[Test évidemment garanti sans spoiler]

Qu’est-ce que Death Stranding, déjà ? Une question qui a trotté dans la tête des intéressés pendant une bonne partie de la communication, Hideo Kojima ayant plus que jamais l’art et la manière d’attiser autant la curiosité que l’impatience, mais aussi le flou autour d’un projet pas comme les autres. 2015 fut une année marquante dans l’histoire du jeu vidéo japonais, celle où l’on a en l’espace de quelques semaines appris l’annulation malheureuse de Silent Hills, l’embrouille grimpante entre le producteur et le PDG de Konami, sans se rendre compte sur le coup que tout n’était que prémices à un divorce au préalable surprenant, mais quelque part attendu. Entre une firme qui plaçait l’essentiel de ses billes sur la rentabilité facile (le marché du mobile donc) et Hideo Kojima qui souhaitait toujours plus d’ambition dans ses projets à longueur, jusqu’à s’offrir un tout nouveau moteur, la mésentente ne pouvait être que palpable et tant pis si les enfants sont les premiers à payer le prix d’une séparation. Metal Gear est resté chez Konami, sans droit de visite, et Kojima est parti se reconstruire une famille.

Et c’est là que se trouve peut-être la première surprise autour de Death Stranding. Bien entendu, on peut penser que ce titre a commencé à prendre forme dans l’esprit de son créateur bien avant le début de la reconstruction fin 2015. Bien entendu, on sait que le nouveau « Kojima Productions » a bien été aidé pour reprendre le train en marche, particulièrement par Sony et Guerilla qui a apporté son moteur frais et un soutien logistique. Mais tout de même. Comment ne pas être surpris que l’homme qui a accumulé des retards dans tous ses Metal Gear au long de sa carrière a pu pondre une licence neuve et suffisamment ambitieuse moins de quatre ans après la création de son nouveau studio ? Une meilleure gestion de chantier et des effectifs ? L’envie de ne pas énerver son nouveau mécène ? Entre autres… Mais pas que.

Bon on va de suite entrer dans le vif du sujet et répondre à la grande interrogation de chacun concernant le gameplay ou plus exactement le système de progression. Histoire de bien comprendre où vous mettez le pied. Une base vous propose de ramener un colis à x endroit, vous prenez le colis, allez à l’endroit prévu, ce qui va créer un lien avec le réseau si c’est la première fois que vous rencontrez le représentant sur place. Si la base atteinte est secondaire, la personne ne vous proposera que des commandes annexes. Si elle est d’importance, elle vous offrira à coup sûr une commande qui déverrouillera l’accès à une autre base. Et ainsi de suite pour progresser de plus en plus loin sur la carte (vers l’ouest). Et entre les bases, trois types d’obstacle : la topographique des lieux, des mecs chiants qui veulent vous piquer vos colis, et des créatures qui veulent vous happer dans la poix. Voilà, en quelques lignes, je viens de vous expliquer ce qu’était Death Stranding en terme de « jeu », ou du moins les bases.



Alors j’en vois balancer « Attends ? Tout ça pour ça ? ». Oui, d’une certaine façon. Mais on ne peut en vouloir à Kojima d’avoir entretenu tout le mystère sur le concept et ce pour deux raisons. La première, c’est une question de marketing. Aller dans un salon et dire que ton nouveau projet repose sur l’apologie du Fedex, c’est quand même assez compliqué, pour n’importe quel développeur, et peut-être plus encore pour l’homme derrière MGS. Pourtant, comment ne pas dire qu’il y a une certaine forme d’audace derrière tout cela ? Cela fait maintenant des années que le principe du Fedex est considéré comme un des défauts majeurs du jeu en monde ouvert, au point que chacun essaye de changer la tendance ou au moins la maquiller, surtout depuis que The Witcher 3 est venu poser quelques leçons à ce sujet, et voilà qu’un des plus grands créateurs japonais débarque avec un jeu qui ne va pas seulement appliquer ce système, mais carrément tout faire tourner autour de lui. Osons le dire : c’est couillu.

La deuxième raison, et c’est peut-être techniquement tout autant valable pour la communication, c’est que Death Stranding est une expérience qui doit se vivre en profondeur pour être apprécié, et qu’il était difficile de décrire le ressenti sur une simple démo en plein milieu d’un salon. Le concept semble odieusement banal dites-vous. Et pourtant, il est capable de vous retenir plusieurs dizaines d’heures. Le secret va donc venir non pas du fond mais de la forme, et l’on peut parler de plusieurs aspects, ceux qui vont véritablement constituer l’expérience du jeu. Le premier notamment, c’est que même si les bases décrites vont globalement rester les mêmes, c’est la manière de les gérer qui va évoluer sur la longueur.



Bien entendu, il y a la simple découverte préalable, le face à face avec les premières menaces, et tout simplement comme on l’a dit la topographique. Dans Death Stranding, un simple petit fleuve ne s’arpente pas de la même manière que dans les autres jeux, de même qu’une pente. Plus vous portez de matos, plus il est difficile de vous déplacer et il faut à la fois gérer l’essoufflement, réclamant quelques petites pauses (ou de boire du Monsters #petitepub), voir en cas de véritable fatigue penser à vous reposer. Mais il y a aussi votre équipement. Les bottes s’usent, chaque équipement standard pour vous aider à vous déplacer (dont les fondamentaux échelle et corde) pèsent du poids sur votre épaule en plus que ce que vous devez livrer. Et vous pouvez ajouter à cela que non seulement une chute abîme le matériel, mais la pluie (constamment acide dans ce jeu) également. Donc sur les longues distances, vous pouvez prévoir des sprays spéciaux pour rétablir au moins les contenants, mais c’est encore du poids ajouté. Bref, à un moment, vous avez la sensation que le jeu a véritablement envie de vous pourrir la vie. Mais ça, c’est au début.

