D’ici quelques mois, la Switch fêtera ses trois ans et c’est seulement maintenant que Dragon Quest XI est disponible sur la machine. Pourquoi cet étrange constat ? Tout simplement parce que le titre a une certaine importance dans le catalogue de la machine : ce fut officiellement le premier jeu annoncé sur celle que l’on appelait encore NX à l’époque. Ce fut d’ailleurs précipité et Yuji Horii ne s’attendait probablement pas, lorsqu’il évoquait une sortie conjointe avec les versions PS4 & 3DS, à un chantier d’une telle ampleur, et encore moins au fait qu’il n’allait pas être si facile de transférer un projet quand la version du moteur était antérieure à sa compatibilité Switch.

Résultat, une très longue attente qui aurait pu être encore pire pour l’occident si cette édition n’avait pas bénéficié d’une sortie mondiale, mais heureusement de nombreux bonus pour compenser au fait que le rendu technique ne rivalise pas avec la PS4. Une évidence quelque part. Déjà que le jeu n’était pas des masses optimisé pour la console de Sony (900p sur la standard, on rappelle) alors personne ne sera surpris de voir que la version Switch, si elle reste relativement jolie au regard du support, souffre de pop-up, de textures amoindries et d’un certain flou particulièrement dans les extérieurs. Comme d’habitude (ou en fait nan #Xeno2), cela reste plus agréable en version nomade et dans les deux cas, ces hachures n’ont pour but que de maintenir le 30FPS. En bref, un downgrade qui n’aura rien de surprenant mais le travail reste là pour éviter de choquer ceux qui n’ont pas encore touché à ce onzième épisode. En même temps, pour ces derniers, le seul chapitre en dessous visuellement est DQVIII. Sur PS2.



Et le reste ? Ha bah de ce coté, le bilan est tout aussi clair mais inversé : la Switch est indéniablement la superior version sur quasiment tous les points. Nous avons enfin les musiques orchestrales et le doublage japonais, ce qui est dans ce second cas une première dans l’histoire de la série (pour un épisode canonique), et même si l’on n’ira pas jusqu’à parler d’édition « ++ » en terme de contenu brut, on repart tout de même avec de nouvelles séquences pour la totalité de l’équipe ainsi qu’un nouveau boss annexe en post-game. Toujours bon à prendre même si l’on aurait voulu en avoir davantage mais il faut croire que la majeure partie de la team est désormais trop occupée sur DQXII. En fait, si l’on souhaitait un peu plus de contenu, il y a une bonne raison à cela, et sans même parler de ceux qui l’ont déjà fait sur PC ou PS4 : la version Switch est potentiellement la plus « courte » de toutes. Et on va expliquer pourquoi.

Alors par « courte », c’est quand même facile plus de 50h pour voir l’essentiel mais déjà dans la version PS4 occidentale, on bénéficiait d’ajouts qui garantissaient un meilleur rythme de progression, notamment la salvatrice fonction dash. Mais la « Definitive Edition » va encore plus loin et quand on sait qu’une bonne partie de la durée de vie d’un Dragon Quest tient des combats, savoir maintenant qu’on peut les accélérer en x2 et x3 modifie drastiquement le rythme qui n’a jamais été aussi rapide dans la franchise (bien aidé aussi par le farm aussi limité que le challenge). Et d’autres détails s’ajoutent en surcouche pour aller toujours plus vite et finalement mettre de coté des actions que les développeurs jugent inutiles avec le recul. Plus besoin d’aller à une cloche pour appeler votre cheval vu que vous avez maintenant une clochette en poche. Une simple pression du bouton « + » vous donne accès où vous souhaitez à l’alchimarmite, et sachez que s’il vous manque des matériaux pour concevoir un truc, plus besoin de taper des allers-retours : vous pouvez directement acheter les éléments manquants depuis le menu ! Ce n’est d’ailleurs pas si déséquilibré car plus le matériau est rare, plus ça vaut cher, et il faut de toute façon en avoir trouvé au moins un durant l’aventure pour en acheter d’autres.



