La cash-machine Dragon Ball perdure avec les décennies et touche tous les médias dont le JV où il est aujourd’hui difficile de calculer le nombre d’adaptations faites, au point qu’il est beaucoup plus aisé de comprendre que seules les machines ayant fait un four n’ont pas eu droit à leur épisode. Et encore, même la Vita a pu s’offrir une version de Battle of Z (une belle daube d’ailleurs). Mais la Switch est un succès et il n’y a donc rien d’étonnant à voir que la machine comptabilise déjà trois jeux en seulement deux ans, dont deux portages il est vrai, auquel s’ajoute aujourd’hui le bien inédit Super Dragon Ball Heroes : World Mission, un projet destiné aux fans comme d’habitude. Mais surtout une poignée de fans en fait.

Car ceux qui continuent de regarder Dragon Ball Super d’un sale œil n’ont pas grand intérêt à vouloir renifler ce qui ressort de la saga Heroes, un pur produit mercantile qui combine tout ce qui a été créé jusqu’à présent (DB, DBZ, GT, Super, les films) en y ajoutant tout un tas de délires et fusions sans grande logique hormis de savoir qui a la plus grosse entre Vegeto et Gogeta, ou à quoi ressemblerait Broly en SSJ4. Bref, ça n’a aucun sens en terme de narration et ce n’est de toute façon pas le but puisque l’idéal est donc de faire ronronner une partie de la fanbase tout en lui soutirant quelques billets en échange de cartes plutôt jolies. Et il y en a une masse pour répondre à l’appel puisque Heroes, ça a bientôt 10 ans depuis son apparition dans les salles d’arcade japonaises, avec entre temps quelques adaptations bloquées sur ce même territoire jusqu’à cette dernière itération Switch qui s’est payée le luxe d’une version PC en prime, et d’une localisation occidentale avec traduction dans toutes les langues.



A l’origine, le concept au Japon demandait donc de s’acheter des decks de cartes avec le hasard qui va avec, puis pouvoir se rendre sur une borne exploitant le NFC et voir ainsi ses personnes prendre vie à l’écran. Pour l’expérience console & PC, c’est forcément plus simple puisque 1000 cartes sont directement représentées in-game, à débloquer avec des tickets dans le magasin du minuscule Hub et sans grande frustration puisque les plus rares ont autant de chance de sortir que les plus moisies, que vous pouvez miser sur telle ou telle collection pour augmenter vos chances, et qu’il est possible d’obtenir parfois des pass d’or pour garantir un tirage exemplaire.

Super Dragon Ball Heroes est donc dans les grandes lignes et par essence un tactical où quel que soit le mode de jeu, vous allez donc devoir placer votre deck de 7 cartes sur une zone constituée de quatre ligne (de même pour l’adversaire en face). Vous aurez cinq manches pour dégommer la jauge PV de l’opposant ou inversement, ce qui va imposer un bon placement puisque si la dernière ligne sert à faire remonter l’endurance, les trois autres servent pour l’attaque avec un principe simple : les cartes sur la ligne la plus haute bénéficieront d’un boost de puissance, mais accompagné d’une perte plus nette d’endurance, ainsi qu’une défense moindre lors du tour ennemi. Les deux autres lignes inversent progressivement tout cela.



Simple à comprendre, de même pour le fait qu’un combattant vidé de son endurance se bouffera deux fois plus de dégâts lorsque l’ennemi attaquera, et qu’il est déconseillé de faire le gros bourrin avec une équipe complète en yoyo car si la ligne de défense est de base protégée des attaques, vous mangerez quand même la dose si la totalité de vos cartes se retrouvent dessus. Et là encore, avec effet double dans la tronche. Les premiers combats du mode Histoire permettent d’ailleurs de saisir le système, mais les développeurs n’avaient visiblement pas trop le temps de tartiner donc ont ensuite coupé court en balançant simplement un « robot tuto » qui va vous apprendre les bases en rushant, au point qu’un néophyte sera loin d’avoir tout saisi même après s’être tapé les cinq « entraînements ».