Car la grande force de Death Stranding vient de sa capacité à se renouveler à de nombreuses reprises. En fait, au moment où l’on voit arriver une pointe d’ennui, c’est là que nous est offert une potentielle facilité, comme un nouveau type d’équipement, du genre le fameux « gun lasso » pour emprisonner les voleurs de colis. Une fois ce truc entre nos mais, on n’appréhende plus un camp ennemi de la même façon. Donc on continue de progresser, potentiel ennui qui revient, et hop, voilà encore autre chose entre nos mains. Un exosquelette pour se déplacer plus vite ou porter davantage ? La possibilité de construire un pont ? Un abri de fortune qui répare automatiquement nos contenants en passant dessous ? Un véhicule ? Oui, car plus encore que la fameuse moto déjà vu dans les trailers, le simple fait de voler un camion ennemi procure une incroyable joie, où l’on appuie sur le champignon pour débarquer à la première base du coin, hurlant au représentant « Donne tout ce que t’as ! » afin de charger le cametare au maximum. On est heureux, du moins jusqu’à ce qu’on fasse preuve d’un peu trop d’optimisme et qu’on se retrouve en rade sans possibilité de recharger le véhicule, au milieu de nulle part avec 2000 kilos de matos. Là normalement, on pleure un peu.



Et tout cela n’est qu’une partie des choses à débloquer. Car en plus des choses offertes obligatoirement au fur et à mesure de l’avancée, il y a également tout ce qui tient du bonus mais qui est le nerf des livraisons facultatives. Comme on a dit plus haut, chaque base a ses livraisons que l’on pourrait qualifier de « principales » (donc les choses qui ont généralement de l’importance sur l’histoire et la progression), et les secondaires, cela incluant ce qu’on trouve parfois par terre sur le chemin. Accomplir les tâches principales d’une base vous offrira au moins deux étoiles sur cinq (c’est le rang global), le reste demandant donc des services annexes pour gratter des « likes » (oui, c’est comme ça que se nomme l’expérience, même si c’est justifié) et obtenir de nouvelles choses à chaque palier, donc généralement des versions améliorées de l’équipement disponible (et c’est hautement utile), des skins bien plus accessoires, mais aussi le droit de se reposer dans la dite base. Chose assez importante durant un temps avant que vous puissiez vous même construire vos propres abris.

Tout le concept va tourner autour de cette évolution et ce qui paraissait difficile au départ va se transformer parfois en promenade de santé. C’est notamment le cas lorsque vous pourrez vous attarder à la construction de route, puis plus tard les tyroliennes qui semblent au départ assez osef mais qui vont en fait totalement vous changer la vie quand vous saurez les utiliser. Mais au milieu de tout cela va intervenir la « deuxième notion » qui fait de Death Stranding ce qu’il est : le online. Car d’ailleurs autant le dire de suite pour briser un tabou : même s’il s’agit d’une expérience purement solo dans le sens premier du terme, vous allez perdre énormément d’intérêt (et je pèse mes mots) à y jouer off-line, en plus d’augmenter artificiellement la difficulté. Death Stranding est totalement conçu pour être une expérience ultra-connectée, c’était le souhait de Kojima, et on va vous expliquer pourquoi.



Vous connaissez le principe de Dark Souls et quelques associés avec les messages laissés par un joueur et visibles par d’autres ? Eh bien là c’est le même concept, mais puissance 1000. Car on a les panneaux rigolos mais pas que. Dans Death Stranding, vous êtes constamment connectés à d’autres joueurs, et chacune des choses qu’ils vont faire peut être visibles dans votre monde. Untel a posé une échelle à x endroit ou construit un abri ? Il peut être susceptible d’apparaître dans votre monde et à jamais (notez que vous pouvez en supprimer certains si vous le souhaitez). Un colis non livré par un autre ? Vous pourrez le trouver au sol s’il a laissé à cet endroit, ou dans un « casier », autant ceux de chaque base et que ceux que l’on peut créer sur le chemin, et terminer ensuite la mission vous-même. Casier qui peuvent même proposer armes, équipement et véhicules laissés par la communauté. Et bien entendu, l’inverse est valable lorsque vous disposerez de l’équipement à droite à gauche le long de l’aventure. Pour chaque chose à l’écran, il sera disponible de poser un like pour le concerné, voire même plusieurs (vous pouvez en placer autant que souhaité pendant quelques secondes). Et à quoi ça sert ? A rien du tout, et c’est en fait ça qui est génial.

On sent que c’est voulu par Hideo Kojima qui a une certaine habitude à briser le quatrième mur : comme dans notre monde, les likes et la reconnaissance globale sont omniprésents sur les réseaux sociaux, alors que l’utilité de votre compteur de pouces bleus est très relatif. Dans Death Stranding, c’est pareil. Multiplier les likes reçus (quasiment 600.000 au moment où j’ai éteint la dernière fois le jeu) n’a aucune utilité en soi hormis… la simple sensation d’avoir rendu service. Et l’expérience fonctionne parfaitement bien sur ce point. Débarquer de loin chargé de matos sur les épaules et voir une échelle laissée par un joueur pour éviter de faire un dangereux et énorme détour, ça donne envie de bourriner le bouton de likes comme si vous étiez dans un Mario Party. Et inversement, créé un petit pont de fortune (avec une pauvre échelle) pour traverser plus rapidement un fleuve, c’est utile pour vous. Mais revenir le lendemain dans la partie et voir que votre petite construction a reçu un paquet de likes, c’est savoir que vous avez rendu service à des gens que vous ne verrez pourtant jamais. Et… il faut avouer qu’il y a quelque chose de satisfaisant qui ressort de tout cela.