Mais la grande nouveauté pour nous autres occidentaux, c’est bien entendu ce fameux mode 2D qui fonctionne à merveille alors que l’on pouvait craindre du bricolage pour tenter d’attirer les vieux nostalgiques. Non, c’est un « vrai » DQXI 16-bits comme on aurait pu l’avoir sur Snes, avec un level-design et une mise en scène qui s’adapte à ce format, et je ne cache pas qu’il fut très rapidement ma priorité durant la période de test vu que j’avais déjà retourné en long/en large la version PS4. On notera que les zones étant à l’échelle de cette nouvelle perspective, l’équilibre s’en trouve malgré lui modifié et le simple fait de traverser plus rapidement certains endroits fait que l’on bute plus facilement devant le mur du level-up. J’ai d’ailleurs failli mourir après moins de quatre heures de jeu, alors que je n’avais pas connu ce risque avant la toute fin du mode 3D. Une version old-school qui recèle d’ailleurs d’un superbe bonus puisque vous pourrez au bout de quelques heures débloquer un village secondaire et exclusif, donnant accès à des « livres de souvenirs » qui eux-mêmes vous mèneront à des zones de DQI à X, avec les musiques qui vont avec ! Chaque séquence du genre est courte (et ça se débloque en progressant dans l’aventure principale) mais pour les fans de la série, c’est juste du caviar.

On aura donc attendu longtemps mais Square Enix a tout de même réussi à se faire pardonner pour un tel retard envers les joueurs Switch. Et encore, on pourrait même ajouter à cela les nouvelles montures, l’option pour maintenir un skin tout en modifiant son équipement, la possibilité de remettre ses compétences à zéro quand on veut, un mode photo… C’est dommage que la version « 3D SD » restera probablement à jamais exclusive au Japon mais les améliorations et bonus sont présents, et donnent suffisamment envie d’y retourner. En revanche, cela ne change pas le bilan livré il y a un an et Dragon Quest XI garde ses défauts, tous finalement imputés au « trio magique » présent depuis le début de la série : Horii ne semble plus avoir d’idées originales quant à l’univers et la progression (on est loin du IV, V, VI et VII), le style Akira Toriyama nouvelle génération nous fait toujours regretter la classe des années 90, et Sugiyama nous livre l’une de ses plus mauvaises prestations musicales (ça reste agréable, sans plus). L’heure du changement ?

Pour plus d’infos sur le coeur de l’aventure, test de la version PS4 sur ce lien :
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Après The Surge premier du nom qui lui-même était un rebond post Lords of the Fallen de la même équipe, Deck13 a donc poursuivi dans sa voie des « jeux d’action exigeants », genre qui a quelque part toujours existé mais qui s’est démocratisé durant l’ère moderne avec FromSoftware et ses différentes licences. Et pourquoi s’arrêter en si bon chemin quand on incarne encore aujourd’hui l’un des principaux concurrents de Dark Souls & co ? Sans en avoir la prestance ni l’audience, les projets du studio allemand ont au moins le mérite d’éviter la bête copie avec un skin différent pour proposer ce que l’on attend des challengers : des idées.

On se souvient notamment que malgré ses défauts, Lords of the Fallen apportait un multiplicateur qui rehaussait l’envie de prise de risque par le simple fait que plus vous butiez d’ennemis sans vous rendre dans ce que l’on appellera globalement la zone de soin, plus les âmes supprimées vous rapportaient d’expérience. Une bonne idée que l’on trouvait dans The Surge et bien évidemment dans sa suite tout juste disponible. Et comme dans à peu près tous les jeux du genre, mourir vous demandera de retourner obligatoirement à l’endroit du trépas pour récupérer toute l’xp acquise (des matériaux ici) avec néanmoins ici un petit changement bien vicieux : vous avez environ deux minutes pour vous y rendre (avec 20 secondes rajoutées à chaque ennemi tué si c’est vraiment trop loin). Passé ce délai, pouf, votre package disparaît à jamais dans les limbes du serveur, pour se transformer en un clone de vous-même, amené à se faire tuer par un autre joueur qui ramassera votre pactole.



