Le beat them all aura eu une vie étrange tout de même. À la fin des années 80, il restait relativement discret. Au départ, celui qui lança réellement la recette fut Karate Champ de Data East en 1984, où quand bien même on affronte qu'un adversaire à la fois, il est possible de déambuler dans les niveaux. C'est d'ailleurs ça qui marquera la principale différence avec les jeux de combat traditionnels en arène. Puis vint Kung-Fu Master ou Spartan X au Japon de Irem la même année qui inspirera de nombreux films d'art-martiaux hong-kongais notamment avec notre grand ami Jacky Chan. On zappe rapidement les années qui suivirent pour tomber en 1987 sur certainement un des rois du genre, connu à travers la planète bien au delà du domaine du jeu vidéo : Double Dragon (sur le concept de Renegade de 1986 qui fut de qualité mais qui n'aura pas eu le succès public démentiel de son cadet). Populaire chez tout les types de populations, vieux, jeunes, gamer ou pas, au même titre d'un Tetris, Pac-Man ou Mario, le soft de Technos est une bombe dans touts les sens du terme, en salle d'arcade puis à la maison. Peu après, les grosses licences cinématographiques et d'autres domaines s'y mettent, preuve indubitable du potentiel commercial énorme que propose le genre beat them all, simple d'accès, immédiatement amusant et relativement facile à développer. 1989-1990 voit arriver les Batman et autres Tortues Ninja, puis le déferlement d'un tas de super-héros Marvel. Et pourtant, tel un feu de paille qui aurait brûlé infiniment trop vite, qui aurait généré un flamme si vive et si puissante qu'elle se serait consumée elle-même, c'est dès 1995 avec l'arrivé de la 3D que les beat them all devinrent plus discret. D'une année sur l'autre, le nombre de beat them all qui mérite d'être remarqué est divisé par deux au bas mot. Jusqu'à l'arrivé des Devil May Cry et compagnie, les développeurs sont quasiment incapables de produire un jeu de combat 3D avec un minimum de liberté dans les déplacements qui soit amusant et techniquement pas trop bancal. Les Fightning Force et autres Spikeout s'enchainent, il y en a en réalité assez peu, mais tous sont de qualité très variable. Le genre jeu de combat un contre un en arène fermée qui existait déjà prend les commandes et son succès sera fulgurant. Tekken, Soul Edge, Dead or Alive, Battle Arena Toshinden, Virtua Fighter, Bloody Roar, Rival Schools, Tobal... c'est l'effervescence ! Même le patron du jeu de baston 2D Street Fighter s'y met avec la série (relativement moyenne d'ailleurs) EX. La 3D tue le beat them all mais glorifie le combat un contre un.

Mais de cette période, nous parlerons plus amplement plus tard. On en reviens au début des années 90, là où le beat them all 2D se prépare à vivre le plus beau moment de sa courte vie. Toutes les grandes boites du monde ont déjà balancé leur cartouches. Konami a les Tortues Ninja, Capcom a Final Fight, Sunsoft a Batman, Marvel au travers de différents développeurs a X-Men, Spider-Man, Captain America et tant d'autres. SEGA ne se fait pas prier pour prendre le train en route, et d'ailleurs, ils n'étaient pas si opportunistes que cela puisque avant même l'âge d'or des beat them all, la firme au hérisson bleu avait déjà posé ses billes. Altered Beast en 1988, Golden Axe en 1989 … Mais voilà, il leur faut un produit à l'aspect jeune, cool, un truc nouveau, comme le Sonic de Yuji Naka, afin de consolider l'image fraiche et dynamique que SEGA essaye (avec succès) de se construire. Ça tombe bien, il se trouve que dans leur rang, il y a un bon monsieur qui a déjà fait ses armes sur d'autre star de la firme (Wonder Boy in Monster Land, Revenge of Shinobi). Il s'appelle Noriyoshi Ohba et il sera le directeur de Streets of Rage, la nouvelle arme de fun massif que SEGA compte bien faire exploser sur le monde entier pour s'imposer dans le domaine déjà extrêmement concurrentiel du beat them all.



Alors, Streets of Rage (Bare Knuckle aux USA et Bare Knuckle - Ikari no Tekken en japonais qu'on pourrait traduire par ''Articulation à vif – La Fureur des Poings de fer'', cool, hein ? Ah oué au fait, c'est Bare avec un -e, par bar comme chez Dédé au coin d'la rue hein, j'en vois souvent qui font l'erreur et qui trouve ça logique en plus, du genre « bah attend on va péter la gueule à des roublards, donc dans le titre du jeu y'a le mot ''bar'', logique, peut pas test »), qu'est-ce que c'est ? C'est un jeu de baston à progression horizontale où on met des mandales à tout le monde pour libérer la ville et ses rues de la criminalité. C'est trop rapide ? Nan mais vraiment, c'est tout à fait ça qui se passe dans le jeu. La ville est devenue dangereuse et cernée par les caïds, alors trois flics volontaires (et qui n'avaient rien à faire de leur week end aussi, un peu) se mettent en tête de créer une brigade spéciale d'élite pour combattre le syndicat du crime. Manque de bol, il semblerait que leurs supérieurs soit aussi foutrement courageux qu'un bébé Chenipan, ils refusent donc la création de cette brigade. Pi encore, certain chefs de la police semble être corrompus par le syndicat. Ni une ni deux, les trois combattants quittent les forces de l'ordre et décident de libérer seuls la ville des malfrats. Comment faire un paragraphe entier de bla bla avec une histoire qui tient sur un emballage Carambar, appelez-moi au 06 12 …



On a le choix entre Adam Hunter, Axel Stone et Blaze Fielding (parmi ces trois là se cache une femme, saurez-vous la retrouver?). Trois héros dès le départ très attachants qui deviendront des icônes du jeu vidéo et des mascottes de SEGA presque au même titre que Sonic et sa clique. Si SEGA devait faire un Super Smas Bros. like un jour, les trois combattants de base de Streets of Rage seraient dedans à n'en point douter. Là où SEGA innove (et y'a pas que ça, on va y revenir) par rapport au Final Fight de Capcom, c'est qu'ils laissent tomber d’emblée cette sempiternelle histoire de kidnapping de jeune femme qu'il sauver du grand méchant. Au contraire, la dite jeune femme se joint à nous pour aller casser du truand. Et elle se débrouille bien la gazelle ! C'est là tout la réalité de Streets of Rage, on le sait, on le sens que le jeu de AM7 puise son inspiration dans Final Fight, comment pourrait-il en être autrement puisque c'est le mètre étalon dans le genre, et pourtant il s'évertue à faire autrement que lui. Évidemment, ce qui frappe le plus de prime abord c'est que les deux jeux se déroulent dans des environnements urbains. Pourtant, là où Capcom y a apposé une patte graphique très typée comics américains (avec des personnages aux torse surdimensionnés), SEGA reste plus raisonnable (moins inventif diront les mauvaises langues). Les sprites des personnages sont d'ensemble moins volumineux, ce qui nous donne la possibilité d'admirer les décors très sympathiques quoique classiques et convenus. Le classicisme est d'ailleurs ce qui pourrait en partie qualifier Streets of Rage. Là où Double Dragon nous avait habitués à plusieurs séquences de gameplay qui tiraient plus sur le jeu de plate-forme que sur le beat them all pur, SoR se contente bel et bien de nous faire tabasser des gredins à la pelleteuse et rien d'autre. Quand bien même on visiterait certain décors un peu atypiques comme un bateau ou une usine d’automate avec tapis roulant, rien de très palpitant vient casser la routine du soft. Mais le classicisme peut avoir ses avantages, dans le cas précis de Streets of Rage, il permet d'assurer une réalisation de haute volée d'un point de vue technique.