Et tout cela s’articule parfaitement avec le thème du jeu et le scénario. Vous êtes seul sans l’être vraiment, et vos actes permettent de créer des liens avec la communauté, encore plus quand vous répondez à des demandes directement faites par d’autres joueurs, où l’on sent qu’untel s’est déconnecté de sa partie car coincé dans sa progression à un recoin de la carte, attendant une livraison d’armes ou de matériel pour lui faciliter les choses lorsqu’il reprendra. Bonheur également de voir à la reprise de partie que le nombre de matériaux requis pour construire un morceau de route à tel endroit est soudainement moindre car quelqu’un avec qui vous êtes liés (vous pouvez le faire avec quelques dizaines de personnes) a bien bosser dans son monde, et ça a une répercussion dans le votre. On n’a jamais autant eu l’impression d’être aidé alors qu’on est seul au monde, et c’est sur cela que Death Stranding va réussir son pari d’être une expérience différente de ce que l’on a vu jusqu’à présent.

Mais est-ce que ça va plaire à la masse ? Nop. Aux fans ? Pas forcément, ou en tout cas pas à tous. Car déjà on va balayer le principe du « J’attends le jeu car je suis fan de Kojima » car 95 % de ceux qui affirment cela n’ont jamais touché à Snatcher et Policenauts, en rappelant également qu’il n’était que producteur sur Boktai et Zone of the Enders. Donc pour la plupart, vous n’êtes pas réellement fans de Kojima mais de MGS. Et Death Stranding n’est pas MGS. On en retrouve certains aspects, particulièrement dans la narration sur laquelle on va revenir plus bas, on a certes ce coté gameplay émergent de The Phantom Pain vu les nombreux gadgets, mais c’est limite si ça s’arrête là. L’infiltration ? Réduite à sa plus simple expression : vous ne pouvez pas vous plaquer contre un mur, faire du bruit, siffler, porter des corps… Vous pouvez vous cacher, vous pouvez tenter d’assommer dans le dos (inutile une fois l’arme lasso) et vous aurez bien quelques gadgets pour détourner l’attention mais on sent que tout cela est secondaire au regard du cœur du jeu. Et pour ceux qui se posent encore la question : oui, les armes à feu sont majoritairement prohibées (contre les humains), ce qui peut-être frustrant mais parfaitement justifié dans le scénario, il faut le reconnaître.



Après, que Kojima souhaite s’adresser à une catégorie précise de joueurs, ceux qui veulent de l’originalité et une expérience différente, personne ne lui en voudra. Ce n’est pas parce que c’est un AAA qu’il faut impérativement toucher 10 millions d’intéressés. Mais pour autant, même lorsqu’on apprécie l’aventure, et ce fut mon cas, ce qui ressemblait à un édifice pendant plus de 30 heures a fini par prendre des allures de château de cartes. On le sentait face à quelques pointes de lassitude, qu’on répète sont constamment contrées par de nouveaux éléments de gameplay… sauf qu’à un moment, il n’y a plus de nouveaux éléments à fournir. En fait, une fois obtenu ce fameux système de tyrolienne qui permet en quelque sorte de concevoir des routes n’importe où sans passer par du bitume, on a atteint l’étape finale en terme de possibilités. Le reste n’est plus que du bonus et de l’amélioration et la motivation en prend un coup pour poursuivre les livraisons annexes, la faute à un manque de renouvellement des situations elles-même.

Donc à voir si certains souhaiteront relancer en post-game (via une astuce scénaristique) pour continuer leurs livraisons et pourquoi pas trouver des bases cachées (il y en a) et débloquer les fichiers restants du codex. Mais au moins, pour ce qui est de l’aventure principale, il y a évidemment le lien qui nous maintiendra jusqu’au bout : le scénario. Et là encore, si Kojima s’est montré très évasif pendant des mois, le synopsis se montre pourtant très simple à décrire. Nous sommes donc dans un futur très proche, quelques temps après que notre planète ait été frappé par un événement d’une ampleur aussi importante qu’inconnue dans son origine, détruisant en miettes aussi bien le numérique (le réseau, l’internet, tout ça…) que le physique : le simple fait de mourir peut enclencher l’équivalent d’une bombe ravageant tout aux alentours. Et il y en a eu des morts… laissant un monde en ruine et l’espèce humaine sur le point de disparaître.