Le genre de petite nouveauté qui fait du bien, même si The Surge 2 reste dans ses fondamentaux pour ne pas trop choquer les fans du premier. L’histoire prend d’ailleurs place peu de temps après où l’on assiste directe aux conséquences avec le crash d’un avion et la contamination d’une large zone placée en quarantaine. Unique survivant du crash, le joueur (que l’on peut cette fois créer) se réveille après quelques temps passé dans le coma, constatant que Jericho est désormais une zone de non-droit où s’applique la règle des gangs et où le salut semble venir au préalable d’une communauté religieuse locale. Passé l’introduction uniquement dans un bâtiment qui s’achève évidemment par un combat de boss vous mettant les points sur les i quand à la difficulté qui vous attend, vous sortez et découvrez la première promesse de cette suite, à savoir quelque chose de davantage à ciel ouvert.

Alors ça ne veut pas dire que la formule change soudainement pour la haute liberté puisqu’on garde les bases labyrinthiques sans map avec des tonnes de raccourcis à débloquer, mais on appréciera une certaine ouverture à l’exploration verticale et surtout une plus grande variété des décors au fil des secteurs à découvrir (neuf). Autre promesse, il y a désormais plus de vie autrement que celles à supprimer par l’apport de PNJ qui ont souvent un petit truc à raconter voir une quête annexe à vous refourguer, permettant à la narration d’être moins évasive qu’ailleurs sans non plus en faire une perle scénaristique faute d’une mise en scène soutenue. On dira que ça fait à peu près le travail et qu’il y a quelques rebondissements, mais que la franchise par son thème techno-industrielle a toujours du mal à se forger une identité plus concrète (et classieuse) que chez FromSoftware ou même NiOh de la Team Ninja.



Reste que si The Surge était indéniablement meilleur que Lords of the Fallen, The Surge 2 va lui aller plus loin que son prédécesseur et l’on sent que Deck13 se forge peu à peu une grande expérience en la matière. L’exploration est toujours plus motivante grâce à un travail toujours plus fourni sur le level-design, et les combats gagnent encore en nervosité. A ce propos, si les ennemis sont toujours aussi peu variés (même s’il y a du mieux coté boss, d’ailleurs deux fois plus nombreux), on y gagne en revanche coté équipement avec bien plus de type d’armes et désormais un drone qui servira aussi bien pour l’attaque que pour quelques délires annexes, dont le fait de pouvoir apposer des messages d’aide (pouvant être « liké » par la communauté) mais aussi des bannières qui inversement devront être cachées au mieux : sous un temps donné, moins il y aura de joueurs qui trouveront et détruiront votre bannière, plus vous aurez une belle récompense. A défaut de véritable coop ou PVP, cela donne une certaine motivation à rester connecté (et au moins, on a une fonction pause).

Le reste de l’expérience restera proche à quelques nuances près. On nous ajoutera par exemple des kits médicaux à certains endroits, qui ont la particularité de pouvoir vous soigner tranquillement sans remettre le multiplicateur à zéro, mais ils sont très bien cachés et réclament parfois de passer par un obstacle pour s’y rendre, du genre accomplir une quête annexe. Les véritables zones de tranquillité sont toujours présentes et outre le fait d’y revenir sans cesse après chaque mort (donc souvent), ce sera toujours l’endroit pour dépenser vos matériaux en vue d’améliorer votre noyau, lui-même pouvant du coup accueillir de nouveaux modules d’aide mais aussi un équipement plus correct (et améliorable) en allant récupérer le matos directement sur l’ennemi.



Car l’on retrouve évidemment la principale feature de The Surge, à savoir pouvoir cibler une partie d’un corps ennemi pour, une fois affaibli, la trancher sauvagement. Cela peut-être aussi bien une arme qu’un morceau d’armure, et en cas de doublon, il y aura toujours intérêt à s’attarder sur ce point puisque vous récupérez à la place des matériaux d’amélioration. Le système de lock se montre d’ailleurs plus fluide que dans le premier, surtout quand il s’agit de passer d’un adversaire à l’autre, mais cela n’empêche pas la caméra d’être l’un de vos principaux opposants d’un bout à l’autre du jeu. Sorti des boss qui disposent d’arènes suffisamment larges, le jeu mise énormément sur les zones exiguës et cela se paye souvent, vous faisant un peu plus râler dans ce qui n’était déjà en rien une promenade de santé.

