Concept phare de Jupiter depuis tellement d’années qu’on ne les compte plus, Picross est récemment revenu pour une quatrième monture Switch et diable que c’est toujours aussi bon, sans qu’il y ait d’ailleurs de raisons que ce ne soit pas le cas puisque le concept est de base béton et à moins de faire n’importe quoi, on ne peut pas se louper. Car c’est possible, et le petit Picto-Quest sur ce même eShop Switch est de mon point de vue un ratage complet car quand j’aime ouvrir un débat sur le besoin d’options d’accessibilités dans « certains » jeux, l’inverse est de même : il est tout simplement honteux d’imposer des aides alors qu’on n’a rien demandé, au point de pousser étrangement à l’erreur quand on est habitué à faire sans. Mais ce n’est pas le sujet, revenons à Picross S4.

Si j’avais testé le premier Picross S, je lui aurait balancé un 9 sans hésiter car c’était tellement bon qu’il est responsable d’une masse de nuits blanches, de retards dans le taf, et de difficultés à m’endormir à cause de ce que l’on appelle « l’Effet Tetris » (si tu connais pas, vas voir Google). J’aurais en revanche mis 7 aux deux autres tout comme je le fais au concerné, et il y a une bonne raison à cela. Le principe est pourtant le même, à savoir remplir de manière hypnotique des grilles à partir des chiffres lâchés sur les cotés de l’écran, tout le principe étant que les puzzles se complexifient et qu’il y a un énorme sentiment de satisfaction à peu à peu développer soi-même et sans tuto des astuces pour débusquer les indices (encore une fois si vous jouez « sans aide », et c’est le mieux). Des jeux du genre, il y en a des tonnes mais si ceux de Jupiter ont aussi bonne réputation, c’est à la fois pour leur feeling ultra rapide mais également le fait qu’il n’y aucune place au hasard à cause de grilles mal branlées. Quand vous êtes bloqués, sachez qu’il y a toujours un indice sous vos yeux. Tout le problème est de déterminer où, même s’il est possible de passer 10 minutes devant son écran sans savoir quoi faire.



Et donc on arrive au problème des suites de Picross. Le premier Picross S a introduit les bases excellentes, avec plus d’une centaine de grilles (5x5, 10x10, 15x15 avant l’étape finale du 20x15), répartis en deux modes, le deuxième (Mega) changeant en partie votre manière de voir les choses, et est tout aussi intéressant. Jupiter aurait pu en rester à cela et, surtout à notre époque de « jeux à service », Picross S se suffisait à lui-même et avait ensuite juste besoin d’être agrémenté de pack de grilles sous forme de DLC, rendant heureux les fans qui auraient pu avoir leurs doses de temps en temps. Sauf que le studio aime le pognon et a préféré opté pour des suites à 10 balles l’unité, exploitant en prétexte que chaque nouvel épisode propose un tout nouveau mode de jeu, qu’on retrouve ensuite dans le suivant, faisant que Picross S4 est désormais garni de 5 modes dont les deux initiaux. Mais l’ennui, et il est simple, c’est qu’à chaque fois, le mode en question censé justifier le plein tarif, il est un peu tout nul.

Et comme on les retrouve tous ici, autant de nouveau évoquer que « Clip » est toujours aussi ennuyeux avec sa suite de mini-grilles barbantes, tandis que « Color » aurait pu être une bonne idée mais là encore, complexifie inutilement le concept et le faire perdre grandement en vitesse de jeu (malgré de nouveaux raccourcis). Picross S4 vient donc ajouter à cela son propre mode, dit « Extra », et à l’annonce, ça donnait envie puisque le jeu sortait ses burnes pour dévoiler des grilles en 30x30. Là, ça parle au fan qui a passé en cumule près de 200h sur les trois premiers. Mais pourquoi c’est décevant alors ? Hé bien il y a trois raisons. La première, c’est qu’en fait, le 20x20 (voir allez, 25x25) aurait été pleinement suffisant vu que plus élevé, ça devient illisible, et je vous parle d’une expérience sur un grand écran pas placé bien loin. La deuxième, c’est le contenu : deux pauvres grilles, tandis que les trois autres (du 30x40, encore pire) sont offertes à l’unique condition de posséder les précédents épisodes. Malynx. Et enfin, le dernier point, bah c’est tout simplement que ces grilles sont juste sans intérêt car beaucoup trop faciles, ne proposant aucune vraie réflexion pour un habitué. Voilà.

