans l'ombre de son prétendu ainé. Cette nouvelle direction a également ouvert la voie à une expansion de l'univers Street Fighter, avec des personnages de Final Fight faisant des apparitions mémorables dans d'autres jeux de la série. Le jeu a rapidement pris son propre chemin pour devenir un titre unique, transportant les joueurs dans les rues tumultueuses de Metro City, où le maire badass Mike Haggar et ses alliés, Cody et Guy, luttent contre le crime et la corruption.

Un Akiman très inspiré :
Les personnages de Final Fight sont devenus des icônes du jeu vidéo grâce au talent du chara-designer Akira Yasuda, également connu sous le nom de "Akiman". De Mike Haggar, inspiré par le célèbre catcheur "Rowdy" Roddy Piper, à Cody, influencé par le personnage de Snake Plissken du film "New York 1997", chaque protagoniste est doté d'un charme unique.
Outre Mike Haggar, le personnage d'Andore fait référence à un autre catcheur célèbre : André le Géant. D'autres personnages ont également des influences spécifiques.

L'essence de la baston :
Final Fight transporte les joueurs dans les rues dangereuses de Metro City, où le maire Mike Haggar et ses alliés, Cody et Guy, se battent contre le crime et la corruption. Le jeu se déroule sur six niveaux palpitants, chacun présentant son propre ensemble d'ennemis redoutables et de boss impitoyables. Les joueurs doivent traverser chaque niveau en utilisant judicieusement les objets environnementaux et en déchaînant une variété de combos pour progresser.

Des héros charismatiques :
Les personnages de Final Fight sont devenus des icônes du jeu vidéo, avec des signes distincts et des personnalités inoubliables. Mike Haggar, le maire musclé de Metro City, Cody, le rebelle au grand cœur, et Guy, le ninja agile, sont parmi les protagonistes les plus appréciés de la franchise. Sans oublier les antagonistes redoutables comme le géant Andore et le gangster sinistre Belger.



Censure et puritanisme américain :
À l'origine, Roxy était prévue pour être un personnage jouable, mais cette idée a été abandonnée et elle viendra garnir le rang des ennemis. L'un des points les plus controversés est la transformation du personnage de Poison dans la version américaine. Initialement féminine au Japon, elle est devenue transgenre dans la version américaine pour éviter des problèmes de censure liés à la violence contre les femmes dans les jeux vidéo.
Cependant, il est important de noter que l'histoire de Poison et la raison exacte de ce changement ont été sujettes à interprétation et débats parmi les fans du jeu. Certains ont vu ce changement comme une tentative de censure ou de gestion des controverses, tandis que d'autres ont apprécié la diversité ajoutée au jeu. En fin de compte, Poison est devenue l'un des personnages les plus reconnaissables de la série "Final Fight", indépendamment de son origine controversée.

La mélodie de la street :
La bande sonore de Final Fight, composée par Yoko Shimomura, colle parfaitement à l'action effrénée du jeu. Les thèmes musicaux dynamiques et entraînants captivent le joueur que nous sommes tout au long de notre périple à travers les rues dangereuses de Metro City, ajoutant une dimension assez épique à l'expérience de jeu. Chaque thème musical capture l'essence des différents niveaux et renforce l'immersion des joueurs dans l'univers vibrant de Metro City.

Une jolie baffe technique :
Les graphismes et les sprites de Final Fight ont été salués pour leur qualité et leur détail impressionnants, élevant l'esthétique du jeu à un niveau supérieur. Il ne faut pas oublier que le jeu date de 1989 ! Les personnages sont richement animés, avec des mouvements fluides et des expressions qui ajoutent à leur personnalité distincte, tandis que les environnements regorgent de détails saisissants.

Une Jouabilité Intuitive et Profonde :
Final Fight offre une jouabilité simple à prendre en main mais profonde dans ses mécaniques de combat. Les joueurs peuvent déchaîner une variété de combos et de techniques spéciales pour vaincre les hordes d'ennemis qui se dressent sur leur chemin, ajoutant une couche de stratégie à l'action frénétique.
Le gameplay de Final Fight allie habilement action frénétique et stratégie, offrant une expérience de jeu intense et gratifiante. Les joueurs peuvent également utiliser l'environnement à leur avantage pour vaincre les vagues d'ennemis qui se dressent sur leur chemin. Sabres, couteaux, barres de fer joncheront le sol des rues malfamées de Metro City. La jouabilité intuitive et la difficulté progressive garantissent une expérience captivante du début à la fin.



Un jeu pour les durs, les vrais :
Avec ses six niveaux variés et ses multiples ennemis et boss à affronter, Final Fight offre une durée de vie robuste qui garantit que les joueurs reviendront encore et encore pour relever le défi. La difficulté bien que progressive, reste vraiment élevé pour nos standards actuels. « One crediter » le jeu est une entreprise assez titanesque. Cela correspondait au business-model des salles d’arcades, où les bornes devaient (vraiment) se transformer en pompe à fric. Cependant tout cela est atténué aujourd’hui avec l’émulation ou les compilations retro qui autorisent les crédits infinis (et gratuits).

Baston rime avec adaptation :
Outre la version arcade, Final Fight a été porté sur diverses plateformes, y compris la Super Nintendo, où il a bénéficié d'une puce supplémentaire pour améliorer les graphismes. Par contre, on ne pouvait y jouer que seul, le personnage de Guy avait disparu du casting. Des adaptations ont également été réalisées sur d'autres consoles et ordinateurs personnels comme sur Mega-CD, version pas mal réussi, ou la très fidèle version Sharp X68000.

Apparitions dans d'autres Jeux :
Outre les jeux Street Fighter, les personnages de Final Fight ont fait des apparitions dans d'autres jeux Capcom. Mike Haggar, Cody, Guy, Poison, Rolento et Sodom sont tous apparus dans divers jeux de la licence Street Fighter et/ou dans les crossovers de Capcom en tant que combattants jouables ou personnages non jouables.

LE "POING" FINAL :
Final Fight reste un incontournable pour les amateurs de jeux rétro et d'action effrénée. Avec son casting mémorable, son gameplay addictif, sa bande sonore entraînante, ses graphismes de qualité, il demeure un classique intemporel qui mérite sa place dans l'histoire du jeu vidéo. Que vous soyez un vétéran nostalgique ou un joueur découvrant ce chef-d'œuvre du genre pour la première fois, Final Fight promet une expérience de jeu inoubliable. Du grand Capcom !


Fiche technique:
Titre original : Final Fight
Développeur : Capcom Production Studio 1
Éditeur : Capcom
Arcade System: CPS-1
Genre : Beat Them Up
Année de sortie initiale : 1989
Autres supports : Super Nintendo (1990), Amiga (1991), Atari ST (1991), Commodore 64 (1991), ZX Spectrum (1991), Amstrad CPC (1991), Sharp X68000 (1992), SEGA Mega-CD (1993), iPhone (2011)
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (Your Sinclair 59 - Novembre 1990)



Screenshots:

Pied léger... à la main lourde !
A la veille de Noël 1993, sortait discrètement un jeu de plateforme sur Super Famicom, développé par la société japonaise ASCII Corporation (disparu depuis) et qui porte le nom d’Ardy Lightfoot.
Cette société était connue surtout dans les années 1980 au Japon, car elle fût très active sur les anciens micro-ordinateurs japonais, notamment le MSX. Elle sortira aussi pas mal de titres sur les consoles Nintendo et notamment la Super Famicom. Ce titre fût importé et distribué chez nous par les français de Titus Software, connus pour le fantastique Superman 64…
Bref, on digresse, on se recentre avec ce jeu de plateforme en répondant à la question : fait-il parti des indispensables du genre sur la 16 bits de Nintendo ?


L'histoire se déroule dans le monde fantastique de la planète Guntania. Le joueur contrôle Ardy, un petit renard anthropomorphe, qui doit sauver sa meilleure amie, Cecilia, et le reste de son village des griffes du maléfique Visconti.

Le scénario suit Ardy dans son périple à travers différents mondes, affrontant des ennemis variés et résolvant des énigmes pour progresser. Tout au long de l'aventure, Ardy rassemble des gemmes magiques à travers 17 niveaux (ou scenes en anglais) pour affronter Visconti dans un combat final épique et sauver sa bien-aimée.
Très basique, le scénario d’Ardy Lightfoot se distingue surtout dans sa mise en scène. A la manière d’un Sonic 3 ou Sonic & Knuckles, le jeu est ponctué de scénettes réalisées avec le moteur du jeu, sans dialogues, qui ponctuent et font la transition entre les différents niveaux.

Cette manière de raconter l’histoire sur une bécane ancienne comme la Super Famicom résiste super bien au temps, tout en s’avérant très astucieux. On se souviendra surtout du renard, un anti-héros un peu rebelle et fougueux, qui viendra soutenir et sauver les fesses poilues de notre héros. L’histoire et sa mise en scène est incontestablement un des points forts du jeu d’Ascii.

Le jeu se présente donc comme un plateformer pur et dur, avec quelques niveaux comportant des combats de boss. Dans son périple, Ardy sera accompagné de son acolyte Pec, un espèce d’oiseau/Kirby glouton qui avale les ennemis sur son passage.
Le jeu est donc divisé en 17 niveaux, et la progression matérialisé par une carte ressemblant un peu à celle d’un Donkey Kong Country. Le titre reste hyper classique dans son déroulement et utilise que 2 boutons d’action de la manette SNES. Un bouton permet à Ardy de sauter, et un autre de balancer Pec dans le décor. Il est aussi possible d’activer un bouclier en pressant la flèche vers le haut, d’utiliser Pec comme d’un moyen de transport aérien, et d’utiliser encore ce dernier comme d’un projectile détruisant certains murs, toujours avec le second bouton.