Et quand un peuple s’est habitué aux miracles de la technologie pour se construire une vie davantage dans le numérique que le réel, au point de ne plus avoir besoin de sortir de chez soi pour se faire livrer tout et n’importe quoi, revenir au point de départ est difficile, et c’est là qu’interviennent les « Uber » d’une nouvelle ère, des sortes d’entreprise conçus pour rendre service aux gens tous séparés les uns des autres, donc seul boulot qui a encore de l’intérêt désormais. Et dans le « lot » (seulement deux entreprises sont finalement évoquées ici), il y a Bridge, celle qui appartient au gouvernement américain et dont la dernière Présidente en date va, à défaut de savoir comment contrer la fatalité, donner deux missions à l’un des plus grands spécialistes de la livraison (donc Sam, joué par Norman Reedus) : rallier pas à pas les USA de la cote est à la cote ouest pour pousser chaque communauté à valider le nouveau réseau afin de reconnecter tout le monde, mais aussi en profiter pour sauver Amélie, fille de cette même présidente, enlevée par un groupuscule terroriste pour des raisons que l’on ignore encore.

Et s’il faut reconnaître un truc, c’est que le casting démonte. Et encore heureux vu le ballet des stars. Car plus encore que la satisfaction de voir tel ou tel, chacun a le mérite d’avoir un truc à raconter et ça fait un bien fou dans cette époque où trop de jeux tournent encore aux PNJ randoms de voir un vrai travail de fond. Chacun est une réussite et le plupart de leur passif saura marquer le joueur, que ce soit Fragile (Léa Seydoux), Die-Hardman (Tommy Earl Jenkins), Mama (Margaret Qualley), Higgs (Troy Baker), avec une évidente mention pour Cliff (Madds Mikkelsen) même s’il met du temps à vraiment apparaître, Heartman (Nicolas Winding Refn) qui possède probablement les cinématiques qui sont le plus dans « l’humour Kojima », et enfin Deadman (Guillermo Del Toro) qu’on n’aurait d’ailleurs pas pensé être aussi présent dans le scénario. Et puis il y a notre Sam, qui aura besoin de nombreuses heures avant de pleinement s’affirmer, justifié encore une fois par le scénario, et peut-être aussi parce que Kojima a trop vu The Walking Dead tant on sent que la psychologie et le ton sont calqués sur un certain Daryl Dixon.



« Alors, digne de MGS ? » Eh bien… difficile à dire. Sur cet aspect et dans la façon de travailler le casting, on pourrait dire oui même si l’on ne peut décemment comparer le travail d’un épisode par rapport à une saga qui en compte au moins une demi-douzaine. Coté « charisme », c’est le même topo et c’est le thème du jeu qui nivelle cet aspect. Un ancien soldat clope au bec, une sorte de pistolero ou un vampire partiront direct avec un bonus de classe quand on compare avec un livreur de colis et un informaticien. C’est de la logique. Et ce n’est pas pour rien que coté charisme, ceux qui sortent le plus du lot sont les méchants qui ont de grosses armes et qui ont vu autre chose que des ordinateurs, donc Higgs et Cliff. Et oui, Sam n’a pas une goutte de la prestance d’un Solid Snake, ou même de n’importe quel Snake quand on regarde bien, mais il est en même temps plus réaliste, et tout simplement plus humain.

Et pour rester dans la comparo car il faut apporter d’autres réponses aux questions posées, et toujours sans spoils : quid du rythme entre temps de jeu et cinématiques ? Disons que c’est tout simplement aléatoire. Quand on débute le jeu et qu’on joue réellement 20 minutes sur les deux premières heures, on sait que ça ne va pas plaire à certains, même si le jeu a forcément des choses à raconter pour poser les bases de son univers. En revanche, pour ce qui est de la suite découpée en chapitres (sans que ce ne soit aussi brutal que dans MGSV), on a davantage l’impression que Kojima a voulu pousser un équilibre pour plaire à la fois au fan du précité que ceux qui adorent zieuter des cinématiques pendant de longues minutes. Car quand il y en a, elles peuvent être très longues, et on peut parfois entrer dans un tunnel narratif d’une bonne heure (voir plus vers la fin). Mais quand on joue, on peut également passer six heures sans être réellement interrompu. Tout dépend si vous foncez « tout droit » (et c’est déconseillé) ou si vous voulez prendre votre temps.



Ce mélange entre les cinématiques à outrance et l’école du gameplay fonctionne, bien mieux que dans MGSV où l’on regrettait que de nombreuses séquences se soient retrouvés dans des cassettes audio, et mieux que dans MGS4 qui blablatait souvent un peu trop sans avoir toujours quelque chose à dire. Qui plus est et c’est finalement le plus important : le scénario vaut le coup, et est plaisant à suivre. Certes, quelques rebondissements sont un poil téléphonés (ou alors Kojima ne sait plus comment cacher certains mystères) et on n’est pas dans une soudaine révolution mais c’est des personnages et de leur destin que le jeu tire toute sa force. Plus encore que de lever totalement le mystère sur le Death Stranding et de savoir comment y remédier, ce qui peut être considéré ici comme le premier épisode (oui car il reste des questions) montre le vécu des gens face à cette tragédie, et comment certains s’adaptent à cette nouvelle ère.

Mais tout aurait été encore mieux SI on voyait des gens. En tout cas en dehors du casting 5 étoiles. Car c’est l’autre point qui justifie ce laps de temps entre l’annonce et la sortie : Kojima a dû malheureusement grignoter sur la forme et vous ne verrez quasiment personne en dehors des stars. C’est dit. Il y a les fameux secondaires sous forme d’hologrammes dont quelques guests, il y a les ennemis randoms voleurs de colis… et c’est tout. Même si les USA ne sont évidemment pas à l’échelle (très loin de là d’ailleurs), on a quand même un peu souvent l’impression que ce pays n’a plus que quelques dizaines d’habitants encore en vie. Tout est l’objet d’astuces techniques pour ne jamais montrer personne même quand il est censé y avoir du monde, mais le pire reste que c’est la même chose durant les cinématiques où, sortis encore une fois des stars, on ne voit jamais « monsieur ou madame tout le monde ». Et ça peut gêner.