Il y a cinq ans de cela, alors que plus personne ne croyait encore au quinquennat de Hollande pendant que l’UMP devenait les Républicains pour mieux rebondir (ah, tout le monde s’en fout ?), loin de l’hexagone, Sony livrait l’une de ses plus grosses conférences en plein E3 2015, avec entre autres morceaux la grande officialisation du remake de Final Fantasy VII, donc environ six mois après le magnifique troll de Square Enix (le portage de l’original sur le PS Store, souvenez-vous). Un vrai fantasme qui me renvoie plus de 20 ans en arrière, quand en retour de vacances, mon petit frère me présentait la boîte PS1 déjà à moitié défoncée, me proclamant « J’ai demandé à maman de m’acheter ce jeu car j’ai vu une image dans un magazine et je pensais que c’était un jeu de moto, mais c’était pas ça. C’est quand même super bien. » Tout le monde s’en fout de ma vie mais toujours est-il qu’il avait parfaitement raison : FFVII, c’était incroyable, c’est l’un des piliers dans la carrière d’un joueur plus ou moins trentenaire, et son remake suscitait autant de craintes que d’espoirs.

(Je tiens à noter que malgré quelques précisions dans les descriptions, je ne spoilerais aucun élément d’importance sur le scénario, aussi bien pour ceux qui n’ont pas fait l’original que les surprises assez inattendues. La confiance quoi.)

Et c’est à partir de là que l’on peut de suite évoquer ce fameux choix de la part de Square Enix. Les RPG d’époque (en perspective 2D) n’étant pas si facilement transposable dans une belle 3D ambitieuse, il aurait été il est vrai difficile de pondre un remake de A à Z sans devoir trancher sur certains aspects vu le nombre faramineux de décors à devoir reproduire, et dans des proportions bien plus élevées que l’original : un « tableau 2D » sur un unique plan, ça demande toujours moins de taf que de refaire le même niveau avec une caméra libre. L’éditeur a donc fait un choix pas forcément mauvais, à savoir découper son remake en plusieurs épisodes. Combien, on ne sait pas encore, mais ce « premier » arc (et c’est bien indiqué à l’arrière de la jaquette pour éviter tout problème judiciaire) va donc évidemment se concentrer sur Midgar, mais avec une masse d’ajouts pour passer d’une demi-douzaine d’heures sur l’original à environ 20h pour une ligne droite, et le double pour le 100 %. Pari osé, pas désagréable du tout, mais très à risque pour le rythme. Et… c’est peut-être là le plus gros défaut du jeu.

La démo jouable a permis de se rendre compte que ce remake allait tartiner chaque passage, avec davantage de séquences, de salles et éventuellement puzzles, gardant en objectif une certaine cohérence dans la progression sans oublier le fait que les combats ne sont évidemment plus aléatoires. Donc de ce coté-là, on n’est jamais surpris de voir que ça va être exactement la même chose pour la fuite de l’église, les égouts, la tour Shinra… Limite, aucun problème, et c’est même préférable. Il y a aussi le fait qu’il fallait désormais rajouter des morceaux inédits pour, je cite les développeurs, « explorer plus en détails l’univers de FFVII ». Pour un résultat assez mitigé, alors que ça partait pourtant si bien en nous offrant un chapitre mettant en avant les trois larrons d’Avalanche, donc Jessie, Biggs et Wedge. Ce n’était pas dément en terme de gameplay, et davantage axé sur la narration, mais on sentait que ce n’était pas inutile et que surtout, ça apportait quelque chose d’intéressant. Mais ça n’est pas toujours le cas.