En effet, les décors sans fioriture accueillent une flopée d'ennemi si bien qu'il n'est pas rare de voir à l'écran une dizaine de sprite qui se tape dessus si jamais vous jouez avec un partenaire (si vous jouez seul, il y aura moins d'ennemi, mais ça reste satisfaisant tout de même). Les décors étant mieux agencés, les sprites plus petits, que l'ensemble de la scène en devient paradoxalement plus lisible. On sait se positionner plus efficacement sur le champ de bataille afin de ne pas se faire prendre en tenaille et afin de ne pas faire avancer trop vite le scrolling pour ne pas faire débarquer trop d'adversaire avant d'avoir vaincu ceux déjà présent. Ça paraît rien comme ça, mais ça relève d'une science et d'un confort de jeu que peu de gens ne distingue aujourd'hui tant ça leur paraît naturel. Et c'est certainement le fruit de bêta test et d'ajustement très pointilleux de la part de l'équipe de développement. Streets of Rage se pose instantanément comme une belle vitrine technologique de la Megadrive puisque c'est le jeu qui propose de loin (et pour le moment) le nombre le plus élevé de sprite en action en même temps. À tel point qu'on en arrive à faire clignoter l'écran. Mais au lieux de blâmer la console pour ça, on a envie de la féliciter d'avoir déjà tant sortie de son bide.

Malgré tout, on aurait apprécié un peu plus d'effort sur la quantité véritable des ennemis (sans les variations de couleur qui ne trompe personne, j'appelle ça le syndrome Final Fantasy X parce que cet opus en particuliers se fout de notre gueule sur le bestiaire...). 5 (le criminel de base, le clown, le punk, le karate-ka et la pétasse sado-maso), c'est trop peu. Même si au final, bon nombre de jeu du genre et de la même époque souffriront des même affres. Notons aussi quelques animations parfois un brin étranges mais en contre-partie un effet de profondeur bien rendu et une ambiance fabuleuse très films d'action des 90's avec des environnements uniquement de nuit. Bref, du bon et du moins bon, mais globalement de la qualité, un chef de file de 1991 assurément.



Cette avarice des ennemis est tout l'inverse du travail de Yuzô Koshiro, le compositeur du soft qui aura la primeur de voir son nom figurer sur l'écran titre. Ce qui est une particularité (qui va se répéter) chez SEGA en particuliers avec cet homme, et qui si on y réfléchi bien n'a pas beaucoup de sens. En effet, puisqu'il ne s'agit que du compositeur, pas du créateur de la licence, du producteur, encore moins d'un chef d'équipe comme Yu Suzuki ou Yukio Futatsugi (Panzer Dragoon), et pourtant. Toujours est-il que son travail sur Streets of Rage fut généreux, une vingtaine de pistes furent produites là où d'autre beat them all se contentaient d'une petite dizaine de musique (une pour accompagner chaque level, un main theme, un ending et un game over en gros). Fortement influencé par les nouveaux courants musicaux des années 80 et 90 comme la techno et la house, il mêlera tout cela au chiptune traditionnel des jeux 16-bits pour confectionner une bande son pêchue et dynamique à souhait. Mais pas forcément très belle ou très esthétique à l'écoute en dehors du jeu. Un rendu qui divisera peut-être plus que de raison, je l'ai constaté ce tantôt en me renseignant un peu plus profondément sur le jeu. Je ne m'étais pas rendu compte que la musique techno de Streets of Rage avait suscitée (et continue aujourd'hui) autant de débat houleux entre gamer. Comme quoi, ce qu'on pense être unanimement apprécié peut ne pas l'être en réalité.

Les plus mélomanes d'entre vous auront peut-être distingué l'influence de la musique noire (le rap américain, le jazz, le funk, la soul...) dans les compositions de Koshiro, donnant au tout une mélodie forte et inimitable malgré l'aspect technique déroutant. On notera le morceau d'introduction, ultra connu désormais : The Street of Rage. La musique du premier level qui balance la sauce dès le départ histoire qu'on ne se sentent pas floué sur la marchandise : Fightning in the Streets. Keep the Groovin' qui présente un rythme très ''jungle urbaine''. Bad Ending qui débute sinistrement et qui nous hypnotise par la suite avec son tempo et son ambiance lancinante (qui au fur et à mesure nous englobe dans une sorte de sentiment de fatalité insidieux mais réel) qu'on ne prêterait pas à un ''mauvaise fin'' alors qu'en fait, ça fonctionne du tonnerre une fois qu'on a essayé ! Ou encore Stealthy Steps qui sied très bien à un Metal Gear si jamais ce dernier se déroulerait dans le San Francisco des années 70.



Mais ce qui a surtout marqué chez Streets of Rage, et là, on peut le dire de façon unanime, c'est son gameplay. Comme dit plus haut, on peut choisir entre trois personnages. Adam Hunter, expert en boxe, lent mais puissant, selon sa biographie, il adore les bonsaï (oué parce que en plus la Team Shinobi s'est amusé à donner des petits détails sur leur combattants). Blaze Fielding, l'amazone du groupe, qui pratique le judo, moins puissante que les deux autres mais très rapide et habile dans les saut, elle excelle dans la lambada (une danse brésilienne). Et enfin Axel Stone, maître des arts-martiaux traditionnels et personnage le plus équilibré en combat, il est notamment passionné par les jeux vidéo. Une belle brochette de guerriers très sympathiques en somme. Tout au long des huit niveaux, vous disposerez de 3 actions correspondant aux 3 boutons du pad Megadrive. Sauter, frapper et appeler la police en renfort ce qui peut être considéré comme une attaque spéciale comme dans n'importe quel autre beat them all. Le saut servira surtout à esquiver les projectiles qu'on vous lance ou vous défaire de plusieurs sbires qui vous aurez encerclés, mais aussi à donner un coup de pied sauté très utile pour dégager la voie instantanément. Ce coup ayant une portée très intéressante, il est à utiliser à outrance quand débarque un tas de bandits à l'horizon car il est sur et fauche allégrement un groupe d'ennemi sans difficulté. L'unique combo de base du personnage (un chacun) se voit suppléé par un enchainement différent lorsque vous venez au contact (projection, coup de genoux façon Muai-Thaï, coup de tête …) et ce même bouton d'action donnera des effets différents si vous portez une arme. couteaux, tuyaux, tessons de bouteilles, sabres, spray au poivre, battes de baseball... tout y passe. Ça a le mérite de causer des dommages variables et de varier autant que possible ce qui se passe à l'écran. C'est simple vu comme ça, mais il fallait y penser, SEGA l'a fait.

Dans le rayon innovation, on peut aussi parler du mode deux joueurs (mais rigolez pas bande de naze, Gantzeur tu sors!), oui bien sur, Final Fight (version arcade, pas version console) et Double Dragon le faisait bien avant cela. Mais le faisaient-ils aussi bien que Streets of Rage ? Ben non. Sinon j'en parlerais pas. Encore une fois, c'est tellement bête que personne semble-t-il n'y avait pensé auparavant. Jouer avec un partenaire nous donne accès à de nouvelle projections réalisables uniquement en coopération. C'est agréable à jouer, le nombre d'ennemi double, ça devient un bordel bien rigolo, parfois on se fout une tatane entre coéquipiers et on s'engueulent devant la télévision avant de repartir de plus belle (il est même possible de répondre au coup malencontreux de son compère avec un suplex bien senti!). Bref, c'est fun à souhait, c'est dynamique, c'est cool, c'est typiquement SEGA !

Si Final Fight est arrivé avant et Double Dragon encore plus avant, Streets of Rage a lui aussi sans conteste établi les base du beat them all 2D. Entre traditionalisme et modernité dans son gameplay, le titre revêt une image abordable pour chacun comme un bon vieux film d'action hollywoodien des années 80 ou 90, et ça fonctionne parfaitement. On s'amuse, on en demande pas moins, et voilà, on passe deux très bonnes heures de jeu devant son moniteur ! Car c'est cela qu'on recherchait avant tout lorsque, gamin, on payaient nos cartouches de jeu 500 balles, l'amusement. Et diantre, que les gars de l'époque savaient s'y faire …



Me voilà déjà arrivé à la fin de ce retro test (que j'ai écris en moins de 48 heures, jamais écris aussi vite de ma bordel de vie, trop de senzu, surement...) et pourtant il en reste des choses à dire. On peut d'abord commencer par dire que le jeu fut en priorité élaboré pour la Megadrive avant l'arcade, ce qui pour l'époque était inédit. On peut aussi évoquer le nom de code du jeu qui était D-SWAT, plus tard le concepteur du jeu Ohba dira que c'était un clin d’œil à un autre jeu d'action de la Megadrive : E-SWAT. Le D de D-SWAT signifiant Dragon. Les personnages tels qu'ils avaient été conçus au départ devaient d'ailleurs avoir des noms de code eux aussi et étaient assez différents de ce qu'on connait aujourd'hui. Axel était le God Hand et d'après son artwork de base, il ressemblait un peu à Chuck Norris en dogi. Adam était Black Bird, représenté avec un bas de survêtement et des gants de boxe tandis que Blaze était une jeune femme typée artiste-martiale chinoise avec une robe fendue à la Chun-Li (ou Lei-Fang de Dead or Alive) et était surnommée Pink Typhoon. C'est sympa à savoir puisque Blaze se rapporte au feu en anglais, tandis que Typhoon s'associe à l'eau, ils avaient de la suite dans les idées chez SEGA...

Certain sons comme celui de l'obtention d'une vie supplémentaire provienne directement de Revenge of Shinobi d'après ce qu'a déclaré Koshiro sur son Twitter, ceci afin de donner une sorte d'effet de continuité et donner un aspect ''grande famille'' aux jeux de SEGA. Sur l'écran de sélection des personnages, si on patiente un certain temps sans toucher à la manette, on peut apercevoir Blaze qui nous fait un malicieux clin d’œil, comment résister et ne pas la sélectionner quand c'est comme ça ? ^_^

Pour finir, on peut aussi citer la présence de la sœur de Koshiro en personne qui officiait en tant que designer (non créditée) sur le jeu. Une famille de talent, en somme, ce qui n'était pas aussi rare qu'on peut le croire pour l'époque (les frères Follin, la famille Mechner, les frères Stamper qui ont fondés Rare...)

Avec le recul, c'est étrange de se dire que la folie des beat them all fut créé par un titre (mis à part Double Dragon disons), Final Fight de Capcom. Et que ces même gens de chez Capcom tueront la folie qu'ils avaient créé avec Street Fighter II trois ans plus tard. L'histoire des jeux vidéo est sacrément intrigante, pleine de rebondissements et c'est en révisant un peu le passé qu'on comprend pourquoi ce loisir est si populaire encore aujourd'hui.
Si on peut reprocher à Streets of Rage son aspect conventionnel, il faut surtout se souvenir qu'en 1991, on en était juste à l'époque où le beat them all commençait à trouver ses marques. Sous ses allures de produit classique, le jeu de AM7 est en réalité le patron d'un genre qui aura un succès aussi démentiel que sa chute sera brutale. Si il y a un trio qui ont fait les règles du beat them all, c'est bien Double Dragon, Final Fight et Streets of Rage. Et plus important que tout, même après 25 ans, le jeu garde intégralement ses qualités divertissantes et sa simplicité d'accès, le fun immédiat qu'il procure et son côté tout public valent bien plus que n'importe quel super production de notre ère. Le genre de jeu qu'on ressort aux alentours des fêtes de Noël pour se mettre à rêver des plaisirs simples des jeux du passé.

Un jeu qui mérite sa place en tant que légende ce week-end, en définitive.

Quel incroyable défi qui me fut lancé par Shanks pour débuter ce Week-end des Légendes sur Retro Gamekyo. Comment faire, par où commencer pour parler d'une légende si puissante qu'est Dragon Quest ? Déjà éviter de lancer ce genre de banalités effrayantes, peut-être, parce que après tout, tout le monde sait peu ou prou que Dragon Quest est un monument, le jeu qui a dès le départ définit ce qui sera pendant très longtemps le RPG à la japonaise. Et pourtant, ce titre fondateur auréolé de mythes les plus farfelues au Pays du Soleil levant (dont au moins un d'entre-eux est vrai, à savoir que la sortie des Dragon Quest au Japon provoquait des ruées dans les magasins tellement colossales que le gouvernement a dut faire voter une loi pour obliger l'éditeur, Enix et désormais Square-Enix à commercialiser son jeu le week end pour éviter l'absentéisme à l'école et au travail!) fut très longtemps un grand mystère pour nous autres européens. À l'époque, Nintendo ne savait probablement même pas que l'Europe existait, et les japonais n'en avait que faire. Je me souviens d'un vieux reportage TV des années 90 pour parler de la sortie européenne de Final Fantasy VII dans lequel un japonais lambda était interviewé, il pensait savoir qu'il y avait dans ce coin là du globe des gars qui les avaient latté à la dernière guerre mondiale (alors qu'en fait, la France n'avait rien à voir là-dedans, c'est entre les USA et le Japon que ça s'est joué). C'est dire si à l'époque les japonais voyaient la différence entre nos deux continents ! Comme toujours, les américains eurent plus de chance et c'est entre 1989 et 1992 (3 ans après la sortie initiale du premier opus quand même), que Nintendo prit l'initiative d'éditer les quatre premiers épisodes de la saga sur la NES, la Famicom occidentale.

En y réfléchissant, je me suis dis qu'il fallait tout d'abord enfoncer les portes ouvertes, ou plutôt rétablir certaines vérités. Car depuis le temps, beaucoup de chose ont étaient dites sur Dragon Quest, et beaucoup d’entre-elles sont fausses, ce qui n'enlève rien à la qualité du jeu ou son statut de précurseur. Tout d'abord, énormément de gens pensent que les créateurs de la saga sont Enix eux-même. En réalité, il s'agit de Chunsoft. Le petit studio est créé en 1984 par un ancien designer de chez Enix : Koichi Nakamura. Yuji Horii, le producteur historique de la série, en 1982 lauréat d'un concours de programmation sur micro-ordinateur organisé par Enix s'en va à l'AppleFest '83 de San Fransisco (tandis que Nakamura aura produit son premier jeu : Door Door, une sorte de jeu à la Donkey Kong qui sera édité par Enix l'année d'après). Là, il y découvre Wizardry et Ultima, les jeux de rôle à l'occidentale, qui lui donneront donc un socle de réflexion pour imaginer Dragon Quest. De retour au Japon, l'homme créé sa propre entreprise : Armor Project (l’appellation restera jusqu'à aujourd'hui, regardez sur chaque écran titre des Dragon Quest récents, ou sur les génériques de fin ), puis il allie ses ressources à celles de Nakamura au sein de Chunsoft et ensemble, il propose leur concept à Enix. Ces derniers fourniront un peu d'aide matérielle et logistique, si bien que Chunsoft sera contractuellement très lié à Enix dès le début de leur parcours, quand bien même l'idée et les cerveaux qui ont donné vie à Dragon Quest ne faisait pas partie de chez Enix.
L'autre chose à savoir afin de bien appréhender Dragon Quest, c'est qu'il n'est pas véritablement le premier RPG à la japonaise. Même si c'est lui qui posa le plus les bases de ce genre, même si c'est lui qui de loin aura le plus fulgurant succès commercial au moins jusqu'à l’essor de son rival de toujours Final Fantasy, il y eu un autre RPG console japonais avant lui. Hydlide Special produit par T&E Inc. Et sorti en décembre 1984 sur Famicom et divers micro-ordinateurs nippons, il proposait déjà pas mal d'élément constitutif du RPG japonais typique.

Si l'aspect graphique novateur de Wizardry donnera des idées aux compères, c'est surtout avec le côté très textualisé de Ultima, tel un jeu de rôle papier à l'ancienne que sera battît Dragon Quest. Et comme dit plus haut, les cerveaux à l'origine de Dragon Quest ne sont pas chez Enix mais chez Chunsoft. C'est d'autant plus vrai quand on sait que quand Horii a eu le feu vert et le financement nécessaire à la programmation du jeu, il s'est lancé lui-même à la recherche d'un designer. Il contacta alors son ancien responsable (à la base Horii est rédacteur au célèbre magasine Shonen Jump) : Kazuhiko Torishima. Ce dernier lui présentera un certain Akira Toriyama, dont il supervise le travail de publication de son premier manga : Dr Slump. Encore relativement discret, mais déjà amateur de jeu vidéo, Toriyama témoigne de son enthousiasme pour le projet, et dans le même temps, sa popularité explose avec un machin nommé Dragon Ball... Bref, tout s'accélère, la légende est en marche.



La musique bénéficie d'une histoire encore plus invraisemblable, mais qui prouve bien que la grâce divine avait dès le départ décidé d'accompagner la petite aventure de ses hommes liés par la passion créative. Ainsi, la musique du jeu est déjà finalisée, le jeu est en passe d'être commercialisé, et à quelques semaines du lancement, le 27 mai 1986, des versions spéciales sont envoyées à des acteurs de domaine aussi divers que la télévision, le cinéma ou la musique à travers tout le Japon afin de faire la promotion du soft. Inclue dans le packaging un carte postale. Enix invite touts ceux qui la reçoive à la remplir une fois avoir essayé le jeu pour leur dire ce qu'ils en pensent. Surprise, parmi le lot de retour demeure un mot particulièrement surprenant d'un certain Koichi Sugiyama, à l'époque déjà célèbre compositeur et conducteur d'orchestre pour le cinéma. Celui-ci se proposait pour retravailler lui-même toute la musique qui au sein d'Enix avait créé pas mal de mécontentements (mais ça, Sugiyama ne le savait pas). Nakamura et Horii accepte avec joie, et Sugiyama n'aura que quelques jours pour recomposer, arranger et rediriger la bande sonore du jeu à sa sauce. Incroyable, parfaitement impensable avec les superproduction de nos jours où tout doit être calculé et prévu au jour prêts !

Finalement ça tombe bien, rares sont les jeux retro à avoir autant de personnalités dans leur équipe de développement. En plus d'être un concept typiquement japonais, cela a certainement dut contribuer au succès monumental du jeu sur ses terres natales. Et c'est en parlant un peu de chacune de ses personnalités qu'on va pouvoir segmenter ce test et aborder chacun des critères de ce jeu.

Le jeu nous place dans la peau d'un des descendants directs de Roto (le premier qui fait une blague sur ce nom là je le vire à coup de pompe aux fesses), un héros très célèbre ayant déjà sauvé le monde par le passé. Manque de bol, il semblerait que votre ancêtre n'ai pas fait le job correctement, et aujourd'hui, le Dragon Lord (un sorcier qui vit en ermite dans les montagnes) sème la terreur dans tout le royaume d'Alefgard, kidnappe la princesse et en plus de ça vole l'artefact royal : la Boule de la Lumière (oué, on s'aperçoit très vite que Dragon Ball et Dragon Quest se sont fortement inspiré l'un l'autre). Le roi vous demande alors d'enfiler votre armure et d'empoigner votre épée de héros pour aller régler tout ça. Et comme vous êtes un pestiféré, vous y aller seul.
Yuji Horii a prit le pari de faire dans le plus grand classicisme qui soit en basant son univers sur des chevaliers, des princesses et des dragons. Réunissant les quelques plus grands clichés du monde vidéoludique déjà un an après The Legend of Zelda sur la même machine, Dragon Quest a le mérite d'assumé entièrement cet état de fait. Le déroulement de l'histoire ne tente pas de se trouver d'excuse, il se dit là pour servir de toile de fond afin de faire place nette pour un gameplay révolutionnaire dans le domaine du jeu vidéo. Tout est très sobre, aucun écart particuliers à la quête principale n'est effectué, le but est et reste tout au long du jeu d'aller faire sa fête au Dragon Lord et libérer la princesse Laura (oui oui, Kasumi ! ). Dragon Quest est l'archétype même du jeu de rôle simple, voir simpliste qui favorise le jeu lui-même plutôt que l'émotion et l'histoire. Si de nos jours, lui plus que n'importe quel autre souffre des affres du temps, être si basique dans sa construction n'est pas un mal en soi vu que d'autres jeux bien plus récents adoptent avec succès cette forme: Pokémon et Fantasy Life en sont deux très bons exemples. La sobriété est une des marques de fabrique de la saga, et ça fonctionne encore diablement bien aujourd'hui. À tel point que le marché primaire à qui est destiné chaque nouveau Dragon Quest numéroté (le Japon donc) fait toujours pression sur les développeurs pour conserver certains aspects archaïques propres à la série tandis que les concepteurs eux-même préfèrent faire l'effort de moderniser l'ensemble pour proposer une version différente aux occidentaux. C'est ce qui s'est passé avec Dragon Quest VIII sur Playstaion 2, le premier à venir officiellement sur notre vieux continent. Les menus de ce dernier étant de coutume constitués de carrés noirs, innombrables et bourrés de caractères blancs dans sa version japonaise, plus inesthétique et austère que ça tu meurs. Tandis que les versions américaines et européennes voyaient tout cela disparu pour laisser place à de jolis menus type parchemin ancien, avec plein d’icônes colorées pour designer les objets et les options, terriblement plus aguicheur et agréable à l’œil.



Ceci dit, ni Yuji Horii ni le jeu en lui-même ne sont réellement à blâmer du point de vue du classicisme du scénario. Parce que quand on y regarde de plus prêts, Final Fantasy en 1987 et Phantasy Star en 1988 ne sont pas beaucoup plus original que l’œuvre fondatrice du J-RPG. Bien entendu, on met à l'écart sciemment Megami Tensei, un autre poids lourd du jeu de rôle japonais old school qui dès le départ était autrement plus complexe.
Cette rusticité se retrouve dans la technique peu flatteuse et les graphismes déjà à l'époque désuets. Mais encore une fois, comme pour le scénario, on se demande si cela n'est pas le fruit d'un choix murement réfléchi. Et si on y pense bien, impossible de réellement fronder l'équipe de développement de cet enrobage peu ragoutant de prime abords, car quand on lance quelque chose, il faut bien commencer par quelque part. Or, sur console de salon, Dragon Quest a lancé le jeu de rôle, et il fallait bien trouver des combines pour mettre sur pied le jeu. Et ici, pas de tricheries possibles, tout restait à faire, pas moyen de copier sur le voisin. Faut aussi se rappeler qu'en 1986, la taille des cartouches de Famicom en terme de données informatiques qu'elles pouvaient contenir était ridiculement faible. Quand on sait qu'un jeu de rôle contient en général beaucoup de dialogues (et Dragon Quest était pas mal de ce côté là, on va y revenir), des décors assez vastes et une base de données relativement grande pour contenir des monstres et un tas de personnages, on se dit que le résultat final n'est pas si ingrat.

On tombe nez à nez devant le roi Lorik dès le début du jeu, coincé entre cinq blocs de pixel, celui-ci nous confie la quête. Le premier contact est abrupt, la démarche du personnage est étrange, seul ses pieds sont animé sur deux trames (difficile de faire mieux sur Famicom, mais là n'est pas le soucis), et seul sa face sera visible de tout le jeu. Aucun sprite ne fut modélisé pour le représenter de dos ou de profil, ce qui lui donne des allures de poupée qui glisserait inlassablement de gauche à droite sur un océan de mayonnaise. Les décors sont des plus simplistes, avec une paire de pixel qui se bataillent pour essayer de représenter quelque chose de façon pas trop abstraite. Les environnements en eux-même ne sont guère variés, des villages, des forêts, des plaines et des grottes (qu'il faudra explorer invariablement avec un stock de torche pour les éclairer, sinon impossible d'avancer. C'est ce genre de chose dans le gameplay qui rendent le jeu lourd et difficile à appréhender, certaines particularités de Dragon Quest ont l'air d'avoir été implantées dans le jeu par une bande de concepteurs psychorigides en pleine période de crise obsessionnelle...). Il faut faire un effort d'imagination considérable pour essayer d'y mettre les formes sur ce genre de visuel cruellement vieillot.
Mais là où le RPG de Chunsoft gagne en charme, c'est lors des combats où on peut constater toute la féerie et le comique de la patte artistique d'Akira Toriyama. Présenté en vue à la première personne, à travers les yeux du héros, slime souriant, squelette dégingandé, dragon aux yeux globuleux, chauve-souris au visage poupon... Ce n'est pas toujours très original mais c'est fait avec suffisamment de personnalité pour rendre le tout attrayant. C'est décalé, léger, et certains monstres deviendront de véritables icônes du microcosme du jeu de rôle en jeu vidéo. Rien que cela suffit pour masquer l'absence d'effet spéciaux (les monstres se contente de clignoter quand on les attaques) et nous font presque oublier l'invraisemblable cascade de rectangles noirs dans lesquels on sélectionne les commandes de combat. Horii a été diablement malin d'aller chercher un mangaka, et à fortiori un designer de la trempe de Toriyama qui dispose d'un style simple, accrocheur, particulièrement adapté non seulement à l'esprit Dragon Quest mais aussi aux capacités techniques de la console de Nintendo. Plus encore que n'importe qui, surtout aux yeux du grand public, c'est Toriyama qui incarne Dragon Quest et qui, en très grande partie aura assuré aux jeux ce succès commercial si démentiel pour l'époque.



Mais plus que des graphismes désuets qui de toute façon se retrouve dans bon nombre de jeu de la première partie de vie de la Famicom (sisi, revoyez un peu des jeux comme Super Mario Bros., Pac-Land, Kid Icarus et même The Legend of Zelda, et vous verrez que la production de Chunsoft n'a pas tant que ça à envier aux grands noms de l'époque. Chacun ayant d'autres arguments pour pallier la faiblesse technique évidente de leur apparence), Dragon Quest se définit par un gameplay rigide à en faire plier de jalousie un portage de Tetris sur calculette Texas Instrument ! Là est la véritable essence de Dragon Quest, ce qui au plus profond d'eux semble tant plaire au joueurs japonais, bien au delà du design de Toriyama ou des merveilleuses musiques de Sugiyama. Car on a beau réfléchir, contrairement aux graphismes pauvres qui peuvent s'expliquer par la faible contenance d'une cartouche Famicom en 1986, on ne parvient pas totalement et logiquement à s'expliquer certain choix de conception et de gameplay qui font de DraQue ce qu'il est. Ceux qui s'y sont déjà essayés (on parle ici de la version d'origine japonaise sur Famicom, pas du remake sur Super Nintendo qui a abandonné cette feature) savent de quoi je parle. Ça nous frappe dès le départ, lorsqu'on décide d'explorer un peu les environs après qu'on s'est vu confier la mission par le roi. Aussitôt qu'on décide de franchir une porte ou gravir un escalier, de volumineux carrés noirs viennent engloutir l'écran de leur grossièreté afin de nous proposer plusieurs options : parler, sort, objet, statut, escalier, porte, examiner et enfin prendre. Il faudra invariablement sélectionner l'action que vous voulez accomplir via ce menu pour absolument tout et n'importe quoi. Là où un Zelda se fait infiniment plus fluide et plus naturel et où on peut discuter avec un badaud d'une simple touche, ici, il convient de naviguer dans des menus austères et froids comme la mort jusqu'à trouver la bonne option (bonjour la galère si vous causez pas un mot de japonais... heureusement à force d'essayer on finit pas mémoriser l'emplacement de telle ou telle commande dans le menu...). Ça tue le rythme de façon prodigieuse, ce dernier n'étant déjà pas des plus frénétique. Même avec le recul et en se disant très fort que c'est une question d'immersion ou une sorte de clin d’œil respectueux aux jeu de rôle papier d'antan, on ne peut s'empêcher de penser que c'est un véritable tue-l'amour vidéoludique. Un assassinat en règle de toute notion d’ergonomie dans un jeu de rôle. Heureusement, avec le temps, les développeurs se seront calmer avec ça, même si les carres noirs demeurent.

Dans Dragon Quest, tout est très textualisé. Des actions possibles qui vous sont exposées comme décrit ci-dessus aux combats qui se parent de descriptions à outrance. Hommage évident et assumé aux jeux de rôle papiers des années 70 et 80 où chaque action était décrite par le MJ (le Maître de Jeu qui donne les épreuves aux joueurs et dirige le cours de l'aventure). Si pour un vieil Ultima de 1982 on comprend que c'était là la seule option des concepteurs pour imager correctement l'action sur un antique Apple II, on a du mal à se convaincre de la légitimité de ceci dans un jeu de 1986 avec une interface graphique telle que celle de Dragon Quest. D'autant plus que vous allez en manger des combats, pendant des heures entières, si vous trouviez que dans les Pokémon ou les Final Fantasy le level-up était abusivement long (pauvre de vous, sincèrement), abandonnez absolument l'idée de voir la fin de Dragon Quest. Au programme, 30 level (contre 50 dans Final Fantasy et 30 dans Phantasy Star, ses principaux rivaux de l'époque), avec un total de 65 535 points d'expérience à obtenir et pas plus d'une vingtaine de points à chaque victoire pour les monstres les plus généreux et/ou coriaces (toujours un à la fois, pas plus). Mais pour vaincre sans trop de difficulté le boss de fin, le level 30 est si pas indispensable, en tout cas très utile. Verbiage pompeux (avec pourtant une traduction anglaise très plaisante, au vocabulaire soutenu mais pas incompréhensible, la version française du premier de la série qui nous est parvenu, le 8ème donc est une merveille en la matière), répétition, lenteur, tel sera votre lot quotidien dans DraQue.

Pourtant, la simplicité outrancière du jeu n'a pas que des désavantages. La recette a ses bons côtés, comme celle de rendre un menu et un arsenal d'item clair et sans fioriture. Là où dans certains autres RPG comme Final Fantasy (dès le 1er, ceci sera un petit couac récurent de la série qui trouvera probablement son paroxysme dans le VI et IX ème opus) l'inventaire s'encombrait d'un tas d'équipement (de stuff, comme diraient les puristes), celui de Dragon Quest s'auto-gère. Comprenez par là que dès qu'un meilleur équipement est obtenu (c'est pas dur, il n'y a pas de piège, c'est soit l'équipement vous apporte plus de résistance ou de force, soit moins, point barre. Vous ne trouverez pas d'armure qui augmente votre défense de 12% à la condition que la 7ème Lune de Jupitex soit déphasée par rapport à la seconde décade des moissons de blé, que vous ayez les yeux bleus et que vous ayez mangé 3 endives au petit déjeuner...), l'ancien est aussitôt vendu même si vous êtes en dehors d'une ville et le nouvel équipement remplace naturellement le précédent pour pas que vous ne finissiez tout nu. Bien sur, si vous êtes contre cela, vous pourrez toujours vous procurer votre ancienne pièce d'équipement au marchand le plus proche, je précise parce qu'il paraît que certain joueur y tiennent, ça ajouterait un petit côté ''broc'' et gestion de l'inventaire qui serait à priori extrêmement important dans les jeux de rôle (certes, mais Dragon Quest se fait déjà tellement emmerdant avec ses menus foutrement lourds, alors on va pas ajouter les orties aux ronces non plus, hein... en plus de ça je vous défi d'aller vous frotter à des monstres plus loin sur la worldmap avec un équipement non adapté, vous risquez de le sentir passer ).


Screenshot de la version US.

Plus haut, nous disions que le déroulement du jeu avait un petit quelque chose de Pokémon, et pour cause puisque quasiment l'intégralité du jeu se fait sans véritable petit à côté. Votre mission reste invariablement la même du début à la fin, il y a bien quelques objets légendaires à récupérer de ci, de là, mais votre quête consistera à sauver la princesse, récupérer l'Orbe de Lumière et bouter le Dragon Lord à la fin de l'aventure. Les combats se font donc l'unique source de distraction, encore et toujours, le but officieux du jeu sera d'accumuler assez de puissance et un assez bon équipement pour tenter l'approche du donjon final. Ce qui en soi, et déjà une quête annexe tant cela prend du temps et réclame de la patience. Un peu comme dans un bon vieux Pokémon où après avoir battu touts les dresseurs et champions d'arènes, il ne nous reste plus qu'à compléter notre phase de level-up pour mener nos monstres favoris aux plus haut niveau (j'ai toujours déploré que le monde des Pokémon se fasse si vide et mortellement ennuyeux une fois que les dresseurs de la Ligue se soient inclinés devant nous, pas vous? C'est à ce moment là qu'on sort brutalement du ''trip'' et qu'on se rend compte qu'on est dans un jeu vidéo, froid et virtuel). D'ailleurs, DraQue dispose d'un détail très intéressant à ce propos et qui ne se retrouvera dans presque aucun autre RPG, et qui pourtant est plus que logique et appréciable. Je parle du fait qu'après avoir vaincu le terrible boss final qui terrorise le monde entier, le jeu ne se termine pas réellement. Il est encore possible de parcourir la carte (certaines zones ont changés, les marécages empoisonnés sont redevenus des plaines verdoyantes par exemple), combattre les monstres à l'infini, revenir dans les villes et aller à la rencontre des PNJ déjà rencontrés qui une fois votre but atteint auront un discours bien différent à votre égard. Vous verrez ainsi des gens en liesse, heureux et soulagés et vous accueillant en héros. C'est con, mais après tant d'effort, parce que Dragon Quest réclame vraiment beaucoup d'effort, eh bien c'est plaisant !

Pour voyager et atteindre votre but, la progression s'apparente à un énorme jeu de piste où il faut souvent discuter avec les PNJ pour espérer obtenir un petit indice sur où se diriger. Ça donne des allures de chasses au trésor très appréciable surtout si on fait réellement attention à ce que nous raconte les badauds. Car il est possible d'entendre des rumeurs ou des on-dits au début du jeu à propos d'un monstres ou d'un artefact légendaire qu'on découvrira presque 5 heures plus tard sur un autre continent. Ça ajoute une dose de mystère, de cohérence à l'univers du jeu. Et quand on se rend compte que presque tout ce que dise les gens à propos des objets magiques peuvent se vérifier, ça donne sacrément envie de jouer les aventuriers, de récolter des indices et d'aller les chercher ! Ce que je dis donc plus haut est pas tout à fait vrai, si votre objectif principal est bel et bien de sauver le royaume d'Alefgard, on peut aussi s'aventurer à côté et venir à la rencontre des légendes du monde que vous parcourez.

La map est précisément délimitée géographiquement (des plaines, on passe à un coin de forêt, puis une montagne, un village coincé quelques part entre deux lignes de pixel gris, puis on repart dans la plaine). Et si vous ne vous rendez pas compte que vous abordez une nouvelle région, le bestiaire se fera un plaisir de vous le rappeler car celui-ci se montrera diablement plus féroce que celui d'à côté, même si 4 pixel vous sépare de la région précédente. C'est carré, limpide, archaïque et à ceci s'ajoute un autre élément qui caractérise la simplicité de la conception du jeu : la topographie du monde dans lequel on se trouve. De forme circulaire, on opère une sorte de tour du monde au sens propre du terme puisqu'on parcours les continents comme une aiguille dans une horloge jusqu'à arrivé sur l'ile au centre de la map, sur laquelle repose la citadelle du grand méchant (donjon que l'ont peu d'ailleurs apercevoir dès le départ lorsqu'on quitte le château de Lorik, suffit de jeter un œil en bas de l'écran lorsqu'on est sur la carte... comme si les développeurs vous envoyez clairement un message du genre « hey, vous voyez, c'est là que vous devez aller, mais vous aller en chier par contre, hahaha, trololo ».).


Screenshot de la version US.

Troisième et dernier protagonistes du triumvirat sacré qui encore aujourd'hui anime la saga Dragon Quest, le compositeur émérite Koichi Sugiyama. Comme expliquer ce tantôt, l'homme est arrivé très tard dans le projet, limite trop tard même. À quelques jours de la sortie du soft, en fait. Difficile dans ces cas là de produire une bonne bande-son, surtout pour un RPG, on est d'accord. Et pourtant, l'homme eu l'illumination nécessaire pour nous pondre tout de même quelques partitions devenues aujourd'hui très célèbres. Un peu comme Final Fantasy et son fameux Crystal Theme (le prologue) qui fut composé sur un coin de table de bar par le divin Nobuo Uematsu, Sugiyama donnera naissance notamment à la marche d'ouverture, commune à touts les Dragon Quest numéroté depuis 1986 !
Mais comme les miracles n'arrivent que très rarement, vous vous en doutez, il est presque impossible de faire du très bon travail en si peu de temps et de façon si peu organisée. Quand bien même les morceaux sont agréablement mélodiques et font presque occulter la qualité sonore pure parfaitement désastreuse dont était capable la Famicom au début de sa vie, le gros soucis reste que ces mélodies ne sont qu'au nombre de 8 ! Sachant qu'on passe les trois quart du temps à batailler pour acquérir des points d'expérience, ça devient lassant. C'est une des tares très rependues des jeux retro, leur manque cruel de pistes musicales qui agace très vite les oreilles. Mais dans le cas précis de Dragon Quest, on se dit que cela aurait put être évité si toutefois Sugiyama n'était pas arrivé si tard dans le projet ou si il avait daigné reprendre une partie du travail de son prédécesseur. C'est délicat à dire, car malgré tout, l'apport de son talent par Sugiyama est inestimable, mais on en arrive presque à dire qu'on aurait préféré 30 pistes juste bonnes, plutôt que 8 exceptionnelles. Le fond du jeu aurait été moins rugueux et moins répétitif et peut-être qu'au final, 8 pistes seulement n'aurait pas contribuées au puissant sentiment d'ennui qui nous étreint au bout de plusieurs heure de jeu.

Déjà auteur de quelques jeux mineurs et passés inaperçus, même sur l'archipel (Wingman sur PC-8801) ou sur des anime qui eux par contre ont reçus un accueil critique impressionnant (Patlabor), la gloire vint surtout avec Dragon Quest. Sugiyama fut happé dans un autre monde et le succès fut si retentissent pour ses compositions que les auditeurs et fan du jeu émirent l'idée de proposer des versions orchestrales de ses musiques. Ayant déjà un pied à terre dans le domaine, Sugiyama s'occupa lui-même de réécrire ses partitions et de mener à la baguette le célèbre London Symphonic Orchestra. Celui-là même qui avaient fait les BO de Star Wars, Alien, Superman ou encore Dark Crystal (et qui feront plus tard Braveheart et les Harry Potter). Ah oué, ça calme.
Ce qui fera de la fameuse Dragon Quest Symphonic Suite, la production qui résultera de la collaboration avec ce fantastique orchestre et Sugiyama, ni plus ni moins que la première bande-sonore de jeu vidéo réorchestrée. Ce n'est pas anecdotique. Si Star Wars avait relancé la mode des bandes-sonores orchestrales en 1977 (c'était très populaire dans les années 40-50 et 60 au cinéma, mais ça a finit par se perdre au profit des ordinateurs et des synthé qui faisaient déjà leur apparition. C'était non seulement une tendance artistique mais aussi un choix économique car mobiliser un orchestre coute extrêmement cher dans la production d'un film), Dragon Quest sera le premier à mêler musique d'un point de vue purement artistique au jeu vidéo. La tendance aura du mal à suivre, car il faudra attendre plusieurs années que les productions deviennent de véritables blockbuster à gros budget pour que les développeurs emploient des orchestres (et aussi que la technologie soit suffisamment évoluée pour que les consoles puisent lire des pistes orchestrales, c'est à dire avec l'arrivé du CD-ROM). Mais force est de constater que Dragon Quest fut là aussi précurseur.

Outre le fait que ça ai lancé une mode qui aujourd'hui est devenue globalement un critère on ne peut plus évident dans le cahier des charges des plus gros jeux de notre ère, ça a aussi fait naitre un phénomène de société qui par contre, pour le coup, reste assez spécifique au Japon. En effet, après le coup de la symphonie Dragon Quest, les japonais en ont redemandé. Et bien sur, les Dragon Quest suivants y ont eu droit, puis les Final Fantasy naturellement, mais aussi plein d'autre jeux qui pourtant étaient très loin d'égaler les budgets (et les bénéfices) des cadors du cinéma de l'époque. Et si ce n'étaient pas des remix orchestraux, c'était des remix électroniques, rock, jazz ou que sais-je encore que les meilleurs compositeurs du Japon produisaient. Compositeurs qui en plus de cela, n'étaient pas forcément coutumiers du monde du jeu vidéo à la base. Bref, ce fut un véritable mélange des cultures et des inspirations qui eut lieux particulièrement à partir du début des années 90 et ça continue aujourd'hui. Malheureusement, la mode des orchestrations des OST de jeu a du mal à traverser les frontières du Japon, pour le plus grand dam des mélomanes européens qui eux-aussi aiment la belle musique (heureusement qu'il y a YouTube). Ah, et une dernière chose avant que vous me le fassiez remarquer : on parlera un peu plus tard des fameux Orchstral Game Concerts, qui sont aussi de l'initiative de Sugiyama



Sauf mention contraire, touts les screenshot proviennent de la version japonaise originale du jeu. La différence avec la version américaine et principalement d'ordre graphique. L'apparence des personnages sur la version NTSC est plus ''mignonne'' et paradoxalement plus ''japonaise'' pourrait-on dire. Plus expressive en tout cas puisqu'une paire d'yeux est ajoutée et les sprites sont représentés sous quatre angles contre un dans la version d'origine (ce qui du même coup supprime l'option ''parler'' en étant obligé de choisir la direction souhaitée). D'autre détails sont aussi à noter comme sur la worldmap où le rivages des rivières et mers sont désormais bordés d'un petit liseré de pixel blanc représentant le sable.

Je vois déjà d'ici les réflexions : « Quoi, Anakaris ? Seulement 70% Pour un tel jeu ? C'est quoi cet assassinat de rageux ?! Pro-Final Fantasy va ! ». À ceci je répliquerais pas de panique les gars, je vais m'expliquer. On peut adopter deux sens de lecture à propos de la note. On peut tout d'abord se dire qu'effectivement, Dragon Quest était probablement à l'époque un phénomène sensationnel, un petit séisme dans le monde du jeu vidéo, il fut le précurseur d'un genre encore aujourd'hui vivace (si on parle du J-RPG en général, pas forcément du tour par tour) et n'était clairement pas un mauvais bougre malgré ses choix de conception super rigide. Là, c'est sur, il mérite une belle grosse note avoisinant les 90%, c'est d'ailleurs ce qu'il a reçu peu ou prou dans la presse de l'époque au Japon. Mais voilà, sur Retro Gamekyo j'ai l'habitude de considéré les jeux d'un point de vue nostalgique avec un soupçons d'objectivité intemporel (enfin, j'essaye) car les défauts d'hier peuvent rester les défauts d'aujourd'hui, tout comme les qualités. C'est là que le bas blesse, hormis pour les japonais, on s'accorde presque tous à dire que l'ergonomie de Dragon Quest était proche du zéro. Et aujourd'hui, c'est toujours le cas. C'est d'autant plus difficilement pardonnable quand on voit d'autres jeux de rôle qui se font bien plus accessibles seulement quelques mois après Dragon Quest, comme quoi, c'était pas si compliqué.

Pas la peine d'essayer de faire le « true gamer » en se disant « oui mais bon c'est du old school, si t'aime pas le gameplay de DraQue c'est que t'es pas un vrai retro gamer », ne nous voilons pas la face, un tas de choix de conception pas forcément indispensables plombe le plaisir de jeu. Les cadres noirs avec les tonnes de textes sont une chose. Mais l'inventaire limité à 10 objets équipement et item de soins inclus, les donjons bordéliques, le fait de devoir indiquer où se trouve le PNJ à qui vous voulez parler pour pouvoir entrer en contact avec lui (nord, sud, est ou ouest), le fait de pouvoir sauvegarder uniquement au château de Lorik (bonjour les aller retour sans fin!) ; et encore quelques petits détails font définitivement de Dragon Quest un jeu relativement mal pensé, même si il fut précurseur d'un genre et que tout restait à faire.

Mais c'est justement ça le dilemme, rétrospectivement, quand on voit à quoi à donné naissance ce jeu et quand on comprend que les concepteurs ont créés un véritable genre à part entière, comment être si dur avec Dragon Quest ? C'est un premier jet, parfois maladroit, parfois ennuyeux, là où d'autres jeux s'y apparentant rendent une copie quasi parfaite dès leur première tentative (Zelda), mais on comprend que c'est un jeu qui doit se remettre dans un contexte précis. C'est typiquement le genre de jeu très difficile à traiter de façon rétrospective plus de 20 ans après sa sortie initiale tant celui-ci s'inscrivait dans une logique de construction originale à son époque. Dragon Quest doit se vivre avec beaucoup d'imagination, de patience et l'envie de voir toujours un peu plus loin dans le jeu, c'est ce qui motive à continuer jusqu'à la fin, car je ne vois pas grand chose d'autre à vrai dire. Mais probablement qu'on y verra plus clair en constatant les évolutions de la saga au fil du temps. C'est à cette condition qu'on réalisera que Dragon Quest premier du nom était un jeu unique autant pour de bonnes que pour de très mauvaises raisons.

Rendez-vous donc pour le test de Dragon Quest II d'ici quelques temps, sur Retro Gamekyo  !