C’est quand même par un heureux hasard qu’après des années à réclamer comme des mendiants un nouveau Dead Space, les fans en auront deux en l’espace de quelques semaines, pourtant sans véritable suite au programme. Un remake du premier déjà, qui nous parviendra début 2023, et depuis quelques jours le fameux The Callisto Protocol, considéré tout naturellement comme une suite spirituelle par la présence du même réalisateur et diverses intentions entre hommage et plagiat, de l’absence de HUD, le design global et le coté bien viscéral. Pas question néanmoins de tomber dans le bête copié/collé, ce qui avec le recul n’aurait pas été de refus car la principal différence entre la licence d’Electronic Arts et notre concerné est simple : The Callisto Protocol est un jeu moyen. Les termes.

Pourtant on le voulait ce retour à la formule old-school du premier Dead Space, vous savez, un peu comme celle de Marvel’s Guardians of the Galaxy. Pas besoin de monde ou zone ouverte pour faire un bon jeu, surtout quand on n’a que trop constaté qu’une expérience plus fermée et parfois linéaire était source d’un meilleur rythme. En général. Et pourtant, The Callisto Protocol parvient à traîner en longueur dans sa pauvre dizaine d’heures pour atteindre les crédits de fin, sans compter vos nombreuses morts (on va y revenir), la faute déjà à un level-design abusant de séquences où l’on traîne la patte, de l’obligation de marcher, de l’obligation de ramper, de l’obligation de passer doucement dans de minuscules recoins, jusqu’à ré-exploiter parfois (mais heureusement rarement) les mêmes zones.



C’est parfois abusivement lent mais surtout, on est face à un titre qui tient tellement à répondre au cahier des charges qu’il en oublie d’apporter ses petits plus dans sa structure qui permettrait de casser de temps en temps la routine. Dead Space avait par exemple ses séquences sans gravité. The Callisto Protocol n’a rien. A ce rythme, même un ou deux passages dans un véhicule sur le satellite de Jupiter, on aurait pris. On n’a pas le minimum, même pas la sensation d’être dans l’espace tant 95 % du jeu se situe dans des intérieurs, le reste étant rapidement expédié, avec de trop rares mises en avant de panoramas pourtant logiquement servis sur un plateau vu le contexte. Une expérience scolaire et un vrai manque d’idées, se traduisant par un manque de situations marquantes. L’antithèse d’un Resident Evil 4 pour résumer. Les seuls instants qui sortent de la norme tiennent du déjà-vu, avec mention spéciale pour l’équivalent d’un énorme ascenseur sur lequel on va se retrouver coincer plusieurs minutes et dont on devine à des kilomètres qu’il fera l’objet de plusieurs affrontements (y a plein de munitions).

On ne se fait pas chier, en tout cas pas tout le temps, juste que l’on progresse sans instants d’éclat. C’est plutôt joli graphiquement, l’ambiance sonore est excellente et effectivement, les animations de mort sont dégueulasses dans le bon sens du terme, mais l’expérience enchaîne les mauvaises idées par manque d’expérience, car un bon réalisateur ne peut tout faire sans l’équipe adaptée à ses cotés. On pourrait par exemple citer des checkpoints parfois très mal placés, de ceux qui se déclenchent pile au moment où vous faîtes face à un coin secondaire et la route principale. Vous filez naturellement vers l’annexe avec les dangers qui vont avec, vous survivez, vous revenez au point de départ pour reprendre le fil rouge, vous crevez, et il faut tout recommencer là où n’importe quel autre jeu aurait pensé à foutre un nouveau checkpoint une fois bouclé le coin secondaire. Citons également l’inventaire minuscule qui se retrouve que trop vite blindé, ce qui donne un petit coté Resident Evil à l’ancienne en plus préjudiciable : si vous lâchez du matos cher pour prendre des munitions, c’est au risque d’avancer jusqu’à la prochaine borne et constater que vous ne pouvez plus revenir en arrière récupérer les objets au sol.



