Les remakes graphiques, on en a vu passer un paquet dans l’histoire du jeu vidéo mais depuis quelques années, il semble y avoir un attrait particulier à apporter une nouvelle couche de peinture sur des vieilleries. On pourrait citer des jeux 2D comme Wonder Boy : The Dragon’s Trap ou plus récemment le retour de Link’s Awakening, mais la 3D n’est pas en reste, particulièrement avec Activision qui a balancé toutes les aventures de Crash et Spyro avec un joli peaufinage. Et surtout un énorme succès dans le cas de Crash Trilogy. Du coup, Sony s’est dit qu’après avoir zieuté du coté de la PS2 en repiquant Ratchet & Clank et Shadow of the Colossus, pourquoi ne pas aussi aller encore plus loin en remontant jusqu’aux années 90, avec le cas MediEvil. Et ce ne fut pas la meilleure idée qu’a pu avoir l’éditeur sur cette génération.

Toute la problématique va venir du genre. Déjà les vieux jeux en 2D sont susceptibles de garder une certaine prestance en terme de gameplay, et pour les autres cas cités (ceux de la PS1), on parle d’un jeu de course et de platformer, donc pas forcément les genres qui vieillissent le plus mal, surtout Crash encore une fois, en dépit de quelques imprécisions. Or, dès que l'on aborde le cas de jeux d’action en déplacement plus ou moins libre, se contenter de sortir un mouchoir et une bouteille de vernis n’est peut-être pas suffisant, car implique de laisser délibérément des défauts pardonnables à une époque où les gens écoutaient du Manau, mais beaucoup moins acceptables en 2019. Surtout pour un jeu vendu 30€, ce qui ne représente que 10 balles de moins que les produits d’Acti qui étaient vendus sous forme de trilogie, avec globalement le même travail.



Et là où je peux faire preuve d’une certaine objectivité sans être biaisé par le voile de la nostalgie, c’est tout simplement parce que je n’ai jamais touché à la franchise jusqu’à présent, juste « vu » quelqu’un le faire, et ce n’était que le début de l’aventure (c’était peut-être une démo d’ailleurs…). Pour autant, je connaissais au moins l’histoire, donc cette de Sir Daniel Fortesque, plus grand chevalier des terres écossaises de Gallowere, envoyé en première ligne avec son armée pour affronter le démoniaque sorcier Zarok. Mais Fortesque est un malchanceux et est mort comme une merde dès les premières secondes en se prenant une flèche perdue dans l’oeil à défaut du genou. Cela n’a pas empêché votre armée de gagner et comme on sait que l’histoire est écrite par les vainqueurs, le bon roi a décidé de jouer les révisionnistes en préférant indiquer que vous êtes mort en héros, après avoir tué Zarok. Sauf que le Zarok, il avait juste fui et c’est donc 100 ans plus tard qu’il revient pour transformer les habitants en zombies tout en réveillant les morts… incluant par mégarde Fortesque, version squelette. Il est temps de se montrer enfin digne de votre pseudo réputation.

Mine de rien, même 20 ans après, il faut reconnaître que le scénario de MediEvil est juste génial, même s’il faut prendre en compte que cette qualité revient surtout au synopsis décrit et qu’à partir de là, plus grand-chose ne va évoluer jusqu’à l’affrontement final. Cela n’a pas empêché les développeurs d’époque d’avoir su construire un univers marquant et teinté d’humour, par ce « héros » atypique qui s’exprime en « mgneugneu » (pas facile quand tu n’as plus de langue, de cordes vocales et qu’il te manque la moitié de la mâchoire), l’âme de vos anciens lieutenants qui n’hésitent pas à vous placer parfois quelques piques, et surtout les têtes de gargouilles qui sont dans la provocation constante en vous rappelant que votre statut de héros a la même valeur que la parole de Bertrand Cantat dans une réunion sur les violences faites aux femmes. Il faudra en revanche faire avec un doublage assez spécial, refait pour l’occasion et parfaitement digne de l’original. Faut juste aimer le coté un peu enfantin dans le ton.