Le jeu propose assez régulièrement des petites énigmes très faciles à vaincre, basées sur la pose d’une bombe devant un mur, ou la prise et la pose d’une bloc pour atteindre des endroits élevés. Pour vaincre les ennemis, Ardy utilisera Pec qui les gobera sec, ou utilisera sa queue pour les dégommer. Et là je me rends compte que cette dernière phrase placée dans un autre contexte est particulièrement tendancieuse.
Bref, retour à nos moutons, ou à notre renard plutôt, en affirmant qu’à l’instar de l’histoire, la réalisation technique est de très bonne facture. Les graphismes sont beaux, les spirtes gros et bien animés, les couleurs sont chatoyantes, les décors sont très fins etc… L’animation est de même calibre, tout comme la musique qui sans être inoubliable, accompagne très bien l’action.

Jusque-là, on peut affirmer sans sourciller qu’ASCII ne s’est pas moqué des joueurs et propose un jeu fait avec sérieux. Sauf au moment où…

… On prend la manette ! Et là les choses se gâtent un peu. L’inertie d’Ardy est bizarre, le personnage n’est pas spécialement souple, mais surtout les commandes sont tout simplement mal foutus ! Bon sang, la Super NES avait 6 boutons d’action. Pourquoi n’en utiliser que 2, et nous forcer à faire des manipulations lourdingues, notamment pour le coup de queue qui est CENTRAL dans le gameplay. Ce coup ressemble dans son utilisation au coup de canne de Picsou dans Duck Tales, mais en plus laborieux à réaliser et à maitriser. Cela n’aurait pas été un si grand défaut si le jeu n’affichait pas une difficulté hyper mal réglée.
Certains passages plateformes sont littéralement élevés au rang de torture, notamment le niveau de la tour. Le jeu est vraiment très difficile de base et est rendu encore plus difficile avec des contrôles mal étudiés. C’est dommage, mais vraiment dommage.

Réalisé avec grand soin, Ardy Lightfoot se plante (un peu) sur l’essentiel, à savoir le gameplay et le plaisir qu'il procure. Le titre d’ASCII se révèle maladroit, et finalement peu accueillant pour le joueur lambda.
Certaines idées comme l’utilisation de Pec aurait mérité d’être plus mis en avant, les ennemis auraient gagné en variété (il n’y a quasiment qu’un seul type d’ennemis durant TOUT le jeu), les contrôles auraient gagné à utiliser plus de boutons de la manette, et la difficulté revu un peu à la baisse. Avec toutes ces corrections, on aurait obtenu un hit en puissance de la Super Famicom (un de plus me diriez-vous), là on se contente simplement d’un jeu au capital sympathie énorme, au charme irrésistible, mais qui reste finalement un peu en retrait. Une fois de plus : c’est dommage

Fiche Technique:
Titre: Ardy LightFoot
Développeur: ASCII Entertainment
Éditeur: Titus Software
Genre: PLATEFORME
Année: 1993
Autres supports: -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Joypad 039 - Février 1995)



Screenshots:

Test de l'émission Mega 6 (M6) - 15 février 1995

[/g]

Ours mal leché...
0.
Oui 0, ou zéro. A quoi correspond ce chiffre me diriez-vous ? Et bien tout simplement au niveau d'affection que j'éprouve pour l'Atari VCS ou Atari 2600.
Et oui, je suis né en fin d'année 1980, du coup je n'ai pu être un témoin de l'épopée de cette console 8 bits.
Du coup, quand on me met entre les mains un jeu comme Crystal Castles, et bien forcément, ça risque de secouer et pas qu'un peu.
Alors quand on me dit que cela ne sert à rien de noter des titres aussi anciens, je répond par ce genre de questions :
"Ca se vend toujours non ?"
"Contre de l'argent ?"
"Par exemple, au prix de 19.99€ dans la collection Atari Collection 1 sur l'Evercade, (support auquel j'y ai joué) ?".
Oui ou non ?
Oui ??!! Oui, on est d'accord...
Très bien, dans ce cas je me permet de sortir la sulfateuse !


"Crystal Castles" sur Atari 2600 est une tentative d'adaptation d'un fameux jeu éponyme sorti originellement en 1983 sur borne d'arcade, sur une console de salon beaucoup moins puissante. Développé par Atari et paru en 1984 dans une VCS à l'agonie, ce jeu propose une expérience qui, pour le dire poliment, peut être difficile à apprécier pour certains joueurs.

Graphismes (2/10)
Les graphismes de Crystal Castles sur Atari 2600 sont rudimentaires, même pour les standards de l'époque. Les sprites sont grossièrement dessinés, les décors manquent de clarté et tout semble assez confus à l'écran. Les couleurs sont fades et il est parfois difficile de distinguer les différents éléments du jeu.

Jouabilité (3/10)
La jouabilité de "Crystal Castles" sur Atari 2600 est tout aussi déconcertante que ses graphismes. Vous contrôlez Bentley Bear, un ours qui doit collecter des cristaux dans un labyrinthe rempli d'ennemis. Cependant, les contrôles sont raides et peu précis, ce qui rend difficile la navigation dans les niveaux. De plus, la détection des collisions est souvent imprécise, ce qui peut rendre frustrante la collecte des cristaux.

But du jeu (??/10)
Le but du jeu dans "Crystal Castles" sur Atari 2600 est... une bonne question. Collecter des cristaux semble être l'objectif principal, mais il n'y a pas vraiment de structure ou de progression claire. Les niveaux semblent se répéter indéfiniment et il est difficile de dire si vous progressez réellement dans le jeu.
J'ai essayé quand même, mais non au bout de 10 minutes basta, et je suis vite passé à quelque chose de beaucoup plus sérieux.

Conclusion/10
En conclusion, "Crystal Castles" sur Atari 2600 est une adaptation décevante d'un classique de l'arcade.
Je ne connais le jeu arcade que de réputation seulement, et je sais que les joueurs de l'époque l'affectionne pas mal. Néanmoins je suis désolé, mais avec des graphismes mega basiques, une jouabilité médiocre et un but de jeu cryptique, il est difficile de recommander cette version à quiconque, sauf peut-être aux collectionneurs nostalgiques qui ont connu cette époque ou aux fans les plus dévoués de la console Atari 2600.
Pour les autres, un gros NEXT.

Fiche technique:
Titre original : Crystal Castles
Développeur : ATARI
Éditeur : ATARI
Genre : Plateforme
Année de sortie initiale : 1984
Autres supports : Atari 8-bit, Atari 5200, Apple II, Arcade, BBC Micro, Colmmodore 64, Amstrad CPC, PC, Atari ST, Sinclair ZX81, ZX Spectrum
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE (Replay Score)



Screenshots:

Tales of Recyclage ?
Sorti sur une superbe Xbox 360, Tales of Vesperia garde sur une certaine place de choix dans le cœur des joueurs européens que nous sommes car il fût longtemps l’un des rares à poser ses valises chez nous.
Histoire de fêter dignement le 10e anniversaire du jeu, et dans la même occasion de nous caresser dans le sens du poil nous joueurs d’Europe (mais pas que), Bandai Namco eut la bonne idée de ressortir en janvier 2019 son RPG fameux dans une édition complète qui se nomme sobrement chez nous Tales of Vesperia : Definitive Edition.
N’ayant pas joué à l’épisode Xbox 360, j’ai donc découvert complètement cet épisode dans sa version Switch. Il n’y aura donc pas de comparaison possible entre la version précédente (les différentes versions récentes aussi) et celle-là, mais je sais que cette version Definitive amène les DLC de la version PS3 (disponible qu’au Japon), un Flynn jouable, des quêtes en plus, des costumes. Bref, de toute façon si vous voulez faire toutes les éditions, libre à vous, ici je me concentrerai uniquement et exclusivement sur cette version Switch.


Dans le monde de Terca Lumeiris, l'aer règne en tant que force primordiale, donnant naissance aux humains et aux monstres qui peuplent ce monde. Pour protéger les humains des dangers extérieurs, notamment des monstres, des barrières nommées « blastia » entourent les villes, assurant également les besoins essentiels de leurs habitants.
À Zaphias, la capitale de Terca Lumeiris, plus précisément dans ses baffons, Yuri Lowell, un ancien chevalier impérial qui a démissionné en désaccord avec l'empire, consacre désormais ses efforts à aider les laissés pour compte de son quartier. Un jour, une inondation submerge le quartier inférieur où il vit, provenant de la fontaine centrale. Intrigué, Yuri découvre que le noyau de la fontaine qui protège son quartier, l'aque blastia, a mystérieusement disparu. Informé qu’un puissant mage répondant au nom de Mordio est le dernier à avoir été vu près du blastia, Yuri décide de se rendre dans le quartier noble pour enquêter sur la chose.

Lors d'une tentative d'intrusion dans une résidence noble, Yuri est appréhendé par les gardes et jeté en prison. Au cours de son évasion, il rencontre une jeune fille du nom d’Estellise poursuivie par les gardes. Cette dernière semble rechercher un certain Flynn, un ami d'enfance de Yuri, ce qui le pousse à vouloir l'aider tout en ne perdant pas de vue son objectif principal : retrouver Mordio et récupérer l'aque blastia, coûte que coûte.
Voilà le point de départ de Tales of Vesperia. Par la suite, notre duo de départ fera mout rencontres comme le jeune et peureux Karol, la caractérielle Rita, l’elfe à gros seins Judith, ou encore Raven le vieux (35 ans, oui c’est TRES VIEUX dans un J-RPG) qui est là pour amuser la galerie.
L’histoire dans l’ensemble passe assez bien, et se laisse suivre dans grand souci. Les personnages sont très attachants, le doublage japonais n’y est d’ailleurs pas étranger. Mais j’ai soulevé quelques problèmes que je vous partage ici :

Prévisibilité narrative : Malgré des personnages bien développés et des éléments de narration complexes, certains aspects du scénario peuvent sembler prévisibles pour les joueurs familiers avec le RPG nippon (un peu à l’ancienne). Les rebondissements et les événements clés peuvent être anticipés, ce qui peut réduire l'impact émotionnel de certaines révélations. Aussi, par moment, certains actes n’ont finalement peu de conséquences. (Escapades nocturnes de Yuri…)

Manque d'originalité dans les quêtes secondaires : Bien que le jeu propose une grande variété de quêtes secondaires, celles-ci peuvent parfois manquer d'originalité dans leur conception et leur exécution. Les objectifs des quêtes peuvent sembler répétitifs, ce qui peut diminuer l'enthousiasme du joueur à les compléter. Je ne m’y suis peu intéressé personnellement.