Et c’est encore plus énervant quand on se rend compte de la valeur de l’argent, autour de laquelle tourne toutes vos augmentations. Les développeurs ont pris le risque de nous pousser à faire des choix car quoi qu’il arrive, il sera impossible de tout maxer, très loin de là même et il faudra en tout cas un temps privilégier le corps-à-corps, les quelques armes à feu à disposition, et votre espèce de gant capable de chopper un ennemi pour l’envoyer dans le décors. Coté build, on n’est pas non plus dans Elden Ring, et même si c’était le cas, l’équilibre n’y est pas au point de vous pousser de suite à privilégier d’entrée l’arme de base (celle où vous chopperez le plus de munitions) et surtout votre matraque pour éclater des crânes. Votre gant magique ? Gratifiant quand bien utilisé mais trop souvent accessoire vu qu’il faut des plombes pour le recharger, et on a déjà une pensée pour ceux qui ont maxer ce truc en délaissant le reste pour ensuite tomber sur « 2 têtes », l’ennemi le plus balaise du jeu, que vous allez affronter 4 fois… et insensible au pouvoir de votre gant.

D’un bout à l’autre, la principale originalité du jeu, en tout cas si on le compare à son modèle, c’est en fait ses affrontements. Là où la franchise de feu-Visceral misait sur les armes de tir et le découpage de ses opposants, chose qu’il est néanmoins toujours possible de faire ici, The Callisto Protocol va énormément mettre en avant le corps-à-corps avec petits combos, contre, grosse attaque et surtout système d’esquive. Là il y avait moyen de se démarquer, et le jeu y parvient d’une certaine façon, mais c’est malheureusement assez bancal tant le timing pourtant crucial des esquives n’est pas toujours très simple à comprendre, et tout semble avoir été surtout conçu pour du 1V1. Dès qu’il y a plus d’un opposant à l’écran, c’est le bordel, la caméra part dans tous les sens, ça tape parfois celui qu’il ne fallait pas, et se fait bolosser pour un rien dans le dos sans bénéficier de la moindre touche permettant de se retourner rapidement. Oui, vous allez en bouffer des Game Over, avec autant de scènes de mise à mort.

On l’a déjà vu et à de nombreuses reprises : un studio a beau représenter une marque de confiance grâce à un CV où se sont alignés un temps les grands jeux, il n’est plus grand-chose une fois vidé de sa substance, donc ses employés historiques. Avec Need for Speed, on se souviendra de Black Box, la boîte qui a propulsé la franchise dans de nouvelles hauteurs avec NFS Underground pour se perdre plus tard avec ProStreet jusqu’au chant du cygne The Run. On pourrait également parler de Ghost Games qui a bien commencé avec Rivals avant de partir dans chaque direction se terminant par un cul-de-sac, du reboot à Heat en passant par Payback. Et il y a Criterion. La team élite, celle qui a conçu Burnout, celle qui en 2010 nous redonnait de l’espoir avec Hot Pursuit… Mais malheureusement celle qui, probablement faite de nouvelles têtes, a conçu Unbound, le dernier cru après une pause record de 3 ans, et objet d’une véritable déception.

Car tout le problème de Need for Speed : Unbound, c’est qu’il ne surprend jamais bien qu’on ne lui demandait à aucun moment de réinventer la roue, sans jeu de mot moisi. Sa seule surprise qui n’en est plus une depuis l’annonce, c’est son mélange pas dégueulasse entre le rendu pseudo-réaliste fourni par le Frosbite qui fait plutôt bien le taf en terme d’effets, et un aspect « anime » aussi bien pour les personnages (le design est horrible, et notez qu’il n’est pas possible d’avoir un héros chauve) que dans certains effets autour de la voiture en cas de boost, drift ou saut. Bien entendu, les développeurs ne se sont pas gênés pour agrémenter de fait la customisation sur ce point en plus du reste, notamment la voiture où quasiment tout peut être retouché, sauf l’intérieur : il n’y a de toute façon pas de vue cockpit. Étonnant, tout comme le fait que les bribes de style anime ne soit pas appliquées à la ville elle-même.



