Gare aux bonnes grosses déculottées !
Après quelques hésitations, je m’aventure (enfin) à faire un test complet (le premier en langue française) sur ce jeu fort méconnu.
Vanguard Princess, tel est son petit nom n’est pas un inconnu pour moi car j’en avais parlé sur mon blog il y a plus de 15 ans.
Le titre a été développé par Tomoaki Sugeno (alias Suge9), un développeur de jeux vidéo indépendant, programmeur, illustrateur et designer. Avant de créer Vanguard Princess, Sugeno a travaillé dans l’industrie du jeu vidéo professionnel, notamment chez Capcom et SNK. Parmi ses crédits figurent des titres comme Resident Evil 3: Nemesis (où il a contribué à la création de personnages) et The King of Fighters EX: Neo Blood (en tant que designer de graphismes/sprites).
Vanguard Princess est son premier titre personnel, qu’il a d’ailleurs réalisé seul via le moteur Fighter Maker 2nd pour le créer, ce qui est courant dans la scène indie/doujin japonaise.
Ce jeu de combat 2D en versus est d’abord sorti sur PC en version gratuite en 2009, avant de ressortir améliorer dans une version STEAM (en 2014, la version testée ici-même).
Le titre rencontra un petit succès au Japon (le jeu sera d’ailleurs porté tardivement en arcade là-bas, une sorte de consécration).
Il fera légèrement parler de lui en Amérique, mais ici…
Qu’importe, il est temps de le sortir de l’ombre… de mettre bien en évidence ses boobs !


Une histoire bien présente
Dans un futur proche en proie à la guerre, une mystérieuse jeune fille nommée Hilda Rize survit à un accident d’avion dans des circonstances extraordinaires. Elle révèle qu’elle possède de puissants pouvoirs surnaturels, désignés comme « Riot Magic ». Capturée par le gouvernement pour étude, son énergie libère accidentellement une onde magique appelée “Astral Impact” qui dote d’autres jeunes filles de pouvoirs magiques.
Ces filles deviennent alors des combattantes puissantes appelées Vanguard Princesses. Leur objectif est de se battre, souvent pour des raisons personnelles : certaines veulent sauver un proche, d’autres cherchent un sens à leurs nouveaux pouvoirs ou des réponses derrière cet incident. Pendant ce chaos, Hilda Rize disparaît puis réapparaît en tant qu’entité encore plus puissante, initiant une confrontation qui pourrait menacer toute l’humanité.
Le mode Histoire du jeu suit ces combattantes alors qu’elles progressent à travers des combats et affrontent d’autres possédées, dans des récits individuels qui se rejoignent autour de ce grand conflit surnaturel.
Une histoire intéressante, même si je vous avoue que je m’en battais les couilles, moi je suis là pour les culottes avant tout XD.

Présentation des demoiselles
Vous l’avez compris, ce jeu de combat 2D ne propose QUE des personnages féminins. Elles sont au nombre de 10 + la boss finale.

Je vous propose une présentation des combattantes, avec leurs objectifs et traits distinctifs :

Yui Kutuna
• Profil : Héroïne principale, héritière d’un style de combat à l’épée traditionnel (Kutuna). C’est la « Ryu du jeu » la grande maitresse du karaté, enfin bref vous avez compris.
• Objectif : Elle se bat pour retrouver sa sœur Haruka après l’Astral Impact.
• Traits : Épée légendaire Sakuya, maîtrise martiale.

Haruka Kutuna
• Profil : Sœur de Yui, autre adepte du même art martial, ayant développé la magie.
• Objectif : Elle combat pour sauver un vieil ami et tester ses nouveaux pouvoirs.
• Traits : École de magie + formation martiale.

Lilith
• Profil : Jeune femme aux origines mystérieuses qui prétend être fille du monde souterrain.
• Objectif : Prouver ses origines et sa puissance en combat.
• Traits : Attaques puissantes, aura démoniaque.

Luna Himeki
• Profil : Ancienne membre d’une force spéciale, devenue chasseuse de primes.
• Objectif : S’engager dans la bataille après avoir obtenu des informations clés.
• Traits : Combattante agile et polyvalente. Accessoirement le sex-symbol du jeu dotée d’une poitrine absolument démesurée (Mai Shiranui en PLS)…

Kurumi Mirumati
• Profil : Héroïne mystérieuse trouvée après un crash aérien sans souvenirs.
• Objectif : Comprendre son passé et exploiter son immense pouvoir potentiel.
• Traits : Très forte mais imprévisible, fusionne avec les supports dans ses attaques.

Saki Mitonoya
• Profil : Capitaine de kendo et candidate au conseil étudiant.
• Objectif : Cherche à défier le porteur d’une épée légendaire (Kamitsurugi) offerte par le gouvernement.
• Traits : Style de kendo précis et agressif.

Kaede Hioh
• Profil : Mercenaire énigmatique avec un passé inconnu.
• Objectif : Embauchée pour assassiner une cible dans le cadre du tournoi.
• Traits : Assassine furtive et redoutable. C’est aussi un personnage excessivement sexy, et accessoirement mon personnage préféré pad en main !

Ayane Ikuse
• Profil : Archère experte qui a perdu un œil pendant son entraînement.
• Objectif : Rivaliser avec sa amie d’enfance et adversaire Yui Kutuna.
• Traits : Combats à distance avec arcs et flèches.

Natalia Glinka
• Profil : Agent militaire d’un pays inconnu, très disciplinée, limite pieuse.
• Objectif : Recueillir des renseignements sur les disparitions mystérieuses liées à l’Astral Impact.
• Traits : Soldate méthodique, calme sous pression. Là-encore on est sur un personnage très fan-service.

Eri Hasumi
• Profil : Supersoldat créée par un projet militaire (Blade Noa).
• Objectif : Échapper au laboratoire et retrouver la liberté dans le combat.
• Traits : Physique surpuissant, combat corps à corps.

Hilda Rize (boss final)
• Profil : Antagoniste central(e) de l’histoire, possédant de puissants pouvoirs magiques.
• Objectif : Son rôle varie selon les versions du jeu, mais elle est au cœur de l’incident magique qui déclenche l’histoire.
• Traits : Elle manipule une magie destructrice capable de distordre l’univers.



Outre ces 10 personnages, il existe 5 personnages supplémentaires, qui sont des personnages de support qui aideront nos combattantes principales. Ils font quelque peu le sel et l’originalité de ce soft mais on en reparlera dans la section gameplay. Présentons-les très vite :

• Eko : soutien physique pour combos.
• Juliet: attaques au marteau à portée moyenne.
• Kanae : attaques magiques à distance.
• Siera : verrouillage à distance.
• Chibi Hilda / Kaaya / Maaya : supports spéciaux liés à Hilda.



Gameplay et Mécaniques
On va arrêter de parler de culottes et de seins car le jeu édité par eigoMANGA ne se résume pas au moe/ecchi mais dispose d’un vrai gameplay propre.
Dans cette section, je vais tenter une explication détaillée du système de jeu de Vanguard Princess ainsi qu’une analyse des raisons pour lesquelles, malgré son potentiel, le jeu a reçu des critiques plutôt moyennes de la part des joueurs.

Vanguard Princess est un jeu de combat 2D à l’ancienne, inspiré des classiques du genre tout en ajoutant sa propre touche via un système d’assistances et des mécaniques de ressources.
Concernant le core gameplay classique, le jeu se contrôle à 4 boutons (faible, moyen, fort et un bouton Support). Un peu dans l’esprit d’un KOF XI. Chaque personnage dispose de ses coups spéciaux, on retrouve ici du grand classique dans les commandes (quart de cercle, demi-cercle, etc.) Si vous maîtrisez un tant soit peu Street Fighter ou Guilty Gear, vous vous sentirez à la maison.
Les mouvements répondent bien lorsqu’on commence à comprendre et maîtriser le timing et les inputs, même si certains joueurs ont trouvé le ressenti un peu « lourd » ou « pas aussi vif que d’autres titres accès compétition ».


Là où ce jeu de combat mâtiné de cul innove, c’est dans son système unique d’assist.
Chaque combattante s’accompagne d’un personnage de support :
Le support va aider en combat selon une option choisie avant le match comme par exemple :
- attaques aériennes,
- support de zone,
- couverture défensive,
- combos prolongés.

Cela ajoute une couche stratégique importante : vous devez savoir quand appeler votre support et comment l’utiliser pour étendre nos combos ou casser la pression adverse. On reparlera de cette aspect plus en détail plus loin. Laissez-moi continuer à vous présenter le terrain de jeux de nos waifus lol.

Le jeu possède un jauge spécial qui se remplit en attaquant ou en recevant des dégâts. Une fois rempli, on peut activer une Liberty Art (super attaque), un mouvement puissant qui peut renverser le cours d’un round.
Cette mécanique rappelle les super combos dans d’autres jeux Vs. classics, mais le design visuel des Liberty Arts est souvent plus explosif et manga, ce qui plaît à certains mais peut être distrayant pour d’autres. Ces attaques sont accompagnés d’une animation style animé japonais, et ce sera toujours l’occasion d’avoir une pantsu shot de toute beauté, ou juste du fan-service bien gras.
Oui le jeu est grivois, et il l’assume, et ça ne plairait TRES CLAIREMENT pas à tout le monde. Après perso, ce genre de spectacle ne me dérange nullement.


Vous avez parlé d’assistanat ?
Le support n’est pas juste une option cosmétique : il apparaît à l’écran en permanence et joue un rôle visuel dans le sens où il faut le considérer dans l'espace de combat, ce qui introduit une zone à gérer en plus de votre personnage principal. En effet, les jeunes filles qui font office de support sont constamment dans la zone de combat. C’est quasi du 2 Vs 2 mais qui se joue en 1 Vs 1. Si j'étais extrême, je dirais qu'il faut presque diviser son cerveau en 2 !
Pour des joueurs pro, ça peut être une richesse stratégique mais aussi une difficulté à intégrer visuellement dans les reads et spacing, selon les goûts.

Effectivement, Contrairement à beaucoup de jeux “Vs.” où l’assist fonctionne avec une jauge liée aux actions (comme dans Marvel vs Capcom), ici la mécanique est différente :
Elle se recharge automatiquement !
La jauge de support se remplit toute seule avec le temps, est complètement indépendante de nos actions, des dégâts reçus, ou plus globalement de notre agressivité. Cela change complètement la gestion du tempo par rapports aux jeux de Vs 2D que l’on connait où la ressource récompense l’offensive. Ici, elle récompense la gestion du rythme.
Ça veut dire vous pouvais faire le dos rond intelligemment pour récupérer votre assist, le neutral devient une phase d’attente stratégique, et les deux joueurs savent que “le prochain call arrive”.
On est presque sur une logique de « cooldown » façon jeu moderne, plus que sur une logique de « meter classique ».
Comme la barre revient toute seule, les phases d’oppression sont cycliques avec cette décomposition :
• Les séquences offense → reset neutral → offense sont très marquées

Vanguard Princess a du coup un rythme en “vagues”. Cela donne un flow très différent d’un Guilty Gear où :
• La tension se construit par l’action
• Le momentum récompense l’agression

L’assist dans Vanguard Princess reste en permanence à l’écran, occupe de l’espace, et peut verrouiller les moves adverses ou réduire leur barre de Super par exemple. Du coup le neutral est souvent structuré autour de :
• “Qui a son support prêt ?”
• “Qui force l’autre à le cramer défensivement ?”
Ça crée un mini mindgame constant.

Pas si à la mode, nos filles…
Le jeu original n’a que deux modes :
• Story Mode
• Versus (à deux local)
Le titre ne dispose pas de mode entraînement, pas de mode en ligne, pas d’options avancées dans la version Steam classique. Et ça, c’est la recette miracle pour flinguer un jeu de combat de nos jours. Trop artisanal, le titre n’a pas été (véritablement) pensé pour les joueurs compétitifs. Car malgré un gameplay intriguant et solide sous certains angles, plusieurs facteurs expliquent que ce titre n’a jamais vraiment décollé (surtout chez nous) et qu’il reçut un accueil mitigé.

Par exemple mon stick arcade PS4/PC n’a jamais voulu marcher avec le jeu. La prise en charge des manettes est très discutable et j’ai dû me résoudre à y jouer avec mon pad XBOX 360 (ce qui n’est pas l’idéal pour ce genre de titres). Aussi le mapping est vraiment pénible et peu intuitif. Bref, l’interface se permet en plus d’être particulièrement dégueulasse ce qui ne nous encourage pas à dormir sur le jeu. Et encore une fois, pour un jeu de combat destiné aussi aux pros du stick, le fait que ces derniers ne passent (quasiment) pas c’est comme tirer une 2e balle au jeu.

Bon le mec a fait son jeu tout seul, donc respect, mais franchement niveau présentation de l’histoire, on se situe à un niveau très bas. C’est dommage car il a voulu mettre un peu en avant le lore de son jeu mais finalement ce n’est pas ce qui nous attire ici.
Bon il faut bien en parler, mais le chara-design parfois fortement sexualisé a aussi repoussé certains joueurs qui préfèrent des jeux moins centrés là-dessus. Pour moi c’est un point fort .
Le jeu a été conçu avec Fighter Maker 2nd, ce qui explique des graphismes certes très beaux mais à la résolution datée. Les personnages sont d’ailleurs mieux réalisés que les décors qui ont souvent tendance à bien baver. Les options graphiques s’avèrent limitées, faute à une absence de véritables menus avancés. Cela donne un ressenti très « indé des années 2000 » qui peut être charmant pour certains, frustrant et obsolète pour d’autres.
Enfin l’ambiance sonore est complètement raccord avec l’ambiance visuel : c’est un vrai chaos ! Les filles ne cessent de crier du long, de couiner, les musiques certes bonnes passent presque au second plan.
Visuellement, le jeu a parfois tendance à devenir peu lisible, mais dans l’ensemble on s’en sort sans problème quand on a l’habitude de ce genre de jeux comme Guilty Gear au hasard ou les Marvel.