Et là on pourrait citer une Aerith qui nous demande expressément de faire un loooong détour alors que l’objectif était à deux pas, qu’on nous impose de revenir faire un tour dans les égouts pour un prétexte odieusement bidon (une espèce de grenouille a gobé une clé, si si), qu’on ajoute une tonne de séquences dans la Tour Shinra qui n’ont scénaristiquement aucun intérêt. Car c’est peut-être là le problème principal. Sorti de l’acte avec le trio du précédent paragraphe, on sent que Square Enix voulait tartiner sans trop avoir de matière supplémentaire. Il y en a, et parfois très bien trouvé, mais la moitié du temps, c’est juste du rajout pour étaler la longueur d’un niveau, la faute assurément au fait que les développeurs ont été incapables de booster la qualité du casting. Aucun problème pour ceux qu’on connaissait déjà, et dont chaque représentant brille bien plus qu’à l’époque, aussi bien du coté de la troupe que de la Shinra (Hojo est incroyable), le tout servi avec un doublage FR de bonne qualité, où l’on trouvera peut-être à redire sur Barret mais c’est le personnage qui est un peu trop sous tension, pendant qu’on accordera de belles mentions aux doubleurs de Jessie et Heidegger.

Par contre, les nouveaux… Eh bien il est là le couac. Avec de nouvelles têtes, là il y aurait eu moyen de prolonger l’expérience mais encore fallait-il qu’il y ait de l’intérêt derrière la personnalité et l’histoire de chacun. Malheureusement, pour de bonnes surprises du coté du Wall Market qui sont au dessus du lot (pour un chapitre que l’on peut déjà considérer comme culte, et bien plus que l’original), le reste est donc incarné par une petite minette qui n’est là que le temps d’une quête annexe, un motard qui aurait pu apporter quelque chose d’important vu son passif mais qui ne sert à rien à part jouer l’abruti, un Leslie qui prouve que Nomura commence à être à court d’idées (niveau design, c’est le héros de Type-0 avec une casquette quoi) et enfin Johnny, le couillon de service. C’est probablement lui le plus choquant, presque en inadéquation avec le reste du jeu tant ses aptitudes nanardesques et caricaturales rappellent un vieux J-RPG de base, alors que Wedge, un peu considéré comme le bêta de l’original, l’est toujours un peu mais de manière bien plus humaine et attachante.



Et c’est dommage de tomber sur ce genre de personnages quand le jeu parvient à coté à réussir son pari initial : développer l’univers et de multiples façons, de ce qui englobe Avalanche et certains de la Shinra en passant par des éléments dont les aboutissements nous attendront un jour lointain. Le jeu sait caresser le fan dans le sens du poil à de nombreux moments, et on a toujours envie d’avancer pour voir le chapitre suivant, mais c’est encore une fois triste que les longueurs prennent toujours le pas, un peu comme si on avait le résultat brut d’un film tout juste sorti du tournage, qui aurait oublié de supprimer des séquences que même le réalisateur ne jugeait plus utile. Et encore, tout ça n’est peut-être rien par rapport au final. Car chaque fan sait à quel moment cette première partie de FFVII va se terminer. En revanche, vous allez être surpris par la façon de faire, et pas forcément dans le bon sens du terme tant ce dernier morceau est une nouvelle preuve de l’envie de « trop » en faire, juste pour vouloir justifier l’impression d’un jeu à part entière selon la volonté de Square Enix, alors qu’il n’en est rien : mille rajouts n’ont pas empêché d’avoir la sensation de terminer un simple prologue.