Mais l’autre grande nouveauté du jeu, c’est son tout nouveau système de contre. L’esquive est toujours présente, mais n’importe quelle arme permet désormais de placer une parade directionnelle (haut, bas, gauche, droite) et si le jeu indique clairement d’où va venir le prochain coup (et s’il peut être paré), tout le truc va être de connaître les patterns pour savoir exactement « quand » placer efficacement son contre capable de stun temporairement l’ennemi pour lui placer derrière une salve ravageuse. Et ça fonctionne bien même si… on s’emmêle clairement les pinceaux. Pour expliquer en détails, sachez que le lock exploite le stick droit, mais que la parade fait de même, la seule différence étant que dans ce deuxième cas, il faut également appuyer sur la gâchette du contre. Résultat, quand ça commence à devenir vraiment ardu et que les attaques partent dans tous les sens vers votre tronche, on a tendance à bouger le stick rapidement sans avoir appuyé exactement au même moment sur la gâchette, faisant que vous allez par inadvertance modifier le lock (et donc la partie voulue pour l’équipement).



De petites imperfections qui n’empêcheront pas de féliciter Deck13 d’être sur une pente ascendante pour les fans du genre, avec à la fois une véritable satisfaction à chaque nouveau pas dans l’exploration des secteurs et à chaque nouveau balaise se désintégrant sous vos yeux (après qu’il ait fait de même 5 fois avec votre gueule), mais aussi ce plaisir dans l’évolution dans l’avatar qui passe de la tronche de fonctionnaire à petit à petit ce qui se rapproche davantage du petit mécha que du simple exosquelette. En rajoutant bien évidemment qu’on vous laissera très vite toute la liberté dans la direction à prendre entre ceux qui privilégieront la vitesse et ceux qui préféreront le corps-à-corps + parade, ceux qui miseront avant tout sur la défense et ceux qui limiteront cet aspect pour se tourner vers la jauge qui peut se convertir constamment en modules de soin… Comme on dit, le cahier des charges est rempli.

Sur le plan technique :

Comme d’autres avant lui, The Surge 2 propose aux joueurs PlayStation 4 Pro et Xbox One X le choix entre l’affichage (donc la finesse qui ne sera pas pour autant du 4K natif) et la performance, à savoir un 60FPS, contre obligatoirement du 30 sur les modèles standards. Le test a été effectué sur Pro et on a pu constater quelques chutes par-ci par-là, particulièrement quand des éléments destructibles s’immisçaient dans le combat. Rien de dramatique et cela restera dans tous les cas le choix à privilégier, le jeu n’étant pas un grand modèle graphique donc n’ayant pas grand-chose à perdre en limitant sa résolution.

Titre légendaire de la Game Boy au point que l’on peut sans mal le retrouver dans le top 5 de la plupart des possesseurs de la machine, The Legend of Zelda : Link’s Awakening a refait parler de lui depuis un moment avec de nombreuses rumeurs sur un potentiel remake 3DS. Il n’en fut rien ou presque car c’est finalement la Switch qui a naturellement (et heureusement) récupéré le projet, ayant il faut le reconnaître divisé à l’annonce par son rendu pour le moins spécial mais quand même super mignon, où l’on a parfois l’impression d’être face à un petit plateau avec ses figurines à croquer. Le studio Grezzo n’a jamais réellement officialisé le fait que c’était de l’Unreal Engine 4 mais ça se sent, pour le meilleur et le pire d’ailleurs car comme avec Yoshi’s Crafted World, le moteur ou peut-être les développeurs ont du mal à atteindre une résolution optimale. Passe encore le flou contour dit majoritairement « artistique » mais ce n’est pas aussi fin qu’attendu sur les persos et détails, et ça se permet de ramouiller à de nombreux moments. Jusqu’au patch ?