Pour moi, t’es pas une 10/10 mais plutôt une 7/10
Ca serait la note que je lui attribuerai (et que je lui ai attribué d’ailleurs). Vanguard Princess, derrière son vernis ecchi/fan-service, s’avère finalement être un jeu rugueux et pas très accueillant.
Pour l’apprécier, il faut passer du temps avec, le comprendre, l’étudier, être patient, et ne pas chercher forcément le plaisir rapide et facile. Malgré la surabondance de culottes, de seins, et de formes (très) généreuses, le jeu ne doit pas être considéré comme un « plan c.. » par le joueur. C’est plutôt un titre qu’on apprendra à aimer sur la durée.
Encore une fois, au-delà de son enrobage grivois, on est face à un jeu de Versus qui dispose d’une identité et vraies bonnes idées.

À noter enfin qu’une version moderne avec fonctionnalités compétitives est (apparemment) disponible.
Une mise à jour/DLC récente (Early Access) propose désormais :
• Mode Entraînement, tutoriel, online avec classement,
• Support complet des sticks et manettes,
• Meilleur UI et options modernes.
Cela change beaucoup la donne pour les joueurs compétitifs, ce qui montre que le concept a vraiment du potentiel, mais la version originale restait trop dépouillée à sa sortie.

Fiche Technique:
Titre: Vanguard Princess
Développeur: Tomoaki Sugeno
Créateur: engoMANGA
Genre: Combat VERSUS 2D
Année: 2014
Autres suports: ARCADE (exA-Arcadia)
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE (Replay Score)



Screenshots:

Trailer occidental

Chine bout dos caille
Le premier DBZ sur PSP ne fût pas une révolution totale mais, mais… mais ce Dragon Ball Z : Shin Budokai sur PSP est une vraie bonne surprise pour les amateurs de baston portable. Paru en 2006 sur la portable de Sony, il fit son petit effet à sa sortie. Là où nombre de jeux DBZ de l’époque se sont un peu perdus dans les 3D extravagantes, Shin Budokai réussit à condenser l’essence des Budokai PS2 dans une cartouche que l’on peut emporter partout.

Un gameplay efficace, simple mais énergique
Dès les premiers combats, on retrouve un feeling très proche de Budokai 3 : ça tape vite, ça explose dans tous les sens, et malgré l’adaptation à une console portable, les affrontements restent nerveux et dynamiques. Le système de combat est accessible (pas besoin de mémoriser 15 combinaisons par personnage) mais il possède suffisamment de nuances pour être plaisant.
Les personnages ont des coups spéciaux reconnaissables, des transformations intégrées au gameplay, et un système d’énergie bien calibré. La PSP, malgré ses boutons limités, s’en sort vraiment bien ici avec une prise en main presque instinctive.
J’aurais pu m’arrêter là pour cette section “gameplay” mais ma conscience professionnelle (et bénévole…) fait que je vais clairement creuser le sujet car mine de rien, il y a des choses à dire sur le titre de Dimps.
On va donc parler frame data implicite, gestion du ki, pression, vanish, tempo.
Parce que Shin Budokai, contrairement à ce que beaucoup ont cru en 2006, n’est pas qu’un “petit Budokai portable sympa”. C’est un jeu qui tente quelque chose d’assez fin : condenser la structure de Dragon Ball Z: Budokai 3 dans une machine à un seul stick analogique… sans perdre la tension du neutral. Et ça, mine de rien, c’est ambitieux.


Un neutral étonnamment propre
Le cœur du système repose sur trois axes :
• Gestion du ki
• Téléportations défensives (Vanish)
• Dash court avec recovery mesurable
On est clairement sur un jeu plus proche de Budokai 3 que de Dragon Ball Z: Budokai 2.
Budokai 2 était plus “chaotique”, plus permissif. Shin Budokai, lui, impose un rythme. Le dash n’est pas gratuit. Le vanish consomme. La transformation engage.
Résultat : le neutral n’est pas une foire aux téléportations infinies. Il y a un vrai jeu de zoning qui s’installe. On observe rapidement que :
• Les ki blasts servent à forcer l’approche ou à bait le vanish.
• Les dash cancel permettent de micro-ajuster la distance.
• Les super dash mal espacés sont punissables.

Ce n’est pas du Street Fighter évidemment, mais on sent une volonté d’encadrer l’agression.
Et ça, pour un DBZ portable de 2006, c’est loin d’être idiot.

Le système de téléportation : clé stratégique
Le vanish est le cœur défensif du jeu. Il fonctionne sur un timing relativement permissif, mais pas gratuit. Il consomme du ki, et surtout, il remet la situation à distance moyenne.
Ça crée un cycle très intéressant :
pression → vanish → reset spacing → re-neutral

On n’est pas dans la logique Budokai Tenkaichi où ça part dans tous les sens.
Ici, le jeu revient toujours à une sorte de ligne médiane.
Les joueurs expérimentés comprendront vite que :
• Forcer l’adversaire à vanish, c’est lui vider sa ressource.
• Un adversaire sans ki est un adversaire vulnérable.
• La gestion d’économie prime sur l’exécution pure.
Et ça, c’est très sain au niveau des joutes.

Les combos : simples, mais optimisables
Le système repose sur des chain-combos de base, des launchers, une poursuite, et un finish spécial.
À première vue, c’est basique. Mais en pratique, on peut retarder certaines frappes pour casser le rythme défensif, utiliser le dash pour reset la pression, optimiser les fins de combo selon la gestion de ki (s’il vous reste du ki bleu, vous pouvez finir votre enchainement avec un super coup bien violent). Ce n’est pas un jeu à skill, qui vous demandera une exécution chirurgicale PSP en main.
On est à des années lumières d’un quelconque Guilty Gear. Mais malgré tout, il y a un vrai travail d’optimisation. Certains personnages ont des trajectoires de projection différentes, ce qui modifie le timing de poursuite.
On sent clairement l’ADN Budokai 3, mais en plus condensé.

Les transformations : décision tactique, pas gadget
Transformation = gain de stats + nouvelles options.
Mais elle n’est pas permanente. Et surtout, elle coûte, et assez cher quand on commence à comprendre les mécaniques de punition du jeu. Ce n’est pas une simple cinématique fan-service.
C’est un choix stratégique :
• Est-ce que je transforme pour tuer ?
• Est-ce que je garde mon ki pour le neutral ?
• Est-ce que je bait la transformation adverse pour punir derrière ?
C’est-à-dire faire croire à votre adversaire qu’il peut se transformer en toute sécurité pour le pousser à utiliser sa transformation avec une bonne punition derrière. Et oui, on peut profiter du temps d’animation ou de la vulnérabilité après la transformation pour attaquer et infliger des dégâts. Encore une fois, ça paraît simple mais le système est pensé.

Le roster : resseré, mais fonctionnel
On tourne autour d’une vingtaine de personnages. C’est raisonnable, sans être énorme.
Ce qui est intéressant, c’est que les archétypes sont lisibles :
• Goku = polyvalent, complet
• Vegeta = pression ki / zoning
• Broly = lourd, damage output massif
• Janemba = mobilité et angles imprévisibles
On n’est pas sur un équilibrage esport moderne évidemment mais le jeu de Dimps ne s’effondre pas. Les matchups restent jouables. Je note quand même que Vegito et Goku SS3 sont assez monstrueux.

Les limites techniques (parce qu’il y en a)
La PSP impose :
• Des arènes relativement petites
• Une gestion caméra parfois rigide
• Un buffer inputs moins précis que sur PS2
Le stick analogique PSP n’est pas idéal pour les micro-ajustements. On préfèrera jouer avec le pavé directionnel, très clairement. Certaines séquences deviennent mécaniquement moins propres qu’un Budokai 3 sur PS2. Et évidemment, en termes de profondeur brute, Dragon Ball Z: Budokai 3 reste supérieur.
Plus de nuances, plus de possibilités, plus de contenu, mais franchement pour une PSP, c’est très solide !

Alors, où le situer ?
Clairement :
• meilleur que Dragon Ball Z: Budokai 2
• en dessous de Budokai 3
• au-dessus de beaucoup d’adaptations opportunistes
Il ne révolutionne rien.
Mais il comprend ce qu’est un système de versus structuré.
Et surtout : il respecte le joueur qui cherche à comprendre le jeu.

Une réalisation qui en jette… pour une PSP
Techniquement, le titre surprend encore aujourd’hui. Les modèles cell-shadés sont propres, les grandes attaques sont spectaculaires, et l’ensemble tourne sans trop de ralentissements, une vraie claque par rapport à ce que l’on pouvait attendre d’une portable en 2006.
Les effets de ki, les éclairs et les transformations donnent un vrai côté animé aux affrontements. Certes, on n’a pas la richesse graphique d’un Budokai 3 sur PS2, mais pour une PSP, c’est franchement solide.
Seul la bande-son vient entâcher ce tableau quasi-parfait car non issue de la série TV, et surtout franchement très oubliable pour la majorité des pistes.

Le contenu : solide mais pas fou
C’est là que… oui, on sent les limites. Encore une fois, le roster n’est pas monstrueux (une vingtaine de combattants environ, transformations comprises), et certains modes restent classiques ou un peu légers. On notera tout de même la présence de Cooler, Broly, Janemba, Pikkon, Kid Bû, Freezer et Cell dans les méchants.
Le mode principal, baptisé Dragon Road, raconte une histoire inspirée du film Fusion Reborn, mais ce n’est pas la grande saga épique qu’on aurait pu espérer : c’est souvent juste une série de combats avec quelques embranchements de dialogues, dont on aurait pu clairement se passer tellement la trame ne ressemble absolument à rien. À côté de ça, on trouve un mode Arcade, un mode Survie, un Time Attack, du duel local ad hoc… bref, tout ce qu’il faut, mais rien qui ne tienne des dizaines d’heures à lui tout seul.

En Comparaison avec Budokai 2 et Budokai 3 (PS2), il donne quoi ?
Si vous vous demandez si Shin Budokai est carrément meilleur que Budokai 2 sur PS2 : oui, il l’est. Il a plus de pêche, un feeling plus fluide et une vraie identité.
Est-ce qu’il rivalise avec Budokai 3 ? Sur console de salon, non : Budokai 3 reste plus riche, plus profond, plus complet. Mais pour une expérience portable, il s’en sort haut la main. Il est plus proche de l’esprit Budokai 3 que du 2 (même si avec moins de contenu), ce qui n’est pas rien pour une PSP.

Les points faibles (incontournables)
• Un mode histoire à mourir de rire tellement il est WTF, et explosé au sol.
• Le contenu global est correct, mais pas renversant pour les puristes.
• Il manque quand même (pas mal) de personnages charismatiques.
• Une bande son très inégale avec peu de bons thèmes.

Allez vient go cul !
Dragon Ball Z : Shin Budokai sur PSP n’est peut-être pas le jeu de baston DBZ ultime, mais il est très bon pour ce qu’il propose : un gameplay fun et explosif, un vrai plaisir de combat dans la poche, une réalisation qui tire parti de la PSP, et une sensation générale de retrouver l’esprit Budokai en version portable.
Un bon équilibre entre arcade et fan-service, qui se pose aujourd’hui encore comme un des meilleurs DBZ sur portable : meilleur que Budokai 2 mais sans tout à fait atteindre le niveau de Budokai 3 sur PS2. Si vous voulez jouer à DBZ en déplacement et que vous êtes grand adepte des combats nerveux, il mérite clairement une place dans votre collection PSP.

Fiche technique:
Titre original: Dragon Ball Z: Shin Budokai
Développeur: Dimps
Editeur: BANDAI/Atari
Genre: Combat en Versus
Année: 2006
Autre support: -
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (Console News 69 - Mai-Juin 2006)



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Et, quoi de neuf docteur ?
C’est un peu par curiosité, et aussi parce qu’il était absolument impossible d’y échapper à l’époque, que je me suis penché sur Programme d'entraînement cérébral du Dr Kawashima : Quel âge a votre cerveau ?. Véritable phénomène de société au milieu des années 2000, le jeu de Nintendo étant paru en mai 2005 au Japon et un an plus tard en occident, ce titre a largement dépassé le cadre du jeu vidéo pour s’installer dans les foyers, les trains, les salles d’attente… et même chez des gens qui n’avaient jamais touché une console de leur vie. Rien que ça.

Avant même de lancer une première partie, une question se pose naturellement : peut-on réellement parler de jeu vidéo ? Ou sommes-nous davantage face à une application ludico-pédagogique, emballée avec soin par Nintendo pour accompagner le lancement de la DS ? Toute la problématique de ce Brain Training est là.


Le principe est d’une simplicité désarmante. Chaque jour, le joueur est invité à réaliser une série de petits exercices censés stimuler différentes fonctions cérébrales : calcul mental, mémoire, lecture à voix haute, logique, du dessin (toujours chronométré) ou rapidité de réflexion. Le tout est chapeauté par le très sérieux Dr Kawashima, scientifique japonais bien réel, qui n’hésitera pas à vous annoncer froidement que votre cerveau a 63 ans alors que vous en avez à peine 25. Ambiance.