Sur le reste, on assiste donc à une évolution de ce que le reboot a mis en place, sans jamais retrouver la patte Criterion. Faute de Burnout, on espérait y retrouver ici la folie de cette franchise culte, ou ne serait-ce que les takedown mais rien de tout cela, les seuls délires venant de quelques sauts dissimulés un peu partout dans cette ville fictive (plus ou moins Chicago) et nos sourires cyniques quand notre bolide fait 38 tonneaux après un poc à certes 100km/h. D’ailleurs, vous n’êtes pas sans savoir que Unbound se place de nouveau dans un monde ouvert (alors que le peuple réclame le retour de la formule Underground 1), avec une liberté de mouvement certes accrue mais à mille lieux d’un Forza Horizon 3 (oui, on n’ose même pas le comparo avec les suivants). Il y avait ce génie chez Playground dans le offroad qui ne donnait même plus envie de revenir sur la route et si NFS se veut logiquement plus urbain pour une partie de la map, quelle belle frustration de vouloir couper à travers tout en dégommant barrière et rochers… pour se prendre un stop brutal à cause d’un pauvre arbre.

Coté jeu, Need for Speed Unbound a la bonne idée (pour le coup) de séparer totalement le solo du multi. D’un coté, on suit un scénario aussi navrant que le veut la coutume, se la jouant Fast & Furious de Shein, sans mise en scène évidemment, de l’autre bah le multi tout simplement, jusqu’à 16 joueurs. La carte est la même, les petits secrets à trouver également qui font là encore étrangement écho à une certaine franchise concurrente (panneaux, radars, zones de vitesse, zones de drift…), la seule différente étant le style de progression. Dans le solo, tout tourne autour d’un cycle jour/nuit avec calendrier. En gros, vous aurez une épreuve de x type en vue, et le besoin les jours avançant de récupérer du pognon pour avoir ce qu’il faut, passant donc la journée dans telle nombre d’épreuves quitte à échauffer les forces de l’ordre, puis la nuit pour la même chose avec les flics au cul (d’une nullité sans nom), avant d’encaisser ensuite son pécule, acheter des bagnoles, améliorer le garage, acheter des pièces et rebelote. En saupoudrant de blablas aussi utiles que ma clim à 300 boules qui moisie actuellement dans un placard.



C’est standard et sans surprise, ouais on l’a déjà dit, avec une difficulté tout de même bien retorse en mode normal, mais une progression très lente pour bien signifier que l’on doit en chier pour grimper les échelons. En ligne, ça va beaucoup plus vite. 16 joueurs qui voguent sur un serveur, des épreuves partout, de la thune qui tombe beaucoup plus vite et la bonne idée qu’au moment où un joueur lance une course dans son coin, vous pouvez le rejoindre d’un simple clic. Il n’y a d’ailleurs pas le choix : pas d’IA (hormis la circulation) en ligne donc espérons que le matchmaking tienne suffisamment la route sur la longueur et en fonction de l’audience pour éviter de tomber avec 15 joueurs tapant des courses S/S+ pendant que vous trimez avec votre B qui toussote à l’idée de grimper au-delà des 130km/h. En revanche, pour ceux qui voulaient aller à l’essentiel avec de simple lobby de courses, il faudra repasser, à croire que l’époque impose à certains de monde ouvert là où il n’y en a pas toujours besoin.

Bref, ça fait le taf sur le plus gros des points mais ça ne parvient jamais à briller à cause de ce manque de folie constant, et on se retrouve avec un épisode de plus qui a le cul coincé entre trop de chaises. Une ambiance plus ou moins underground mais qui ne sait pas aller directement à l’essentiel, un monde ouvert mais malheureusement trop vide d’activités, la volonté de poser quelques originalités mais de manière toujours trop sage, un conduite arcade où le drift est bien moins récompensé que le bourrinage malgré la double jauge de boost… On ne peut même pas parler avec tout ça de remise sur de bons rails, et on se souviendra au final de ce Unbound comme une gigantesque pub pour A$AP Rocky, mis en avant dans plusieurs épreuves, boss final même, et prenant bien évidemment la plus grosse part du gâteau sur l’OST qui au moins surprend par la présence de quelques représentants francophones dont SCH.