Bon je me rend compte que ces premiers paragraphes n’ont pas été forcément toujours tendre mais croyez bien que j’ai adoré l’expérience qui restera sans nul doute l’un des coups de coeur majeurs de 2020. Parce que même s’il en fait trop, il répond en majeure partie à nos fantasmes, de part de fabuleux réarrangements musicaux, des personnages plus vivants que jamais, une exploitation assez bien trouvée de certains éléments futurs, et surtout une technique globalement au top. Pas toujours ok, certaines textures étant en deçà, on garde du popping en ville et les temps de chargement sont quand même assez longs (pas de patch Day One à l’heure où j’écris ces lignes), mais la majorité du temps, ça défonce la gueule. La modélisation des persos est proprement magnifique, on s’en prend plein la tronche au niveau des effets, l’ambiance de certains secteurs est sublime, et puis surtout, on est abreuvé de détails graphiques qui font plaisir et qui donne envie de tout admirer. De toute façon, le fan le dira : le simple fait d’arriver au secteur 6 et de pouvoir profiter de la caméra pour lever la tête et admirer la titanesque plaque au-dessus, ça donne une toute autre dimension à l’expérience.



Qui plus est, et ça ceux qui ont joué à la démo le savent déjà, le changement de système de combat était juste la meilleure chose à faire, surtout pour obtenir cette qualité bien supérieure à ce que nous offrait FFXV. On conserve le système de matéria, avec davantage de choix que pour le Midgar de l’époque (forcément) et quelques invocations pour éviter de nous faire attendre la partie 2 dans x années, et tout repose ensuite sur des acquis qui ont commencé à être mis en place à partir de FFXIII pour s’améliorer au fil du temps. Il n’y a rien de compliqué à comprendre puisque tout le concept (surtout valable sur les moyens/gros + boss) va être de faire entrer l’opposant en état de faiblesse, ce qui n’est pas toujours simple (et même la matéria Analyse ne donne pas toujours les éléments souhaités), pour ensuite lui balancer des compétences dans la gueule afin de faire augmenter cette jauge de faiblesse jusqu’à passer en « Choc », signifiant qu’il est stun quelques secondes et susceptibles de se prendre des dégâts à 160 % minimum. Autant dire que c’est l’instant pour envoyer la dose, surtout vos aptitudes de « Transcendance » (ex-Limit).

Et qu’est-ce que c’est bon ! Le système d’un FF n’a jamais fait preuve d’autant de nervosité et il n’y a que rarement de place au bourrinage (à condition de ne pas jouer en Facile), tant il faut constamment prendre en compte les compétences de chacun, en faisant surtout en sorte d’économiser des jauges d’ATB pour certains afin de soigner en cas de danger. Car on a beau n’avoir que quatre personnages jouables (qui vont et viennent selon la situation), chacun a ses atouts : Cloud aux contres et Transcendance dévastatrices, Tifa et sa capacité à booster drastiquement l’état de Choc, Barret pour les attaques à distance et Aerith qui fait forcément la taf sur ses bonus, dont le fait de pouvoir soigner large et créer des zones pour lancer deux magies d’un coup. On ne reprochera d’ailleurs jamais de devoir faire les choses nous-mêmes (et vaut mieux pour éviter des erreurs) mais l’IA aurait tout de même pu être un peu plus agressive dans ses coups standards, quitte à revoir l’équilibre. Signalons également la bonne idée avant certains boss de bénéficier d’une option pour ouvrir le menu juste avant le combat afin de revoir son équipement et ses matérias, avec néanmoins un défaut à corriger dans une MAJ : si vous perdez, les modifications effectuées sont perdues et il faut tout recommencer.



Bien sûr, les habitués du système trouveront vite les meilleurs builds possibles mais cela n’empêche pas de ressentir une vraie élévation du challenge par rapport à l’original, surtout qu’il est beaucoup plus difficile de farmer bêtement (et ce n’est pas plus mal), le jeu tournant une partie de son augmentation en puissance sur ses désormais annexes qui n’existaient pas dans l’original. Alors on est encore et toujours dans le Fedex, du moins en majorité, mais ce n’est jamais chiant à effectuer et on aura au moins droit à des mini-jeux de temps en temps : fléchettes, squats… Dommage de ne pas en avoir profité pour inclure des bornes arcade dans certains endroits, faute de Gold Saucer avant plusieurs années. Dans tous les cas, les récompenses sont suffisamment intéressantes pour qu’on s’attarde à tout cela en dehors du gain d’xp et de gils, particulièrement des sortes de bouquin pour bénéficier de points à répartir dans les armes (bonus d’attaque/défense, socle supplémentaire de matéria…) ou encore ce gamin scientifique qui nous offre des défis pour acquérir de nouvelles invocations. Le genre de carotte qui ne se refuse pas.

Donc si de ce coté, le jeu sait faire le taf au niveau des annexes, et d’autant plus en restant obligatoirement cloisonner dans Midgar, on ne peut en revanche pas dire que la grande promesse du « post-game » soit tenue. Car notre mémoire n’étant pas encore défaillante, on n’a aucun mal à se souvenir qu’il y a à peine quelques jours, l’équipe nous stipulait qu’on serait « surpris » sur ce point. Hé bah non. Car si vous souhaitez faire l’essentiel des annexes lors de votre premier rush, le post-game, il va se résumer en deux mots : quelques combats d’arènes, et un mode difficile en New Game + (avec son trophée dédié). Voilà. Bon ça occupera les fans qui souhaitent impérativement rentabiliser l’achat (surtout que bon, on n’aura pas la suite du programme avant un moment), juste histoire de faire grimper leurs persos au niveau 50 grâce à un gain d’xp doublé et pouvoir tout refaire en zappant annexes et cinématiques avec comme grosse restriction l’impossibilité d’utiliser le moindre objet. Admettons, car on va dire qu’on ne s’attendait pas non plus à aller récupérer Odin ou les Chevaliers de la Table Ronde. Pas encore.

(Pour illustrer l’article, on évitera de vous mettre cette fois le trailer de lancement, véritable nid à spoils, comme souvent avec Square Enix)

Bandai Namco avait du stock pour bien démarrer son année 2020 mais le premier trimestre étant maintenant derrière nous, on peut conclure qu’en terme de qualité, ce n’était vraiment pas ça. Parti d’un Dragon Ball Z Kakarot trop imparfait pour se poursuivre sur un One Punch Man tout simplement mauvais et My Hero’s One Justice 2 qui a apparemment sauvé les meubles (je n’y ai pas joué), la liste se termine avec One Piece : Pirate Warriors 4, dernière adaptation en date du shonen le plus populaire de l’histoire (commercialement parlant, n’ouvrez pas un débat) mais qui n’a jamais eu beaucoup de bol sur le secteur JV. Et l’histoire va visiblement continuer dans ce sens.

On va déjà démarrer avec un mauvais constat : Bandai Namco sont beaucoup trop pressés, et c’est la deuxième fois que ça arrive dans les Pirate Warriors. Car le troisième épisode était sorti beaucoup trop tôt, en plein milieu de l’arc Dressrosa, ce qui a conduit les développeurs à remanier cette partie et du coup à mettre à la poubelle le Gear 4 vu qu’ils n’étaient pas encore au courant de son existence. Quelques années après, nous voilà avec Pirate Warriors 4 qui commet la même erreur en sortant en plein arc Wano (et c’est d’autant plus précipité que cette partie n’a même pas encore débuté chez nous en anime) et que donc forcément, on va assister à une adaptation libre pour faire genre.



Alors oui, quelque part, en prenant en compte le rythme de diffusion du manga et le temps de développement d’un jeu, toutes les adaptations ont de grandes chances de sortir « en plein milieu de quelque chose ». C’est vrai, mais ça impose une réflexion : même en s’attardant un peu sur l’arc en cours (car on sait que niveau promo, ça va mieux fonctionner), pourquoi ne pas dans le même temps se donner à fond sur ce que l’on connaît déjà ? Et cette voie… Bandai Namco l’a balancé par dessus son épaule. Car le point faible de One Piece Pirate Warriors 4, qui va être pourtant une de ses qualités on va y revenir, c’est sa structure. Après le best-of du 3, on s’attendait légitimement à un méga best-of pour le 4, donc avec l’intégralité des arcs, et il n’en est absolument rien, mais alors pas du tout.