Scénario moins complexe que d'autres jeux de la série : Comparé à certains autres jeux de la série "Tales of", le scénario de "Vesperia" pourrait être perçu comme moins complexe ou profond dans ses thèmes et ses intrigues. J’aurais aimé une exploration plus approfondie des motivations des personnages et des enjeux politiques ou sociaux du monde du jeu.

Utilisation de trop de clichés narratifs : Bien que le jeu présente des personnages intéressants et charismatiques, il pourrait être critiqué pour son utilisation excessive de clichés narratifs, tels que le héros rebelle qui défie l'autorité ou la quête de vengeance personnelle, la fille idéale, l’intello caractérielle, le petit gars qui se chie dessus, le vieux un peu lubrique... Certains joueurs pourraient souhaiter une approche plus originale et novatrice dans la construction du récit.

Équilibrage entre l'histoire principale et les éléments optionnels : Certains joueurs pourraient trouver que le jeu ne parvient pas à équilibrer de manière optimale l'histoire principale avec les éléments optionnels tels que les recettes de cuisine et les synthèses d'armes. Cela pourrait conduire à une sensation de déséquilibre dans la progression du jeu et dans l'attention portée aux différents aspects de l'expérience de jeu. En gros, quand ça ne blablate pas à outrance, on passe notre temps une (très) bonne partie dans les menus. Le jeu dispose en effet de pas mal de longueurs avec des dialogues entre les personnages de votre équipe beaucoup trop nombreux.

En ce qui concerne le game-system, il reste fidèle à la série des Tales of, et nous allons le décrire assez succinctement pour les non-initiés.
Le système de combat de "Tales of Vesperia" est en temps réel, ce qui signifie que les joueurs peuvent contrôler directement les mouvements de leur personnage pendant les combats. Les attaques, esquives et blocages se font en temps réel, offrant une expérience dynamique et immersive.

Les combats se déroulent sur un plan en deux dimensions, où les personnages et les ennemis se déplacent librement. Les joueurs peuvent sélectionner les actions de leur personnage à partir d'un menu et les exécuter en temps réel.
Chaque personnage possède un ensemble d'Artes, des compétences spéciales qui peuvent être utilisées en combat. Les Artes sont débloquées et améliorées au fur et à mesure que le personnage gagne de l'expérience. Les joueurs peuvent également équiper des compétences passives qui améliorent les capacités de leur personnage.

"Tales of Vesperia" introduit un nouveau système appelé la jauge de surcharge (ou hors-limites). Cette jauge se remplit au fur et à mesure que le personnage attaque ou reçoit des dégâts. Une fois pleine, elle permet au personnage d'exécuter des attaques spéciales dévastatrices appelées Mystic Artes.

Les joueurs doivent adopter une stratégie efficace en combat en utilisant les compétences et les Artes de leurs personnages de manière tactique. La gestion des ressources telles que la santé et les points de magie est également importante pour assurer la survie de l'équipe pendant les combats. Les joueurs peuvent personnaliser les techniques de combat de leurs personnages en ajustant leurs compétences, équipements et Artes. Cela permet de créer des combinaisons uniques et d'adapter le style de combat à chaque situation.

On en a parlé un peu précédemment, dans "Tales of Vesperia", les recettes de cuisine jouent un rôle important dans le jeu. Les joueurs peuvent collecter des ingrédients à travers le monde et les utiliser pour cuisiner différents plats. Chaque plat confère des bonus temporaires aux personnages, tels que l'augmentation des points de vie, la régénération des points de magie ou l'amélioration des statistiques en combat. La découverte de nouvelles recettes et la préparation de plats spéciaux deviennent donc une partie intégrante de la progression du jeu.

Les joueurs peuvent également fabriquer et améliorer leurs armes grâce au système de synthèse d'armes. En collectant des matériaux spécifiques et en les combinant dans les ateliers appropriés, les personnages peuvent créer des armes plus puissantes avec des statistiques améliorées et des compétences spéciales. Cette fonctionnalité permet aux joueurs de personnaliser les capacités de combat de leurs personnages selon leurs préférences et leur style de jeu. Cela rappelle pour les connaisseurs un certain Final Fantasy IX et ses compétences à obtenir sur les armes.
D’ailleurs parmi les similitudes avec le hit de Square-Enix, on peut citer l'esthétique visuelle et artistique, notamment le design des personnages et des environnements qui évoquent une atmosphère fantastique et médiévale. De plus, les deux jeux présentent des éléments de narration complexes et des personnages bien développés.


Techniquement le titre de Bandai Namco vieillit bien malgré ses 10 longues années. La patte artistique n’y est pas étrangère, tout comme la colorimétrie. Sur Switch, en mode portable, le résultat est propre et sans bavures. Le tout est bien animé sauf à de rares occasions (vers la fin) où on peut observer certains ralentissements.
La bande sonore est de qualité (sauf quelques thèmes un peu courts, qui bouclent trop vite à mon goût), le doublage japonais l’est tout autant. A moins d’être passionné par la langue anglaise, oubliez le doublage américain.
Le système de combat, et là-encore je pars dans du reproche, met vraiment pas mal de temps pour s’apprécier. Si les combats pendant un gros début s’avèrent un peu fade, ils gagnent en intérêt à partir de la seconde moitié du jeu je dirais. Comme le jeu se boucle en environ 50 heures, il faudra donc s’armer de patience avant de commencer à exploiter pleinement le potentiel des combats.

Il est difficile de ne pas aimer ou du moins apprécier Tales of Vesperia. Malgré des défauts certains, comme une trame qui aurait mérité un peu plus de surprises, des personnages au fond assez clichés, le fait que le jeu soit HYPER bavard, un titre qui met du temps à démarrer, un aspect gargantuesque avec des recettes/synthèses/du stuff à l’inifini etc… Malgré tout ça, Tales of Vesperia : Definitive Edition réussit à nous captiver et à nous maintenir impliqué, grâce des personnages charismatiques et attachants, un système de combat assez jouissif et une durée de vie exemplaire.
De plus jouer à un hit de la XBOX 360, dans son lit tranquille en mode console de poche, que dire si ce n’est que c’est le pied ! Bref, je conseille à ceux qui ont une Nintendo Switch d’aller trainer du côté de Terca Lumeiris, ils ne regretteront pas la visite.

Fiche technique:
Titre : Tales of Vesperia: Definitive Edition
Conception : BANDAI NAMCO
Genre : RPG
Année : 2019
Autre(s) support(s) : PC, XBOX ONE, PS4, XBOX 360, PS3
Nombre de joueur(s) : 1
Localisation :

NOTE PRESSE (Gamekyo.com - 25/01/2019 - 8/10)



Screenshots:

Pub TV (Japon)

C encore nous !
Après un départ très solide bien que toutefois perfectible avec le premier Contra, la sortie de Super Kontora: Alien No Gyakusyuu ou Super C ou encore Super Contra, à peine un an plus tard, était l'occasion pour Konami de redonner un nouveau souffle à sa franchise.
Pour ma part, je me demandais si cette suite arriverait définitivement à me faire adhérer en totalité à cette saga de Konami ou si elle confirmerait certaines réticences exprimées lors du test du premier épisode. Voici mes impressions après cette nouvelle plongée dans l'univers impitoyable et "alienesque" de Contra.



L'HORREUR CONTINUE
Super Contra nous transporte en décembre 2634, un an après les événements du premier opus. Le général Hal envoie un appel de détresse depuis la base GX d’Amérique du Sud, plongée dans le chaos. Bill Rizer et Lance Bean, nos héros malheureux, se retrouvent de nouveau en première ligne, confrontés à une menace extraterrestre insidieuse. L'histoire reprend là où elle s'était arrêtée, offrant une continuité bienvenue pour les fans de la série. Cependant à part poser un cadre, la trame n'a aucun intérêt.

ACTION À L'ANCIENNE
Super Contra reste fidèle à ses racines de run 'n gun, une formule qui a fait ses preuves dans le premier opus. L'écran est orienté de manière surprenante, abandonnant le format vertical pour un affichage horizontal plus traditionnel. Les cinq niveaux qui composent le jeu offrent une variété de décors, des couloirs sombres aux jungles hostiles, en passant par les cavernes alien. Malgré quelques améliorations, comme des niveaux légèrement plus longs, le gameplay reste essentiellement inchangé par rapport à son prédécesseur. Toutefois les niveaux en vue à la 3e personne laissent place cette fois à des niveaux vus en hauteur.

ARMEMENT ÉVOLUTIF
Une des caractéristiques les plus marquantes de Super Contra est son arsenal évolutif. En plus de votre arme de base aux munitions illimitées, vous pouvez récupérer diverses armes sur le champ de bataille, telles que des mitrailleuses, des grenades, des lasers et des tirs de type spread. Chaque arme offre des avantages uniques, mais avec un nombre limité de munitions. Une nouveauté bienvenue est la possibilité d'améliorer ces armes en les récupérant plusieurs fois consécutivement, offrant des variations de tir plus puissantes et stratégiques.

GRAPHISMES ET SON
Malheureusement, Super Contra ne brille pas par ses graphismes ou sa bande-son. Les teintes sombres et les décors monotones rendent l'expérience visuelle moins attrayante que son prédécesseur. De plus, la bande-son, bien qu'entrainante, manque de thèmes mythiques présents dans le premier Contra. Malgré tout, les animations restent relativement fluides, ce qui contribue à maintenir l'action à un rythme effréné.

DIFFICULTÉ (très, très) ÉLEVÉE
La difficulté reste un point fort de la série, et Super Contra ne fait pas exception. Avec une courbe de difficulté abrupte et peu de marge d'erreur, le jeu exige une maîtrise précise des mécaniques de gameplay. L'apprentissage par cœur des niveaux et des schémas d'attaque ennemis est essentiel pour progresser, offrant un défi très satisfaisant pour les joueurs les plus déterminés, ou les plus tarés au choix.
En soi, la durée de vie est (vraiment hyper) courte, mais cette difficulté abusive la dope considérablement.