Plus gros concurrent attitré du plombier de Nintendo à l’ère 8/16 bits, Sonic a depuis enchaîné les performances à intérêt très aléatoire, le hérisson bleu usant de sa folle vitesse pour se prendre de gros murs dans la gueule à de nombreuses occasions jusqu’à faire naître le fameux meme caractérisant très bien la situation, de l’espoir au doute jusqu’à la déception, la certitude que l’on ne se fera plus avoir, puis l’annonce d’un nouveau jeu qui nous renvoie dans le même cycle. Les nuances existent, sans même parler de Sonic Mania, comme les Sonic Adventure dont le statut culte vient du fait qu’on savait tout pardonner à une époque (il faut le reconnaître) ou encore Sonic Generations, véritable phare que contemple les fans en priant depuis des années.

Sonic Forces fut lui un véritable coup de massue au moral, sauf peut-être pour quelques fans prêts à tout gober quand la grande majorité se disaient que cette fois, on ne leur fera plus un énième coup à l’envers. D’où la méfiance à l’annonce de Sonic Frontiers, d’où le fait que les premières vidéos laissaient entrevoir une nouvelle catastrophe, jusqu’à quelques previews qui osaient une faible lueur d’espoir. Car Sonic Frontiers est critiquable, et c’est peu de le dire, mais il faut reconnaître que la première promesse est tenue, celle d’apporter un semblant de renouveau à une licence qui ne cesse de chercher un son élan neuf depuis des décennies. On tient bien un nouveau départ bien qu’il faut reconnaître que la Sonic Team n’a pas cherché trop loin, regardant attentivement les travaux de Nintendo en piochant aussi bien dans du Breath of the Wild que du Bowser’s Fury.

Il est en effet impossible de nier l’inspiration claire de ce qui reste l’un des plus gros jeux de la Switch. Sonic Frontiers pue le Breath of the Wild, avec cette odeur si forte qu’on ne sait plus si l’on doit faire une tape dans le dos des développeurs pour s’être inspiré des plus grands ou les accuser de plagiat. Le même style d’ambiance faussement fin du monde, des NPC en retrait (une qualité néanmoins pour ceux qui ne supportent pas les shitty friends), une grosse mise en avant de l’exploration, une caméra volontairement éloignée pour nous laisser apprécier la grandeur des décors sans parler de monde ouvert (cinq zones en fait)… Les mecs ont même été jusqu’à calquer le coup des korogus et de leur espèce de chef à aller voir pour augmenter sa vitesse max ou le nombre de rings portés. Car oui, y a un petit coté RPG dans Sonic Frontiers, permettant même d’augmenter sa force et sa défense, sans être invasif tant tout se fait naturellement sur le chemin.



L’autre aspect qui tend cette fois davantage vers Bowser’s Fury, c’est le style de progression. Chaque zone est découpée en plusieurs étapes et la progression pour atteindre chaque point clé se fait en accomplissant des micro-missions éparpillées partout sur la map. Absolument partout. En ayant fait le (bon) choix de zones ouvertes plutôt qu’un véritable open-world, Sonic Frontiers condense efficacement son contenu pour gagner en rythme. Et des épreuves, on en trouve globalement quatre types : des énigmes, des combats contre des adversaires plus imposant que la norme, des sessions parkour et enfin de « vrais » stages à l’ancienne, parfois en 3D (dans le sens vue de dos) et d’autres en plan 2D.

Avant de revenir au monde ouvert qui constitue, et ça surprend, le cœur de l’expérience, deux points surprennent dans les stages old-school. Trois en fait si l’on compte les petits hommages envers d’anciens épisodes. Pour les deux autres, c’est qu’il déjà est très simple de les torcher à 100 % donc avec les défis annexes, contrairement à un paquet de jeux Sonic où il fallait suer rien que pour les quelques pièces rouges. Là, elles sont pour la plupart limite sur notre chemin et même dans les stages plus avancés, il est rare d’avoir besoin de plus de 3 sessions pour tout chopper. Un petit coté Nintendo hein (au moins, on ne rage pas trop). Malheureusement, le dernier point, c’est qu’ils sont tous affreusement courts. On les torche en même pas deux minutes la première fois, et on en vient à se demander si ce qui constituait l’essence de Sonic n’est pas devenu un simple bonus. Vous savez, comme les stages sans jet-pack de Mario Sunshine ? Qui était plus long. Et plus dur.