Toutes ces petites choses prises ensemble empêcheront à mon sens Death Stranding d’atteindre le statut culte que l’on attendait, et d’être aussi marquant pour l’industrie que ne le furent les premiers MGS. Et encore, je pourrais citer un chapitre 13 immonde à vivre en terme de mise en scène et de gameplay (un véritable non-sens, à croire qu’il a été effectué à l’arrache en fin de chantier) et surtout des boss qui sont non seulement en faible nombre mais aussi… Enfin parlons-en tiens. Le gloubi-boulga sombre que vous avez pu voir lors du TGS, c’est le genre de boss que l’on rencontre si vous vous laissez malencontreusement happé par les « échoués » (que l’on doit esquiver dans certaines zones en restant silencieux). Certains sont obligatoires, d’autres non. Mais ils s’affrontent tous de la même manière et exception faite du dernier, ils sont d’une facilité déconcertante. Je vais être honnête : je ne suis « mort » (pour ce que ça veut dire) qu’une seule fois durant tout le jeu. Il y a ensuite les boss scénarisés, mais il n’y en a que deux (et potentiellement un troisième mais difficile de le considérer comme tel). Sauf que l’un est une ode au bourrinage, tandis que l’autre (chapitre 9 de mémoire) est d’une telle nullité que j’ai laissé tomber la méthode imposée pour foncer constamment en zig zag afin de faire parler mes poings. Et ça a fonctionné. C’était sans nul doute l’affrontement majeur du jeu en statut de boss, mais c’est peut-être le pire dans l’histoire de Kojima. L’homme qui on rappelle était considéré un temps comme un maître dans l’originalité des affrontements.

Et pourtant j’ai adoré cette expérience qui m’a fait enchaîné des nuits blanches, il est vrai parce qu’il fallait rendre un papier dans les temps mais malgré tout, je pouvais tenir sans problème jusqu’à tôt le matin sans voir les heures passer. Le concept est cool, l’univers mis en place est cool, j’ai eu envie de lire chaque ligne du codex et des mails tant certaines choses étaient intéressantes (maintenant, je sais ce qu’est un Materpiscis, voyez ?), j’ai aimé dresser mes petits objectifs de livraison pour maximiser mes gains, j’ai aimé poser des routes pour me faciliter l’existence pour les prochains passages… Tout paraît banal à décrire, mais ce fut autre chose à vivre. Et même s’il y a des défauts, même si le jeu a failli totalement s’écrouler avec ce chapitre 13, le suivant a tout sauvé en terme de mise en scène et d’émotion, et on repart avec la sensation d’avoir vécu une belle expérience et, surtout, d’avoir joué à quelque chose de différent. Le pari est réussi, c’est l’essentiel.

Disponible dès le lancement du GameCube pour apporter un peu de fraîcheur mais aussi parce que Mario ne pouvait répondre dans les temps, Luigi’s Mansion a acquis une sorte de statut culte davantage grâce au contexte que par sa qualité. Le jeu n’était pas mauvais mais pas non plus extraordinaire, subissant surtout le coup d’une durée de vie famélique. Nintendo lui-même n’a pas vraiment beaucoup cru en cette licence aussi bien au départ que dans les années qui ont suivi puisqu’elle fut simplement enterrée, obligeant les fans à attendre plus d’une décennie pour une suite, lors de la fameuse « année de Luigi ». Et là, quand tu tapes avec ce deuxième épisode près de 6 millions de ventes, t’es soudainement beaucoup plus chaud pour poursuivre la saga.

Les deux premiers Luigi’s Mansion étaient critiquables, le premier pour la raison qu’on a cité plus haut, le deuxième par son manque de variété dans les situations, comme si Next Level Games avait voulu à tout prix faire un épisode plus long, sans avoir beaucoup d’idées pour étirer la formule. De fait, il pouvait y avoir quelques craintes pour Luigi’s Mansions 3 malgré l’indéniable attente, mais maintenant que je l’ai torché (à 100 %, ouais), je peux valider mon « premier avis » publié il y a quelques jours : c’est bien le meilleur chapitre de la saga. Plus exactement celui qui a compris les critiques et où les développeurs se sont retroussés les manches pour éviter les pièges du passé, ou en tout cas en partie.



Donc comme déjà dit mais mieux vaut appuyer sur ce point, Luigi’s Mansion 3 est un modèle de variété dans les décors. Les 18 étages de cet hotêl hanté sont un véritable plaisir à arpenter et si l’on excepte l’entrée, le premier sous-sol et le toit qui sont évidemment classiques, chacun des autres étages vient apporter un thème (médiéval, studio de cinéma, shopping...) pour marquer la différence avec le précédent et le suivant. On n’a pas envie de tous les lister, parce que ce serait gâcher la surprise mais également la façon dont le jeu est conçu : le plaisir vient de découvrir l’endroit suivant. C’est d’ailleurs la même chose pour les boss. Terminé le recyclage du deuxième épisode, on revient aux fondamentaux du premier : tous les boss sans la moindre exception (un par étage) sont différents autant dans leur personnalité que dans leur manière d’être combattu, avec là encore quelques belles surprises coté idées même si la difficulté est assez aléatoire. Certains sont assez simples (comme globalement le reste du jeu il faut le reconnaître), d’autres relèvent clairement le défi au point de laisser un risque de rage chez les plus jeunes (qui pourront toujours acheter des « os » avec l’argent in-game, équivalent de vies).