Ceux qui ont déjà torché l’original ont probablement déjà lu la conclusion plus bas avant de retourner faire autre chose ou troller. Pour les intéressés en revanche, sachez donc que Link’s Awakening est peut-être l’épisode le plus original de la série, non pas pour son style de progression lui très classique, mais par son univers des plus étranges. Des années après et les enquêtes comme interviews qui découlèrent ont justifié cela par le fait que ce projet avait tout d’un délire pondu par Kazuaki Morita rejoint certes ensuite par quelques têtes pensantes qui ont néanmoins laissé libre court aux idées même en totale inadéquation avec les trois premiers épisodes sortis auparavant. Pour cela qu’ici, ne vous étonnez pas de rencontrer d’autres références à l’univers Nintendo (même un Kirby) ou encore des cabines téléphoniques. Et pourtant, le jeu arrive d’une certaine façon à justifier cela dans son scénario mais on ne spoilera personne car de toute façon, Nintendo nous l’a interdit, et tant pis s’ils l’ont déjà fait eux-mêmes durant un trailer qu’on évitera de poster ici.



Je fais évidemment partie de ceux qui ont retourné l’aventure à l’époque, et même plusieurs fois, ce qui m’a permis de terminer ce remake en un peu moins de quinze heures. Ce n’est évidemment pas au level d’un Breath of the Wild mais on reste dans une bonne norme vu la petitesse de la map qui se découvrira au fur et à mesure de ses acquisitions. Car contrairement au précité et même A Link’s Between Worlds, c’est du Zelda à l’ancienne, donc avec des donjons qui refilent des objets, qui eux-mêmes débloquent de nouveaux pans de la maps, ce qui permet d’accéder à un autre donjon et ainsi de suite. L’héritier direct de Zelda 3 où se rajoutent des choses qu’on n’a malheureusement plus beaucoup eu l’occasion de voir par la suite voir jamais dans certains cas. On pensera évidemment à la plume de Mario Kart ou encore ces séquences en full 2D davantage empruntées à Mario qu’à l’oublié The Adventure of Link.

D’ailleurs bonne nouvelle en passant : le jeu se veut un chouïa plus souple dans son gameplay. Un chouïa on répète. La prise en main est globalement identique et les déplacements se font d’ailleurs toujours en huit axes, ce qui peut perturber à notre époque, mais le simple fait que la map soit en un unique bloc au lieu du case par case est déjà un changement majeur par rapport à l’original (ce qui n’empêche pas les réapparitions rapides d’ennemis et herbes, d’où les chutes sous les 60FPS probablement). On pourrait également citer le fait que les développeurs ont heureusement pensé à mettre les objets les plus importants sur des touches uniques, comme la course, le bouclier et le bracelet de force (ça aurait été bien de faire de même avec le saut). Les autres (arcs, grappin, etc.) passent toujours par deux touches avec changement si besoin.



Mine de rien, j’ai beau eu en garder de nombreux souvenirs, me suis aujourd’hui rendu compte que ce Zelda ne volait pas son âge dans sa progression qui laisse une certaine part de liberté au point qu’il est facile de se retrouver bêtement coincé à cause d’un simple oubli. Il faut reprendre ses marques et ça poussera au moins à la visite, et c’est d’ailleurs avant tout sur la map que l’on se sentira parfois un peu perdu tant les donjons sont eux globalement tous assez faciles, exception faite du tout dernier (on ne parle pas du final qui se résume à un boss). On gardera quelques mécaniques vieillottes et un level-design qui n’a pas toujours le génie des épisodes qui ont suivi mais on se plaît à revivre tout cela, bercé par les musiques (dont toutes les réorchestrations ne se valent pas), ne rechignant même pas à s’attarder sur la fameuse quête des coquillages qui en passant sont deux fois plus nombreux, avec la conséquence attendue : l’épée ultime ne demandera plus 20 coquillages mais 40, avec tout de même à la moitié du chemin une sorte de détecteur pour vous aider à en trouver.