VERDICT FINAL
Super C ou Super Contra apporte quelques améliorations bienvenues par rapport à son prédécesseur, mais il n'échappe pas aux défauts qui ont entravé la série depuis le début. Malgré des innovations telles que l'arsenal évolutif et des niveaux légèrement plus longs, le jeu souffre de graphismes ternes et plutôt médiocres, d'une bande-son perfectible et d'une difficulté impitoyable. Pour les fans de la série et les amateurs de défis corsés, Super Contra offre une expérience tout à fait satisfaisante, mais pour les moins patients, il est plus sage de s'en détourner. Et vous savez quoi : vos nerfs vous remercient déjà !

Fiche technique:
Titre original : Super Kontora: Alien No Gyakusyuu
Développeur : KONAMI
Éditeur : KONAMI
Arcade System: NINTENDO PLAYCHOICE 10 HARDWARE
Genre : Action-Plateforme
Année de sortie initiale : 1988
Autres supports : Amiga, PC, NES, XBOX 360
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (Power Play 004 - Mars 1988 )



Screenshots:

Riiiiiiidge Skieur !!!
Dans le monde des jeux d'arcade, vous trouvez tous types de bornes diverses et variées, mais surtout spectaculaire. C'est justement le cas de la borne d'Alpine Ski 2, vue dans les salles d'arcade en 1996, soit un an après la sortie du premier volet. Développé par Namco, ce jeu de ski alpin en arcade promet une descente palpitante sur des pistes enneigées et des paysages à couper le souffle. Mais est-ce que ce jeu offre vraiment une expérience de glisse épique ou se contente-t-il de déraper salement sur la pente des attentes ? Nous avons chaussé nos skis virtuels pour découvrir la réponse.


Dès que vous vous lancez sur les pistes de ski d'Alpine Racer 2, vous êtes immédiatement frappé par la beauté saisissante des paysages enneigés et des décors alpins détaillés. Les effets de lumière et de météo ajoutent une profondeur immersive à l'expérience, vous transportant réellement dans un monde de montagnes majestueuses et de descentes vertigineuses. Bien que les graphismes ne soient peut-être pas les plus avancés de leur époque, leur charme rétro et leur esthétique soignée les rendent toujours impressionnants à ce jour.

Alpine Racer 2 offre deux modes de jeu principaux qui ajoutent une variété intéressante à l'expérience. Le mode Course vous met au défi de dévaler les pistes le plus rapidement possible, en évitant les obstacles et en prenant des virages serrés pour battre vos adversaires et atteindre la ligne d'arrivée en premier. Chaque piste propose un défi unique, des virages serrés des descentes vertigineuses, offrant ainsi une expérience de course palpitante à chaque essai.

D'un autre côté, le mode Slalom met l'accent sur la précision et la technique. Vous devez négocier une série de portes étroites disposées le long de la piste dans un temps limité. Chaque porte franchie avec succès vous rapproche de la victoire, mais la moindre erreur peut vous coûter cher en temps et en points. Ce mode exigeant mettra à l'épreuve vos compétences en slalom et vous poussera à affiner votre technique pour maîtriser chaque descente. Chaque mode propose 2 descentes.

En dehors des modes de jeu, Alpine Racer 2 est également connu pour ses bornes de jeu spéciales qui imitent les sensations du ski alpin. Les joueurs peuvent monter sur des simulateurs de ski qui bougent et s'inclinent en fonction des mouvements du joueur, ajoutant ainsi une dimension physique et immersive à l'expérience de jeu. Ces cabines ont été très populaires dans les salles d'arcade et ont contribué à renforcer l'attrait du jeu pour les amateurs de sensations fortes.


La jouabilité d'Alpine Racer 2 est à la fois simple à comprendre et difficile à maîtriser. Les commandes intuitives vous permettent de diriger votre skieur avec précision, tandis que la sensation de vitesse est parfaitement capturée à chaque descente. Les virages serrés, les sauts et les obstacles sur la piste ajoutent une dose supplémentaire de défi, vous obligeant à rester constamment concentré pour éviter les chutes désastreuses. Cependant, certains pourraient trouver que la courbe d'apprentissage est un peu abrupte au début, ce qui peut décourager les novices. A signaler que j'y avais joué en arcade dans une salle marseillaise il y a un sacrée moment, mais récemment j'y ai surtout rejoué en émulation en configurant un stick arcade. Même dans cette configuration, les sensations restent bonnes.

L'ambiance sonore d'Alpine Racer 2 vous plonge dans l'action avec des effets sonores réalistes qui vous font sentir comme si vous dévaliez réellement les pentes enneigées. Le bruit du vent sifflant dans vos oreilles et le grincement de la neige sous vos skis ajoutent une dimension authentique à l'expérience de jeu. De plus, la bande-son entraînante vous encourage à repousser vos limites et à poursuivre la ligne d'arrivée avec détermination. L'aspect sonore rappelle beaucoup un jeu comme Ridge Racer (notamment le commentateur qui met l'ambiance !).

Avec plusieurs pistes à débloquer, des défis à relever et des records à battre, Alpine Racer 2 offre une rejouabilité solide qui incite les joueurs à revenir encore et encore pour améliorer leurs performances. De plus, un mode multijoueur est disponible et ajoute donc une dimension sociale au jeu.

Alpine Racer 2 réussit brillamment à capturer l'essence de la glisse alpine avec ses graphismes époustouflants pour l'époque (et qui restent franchement valables aujourd'hui), sa jouabilité exigeante et son ambiance immersive. Que vous soyez un amateur de ski chevronné ou un novice à la recherche d'une descente excitante, ce jeu vous amènera votre dose de sensations grâce entre autres à une impression de vitesse absolument grisante.
Au milieu des années 1990, les japonais impressionaient la terre entière avec leur maîtrise de la 3D, Alpine Racer 2 en est un argument supplémentaire. Malgré un âge certain, et un contenu de base un peu faible, le titre de Namco s'avère toujours aussi puissant. Du pur plaisir arcade !

Fiche technique:
Titre original : Alpine Racer 2
Développeur : NAMCO
Éditeur : NAMCO
Arcade System: NAMCO SYSTEM SUPER 22 HARDWARE
Genre : Sport
Année de sortie initiale : 1996
Autres supports : -
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (All Game)



Screenshots:

Quand on ignore qu'on va bientôt glisser sur un hérisson...
Après avoir parcouru le monde des miracles à la recherche de son frère, voyager dans l'étoile perdue avec Stella, fait du bmx comme un kéké, ou encore prendre le rôle d'une princesse japonaise dans un jeu bizaroïde où il doit se rendre dans une salle d'arcade, Alex Kidd débarqua en février 1989 sur une juvénile Megadrive japonaise dans Alex Kidd in the Enchanted Castle. Le jeu arrive à la sortie de la console chez nous en 1990.
Malgré la présence de notre guest simiesque et préstigieux, le titre de Sega s'est pris les pieds dans le tapis, amorçant ainsi le déclin de notre Alex national.


Alex Kidd in The Enchanted Castle, qui est d'ailleurs le seul épisode à être sorti sur Megadrive, s'inscrit comme une espèce de suite à Alex Kidd in Miracle World.
Alex doit ici aller sauver son père, qui s'appelle ici le roi Thor, des griffes d'un vilain méchant répondant au nom de Ashra. Ce dernier l'a fait prisonier sur sa planète, la planète Paperock (tiens donc...).
Comme le dit si bien Carole Quintaine, Alex Kidd "va taper une pointe" pour aller sauver son papa.
Autant dans Alex Kidd in Miracle World, il y avait un vrai scénario, des cut-scenes, une trame, un enjeu etc... Autant sa suite est à ce niveau-là bien merdique. Si ce n'était que ça...

Il est difficile de ne pas remarquer les lacunes visuelles d'Alex Kidd in the Enchanted Castle, et c'est le moins que l'on puisse dire. Les graphismes sont loin de ce que la Mega Drive est capable de produire, avec des sprites grossiers et des décors vides et peu détaillés. Les couleurs vives apportent un peu de vie au jeu, mais dans l'ensemble, l'esthétique est terne et décevante. Il est important de noter que ces limitations graphiques sont en grande partie imputables au manque de ressources des développeurs, qui n'avaient pas reçu le kit de développement officiel. Apparement ils l'ont donc développer à l'aveugle (et dans un gros stress) et ça se voit...

Notre ami évolue à travers un gameplay classique qui vous transportera dans une aventure pleine d'action. Dans ce jeu de plateforme très classique, vous contrôlez Alex affrontant ennemis redoutables et résolvant des petites énigmes à chaque tournant. Ce qui est appréciable c'est que chaque niveau réserve son lot de surprises et de pièges. Avec 11 niveaux variés, allant des forêts luxuriantes aux cavernes souterraines, en passant par les sommets enneigés, l'aventure est bien présente. Le level-design est plutôt bien pensé dans l'ensemble, l'action bien variée.

En plus des défis traditionnels de plateforme, Alex Kidd in the Enchanted Castle propose également des duels de "Pierre-Papier-Ciseaux" (PFC) contre des singes rigolos ou des boss (une danseuse du ventre, un "tortue géniale", un ours qui a le rythme dans la peau ????). Les combats de singes dans les boutiques permettent de gagner des objets précieux à utiliser. Ces boutiques sont donc disséminées à travers tout le jeu.

Cette approche innovante ajoute une dimension stratégique unique à l'expérience de jeu, où la gestion habile des ressources est aussi importante que les compétences de plateforme. A ce sujet, il est très agréable de retrouver des objets d'Alex Kidd in Miracle World (moto, pedicopter, bague, canne etc), et que leur gestion s'avère plus poussé.
Dans le principe, ce jeu est paré de bonnes intentions, mais le problème encore une fois c'est l'exécution.