La première utilisation passe par un test d’âge cérébral, véritable carotte du jeu. En quelques minutes et sous la pression d’un chronomètre impitoyable, le joueur découvre son verdict. Et il faut bien l’avouer : ça marche. La curiosité pique, l’ego est touché, et l’on se surprend à vouloir recommencer “juste pour voir si on peut faire mieux”.

Les exercices s’enchaînent, toujours très courts, toujours très accessibles. Tout se joue au stylet, parfois au micro, avec une interface d’une sobriété presque clinique. Pas de fioritures, pas de mise en scène superflue : ici, on est là pour faire travailler les neurones, pas pour s’émerveiller. Et dans le contexte de la sortie de la Nintendo DS, cette approche faisait mouche. A signaler aussi que le titre de Nintendo, en plus de son contenu spécifique proposait de nombreuses grilles de Sudoku. Le tactile et le micro étaient exploités intelligemment, donnant au joueur l’impression de réellement interagir avec la machine.

À sa sortie, Programme d'entraînement cérébral était indéniablement fascinant. Il proposait une expérience nouvelle, rassurante, presque sérieuse, qui donnait l’impression de “jouer utile”. Un jeu que l’on pouvait lancer cinq minutes par jour, sans engagement, sans stress, et qui s’adressait à absolument tout le monde. De ce point de vue, Nintendo a réussi un coup magistral.

Mais voilà, avec le recul et les années passées, le constat est un peu moins flatteur. Une fois l’effet de nouveauté dissipé, on se rend compte que les exercices tournent vite en rond. Les mécaniques évoluent peu, les défis manquent de renouvellement, et malgré la promesse d’un cerveau plus affûté, l’ennui finit par pointer le bout de son nez. D’autant que l’interface d’une austérité « hospitalière » n’aide en rien à amener ce petit grain de folie ou de fantaisie. On lance sa session quotidienne, on fait ses calculs, on lit ses chiffres à voix haute… et on referme la console sans véritable excitation. C’est un peu morne tout ça…

Aujourd’hui, Brain Training apparaît surtout comme un témoin très clair d’une époque. Celle où la DS cherchait à conquérir un public plus large, plus casual, et où le jeu vidéo tentait de se légitimer auprès du grand public et des médias généralistes. Dans ce rôle-là, le titre est irréprochable et mérite amplement son succès.
En revanche, pour le joueur un tant soit peu habitué, difficile d’y voir autre chose qu’une curiosité sympathique. Intéressant historiquement, malin dans son concept, mais clairement pas passionnant sur la durée. On ne peut pas dire que l’on passe un mauvais moment… mais on ne peut pas vraiment dire qu’on s’amuse non plus. Disons simplement qu’on entraîne son cerveau, oui, mais qu’on ennuie un peu son esprit.

Fiche technique:
Titre: Touhoku Daigaku Mirai Kagaku Gijutsu Kyoudou Kenkyuu Center: Kawashima Ryuuta Kyouju Kanshuu - Nou o Kitaeru Otona no DS Training
Développeur: NINTENDO
Editeur: NINTENDO
Genre: SIMULATION
Année: 2005
Autre support: EXCLUSIF
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Consoles News 70 - Juillet-Août 2006)



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South Town, décor familier d’un épisode qui l'est moins !
Développé par SNK et édité par Gamebank sur PC, Fatal Fury 3 (Garou Densetsu 3): Road to the Final Victory est la conversion sur ordinateur de l’opus sorti en arcade et sur Neo-Geo CD en 1995. Ce troisième volet de la série marque un tournant narratif et technique. Alors que la scène du jeu de combat est dominée par Capcom et l’arrivée des Street Fighter Alpha, SNK tente d’imposer sa propre vision, plus adulte et ambitieuse, avec un système de jeu repensé et une direction artistique signée Shinkiro. La version PC, basée sur la Neo-Geo CD, offre des temps de chargement réduits, préservant l’intensité des combats et la fluidité relative de l’action.



L’Ombre des Jin et la Chute d’un Empire
L’intrigue plonge le joueur dans un South Town en pleine tourmente, deux ans après Fatal Fury 2 (Fatal Fury Special n’étant pas scénarisé). La rumeur affirme que Geese Howard est mort, tombé du haut de sa tour après un âpre combat contre Terry Bogard. La réalité est différente : Geese a survécu mais a perdu son influence sur South Town, relégué désormais au rang de simple ombre manipulatrice. Ce pouvoir laissé vacant donne des idées à la voyoucratie locale notamment à un certain Ryuji Yamazaki, tueur psychopathe, qui cherche à imposer sa loi par la terreur et la violence, exploitant le chaos pour contrôler la ville.

Mais en réalité, la véritable menace vient des frères Jin, Chonshu et Chonrei, guerriers chinois descendants d’une lignée millénaire. Leur objectif est de récupérer les Parchemins des Jin, artefacts sacrés de leurs ancêtres détenant des techniques ancestrales et un pouvoir mystérieux. Eux aussi tirent les ficelles dans l’ombre, transformant South Town en champ de bataille où héros, criminels et chasseurs de trésors se confrontent.

S’ajoute Sokaku Mochizuki, autre nouveau personnage, moine bouddhiste provenant d’un clan ancien rival des Shiranui de Mai. Son objectif narratif est clair : les Parchemins des Jin sont, pour lui, une source de mal qu’il faut détruire, car ils risquent de libérer des forces dangereuses. C’est pourquoi il se rend à South Town pour empêcher quiconque, y compris Geese, de les utiliser. Sa présence donne au scénario une dimension mystique absente des épisodes précédents, et montre que les enjeux dépassent le simple combat de rue ou la vengeance personnelle.



Héros, Nouveaux Visages et Retours Inattendus
Les Fondateurs
Terry Bogard, Andy Bogard, Joe Higashi et Mai Shiranui sont de retour. Ils interviennent pour protéger South Town et leurs proches. Leur design a été entièrement redessiné, gagnant en expressivité et en détail.
Geese Howard apparaît ici en simple personnage jouable et non en boss, confirmant sa survie et son influence toujours présente.


Les Nouveaux Combattants
Hon Fu est un policier hongkongais qui pratique le kung-fu, spécialiste dans le maniement du nunchaku. Durant les événements de Fatal Fury 3 , il enquête sur un vaste trafic de drogue en Asie. Il soupçonne Ryuji Yamazaki d'être l'un des principaux trafiquants dans son pays et le suit jusqu'à South Town, sans toutefois parvenir à l'arrêter. Kim Kaphwan est un de ses amis et l'aurait présenté à Myeng Swuk. Kim et Hon Fu partagent un sens aigu de la justice, bien que celui de Hon Fu soit moins excessif que celui de Kim.

Blue Mary, détective privée et experte en close-combat, enquête sur les disparitions liées aux Jin.

Sokaku Mochizuki est un moine bouddhiste qui pratique le style authentique sans chemin ( Seiden Mudō Ryū Bujutsu ), un art martial créé pour traquer les Shura après la défaite de son fondateur face au style Shiranui. Il est réputé posséder le pouvoir psychokinétique le plus puissant de toute l'histoire de cet art. Dans Fatal Fury 3 (et Fatal Fury Real Bout), son objectif est de retrouver les parchemins des Jin et de les détruire.

Franco Bash est un ancien champion de kickboxing poids super-lourds. Il travaille comme mécanicien à l'aéroport de South Town pour subvenir aux besoins de sa femme Emilia et de leur fils Junior. Dans Fatal Fury 3, son fils est kidnappé par Yamazaki , qui le fait chanter pour qu'il l'aide à obtenir les Parchemins Secrets des Jin.

Bob Wilson, adepte de capoeira et disciple de Richard Meyer réduit ici au simple rôle de patron du Pao Pao Café, cherche à s’imposer sur la scène internationale, à devenir une star, et à mettre des bimbos brésiliennes avec des énormes bbl dans son lit (véridique). Bon, plus sérieusement, au début de Fatal Fury 3, Richard et Bob assistaient à l'inauguration du « Pao Pao Cafe 2 » et tout se déroulait à merveille. C'est alors que les mystérieux jumeaux Jin ( Jin Chonrei et Jin Chonshu ) surgirent de nulle part et les attaquèrent, saccageant le restaurant de l'intérieur.
Pendant que Richard restait sur place pour s'occuper des réparations du restaurant, Bob décida de s'allier à Terry Bogard et à de nombreux autres combattants afin d'empêcher les jumeaux Jin et Geese Howard de s'emparer des « Parchemins Sacrés Jin d'Immortalité ».

Les Boss et Antagonistes
Ryuji Yamazaki est l’antagoniste principal, sociopathe brutal qui utilise un style imprévisible et violent.
Jin Chonshu & Jin Chonrei, jumeaux et maîtres du clan Jin, sont les véritables boss finaux, chacun avec un style énergétique et rapide. Le joueur peut affronter l’un ou les deux selon ses performances.

Les Absents Notables
Par rapport à Fatal Fury Special, plusieurs personnages populaires sont écartés : Tung Fu Rue, Kim Kaphwan, Lawrence Blood, Jubei Yamada, Duck King ou encore Cheng Sinzan. Cette sélection resserrée permet de concentrer l’histoire sur les nouveaux enjeux liés aux parchemins.


Gameplay : Innovations et lourdeurs d’un système en transition
SNK repense entièrement les mécaniques, mais l’exécution reste mitigée. Le système Oversway introduit trois plans de jeu : un plan principal et deux plans secondaires pour avancer ou reculer. Les attaques entre plans ajoutent une dimension stratégique inédite dans la série. Les combats deviennent plus dynamiques et permettent de surprendre l’adversaire par des déplacements rapides ou des contres inattendus.

Le jeu introduit les Target Combos, enchaînements préétablis propres à chaque personnage, ancêtres des combos modernes. Les feintes (fake attacks) permettent d’annuler certaines attaques normales pour ouvrir astucieusement la garde adverse. Les personnages disposent également d’une Super Special Move, et d’une version plus puissante unique par manche, la Super Double. Enfin, l’air-blocking donne la possibilité de se protéger en sautant, modifiant les affrontements aériens.

Pour autant, le ressenti à l’exécution souffre de certaines limites. Les commandes paraissent parfois rigides et “métalliques”, certains coups sortent difficilement, et les priorités d’attaque peuvent surprendre le joueur, provoquant des passes d’armes frustrantes. « Putain mais pourquoi il a gardé mon reversal, mais comment cette merde d’attaque unsafe peut être safe sérieux ????? » Autant de questions métaphysiques qui ne connaitront pas de réponse dans Fatal Fury 3. Tu fais le bon timing, tu prends le bon risque… et l’adversaire bloque quand même. C’est vraiment frustrant d’autant que le reversal ne casse pas la pression et le jeu ne “récompense” pas le skill et certains mindgames comme attendu
La sensation de raideur technique limite la fluidité, surtout pour ceux habitués aux VS fighters plus nerveux. Le système de ranking arcade (de S à D), innovant et bienvenue, n’efface pas ce sentiment.

Qualités Techniques et Artistiques
Graphismes et animation : les sprites sont redessinés, plus réalistes et proportionnés, avec des décors vivants et détaillés. South Town est magnifiquement rendu et l’ensemble possède un charme rétro indéniable.

Musique et ambiance sonore : l’OST qui grâce au support CD est en réalité l’A.S.T. du jeu réalisée par Akihiro Uchida et Shinsekai Gakkyoku Zatsugidan s’avère franchement excellente, si ce n’est exceptionnelle à mes oreilles. Les thèmes oscillent entre jazz, rock et ambiances sombres, et collent parfaitement à la tension de la ville. Même si elle a moins marqué que d’autres AST de la firme, elle occupe une place particulière dans mon coeur.

Conversion PC : fidèle à la Neo-Geo CD, avec des temps de chargement réduits. La compatibilité sur matériel moderne peut nécessiter des patches ou émulation. Les compilations PS2/PS4 ou Neo-Geo originale restent plus fiables et à recommander pour bien y profiter.

Bilan : un épisode de transition nécessaire
Points positifs : direction artistique et OST remarquables, scénario sombre et ambitieux, innovations techniques (trois plans, target combos, air block), introduction de personnages iconiques (Blue Mary, Yamazaki, Sokaku Mochizuki).

Points négatifs : gameplay rigide, commandes peu indulgentes, priorités parfois incohérentes, roster quand même un peu réduit, on a vu mieux comme jeu gratifiant.

Une pierre angulaire oubliée
Fatal Fury 3 est un épisode fascinant et étrange, riche en idées et en ambiance, mais limité par une exécution technique niveau gameplay imparfaite. Son rôle historique est crucial : il a pavé la voie à la future série Real Bout Fatal Fury et Garou: Mark of the Wolves, qui ont polarisé les concepts introduits ici avec fluidité et équilibre et grande maitrise.
Aujourd’hui, le jeu mérite d’être redécouvert pour son ambiance et son importance dans la saga SNK, plutôt que pour son gameplay compétitif pur. Pour les puristes, la meilleure expérience reste sur Neo-Geo ou via compilations officielles/émulation bien configurée.

Fiche Technique:
Titre original : Garou Densetsu 3: Road to The Final Victory
Développeur: SNK
Editeur: GameBank
Genre: VERSUS FIGHTING
Année: 1998
Autres supports: ARCADE (NEO-GEO MVS), SATURN, NEO-GEO CD PLAYSTATION 4, Switch, XBOX ONE/Series
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (NexGam Novembre 2020)


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C'est carrément mon r-type, ouais ouais....
Sorti en 1999 sur Game Boy Color, R-Type DX est une réinterprétation portable des deux premiers épisodes de la série emblématique de shoot’em up. Publié par Nintendo et développé par Bits Studios Ltd., une équipe occidentale spécialisée dans les adaptations (sous licence Irem), ce titre a vu le jour d’abord en Europe et en Amérique autour de juillet 1999, avant d’arriver au Japon quelques mois plus tard dans l’année.