Le gameplay lui-même sait apporter du neuf par rapport au précédent. Déjà parce qu’il est forcément plus jouable que sur 3DS grâce au deuxième stick, ce qui n’empêche pas quelques petits problèmes de précisions dans la visée à cause de la perspective. Pas dramatique mais ça peut énerver dans quelques séquences tendues, genre contre le boss final. Donc outre les bases du premier, et ce qu’a apporté le second (la torche à ultra-UV pour déceler les choses invisibles), ce nouveau chapitre vient proposer notre clone Gluigi, les attaques frappées, l’espèce de saut mais aussi et surtout la ventouse pour tirer et envoyer valser un objet (ou un ennemi dans certains cas). Cela parvient à renouveler les énigmes comme les affrontements et comme on a dit dans la preview, chacun de ses ajouts est suffisamment intéressants pour que l’on souhaite déjà que rien ne soit jeté pour un éventuel Luigi’s Mansion 4. On pourrait également évoquer un dernier ajout vers la fin mais laissons encore la surprise, en se contentant de dire que l’utilisation de cette fonction finale est plutôt impressionnante graphiquement.



D’ailleurs, transition toute trouvée, Luigi’s Mansion 3 est juste magnifique d’un bout à l’autre, ce qui fait plutôt plaisir cette année quand les franchises phares de la Switch ont été incarnées par l’assez flou Yoshi, le tout vilain Fire Emblem, le Link’s Awakening au frame-rate étrange, et sans même parler d’un certain Pokémon à venir le mois prochain. Là c’est indiscutablement superbe, les cinématiques sont toutes magnifiques, les animations sont géniales et variées, et le jeu n’est jamais radin dans ses effets, voir même parfois impressionnants quand on voit des tonnes d’objets voler à l’écran pour finir dans notre aspirateur magique. On met une bonne tape dans le dos au studio qui mérite encore plus d’attention de la part de Nintendo (une autre licence pourquoi pas ?), à un petit détail près : le besoin d’un patch. En effet, et c’est suffisamment rare chez Nintendo pour être signalé, on a eu des bugs, très rares certes (quatre ou cinq durant toute l’aventure), mais notables. Genre une caméra qui reste coincée dans le décors après une cinématique ou un ennemi présent mais qui refuse d’apparaître, bloquant du coup l’accès à la sortie. Pas de panique : un coup de reload (le jeu faisant une auto-save à chaque salle) et c’est réglé. Mais on ne pouvait passer outre.

Bref, Luigi’s Mansion 3 est une réussite et même en mettant de coté les deux modes multi sympathiques mais de l’ordre du bonus (un mode exploration/coop en ligne, l’autre VS en local), c’est quand même une bonne douzaine d’heures en fouinant bien sur le chemin, et au moins six de plus si vous retournez en arrière pour tenter le 100 %. Quand on pense que le premier se terminait en quatre heures, et le second en huit, on va clairement dans le bon sens même si honnêtement, le jeu aurait largement pu retirer une heure pour avoir un rythme parfait (même le Professeur se montre moins bavard cette fois). En effet, et c’est dommage, mais à plusieurs reprises (3 ou 4 fois de mémoire), le jeu s’amuse à s’étirer inutilement, lorsqu’on a battu un boss et qu’on est censé obtenir l’accès à l’étage suivant grâce à un bouton d’ascenseur, et qu’un foutu chat débarque, demandant à être poursuivi à travers les salles (voir parfois les étages) pour récupérer notre dû. Une fois aurait été suffisant (car la façon de le combattre est intéressante) mais il était inutile de faire le forcing dessus.

Les remakes graphiques, on en a vu passer un paquet dans l’histoire du jeu vidéo mais depuis quelques années, il semble y avoir un attrait particulier à apporter une nouvelle couche de peinture sur des vieilleries. On pourrait citer des jeux 2D comme Wonder Boy : The Dragon’s Trap ou plus récemment le retour de Link’s Awakening, mais la 3D n’est pas en reste, particulièrement avec Activision qui a balancé toutes les aventures de Crash et Spyro avec un joli peaufinage. Et surtout un énorme succès dans le cas de Crash Trilogy. Du coup, Sony s’est dit qu’après avoir zieuté du coté de la PS2 en repiquant Ratchet & Clank et Shadow of the Colossus, pourquoi ne pas aussi aller encore plus loin en remontant jusqu’aux années 90, avec le cas MediEvil. Et ce ne fut pas la meilleure idée qu’a pu avoir l’éditeur sur cette génération.

Toute la problématique va venir du genre. Déjà les vieux jeux en 2D sont susceptibles de garder une certaine prestance en terme de gameplay, et pour les autres cas cités (ceux de la PS1), on parle d’un jeu de course et de platformer, donc pas forcément les genres qui vieillissent le plus mal, surtout Crash encore une fois, en dépit de quelques imprécisions. Or, dès que l'on aborde le cas de jeux d’action en déplacement plus ou moins libre, se contenter de sortir un mouchoir et une bouteille de vernis n’est peut-être pas suffisant, car implique de laisser délibérément des défauts pardonnables à une époque où les gens écoutaient du Manau, mais beaucoup moins acceptables en 2019. Surtout pour un jeu vendu 30€, ce qui ne représente que 10 balles de moins que les produits d’Acti qui étaient vendus sous forme de trilogie, avec globalement le même travail.



Et là où je peux faire preuve d’une certaine objectivité sans être biaisé par le voile de la nostalgie, c’est tout simplement parce que je n’ai jamais touché à la franchise jusqu’à présent, juste « vu » quelqu’un le faire, et ce n’était que le début de l’aventure (c’était peut-être une démo d’ailleurs…). Pour autant, je connaissais au moins l’histoire, donc cette de Sir Daniel Fortesque, plus grand chevalier des terres écossaises de Gallowere, envoyé en première ligne avec son armée pour affronter le démoniaque sorcier Zarok. Mais Fortesque est un malchanceux et est mort comme une merde dès les premières secondes en se prenant une flèche perdue dans l’oeil à défaut du genou. Cela n’a pas empêché votre armée de gagner et comme on sait que l’histoire est écrite par les vainqueurs, le bon roi a décidé de jouer les révisionnistes en préférant indiquer que vous êtes mort en héros, après avoir tué Zarok. Sauf que le Zarok, il avait juste fui et c’est donc 100 ans plus tard qu’il revient pour transformer les habitants en zombies tout en réveillant les morts… incluant par mégarde Fortesque, version squelette. Il est temps de se montrer enfin digne de votre pseudo réputation.

Mine de rien, même 20 ans après, il faut reconnaître que le scénario de MediEvil est juste génial, même s’il faut prendre en compte que cette qualité revient surtout au synopsis décrit et qu’à partir de là, plus grand-chose ne va évoluer jusqu’à l’affrontement final. Cela n’a pas empêché les développeurs d’époque d’avoir su construire un univers marquant et teinté d’humour, par ce « héros » atypique qui s’exprime en « mgneugneu » (pas facile quand tu n’as plus de langue, de cordes vocales et qu’il te manque la moitié de la mâchoire), l’âme de vos anciens lieutenants qui n’hésitent pas à vous placer parfois quelques piques, et surtout les têtes de gargouilles qui sont dans la provocation constante en vous rappelant que votre statut de héros a la même valeur que la parole de Bertrand Cantat dans une réunion sur les violences faites aux femmes. Il faudra en revanche faire avec un doublage assez spécial, refait pour l’occasion et parfaitement digne de l’original. Faut juste aimer le coté un peu enfantin dans le ton.



MediEvil est donc un jeu d’action-aventure à l’ancienne qui va mixer exploration, quelques énigmes et des affrontements au travers de deux douzaines de niveaux à taille variable ponctué à chaque fois de sales temps de chargement, où malgré un thème unique (celui d’un Halloween façon Burton), on parvient à trouver une certaine variété dans les niveaux qui ont enfin l’occasion de briller techniquement, sans non plus nous renverser. C’est évidemment incomparable à la version d’origine et même celle sur PSP, mais ce n’est pas chatoyant, et disons le pour forcer dans le comparo bien moins agréable que les trilogies coté Activision. A quelques rares effets, c’est typiquement le résultat qu’on aurait qualifié de « ouais, sympa... » même sur une PS3. Il faut dire qu’on n’a pas non plus l’occasion de bien apprécier les éventuels détails vu la caméra éloignée, pas toujours pratique mais toujours plus que la nouvelle vue « de dos », tout simplement exécrable et qui ne trouvera utilité qu’en cas de danger (donc en exploitant des armes à distance pour éviter le contact).

Et ce point permet de rebondir sur l’autre problème du jeu. Car même en mettant de coté sa caméra vieillotte, le jeu se traîne des tares qui n’ont plus lieu d’être aujourd’hui. Aucun problème concernant les mécaniques plutôt réussies bien que devenues très (trop ?) classiques, et on aime le fait d’être récompensé à vouloir taper le 100% à chaque niveau pour ensuite se rendre au Hall des Héros et récupérer une nouvelle arme ou une jauge d’énergie supplémentaire, mais wow, ce feeling du néant quoi ! Car si le jeu est plus simple à manier (on joue quand même avec un stick plutôt qu’une croix), les combats sont majoritairement navrants, donnant l’impression de mouliner dans le vide contre des ennemis qui vous touchent obligatoirement à moins d’user en boucle de la même technique (du genre l’attaque concentrée au marteau). En ressort une difficulté artificielle, parfois bien rageante tant elle grimpe assez vite, et un plaisir de jeu, disons le clairement, assez limité durant les 7-8h réclamées pour terminer le jeu. Qu’importe le polish donc. Quand vos fils de 7-10 ans vous regarde jouer en balançant « On dirait un vieux jeu » sans avoir la moindre envie d’y toucher, c’est clairement que Sony a loupé son coup pour relancer une franchise qui méritait meilleure attention.

Pixel Opus fait partie des « discrets de chez Sony ». La dernière fois qu’on a entendu parler de ce studio, c’était en 2014 avec Entwined, titre assez oubliable dont l’unique surprise fut de nous avoir fait le coup du « disponible maintenant ». Il aura fallu attendre trois ans pour que l’équipe tente de se reconstruire avec l’annonce de Concrete Genie, à une époque où l’éditeur avait encore de l’intérêt pour la Paris Games Week, et deux de plus pour qu’il arrive (cette semaine) sur PlayStation 4. Voyons ce que ça donne.