Il faut l'avouer, les contrôles d'Alex Kidd in the Enchanted Castle sont un véritable point de friction. L'inertie lourde d'Alex rend les déplacements peu précis et frustrants, tandis que la gestion des hitboxs semble parfois aléatoire, entraînant des collisions injustes avec les ennemis et les obstacles. De plus, la gestion des sauts est particulièrement problématique, avec un timing peu intuitif qui rend les interactions avec les ennemis difficiles à anticiper. Un bouton de saut distinct aurait certainement amélioré l'expérience, permettant aux joueurs de mieux contrôler les mouvements d'Alex. Car là on saute et on tape en même temps. Là encore je pense que les développeurs ignoraient que le Megadrive aura 3 boutons...

La bande-son d'Alex Kidd in the Enchanted Castle est un point lumineux dans un océan de médiocrité. Les mélodies entraînantes et les effets sonores rétro ajoutent une ambiance agréable au jeu, contribuant à maintenir l'intérêt du joueur malgré ses défauts. Cependant, même la musique entraînante de Chikako Kamatani (Aztec Adventure, Mystic Defender, OutRun 3-D, etc...) ne peut pas compenser complètement les lacunes du gameplay.

Bien que les contrôles imprécis et les défauts graphiques puissent dissuader certains joueurs, Alex Kidd in the Enchanted Castle offre tout de même une certaine rejouabilité. Les niveaux variés et les secrets à découvrir encouragent les joueurs à revenir pour de nouvelles tentatives, tandis que le défi accru peut satisfaire ceux qui recherchent une expérience de jeu exigeante. Cependant, la frustration potentielle causée par les contrôles défaillants peut limiter la volonté des joueurs de revenir pour plus.
Aussi le dernier niveau (Sky Castle) est particulièrement réussi, difficile et long. Les châteaux dans Alex Kidd, c'était toujours quelque chose !

Alex Kidd in the Enchanted Castle reste un témoignage intéressant de l'ère des jeux de plateforme classiques, mais il est malheureusement terni par des contrôles imprécis et des graphismes décevants, en grande partie dus au manque de ressources des développeurs. Malgré ses défauts, le jeu conserve un certain charme rétro et peut offrir une expérience divertissante pour les joueurs patients et tolérants à ses imperfections. Cependant, pour ceux en quête d'une expérience de jeu fluide et gratifiante, il vaut peut-être mieux chercher ailleurs.

Fiche Technique:
Titre: Alex Kidd in The Enchanted Castle
Développeur: Sega
Editeur: SEGA
Genre: PLATEFORME
Année: 1989
Autres supports: -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (TILT 083 - Novembre 1990)



Screenshots:

Bonus retro:
Et en bonus, je propose la pub japonaise avec notre ami à la coupe au bol qui était de partout au lancement de la machine.

Kawaï-Shinobi
Alex Kidd in Shinobi World est un jeu vidéo d'action-plateforme développé par Sega et sorti en 1990 sur la console Sega Master System. Dans ce titre, Alex Kidd, le personnage emblématique de Sega, se lance dans une aventure périlleuse inspirée de l'univers de Shinobi.


L’histoire de “Alex Kidd in Shinobi World” met en scène Alex Kidd, le héros du royaume de Radaxian, qui se lance dans une quête pour sauver sa bien-aimée, la princesse Lora, enlevée par le méchant ninja Ashura. Pour la sauver, Alex doit traverser des niveaux dangereux et affronter de redoutables ennemis, dont des boss puissants, pour atteindre le repaire d’Ashra.
Et là on met le pied dans un putain de paradoxe car de ce que je sais dans Alex Kidd in Miracle World qui précède ce jeu, c'est la femme de son frère jumeau Igul. D'ailleurs la copine d'Alex est à ma connaissance Stella. Bref tout cela est curieux mais sans conséquence sur la suite de cette critique.

Le titre de Sega se présente comme un jeu d'action-plateforme pur jus, s'insipirant de son illustre modèle qu'il parodie gaiement, Shinobi avec tout de même un aspect plateforme nettement plus fourni chez notre jeune ninja aux grandes oreilles.
Alex dispose d'un katana pour attaquer les ennemis, ainsi de projectiles à récupérer de temps à autre. En outre il pourra s'agripper à des barres de métal et se projecter sur des ennemis tels une boule de feu.

La jouabilité est fluide et réactive, bien que parfois exigeante, comme c'était souvent le cas dans les jeux de plateforme de l'époque. Les mécaniques de jeu restent fidèles au genre, avec des sauts précis, des ennemis à vaincre, et des boss à affronter à la fin de chaque niveau. Boss qui sont là-encore des parodies mignonnes de leur modèle sur Shinobi.

Les graphismes de "Alex Kidd in Shinobi World" sont colorés et bien définis, typiques des productions de Sega à l'époque. Les décors et les sprites des personnages sont détaillés, et les environnements offrent une variété visuelle appréciable, allant des montagnes enneigées aux temples japonais.

La bande sonore n'est pas en reste et s'avère remarquable pour son utilisation de thèmes emblématiques de la série Shinobi, réarrangés pour s'adapter au style du jeu. Les mélodies énergiques et accrocheuses contribuent à l'atmosphère dynamique et guillerette du jeu et immergent les joueurs dans l'action.

Anecdotes sur le Développement:
- Alex Kidd in Shinobi World est le dernier jeu de la série Alex Kidd à être sorti sur la Sega Master System. Et aussi le dernier développé par Sega. C'est aussi le dernier titre estampillé Alex Kidd à être sorti jusqu'à son retour dans Alex Kidd in Miracle World DX, en juin 2021, soit 31 ans plus tard !!!! Une éternité !
- Le jeu était à l'origine prévu comme une parodie claire et très premier degré de la série "Shinobi", d'où son titre. Il incorpore de nombreux éléments humoristiques et des clins d'œil à la franchise Shinobi. Les équipes de Sega ont décidé de rajouter durant le développement Alex Kidd car il était « connu » en occident, le titre n’étant pas paru au Japon. Alex Kidd est plus vendeur qu’un chibi Joe Musahi.
- Le premier boss du jeu, qui devait s'appeler "Mari-oh", est un pastiche de Mario. On remarque d'ailleurs qu'il devient petit quand on lui inflige un certain nombre de dégâts et tire des boules à la manière de Mario avec son costume blanc.
- Yuji Naka, le fameux développeur de chez Sega connu de tous, a joué un rôle important dans la conception du jeu, notamment en supervisant le développement et en contribuant à l'optimisation de la jouabilité. On dira qu'il a assuré sa mission avec brio.

"Alex Kidd in Shinobi World" offre une expérience de jeu divertissante et nostalgique pour les fans de Sega et des jeux de plateforme rétro. Avec ses graphismes colorés, sa jouabilité solide, ses touches d'humour et sa musique inspirée de Shinobi, le jeu reste un classique apprécié des amateurs de rétrogaming et mérite d'être redécouvert par les nouveaux joueurs.
Pour moi, et je le dis sans rougir, il s'agit du meilleur épisode d'Alex Kidd en attendant le remake de Miracle World que je compte faire incessamment sous peu.

Fiche Technique:
Titre: Alex Kidd in Shinobi World
Développeur: SEGA
Editeur: SEGA
Genre: ACTION-PLATEFORME
Année: 1990
Autre support: -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Player One 003 - Novembre 1990)



RESSOURCE PRESSE



Screenshots:

Un rêve bleu... et éphémère !
Quand on parle d'Aladdin et de jeux vidéo, on pense soit à la très léchée version Megadrive développée par Virgin Games en collaboration avec Disney, ou soit à la version Super NES, très solide ludiquement parlant, oeuvre des japonais de chez Capcom.
Aujourd'hui, nous allons aborder une version nettement moins connue, la version Game Gear de Disney's Aladdin. Pour cette version portable couleur, le titre fût développé là-encore par des japonais, mais de chez Sims Co. Ltd., un studio qui connaît bien la Game Gear. Le titre parut en 1994 un peu partout. Plongeons dans les détails de cette adaptation portable d'un des meilleurs dessins animés de Disney.


Le jeu suit de près l'intrigue du film, avec Aladdin cherchant à gagner le cœur de la belle princesse Jasmine tout en contrecarrant les plans du méchant Jafar. Les différents niveaux reflètent les moments clés du film, allant des rues animées d'Agrabah au Palais des Mille et Une Nuits. Chaque stage présente ses spécificités propres :
- On retrouve des niveaux à scrolling automatiques comme le premier où Aladdin le chapardeur doit fuir les gardes.
- Les niveaux plateformes purs, avec de toutes petites phases d'affrontement avec de rares ennemis (Aladdin ne peut jeter que de petits cailloux en nombres hyper limités), mais surtout des pièges à éviter et des labyrinthes à résoudre. Dans le principe, ces niveaux rappellent vaguement le Prince of Persia de Jordan Mechner.
- Et enfin les niveaux en tapis volant qui résonnent avec les mêmes niveaux du genre dans les versions 16 bit.

Cependant, c'est là que la principale critique émerge : le jeu s'avère vraiment trop court, offrant une expérience de jeu qui se termine prématurément. De plus le titre se destinait à un public logiquement très jeune. Il en résulte une absence de challenge, ce qui n'arrange rien encore une fois à la faible durée de vie du titre de Sims.

Le gameplay d'Aladdin sur Game Gear est bien pensé, offrant aux joueurs une variété de mouvements et d'actions. Les sauts acrobatiques et les attaques sur les ennemis sont fluides ce qui en résultent des contrôles réactifs. Les phases de plateforme sont bien équilibrées, offrant un défi agréable sans être trop difficile. Les ennemis bien que peu variés ajoutent tout de même de la diversité à l'expérience de jeu. Les contrôles, bien que parfois sensibles, restent globalement satisfaisants.

Dès les premiers instants, Aladdin sur Game Gear impressionne par ses graphismes. Les personnages sont fidèlement représentés, et les décors captivent avec leur style rappelant le film d'animation original. Les couleurs vives et les détails bien rendus contribuent à recréer l'univers envoûtant d'Agrabah. Les transitions entre les différents environnements sont fluides, offrant une expérience visuelle immersive sur l'écran réduit de la Game Gear. C'est simple, on a l'impression de jouer à la version Super NES (nb : qui visuellement adopte le même style graphique) mais sur un petit écran. Incroyable !