Bien que faisant parti de cette gamme de jeux DX sur GBC, R-Type DX ne se contente pas d'être une simple conversion. Le titre édité par Irem compile R-Type et R-Type II avec des options visuelles améliorées pour la GBC, et propose même une “version DX” qui est en fait l'assemblage du premier et du deuxième dans un seul jeu pour une expérience unique sur portable à fin du XXe siècle.

Le résultat est une réussite étonnante. Visuellement, le jeu est impressionnant pour une console 8-bits colorée : les ennemis, les décors et les effets à l’écran sont lisibles et fidèles à l’esprit des originaux, tout en tirant parti des palettes de couleurs de la GBC. Le gameplay, lui, conserve toute la tension et la précision qui font la légende de la série. Le module (la Force), l’apprentissage des patterns ennemis, la progression méthodique à travers les niveaux : tout est là, parfaitement calibré pour une console portable. On sent que chaque mort demande au joueur d’apprendre et de s’améliorer, pas de subir une frustration arbitraire.

Ce qui surprend le plus, c’est la fidélité de l’adaptation. Sur une machine aussi modeste, R-Type DX parvient à préserver l’essence des deux titres d’origine, tout en offrant une expérience compacte et cohérente. Les fans de shmups hardcore y trouveront un challenge digne des bornes d’arcade, et même les joueurs occasionnels pourront apprécier l’exigence et la progression (grâce, au choix, à une pérséverance digne d'un dragueur de rue ramassant une pléthore de refus polis ou non, ou aux save states).

Le seul bémol significatif concerne l’audio. Les bruitages chiptunes remplissent bien leur rôle, mais la bande-son est très limitée, avec peu de pistes musicales et peu de variété. Sur un jeu aussi long et intense, cela se ressent : après plusieurs sessions, on finit par entendre les mêmes thèmes en boucle, ce qui manque un peu de punch face au reste du package. Attention, je ne dis pas que la musique est pourrie, loin de là, elle est même très bonne, mais juste pas assez riche car limité par la taille faiblarde des cartouches GBC (entre autres).

Au final, R-Type DX sur Game Boy Color est une adaptation brillante : riche, exigeante et pleinement à la hauteur de ce que l’on peut attendre d’un portage portable de ces classiques. Malgré une bande-son un peu chiche, c’est un indispensable pour tout fan de la série ou amateur de shoot’em up rétro. En parlant en cela une nouvelle version est étonnament prévu en 2026, R-Type DX Music Encore qui justement règle définitivement ce problème de mémoire des cartouches GBC en offrant une vraie bande-son variée à ce shmup.

Fiche technique:
Titre original : R-Type DX
Développeur: Bits Studios Ltd.
Editeur: IREM
Genre: SHOOT THEM UP
Année de sortie : 1999
Autres supports: -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Player One 100 - Septembre 1999)



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SNK se spécialise
En 1993, SNK n’est plus un outsider naïf cherchant à imiter Capcom. Avec Fatal Fury 2, le studio a déjà posé une identité claire, mais encore imparfaite : un jeu exigeant, charismatique, techniquement ambitieux, parfois trop rigide pour prétendre de mieux que le statut d'outsider de Street Fighter II. Fatal Fury Special arrive un an plus tard avec une ambition précise : corriger, compléter et stabiliser cette formule, sans jamais renier ce qui fait la singularité de la série.
Ce n’est pas un simple ajustement de chiffres ou une révision cosmétique. Fatal Fury Special est pensé comme l’édition définitive de Fatal Fury, celle qui transforme un très bon jeu en référence durable.


Des revenants, un invité de marque et la construction d’un univers
Contrairement à ce que l’on pourrait croire à la première lecture du roster, Fatal Fury Special n’introduit pas tant de nouveaux personnages qu’il ne réintègre et redéfinit ceux du premier Fatal Fury, absents de l’épisode 2. SNK ne cherche pas à empiler des silhouettes, mais à consolider son univers et à rééquilibrer sa galerie de combattants.

Le retour le plus marquant est évidemment celui de Geese Howard. Officiellement mort à la fin du premier Fatal Fury, précipité du haut de la Geese Tower par Terry Bogard, il réapparaît ici comme si de rien n’était. SNK assume pleinement cette résurrection ambiguë, presque légendaire, renforçant l’aura du personnage plutôt que de l’affaiblir. Geese n’est pas seulement un boss iconique : il devient un combattant jouable, exigeant stick en main, fondé sur le zoning, les contres et une punition chirurgicale, qui récompense les joueurs capables de lire le rythme du match et de gérer la distance avec précision.
Autre chose, Geese est là, et il est important de l'appuyer, car il n'y a aucun scénario dans ce jeu. Nous sommes dans le premier jeu SNK de type "Dream Match".

Tung Fu Rue fait ainsi son grand retour après avoir été écarté de Fatal Fury 2. Mais le personnage n’a plus grand-chose à voir avec sa version de 1991. Sa célèbre transformation, qui le faisait passer d’un vieillard malingre à une brute surpuissante, disparaît complètement. À la place, SNK lui offre un moveset entièrement repensé, plus technique, plus mobile, et surtout plus cohérent dans un cadre compétitif.

Tung devient un personnage basé sur la gestion de l’espace à courte et moyenne distance, avec des coups aux propriétés particulières, des timings inhabituels et une capacité à casser le rythme adverse. Il n’est plus un gimmick scénaristique, mais un combattant exigeant, difficile à maîtriser, pensé pour les joueurs capables de tirer parti de ses angles d’attaque atypiques et de ses priorités parfois déroutantes. Son gameplay demande une vraie compréhension du neutral et une lecture fine des intentions adverses.

Duck King, lui aussi issu du premier Fatal Fury, revient également dans Special avec un gameplay ajusté. Si son identité visuelle et son style excentrique restent intacts, son arsenal est affiné pour mieux s’intégrer à la méta du jeu. Duck King repose toujours sur une mobilité correcte et des attaques à portée intermédiaire, mais bénéficie de coups mieux définis, plus exploitables en zoning et en punition. Il devient un personnage capable de maintenir une pression constante sans tomber dans le rushdown aveugle, en utilisant des angles d’attaque peu conventionnels et un tempo difficile à lire.

Ces retours ne sont pas anecdotiques : ils traduisent la volonté de SNK de réunifier Fatal Fury, en proposant une version où presque toutes les figures majeures de la série peuvent enfin cohabiter dans un même cadre de jeu cohérent.

Mais Fatal Fury Special va encore plus loin avec une apparition qui fera date : Ryo Sakazaki. Invité directement issu de Art of Fighting, Ryo n’est pas là par hasard. Sa présence marque le premier crossover officiel entre deux licences SNK, et pose les bases de ce qui deviendra quelques mois plus tard The King of Fighters. Au-delà du symbole, Ryo est un personnage lourd, orienté pression, avec des coups puissants et une gestion du corps-à-corps très différente de celle des combattants de Fatal Fury, renforçant encore la diversité des affrontements.

À cela s’ajoutent l'intégralité du roster, et les boss jouables de Fatal Fury 2 — Billy Kane, Axel Hawk, Laurence Blood, Wolfgang Krauser — désormais intégrés de manière plus équilibrée, même si certains conservent un net avantage structurel. Krauser, notamment, reste un personnage dominateur à longue portée, mais demande une gestion rigoureuse de l’espace et de ses recovery.

Une mécanique affinée, mais jamais édulcorée
Sur le plan du gameplay, Fatal Fury Special corrige la principale faiblesse de son prédécesseur : sa rigidité excessive. Les déplacements sont plus réactifs, les sauts mieux contrôlables, et les transitions entre coups normaux et spéciaux gagnent en fluidité. On reste toutefois dans une logique SNK très claire : le jeu n’est pas permissif, et l’exécution reste volontairement exigeante.

Le système à deux plans, souvent considéré comme un gimmick dans les premiers épisodes, trouve ici une vraie justification mécanique. Le changement de plan devient un outil de neutral game à part entière, permettant d’esquiver un projectile, de casser une pression trop linéaire ou de forcer une prise de décision chez l’adversaire. Bien utilisé, il enrichit considérablement la lecture du match ; mal employé, il expose à des punitions sévères.

Le jeu accorde une importance capitale au zoning et au spacing. Les coups normaux ont des hitbox précises, parfois déroutantes, mais rarement injustes. Les projectiles structurent l’espace sans jamais devenir omniprésents, et les erreurs de placement se paient comptant. Les combos existent, mais restent relativement courts et situationnels, souvent basés sur des enchaînements simples ou des confirmations après un coup sauté bien placé. Il ne s’agit pas encore d’un jeu à cancels complexes ou à longues routes optimisées, mais plutôt d’un versus fighting où la priorité est donnée à la prise de décision et à la punition.

Desperation Moves et gestion du risque
Les Desperation Moves (DM), déjà introduites dans Fatal Fury 2, sont ici mieux intégrées à l’équilibre global. Toujours conditionnées à une barre de vie critique, elles exigent des manipulations strictes et un timing précis. Leur rôle n’est pas de renverser un match par hasard, mais de servir d’outil de finition ou de punition lourde dans des situations bien identifiées.

Leur exécution difficile participe pleinement à la philosophie du jeu : Fatal Fury Special récompense la maîtrise et la lucidité, pas l’improvisation. Un DM placé au bon moment est extrêmement gratifiant, mais son échec peut coûter un round entier.

Réalisation et identité SNK affirmée
Visuellement, Fatal Fury Special représente l’aboutissement du savoir-faire SNK sur Neo Geo à cette période. Les sprites sont massifs, expressifs, richement animés, et les décors regorgent de détails vivants sans jamais nuire à la lisibilité. Chaque arène raconte un lieu, une culture, une atmosphère, renforçant l’identité de chaque combattant. Les stages de Tung et Duck King justement sont particulièrement léchés et réussis !

La bande-son, toujours très marquée par le style SNK, oscille entre thèmes épiques, accents rock et envolées mélodramatiques. Elle participe pleinement à la tension des combats et à la mise en scène générale, sans chercher la discrétion.

Les forces
– Gameplay affiné et plus cohérent que Fatal Fury 2
– Système à deux plans pleinement exploité
– Roster riche, incluant des boss jouables bien pensés et non "cheatés"
– Neutral game exigeant et stratégique
– Forte identité SNK, assumée

Les (petites) faiblesses
– Exécution toujours exigeante, peu accessible aux débutants
– Équilibrage perfectible sur certains personnages (Laurence, Tung, Cheng un peu trop "faibles", Joe et Kim un peu trop "forts")
– Peu de combos spectaculaires
– Rigidité encore perceptible face aux jeux Capcom (malgré les gros progrès)

Conclusion - SNK ne blague plus !
Fatal Fury Special n’est pas un jeu qui cherche à séduire immédiatement. Il demande du temps, de la rigueur et une vraie volonté d’apprentissage. Mais en échange, il propose une expérience de versus fighting dense, cohérente et profondément marquée par une vision différente de celle de Capcom.

En stabilisant son gameplay, en enrichissant intelligemment son roster et en affirmant sa mythologie, SNK signe ici la version la plus aboutie de Fatal Fury première generation. Un jeu qui ne pardonne pas l’à-peu-près, mais qui récompense la lecture, le placement et la maîtrise technique.

Ce n’est peut-être pas le plus accessible des classiques de l’arcade, mais c’est l’un des plus structurés. Et c’est précisément pour cela que Fatal Fury Special reste, encore aujourd’hui, un titre fondamental dans l’histoire du versus fighting SNK.

Fiche technique:
Titre original : Garou Densetsu Special
Développeur: SNK
Editeur: SNK
Genre: Versus Fighting
Année: 1993
Autres supports: Arcade (Neo-Geo MVS), Android, FM Towns, GameGear, iOS (iPhone/iPad), Neo Geo CD, Nintendo Switch, PC, PlayStation 4, MEGA CD, Super Nintendo, NEC CD-ROM, Xbox 360, Sharp X68000, Xbox One/Series
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (Joypad 025 - Novembre 1993)



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Pub japonaise

Jet Set Retro
Ah, Jet Set Radio… Ce nom sent la peinture fraîche, le funk japonais et les consoles Dreamcast qui grincent d’amour. Sorti à l’origine sur la petite merveille de Sega en 2000, le jeu était un OVNI visuel et sonore : graphismes en cel-shading avant-gardistes, bande-son dantesque, et cette ambiance rebelle où l’on taguait les murs de Tokyo-to en échappant à la police. Bref, un condensé de coolitude.
Et puis un jour, quelqu’un, quelque part, s’est dit :
“Et si on portait ce bijou sur Game Boy Advance ?”
Une phrase qui aurait dû être suivie par :
“Non, mauvaise idée.”
Mais non. Sega a confié la mission à un studio américain, Vicarious Visions, déjà responsable de quelques portages honnêtes (et de quelques traumatismes vidéoludiques aussi). Et là, miracle ou malédiction : Jet Set Radio GBA est né un 23 juin 2003 en Amérique du Nord et vit le jour plus tard chez nous le 20 février 2004. Et devinez quoi ? C’est avec cet épisode que je fais le grand saut dans cette série… Oui je sais…


Le street art version boîte de sardines
Autant le dire tout de suite : sur GBA, Jet Set Radio garde son identité… mais comme si l’on avait passé le jeu original au micro-ondes pendant 30 secondes.
Les personnages ressemblent à des versions 2D plates de leurs modèles Dreamcast, qui auraient survécu à une explosion thermo-nucléaire de pixels. Les animations sont rigides, mais les développeurs ont quand même réussi à garder le style “cel-shading”, et franchement, sur une petite GBA, ce n’est pas rien.
La musique ? Un miracle miniature : les thèmes funky et électro sont là, un peu compressés comme une playlist MP3 de 2002, mais toujours ultra entraînants.