Bref, que cela plaise ou non, Sonic Frontiers est un enchaînement de petites épreuves à boucler rapidement, incluant les stages un temps piliers de la franchise. Le mérite derrière tout cela, c’est encore une fois le rythme et cette capacité qu’a le jeu à nous maintenir à la manette tant on ne se fait jamais chier et croyez bien que c’est une énorme qualité à notre époque. Encore plus pour un jeu qui prend quand même une bonne vingtaine d’heures en ayant vu le plus gros. Alors oui, les défauts sont nombreux dont cette constante relativité dans la précision de nos sauts ou une caméra qui ne fait pas toujours ce que l’on souhaite (sans tomber dans les pires horreurs passées), mais on ne peut que féliciter la Team Sonic d’avoir voulu tenter des trucs. Rien que les combats de boss valent le détour pour ce type de licence, et tant pis si ça pioche là encore ailleurs.

En analysant bien les choses, on se dira qu’il ne manque plus grand-chose pour offrir à Sonic un nouvel âge d’or dans le genre platformer 3D. La bonne formule est trouvée, il faut juste la peaufiner soigneusement, avec pourquoi pas davantage d’émerveillement dans les décors plutôt que la froideur certes voulue, des stages de vitesse bien plus longs qui doivent incarner la récompense et non une mini-épreuve parmi d’autres, un rendu graphique avec moins de popping (svp)… Ah, et ce serait bien que la pêche, d’ailleurs très cool, ne soit plus le cheat-code magique qui ici permet de zapper une partie du jeu pour arriver beaucoup plus vite à la fin. Voilà. Je profite néanmoins de ces dernières lignes pour dire que la version Switch souffre d’un moteur et d’un design inadapté à la puissance de la machine. J’ai démarré dessus donc on s’en sort même si ça rend dégueulasse, mais une fois touché à une autre version, impossible de revenir en arrière.

Que le monde l’apprenne en me châtiant autant que nécessaire : je n’ai jamais été un grand fan de la franchise Star Ocean, ayant pourtant touché à la majorité des épisodes pour reconnaître la qualité quand elle fut présente, mais aussi les défauts loin de faire de la figuration. Un certain regard était pourtant présent envers Star Ocean : The Divine Force, le J-RPG poursuivant ses révolutions maisons, avec déjà Tales of Arise sans oublier les promesses de grands changements pour Final Fantasy XVI, Dragon Quest XII et pour en citer un de plus Ys X, et comme tous ces concernés, le nouveau tri-Ace entendait bien oublier les déboires du précédent épisode pour quelque chose de plus moderne et mieux travaillé. Ce ne sera malheureusement pas bien moderne, car peu travaillé, mais pas mauvais pour autant.

A une certaine époque, on disait qu’un bon J-RPG se mesurait à la qualité de sa narration et son OST. On va peut-être oublier cette théorie avec The Divine Force vu que, s’il n’y a rien à redire du coté de la bande-son qui vient indiquer après Valkyrie Elysium que Sakuraba reste toujours aussi inspiré, il en est tout autre du premier point cité. Le scénario a pourtant quelques onces d’intérêt apparaissant après un paquet d’heures, mais il va falloir sérieusement s’accrocher jusque-là face aux détails qui sont censés forger ce pilier d’importance. Rien que le chara-design signé Akiman est aussi classe en artwork que misérable à l’écran pour la grande majorité des représentants. Mention spéciale à Midas qui in-game à la tronche d’un PNJ de MMO. C’est méchant mais je ne suis pas responsable.