Reste qu’on se demandera la légitimité d’un plein tarif pour ce qui reste avant tout un remake graphique issu d’un projet vieux de 26 ans. Encore le contenu aurait été vraiment développé par l’apport de nouveaux donjons (on a toujours celui en bonus de la version DX), on aurait été un poil plus clément mais sorti d’un surplus de coquillage, il n’y a absolument rien hormis cet éditeur de donjons qui n’apporte pas grand-chose et qui semble avoir surtout un statut de prototype pour un futur Zelda Maker mais qui pour l'heure se contente dans les grandes lignes de nous faire assembler les cases de donjons déjà visitées avec quelques variables (au moins, vous pourrez y glaner des rubis pour éviter d’avoir un statut de « Voleur » au magasin). On trouve également des sortes de figurines à collectionner mais l’unique récompense est une énième dalle pour l’éditeur. D’ailleurs, sachez que le photographe a scandaleusement disparu de cette version, sans aucune raison apparente hormis le fait que sa maison a tout simplement été remplacée par celle d’Igor… donc encore une fois l’éditeur de donjons

[Mode Héros]

Petit mot de la fin car j’ai failli l’oublier : Nintendo a enfin compris qu’un mode difficile se devait d’être proposé dès le départ et non pas après avoir terminé le jeu une première fois, surtout dans le cadre d’un remake/remaster. Une bonne chose donc, même si le challenge est à relativiser car cette option ne change pas la force des ennemis ou leur nombre, mais limite juste les possibilités de soin : terminé les cœurs dans les herbes. Le seul moyen de se soigner sera d’avoir une potion en stock, une petite fée ou la mixture qui permet de revenir une fois à la vie.

Daemon x Machina fait partie de ces exclusivités qui semblent sorties de nulle part, dont on ignore s’il y a d’ailleurs eu deal ou non mais qui en tout cas surprennent à l’annonce, encore plus quand on parle d’un jeu de mécha à l’ancienne à une époque où le thème est devenu encore plus de niche qu’hier, faisant d’ailleurs que Konami a jeté dans une poubelle Zone of the Enders (sauf pour gratter un billet le temps d’un remaster), et que From Software souhaite prendre tout son temps avant le retour de Armored Core. Et, transition naturelle, c’est de cette dernière que nous vient le producteur et une partie de l’équipe de ce Daemon x Machina, un jeu pour les fans et… surtout pour eux en fait.

Le titre dispose d’un habillage correct et même si ça ramouille encore par endroit mais toujours moins que dans l’espèce de version d’essai (qui comme NiOh servait avant tout à prendre en compte les retours des joueurs), c’est franchement loin d’être dégueulasse à l’œil grâce à une sympathique patte esthétique qui sait jouer sur les contrastes et ce qu’il faut d’effets, permettant surtout de compenser sur les décors ultra vides. Au moins, en récupérant le mech-designer de Macross, Marvelous s’est assuré la validation des amateurs du genre, et c’est vrai qu’il y a une certaine classe qui ressort de tous ces bipèdes de fer, plaisant à admirer contrairement au casting dont la moitié des représentants sont une horreur du cliché entre la techno-gothique, le vieux blasé, le dark-Sasuké, la rebelle et la nana obèse à cheveux roses.



Et croyez bien que même si cet amas de stéréotypes ne vous gênent pas, ce n’est pas pour ça qu’il va y avoir matière à s’attarder sur le scénario. Pourtant les choses ne démarrent pas si mal avec un énorme morceau de lune qui s’est détachée pour, par effet de gravité, être attiré par sa source d’origine, donc notre planète. Le choc est si grand que la majorité des humains sont morts immédiatement ou avec le temps, et c’est durant cette période bien sombre que les machines ont choisi de se retourner contre notre race. Ça c’est le coté classique. Le terrien étant de toute façon tenace, s’est alors organisée une force de défense regroupant clans et mercenaires, prêts au moindre billet à sauter dans leurs méchas pour aller démonter tout un tas de choses dénuées d’âme.

Vous avez le point de départ. Par contre c’est après que ça se complique. La narration se découpe en quatre formes. La première, c’est les cinématiques, rares mais certaines valent le coup coté mise en scène sans non plus atteindre la classe d’un ZOE. La deuxième, c’est ces séquences de dialogues avec des persos face à face digne d’un RPG à trois yens, mais ce n’est rien face au troisième point qui lui nous fait lire une brouette de textes à l’écran façon échanges de sms. Et il reste la quatrième, la plus cocasse, celle qui a visiblement beaucoup de choses à raconter, mais sur laquelle il est humainement impossible de s’attarder à moins de comprendre (à l’écoute) le japonais ou l’anglais selon votre choix de doublage. Vous l’avez deviné : le jeu s’amuse à nous refourguer une tonne de dialogues directement en plein jeu, dont le texte se retrouve en bas à gauche de l’écran et il pourrait être n’importe où que l’on n’aurait de toute façon pas le temps de lire dans une expérience où notre regard est constamment posé sur l’action. C’était déjà chiant dans les phases de conduite d’un GTA, c’est ici encore pire. Résultat, on oublie le scénario et, hormis les cinématiques, on zappe tout le reste sans le moindre regret.



Le jeu lui-même est en revanche bien moins difficile à comprendre par sa volonté d’ouverture à un plus large public sans non plus trahir ses fondamentaux. Passé la création de notre avatar moche (qu’on jouera directement de temps à autre dans de rares missions un peu moyennes), on atterri donc dans le mini-Hub qui au départ ne propose pas grand-chose avant de s’étoffer au fil du temps avec la boutique (qui permet également la création d’éléments), un magasin de glaces dont on ne comprend pas trop le délire (manger des glaces donne des boosts de stats à votre mécha), le menu pour custom notre belle bête et les missions, d’ailleurs praticable en ligne même si la période de test ne nous a pas permis de réellement savoir ce que donnait le résultat du coop (le PVP arrivera plus tard).

Avant chaque mission, il est préférable d’aller jeter un œil au menu pour savoir ce que l’on a trouvé sur le terrain (on peut looter l’équipement des méchas ennemis) et se lancer ensuite dans la custom sachant que notre mécha peut être modifié de plusieurs façons : tête, bras, jambes, torse… Il y a forcément des restrictions par rapport à la puissance de votre noyau (améliorable) et si chaque pièce peut vous offrir des bonus comme malus du coté des déplacements et défense, le plus important va donc se situer du coté des armes et il y a largement de quoi faire : une dans chaque main, chacune interchangeable avec une sur chaque épaule, plus le module qui balance les missiles (salve, têtes chercheuses, etc). On a tout ce qui faut en matos entre mitraillette, gun, pompe, épée, sniper, lance-roquettes… en rajoutant des effets d'éléments sur certaines et des modules d’amélioration. Pour le fan de stats et de mécha, on n’est pas loin du porno.



Puis vient le temps de l’action, avec des missions d’ailleurs assez courtes à chaque fois (on sent qu’on veut adhérer au principe nomade de la Switch) et c’est étonnamment jouable. Moins qu’un ZOE mais toujours plus qu’un Armored Core et les corrections ont été apportées depuis la démo pour rendre l’expérience plaisante, particulièrement avec une jauge de boost plus généreuse et une visée semi-auto plus fiable, même si c’est toujours très compliqué face aux unités ultra mobiles qui demanderont d’exploiter sa jauge de Femto, permettant aussi bien des boost d’attaques ou de défense, voir faire apparaître un clone en sachant également que certaines armes exploitent cette ressource que l’on peut recharger un peu partout sur le terrain. Et n’oubliez pas qu’en cas de problème, on peut recruter des mercenaires de plus en plus puissants… et de plus en plus chers.

Bah alors c’est quoi le réel problème ? L’ennui, tout simplement. Alors le genre n’est pas non plus réputé pour être d’une incroyable diversité et les bases sont respectées entre globalement destruction de masse, escorte, défense et boss. Sauf que pour commencer, il faut savoir que les missions sont réparties en rang, et que c’est atrocement facile au départ. Presque du Kirby. Une vraie promenade aux rangs E et D, ça se réveille doucement à certaines missions du C et on commence enfin à voir du sérieux en B, où il faut vraiment prendre en compte son équipement & co. Sauf que pour en arriver là, il faut se manger une bonne dizaine d’heures de jeu (en comptant les annexes, qui sont essentiellement des variantes) et qu’on en est donc à plus de la moitié des crédits de fin. A partir de là il y a du mieux mais ce que l’on retiendra surtout de cette expérience si l’on n’est pas un total fanatique, c’est probablement les combats de boss, de loin les séquences les plus intéressantes où l’on a presque l’impression de tomber dans le Monster Hunter. D’où la présence du coop on imagine.