Si Super Dragon Ball Heroes est indéniablement moche (simple portage de l’arcade) et forcément doté d’une bande-son aussi oubliable que d’habitude, sauf si vous craquez pour les musiques d’origine en DLC bien chers, il faut reconnaître que la profondeur est au rendez-vous au point de pouvoir faire très peur au premiers abords. Les japonais ont eu le temps de voir les choses se développer doucement en une décennie mais pour le plupart des occidentaux, c’est comme se lancer directement dans le grand bain sans bouée, la seule perche étant la facilité du mode Histoire qui permet d’apprendre les choses par soi-même sans trop suer, mais on ne pourra que trop vous conseiller d’aller jeter un œil sur Youtube pour prendre conseils auprès de vrais passionnés.



Et on n’est justement pas là pour vous faire un compte-rendu du système qui prendrait à lui seul plusieurs paragraphes entre les trois types de cartes (Héros, Berserk, Elite), le fait que chacune a bien évidemment ses propres points de PV/Attaque/Défense, la symbiose que l’on peut effectuer entre certaines, le système de cristaux pour déclencher des attaques spéciales, les bonus de lien, le robot Giru qui lance un soutien à x tour ou encore les capacités, éléments essentiels pour la victoire et réclamant généralement une séquence QTE que vous aurez intérêt de faire au tactile plutôt que de vous amuser à bousiller les sticks déjà fragiles des joycons. Et c’est donc avec une belle transition que l’on va directement s’attarder sur l’un des gros problèmes de ce jeu : « l’autre » QTE.

Dans Super Dragon Ball Heroes, vous aurez beau être un tacticien de génie, vos talents seront parfaitement inutiles si vous ne maîtrisez pas la charge intervenant à chaque attaque et défense, donc représenté par une jauge qui monte et descend rapidement, le but étant d’appuyer au bon moment sur « A », donc lorsqu’elle est pleine ou presque. Et c’est la même chose pour l’opposant, faisant que si vous obtenez la plus grosse jauge pendant votre phase d’attaque, hé bien c’est tout simplement réussi, mais si vous foirez, l’adversaire bloque une bonne partie des dégâts. Une jauge parfaitement pleine pourra même conduire à un effet appréciable (comme augmenter votre puissance si effectué avec une carte Héros). L’ennui, c’est que ce genre de QTE qui devrait logiquement se limiter à un simple bonus d’attaque/défense devient en fait l’un des principaux nerfs du système et comme dit à l’instant, si vous êtes une tanche pour maîtriser cela, alors toute stratégie devient inutile.



Et lentement, ce qui ressemblait à un tactical sympathoche va subir le contre-coup de chacun de ses défauts, et finir par tout simplement lasser le joueur. Le mode Histoire par exemple a le mérite d’être très long, bien que peu passionnant scénaristiquement sauf pour certains dialogues fan-service, mais deviendra une promenade de santé une fois que vous aurez le bon deck (et bien compris le système) au point de voir défiler les victoires avec quasiment tout le temps la même composition et la même stratégie. A quelques boss près heureusement, demandant de changer un peu sa routine. Mais il y a également le mode Arcade qui lui reprend les mini-scénarios un peu WTF de la borne d’Arcade, et où le challenge grimpe cette fois assez rapidement. Sauf que.

Dans les salles d’arcade, pour faire durer un mode solo, il n’y a pas d’autres choix que de le rendre difficile, quitte à pousser un peu trop le curseur. Et forcément, portée tel quel, cette version PC/Switch doit faire avec les mêmes abus, à savoir une IA qui n’aura aucun remord à tricher avec l’élément cité à l’instant : la fameuse jauge de charge. Car ce qu’on n’a pas encore dit, c’est que l’endurance de vos cartes a une incidence sur la vitesse de cette jauge, et il y a donc forcément un intérêt à la fois à préserver la votre (d’endurance), mais également à démolir celle de l’opposant pour lui compliquer la tâche. Mais malheureusement, en difficulté très élevée, l’IA se contrefout totalement de ce malus et même avec une jauge qui va à la vitesse de la lumière, elle s’arrêtera quasi-automatiquement dans le vert, et bonne chance pour arriver à faire de même dans des conditions identiques.