L'aspect sonore d'Aladdin sur Game Gear ajoute à l'atmosphère magique. Les thèmes musicaux du film en version chiptune sont reconnaissables et bien adaptés au contexte du jeu. Les effets sonores, que ce soit le bruit des épées s'entrechoquant ou les mélodies entraînantes, renforcent l'immersion dans le monde de Disney.

Aladdin sur Game Gear est une adaptation portable réussie en termes de graphismes, de gameplay et de fidélité à l'histoire originale. Cependant, la principale déception réside dans sa courte durée de vie, laissant les joueurs sur leur faim. Il m'a fallu à peine une petite heure (voire 50 minutes) pour parcourir les rues d'Agrabah.
Alors oui, Agrabah sur Game Gear n'est qu'un tout petit village certes, mais un village qui ne manque pas de charme.

Fiche technique:
Titre original: Disney's Aladdin
Développeur: SIMS
Editeur: SEGA
Genre: PLATEFORME
Année: 1994
Autres supports: (cette version est exclusive)
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Player One 041 - Avril 1994)




Screenshots:

Un agent tellement secret que peu le connaisse...
Certains jeux vidéo semblent voués à disparaître dans les abysses de l'oubli, et Agent Armstrong sur la première PlayStation est l'un de ces titres mystérieux, évoquant des souvenirs flous et des incertitudes sur sa véritable existence. Dans cette critique, plongeons dans l'univers énigmatique de "Agent Armstrong", un jeu qui semble osciller à la frontière entre l'oubli et la déception.

Agent Armstrong se profile comme un fantôme du jeu vidéo, un titre qui a bel et bien existé, mais qui semble destiné à être effacé des mémoires. Les récits divergents sur sa sortie, ses performances régionales et son impact global créent une aura d'incertitude autour de cette création vidéoludique.
La recherche commence avec des fragments de souvenirs issus des démos initiales sur le CD Démo Euro Demo 10. Une version de démonstration qui me laissa de souvenir une très bonne impression. Des spéculations sur une sortie exclusivement japonaise suscitent des interrogations, tandis que des affirmations contradictoires sur la possession de copies ajoutent au mystère.
Le titre développé par les britanniques de King of The Jungle (édité par Virgin Interactive) est toutefois bel et bien paru en Octobre 1997 en Europe et un peu plus tard dans la même année au Japon. Fait à signaler, le jeu ne connaîtra pas de sortie nord-américaine. Le titre parut aussi sur PC.
Finalement, la quête aboutit à la (re)découverte du jeu, mais l'euphorie initiale est rapidement étouffée par la déception.

Les premiers pas dans le jeu révèlent des graphismes décevants, avec des designs de personnages hideux, oscillant entre la caricature et l'horreur. L'absence d'ombres crée des problèmes dans l'évaluation des sauts, ajoutant une couche de frustration. Les contrôles se retrouvent un peu trop délicats d’autant que notre agent dispose d’une inertie de malade. Le titre se présente comme un Run & Gun à la Metal Slug en 2.5D mais la comparaison avec le hit de SNK s’arrête là. Les environnements, bien que changeants, manquent d'imagination et de dynamisme, compromettant l'expérience visuelle. Et aussi et surtout, c’est terne. C’est triste, on s’ennuie dans ces environnements. C’est dur à dire mais on n’a jamais envie de s’y attarder, plus vite on expédie les missions mieux nous nous portons.

On peut faire une analogie entre les décors d’Agent Armstrong, et certains endroits peu accueillants qu’on est obligé de traverser sur la route des vacances. C’est triste, c’est moche, mais on s’en fiche car au bout du voyage, à nous hôtel, piscine, plage, et tout ce qui va avec… Ben dans ce jeu vous avez juste la route avec ces endroits, voilà…

Le gameplay repose sur des missions répétitives, où l'objectif principal semble souvent se résumer à "faire exploser de trucs çà et là". Les niveaux, bien qu'ayant des variations, souffrent d'un design déroutant et d'une structure fade, très fade même. Les ajouts d'éléments aquatiques n'insufflent pas d'excitation, et l'absence de tutoriel laisse les joueurs errer dans l'incompréhension.

Alors oui notre agent pas très secret vu le bordel qu’il provoque, dispose d’une mitraillette améliorable une fois, ainsi que de nombreuses armes de soutiens (comme des grenades ou roquettes) à munitions très limitées mais cela ne casse pas vraiment une routine à vous faire dormir la bouche ouverte devant votre écran. Et fait véridique, le titre est tellement chiant (du point de vue ennui) que je me suis réellement assoupi dans un niveau aquatique. C’est fort ! :lol :

L'intrigue clichée suit l'agent Armstrong employé par l’Agence (de mon cul) dans sa lutte contre le Syndicat (de mon cul aussi), le tout manquant d'originalité et de profondeur. L'atmosphère générale du jeu est dépourvue de dynamisme, laissant les joueurs avec des missions insipides et des objectifs peu inspirants. Le titre est censé se passer dans l’Amérique des années 30, une période riche et intéressante dont le titre de King of the Jungle n’arrive jamais à retranscrire. Bref, en plus de proposer une ambiance random au possible, l’intrigue s’avère particulièrement inintéressante. Next.

La composition musicale, bien que non mémorable, parvient à évoquer un sentiment de péril, ajoutant une couche d'immersion. Son seul problème s’avère son côté trop grandiloquent et pas assez ancré dans l’époque du jeu (Chicago de 1935). Les effets sonores, bien que corrects, ne compensent pas suffisamment les lacunes du jeu dans d'autres domaines.

Agent Armstrong se révèle être un jeu destiné à être oublié. Malgré des contrôles réactifs et quelques éléments de conception astucieux, l'expérience globale est plombée par des graphismes moches et bien ternes, une histoire peu inspirée, une atmosphère sans aucune imagination et une répétitivité dans le gameplay élevé au rang d’art. De plus, nous n’en avons pas beaucoup parlé, mais le jeu est difficile et plutôt punitif.
L’ennui est total, les quelques combats de boss symbolisent d’ailleurs cet état de fait à merveille tellement ils sont longs !
A la fin du jeu, on découvre que notre agent finit ses jours tranquillement dans son ranch à Las Vegas en compagnie de l’agent Tanya (qu’il va sauver plusieurs fois dans le jeu). Je t’ai sorti de l’oubli mais finalement cette vie d’ermite te va à merveille, et ce pour notre plus grand bonheur…

Fiche technique:
Titre original: Agent Armstrong
Développeur: King of the Jungle
Editeur: Virgin Interactive
Genre: ACTION-PLATEFORME
Année: 1997
Autres supports: PC
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Mega FORCE 059 - Septembre/Octobre 1997)



Screenshots:

Boire ou séduire ? Faut choisir.
Je ne fais pas parti de ces joueurs qui prennent les jeux mobiles de haut. Comme dans tous les domaines vidéoludiques, il y a à boire et à manger. Aujourd’hui on va plutôt voir ce qu’il y a à boire, du coup on se retrouve ce soir au Bar Oasis, un lieu sympa et cosy ouvert par les coréens de Corners Studio le 29 juin 2010.
Bon qu’est-ce qu’on fait là, on ne pas rester planter devant la porte pendant 100 ans ! Allez, on va boire un coup (et pécho).


Bar Oasis est un jeu d’aventure de type Visual Novel, mais qui propose tout de même une dimension simulation qui rappelle pas mal Cooking Mama.
Dans ce genre de jeu, l’histoire est on ne peut plus centrale. Nous incarnons Victor (ou Vic), un barman novice, embauché pour soulager le gérant, un mec aussi élégant que haut en couleurs.
Vic sera un peu épaulé au début, mais devra vite apprendre à se débrouiller tout seul et à satisfaire des clients plutôt exigeants.

Dans le tas, il fera la connaissance pêle-mêle de Mark, un photographe italien collectionneur de culottes et de strings, d’Alex un petit gros adepte de Martini qui se prend pour James Bond.
Il y a aussi le guindé et obséquieux M. Robinson, qui viendra vous gonfler sur sa science des cocktails, n’oublions pas Sheila, la belle blonde jeune trentenaire qui se rêve en actrice, ou encore de Desree la working-girl métisse au sex-appeal ravageur…
Bref c’est une véritable galerie de personnages pittoresques qui viendront vous rendre visite au bar. En plus de prendre un verre en votre compagnie, ils auront souvent une anecdote bateau à raconter, des potins croustillants, causer sur leurs doutes ou leurs désirs, ou tout simplement passer en revue leur journée à l’usine.
Ce côté très naturel au niveau des interactions sociales est sans aucun doute le gros point fort de Bar Oasis. De la vie quotidienne, avec des gens lambdas, avec des préoccupations très terre à terre et surtout très mature. Le titre n’est en effet jamais destiné aux enfants, ne serait-ce que de par sa thématique autour de l’alcool.
Ça discute cul, soirées arrosées, argent, entres autres… Le propos est très familier, les personnages s’expriment comme de réelles personnes de la vie quotidienne, et agissent d’ailleurs comme ces derniers. Il peut arriver qu’un de vos habitués arrivent raid bourré et vous demande de manière très lourde un nouveau verre (de trop) quitte à vous gerber sur la gueule ! Et en tant que barman vous aurez souvent le choix de le servir avec toutes les conséquences que cela implique donc, ou de l’envoyer se faire voir quitte à froisser votre entente avec lui.

En plus de ces habitués, vous devrez aussi (et surtout) satisfaire le quidam moyen avec vos cocktails. Et là on passe d’un Visual Novel pur jus, à un jeu de simulation de barman à la Cook, Server, Delicious ! Et là, Corner Studio ne s’est pas moqué de ses joueurs puisqu’ils ont tout mis les petits plats dans les grands.
Comme la publicité sur l’alcool est fortement reglementée (voire purement interdite) dans la plupart des pays, je pense qu’il n’a pas été très difficile pour ce petit studio coréen d'obtenir les faveurs de grandes marques de boissons alcoolisées. Cela leur fait une exposition à moindre coût. Martini, Smironoff, Absolute Vodka, Bailyes, Malibu, J&B, Chivas Regal, Gordon’s, Tequila José Cuervo, Cointrau, Bols Curacao etc… La liste est réellement impressionnante, ne manque réellement à l’appel que le pastis Ricard 51 et les véritables domaines pour les vins.