L’enfer du stick invisible
Le vrai problème, c’est quand on commence à jouer.
Parce que oui, le jeu aurait pu être bien… si la maniabilité n’était pas aussi merdique.
Le personnage glisse comme s’il patinait sur du savon, les virages se prennent avec la grâce d’un semi-remorque, et les collisions rappellent qu’on n’est pas fait pour le roller, mais pour la frustration.
Au bout d’un moment, on finit par prendre le coup. On s’habitue aux commandes, on anticipe les virages, on prédit la mort avant qu’elle n’arrive. Mais bon sang… c’est injouable quand même, ce truc.
C’est un peu comme conduire un gros camion à travers les rues d’un village provençal : techniquement faisable, mais pas recommandé par le bon sens.

Des tricks, du flow, et des murs à repeindre
Sur le papier, la dimension “trick et skate” est même un peu plus poussée que sur la version Dreamcast. On peut enchaîner les grinds, les sauts, et taguer en rythme des murs minuscules, le tout dans un enchaînement fluide… enfin, fluide pour peu que le pouce survive à la croix directionnelle.
Mais l’impression de liberté, essentielle à Jet Set Radio, disparaît vite : les niveaux sont des couloirs étriqués où le gameplay se résume à tourner, sauter, et réussir (rater) son tag.
Le gameplay s'articule tout de même toujours aussi astucieusement autour de la récupération de bombes de peintures (jaune = 1 jet, bleu = 5 jets, rouge = de la santé). Ces bombes permettent donc d'exécuter nos (basses) oeuvres mais attention tel un QTE il faudra bien respecter des séquences de touche (avec la croix directionnelle), sinon vous gaspillerez un jet.
Un principe efficace, d'autant (et cela est très appréciable) que les bombes sont facilement trouvables dans la ville.

Techniquement, ça passe… presque
Franchement, techniquement, ça va. Pour une GBA, cela tient la route. Le moteur 3D “fake” fait illusion, les environnements sont lisibles, et on reconnaît les quartiers emblématiques.
Mais contrairement à ce que disaient certains magazines à l’époque (“Une prouesse visuelle sur GBA !”), il faut avouer que c’est un peu vite fait graphiquement. Pas moche, mais clairement compressé, comme si l’on avait essayé de faire tenir Shibuya dans une boîte à chaussures.

Au final, Jet Set Radio GBA est un peu comme un vieux roller : beau à regarder, plein de souvenirs, mais dangereux dès qu’on tente de le faire rouler.
Un jeu sympa et attachant, avec une ambiance unique, un ton décalé, et une vraie personnalité, mais gâché par une jouabilité vraiment bancale malgré toute la bonne volonté des développeurs.
On sent l’effort, on sent la passion, mais aussi la douleur du pouce après dix minutes dessus.

Fiche Technique:
Titre: Jet Set Radio
Développeur: Vicarious Visions
Editeur: SEGA
Genre: Action-Simulation
Année: 2003
Autre support: -
Nombre de joueur(s): 4
Localisation:

NOTE PRESSE (NGC Magazine 086 - Novembre 2003)




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Legendary men return...
1992. SNK sort les crocs. Street Fighter II règne en maître incontesté sur le monde de l’arcade, et les autres éditeurs se cassent les dents à vouloir l’imiter. Sauf que dans un coin de South Town, Terry Bogard et ses potes ont encore une rage de loup. Fatal Fury 2 débarque sur Neo Geo, et ce n’est pas juste une suite : c’est une déclaration de guerre. SNK affine sa formule, muscle son moteur, et surtout injecte ce supplément d’âme et de technique qui fera sa marque de fabrique.
Résultat ? Un jeu qui a redéfini ce que pouvait être un versus fighting « SNK style » : nerveux, lisible, élégant, mais exigeant.


Un prince de la ville qui se voulait roi
Le premier Fatal Fury (1991), conçu par Takashi Nishiyama, le papa du tout premier Street Fighter (1987), était presque une suite spirituelle à ce vieux titre Capcom : trois personnages jouables, un système simple, des coups exigeants… et une étrange idée : un mode 2 joueurs coop contre le CPU.
Un gameplay moitié beat them up, moitié versus, où deux humains pouvaient castagner le même boss. Une relique d’une autre époque.

Mais le vrai truc marquant, c’était ce fameux système à deux plans : un décor avec une “profondeur”, permettant de sauter à l’arrière-plan pour esquiver ou surprendre. À l’époque, c’était un gimmick. Dans Fatal Fury 2, ce gimmick devient une vraie mécanique.

Les nouveaux visages du ring
Huit combattants jouables, quatre boss, et une galerie de persos qui transpirent la personnalité.
Le casting s’étoffe et donne à SNK une vraie identité :

Terry Bogard, toujours en haut de l’affiche, le blond à casquette le plus charismatique de l’arcade. Le “héros du peuple”, fort, franc, fidèle à South Town.

Andy Bogard, son frère, plus discret, plus technique, adepte du Shiranui-ryu.

Joe Higashi, le kickboxeur au rire insupportable et aux genoux dévastateurs.

Mai Shiranui, nouvelle venue, ninja explosive et ô combien symbole du fan-service avant l’heure (et SNK savait ce qu’il faisait). 1992, l'année de la création du fantasme originel.

Kim Kaphwan, la justice incarnée, Taekwondo pur jus et discipline absolue (et balai dans le cul).

Jubei Yamada, vieux maître judo goguenard, une sorte de “Tortue Géniale” de South Town.

Cheng Sinzan, riche bedonnant au style explosif, mélange improbable entre boxe chinoise et boule humaine.

Big Bear, un catcheur australien géant — anciennement Raiden, méchant du premier opus, devenu “face” (gentil) dans ce tournoi. Même coups, nouveau masque, nouveau cœur.

Et puis viennent les boss :
Billy Kane, bras droit de Geese Howard, armé de son infernal bâton télescopique (le zoning de l’enfer).
Axel Hawk, le boxeur massif.
Laurence Blood, le toréador sadique et poseur.
Et enfin, Wolfgang Krauser, colosse aristocrate et demi-frère de Geese Howard.

SNK soigne sa mythologie.
On apprend que Wolfgang Krauser et Geese Howard partagent le même père : un noble allemand, coureur invétéré, et grand amateur des bains douches à Paris. Un homme qui aimait le bon vin, les femmes, et visiblement oublier les capotes dans son chateau.
Geese, fils illégitime, prend le nom de sa mère américaine et grandit à South Town, tandis que Wolfgang Krauser hérite du château, du prestige et d’un ego de cathédrale.
Wolfgang méprise son demi-frère, qu’il juge vulgaire et déshonorant. Mais quand Geese meurt (dit-on en ville), battu par Terry dans le premier jeu, Wolfgang Krauser décide de venger “l’honneur familial” : qu’un “gueux américain” terrasse un Krauser, même demi-Krauser, c’est inacceptable.
Un grand seigneur, certes, mais un grand seigneur susceptible.

Gameplay : ou la crampe aux doigts!
Ici, SNK affine sa grammaire.
Les deux plans ne sont plus un gadget : ils deviennent un outil tactique. On peut esquiver un projectile, feinter une choppe, ou punir un saut.
C’est une mécanique qui demande du timing et de la lecture, et qui donne à chaque combat une dimension stratégique que Street Fighter II n’a pas.
Mais attention : ce n’est pas de la souplesse Capcom, c’est du fer SNK.
Les commandes sont plus dures, les timings plus secs.

Les Desperation Moves (DM), ancêtres des super coups, apparaissent ici.
Mais il faut être en danger (barre de vie rouge), et surtout, sortir des manipulations d’orfèvre.
SNK n’a pas inventé la demi-lune arrière pour les touristes.
Ces DM, c’est la récompense des joueurs qui bossent le stick jusqu’à la tendinite.
Quand tu balances un Power Geyser dans la tronche de Krauser, tu le sens dans la paume.

Côté sensations, c’est du costaud :
Les coups claquent, les sons ont du coffre, et la gestion des priorités (parfois bizarre) rend chaque duel intense.
Mais attention : le jeu reste rigide.
Les sauts sont un peu lourds, certains coups spéciaux sortent à la sueur du front, et les combos ne sont pas encore naturels. On enchaîne plus au feeling qu’à la frame data.

Et Billy Kane, parlons-en. Ce type est une plaie.
Son bâton couvre la moitié de l’écran, son zoning te punit à la moindre erreur, et son IA (en mode 1P) lit carrément dans tes inputs.
Même Krauser, boss final, est plus abordable que lui.
Un mur, littéralement.

Réalisation : l'école du pixel viril
Si le premier Fatal Fury posait les bases, Fatal Fury 2 est le moment où SNK devient SNK.
On entre ici dans le grand bain de la Neo Geo à pleine puissance, cette machine d’arcade pensée pour en mettre plein les yeux et les oreilles. Et pour le coup, les artistes du studio se sont surpassés.

Derrière la patte graphique, on retrouve plusieurs figures du SNK de la grande époque : Ayumi Tsuzaki (Tsuzakingyo), Higashi Pon, Ryouji Sei, UG Wada, ou encore Youichiro Soeda.
Pas encore de Kuroki ou Shinkiro, ils arriveront plus tard, mais déjà cette touche si reconnaissable : des sprites massifs, hyper expressifs, bien virils et une colorimétrie éclatante, propre aux débuts des années 1990.
Tout respire la maîtrise du pixel : contours nets, palettes chaudes, et animations finement segmentées.
Les coups spéciaux laissent des traînées lumineuses, les effets d’impact font trembler le fond de l’écran, et les transitions de round jouent sur la lumière du décor en mode jour, crépuscule, nuit, comme un cycle dramatique miniature.

Et quels décors !
Chaque arène est une carte postale du monde :
- Terry sur son train américain en plein désert du Dakota près du Monument du Mont Rushmore
- Andy dans les canaux de Venise,
- Joe face à un temple thaïlandais en pleine jungle
- Mai sur son radeau dans un Japon mystique
- Kim dans une rue fréquentée de Séoul
- Cheng dans un temple chinois majestueux,
- Jubei au dojo du Mont Fuji,
- Big Bear dans son repaire en plein désert australien,
- Billy sous la pluie de Londres,
- Laurence Blood dans son arène de corrida espagnole,
- Axel Hawk dans une salle de boxe electrifié hardcore
- et Krauser, enfin, dans son château allemand, sur fond de vitraux et de chandeliers.

Chaque décor raconte quelque chose : un pays, un tempérament, une philosophie de combat.
Le tout animé par des petits détails vivants, foule en fond, oiseaux, drapeaux, eau qui ondule. Tous ces effets étaient un luxe absolu en 1992.

Côté son, SNK frappe tout aussi fort.
La bande originale, signée Masahiko Hataya, Toshio Shimizu et Yoshihiko Kitamura, est un pur bijou d’époque : des mélodies orchestrales et épiques, entre rock synthétique, percussions martiales et envolées classiques.
Chaque combattant a son thème, immédiatement identifiable : celui de Krauser, évidemment, avec ses accents de Mozart (“Lacrimosa”), reste un monument du jeu d’arcade.

L’identité sonore de SNK se forge ici : grandiloquente, mélodique, et pleine de panache.
Là où Capcom vise la clarté et la lisibilité, SNK joue sur la démesure, la mise en scène, le charisme pur.

C’est le début d’une époque où la Neo Geo ne se contentait pas de rivaliser avec les autres bornes :
elle posait les codes du spectacle de baston en posant un vrai univers voire une mythologie.

On rugit de plaisir !
– Graphismes somptueux, colorés, typiques du début 90.
– Un vrai versus fighting, riche et technique.
– Les deux plans enfin bien exploités.
– Des personnages ultra charismatiques, chacun avec son style.
– Desperation Moves : durs à sortir, mais hyper gratifiants.
– Musiques et ambiances au sommet.
– La mythologie SNK prend corps avec Krauser et la lignée Howard.

On a la fureur !
– Rigidité globale : sauts, coups spéciaux, déplacements.
– Certains coups ont du mal à sortir, hitbox parfois floue.
– Priorités étranges (Kim et Billy, stop).
– Desperation Moves trop exigeants à exécuter.
– IA brutale : Billy Kane, pure torture.
– Moins “confortable” que Street Fighter II, surtout niveau enchaînements.

Conclusion - Quand SNK serre les poings
Fatal Fury 2 n’est pas juste une suite : c’est la vraie naissance du rival de Street Fighter II.
Le premier Fatal Fury était encore dans l’héritage du tout premier Street Fighter (1987) : raide, expérimental, un peu perdu entre deux époques.
Celui-ci, en revanche, entre dans la cour des grands.
Technique, exigeant, stylé, Fatal Fury 2 prouve que SNK n’est pas qu’un suiveur : c’est un bâtisseur.
Là où Capcom mise sur la fluidité et le confort, SNK choisit la dramatique et la discipline.
Street Fighter II te sourit en te donnant une leçon ; Fatal Fury 2 te fixe, se craque les phalanges, et dit :
“Viens, si t'as des c.....”
Et quelque part, entre un Power Wave et un bâton de Billy, tu comprends pourquoi cette série s’appelle Garou Densetsu : La Légende du Loup.
Parce qu’ici, tout le monde veut mordre.