Il reste le online. Et outre la possibilité bienvenue d’éditer ses propres cartes et missions à partager avec la communauté, nous avons forcément le versus où l’on peut enfin parler stratégie sans cheat (et encore, apparemment, y a quelques problèmes à ce sujet sur PC). Mais, décidément, vous allez être ici confrontés à un autre problème et on ne parle pas des serveurs un peu toussotant. C’est bien simple : si vous avez parfaitement compris le système, vous aurez également pigé quelles sont les cartes les plus pétées et les combinaisons qui évitent un maximum de couacs. Sauf que vous n’allez pas être l’unique élu à avoir capter tout cela : les autres aussi. Et vu le principe gacha, le résultat sera un peu semblable à ce que l’on vit dans certains jeux de baston, à savoir rencontrer toujours les mêmes combinaisons adverses, qui du coup sont plus ou moins identiques à la votre.

Nous touchons là au fond du problème. Super Dragon Ball Heroes est un pur produit du monde de l’Arcade. Toute l’expérience est conçue pour des sessions assez courtes, la collection réelle, et le simple fait de prendre plaisir à s’adapter avec ce que l’on a en poche, sans possibilité d’un coup de farm de pouvoir vous offrir en quelques heures des cartes ultra rares. Sur console, et même si chacun choisira de jouer à son rythme, reste qu’on perd forcément une partie de l’intérêt pour voir la passion s’étioler doucement et laisser place à l’ennui faute de véritable équilibrage. Ce n’est pas ça qui freinera les fans mais, encore une fois, seule une partie d’entre eux y trouveront réellement leur compte.

Le temps passe et la franchise Yoshi nous le rappelle quand on se rend compte que Yoshi’s Island fêtera l’année prochaine ses 20 bougies. Ça remonte mais pourtant déjà en 1995, le titre mettait en place toute la différence de feeling avec les Mario que l’on continue de retrouver aujourd’hui : un rythme plus lent, permettant de s’attarder sur la recherche de multiples secrets allant généralement au-delà de trois piècettes or à récolter. D’autres épisodes ont suivi, généralement moins mémorables mais suffisamment corrects, et l’itération 3DS fut le dernier à maintenir l’une des caractéristiques fondamentales du gameplay avant la transitions sur Wii U : dans Wooly World, terminé les bébés braillards pour laisser « les » Yoshis comme seuls et uniques héros. Une petite réussite, dont Crafted World va bien entendu être la suite directe.

Et… on va dire que c’est globalement très proche et ceux qui ont tâté la démo l’ont déjà compris. La formule est exactement la même, avec néanmoins quelques différences sur le rendu puisque l’on va délaisser le monde de laine pour quelque chose majoritairement fait de carton, un peu comme si on voulait rendre hommage à NintendoLabo (c’est réellement l’impression que j’ai eu parfois). Ça fonctionne bien, c’est mignon, on a même rarement vu un Hub aussi joli dans le genre, mais il faut quand même avouer que tout n’est pas parfait sur le plan technique avec une faible résolution certes peu préjudiciable mais tout de même sujette à interrogation car on parle quand même d’un platformer. A croire que les développeurs n’ont pas su optimiser l’Unreal Engine 4 et si ça reste hautement moins piquant qu’un Xenoblade 2 dans ses pires heures, préparez vous à un peu de flou, surtout en nomade.

Note :
On ne saurait vraiment se prononcer sur les (rares) cinématiques puisqu’on n’arrive toujours pas à déterminer si elles rament comme pas deux, ou si c’est juste un effet de style aux animations hachées façon Wallace & Gromit, mais en beaucoup plus lent.



Mais la grande évolution de Crafted World va en fait se situer dans son jeu de perspective. On a toujours évolué sur un seul plan au fil des années mais cette fois, voilà qu’on accueille la profondeur sans pour autant parler de 3D. En fait, il arrivera parfois que des petits chemins vous fassent changer de route, ou que vous deviez tout simplement prendre en compte les éléments du décors (en arrière comme au premier plan) pour récupérer les habituels secrets pour booster votre compteur de fleurs, lui-même ouvrant la voie à de nouvelles étapes. Du coup, si la jouabilité reste globalement la même, le système de visée avec les œufs n’est lui plus du tout le même : terminé le métronome haut/bas pour maintenant avoir un pointeur totalement libre. Et ce n’est pas plus mal, sauf dans certaines phases devant faire appel à de la dextérité.