Entre deux conversations, vous allez devoir donc bosser, et fabriquer l’un des 100 cocktails environ disponibles sur cette application. Et lorsque l’on sait qu’il s’agit de véritables recettes, cela change tout car en plus d’un jeu, vous avez une vraie application pour concocter vos boissons.
Il faudra choisir le bon verre, le bon shaker, et les bons produits, et ensuite presser les agrumes via un mouvement de presse sur l’écran tactile, remuer votre téléphone pour mimer le fait de touiller, et surtout verser les boissons en inclinant toujours votre téléphone et en respectant le dosage indiqué.
Et pour remuer le tout, vous allez devoir secouer votre smartphone tel un shaker.
L’accéléromètre de l’iPhone est mis à profit de fort belle manière, et tout cette partie « barman » rajoute réellement un plus, et une dimension « jeu vidéo » au titre.
Les clients évalueront vos cocktails, allant de « SEWAGE » (ou dégueulasse, égout quoi) à « EXCELLENT ».

Cela influera sur vos pourboires, et votre recette du soir. Corner Studio nous propose donc ici une vraie simulation de barman, alliant le côté technique de la chose, et le côté humain avec ces clients aux tempéraments bien différents.
Le jeu n’est toutefois pas exempt de défauts. Le plus important est la relative simplicité de ces phases de cocktails. Il est vraiment très difficile de se louper, surtout que le jeu vous guide un peu trop bien. L’autre soucis et un peu plus fâcheux cette fois, c’est le personnage de Desree. Mis à part sa plastique (ou artwork si vous voulez) de rêve, ben pas grand-chose.
Ce personnage central dans ce jeu, est somme toute assez plat, peu intéressant, et vraiment mal écrit. C’est vraiment dommage de s’être autant loupé sur la jeune femme d’autant que c’est l’un (si ce n’est LE) des protagonistes les plus importants.
La fin est réellement expédiée, le jeu se termine de manière assez abrupte. Visuellement on aurait aimé un peu plus de variétés dans les prises de vue du bar.
Parmi les défauts enfin, notons que le titre est entièrement en anglais ce qui peut être un réel repoussoir pour les joueurs peu doués avec la langue de Shakespeare. D’autant que du texte, il y en a… vraiment… beaucoup…

Artistiquement le jeu est par contre impeccable, le character-design est sublime, ce qui est souvent le cas dans les productions coréennes et surtout la musique est tout simplement d’une qualité rare pour un jeu mobile. En plus d’être excellentes, les pistes sont nombreuses, et leurs côtés jazzy collent idéalement à l’atmosphère smooth du jeu. Le jeu a d'ailleurs obtenu une récompense pour sa bande-son, cela veut tout dire. Pour le prix et le genre, la durée de vie est exemplaire. Comptez environ 10 heures pour le boucler très tranquillement.

Bar Oasis réussit le tour de force à allier 2 genres : le Visual Novel et la simulation (de barman). L’ensemble est maitrisé, les personnages vraiment attachants au point que chaque soir avant de dormir (moment où je lançais ce jeu), j’avais l’impression de me retrouver autour d’un verre entre potes dans notre QG, à refaire le monde.
Pour ceux qui se posent la question, non je ne bois pas, jamais, je déteste ça même, mais cela ne m’a pas empêché de jouer et d’apprécier ce jeu. Comme les personnes qui jouent à des FPS et s’amusent avec alors qu’ils n’ont jamais eu d’armes à feu entre les mains. J’évacue donc ce faux débat dans ma conclusion de ce test.
Conclusion qui prouve que par du pur hasard, on peut tomber sur des jeux mobiles bien réalisés et intéressants à jouer. Seul bémol : il n’est plus disponible dans les stores. Ah le démat…

Fiche Technique:
Titre: Bar Oasis
Développeur: Corners Studio
Éditeur: Corners Studio
Genre: Aventure (Visual Novel) / Simulation
Année: 2010
Autres suports: -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Game Skinny – 25 Juillet 2015)



Screenshots:

Trailer de lancement iOS

L'arcade au bout du fil !
Le milieu des années 2000 vit l'émergence d'une véritable révolution : la HD. Fini nos bons vieux cathodiques tous boudinés, place à des écrans plats certes plus sveltes, plus légers, mais plus « costauds » puisqu’affichant nativement une image en 720p.

Dans ce sillage, Microsoft puis Sony emboitèrent le pas avec respectivement leur XBOX 360 et PS3.
Toutefois, il n’y avait pas que les consoles qui allaient se draper en HD, on avait tendance à l’oublier mais l’arcade était toujours là. Et l’arcade allait aussi succomber à la haute définition. Le coup d’envoi fût donné par Sega en 2006, avec leur système Lindbergh. Un système arcade finalement assez éphémère qui a vu naître quelques (très) bons titres comme Virtua Tennis 3, The House of the Dead 4 et le titre qui va nous intéresser aujourd’hui : After Burner Climax.

Présenté en 2005, le dogfight de Sega avait fait sensation au point d’intéresser certains médias n’ayant plus de rubriques arcade sur les magazines ou sites web depuis longtemps.
Logiquement le titre de Sega fût adapté sur Xbox 360 et PS3 en 2010, mais dans une version disponible uniquement en téléchargement. Quelle fût ma déception quand au moment de télécharger le jeu vers début 2015, il ne s’y trouvait plus, tout simplement ! Sans rentrer dans les détails, j’ai dû me rabattre sur une version sur iOS paru elle en février 2013. Et là on se dit que sans s’en rendre vraiment compte, nos téléphones de 2013 sont capables de faire tourner de gros jeux d’arcade de 2006. Nouvelle révolution ?


Passons sur l’histoire qui n’a aucun intérêt, et entrons directement dans le gameplay.
Précision : j’ai fait le jeu sur mon iPhone 11.
After Burner Climax est un jeu shoot de type dogfight qui s’inscrit dans l’une des plus anciennes et glorieuses sagas de Sega. Le joueur est au manche d’un des 4 coucous disponibles dans ce titre. A ce sujet, Sega a obtenu les licences officielles via un accord avec Boeing. C’est d’ailleurs à cause de l’expiration de ce contrat que le titre disparaitra des stores, puisque défini dans le temps.

After Burner reste After Burner : on pilote un avion de chasse qui avance sur des rails, automatiquement, et on dézingue des cargaisons d’ennemis particulièrement belliqueux. Les graphismes d'After Burner Climax sur l'iPhone 11 sont excellents, même s’ils restent en deçà des conversions PS3/Xbox 360. Les avions, les explosions et les paysages sont bien rendus, même sur un écran plus petit. L'expérience visuelle est immersive et fidèle à l'esprit du jeu original. On note toutefois des textures plus grossières dans cette version. Mais là où le jeu ne déçoit jamais, c’est dans sa fluidité. Aucune chute de frame rate, et en Mach 3 le jeu défile à 1000 à l’heure. Superbe !
La jouabilité quant à elle présente une courbe d'apprentissage délicate au début, avec des contrôles tactiles qui peuvent sembler inhabituels. Utiliser son smartphone comme un joystick virtuel pour manœuvrer son avion peut être un défi car on doit subir notamment une partie de l'écran légèrement cachée avec nos doigts, mais une fois maîtrisé, cela n’altère en rien la dimension immersive au jeu.

Cependant, l'ajout d'options de contrôle alternatives aurait été bénéfique pour s'adapter aux préférences des joueurs. Par exemple, je n’ai pas pu y jouer avec mon pad PS4… Dommage.
After Burner Climax propose une variété de stages bien conçus qui capturent l'essence de l'arcade. Les bifurcations, où les joueurs choisissent leur chemin, ajoutent une dimension stratégique intéressante au gameplay. Chaque itinéraire offre des défis uniques, incitant les joueurs à rejouer pour explorer toutes les possibilités. On passe de la mer à la ville, en passant par des canyons voire des passages souterrains assez improbables.

Très vite il est possible de débloquer une mitrailleuse automatique. Les armes et les améliorations offrent une diversité bienvenue, ajoutant une dimension stratégique à l'expérience de jeu. Cependant, cette variété peut également rendre le jeu plus accessible, ce qui peut diminuer le défi global et, par conséquent, nuire à l'intérêt du soft. Notons aussi la présence de la jauge Climax, qui permet, une fois remplie, de ralentir le temps. Histoire de « locker » un maximum d’adversaires d’un coup un seul et de réaliser un beau carton... Personnellement, j'ai apprécié cette facette du jeu, même si elle peut diviser les joueurs en fonction de leurs préférences en matière de difficulté.
La durée de vie de ce jeu est l'un des points délicats d'After Burner Climax. Bien que le jeu offre une expérience intense, sa durée de vie relativement courte peut décevoir certains joueurs. Les niveaux s'enchaînent rapidement, laissant un sentiment de "c'est tout ?". La rejouabilité est assurée par les bifurcations, mais la durée globale aurait pu être plus étendue pour justifier le prix.

Les thèmes musicaux accompagnent bien l'action frénétique du jeu. Ca défile à 100 à l’heure, et çà pulse au niveau sonore ! Par contre, petit bémol, tous les thèmes ne se valent pas, certaines pistes métal épiques côtoient un petit rock de supermarché (ou de camping).

After Burner Climax sur iOS offre une expérience visuelle assez impressionnante et une dose nostalgique de l'ère des jeux d'arcade. Les stages bien conçus et les bifurcations ajoutent de la profondeur au gameplay, mais la durée de vie limitée et le prix élevé peuvent être des inconvénients. Malgré ses imperfections, le jeu reste une expérience divertissante, surtout pour les amateurs de jeux rétro qui apprécient l'excitation de l'arcade classique. Seul petit soucis : il n’est plus disponible, nulle part. Et c’est là où on a envie de crier tous ensemble dans la joie et l’allégresse : VIVE LE DEMAT !!