Fiche technique:
Titre original : Garou Densetsu 2: Arata-naru Tatakai
Développeur: SNK
Editeur: SNK
Genre: Versus Fighting
Année: 1992
Autres supports: Arcade (Neo-Geo MVS), Megadrive, Super NES, X68000, NEC CD-ROM (Arcade Card), Game Boy, Neo-Geo CD, PS4, Xbox One/Series, Switch
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (Joypad 019 - Avril 1993)



Screenshots:

Pub japonaise

Test de l'émission Micro Kid's (France 3) - 11 Avril 1993

Vert de rage !
Lorsque l'on évoque Turok, on imagine des flèches, des dinosaures, des flingues futuristes, et ce mélange improbable de préhistoire et de science-fiction qui a fait la signature de la série. Pas exactement le genre d’univers qu’on s’attend à retrouver sur une console de salon familiale… Et pourtant, en 1999, Acclaim a tenté le pari : faire de Turok: Rage Wars un FPS compétitif taillé pour la Nintendo 64. Un pari audacieux et surtout totalement révolutionnaire sur console ! Et oui on est un an avant la petite révolution Quake III Arena sur Dreamcast.
Résultat ? Un jeu d’arène nerveux, parfois fun, souvent maladroit, et aujourd’hui… disons-le franchement : un dinosaure vidéoludique, dans tous les sens du terme.


Avant la rage, il y avait la légende
Turok, avant d’être un héros de pixels, c’est d’abord un personnage de comics. Né dans les années 1950 dans les pages de Four Color Comics, Turok est un chasseur amérindien perdu dans un monde peuplé de dinosaures — un concept pulp avant-gardiste, entre Tarzan et Jurassic Park avant l’heure, donc.
Des décennies plus tard, Acclaim rachète les droits et transpose l’idée dans le jeu vidéo. Sur Nintendo 64, Turok: Dinosaur Hunter (1997) devient l’un des premiers FPS marquants de la console. Suite, spin-offs, cartouches à expansion pack… la saga explose. Et Rage Wars arrive alors comme une parenthèse multijoueur : plus de scénario, plus de dinos à chasser, juste du frag, du fun et des fusils.

Une ombre avant la tempête
Ici, pas d’histoire épique ni de quête initiatique : Rage Wars mise tout sur le combat d’arène.
Le mode solo sert surtout de prétexte pour prendre le jeu en main — une série de défis enchaînés, où l’on affronte bots et mini-boss pour débloquer armes et personnages. L’essentiel, c’est le multijoueur, cœur battant du jeu, à une époque où quatre manettes sur la table suffisaient à enflammer une soirée.

Sauf que… joué seul, le jeu montre vite ses limites. Les arènes sont petites, les ennemis manquent d’intelligence, et le rythme s’étiole. La promesse d’un “Turok pour les pros du frag” s’effrite assez vite quand on se retrouve seul face à des bots au QI de raptor en fin de batterie.

Une leçon d’arène préhistorique
On ne va pas se mentir : pour l’époque, Rage Wars en avait sous le capot. Le jeu proposait un arsenal colossal : arcs, fusils, pistolets plasma, armes biologiques, gadgets à effet secondaire… chaque flingue avait sa personnalité, et parfois même une fonction alternative (un luxe en 1999 !). Les arènes offraient une vraie lisibilité et quelques subtilités de verticalité, et l’action, à plusieurs, pouvait devenir franchement jubilatoire.

Mais le charme a mal vieilli.
Aujourd’hui, le petit brouillard (atténué avec l'expansion pack), les textures baveuses et les dinos au chara-design approximatif font sourire — voire peur.
Je l’avoue : certains ennemis m’ont littéralement effrayé, non pas par leur férocité… mais par leur modélisation explosée au sol .

Le jeu reste fluide, mais manque de punch. Le feeling des armes, autrefois satisfaisant, paraît désormais un peu mou. On sent une réalisation efficace pour l’époque, mais sans éclat : la direction artistique semble perdue dans cet univers bizarre entre futur et lointain passé tribal.

Et puis, il y a la maniabilité.
Sur N64, il fallait une vraie gymnastique digitale pour apprivoiser la visée et le déplacement simultanés. Le stick unique, les boutons C en guise de direction, et surtout le changement d’armes fastidieux (où il faut cycler laborieusement dans l’inventaire) rendent les premières minutes assez douloureuses. Une fois qu’on s’y habitue, ça peut aller, mais les débuts rappellent que le FPS console n’était pas encore un genre parfaitement dompté à l’époque. J'avoue qu'à de très nombreuses reprises le titre d'Acclaim m'est tombé des mains...

Bande-son : le cri du pixel saure
Côté son, c’est du pur Turok : effets de tirs exagérés, cris métalliques, percussions martiales et boucles électroniques.
Ça colle à l’action sans jamais devenir envahissant. Les musiques font leur boulot, mais ne marquent pas les esprits ; disons qu’elles accompagnent, plus qu’elles ne galvanisent.

On rugit de plaisir !
+ Un arsenal riche et varié, encore impressionnant par sa diversité.
+ Un vrai mode multijoueur compétitif, simple et accessible.
+ Les bonus, gadgets et armes secondaires apportent un peu de stratégie.
+ Quelques arènes bien pensées pour le jeu à quatre.

On a la rage !
– En solo, l’intérêt s’effondre vite : IA faiblarde, rythme lent.
– Un chara-design franchement raté, entre pantins polygonaux et dinos en pâte à modeler.
– Des contrôles laborieux, faut vraiment être tenace pour s'y faire.
– Une ambiance froide, sans narration ni personnalité marquée.
– Graphiquement, ça ne tient plus la route face aux productions XXL d’aujourd’hui.
.
On se finit autour d'un calumet
Turok: Rage Wars n’est pas un mauvais jeu, loin de là : c’est un morceau de son époque, un témoignage sincère d’une ère où la N64 rêvait d’arènes futuristes à quatre joueurs. À plusieurs, le plaisir reste réel : simple, nerveux, presque innocent. Mais seul, la magie s’évapore vite.
Le titre est trop ancré dans son temps, comme FIFA International Soccer sur Mega Drive : beaucoup l’ont adoré, squatté, usé jusqu’à la moelle, mais aujourd’hui il a perdu l’intégralité de son intérêt face à ce qui a suivi.
Comme pas mal de jeux N64 (et plus largement de titres 32/64 bits de son époque), Turok Rage Wars n’a pas résisté à l’épreuve du temps : techniquement limité, artistiquement daté, et jouable seulement à travers la nostalgie.
Un dinosaure vidéoludique, donc.
Sympathique, mais fossilisé.

Fiche technique:
Titre original : Turok: Rage Wars
Développeur: Acclaim Studios Austin
Editeur: Acclaim
Genre: FPS
Année de sortie : 1999
Autres supports: GAME BOY COLOR (juste le nom)
Nombre de joueur(s): 4
Localisation:

NOTE PRESSE (Player One 103 - Décembre 1999)



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Spot TV USA

Noir, blanc, et beaucoup de rouge dans l’esprit
Quand on pense à Ninja Gaiden, on imagine des réflexes surhumains, des sabres qui sifflent, et une difficulté qui fait trembler les pouces. Pas exactement le genre d’expérience qu’on s’attend à trouver sur Game Boy, la console des gosses sages et des piles à plat. Et pourtant… en 1991, Natsume a tenté le pari : faire tenir Ryu Hayabusa dans un écran monochrome. Résultat ? Ninja Gaiden Shadow (NB : nom US que l'on utilisera durant ce test car je l'aime bien) – un petit concentré d’action pure, peut-être un peu bridé, mais diablement efficace.


Une ombre avant la tempête
Ici, pas question de sauver le monde en 12 cinématiques ou de jongler entre les murs : Shadow joue la carte du préquel. Avant les drames épiques de la NES, Ryu nettoyait déjà les rues d’une ville gangrenée par le mal. Cinq niveaux, cinq boss, une seule mission : tailler dans le vif avant que l’ombre ne dévore tout.
L’histoire tient sur un timbre-poste, mais ce n’est pas grave : ce qui compte, c’est le feeling manette en main.

Une leçon de minimalisme ninja
On ne va pas se mentir : la Game Boy n’était pas le temple du réflexe millimétré ni du gameplay acrobatique. Et pourtant, Ninja Gaiden Shadow s’en sort avec les honneurs. Les sprites sont massifs, lisibles, et les coups de sabre claquent avec une autorité surprenante pour une console aussi frêle. Natsume, aux commandes, a taillé dans le gras et gardé l’essentiel : la pure action.

Mais attention — ne vous attendez pas à une version miniature des épisodes NES. Shadow n’en est pas un simple portage : c’est un spin-off dépouillé, presque contemplatif, où la nervosité laisse place à la précision.
Oubliez les courses murales, les double-sauts ou les enchaînements acrobatiques : ici, Ryu avance lentement, s’accroche à une corniche, balance un shuriken ou un parchemin de feu, puis repart tailler du démon.
Ce n’est pas du Ninja Gaiden II dans la poche, mais une sorte de proto-Gaiden, plus méthodique, plus posé — et parfois, étonnamment zen.

Le grappin (ou plutôt le « ninja hook ») joue un rôle central : c’est votre seule vraie fantaisie mécanique. Il permet de s’accrocher à certains plafonds pour contourner les ennemis ou traverser des gouffres, et donne au jeu un rythme unique, presque stratégique.
Certes, son usage est limité à des points précis — on n’est pas dans Bionic Commando — mais chaque occasion de l’utiliser apporte un petit frisson d’agilité bienvenue. C’est là que Shadow trouve sa personnalité.

Côté arsenal, Ryu conserve ses parchemins pour lancer des attaques spéciales : des boules de feu ou des shurikens à usage limité, à gérer avec soin. Pas de pluie d’items ni d’armes secondaires variées comme sur NES : ici, la sobriété règne.
Et c’est sans doute ce qui rend le jeu si singulier : Natsume ne cherche pas à tout copier, mais à condenser l’esprit Ninja Gaiden dans une expérience compacte et maîtrisée.
Chaque niveau se traverse comme un duel entre patience et réflexe, chaque saut doit être pesé, chaque coup porté avec intention. On est loin de la frénésie des consoles de salon, mais jamais loin de la tension qui fait le sel de la série.

Bande-son : le souffle du dragon
La musique, elle, mérite les honneurs. Sur cette pauvre puce sonore de Game Boy, les compositeurs ont tiré de véritables hymnes ninja. Ça pulse, ça groove, et ça colle parfaitement à l’ambiance : entre tension urbaine et adrénaline pixelisée.
Impossible de ne pas hocher la tête quand la mélodie du premier niveau démarre. C’est le genre de thème qui vous reste en tête toute la journée, et qui vous donne envie de sortir dans la rue avec un bandeau sur le front.

Les bons points
+ Des graphismes nets et bien dessinés, lisibles en toute circonstance — du bon travail de Natsume.
+ Une vraie identité Ninja Gaiden, même en version miniature : ennemis, décors, ambiance… tout est là.
+ Une bande-son nerveuse et entraînante, typique de Tecmo, qui accompagne bien l’action.
+ Un gameplay simple mais bien pensé, avec un vrai feeling dans les coups de sabre.
+ Le grappin, limité mais bien exploité, ajoute juste ce qu’il faut de variété.

Les petits regrets
– Cinq niveaux seulement : le jeu se termine vite, trop vite.
– Un rythme plus lent que sur NES, sans les acrobaties ni la fluidité des épisodes principaux.
– Plus limité niveau gameplay que sur NES quand même.
– Peu de mise en scène, pas de cinématiques ou d’histoire développée : on enchaîne simplement les stages.
– Une difficulté un peu plate, qui monte tardivement sans jamais vraiment surprendre.
.
Verdict
Ninja Gaiden Shadow n’est pas un grand ninja game, mais c’est un bon jeu d’action Game Boy, solide et efficace.
Moins spectaculaire que ses modèles de salon, il garde l’essentiel : la précision, la rigueur, et une ambiance fidèle à la série.
Un petit plaisir monochrome qui fait honneur à la licence, sans chercher à en faire trop.

Quant à Tomonobu Itagaki, même s’il n’a pas travaillé sur ce volet, impossible de ne pas penser à son héritage : cette idée que le style et la maîtrise valent mieux que la démesure.
Un rappel simple, mais juste.

Court, carré, efficace. Un vrai ninja de poche — sans fioritures, mais avec du respect.
Cet article est un hommage à Tomonobu Itagaki qui vient de nous quitter et qui a prouvé durant sa carrière qu’on pouvait manier la manette comme un katana.

Fiche technique:
Titre original : Ninja Ryukenden GB
Développeur: Natsume
Editeur: Tecmo
Genre: Action
Année de sortie : 1991
Autres supports: -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Joystick 024 - Février 1992)



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Test de l'émission Micro Kid's (France 3) - septembre 1992

Le portage fantôme…
Battle Arena Toshinden 2. Sur PlayStation, en 1995, c'était un petit événement, car suite d’un épisode mythique qui a propulsé la 32 bit de Sony. Un jeu de combat en 3D qui rivalisait (en apparence) avec Virtua Fighter, avec des personnages charismatiques, une bande-son électrisante et un système d’esquive latérale qui faisait son petit effet. Un vrai system-seller. Mais voilà, déjà en 1995 la concurrence commençait à arriver en masse avec notamment un certain Tekken qui allait générer une nouvelle onde de choc, nettement plus durable, chez les joueurs PlayStation. Trois ans plus tard, la société japonaise GameBank débarque avec une version PC du jeu, toujours développé par Tamsoft pour les joueurs ayant loupé le coche sur 32 bits. Le résultat ? Une conversion aussi tardive que méconnu. Alors est-on face à un portage bâclé à plein nez, à quelque chose de plus sérieux, et surtout a-t-il pris un sérieux coup de vieux ?