MediEvil est donc un jeu d’action-aventure à l’ancienne qui va mixer exploration, quelques énigmes et des affrontements au travers de deux douzaines de niveaux à taille variable ponctué à chaque fois de sales temps de chargement, où malgré un thème unique (celui d’un Halloween façon Burton), on parvient à trouver une certaine variété dans les niveaux qui ont enfin l’occasion de briller techniquement, sans non plus nous renverser. C’est évidemment incomparable à la version d’origine et même celle sur PSP, mais ce n’est pas chatoyant, et disons le pour forcer dans le comparo bien moins agréable que les trilogies coté Activision. A quelques rares effets, c’est typiquement le résultat qu’on aurait qualifié de « ouais, sympa... » même sur une PS3. Il faut dire qu’on n’a pas non plus l’occasion de bien apprécier les éventuels détails vu la caméra éloignée, pas toujours pratique mais toujours plus que la nouvelle vue « de dos », tout simplement exécrable et qui ne trouvera utilité qu’en cas de danger (donc en exploitant des armes à distance pour éviter le contact).

Et ce point permet de rebondir sur l’autre problème du jeu. Car même en mettant de coté sa caméra vieillotte, le jeu se traîne des tares qui n’ont plus lieu d’être aujourd’hui. Aucun problème concernant les mécaniques plutôt réussies bien que devenues très (trop ?) classiques, et on aime le fait d’être récompensé à vouloir taper le 100% à chaque niveau pour ensuite se rendre au Hall des Héros et récupérer une nouvelle arme ou une jauge d’énergie supplémentaire, mais wow, ce feeling du néant quoi ! Car si le jeu est plus simple à manier (on joue quand même avec un stick plutôt qu’une croix), les combats sont majoritairement navrants, donnant l’impression de mouliner dans le vide contre des ennemis qui vous touchent obligatoirement à moins d’user en boucle de la même technique (du genre l’attaque concentrée au marteau). En ressort une difficulté artificielle, parfois bien rageante tant elle grimpe assez vite, et un plaisir de jeu, disons le clairement, assez limité durant les 7-8h réclamées pour terminer le jeu. Qu’importe le polish donc. Quand vos fils de 7-10 ans vous regarde jouer en balançant « On dirait un vieux jeu » sans avoir la moindre envie d’y toucher, c’est clairement que Sony a loupé son coup pour relancer une franchise qui méritait meilleure attention.

Pixel Opus fait partie des « discrets de chez Sony ». La dernière fois qu’on a entendu parler de ce studio, c’était en 2014 avec Entwined, titre assez oubliable dont l’unique surprise fut de nous avoir fait le coup du « disponible maintenant ». Il aura fallu attendre trois ans pour que l’équipe tente de se reconstruire avec l’annonce de Concrete Genie, à une époque où l’éditeur avait encore de l’intérêt pour la Paris Games Week, et deux de plus pour qu’il arrive (cette semaine) sur PlayStation 4. Voyons ce que ça donne.

Curiosité esthétique, Concrete Genie pourrait être considéré comme une sorte de conte plein de bons sentiments, chose qu’on ne refuse pas forcément même si l’on ne peut pas dire qu’on baigne ici dans l’originalité et la finesse. Vous incarnez Ash, un gamin maltraité par ses congénères dans une ville morte, n’ayant jamais réussi à se relever d’une catastrophe écologique vieille de quelques années. Sauf que le paquebot en cause de tout cela ne contenait pas du pétrole mais une matière visqueuse étrange qui progresse doucement dans la petite bourgade de Denska. Et lorsque après un énième coup de crasse des apprentis loubards permet à Ash d’atteindre le phare de la ville, notre apparent malchanceux va découvrir qu’il y réside une sorte d’esprit de la lumière, ayant bien besoin de notre « héros » pour rendre à la ville de belles couleurs grâce à un pinceau magique.

Classique mais potentiellement efficace dans les grandes lignes donc, pour être finalement surtout classique car de Ash aux autres gamins, on atteint un tel degré de cliché qu’on se demande si l’équipe n’a pas voulu en faire trop dans l’aspect feel good. Car sans être un réel spoil, tant le jeu ne mise pas sur son scénario, on soupire en voyant que l’unique justification dans le comportement des vilains vient du fait qu’ils ont souffert en étant plus jeunes, avec des flashbacks expédiés en quatre ou cinq secondes. Rien n’est fait pour creuser sur cet aspect et l’émotion voulue laisse place à une certaine niaiserie que ne peut compenser la présence d’adultes puisqu’il n’y en a pas. En tout cas à Denska. Dommage là encore car vu l’ambiance initiale, il y avait matière à pousser un peu l’aspect « Cité des enfants perdus ».



Bon vu que le scénario et la narration ne compte pas nous emmener bien loin, passons au gameplay lui-même où l’on dirige donc Ash dans de petites zones ouvertes (des quartiers de Denska donc) qui va devoir repeindre divers éléments, parfois obligatoirement, d’autres fois de manière facultative, avec un indéniable plaisir visuel. On n’est jamais libre en possibilité dans le sens où l’on dispose d’éléments pré-faits (orage, fleurs, arbres, totems…) mais c’est le prix à payer pour quelque chose de toujours agréable à l’oeil et qui permettra à quelques coups de gyroscopie de pondre de superbes œuvres, même pour les gens comme moi dont la carrière d’artiste s’est résumée jusque là à dessiner des zizis. Très rapidement, on pourra également « créer » des sortes de démons gentils qui vous viendront en aide en suivant les murs. Les rouges peuvent brûler des éléments, les jaunes alimentent des panneaux électriques et les bleus peuvent créer du vent pour pousser des objets.

L’ensemble combiné, on avait de quoi avoir un bon petit jeu d’aventure à bas prix (29€), sauf que la sauce a en fait beaucoup de mal à prendre à cause de la structure. Pour faire simple, le jeu est en fait découpé en huit mini-chapitres, dont l’introduction qu’on a déjà évoqué. Les trois suivants vont eux vous permettre de découvrir la ville peu à peu mais on se rend vite compte que la progression est incroyablement fermée. Et là, ça se résume très vite : on arrive au quartier 1, on doit trouver et allumer des lampes en dessinant ce qu’on veut autour, on trouve notre premier démon (obligatoirement rouge) pour nous aider de temps en temps, on passe à la deuxième zone de ce quartier, on allume des lampes, zones suivantes, lampes, puis grosse peinture. Quartier 2, lampes, deuxième démon (bleu), zone suivante, lampes, etc. Et pareil pour le Quartier 3. C’est indéniablement répétitif et d’un bout à l’autre, il n’y a quasiment jamais de véritables énigmes mettant à disposition plusieurs types de démons. C’est dans 95% des cas soit l’un, soit l’autre, sans avoir besoin de la moindre réflexion.



Puis vient la « deuxième partie du jeu », ce qui est une bonne nouvelle puisqu’on pensait avoir terminé l’aventure, avec la mise en place de deux nouvelles mécaniques : le surf de lumière (on se déplace plus vite donc) et surtout les combats ! Car l’apparition de démons physiques vont demander de batailler fermement grâce à trois pouvoirs à raison d’un par couleur. Sauf que c’est mou, ça manque de précisions, et une fois de plus, on se retrouve avec l’éternelle même structure : Quartier 1 (le même) pour poursuivre et combattre un démon rouge, Quartier 2 pour un bleu, Quartier 3 pour un jaune (deux en fait, mais qu’importe). Il faut malheureusement attendre le tout dernier chapitre pour enfin avoir droit à un combat digne de ce nom qui imposera de mélanger efficacement nos diverses attaques, mais ça se boucle rapidement avant de laisser place à la cinématique finale, soit environ 5 heures après avoir débuté le jeu.

En ressort une expérience bien mitigée. Il y a de petites idées et on ne peut cacher qu’on retiendra un coté attendrissant devant ces petits démons (les gentils) qui prennent vie sous nos yeux, et qu’il y a vraiment un truc dans l’esthétique des peintures, notamment renforcé dans les deux modes PSVR (PS Moves obligatoires en passant), l’un scénarisé comme une petite extension, l’autre proposant seulement de la peinture libre. C’est un peu tout, et on sent le manque d’expérience du studio pour ce qui est de concevoir une vraie aventure rythmée avec des mécaniques qui ne semblent pas avoir 20 ans d’âge (et encore, ce serait faire affront aux premiers Tomb Raider). Cela reste toujours mieux que Entwined, mais on aura tout autant de mal à s’en souvenir dans quelques années.

Personnellement, j’aime vouloir tester un projet qui sent à l’avance très mauvais. Preuve : je me suis occupé de Left Alive et The Quiet Man. C’est dire si c’est ce travail est tellement compliqué que je pourrais ouvrir un Tipeee. De fait, parmi les nombreuses sorties de cette année, je ne pouvais passer à coté de Contra : Rogue Corps la résurrection d’une franchise oubliée et au moins preuve du fait qu’après l’affaire Kojima, Konami a vraiment l’intention de revenir doucement dans le game. Ce n’est pas toujours une réussite (Metal Gear Survive) mais on n’est jamais à l’abri d’un bon coup (PES 2020) voir d’une bonne surprise (Super Bomberman R). On reste dans tous les cas loin des intentions de nostalgie de SEGA mais au moins, ça progresse, et même si l’odeur du flop traversait chaque screen, le fan voulait quand même croire au miracle pour Contra. Et pi bon…

Le code en poche et le téléchargement effectué, j’ai donc programmé ma soirée coop en emmenant la console chez un esclave qui n’avait pas d’autres choix que de m’accompagner dans cette aventure. On lance le jeu, pas de menu d’introduction et c’est directement parti pour l’action, ou plutôt un gros tuto qui se joue obligatoirement en solo. L’autre regarde et je peux donc découvrir le temps de quelques minutes à quoi va ressembler mes heures suivantes : c’est atrocement moche, il n’y a pas de mots pour décrire le choix esthétique, mais on va dire que c’est du nanar assumé dans la mise en scène. Admettons. Pour ce qui est du gameplay, c’est directement mitigé car même en mettant de coté les sauts un peu pourris et le « dash attack » qui fonctionne une fois sur trois, ça manque tout simplement de punch et on félicite ironiquement le développeur qui a eu l’idée de mettre un système de surchauffe dans un run’n gun, soit l’idée la plus moisie pour le genre depuis l’adaptation de The Expendables 2 et ses rechargements.

MAIS… y a un petit truc. Ça explose de partout, on enchaîne les vagues d’ennemis, on voit divers hommages à d’anciens épisodes, les boss sont de simples sacs à PV mais faut faire gaffe, et on nous met un évolution notable pour la série avec une augmentation en puissance de son personnage avec la thune ramassée sur le chemin. Même qu’il y a la bonne idée d’avoir le choix entre quatre persos, chacun possédant sa compétence spéciale. Diable, parlerait-on du coup d’un potentiel plaisir coupable ? Une sorte d’effet Crackdown 3 avec moins de budget, le genre dont on se moque pendant des mois avant de se dire « Bon allez, maintenant que j’y suis, autant le terminer » une fois la manette entre nos mains ? Pas vraiment.



Une fois passé l’introduction et fait un tour dans le Hub qui m’a permis d’aller dans les options et de remarquer que le jeu était encore plus laid avec le HDR activé, vient le temps de passer aux choses sérieuses, à savoir débuter véritablement le mode campagne en coopération… du moins si l’option existait en local ! Car ouais, au briefing du jeu, y a un mec qui a sérieusement dit que ce serait une super idée de faire un jeu de caméra loin d’être indispensable au genre (et pas bien réussi) qui empêcherait du coup de mettre du coop local. Et le réalisateur, il a dit ok. Donc on se retrouve avec un twin-stick shooter d’une franchise pionnière du coop sur canapé, maintenant exclusivement jouable en solo. Magnifique. Alors attention, on tient à dire qu’en fait, la campagne peut se jouer en coopération mais uniquement en ligne, sauf que pour avoir fait plusieurs essais pendant plusieurs jours et à diverses heures, je n’ai jamais réussi à trouver UN SEUL compagnon aussi bien pour l’histoire que les modes PVP. Jamais. Ça fait quand même drôle cette sensation d’être le seul mec au monde à jouer à ce truc.

Et on tient également à dire qu’il existe bien un coop local mais dans un mode à part, dit « Exploration » où l’on fait finalement la même chose que le reste : tuer et exploser plein de trucs. Ça ne pardonne pas ce scandale et de toute façon, on n’a même plus envie de tartiner davantage quand le reste de l’expérience principale consiste à enchaîner des missions courtes et molles (…) avec rarement de la variété et, bonne blague, du recyclage à outrance autant dans les ennemis que les situations : arrivé à l’acte 2, une bonne partie des missions sont des redites, avec juste des streums plus puissants. Quelque part, les avocats du diable diront que dans d’autres jeux du genre, comme Dead Nation par exemple, il est de coutume de refaire plusieurs fois certaines missions, par exemple en New Game Plus. Mais Dead Nation, c’est excellent, c’est fun et c’est nerveux. Et lui a un coop local.

D’ici quelques mois, la Switch fêtera ses trois ans et c’est seulement maintenant que Dragon Quest XI est disponible sur la machine. Pourquoi cet étrange constat ? Tout simplement parce que le titre a une certaine importance dans le catalogue de la machine : ce fut officiellement le premier jeu annoncé sur celle que l’on appelait encore NX à l’époque. Ce fut d’ailleurs précipité et Yuji Horii ne s’attendait probablement pas, lorsqu’il évoquait une sortie conjointe avec les versions PS4 & 3DS, à un chantier d’une telle ampleur, et encore moins au fait qu’il n’allait pas être si facile de transférer un projet quand la version du moteur était antérieure à sa compatibilité Switch.

Résultat, une très longue attente qui aurait pu être encore pire pour l’occident si cette édition n’avait pas bénéficié d’une sortie mondiale, mais heureusement de nombreux bonus pour compenser au fait que le rendu technique ne rivalise pas avec la PS4. Une évidence quelque part. Déjà que le jeu n’était pas des masses optimisé pour la console de Sony (900p sur la standard, on rappelle) alors personne ne sera surpris de voir que la version Switch, si elle reste relativement jolie au regard du support, souffre de pop-up, de textures amoindries et d’un certain flou particulièrement dans les extérieurs. Comme d’habitude (ou en fait nan #Xeno2), cela reste plus agréable en version nomade et dans les deux cas, ces hachures n’ont pour but que de maintenir le 30FPS. En bref, un downgrade qui n’aura rien de surprenant mais le travail reste là pour éviter de choquer ceux qui n’ont pas encore touché à ce onzième épisode. En même temps, pour ces derniers, le seul chapitre en dessous visuellement est DQVIII. Sur PS2.



Et le reste ? Ha bah de ce coté, le bilan est tout aussi clair mais inversé : la Switch est indéniablement la superior version sur quasiment tous les points. Nous avons enfin les musiques orchestrales et le doublage japonais, ce qui est dans ce second cas une première dans l’histoire de la série (pour un épisode canonique), et même si l’on n’ira pas jusqu’à parler d’édition « ++ » en terme de contenu brut, on repart tout de même avec de nouvelles séquences pour la totalité de l’équipe ainsi qu’un nouveau boss annexe en post-game. Toujours bon à prendre même si l’on aurait voulu en avoir davantage mais il faut croire que la majeure partie de la team est désormais trop occupée sur DQXII. En fait, si l’on souhaitait un peu plus de contenu, il y a une bonne raison à cela, et sans même parler de ceux qui l’ont déjà fait sur PC ou PS4 : la version Switch est potentiellement la plus « courte » de toutes. Et on va expliquer pourquoi.

Alors par « courte », c’est quand même facile plus de 50h pour voir l’essentiel mais déjà dans la version PS4 occidentale, on bénéficiait d’ajouts qui garantissaient un meilleur rythme de progression, notamment la salvatrice fonction dash. Mais la « Definitive Edition » va encore plus loin et quand on sait qu’une bonne partie de la durée de vie d’un Dragon Quest tient des combats, savoir maintenant qu’on peut les accélérer en x2 et x3 modifie drastiquement le rythme qui n’a jamais été aussi rapide dans la franchise (bien aidé aussi par le farm aussi limité que le challenge). Et d’autres détails s’ajoutent en surcouche pour aller toujours plus vite et finalement mettre de coté des actions que les développeurs jugent inutiles avec le recul. Plus besoin d’aller à une cloche pour appeler votre cheval vu que vous avez maintenant une clochette en poche. Une simple pression du bouton « + » vous donne accès où vous souhaitez à l’alchimarmite, et sachez que s’il vous manque des matériaux pour concevoir un truc, plus besoin de taper des allers-retours : vous pouvez directement acheter les éléments manquants depuis le menu ! Ce n’est d’ailleurs pas si déséquilibré car plus le matériau est rare, plus ça vaut cher, et il faut de toute façon en avoir trouvé au moins un durant l’aventure pour en acheter d’autres.



Mais la grande nouveauté pour nous autres occidentaux, c’est bien entendu ce fameux mode 2D qui fonctionne à merveille alors que l’on pouvait craindre du bricolage pour tenter d’attirer les vieux nostalgiques. Non, c’est un « vrai » DQXI 16-bits comme on aurait pu l’avoir sur Snes, avec un level-design et une mise en scène qui s’adapte à ce format, et je ne cache pas qu’il fut très rapidement ma priorité durant la période de test vu que j’avais déjà retourné en long/en large la version PS4. On notera que les zones étant à l’échelle de cette nouvelle perspective, l’équilibre s’en trouve malgré lui modifié et le simple fait de traverser plus rapidement certains endroits fait que l’on bute plus facilement devant le mur du level-up. J’ai d’ailleurs failli mourir après moins de quatre heures de jeu, alors que je n’avais pas connu ce risque avant la toute fin du mode 3D. Une version old-school qui recèle d’ailleurs d’un superbe bonus puisque vous pourrez au bout de quelques heures débloquer un village secondaire et exclusif, donnant accès à des « livres de souvenirs » qui eux-mêmes vous mèneront à des zones de DQI à X, avec les musiques qui vont avec ! Chaque séquence du genre est courte (et ça se débloque en progressant dans l’aventure principale) mais pour les fans de la série, c’est juste du caviar.

On aura donc attendu longtemps mais Square Enix a tout de même réussi à se faire pardonner pour un tel retard envers les joueurs Switch. Et encore, on pourrait même ajouter à cela les nouvelles montures, l’option pour maintenir un skin tout en modifiant son équipement, la possibilité de remettre ses compétences à zéro quand on veut, un mode photo… C’est dommage que la version « 3D SD » restera probablement à jamais exclusive au Japon mais les améliorations et bonus sont présents, et donnent suffisamment envie d’y retourner. En revanche, cela ne change pas le bilan livré il y a un an et Dragon Quest XI garde ses défauts, tous finalement imputés au « trio magique » présent depuis le début de la série : Horii ne semble plus avoir d’idées originales quant à l’univers et la progression (on est loin du IV, V, VI et VII), le style Akira Toriyama nouvelle génération nous fait toujours regretter la classe des années 90, et Sugiyama nous livre l’une de ses plus mauvaises prestations musicales (ça reste agréable, sans plus). L’heure du changement ?

Pour plus d’infos sur le coeur de l’aventure, test de la version PS4 sur ce lien :
group_article48889.html