Fiche Technique:
Titre: After Burner Climax
Développeur: Fishing Cactus
Éditeur: SEGA
Genre: Shooting-Game
Année: 2013
Autres suports: Arcade (Sega Lindbergh)
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Pocket Gamer - Février 2013)



Screenshots:

Trailer de lancement iOS

Une 8 bits bien burnée !
Yu Suzuki vous connaissez ? Oui voilà Shenmue, c'est çà mais vous savez il n'a pas fait que çà.
Ah vous ne le saviez pas ? Le monsieur âgé aujourd’hui de 64 ans (en 2023) est derrière tout un tas de vieux hit de Sega comme par exemple Virtua Fighter, Virtua Racing, OutRun ou encore Space Harrier, rien que çà !
Des jeux qui parleront avant tout aux vieux, vous savez ces gens au ventre pendant et à la recherche d’une jeunesse définitivement perdue à grand renfort de crèmes anti-âges, de teintures pour les cheveux et on s’égare…
Ces mêmes vieux se souviennent comme moi d’After Burner, un jeu de tir aérien qui fît grand bruit dans les salles enfumées dans le cœur des années 1980. Aujourd’hui nous allons nous occuper de son adaptation la plus fameuse, d’un titre qui m’a fait personnellement rêvé (et pas qu’un peu), je parle bien sûr d’After Burner sur Sega Master System, titre paru le 12/12/1987 sur la Mark III, et quelques mois plus tard en occident vers mai 1988.


Le jeu ne comporte pas vraiment d’histoire, on sait juste qu’on est le pilote émérite d’un F-14 Thunder Cat (qui est un gros clin d’œil si ce n’est plus au F-14 Tomcat) et que vous devez sauvez le monde libre face à une invasion imminente d’ennemis indéterminés. Tout çà pour dire que l’on s’en fiche royalement. Pour votre culture, le titre du jeu de Sega vient du terme anglais afterburner donc traduit en français par la postcombustion, terme connu par les amateurs d’aviation militaire. La postcombustion ou post-combustion, souvent abrégée en « PC » et parfois dénommée « réchauffe », est un système utilisé par les avions militaires supersoniques pour augmenter temporairement la poussée fournie par un turboréacteur. Vous savez tout maintenant.

After Burner se compose de 18 niveaux, où le joueur est invité à piloter un avion en vue la 3e personne vu de dos. Le jeu entre dans la famille des dogfights, ou encore des rails-shooters : l’avion avance tout seul, vous devez simplement vous occuper à esquiver (dans une zone assez restreinte quand même) les projectiles ennemis et abattre ces mêmes ennemis.
La conversion sur la 8 bits de Sega est tout simplement grisante ! Le jeu défile à grande vitesse, et même si graphiquement on est quand même assez loin de l’arcade, les sensations sont là et bien là.
Pour mener à bien vos 18 missions, votre coucou se retrouve équiper d’une mitrailleuse lourde et de missiles. Les stages répondent à peu près tous au même schéma, à peu près car parfois vous aurez droit à un combat contre un boss, ou à une séquence de ravitaillement.

Animation et musique sont très convenables surtout ces dernières composées par Hiroshi Kawaguchi et qui se retrouve en quelque sorte sublimées par la puce FM-Sound de la Master System japonaise.
Cependant tout est loin d’être rose, et After Burner s’avère être un jeu qui a tout simplement été essoré par le temps, et l’usure qu’il provoque.

Bien que frénétique, le jeu est ennuyeux, s’avère répétitif à l’excès et surtout propose un niveau de difficulté d’une absurdité sans nom. Perdre à un jeu vidéo ne me dérange pas. Enfin cela ne me dérange pas à partir du moment où je comprends pourquoi j’ai perdu. Le problème d’After Burner c’est que l’on perd (hyper facilement) sans jamais savoir pourquoi. Cela vient certainement de son héritage de l’arcade (du business model de ce système basé sur une difficulté excessive), mais là pour une version domestique ce choix de game-design s’avère totalement malheureux.

Alors il existe bien une astuce pour passer tranquillement les 12 premiers niveaux (maintenez simplement sur diagonale bas gauche et vous éviterez tous les missiles et ennemis). Mais à partir du niveau 13 (tel vendredi 13) cette tactique s’effondre, et le titre de Yu Suzuki vous force de jouer à la « loyale ».
A titre personnel, je me suis acharné jusqu’au niveau 15, puis j’ai décidé d’abandonner face ce programme de pseudo-divertissement bien burné mais mal branlé (NB: séquence poètique), à la difficulté abusive et aux contrôles qui n’ont aucune putain de cohérence, car faisant la part belle à l’aléatoire.

Aujourd’hui on est vieux, on a les cheveux qui grisonnent, tout un tas de problèmes à gérer au quotidien, et surtout on a (bien) grandi. Et c’est à ce moment précis que l’on se rend compte, que jeunes, on était tout de même terriblement tolérant et bienveillant à accorder tout ce temps à un jeu qui, en fin de compte, ne mérite pas qu’on s’y attarde plus de deux heures.
Titre très aguicheur sur une Master System fringante, After Burner est l’archétype même du jeu qui a subi de plein fouet les ravages du temps et qui contredit l’adage populaire du « c’était mieux avant »…

Fiche Technique:
Titre: After Burner
Développeur: SEGA
Éditeur: SEGA
Genre: Shooting-Game
Année: 1987
Autres suports: Arcade (X Board, Mega-Tech), Amiga, Atari ST, Amstrad CPC, Commodore 64, DOS, ZX Spectrum, MSX, FM Towns, 32X, NES
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Arcades Hebdo 8- Mai 1988 )



Screenshots:

Pubicité japonaise

Over the top
C'est le 22 mai 2001 qu'est apparu sur les étales nippons le jeu 18 Wheeler: American Pro Trucker.
Le titre développé par la mythique division Sega-AM2 (Virtua Fighter, Daytona USA, Shenmue pour ne citer qu'eux...) connût un petit succès en arcade fin.
Je n'ai malheuresement jamais croisé cette borne, assez simple qui nous permettait de prendre le (très grand) volant d'un camion à travers les routes américaines.


18 Wheeler ne s'embarasse ni d'un scénario, ni d'une quelconque complexité.
Ce titre 100% arcade vous met au volant d'un poid lourd dans le but de silloner les States.
Le jeu de Sega fait tout de suite penser à Crazy Taxi, dans le sens où vous devez choisir un chauffeur (et son camion) parmi 5 personnages, tous hauts en couleurs.
Précisons que chaque camion a ses propres caractéristiques :
- Vitesse.
- Souplesse au niveau du couple camion/remorque (appelé en anglais Torque). Cela équivaut à la tenue de route en gros.
- Et la solidité.

Le camion le plus équillibré est Nippon Maru, mais je vous conseille perso Stream Line qui est suffisamment rapide et maniable.
Car oui, le but du jeu est d'aller vite, le plus vite possible même !
Votre chauffeur devra transporter diverses marchandises (bois, voitures, conteneur, tracto-pelle, carburant etc) d'un point A vers un point B dans un minimum de temps.
Arcade oblige, vous aurez dans les pattes un rival, qui va vous pourrir votre voyage. Le traffic assez dense est aussi là pour vous faire ralentir.

Toutes les courses se déroulent sur un même schéma :
- C'est clairement du Time Trial.
- Vous avez un checkpoint par course qui vous remet du temps.
- Vous aurez en plein milieu de la course un petit choix à effectuer au niveau du tracé ; soit rester dans une voie principale, soit tenter une sorte de raccourci plus court mais plus technique.

Votre voyage s'effectuera en 4 étapes, avec par moment des séquences bonus qui vous inviteront à garer votre mastodonte.
Précisons, histoire d'être complet, que pendant votre course vous aurez des vans noirs à disposition, les percuter vous fera gagner un bonus de temps de 3 secondes. Quand je vous dis qu'on est dans un délire totalement arcade...

Techniquement magnifique sur la 128 bits de Sega à sa sortie, le titre a plutôt bien vieilli sur un écran cathodique.
La vue intérieure est particulièrement jolie et soignée même si on aurait aimé un plus grand retroviseur.
Les routes sont vivantes avec ces voitures, ce traffic assez dense (surtout pour l'époque).
Les décors sont variés et beaux avec de magnifiques effets pour l'époque comme une tornade qui fait son effet ou ces changements climatiques (on passe de la nuit au jour par exemple).
L'animation ne souffre d'aucun ralentissement, le titre est fluide, très agréable à prendre en main, souple, et son aspect sonore est des plus soignés avec sa musique dans le ton, ainsi que ses discussions cibi immersives et bien "testostéronnées".

Seulement, il m'a fallu que 30 minutes pour voir les crédits de fin... Chaque course dure maximum 3 minutes, et il y en a 4.
Alors oui, on peut augmenter la difficulté, mais cela ne relance pas l'intérêt du soft.
Alors oui, on peut jouer à 2 mais cela ne relance pas l'intérêt du soft.
Alors oui, on peut améliorer ses temps mais cela ne relance pas l'intérêt du soft.

Malgré toutes les bonnes volontés et le sérieux de Sega-AM2 dans cette conversion, 18 Wheeler est dans son ADN le plus profond un jeu d’arcade, pensé et conçu pour l’arcade.
Payer 400 FF pour plier un jeu en 30 minutes sans vraiment forcer, ça faisait déjà très très cher l’heure de jeu en 2001…
18 Wheeler n’arrive jamais à se renouveler ou à pousser le joueur à s’attarder dessus grâce à une dimension scoring particulièrement prenante, comme c'est le cas par exemple dans Crazy Taxi. C’est dommage.

Fiche Technique:
Titre: 18 Wheeler: American Pro Trucker
Développeur: Sega-AM2
Éditeur: Sega
Genre: Course
Année: 2001
Autres supports: ARCADE(Naomi), PLAYSTATION 2, GAMECUBE
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (Joypad 108 - Mai 2001)



Screenshots: