Déjà paru depuis des années sur bien des supports, essentiellement estampillés Sony d’ailleurs (PSVR inclus), la franchise Hatsune Miku est venu poser sa petite patte sur Nintendo Switch avec son « Project Diva Mega Mix » qui n’est donc rien d’autres qu’une sorte de gros best-of idéal pour les non-initiés qui veulent soudainement découvrir les joies du Vocaloid et de son héroïne aussi populaire que virtuelle, avec une bonne centaine de morceaux (dont quelques inédits, provisoirement exclusifs à la console), donc pas non plus la totale, et il faudra pour en gratter plus se tourner vers l’eShop et sa demi-douzaine de packs DLC, regroupés si on le souhaite pour tout de même 30 balles. Le jeu seul en vaut 40, ce qui est un prix plutôt sympa au regard d’une expérience sympathique mais livrée de manière assez brutale.

Car ici, pas d’enrobage avec paillettes du style un semblant de mode carrière ou truc du genre : la centaine de morceaux vous est directement livré sur un plateau, comme pour vous indiquer de choisir ce que vous voulez en essayant de péter les score dans les cinq modes de difficulté, le mode normal imposant déjà un haut degré de maîtrise pour obtenir la meilleure note alors qu’il reste trois challenges au-dessus. Autre point qui fait un peu tâche même si un peu anecdotique au regard du genre : les vidéos d’incrustation sont de qualité très aléatoire, certaines étant top tandis que d’autres souffrent étrangement d’un bel aliasing, et sans raison valable autre que l’envie pour SEGA de limiter le poids du jeu pour tourner aux alentours des 13Go. Rien de dommageable encore une fois car c’est davantage sur les indicateurs de rythme que l’on doit s’attarder et pas sur les persos qui remuent dans le fond, sauf si vous êtes un énorme fan du phénomène.

En revanche, le reste se montre très clair et finalement accessible, le jeu évitant globalement de nous prendre à défaut sauf dans la maîtrise des doubles notes, et il y a même l’excellente idée de pouvoir configurer si on le souhaite les touches en y mettant… les icônes PlayStation. Pas que l’on soit plus fan d’une marque ou d’une autre mais il y a disons plus de facilité à retenir le lot triangle/croix/carré/rond (depuis le temps) que le coup du A/B/Y/X qui peut rendre fou si vous avez souvent l’occasion de passer d’une console Nintendo à Microsoft, et inversement. Bref, un pur jeu à scoring avec des musiques qui ont le don de rester dans la tête même si chacun apportera son jugement sur cet aspect, fourni avec ses classements en ligne pour montrer à quel point vous êtes mauvais, un mode à la gyroscopie qu’on oubliera assez vite vu le manque de précision pourtant essentiel, et bientôt un mode tactile, uniquement disponible sur la version japonaise pour le moment. D’ailleurs, et contrairement à Animal Crossing quand on y pense, le tactile servira dès maintenant à concevoir vos T-Shirt si les skins fournis ne sont pas suffisants à vos yeux, l’occasion de pouvoir dessiner vos plus beaux zizis sauf si contrairement à moi, vous avez davantage de talent en la matière.

Square Enix a toujours aimé le coté rétro, déjà parce que c’est moins cher à produire, et aussi parce qu’il y a toujours un public avide de sensations old-school, époque d’une certaine insouciance et de farm massif, comme si démonter des monstres pourris pendant des heures pour atteindre un niveau suffisant pouvait incarner un sentiment d’accomplissement. Autre époque, et je m’égare. Square Enix donc, il aime ça et il l’a encore prouvé sur cette génération, mais pas toujours de la meilleure façon car pour un Octopath Traveler très sympa, l’éditeur s’est perdu entre son pari Tokyo RPG Factory qui n’a jamais percé après pourtant trois essais, et un certain remake de Secret of Mana, clairement odieux il faut le reconnaître.

Le potentiel à pognon est là mais quand ça vend pas, c’est qu’il faut bosser derrière et voilà qu’intervient donc Trials of Mana, remake de Seiken Densetsu 3, épisode au drôle de destin pour nous autres occidentaux car jamais sorti chez nous à cause d’une arrivée trop tardive au Japon (1995 + 1 ou 2 ans pour les localisations d’époque, c’était pas la peine), ne pouvant être exploité que par les méchants avaleurs de roms qui pour la plupart ne l’ont jamais terminé puisqu’ils téléchargeaient leurs jeux par pack de 20. Puis il y eut un premier miracle avec la sortie de la compilation Switch où l’on accueillait pour la première fois cet épisode, avec une surprenante traduction FR. Quasiment 25 ans d’attente donc, se concluant par ce remake qui vient dire comment faire les choses à peu près bien quand on mélange nostalgie et semblant de modernité.

Car dans les faits, le jeu est globalement le même. Vous avez le choix au départ entre six personnages, ou plutôt trois dont un principal pour vivre son prologue, l’introduction se terminant dans tous les cas dans la même ville. La principale différence du remake est que l’on pourra revivre le prologue des deux compagnons une fois recruté, ce qui permet de gagner du temps, et le reste est à quelques variantes identiques quel que soit votre choix de départ même si l’on sait tous que la plupart opteront pour Duran ou Kevin car il est plus agréable en début de partie de jouer un guerrier ou un lycanthrope qu’un pauvre voleur ou une magicienne sans magie.



Ensuite, c’est comme à l’époque mais dans une 3D pas mémorable malgré l’exploitation de l’Unreal Engine 4, mais pas dégueulasse non plus. Ce n’est pas le remake de Seiken 2 quoi, et c’est disons assez mignon sans forcer. Pour rebondir avec ce qui a été dit plus haut, c’est globalement le minimum de ce que l’on souhaite désormais de Square Enix quand on parle d’un AA à sensations d’époque (hors 2D pixels) plutôt que de nous balancer un rendu smartphone. Ça passe bien même si les animations auraient pu être un peu plus travaillées, particulièrement lors des cinématiques très sommaires où il n’y a pas besoin de savoir que c’est un remake pour comprendre que ça en est un. « L’évasion » de Hawkeye est suffisamment parlante à ce sujet tant on a l’impression de voir une séquence 16-bits sous nous yeux.

Le scénario est tout aussi d’époque, donc classique et plein de clichés mais pas désagréable pour autant, avec comme point centraux la recherche à travers le monde des différents esprits élémentaux pour sauver l’arbre Mana et accessoirement mettre fin à un début de guerre mené par ceux qui ne veulent pas perdre leur temps en discussions. Si vous filez droit, c’est une bonne vingtaine d’heures qui vous attendent, ce qui paraît plus court qu’à l’époque mais cela s’explique par le fait qu’il était très facile de perdre son temps sur Snes avec l’obligation notamment de parler à tout le monde jusqu’à trouver celui qui déclenche la suite de l’histoire. C’était linéaire, juste que le jeu ne le montrait pas. Cette fois, on va à l’essentiel avec un gros indicateur sur le radar vous montrant la marche à suivre, même si libre à vous (mais pas toujours) de fouiner à droite à gauche pour trouver des objets et les sortes de cactus sur chaque map aux superbes récompenses sur la longueur (dont des multiplicateurs d’xp).



Trials of Mana est tout simplement un jeu plaisant à parcourir car aucunement prise de tête sauf dans ses nombreux temps de chargement. Une fois saisi l’importance de certaines compétences et les raccourcis qui auraient pu être plus simplement mis en avant (surtout les compétences alliées), les combats deviennent de plus en plus sympas, surtout quand on commence à débloquer les nouvelles classes avec même un palier supplémentaire pour ce remake, et toujours ce coté esprit/lumière modifiant les aptitudes de chacun ainsi que leur aspect (nous laissant revenir en arrière si besoin). Les combats de boss, trop basiques au départ faute de variété dans nos coups, gagnent donc vite en intérêt et le seul défaut qui en ressortira sera cette caméra qui ne fait pas toujours ce qu’on veut, même quand le lock est activé.

Bref, les heures filent et on passe tout simplement un bon moment, porté par des mélodies en partie bien réorchestrées et qui peuvent nous tenir en tête (surtout le principal Field Theme). C’est classique encore une fois mais c’est du bon classique, celui qui comprend ce qu’on attend de ce genre de productions et qui sait apporter les bonus essentiels, dont un post-game inédit ajoutant un gros bon donjon pour quelques heures de plus, ou un New Game+ imparfait mais ayant la bonne idée de nous refiler un XPx3 en plus d’un boost de stats pour les persos qu’on souhaiterait reprendre en main. De quoi s’occuper avant la reprise des gros AAA, et en espérant que ce jeu incarne une nouvelle base pour « l’avenir rétro » de Square Enix.

Concept phare de Jupiter depuis tellement d’années qu’on ne les compte plus, Picross est récemment revenu pour une quatrième monture Switch et diable que c’est toujours aussi bon, sans qu’il y ait d’ailleurs de raisons que ce ne soit pas le cas puisque le concept est de base béton et à moins de faire n’importe quoi, on ne peut pas se louper. Car c’est possible, et le petit Picto-Quest sur ce même eShop Switch est de mon point de vue un ratage complet car quand j’aime ouvrir un débat sur le besoin d’options d’accessibilités dans « certains » jeux, l’inverse est de même : il est tout simplement honteux d’imposer des aides alors qu’on n’a rien demandé, au point de pousser étrangement à l’erreur quand on est habitué à faire sans. Mais ce n’est pas le sujet, revenons à Picross S4.

Si j’avais testé le premier Picross S, je lui aurait balancé un 9 sans hésiter car c’était tellement bon qu’il est responsable d’une masse de nuits blanches, de retards dans le taf, et de difficultés à m’endormir à cause de ce que l’on appelle « l’Effet Tetris » (si tu connais pas, vas voir Google). J’aurais en revanche mis 7 aux deux autres tout comme je le fais au concerné, et il y a une bonne raison à cela. Le principe est pourtant le même, à savoir remplir de manière hypnotique des grilles à partir des chiffres lâchés sur les cotés de l’écran, tout le principe étant que les puzzles se complexifient et qu’il y a un énorme sentiment de satisfaction à peu à peu développer soi-même et sans tuto des astuces pour débusquer les indices (encore une fois si vous jouez « sans aide », et c’est le mieux). Des jeux du genre, il y en a des tonnes mais si ceux de Jupiter ont aussi bonne réputation, c’est à la fois pour leur feeling ultra rapide mais également le fait qu’il n’y aucune place au hasard à cause de grilles mal branlées. Quand vous êtes bloqués, sachez qu’il y a toujours un indice sous vos yeux. Tout le problème est de déterminer où, même s’il est possible de passer 10 minutes devant son écran sans savoir quoi faire.



Et donc on arrive au problème des suites de Picross. Le premier Picross S a introduit les bases excellentes, avec plus d’une centaine de grilles (5x5, 10x10, 15x15 avant l’étape finale du 20x15), répartis en deux modes, le deuxième (Mega) changeant en partie votre manière de voir les choses, et est tout aussi intéressant. Jupiter aurait pu en rester à cela et, surtout à notre époque de « jeux à service », Picross S se suffisait à lui-même et avait ensuite juste besoin d’être agrémenté de pack de grilles sous forme de DLC, rendant heureux les fans qui auraient pu avoir leurs doses de temps en temps. Sauf que le studio aime le pognon et a préféré opté pour des suites à 10 balles l’unité, exploitant en prétexte que chaque nouvel épisode propose un tout nouveau mode de jeu, qu’on retrouve ensuite dans le suivant, faisant que Picross S4 est désormais garni de 5 modes dont les deux initiaux. Mais l’ennui, et il est simple, c’est qu’à chaque fois, le mode en question censé justifier le plein tarif, il est un peu tout nul.

Et comme on les retrouve tous ici, autant de nouveau évoquer que « Clip » est toujours aussi ennuyeux avec sa suite de mini-grilles barbantes, tandis que « Color » aurait pu être une bonne idée mais là encore, complexifie inutilement le concept et le faire perdre grandement en vitesse de jeu (malgré de nouveaux raccourcis). Picross S4 vient donc ajouter à cela son propre mode, dit « Extra », et à l’annonce, ça donnait envie puisque le jeu sortait ses burnes pour dévoiler des grilles en 30x30. Là, ça parle au fan qui a passé en cumule près de 200h sur les trois premiers. Mais pourquoi c’est décevant alors ? Hé bien il y a trois raisons. La première, c’est qu’en fait, le 20x20 (voir allez, 25x25) aurait été pleinement suffisant vu que plus élevé, ça devient illisible, et je vous parle d’une expérience sur un grand écran pas placé bien loin. La deuxième, c’est le contenu : deux pauvres grilles, tandis que les trois autres (du 30x40, encore pire) sont offertes à l’unique condition de posséder les précédents épisodes. Malynx. Et enfin, le dernier point, bah c’est tout simplement que ces grilles sont juste sans intérêt car beaucoup trop faciles, ne proposant aucune vraie réflexion pour un habitué. Voilà.

Il y a cinq ans de cela, alors que plus personne ne croyait encore au quinquennat de Hollande pendant que l’UMP devenait les Républicains pour mieux rebondir (ah, tout le monde s’en fout ?), loin de l’hexagone, Sony livrait l’une de ses plus grosses conférences en plein E3 2015, avec entre autres morceaux la grande officialisation du remake de Final Fantasy VII, donc environ six mois après le magnifique troll de Square Enix (le portage de l’original sur le PS Store, souvenez-vous). Un vrai fantasme qui me renvoie plus de 20 ans en arrière, quand en retour de vacances, mon petit frère me présentait la boîte PS1 déjà à moitié défoncée, me proclamant « J’ai demandé à maman de m’acheter ce jeu car j’ai vu une image dans un magazine et je pensais que c’était un jeu de moto, mais c’était pas ça. C’est quand même super bien. » Tout le monde s’en fout de ma vie mais toujours est-il qu’il avait parfaitement raison : FFVII, c’était incroyable, c’est l’un des piliers dans la carrière d’un joueur plus ou moins trentenaire, et son remake suscitait autant de craintes que d’espoirs.

(Je tiens à noter que malgré quelques précisions dans les descriptions, je ne spoilerais aucun élément d’importance sur le scénario, aussi bien pour ceux qui n’ont pas fait l’original que les surprises assez inattendues. La confiance quoi.)

Et c’est à partir de là que l’on peut de suite évoquer ce fameux choix de la part de Square Enix. Les RPG d’époque (en perspective 2D) n’étant pas si facilement transposable dans une belle 3D ambitieuse, il aurait été il est vrai difficile de pondre un remake de A à Z sans devoir trancher sur certains aspects vu le nombre faramineux de décors à devoir reproduire, et dans des proportions bien plus élevées que l’original : un « tableau 2D » sur un unique plan, ça demande toujours moins de taf que de refaire le même niveau avec une caméra libre. L’éditeur a donc fait un choix pas forcément mauvais, à savoir découper son remake en plusieurs épisodes. Combien, on ne sait pas encore, mais ce « premier » arc (et c’est bien indiqué à l’arrière de la jaquette pour éviter tout problème judiciaire) va donc évidemment se concentrer sur Midgar, mais avec une masse d’ajouts pour passer d’une demi-douzaine d’heures sur l’original à environ 20h pour une ligne droite, et le double pour le 100 %. Pari osé, pas désagréable du tout, mais très à risque pour le rythme. Et… c’est peut-être là le plus gros défaut du jeu.

La démo jouable a permis de se rendre compte que ce remake allait tartiner chaque passage, avec davantage de séquences, de salles et éventuellement puzzles, gardant en objectif une certaine cohérence dans la progression sans oublier le fait que les combats ne sont évidemment plus aléatoires. Donc de ce coté-là, on n’est jamais surpris de voir que ça va être exactement la même chose pour la fuite de l’église, les égouts, la tour Shinra… Limite, aucun problème, et c’est même préférable. Il y a aussi le fait qu’il fallait désormais rajouter des morceaux inédits pour, je cite les développeurs, « explorer plus en détails l’univers de FFVII ». Pour un résultat assez mitigé, alors que ça partait pourtant si bien en nous offrant un chapitre mettant en avant les trois larrons d’Avalanche, donc Jessie, Biggs et Wedge. Ce n’était pas dément en terme de gameplay, et davantage axé sur la narration, mais on sentait que ce n’était pas inutile et que surtout, ça apportait quelque chose d’intéressant. Mais ça n’est pas toujours le cas.



Et là on pourrait citer une Aerith qui nous demande expressément de faire un loooong détour alors que l’objectif était à deux pas, qu’on nous impose de revenir faire un tour dans les égouts pour un prétexte odieusement bidon (une espèce de grenouille a gobé une clé, si si), qu’on ajoute une tonne de séquences dans la Tour Shinra qui n’ont scénaristiquement aucun intérêt. Car c’est peut-être là le problème principal. Sorti de l’acte avec le trio du précédent paragraphe, on sent que Square Enix voulait tartiner sans trop avoir de matière supplémentaire. Il y en a, et parfois très bien trouvé, mais la moitié du temps, c’est juste du rajout pour étaler la longueur d’un niveau, la faute assurément au fait que les développeurs ont été incapables de booster la qualité du casting. Aucun problème pour ceux qu’on connaissait déjà, et dont chaque représentant brille bien plus qu’à l’époque, aussi bien du coté de la troupe que de la Shinra (Hojo est incroyable), le tout servi avec un doublage FR de bonne qualité, où l’on trouvera peut-être à redire sur Barret mais c’est le personnage qui est un peu trop sous tension, pendant qu’on accordera de belles mentions aux doubleurs de Jessie et Heidegger.

Par contre, les nouveaux… Eh bien il est là le couac. Avec de nouvelles têtes, là il y aurait eu moyen de prolonger l’expérience mais encore fallait-il qu’il y ait de l’intérêt derrière la personnalité et l’histoire de chacun. Malheureusement, pour de bonnes surprises du coté du Wall Market qui sont au dessus du lot (pour un chapitre que l’on peut déjà considérer comme culte, et bien plus que l’original), le reste est donc incarné par une petite minette qui n’est là que le temps d’une quête annexe, un motard qui aurait pu apporter quelque chose d’important vu son passif mais qui ne sert à rien à part jouer l’abruti, un Leslie qui prouve que Nomura commence à être à court d’idées (niveau design, c’est le héros de Type-0 avec une casquette quoi) et enfin Johnny, le couillon de service. C’est probablement lui le plus choquant, presque en inadéquation avec le reste du jeu tant ses aptitudes nanardesques et caricaturales rappellent un vieux J-RPG de base, alors que Wedge, un peu considéré comme le bêta de l’original, l’est toujours un peu mais de manière bien plus humaine et attachante.



Et c’est dommage de tomber sur ce genre de personnages quand le jeu parvient à coté à réussir son pari initial : développer l’univers et de multiples façons, de ce qui englobe Avalanche et certains de la Shinra en passant par des éléments dont les aboutissements nous attendront un jour lointain. Le jeu sait caresser le fan dans le sens du poil à de nombreux moments, et on a toujours envie d’avancer pour voir le chapitre suivant, mais c’est encore une fois triste que les longueurs prennent toujours le pas, un peu comme si on avait le résultat brut d’un film tout juste sorti du tournage, qui aurait oublié de supprimer des séquences que même le réalisateur ne jugeait plus utile. Et encore, tout ça n’est peut-être rien par rapport au final. Car chaque fan sait à quel moment cette première partie de FFVII va se terminer. En revanche, vous allez être surpris par la façon de faire, et pas forcément dans le bon sens du terme tant ce dernier morceau est une nouvelle preuve de l’envie de « trop » en faire, juste pour vouloir justifier l’impression d’un jeu à part entière selon la volonté de Square Enix, alors qu’il n’en est rien : mille rajouts n’ont pas empêché d’avoir la sensation de terminer un simple prologue.

Bon je me rend compte que ces premiers paragraphes n’ont pas été forcément toujours tendre mais croyez bien que j’ai adoré l’expérience qui restera sans nul doute l’un des coups de coeur majeurs de 2020. Parce que même s’il en fait trop, il répond en majeure partie à nos fantasmes, de part de fabuleux réarrangements musicaux, des personnages plus vivants que jamais, une exploitation assez bien trouvée de certains éléments futurs, et surtout une technique globalement au top. Pas toujours ok, certaines textures étant en deçà, on garde du popping en ville et les temps de chargement sont quand même assez longs (pas de patch Day One à l’heure où j’écris ces lignes), mais la majorité du temps, ça défonce la gueule. La modélisation des persos est proprement magnifique, on s’en prend plein la tronche au niveau des effets, l’ambiance de certains secteurs est sublime, et puis surtout, on est abreuvé de détails graphiques qui font plaisir et qui donne envie de tout admirer. De toute façon, le fan le dira : le simple fait d’arriver au secteur 6 et de pouvoir profiter de la caméra pour lever la tête et admirer la titanesque plaque au-dessus, ça donne une toute autre dimension à l’expérience.