Car accrochez-vous si vous avez mal suivi l’actualité : cette adaptation ne propose que cinq arcs ! Déjà on démarre avec Alabasta donc toute la saga East Blue (incluant Arlong Park), vous l’avez dans le derche. On enchaîne direct ensuite avec Water Seven et… Comment ? Skypiea ? Oubliez, et Thriller Bark aussi d’ailleurs. Vient ensuite la troisième partie qui nous mixe Sabaody puis Marine Ford (Impel Down : poubelle), Dressrosa et enfin Whole Cake Island, le seul nouveau vrai morceau de ce quatrième épisode, Wano n’étant comme on l’a dit qu’un remix. Alors ok, peut-être que tout remettre aurait fait l’objet d’une redite mais quand bien même, n’osez pas dire qu’il n’y avait pas matière à offrir plus. Genre Zo, ça compte pas ? Et pourquoi ne pas avoir poussé un peu l’inédit en nous faisant une adaptation des différents films tiens ?



Mais comme dit juste au dessus, de ce découpage brutal des différentes parties va au moins ressortir un truc agréable : les développeurs ont enfin compris que chaque arc de la saga ne pouvait se résumer qu’en une unique mission/bataille. De fait, chacun des arcs est désormais découpé en 5-6 missions, incluant parfois un boss et permettant parfois de changer un peu de décors. Ça offre une progression plus naturelle et ça permet toujours de démultiplier le nombre de cinématiques pour à la fois mieux décrire le scénario et surtout combler les nombreux trous. Toujours ça de pris pour ceux qui ne connaissent pas la série et qui tomberaient sur ce jeu par hasard, tandis que les fans s’en contrefoutent un peu puisqu’ils connaissent l’œuvre sur le bout des doigts, que le déroulé ne cherche pas à apporter du neuf, et que la mise en scène est propre à la quasi-totalité des adaptations de Bandai Namco, donc inutile de mettre des mots dessus.

Bon pour le reste, c’est du Musô donc vous savez à quoi vous attendre car de toute façon, rien n’a changé : un défoulant dégommage de masse avec un certain sens du punch face à des centaines/milliers de péons qui ne servent à rien, quelques soldats plus gros que d’autres, et les puissants qui sont généralement liés aux objectifs en cours. On nettoie de manière hypnotique (comme d’hab, y a des fans et ceux qui détestent), avec de petites missions secondaires qui viennent se placer de temps en temps. Le gameplay lui-même est identique à nos habitudes si ce n’est que chaque personnage peut maintenant bénéficier de plus de quatre compétences (donc il faut savoir lesquelles choisir), que des éléments du décors sont destructibles sans que ça ne serve à grand-chose, et qu’on bénéficie surtout d’une option dash assez utile et renforçant le combat aérien, particulièrement pour certains représentants qui ont droit à du dash illimité (genre Luffy sous Gear).



Le casting est lui constitué d’une quarantaine de personnages dont une douzaine d’inédits (d’autres ont en revanche été supprimé par rapport au 3), et on remarquera cette fois une volonté de mieux découper les catégories entre les types standard, les puissants, les rapides, les techniques et enfin les « géants » que sont Big Mom et Kaido. Par contre, tous ne sont pas très agréables à jouer, particulièrement Usopp dont la majorité des compétences sont accès sur les pièges/debuff, offrant une certaine mollesse et une relative utilité sauf éventuellement en coop en difficulté élevée. Bonne idée tout de même de voir un remaniement complet dans l’évolution des personnages qui n’ont désormais plus de « level » mais des arbres où dépenser de la thune et des médaillons (qu’on trouve partout), l’élément intéressant étant que le premier arbre est commun à tous les personnages jouables, ce qui fait que le dernier arrivé même tardivement est déjà suffisamment puissant pour être aussitôt pris en main.