Tout comme le précédent épisode, l’aventure se laisse vivre tranquillement et reprend la formule à l’exactitude, avec toujours ce qu’il faut de renouvellement, de bonnes idées dans certains stages (incluant un délire façon zombie), des boss assez gros mais toujours très faciles, quelques habituelles transformations qui vont encore plus loin que d’habitude, et le tout pour au final une quarantaine de niveaux et cinq boss. Ça paraît peu mais comme dit plus haut, le cheminement se fait bien plus lentement que dans un Mario, et il y a un minimum de motivation aux annexes puisqu’on pourra (sous réserve d’avoir assez de fleurs) débloquer une zone finale bonus avec un challenge plus élevé, incluant un vrai boss final.

Au final, c’est comme d’habitude avec environ huit heures au compteur, et la possibilité d’aller au-delà en misant sur le 100 %, sauf qu’il faudra cette fois vous accrocher psychologiquement pour y arriver. On aime bien cette étape qui est toujours synonyme d’un défi plus important que la ligne droite, mais les développeurs ont cette fois voulu trop en faire. Outre les différentes fleurs à gagner par niveau, on a au départ la bonne idée des « stages inversés » pour trouver trois petits chiens (les fameux bébé poochies), et de ce coté, aucun problème puisqu’il y a un minimum d’effort : on ne parle pas d’un simple mode miroir mais d’une caméra qui passe véritablement dans l’autre sens. Pourquoi pas, mais on dit en revanche « nop » pour les quêtes annexes, se résumant à retrouver un ou plusieurs objets cachés dans les décors en sachant bien que cette feature ne se débloque qu’après avoir terminé toute la zone. Comprenez donc que même avec des runs parfaits sans rien oublier, il faudra vous taper obligatoirement chaque stage au minimum cinq ou six fois pour torcher le jeu de fond en comble. Je n’ai pas trouvé la motivation nécessaire.

L’impossibilité d’écrire un long papier sur x jeu m’aura au moins permis de prendre mon temps pour cette review de One Piece : World Seeker, adaptation signée comme « la plus ambitieuse de l’histoire de la saga » ce qui est à la fois vrai et faux mais on reviendra un peu plus bas sur les raisons. Comme dans les Unlimited, le papa du manga a été invoqué pour fournir de l’aide au background mais l’homme étant déjà bien occupé sur sa série qui approche mine de rien des 100 volumes, il a donc griffonné deux-trois bricoles pour faire plaisir à Bandai Namco, ce qui permet de repartir avec deux protagonistes inédits et un contexte.

Alors pour commencer, l’adaptation a beau être ce qu’elle est, elle ne change pas des habitudes sur lesquels peu osent se défaire : ce n’est pas canon, ça n’essaye même pas de l’être, et on le remarque dès les premiers instants car la prime de 500 millions de berrys sur la tête de Luffy empêche en un seul claquement de doigts tout lien direct avec l’œuvre d’origine. L’histoire se situe théoriquement après le gros arc de Dressrosa, mais à ce moment précis du manga, l’équipage est censé être scindé et donc dans l’impossibilité de se retrouver comme par magie sur une nouvelle île. Toujours dommage quand personne ne veut tenter de bien faire les choses.

Mais bref, le scénario va donc ici prendre place sur un territoire random où la marine règne depuis quelques temps sur la population locale, ce qui contrairement à ce que l’on pourrait penser ne gène pas forcément tout le monde, et c’est peut-être là l’unique originalité du contexte (à mille lieux des derniers arcs en date comme Dressrosa, Whole Cake Island et actuellement Wano). Pour une partie des habitants, la présence de la marine est une aubaine à la fois par le travail offert sur l’exploitation minière en plus d’une garantie défensive face aux méchants pirates. Pour l’autre, on reste dans la méfiance quant aux agissements d’une main de fer, sans parler des doutes sur les projets du gouvernement. Au milieu de tout cela, Jeanne qui essaye de concilier le peuple, son frère Isaac qui profite de son grade dans la marine pour mettre en place ses propres plans, et l’équipage du chapeau de paille qui débarque sur les rumeurs d’un nouveau trésor.