Qui plus est, et ça ceux qui ont joué à la démo le savent déjà, le changement de système de combat était juste la meilleure chose à faire, surtout pour obtenir cette qualité bien supérieure à ce que nous offrait FFXV. On conserve le système de matéria, avec davantage de choix que pour le Midgar de l’époque (forcément) et quelques invocations pour éviter de nous faire attendre la partie 2 dans x années, et tout repose ensuite sur des acquis qui ont commencé à être mis en place à partir de FFXIII pour s’améliorer au fil du temps. Il n’y a rien de compliqué à comprendre puisque tout le concept (surtout valable sur les moyens/gros + boss) va être de faire entrer l’opposant en état de faiblesse, ce qui n’est pas toujours simple (et même la matéria Analyse ne donne pas toujours les éléments souhaités), pour ensuite lui balancer des compétences dans la gueule afin de faire augmenter cette jauge de faiblesse jusqu’à passer en « Choc », signifiant qu’il est stun quelques secondes et susceptibles de se prendre des dégâts à 160 % minimum. Autant dire que c’est l’instant pour envoyer la dose, surtout vos aptitudes de « Transcendance » (ex-Limit).

Et qu’est-ce que c’est bon ! Le système d’un FF n’a jamais fait preuve d’autant de nervosité et il n’y a que rarement de place au bourrinage (à condition de ne pas jouer en Facile), tant il faut constamment prendre en compte les compétences de chacun, en faisant surtout en sorte d’économiser des jauges d’ATB pour certains afin de soigner en cas de danger. Car on a beau n’avoir que quatre personnages jouables (qui vont et viennent selon la situation), chacun a ses atouts : Cloud aux contres et Transcendance dévastatrices, Tifa et sa capacité à booster drastiquement l’état de Choc, Barret pour les attaques à distance et Aerith qui fait forcément la taf sur ses bonus, dont le fait de pouvoir soigner large et créer des zones pour lancer deux magies d’un coup. On ne reprochera d’ailleurs jamais de devoir faire les choses nous-mêmes (et vaut mieux pour éviter des erreurs) mais l’IA aurait tout de même pu être un peu plus agressive dans ses coups standards, quitte à revoir l’équilibre. Signalons également la bonne idée avant certains boss de bénéficier d’une option pour ouvrir le menu juste avant le combat afin de revoir son équipement et ses matérias, avec néanmoins un défaut à corriger dans une MAJ : si vous perdez, les modifications effectuées sont perdues et il faut tout recommencer.



Bien sûr, les habitués du système trouveront vite les meilleurs builds possibles mais cela n’empêche pas de ressentir une vraie élévation du challenge par rapport à l’original, surtout qu’il est beaucoup plus difficile de farmer bêtement (et ce n’est pas plus mal), le jeu tournant une partie de son augmentation en puissance sur ses désormais annexes qui n’existaient pas dans l’original. Alors on est encore et toujours dans le Fedex, du moins en majorité, mais ce n’est jamais chiant à effectuer et on aura au moins droit à des mini-jeux de temps en temps : fléchettes, squats… Dommage de ne pas en avoir profité pour inclure des bornes arcade dans certains endroits, faute de Gold Saucer avant plusieurs années. Dans tous les cas, les récompenses sont suffisamment intéressantes pour qu’on s’attarde à tout cela en dehors du gain d’xp et de gils, particulièrement des sortes de bouquin pour bénéficier de points à répartir dans les armes (bonus d’attaque/défense, socle supplémentaire de matéria…) ou encore ce gamin scientifique qui nous offre des défis pour acquérir de nouvelles invocations. Le genre de carotte qui ne se refuse pas.

Donc si de ce coté, le jeu sait faire le taf au niveau des annexes, et d’autant plus en restant obligatoirement cloisonner dans Midgar, on ne peut en revanche pas dire que la grande promesse du « post-game » soit tenue. Car notre mémoire n’étant pas encore défaillante, on n’a aucun mal à se souvenir qu’il y a à peine quelques jours, l’équipe nous stipulait qu’on serait « surpris » sur ce point. Hé bah non. Car si vous souhaitez faire l’essentiel des annexes lors de votre premier rush, le post-game, il va se résumer en deux mots : quelques combats d’arènes, et un mode difficile en New Game + (avec son trophée dédié). Voilà. Bon ça occupera les fans qui souhaitent impérativement rentabiliser l’achat (surtout que bon, on n’aura pas la suite du programme avant un moment), juste histoire de faire grimper leurs persos au niveau 50 grâce à un gain d’xp doublé et pouvoir tout refaire en zappant annexes et cinématiques avec comme grosse restriction l’impossibilité d’utiliser le moindre objet. Admettons, car on va dire qu’on ne s’attendait pas non plus à aller récupérer Odin ou les Chevaliers de la Table Ronde. Pas encore.

(Pour illustrer l’article, on évitera de vous mettre cette fois le trailer de lancement, véritable nid à spoils, comme souvent avec Square Enix)