Mais voilà, ça se laisse jouer comme l’habituel plaisir coupable de l’adaptation sans génie, où pas grand-chose n’est fait pour nous prendre la tête hormis un système de lock complètement foiré, et où les fans du genre auront de quoi faire pour maxer tout le casting au fur et à mesure des modes de difficulté, de la possibilité de refaire des missions en mode Libre, ou encore du nouveau mode Trésor qui autorise enfin le jeu en ligne jusqu’à quatre (à l’intérêt relatif puisqu’il n’y a quasiment personne). Mode Trésor qui semble d’ailleurs avoir été développé à l’arrache puisque, hormis les tardives missions autorisant le PVP, chaque session se résume comme tel : prenez une map au hasard, des alliés au hasard, des ennemis au hasard, et défoncez tout le monde sans chercher un contexte ou de la logique.

Boîte inconnue des consoleux (les mecs sont spécialisés mobile, ‘voyez), Paladin Studios fut pourtant celle qui a été choisie pour nous refaire le coup du « Shadow Drop » lors du dernier Direct Mini, à savoir annoncer un jeu pour le rendre disponible immédiatement sur l’eShop. Good Job ! de son nom aborde donc un aspect très minimaliste avec ses petits avatars façon Mr Game & Watch avec du volume, le tout dans des décors fins et colorés qui rappellent d’une certaine façon la sobriété d’un Two Point Hospital, à un détail près : le moteur physique. Car la plupart des choses peuvent ici être portées, déplacées et surtout renversées, d’ailleurs souvent sans faire exprès, et c’est dans cet aspect que réside tout le principe du jeu : devoir gravir les échelons pour atteindre le poste de grand patron de l’entreprise, se traduisant par de petits jobs à accomplir à chaque étage, un étage étant un thème découpé en plusieurs salles/missions.

A chaque mission, l’objectif est très clair et pour éviter de spoiler, citons simplement le premier suffisamment parlant : rebrancher la connexion internet, sauf que cela demandera de dérouler un câble d’un bout à l’autre de l’étage. Et c’est avec ce genre de petites missions que le jeu met en place ses mécaniques particulières où tous les objets ne réagissent pas de la même façon, certaines portes doivent être bloquées, des attroupements de PNJ doivent être déplacés, des obstacles sont constamment sur le chemin, le tout pendant que vous essayez tant bien que mal de vous déplacer sans renverser tout ce qui bouge. Et pourtant, le jeu se veut plus fin qu’il n’y paraît dans sa façon d’accomplir son objectif : obtenir un rang A est assez simple puisque seul prévaut la meilleure note entre terminer l’objectif rapidement, ou avec le moins de casse possible. En revanche, le rang S lui demandera de faire appel à l’ensemble et donc des choix : il faudra casser des choses pour aller plus vite, mais évitons de tout faire exploser.

C’est rigolo, c’est original et c’est forcément encore plus drôle à deux car il y en a toujours un qui va merder à un moment, mais il faut aussi avouer que le concept trouve très vite ses limites. Certes, quelques mécaniques viennent se rajouter et le titre tente tant bien que mal de se renouveler à chaque étage, mais les bases restent les mêmes et la lassitude finit par arriver, d’autant plus que ceux qui veulent jouer les perfectionnistes du travail bien fait devront faire avec les imprécisions et toutes les conséquences de casse qui vont avec. Et même s’il faut poser de la réflexion pour atteindre les meilleures scores, la résolution des « puzzles » est elle très basique et on a finalement l’impression de faire face à un sorte de jeu-proto dont les bases assez simplistes auraient été à ravir avec un jeu mobile. Tiens, tiens, tiens…