L'éditeur obscur
Avant de démarrer notre test, parlons rapidement de GameBank.
Mais qui est GameBank au fait ? Pour comprendre le "pourquoi" de cette mouture, il faut regarder le "qui". GameBank n'est pas un éditeur traditionnel. Il s’agit du fruit d’une join venture entre Microsoft et un géant japonais des télécom, SoftBank. Leur but avoué ? Racheter les droits de jeux console et arcade nippons (en grande partie) souvent oubliés ou passés de mode et les porter à moindre coût sur PC, principalement pour le marché occidental, mais aussi pour le marché japonais à une époque où les FM Towns et autres X68000 commençait à se faire remplacer par du PC sous Windows 95.
Leur méthode ? La moins chère possible. Leurs jeux (on cite pêle-mêle In the Hunt, Zero Divide ou encore Samurai Shodown II) sont des conversions directes, souvent sans optimisation, avec des options graphiques ridicules et une compatibilité aléatoire. Leur unique qualité est de rendre accessible, financièrement parlant, des jeux qui ne le seraient pas autrement. Leur défaut ? C'était assez souvent, pas terrible. Toshinden 2 est l'archétype parfait de la philosophie GameBank : un contenu brut, peu retravaillé, balancé sur une plateforme pour laquelle il n'a clairement pas été pensé.


Le jeu se déroule autour du Toshinden, un tournoi clandestin organisé par une mystérieuse secte appelée l’Organisation secrète (ou la « Secret Society »).
• Le but de cette organisation : recruter ou éliminer les meilleurs combattants du monde.
• Derrière le tournoi, se cachent des expériences, des manipulations génétiques et des objectifs de domination.
• Chaque combattant vient avec ses propres motivations : vengeance, quête de gloire, recherche de proches disparus…
Le boss final du premier opus était Gaia, le chef du tournoi, qui trahissait la Société et finissait par en être la cible.
Dans Toshinden 2, l’Organisation secrète revient, menée par un nouveau boss : Uranus, une mystérieuse sorcière au pouvoir colossal.
Cette fois, la Société organise un second tournoi pour se débarrasser de Gaia (qui a survécu et rejoint les combattants comme perso jouable), et pour sélectionner de nouveaux guerriers.
Les combattants originaux reviennent encore une fois avec leurs propres raisons (vengeance, recherche de force, ou simple goût du combat), tandis que de nouveaux challengers font leur apparition.

Retour du casting original (Toshinden 1)
1. Eiji Shinjo – Le héros, épéiste japonais en quête de son frère Sho.
2. Kayin Amoh – Ami/rival d’Eiji, combat avec une épée longue (sabre écossais).
3. Sofia – Agent secret russe tête d’affiche du jeu car diablement sexy, manie toujours le fouet.
4. Rungo Iron – Mineur costaud au bon cœur qui combat avec une masse géante, motivé par la protection de sa famille.
5. Fo Fai – Vieil assassin chinois, grinçant et cruel, utilisant des griffes.
6. Mondo – Ninja garde du corps, armé d’une naginata.
7. Duke B. Rambert – Chevalier français, arrogant et imbu de sa personne, armé d’une grosse épée.
8. Ellis – Jeune danseuse acrobate, qui se bat avec deux dagues.
9. Sho Shinjo – Frère aîné d’Eiji qui a pour arme un katana. Disparu depuis des années, il est manipulé par l’organisation. Il ressemble beaucoup à Eiji mais en plus sombre et violent. C’est un peu le Evil Ryu du jeu en gros. C’est un personnage caché.

Nouveaux personnages introduits dans Toshinden 2
10. Gaia – Ancien boss du 1, chef déchu de la Secret Society. Il manie une immense épée double-lame.
o Dans Toshinden 2, il est jouable d’entrée (bonus par rapport au 1).

11. Tracy – Inspectrice de police américaine.
• Arme : Tonfas électrique télescopique.
• Histoire : Membre d’Interpol, elle traque les activités criminelles de la Secret Society et participe au tournoi pour les infiltrer.

12. Chaos – Harlequin macabre ou psychopathe théâtral sadique et excentrique.
• Arme : Anneaux tranchants (qu’il lance comme des disques).
• Histoire : Assassin de la Société, complètement imprévisible, il aime semer le chaos et le sang.

13. Vermilion – Tueur à gages américain.
• Arme : Revolver (oui, un gunman dans un jeu de baston à l’arme blanche !).
• Histoire : Froid et impitoyable, il est engagé par la Société pour éliminer ses ennemis. Son style détonne avec le reste du roster. Il doit être débloqué pour pouvoir le sélectionner.

Nouveaux boss
14. Uranus – La nouvelle "grande méchante".
• Arme : Magie psychique, projectiles d’énergie.
• Histoire : Elle est le véritable cerveau derrière l’Organisation, mystérieuse et terrifiante. Son objectif : dominer le monde via ses guerriers.

15. Boss final : Master
• Arme : Grande épée (style rappelant Gaia).
• Background :
Peu d’informations données dans le jeu lui-même, car elle est pensée comme un boss secret et mystérieux. On comprend qu’elle est l’instigatrice réelle derrière l’Organisation, supérieur à Uranus. Son identité est volontairement obscure : dans le lore, elle est mentionnée comme le "véritable maître" de la Société.
• Gameplay :
Très puissante, attaques rapides malgré sa grande arme. Capacité à enchaîner les coups spéciaux et à mettre une énorme pression.
• Réputation :
Pour beaucoup de joueurs de l’époque, battre Master était la vraie fin cachée du jeu. Elle a marqué par son aura mystérieuse, mais comme personnage elle n’a pas eu autant de développement narratif que Sho ou Uranus.

Le casting est riche et il y a de quoi faire avec ses 11 personnages jouables d’entrée de jeu, tous ayant un style différent.


La Théorie : Un Système Plus Profond Qu'il n'y Paraît
C'est ici que le bât blesse le plus. Sur le papier, Toshinden 2 a une base intéressante, mais ce portage le rend pas très jouable.
Hormis les boutons classiques (Coup Faible/Fort, Projectile/Spécial), le jeu repose sur deux mécaniques clés :
1. L'Esquive Latérale (Bouton « Step ») : La signature de la série. Un appui sur un bouton dédie (ou →→ / ←←) fait effectuer un large sidestep, esquivant la majorité des projectiles et des attaques linéaires. C'est l'outil de neutral game par excellence, conçu pour casser le zoning et créer des whiff punishes.
2. Le « Surprise Attack » (Bouton « SA ») : Une attaque unique, souvent une attaque basse ou un overhead, conçue pour punir les blocages passifs.
Le Ougi (super) s'effectue via une commande demi-cercle et consume la jauge de furie. Le jeu encourage l'agressivité : la jauge se remplit en attaquant ou en prenant des dégâts.
La Stratégie Originelle : Le meta tournait autour du contrôle de l'espace avec les projectiles (très forts), de la punition des whiffs avec des Step-in combos basiques, et de l'utilisation des Surprise Attacks pour ouvrir la garde. Le jeu fait aussi la part belle aux footsies et au placement (contrôle de la distance) même si cela reste assez rudimentaire.

La Réalité du Portage PC : L'Input Lag, Fléau du Combattant
Sur cette version PC, toute la théorie s'écroule à cause d'un seul et unique problème : l'input lag massif et la gestion désastreuse des contrôles.
• Au Clavier : Injouable . Les touches sont numériques, binaires. Impossible d'avoir la finesse nécessaire pour les mouvements circulaires ou les steps précis. Les demi-cercles pour les supers sont une loterie. Le jeu ne supporte pas le multi-touches correctement, rendant les combos élémentaires (Faible -> Fort) aléatoires.
• À la Manette (Gravis GamePad/Generic Gameport) : Cauchemardesque. Même avec le bon hardware, le problème persiste. Les inputs ont un délai perceptible (~8-10 frames d'input lag estimé). Dans un jeu de combat, c'est une éternité. Cela rend :
o Le Punish impossible : Voir une whiff et réagir est trop lent. L'IA, elle, n'a pas ce problème.
o L'Anticipation morte : Esquiver un projectile à la réaction est pure chance.
o Les Combos aléatoires : La timing des chaines est faussé par le lag, rendant les liens non fiables.
Conséquence sur le Meta : Toute la stratégie de neutral game, de whiff punish et de réaction est anéantie. Le jeu se réduit à du button mashing et du spam de projectiles. L'IA du CPU, déjà capricieuse sur PS1, devient insupportable : soit elle est stupide, soit elle lit vos inputs et contre tout avec un SA parfait, profitant de l'absence de lag de son côté.
Le Déséquilibre Exacerbé : Des personnages comme Kayin, avec son projectile rapide et ses normales safe, deviennent invincibles en face d'une IA qui ne sait pas gérer le spam. À l'inverse, les personnages basés sur le rushdown comme Tracy deviennent inutilisables à cause de la difficulté à confirmer des hits.
Certains affirment que cette version PC est jouable et bien portée à ce niveau-là (je vous laisse le soin de chercher sur le web…). Je me pose la question : a-t-on joué au même jeu ? Après il est vrai que c’est un jeu PC bien retro ont du mal à tourner de manière optimale sur nos machines. Les jeux Windows 95/98 de l’époque n’étaient pas limités par un "framerate cap" comme aujourd’hui. Ils s’appuyaient souvent directement sur la fréquence du processeur pour calculer la vitesse d’animation et du gameplay.

Techniquement, le jeu avait quand même pas mal vieilli en 1998. La résolution en 640x480 en 16 bits, s’avère en hausse par rapport à la version PSX, rendant le jeu plus net au niveau des modèles 3D, même si on déplore des décors en 2D assez tristes et qui ont tendance à baver un peu. Les animations, déjà saccadées à l'origine, deviennent sismiques. Le jeu tourne à la base en 30 fps sur PSX, ici sur PC peut sembler heurté et instable à cause encore une fois de l’utilisation du CPU. Configurer ce jeu a d’ailleurs été un véritable cauchemar, sur une machine modeste qui plus est. Seule la bande-son épique de Yasuhiro Nakano (secondé par Fumio Tanabe) survit intacte, un petit miracle dans ce naufrage. Notons le très bon character design toujours signé Toshimitsu Fujisawa, même si la 3D d'époque ne lui rend pas forcément honneur.

Points forts :
• La bande-son de Yasuhiro Nakano survit intacte, et elle reste épique, fidèle à la série.
• Les graphismes 3D et les décors sont conservés, avec quelques options de résolution supérieures au format console.
• Tous les personnages, y compris Gaia jouable, sont présents et déblocables, ce qui ravira les collectionneurs.
• La DA irréprochable, un chara-design classieux.

Points faibles :
• Input lag massif : clavier ou manette, impossible de jouer avec précision. Les combos et les supers deviennent aléatoires, et le neutral game est anéanti.
• Animations saccadées : là où la PS1 offrait déjà un léger rigidité, le portage PC rend les combats "sismiques".
• IA incohérente : elle contre instantanément vos inputs tout en étant parfois stupide, rendant le gameplay déséquilibré.

Jouez-y… mais pas sur PC !
Toshinden 2 sur PC est un exemple parfait de ce qui ne doit pas se faire lors d’un portage. Fidèle sur le papier, il est malheureusement injouable pour tout joueur sérieux de jeu de combat. Seule la bande-son sauve un peu l’honneur. À réserver aux nostalgiques curieux ou aux collectionneurs désireux de posséder la version Windows… mais préparez-vous à souffrir.

Fiche Technique:
Titre: Battle Arena Toshinden 2
Développeur: Tamsoft
Editeur: GameBank
Genre: VERSUS FIGHTING
Année: 1998
Autres supports: SATURN, PLAYSTATION, ARCADE (Sony ZN-1)
Nombre de joueur(s): 2
Localisation:

NOTE PRESSE (Gaming Entertainment Monthly Août 2000)


Screenshots:

Alors une fois n'est pas coutume j'ai un peu besoin de vous, j'ai voyagé sur le net, cherché avec ChatGPT et DeepSeek, et j'ai pas trouvé une foutue boite megadrive EA pour mon jeu Zool qui a vu sa boite défoncée lors dans un déménagement.

J'ai le jeu, nickel, avec jaquette bien propre et la notice et la boite est en miettes...
Je cherche desespérement une boite qui accèpte ces cartouches spéciales (et dégueulasse soit dit-en passant) d'EA, mais je trouve que des boites de MD standards.

Bref, si vous connaissez des boites universelles qui peuvent faire la blague, je prends. Là mon pauvre Zool est logé dans un carton à chaussure pour femmes...

Donc merci à ceux qui peuvent me filer un coup de main !!

Je finirai par une citation d'un philosophe martiniquais :
"Vive le démat".