En dépit de quelques points intéressants et de situations qui auraient parfaitement pu se retrouver dans l’anime, le travail de mise en scène renvoie des années en arrière, ou plutôt fait preuve d’un budget limité avec déjà une majorité de dialogues non doublés, sauf pendant les cinématiques (mais elles sont très rares). Peu de cinématiques donc peu de scènes qui claquent et hormis les broutilles du quotidien au travers d’une masse de quêtes annexes, on se rend surtout compte que même en ligne droite, le scénario se dilue sans cesse et on se permet de penser que tout cela aurait pu tenir sans problème dans seulement quatre ou cinq épisodes filler.

Car ce qui sauve un peu le truc, c’est le fan service bien présent même si très prétexte. Ok, c’est un territoire de la marine, mais il en faut apparemment peu cette fois pour faire déplacer trois amiraux (en plus d’Aokiji), l’amiral en chef, le CP-0 et même l’armée révolutionnaire (enfin Sabo quoi), sans même parler du Germa66 dont les trois frangins sont juste là pour dire coucou et prouver que les développeurs ont lu la partie de Big Mom. Les fans seront toujours contents de voir quelques gueules connues, et cela permet même d’offrir des cinématiques très courtes mais qui mettent en place des affrontements que l’on rêve de voir à l’avenir dans le manga.



On a fait le tour du casting donc attardons nous maintenant sur ce déluge d’ambition qui va être très relatif : oui, One Piece : World Seeker est quelque part l’adaptation la plus coûteuse jusqu’à présent, d’accord. Mais cela ne lui empêche pas d’être très en retard sur n’importe quel gros AAA du marché. Et c’est là toute l’ironie car même si les adaptations Wii & 3DS (portées ensuite sur d’autres supports) étaient loin d’être des joyaux, les fans pouvaient y trouver un peu de sympathie au regard des capacités de la machine. Ici, on parle d’un projet PC/PS4/One donc l’excuse du hardware n’est plus et quand bien même le monde ouvert s’avère être d’une taille correcte, il est aussi diablement vide et sans véritable originalité. Même si assez joli sur le rendu.

Et c’est là qu’on revient sur le coté fort relatif de « l’ambition » car en terme de variété des situations, World Seeker se montre au final moins complet que les Unlimited World. Ok, la pêche et la chasse aux papillons, c’était loin d’être les activités les plus motivantes mais cet épisode avait au moins l’honneur de nous proposer de jouer avec l’intégralité du casting (et même les méchants dans un mode annexe). Ici, c’est Luffy et rien d’autre. La justification première vient du fait que le monde ouvert réclame une utilisation massive du « bras-grappin » (d’ailleurs loin d’être facile à utiliser au départ jusqu’à comprendre à peu près le truc), mais il aurait été cool de tout simplement pouvoir former un duo pour pouvoir jouer Zoro, Sanji & co lors des combats.



Car en ne gardant que Luffy, les affrontements pourtant assez punchy finissent par tous se ressembler. La palette de mouvements n’est de base pas très variée et même si elle s’étoffe au fur et à mesure, on remarquera très vite que le trois-quart des choses n’a aucune utilité. L’infiltration ? Laissez tomber de suite. Les headshot à coup de Gear 2 ? Mouais. Même le Gear 4, on a fini par l’oublier. Au final, l’idée principale était de proposer deux postures, l’une basée sur la rapidité, l’autre sur la force, mais vous allez comprendre que seule la force prime et une fois les bonnes capacités en poche, vous roulerez sans problème sur la totalité du jeu, boss inclus, du moins à condition de s’attarder un peu sur les annexes.

D’ailleurs, heureusement que les premières heures ne sont pas représentatives du reste car lorsqu’on a fait face à six quêtes secondaires de suite qui imposaient de « ramener x objets », l’angoisse était palpable mais après quelques chapitres, ça finit par ressembler à quelque chose et si toutes sont loin de valoir le coup, elles permettent de rencontrer un paquet de personnages secondaires et même de visiter les îles célestes (deux petites, et seule occasion d’y aller puisque la quête principale laisse ces zones de coté). Tout ça vous donnera des points pour débloquer des compétences, et divers parchemins soit pour chopper des vêtements en lien avec les derniers films, soit pour concevoir du matos pour booster vos stats.



