Il est vrai qu’en analysant sans véritablement connaître le sujet, on pouvait s’étonner que l’œuvre pourtant très populaire One Punch Man n’ait pas encore eu droit jusque-là à une adaptation console, faisant pourtant partie de ces shonen à succès de la nouvelle ère, donc post Naruto, Toriko et autre Bleach (on aurait également pu citer One Piece si le manga n’avait pas encore quelques années devant lui). Il y a pourtant une bonne raison à cela puisque One Punch Man est juste l’anti-thèse du shonen de base avec un héros (chauve) invincible et capable de tuer n’importe quel ennemi d’une simple claque ou un coup de poing. C’est forcément original et si le manga a réussi à perdurer avant tout grâce aux autres protagonistes qui permettent de développer des combats disons plus longs, Saitama reste la star, qu’importe s’il met fin à chaque joute d’un claquement de doigts, le reste de ses apparitions tournant autour de l’humour et de situations incongrues. Alors comment retranscrire ça dans un jeu vidéo ? La question reste ouvert car Spike Chunsoft a loupé son coup.

Et pourtant, quelques idées sont bien présentes. Comme dans le manga, Saitama est évidemment en retrait (même si ici beaucoup trop) car un tel personnage dans un jeu de baston, ça n’a absolument aucun intérêt et il était hors de question de le nerfer pour des raisons de fidélité. Du coup, l’originalité des combats sera de posséder un perso principal et deux aides que l’on pourra si on le souhaite incarner sous une petite condition : « attendre » qu’ils arrivent sur le champ de bataille, ce qui peut prendre un paquet de secondes qui paraîtront bien longues si votre combattant commence à être dans le rouge, le petit vice bien trouvé étant que si votre combattant est down avant l’arrivée de ses alliés, l’affrontement prend directement fin. Quant à Saitama, il se contentera de ce statut de coéquipier et oui, lorsqu’il débarque, il one-shot l’opposant ! Mais en contrepartie, il prend à lui seul les deux places d’alliés et met plusieurs minutes à débouler, chrono que l’on peut tout de même descendre un peu plus vite en tapant quelques combos entre temps.



Seulement, tout cela constitue le seul et unique point fort du jeu. On le redit, il était très difficile de faire une bonne adaptation de One Punch Man vu le sujet mais Spike Chunsoft comme Bandai Namco n’ont même pas cherché à faire le minimum sorti de l’idée décrite à l’instant. Déjà le jeu est laid, se permet d’avoir des chutes de frame-rate et du popping abusé des personnages dans une ville minuscule où il n’y a pourtant rien à afficher. Car évidemment, il y a une ville où se déplacer et là, inutile de tartiner : tout comme Jump Force avant lui, le titre reprend le principe de Dragon Ball Xenoverse en version solo, avec des levels, de l’expérience, des compétences à débloquer et des giga-tonnes de quêtes annexes qui sont soit honteusement débiles (parler à deux personnages, fini), soit des combats. C’est dans ce cadre que l’on fait évoluer notre avatar préalablement créé qui va rencontrer petit à petit toutes les têtes connues de l’œuvre, et tentant comme il faut de suivre le fil de la Saison 1 d’une manière rarement aussi diluée : essayez de foutre une seule goutte de whisky dans 1 litre de coca et vous aurez la même sensation.

Perdu dans cette aventure aussi répétitive qu’ennuyeuse, le fan aurait tout de même pu se raccrocher au système de combat, en vain. Hormis le coup des alliés à attendre, la possibilité de choisir un style de combat avec les compétences affiliées et pourquoi pas les events aléatoires mais un peu trop cheatés en puissance de frappe, le jeu manque de nervosité et de souplesse, tournant autour des mêmes combos et de l’absence totale de technicité. Le propre de la majorité des adaptations mangas il est vrai, mais dont certaines avaient au moins pour elles la mise en scène. Tout juste repartira t-on ici avec un certain sens du punch dans les impacts, mais rien de plus, pour un résultat qui rappelle fortement Jump Force pour encore le citer, mais en moins joli (déjà que…). A partir de là, vous devinez l’intérêt du multijoueur, qui notez-le doit se débloquer en avançant dans l’histoire (plus ou moins deux heures donc), sur lequel on ne s’attardera que le temps de quelques combats, juste histoire de capter qui sont les god-tiers. Aide : Spring Mustache est dans le lot.

The Snack World ou plutôt « Snack World » tout court en occident, c’est plus ou moins la « dernière » production en date de Level-5, les guillemets restant utiles pour cet éditeur qui est l’un des rares encore aujourd’hui à accuser d’énormes retards dans ses localisations. Le concerné était d’ailleurs un produit 3DS avant de basculer sur Switch dans une version GOLD garnie de bonus, et c’est bien évidemment cette dernière version qui arrive directement chez nous. Je l’attendais, car on a beau dire qu’il est loin le temps du Level-5 de Dark Chronicles et Rogue Galaxy, toujours est-il que j’ai quand même passé de très bons moments sur la saga Layton, déboursé plus de thune que de raison sur Yo-Kai Watch (par rapport à mes gosses) et que Fantasy Life reste un de mes coups de cœur de la 3DS. Donc forcément, j’attendais ce Snack World sans une impatience maladive mais plutôt pour m’occuper en cette période plus morne que prévue. Et ce fut en fait bien ennuyeux.

On va débuter avec un évident mot sur la localisation où une fois de plus, Nintendo comme Level-5 ont su débaucher une team en or pour effectuer un travail exemplaire sur la traduction FR. Tournures impeccables, jeux de mot à foison, doublage… Même le main theme est chanté dans notre langue. Alors après, on comprend très vite que ça va être pour un jeune public vu les thèmes abordés au point de pouvoir dire qu’il n’y a quasiment aucune histoire mais plus une suite de missions au scénario généralement rigolo, même pour ce qui est de certains annexes. En bref, la typique formule Level-5 qu’on avait déjà avec Yo-Kai Watch et d’ailleurs, on parle évidemment d’un produit cross-média dont le manga arrive chez nous cette semaine si mes souvenirs sont bons, et dont un pseudo anime est en cours depuis quelques temps chez je ne sais plus quelle chaîne câblée. Mais ne le cachons pas : même chez les mômes, et faute d’une campagne marketing poussée, la hype est bien loin du précédent cité.



Donc Snack World s’aborde comme une espèce de diablo-like dans les (très) grandes lignes. Nous n’avons pas une énorme arborescence d’activités comme dans Fantasy Life et tout le cheminement va se traduire comme suit : une ville centrale faite de divers magasins pour augmenter en puissance (dont de la forge d’armes/armures au centre de tout), quelques magasins, une loterie quand vous avez des tickets pour et, surtout, des missions. Des tonnes de missions même, principales ou annexes, réparties en divers rangs au point qu’on ne sait plus où donner de la tête. Lorsque vous en sélectionnez une, un compteur apparaît pour vous emmener dans la zone dédiée, en notant qu’il en existe deux types : les décors classiques et préconçus (découpés en mini-zone) et les donjons à la structure générée aléatoirement.

Et dans un cas comme dans l’autre, le topo est le même : défoncer tout ce qui bouge et récolter quelques objets sur le chemin. Voilà. Le déroulement change un peu dans les donjons qui ont tendance à être davantage bourrés de pièges en plus d’avoir un timing invisible qui fait apparaître à un moment une sorte de Nemesis qui vous one-shot (vous gardez tous vos acquis après une défaite). Mais globalement, on fait encore et toujours la même chose, que ce soit seul ou en coopération (exclusivement en ligne, notez), finalement comme dans un Diablo il est vrai à quelques différences qualitatives : l’exploration est proche du néant, le loot est pas fameux, la montée en puissance trop lente (merci le système gacha d’ailleurs...) et, surtout, on a vraiment du mal à valider le système de combat.

On sent la patte Yo-Kai Watch Blasters mais on a voulu nous offrir un système de force/faiblesse où chaque ennemi est sensible à telle ou telle arme. Ce qui n’est pas dérangeant en apparence puisqu’on peut en porter plusieurs et que le jeu nous offre constamment un bouton de raccourci pour avoir l’arme la plus efficace en main. Sauf que des ennemis, il y en a des tonnes, qu’on passe du coup sa foutue vie à changer d’arme et on est bien obligé tant on frappe comme une mouche si on est censé être équipé d’un arc alors qu’on tient une épée. Bien entendu, l’animation de changement d’arme est court mais on ose dire que c’est chiant car c’est juste constant : en une seule session dans un donjon, vous allez devoir le faire des dizaines et des dizaines de fois vu que pour un seul combat, il peut y avoir quatre types d’ennemis qui ont chacun leur propre faiblesse, au point que le jeu n’arrive même plus à suivre puisqu’il indique que vous avez la bonne arme mais ne peut décemment dire sur quel ennemi à l’écran elle est efficace. Ça en devient usant, et malgré une trentaine d’heures annoncé pour en voir le bout (sans même compter les annexes), on s’écroule devant une telle mollesse.

Un petit tour dans mon propre top des attentes publié en fin d’année dernière m’a fait rappeler que j’avais bien classifié Dragon Ball Z : Kakarot parmi les productions qui me faisaient de l’œil en 2020. On est fanboy ou on ne l’est pas (et ne parlez pas de Super), et il faut dire que Bandai Namco a su mener une campagne de communication efficace, quand bien même l’optimisme n’y était pas vraiment à l’annonce. Sorti du truc de Banpresto (qui pour le coup était un vrai RPG), quand on associe Dragon Ball et action-RPG, on pense soit à l’épisode Nes qui était pourri (on ne se ment pas : c’était pourri), soit aux immondices de la GBA signées Atari. Donc déjà qu’en 2D, les mecs ont pas su pondre un truc correct, on avait presque du mal à imaginer quelque chose d’un tant soit peu correct avec la 3D, surtout quand le marketing laissait entendre qu’on allait se contenter des arcs Saiyens/Freezer. Mais les mois allant, la hype a commencé à grimper du fond du slibard, parce que ça avait l’air intéressant, parce qu’on avait finalement toute la saga « DBZ », et que c’était pas si moche. A première vue.

Donc comme dit, cette énième adaptation va heureusement se permettre de traverser tous les principaux arcs, débutant par l’arrivée de Radditz sur Terre jusqu’au combat contre Kid Buu. Et c’est bien, sauf que quelque chose nous interpelle dès les premiers pas de Goku avec son chiard au milieu de la forêt : impossible de ne pas penser au fait que ça l’aurait vachement mieux fait si Bandai Namco et CyberConnect2 avaient fait le (bon) choix de se tourner vers les débuts du manga où le terme aventure signifiait encore quelque chose. Tant pis, et on appréciera tout de même le fait que le contenu est donc à la hauteur pour garantir une bonne quarantaine d’heures de jeu en voulant faire la quasi-totalité, incluant une brouette de quêtes annexes qui sont incroyablement simplistes (du Fedex à l’état brut) mais qui peuvent être plaisantes car parfaitement bien ancrées dans l’univers, au point qu’on aurait pu y avoir droit en fillers dans l’anime. Exemple simple : Plume qui prend la forme de Yamcha (après sa mort) pour continuer à draguer des filles afin que ces dernières ne l’oublient pas. C’est tout bête mais ça fonctionne.



Le jeu prend donc son temps pour placer les choses et n’hésitent évidemment pas à jouer de la technique « une case, une action » propres aux adaptations depuis la nuit des temps. Voilà pourquoi un simple échange entre Goku et Radditz sur l’île de Kame Sennin mène in-game à un vrai combat. On gratte au maximum… ou du moins c’est ce qu’on pensait au départ. Car allez savoir pourquoi, le jeu parvient à tartiner parfois pour augmenter son contenu mais dans le même temps, hache sauvagement des séquences qui auraient mérité d’être jouables, ne serait-ce que par le biais de mini-jeux pour apporter de la variété. Le premier cas le plus parlant vient de l’année de training post-Radditz (donc assez tôt dans le jeu), où d’un coté, on en rajoute un peu sur la situation de Gohan quitte à l’incarner pour aller chercher des fruits avec Yajirobé, et de l’autre coté, toute la séquence du chemin du serpent avec Goku se résume à deux images fixes, et même chose chez Kaïo. Une séquence de poursuite contre Bubbles, y avait pas moyen ? Et croyez bien, ce constat, vous allez y faire face d’un bout à l’autre du jeu et on ne comprend pas de fait pourquoi avoir voulu adapter le filler du permis de conduire, alors qu’on zappe Garlic Jr, Paikuhan et même le coup de la « fausse Namek » qui aurait bien plus sied à un RPG/aventure.

Mais même au-delà de ça, le principal problème de Dragon Ball Z : Kakarot, c’est tout simplement un manque de budget ou de temps. Même en mettant de coté le rendu bien sans plus, c’est la mise en scène qui va faire très mal au résultat alors qu’il n’y avait logiquement pas grand-chose à reprocher aux équipes de CyberConnect2 qui nous ont offert un travail d’orfèvre dans les différents Naruto Storm. Sauf que tout cela, on ne le voit jamais ou que trop rarement ici. Il faut bien comprendre que les jolis trailers offerts au fil des mois, c’est le résultat que vous aurez que dans 5 % des scènes/scènettes. Et encore, en étant généreux. La quasi-totalité des séquences se résument elles à des dialogues digne d’un vieux RPG pas cher (des persos droits comme des piquets qui causent) ou à des cinématiques d’une pauvreté affligeante qui n’ont aucun impact visuel et émotionnel. Triste ironiquement, surtout que la musique était pour une fois au rapport avec les morceaux officiels, du moins une partie, en reconnaissant que certaines des inédites sont dans le ton.



Reste le gameplay lui-même et de ce coté, même si c’est assez basique, on retrouve ce coté attirant qu’on avait l’année dernière avec un certain Crackdown 3, ou plus exactement cet aspect qui nous tient à la manette car rien n’est fait pour nous prendre la tête hors quelques rares quêtes très évasives dans l’énoncé et surtout les temps de chargement bien sales entre chaque zone ouverte. Hormis cela, ça s’enchaîne très rapidement et on prend un plaisir à voler à travers les territoires un poil vides mais qui savent faire dans le fan-service, grappillant des orbes pour booster notre puissance au fil du temps, allant récupérer rapidement un peu de bouffe pour nous faire des repas à boost temporaires et permanents, et faisant chacune des quêtes pour gagner des sortes d’emblèmes de chaque personnage, à répartir dans différents tableaux pour gratter là encore des petites sucreries, jusqu’à des visuels des anciennes cartes à jouer qui feront verser une larme aux nostalgiques des années 90.

Nan vraiment, on ne s'est pas (trop) ennuyé, mais ça ne fonctionnera surtout que chez les fans assez tolérants qui s’attendaient de toute façon au pire et qui redécouvriront l’histoire d’une autre façon même si le fond reste identique. Même le système de combat en partie récupéré des Tenkaichi peut se montrer efficace bien que répétitif sur la longueur (si on enchaîne les combats random, ce qui n’est pas forcément utiles pour rester à niveau vu la générosité des quêtes principales et annexes), avec ce qu’il faut de nervosité et de punch, et quelques boss qui savent nous mettre une petite goutte de sueur si vous avez oublié de vous procurer un stock de trucs à PV. On s'occupe dessus, on le grignote un peu chaque jour et comme Crackdown 3 justement, ce DBZ Kakarot ne marquera pas l’histoire ni notre mémoire, mais reste un potentiel candidat au titre de plaisir coupable de l’année. Toujours ça.

Environ quatre ans après sa sortie sur la défunte et oubliée Wii U, que reste t-il donc de Tokyo Mirage Sessions, celui qui était annoncé un temps comme un « SMT x Fire Emblem » avant de n’avoir plus grand rapport avec l’un ou l’autre. De sympathiques retours, même de notre coté il faut le reconnaître, mais replonger dans cette aventure pour démarrer l’année nous a fait rapidement tiquer que certains produits vieillissaient plus vite que d’autres, même si les raisons doivent être analysées au cas par cas. Dans le cas du concerné, l’affaire est assez simple puisque l’on disait déjà en 2016 que cette exclusivité Nintendo était une bonne surprise dans ce qui était de nous faire patienter jusqu’au plat principal que l’on attendait encore à l’époque, à savoir Persona 5. Seulement, en 2020, on l’a bouffé ce plat de résistance et on en est ressorti le ventre comme un lendemain de réveillon, et même que Atlus veut nous balancer du rab dans deux mois. Donc désormais, on repose la question : que reste t-il de Tokyo Mirage Sessions au final ?

Mais on va peut-être commencer par dérouler le tapis à ceux qui vont y jouer pour la première fois, c’est à dire le plus grand nombre quand on connaît le public limité de la Wii U et le joli flop de ce « TMS » qui ne fut pas aidé chez nous par l’absence de traduction FR désormais au rapport pour cette nouvelle édition. Je l’ai d’ailleurs abordé furtivement dans un article passé mais pour ceux qui se posent la question quant à la mention de « traduction partielle », sachez qu’il n’en est rien ou presque : la totalité des dialogues sont traduits, les échanges SMS également, les descriptions d’objets, les tutos… Tout, sauf certains titres randoms de menu dont même un anglophobe connaît la signification (parce que tout le monde connaît des trucs comme « save » et « item »).



Aucune crainte à avoir donc et vous allez pouvoir pleinement profiter de ce titre qui va vous envoyer dans un Tokyo contemporain qui rappelle Persona mais sans la profondeur torturé puisque le thème est plus ou moins les « idol », donc plus exactement l’envie pour toute une petite troupe de jeunes de percer dans divers secteurs populaires, dont la chanson (centrale ici), la danse, le jeu de scène… C’est un peu comme une émission de télé-réalité mais sans la télé, les engueulades, le silicone et les cerveaux atrophiés. Donc c’est mieux, mais aussi quelque part très sage pour la bonne raison que l’on parle d’un jeu Atlus et que l’on aurait par conséquence souhaiter vu le thème que certains sujets soient abordés, dont les travers de ce type d’industrie. Il faut croire que personne ne souhaitait ici mettre tout cela sur la table et on se retrouve avec des protagonistes qui ont autant de choses intéressantes à raconter que dans un anime dont on n’irait jamais au bout, le tout servi par un scénario beaucoup trop classique.

Ce dernier aborde le cas de l’inspiration propre à chacun pour l’avenir et histoire de donner une dimension un poil épique, on nous met donc des créatures venues d’univers parallèles se nourrissant de cette même inspiration pour transformer les concernés en zombies/créatures. Fort heureusement pour la petite équipe qui va gonfler avec les chapitres, les autres mondes ne sont pas constitués que de créatures malveillantes et c’est là qu’intervient la petite feature Fire Emblem avec quelques membres de la saga qui viendront épauler nos membres comme s’il s’agissait de persona. Le nom de chacun restera l’unique trace propre à la franchise d’Intelligent System, en y rajoutant un système d’évolution par classe et le menu level-up en hommage. Rien de plus et on ne s’étonne pas que la série soit limitée à une simple mention « #FE » dans le titre.



Le déroulement du jeu reprend lui du Persona mais encore une fois de façon très light. Chaque chapitre est constitué d’un donjon et d’un méchant à éliminer, faisant au préalable traîner le scénario par des « temps libres » où l’on pourra se promener dans des quartiers étriqués de Tokyo, faire les boutiques, aller farmer dans des donjons plus difficiles que la norme (petite nouveauté de cette édition) et surtout augmenter la relation avec ses alliés par le biais de diverses quêtes annexes pas toutes intéressantes mais qui permettront toujours de leveler et de débloquer des attaques en duo. Les donjons eux-mêmes sont plutôt intéressants et avait il y a quelques années le mérite d’apporter quelque chose avec un vrai thème pour chacun et surtout un level-design pour mettre fin à la génération aléatoire. Sauf que, et on se répète on le sait, Persona 5 est depuis passé par là, en faisant mieux sur tous les aspects. Comme si Tokyo Mirage Sessions n’était finalement qu’un brouillon.

Pourtant ça n’en fait pas un petit jeu ni même un mauvais jeu et outre sa durée de vie plutôt généreuse qui tourne autour de la quarantaine d’heures (en grattant sur les annexes), on en retiendra tout de même son système de jeu où encore aujourd’hui on accroche à cette montée en puissance assez rapide (mais n’abusez pas du farm) par l’apport constant de nouvelles compétences, armes et explosion de la limitation de combo « session » autour duquel tourne tout le principe : attaquer le point faible d’un ennemi enclenche un combo bonus avec les autres protagonistes, même ceux en retrait et même (autre nouveauté) quelques alliés non jouables. De ce coté on accroche, surtout que cette version Switch a eu la bonne idée d’offrir la possibilité de zapper les longues animations qui se répètent (et de réduire drastiquement les temps de chargement, en passant), mais c’est tout sauf le J-RPG lambda fait pour tous, et on gardera en tête que le projet aurait pu prendre une toute autre ampleur si les développeurs l’avaient eux-mêmes pris un peu plus au sérieux.