Wario se la touche...
Je me souviens encore de la Japan Expo 2008 comme si c’était hier : le bruit des bornes, l’odeur de ramen tièdes mêlée à celle de la transpiration de certains visiteurs ignorant visiblement l'existence du déodorant, et au détour d’une allée bondée, la rencontre improbable avec Kokosac de son vrai nom Ko Takeuchi, illustrateur connu pour son travail dans la série des WarioWare.
Après avoir signé un Pix 'n Love, on engagea une petite discussion grâce au concours de Florent Gorges qui assurait la traduction. Et très vite, la discussion avec le designer partit sur WarioWare: Touched! jeu de lancement de la DS au Japon en 2004. « Ce jeu, c’est de la folie pure… mais il a tué mon écran tactile. (rires) » Voilà comment il m’a vendu le truc, à moi qui ne connaissais que les versions GBA et GameCude. Et j'avoue, quand je me suis mis récemment sur le jeu, je n’étais pas prêt à un tel assaut sur ma pauvre DS lite.


Sorti en 2005 chez nous à la sortie de la console, WarioWare: Touched! débarque sur une toute fraîche Nintendo DS avec une mission simple : te faire taper, frotter, souffler, gratter, tirer, et surtout hurler intérieurement en voyant ton écran du bas se couvrir de traces de stylet comme un vieux écran de caisse de supermarché.

Un WarioWare pur jus… avec un nouveau jouet.
À la base, la série WarioWare, c’est déjà une folie conceptuelle : des micro-jeux de quelques secondes à la chaîne, à base de WTF assumé et d’instructions minimalistes du genre « Frotte ! », « Trouve-le ! », « Saute ! ». Touched! reprend la même formule gagnante que sur GBA, mais la pousse à fond avec le tactile et le micro de la DS. Et ça marche.

Chaque personnage (Mona, Jimmy T, Ashley et les autres freaks adorables de Diamond City) propose une série de mini-jeux avec un style visuel et sonore unique. Les idées fusent, les animations sont souvent hilarantes, et l’enrobage sonore est au top. Il y a une telle inventivité par minute que le cerveau finit par surchauffer — et c’est exactement pour ça qu’on y revient.

Chaque personnage incarne un univers visuel, sonore et mécanique bien défini. Voici un petit tour d’horizon de ces héros de l’absurde :

Wario, évidemment, reste le maître de cérémonie. Ses micro-jeux sont les plus bruts, souvent basés sur la rapidité ou le burlesque pur : faire tomber des mouches, attraper une morve qui pend, ou encore nettoyer un postérieur de cochon (oui, vraiment).

Mona, l’icône branchée, vous entraîne dans des situations du quotidien — mais toujours avec une distorsion absurde. Brosser les dents d’un sumo, faire sauter une pizza ou éviter une pluie de caca d’oiseau : avec elle, le banal devient grotesque.

9-Volt, véritable mascotte rétro, vous fera vibrer si vous avez grandi avec Nintendo. Ses micro-jeux rendent hommage aux classiques de la firme : éviter un Goomba dans Super Mario Bros, attraper un cœur dans The Legend of Zelda, ou encore appuyer sur “Start” au bon moment dans un vieux Game & Watch. C’est de la nostalgie pure, compressée dans 3 secondes de panique.

Dr. Crygor, le savant robotique, propose des mini-jeux mécaniques, absurdes, voire pseudo-scientifiques. Actionner une chaîne de production pour mettre une culotte sur un cul, faire rebondir des blobs flasques, ou encore trier des légumes qui tombent dans une centrifugeuse.

Orbulon, l’extraterrestre cultivé, vous propose des épreuves un peu plus cérébrales : logique, coordination, parfois même un soupçon de mathématiques... mais toujours avec une couche d’absurde spatial. Comme placer une banane dans une soucoupe volante. Logique.

Mike, le robot karaoké, est entièrement basé sur le micro de la DS. Pour jouer avec lui, vous devrez souffler, siffler, crier (un peu), voire respirer avec précision. Par exemple, souffler sur un moulin pour le faire tourner, faire tomber des feuilles d’un arbre, ou éteindre des bougies d’anniversaire. Vos poumons deviennent une manette. Une idée brillante… et parfois gênante dans le métro.

Ashley, la sorcière adolescente, baigne dans une ambiance gothique délicieuse. Ses jeux sont souvent plus visuels, basés sur la transformation : faire apparaître une créature, métamorphoser un ingrédient, ou faire voler un balai. Le tout dans un style sombre, mignon et un brin inquiétant.


Les micro-jeux les plus fous ? En voici quelques-uns…


Mais à quel prix…?
Le problème, c’est que si Touched! est un feu d’artifice de game design, c’est aussi un attentat contre notre écran tactile. Certains mini-jeux exigent des mouvements ultra-rapides, des frottements frénétiques, des cercles à répétition qui finissent par faire crisser le plastique du stylet sur la dalle résistive de la pauvre DS. Résultat : écran rayé, stylet usé, et dans le pire des cas… la console qui ne répond plus comme avant. Et on ne parle même pas de ceux qui ont essayé d’y jouer avec leurs ongles ou un stylo Bic (si si, on vous voit).
C’est simple : Touched! est sans doute le seul jeu Nintendo où vous passerez autant de temps à vous amuser qu’à vous inquiéter pour votre matériel.

Un jeu fou, un vrai Wario, et une DS en PLS !
Objectivement, WarioWare: Touched! est une réussite. Une vraie suite dans la lignée du premier opus, avec une exploitation brillante du hardware. Le rythme est frénétique, les surprises constantes, et on rigole beaucoup, que ce soit seul ou à plusieurs en se passant la console.

Mais il faut le dire : c’est un jeu qui exploite le tactile jusqu’à l’abus. Et ça fait partie de son charme. Un peu comme un plat trop épicé qu’on adore malgré les conséquences. C’est un Wario, après tout : sale gosse jusqu’au bout du pixel.

C'est quoi ce fou avec qui je me suis marié ? (ma femme en me voyant souffler comme un taré sur ma DS)
Avec le recul, Touched! reste un bijou d’expérimentation. Moins complet que WarioWare: Twisted! (sorti uniquement au Japon et aux US), moins riche que WarioWare Gold, mais aussi plus pur, plus punk, plus tactile que tous les autres.
C’est un jeu qui ne triche pas. Il veut constamment nous faire rigoler, nous surprendre, et tant pis si botre console en sort traumatisée. Il a laissé sa marque. Littéralement.

Fiche technique:
Titre original: Sawaru Made in Wario
Développeur: Nintendo & Intelligent Systems
Editeur: Nintendo
Genre: MINI GAMES
Année: 2004
Autres supports: -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (GameFan 07 - Janvier 2005)



Screenshots:

Spot TV japonais

Dracula Wish
A l’annonce de Castlevania: Dracula X sur Super NES, les fans de la série de chasseurs de vampire de Konami nourrissaient de grands espoirs tout en explosant de joie. L’épisode si acclamé par la presse mais malheureusement peu accessible car tournant sur NEC CD-ROM arrive sur la 16 bits de Nintendo. Cependant à sa sortie en 1995, ce fût quelque peu la douche froide et depuis une question passionne les fans de Castlevania depuis des années : pourquoi Dracula X sur Super Nintendo est-il si décevant, surtout comparé à l’excellent Rondo of Blood, sorti deux ans plus tôt sur PC Engine CD ? Ce n’est pas juste une affaire de préférences ou de nostalgie : l’histoire de ce jeu est symptomatique d’une époque de transition, de décisions économiques, et d’une ambition artistique laissée sur le bord du chemin.


En 1995, Konami publie Castlevania: Dracula X sur SNES (intitulé Vampire’s Kiss en Europe). Officiellement présenté comme un épisode à part entière, le jeu est en réalité une version profondément appauvrie et redessinée de Rondo of Blood (Akumajō Dracula X: Chi no Rondo), sorti en 1993 exclusivement sur PC Engine CD au Japon. Cette version CD avait tout pour elle : des cinématiques animées, une bande-son de haute qualité, des voix digitalisées, une structure de niveaux non linéaire avec plusieurs embranchements et même des personnages alternatifs à incarner, dont la fameuse Maria Renard.

Face à cela, Dracula X fait pâle figure. Il sort pourtant deux ans plus tard, mais paraît plus ancien, plus limité, plus rigide. Le gameplay, en particulier, est d’une raideur qui surprend pour un jeu aussi tardif dans la vie de la SNES : sauts figés, impossibilité de se retourner en l’air, absence totale de souplesse. Le moindre coup ennemi projette Richter Belmont en arrière dans le vide. Ce n’est pas qu’un hommage au game feel old school de la série : c’est une forme d’inertie non assumée, qui frustre plus qu’elle ne challenge. Une impression accentuée par la vitesse de jeu (bien lente) mais qui se permet en plus le luxe de ramer par moments, et notamment lors du combat contre La Mort, le boss de la tour de l’horloge, où j’ai cru que mon jeu était en train de crasher ! Des ralentissements hallucinants tout bonnement.

Le jeu démarre pourtant bien. Le premier niveau, dans un village en flammes, est esthétiquement superbe et offre une promesse d’ambiance gothique à la hauteur de la série. Malheureusement, cette qualité visuelle ne dure pas : après ce stage d’introduction flamboyant, le reste du jeu bascule dans une monotonie artistique gênante. Les décors deviennent répétitifs, les arrière-plans fades, les animations sommaires. Là où Rondo se distinguait par sa mise en scène et son identité forte, Dracula X semble se contenter d’un travail minimum. Le contraste est d’autant plus cruel que d'autres jeux SNES de la même année (Yoshi’s Island, Donkey Kong Country 2) repoussaient les limites techniques de la console.

Et pourtant… tout n’est pas à jeter. La bande-son, même compressée pour tenir sur une cartouche, reste de très bonne facture. Elle reprend intelligemment les thèmes marquants de Rondo, dans des versions SNES qui conservent une vraie puissance dramatique. Certains morceaux sont même parmi les meilleurs de l’ère 16-bit. C’est peut-être le seul aspect où Dracula X peut rivaliser avec son modèle, même à distance.
Alors, pourquoi un tel jeu, aussi limité, est-il sorti en 1995 ? La réponse est à chercher du côté des coulisses du développement.

Une adaptation sacrifiée sur l’autel du marketing

Le choix de ne pas porter Rondo of Blood tel quel sur SNES s’explique en partie par des contraintes techniques. La PC Engine CD profitait de la capacité du support CD pour stocker musiques orchestrées, cinématiques et dialogues. La cartouche SNES, même avec des puces avancées, ne pouvait pas contenir toutes ces données. Konami aurait dû tout reconstruire à la main, avec des compromis massifs. Plutôt que de réaliser un portage impossible, l’éditeur a opté pour une sorte de relecture simplifiée : un jeu “inspiré” de Rondo, fait sur mesure pour la SNES, mais avec un contenu allégé.

Mais cette explication technique n’est qu’une partie de l’histoire. En réalité, Dracula X est un produit commercial opportuniste, sorti en fin de vie de la Super Nintendo pour capitaliser sur un public occidental qui ne connaissait pas Rondo of Blood. Ce dernier n’avait jamais quitté le Japon, et la PC Engine CD était pratiquement inconnue en Amérique et en Europe. Pour Konami, cela représentait une opportunité : sortir un jeu “neuf” en Occident, basé sur un épisode culte… que personne n’avait jamais vu.

Le contexte industriel joue aussi : en 1995, les consoles 32-bit comme la PlayStation et la Saturn arrivaient sur le marché japonais, mais aux États-Unis, la SNES restait très populaire. Il y avait donc un parc de consoles énorme à exploiter, et Castlevania restait une licence forte. Le projet Dracula X semble avoir été conçu comme un jeu de remplissage, confié à une équipe secondaire chez Konami, avec un budget restreint, peu de temps, et aucune ambition particulière. Le créateur de Rondo, Tohru Hagihara, n’était d’ailleurs pas impliqué. Il préparait déjà, en parallèle, le futur chef-d'œuvre de la série : Symphony of the Night.

Verdict rétrospectif : un jeu fantôme, coincé entre deux époques
Avec le recul, Castlevania: Dracula X est vu aujourd’hui comme une sorte de “demake” frustrant. Il n’est pas catastrophique — certains niveaux restent bien conçus, le challenge est réel, et la bande-son est une belle réussite — mais il ne tient pas la comparaison. Ni avec Rondo of Blood, son modèle spirituel, ni avec Symphony of the Night, qui allait révolutionner la série deux ans plus tard.
Ce n’est pas un jeu bâclé, mais un jeu froidement exécuté, sans passion ni vision artistique, pensé pour remplir un calendrier de sortie et maintenir la présence de la marque Castlevania sur une console en fin de vie. Il arrive trop tard pour émerveiller, trop tôt pour être nostalgique. Un entre-deux gênant.

Un jeu correct, mais un Castlevania décevant
Dracula X sur SNES n’a jamais été pensé comme une œuvre d’exception. C’est un titre de transition, de compromis, un produit marketing déguisé en suite inédite. Son existence ne fait sens qu’en contexte : une tentative rapide, économique, de recycler un chef-d’œuvre méconnu pour un public occidental captif.
Et pourtant, malgré ses lacunes évidentes, il reste une pièce intéressante du puzzle Castlevania. Une anomalie historique, un jeu qui révèle autant sur l’industrie du jeu vidéo que sur la série elle-même.

Fiche technique:
Titre original : Akumajou Dracula XX
Développeur: KONAMI
Editeur: KONAMI
Genre: Action
Année: 1995
Autres supports : -
Nombre de joueur(s): 1
Localisation:

NOTE PRESSE (Player One 56 - Septembre 1995)



Screenshots:

Trailer Virtual Console Wii U