Il y avait matière à faire quelque chose de sympathique mais on ose avouer que le seul moyen de ne pas s’ennuyer sur la longueur, c’est genre d’écouter un podcast à coté. Les musiques sont certes sympathiques mais le système est étrangement foutu puisqu’il n’y a pas de boucle, faisant que dans une même zone, lorsque le morceau s’arrête, c’est le silence pour vous inviter à relancer vous-même une autre musique dans le menu (qui a eu une idée aussi foireuse ?). On joue donc sans réfléchir puisque de toute façon, vous passerez votre temps à faire la même chose entre combats vite expédiés, des coffres à ouvrir, et des allers-retours en surnombre.

La durée de vie n’est pas mauvaise (de 10 à 30h selon votre envie de nettoyer la carte) mais il y avait tellement mieux à faire, et pas seulement au niveau des personnages jouables. Mettez des mini-jeux, mettez des phases en bateau… Mettez de la variété, tout simplement. Et que les développeurs arrêtent de rester cloîtrer dans leur bunker en faisant bien exprès de n’écouter aucune critique des joueurs ! La visée grappin et le rythme parfois bancal des affrontements à cause d’ennemis qu’on ne peut pas frapper pendant certaines animations (genre quand il tombe, se relève doucement…), c’était déjà là dans Unlimited World Red sorti sur 3DS il y a bientôt six ans. Les joueurs râlaient déjà sur tout ça en 2013. Et aujourd’hui ? Même développeur, même constat.

Devil May Cry 5, c’est quand même un peu un projet dont l’existence était signé d’avance mais dont on s’est dit à un moment que Capcom était capable de nous la mettre à l’envers. Pensez donc, Devil May Cry premier du nom fut l’un des inoubliables ambassadeurs du début de la PlayStation 2, tandis que le quatrième fut carrément dévoilé à l’E3 2005, plus d’un an avant même le lancement de la PlayStation 3. Pour finalement être multi d’ailleurs, et dans un résultat qui n’avait strictement rien à voir avec le teaser initial mais passons. Donc quand t’es sur une nouvelle génération, et que l’éditeur ne lâche plus un mot sur la licence pendant quatre ans hormis pour des remasters à trois sous, y a un moment, t’as légitimement le droit de te poser des questions quant à l’avenir de Dante et sa bande. Mais l’E3 2018 fut celui de l’officialisation, et le nouveau cru est aujourd’hui dans les bacs pour livrer sa surprenante excellence.

Donc si Devil May Cry 4 nous laissait jouer deux personnages, ce cinquième a dès le départ joué le chaud en annonçant que ce serait trois héros qui répondraient à l’appel des armes, et tant pis si les fans craignaient d’avance le mauvais coup de recyclage qu’on a connu sur le précédent. Heureusement, il n’en est rien (dans le fond, car la forme, on va y revenir) et les trois protagonistes vont chacun vivre leur destin sans avoir besoin de retraverser les zones de leurs compagnons, et on notera d’ailleurs que contrairement à ce que l’on pouvait penser au départ, le principe de choix est très secondaire. Pour être même très concret, sur les 20 missions, une seule vous proposera de choisir celui que vous voulez parmi les trois, tandis qu’une petite poignée se contentera de tel ou tel (le troisième étant occupé).



Trois personnages pour autant de style de combat et allons-y direct pour dire qu’il s’agit indéniablement du point fort de cet épisode, et de la licence globalement. Nero, qui restera le personnage central du scénario (il est au milieu de la jaquette, ce n’est pas pour rien), reprend globalement son gameplay du 4, simili-grappin inclus, mais avec un système de bras mécanique que vous pourrez interchanger soit entre deux missions (ou via des endroits dédiés), voir en les ramassant tout simplement en comprenant que vous ne pourrez en porter qu’un nombre limité et que chacun est sujet à l’usure si vous ne vous chargez pas vous-même de le faire exploser au détour d’un combo. On pestera sur le fait que, s’ils sont de bases nombreux et suffisamment différents les uns des autres dans leurs capacités, certains soient uniquement accessibles dans l’édition spéciale mais que voulez-vous, il faut vivre avec son temps.