Le casting est classique mais aurait pu dégager un truc si la mise en scène n’était pas vieille de 1000 ans, renvoyant à la génération 128 bits avec pour une bonne partie des « cinématiques » des persos tout droits et fixes avec deux animations de mouvements et une caméra qui se contente de tourner avec quelques zoom pour essayer de montrer qu’il y a du travail. Des dialogues d’ailleurs ennuyeux qui pour la plupart des cas ne donnent même pas la possibilité d’appuyer sur x quand on lit plus rapidement que le doublage afin d’aller un chouïa plus vite, véritable torture qui fait trembler le doigt à l’idée de zapper directement une bonne partie des scènes. Y perdrait-on réellement beaucoup ? Peut-être pas dans la première moitié du jeu tant tout paraît sans intérêt, sans même comprendre pourquoi Raymond (si vous l’avez choisi) s’attarde avec telle vigueur à trouver le moyen de soigner un mec qui a mal au bras alors qu’on l’a rencontré il y a quelques heures et que honnêtement, il pourrait clamser qu’on passerait aussi vite à autre chose en baillant.

Dur constat pour un jeu du genre, et l’envie préalable d’oublier cette fumisterie si un élan de qualité ne déboulait pas du gameplay lui-même. L’exploration comme promis prend une autre dimension non pas avec un monde ouverte mais de larges zones à parcourir. Oui, il n’y a pas grand-chose à y trouver mais par la rapidité de déplacements (n’hésitez pas à éloigner la caméra dans les options pour mieux ressentir l’effet) et la possibilité de dasher en plein air sans restriction autre que la longueur de ce boost, on ne peut résister à regarder un maximum pour récupérer des choses qui ne surprennent jamais (orbes, coffres, bestioles à collectionner…), le tout dans des décors qui ont le mérite d’être dépaysant pour le plupart, à défaut d’être une claque graphique, non pas à cause du cross-gen, mais bien parce qu’on connaît le budget alloué par Square Enix dans les licences autres que son trio principal.



Une volonté d’exploration qu’on va jusqu’à ressentir dans les nombreuses villes, endroits où l’on se plaira à perdre du temps dans un simili jeu d’échecs/Go assez prenants, en tout cas davantage que les quêtes annexes aux objectifs très flous. En fait, sorti de son scénario mou, The Divine Force aurait pu être un modèle de rythme si tri-Ace n’enchaînait pas des conneries qui ne devrait pas exister à notre époque. Oui, on retrouve le coup classique et désormais impardonnable de l’impossibilité d’équiper une arme ou une armure directement après l’avoir acheté sans repasser par les menus (bon au moins, on a le comparo des stats). Mais surtout : qui a eu l’atroce idée de faire en sorte que les dialogues in-game, ceux qui se déclenchent automatiquement pendant qu’on se balade, bloquent l’accès au menu, à la fonction scan et à l’ouverture des coffres ? C’est juste relou, y a pas d’autres mots ! Et des dialogues du genre, il y a en a très souvent !

Et c’est encore plus dommage de voir de telles erreurs quand le système de combat se montre lui aussi carré et plaisant, où l’on craignait quelque chose de mou au départ pour que les choses se mettent à décoller avec l’arrivée du robot D.U.N.A. et ses fonctions de dash. Petit à petit, et tout en faisant avec les nombreux tutos, les joutent gagnent en nervosité et en possibilités avec la volonté d’offrir du renouvellement même après plusieurs heures, par l’arrivée des compétences ultimes, de nouvelles fonctionnalités du robot et bien entendu l’apport des compagnons bien différents en termes de style (même si l’on privilégiera toujours notre principal). Indéniablement le point fort du jeu, et tant pis s’il faudra faire à coté avec d’innombrables allers-retours dans les menus entre arbres de compétences (pour tous les personnages), équipement (idem), compétences actives et passives à valider (idem), possibilité d’augmenter en puissance ces dernières (idem encore), boost des stats du robot, craft… Autant dire qu’entre les cinématiques inutiles, le blabla imposé et le temps passé dans les menus, on ne sait même plus trop de quel coté penche le ratio fun des combats/explorations sur environ 35h de jeu demandées pour atteindre les crédits de fin.