Curiosité esthétique, Concrete Genie pourrait être considéré comme une sorte de conte plein de bons sentiments, chose qu’on ne refuse pas forcément même si l’on ne peut pas dire qu’on baigne ici dans l’originalité et la finesse. Vous incarnez Ash, un gamin maltraité par ses congénères dans une ville morte, n’ayant jamais réussi à se relever d’une catastrophe écologique vieille de quelques années. Sauf que le paquebot en cause de tout cela ne contenait pas du pétrole mais une matière visqueuse étrange qui progresse doucement dans la petite bourgade de Denska. Et lorsque après un énième coup de crasse des apprentis loubards permet à Ash d’atteindre le phare de la ville, notre apparent malchanceux va découvrir qu’il y réside une sorte d’esprit de la lumière, ayant bien besoin de notre « héros » pour rendre à la ville de belles couleurs grâce à un pinceau magique.

Classique mais potentiellement efficace dans les grandes lignes donc, pour être finalement surtout classique car de Ash aux autres gamins, on atteint un tel degré de cliché qu’on se demande si l’équipe n’a pas voulu en faire trop dans l’aspect feel good. Car sans être un réel spoil, tant le jeu ne mise pas sur son scénario, on soupire en voyant que l’unique justification dans le comportement des vilains vient du fait qu’ils ont souffert en étant plus jeunes, avec des flashbacks expédiés en quatre ou cinq secondes. Rien n’est fait pour creuser sur cet aspect et l’émotion voulue laisse place à une certaine niaiserie que ne peut compenser la présence d’adultes puisqu’il n’y en a pas. En tout cas à Denska. Dommage là encore car vu l’ambiance initiale, il y avait matière à pousser un peu l’aspect « Cité des enfants perdus ».



Bon vu que le scénario et la narration ne compte pas nous emmener bien loin, passons au gameplay lui-même où l’on dirige donc Ash dans de petites zones ouvertes (des quartiers de Denska donc) qui va devoir repeindre divers éléments, parfois obligatoirement, d’autres fois de manière facultative, avec un indéniable plaisir visuel. On n’est jamais libre en possibilité dans le sens où l’on dispose d’éléments pré-faits (orage, fleurs, arbres, totems…) mais c’est le prix à payer pour quelque chose de toujours agréable à l’oeil et qui permettra à quelques coups de gyroscopie de pondre de superbes œuvres, même pour les gens comme moi dont la carrière d’artiste s’est résumée jusque là à dessiner des zizis. Très rapidement, on pourra également « créer » des sortes de démons gentils qui vous viendront en aide en suivant les murs. Les rouges peuvent brûler des éléments, les jaunes alimentent des panneaux électriques et les bleus peuvent créer du vent pour pousser des objets.

L’ensemble combiné, on avait de quoi avoir un bon petit jeu d’aventure à bas prix (29€), sauf que la sauce a en fait beaucoup de mal à prendre à cause de la structure. Pour faire simple, le jeu est en fait découpé en huit mini-chapitres, dont l’introduction qu’on a déjà évoqué. Les trois suivants vont eux vous permettre de découvrir la ville peu à peu mais on se rend vite compte que la progression est incroyablement fermée. Et là, ça se résume très vite : on arrive au quartier 1, on doit trouver et allumer des lampes en dessinant ce qu’on veut autour, on trouve notre premier démon (obligatoirement rouge) pour nous aider de temps en temps, on passe à la deuxième zone de ce quartier, on allume des lampes, zones suivantes, lampes, puis grosse peinture. Quartier 2, lampes, deuxième démon (bleu), zone suivante, lampes, etc. Et pareil pour le Quartier 3. C’est indéniablement répétitif et d’un bout à l’autre, il n’y a quasiment jamais de véritables énigmes mettant à disposition plusieurs types de démons. C’est dans 95% des cas soit l’un, soit l’autre, sans avoir besoin de la moindre réflexion.



Puis vient la « deuxième partie du jeu », ce qui est une bonne nouvelle puisqu’on pensait avoir terminé l’aventure, avec la mise en place de deux nouvelles mécaniques : le surf de lumière (on se déplace plus vite donc) et surtout les combats ! Car l’apparition de démons physiques vont demander de batailler fermement grâce à trois pouvoirs à raison d’un par couleur. Sauf que c’est mou, ça manque de précisions, et une fois de plus, on se retrouve avec l’éternelle même structure : Quartier 1 (le même) pour poursuivre et combattre un démon rouge, Quartier 2 pour un bleu, Quartier 3 pour un jaune (deux en fait, mais qu’importe). Il faut malheureusement attendre le tout dernier chapitre pour enfin avoir droit à un combat digne de ce nom qui imposera de mélanger efficacement nos diverses attaques, mais ça se boucle rapidement avant de laisser place à la cinématique finale, soit environ 5 heures après avoir débuté le jeu.

En ressort une expérience bien mitigée. Il y a de petites idées et on ne peut cacher qu’on retiendra un coté attendrissant devant ces petits démons (les gentils) qui prennent vie sous nos yeux, et qu’il y a vraiment un truc dans l’esthétique des peintures, notamment renforcé dans les deux modes PSVR (PS Moves obligatoires en passant), l’un scénarisé comme une petite extension, l’autre proposant seulement de la peinture libre. C’est un peu tout, et on sent le manque d’expérience du studio pour ce qui est de concevoir une vraie aventure rythmée avec des mécaniques qui ne semblent pas avoir 20 ans d’âge (et encore, ce serait faire affront aux premiers Tomb Raider). Cela reste toujours mieux que Entwined, mais on aura tout autant de mal à s’en souvenir dans quelques années.