Dante non plus ne surprendra pas les gros fans de la série (c’est à dire ceux qui n’ont pas fait uniquement le premier) puisqu’il retrouve le gameplay de Devil May Cry 3 avec un set de plusieurs armes et un autre pour les armes à feu, en plus de pouvoir intervertir son style via la croix directionnelle. S’il est parfaitement possible de s’en sortir facilement en comprenant les mécaniques de certaines armes (dont la « moto », viscérale dans son utilisation), il reste le plus compliqué des trois à gérer pour un non habitué, mais aussi celui que les tarés de combo vont exploiter au mieux vu les incroyables possibilités. Tout l’inverse de V, le petit nouveau qui est aussi déroutant dans son utilisation que simple à prendre en main : il n’attaque pas directement puisque vos deux boutons d’utilisation serviront à utiliser de loin vos invocations, et même une troisième en renfort, ne vous laissant l’unique droit d’achever les opposants une fois affaiblis.



C’est très déstabilisant au départ mais ça fonctionne impeccablement et c’est bientôt si l’on n’aurait pas souhaité un spin-off totalement dédié à ce personnage tant son style est intéressant et plus profond qu’attendu. Bien sûr, pour chacun, le gameplay s’étoffera au fur et à mesure par l’acquisition de diverses choses en plus de l’habituel arbre de compétences qui demandera de dépenser vos orbes rouges, et comme avant, si vous voulez taper du Devil May Cry juste pour passer un bon moment sans trop vous prendre la tête, il y a toujours le mode auto-combo qui fera l’essentiel du travail sans non plus vous transformer en dieu vu qu’il faudra tout de même gérer l’esquive, et que cette option n’est d’ailleurs pas très bien adaptée à Dante. Les autres feront fi de tout cela, déjà que le mode « normal » est assez facile, et ne servira de toute façon que d’introduction avant d’aborder les modes de difficulté supérieure qui pour un fan constitue le vrai plat avec un nombre d’ennemis revu à la hausse, des patterns parfois modifiés et même des monstres bien balaises qui apparaissent plus tôt (ça surprend dès l’introduction d’ailleurs).

Sur la forme, Devil May Cry 5 pue la classe et chacune des cinématiques est un véritable plaisir de mise en scène, servie avec des personnages plus réussis que jamais malgré un léger changement de design qui s’adapte à son temps mais qui, personnellement du moins, fait dans le sans-faute. Nero a un bien meilleur aspect que dans DMC4, Dante est incroyable de bout en bout et V est (encore une fois) une véritable surprise avec sa gueule de Kylo Ren mais avec des tatouages et bien plus de charisme. Les demoiselles seront malheureusement mises en second plan, et même en arrière-plan à ce niveau car sans vous spoiler sur la présence de telle ou telle, le résultat sera le même : hormis deux bouts de fesses pour faire plaisir à l’assistance, toutes finiront dans le camion à attendre que les hommes bossent pour sauver le monde.



Car oui, justement, il faut sauver le monde à cause d’une espèce de gigantesque arbre démoniaque qui a débarqué depuis les enfers pour squatter notre monde. Le responsable n’est autre qu’un certain Urizen, roi des démons posé de manière classe sur son trône, qui souhaite donc prendre d’assaut tout ce qui bouge sans personne pour pouvoir le faire reculer vu sa puissance (et sa défense). Passé une introduction, il en résulte que Dante se fait bolosser, Nero également, et V se contente de constater qu’on est dans la merde, préférant s’enfuir tant bien que mal avec Nero pendant que Dante tente de retenir cette forme invincible sans retour possible. Le constat est posé, avec les questions qui vont avec. Comment vaincre ce truc ? Qui est V ? Comment les trois en sont arrivés là ? Dante a t-il survécu à ce combat ? (spoil : oui)

Le scénario est simple, mais est très bien raconté et surtout parfaitement compréhensible et pas dénué de surprises. D’ailleurs même si vous n’avez jamais joué à un épisode jusque là, vous aurez droit à un rapide résumé dans les bonus qui donne l’essentiel de ce qu’il y a à savoir en quelques secondes, la vidéo oubliant expressément d’évoquer Devil May Cry 2 car tout le monde s’en fout de celui-là. Et comme vous pouvez le deviner, le cheminement des missions ne sera pas en ordre chronologique et donc sujet à de nombreux flashbacks pour comprendre tous les enjeux, ce qui garanti un rythme qui va parfaitement à l’essentiel. Devil May Cry 5 est un jeu fait à 98 % d’action dans sa structure, bloquant le joueur à la manette à enchaîner les séquences et de bons gros boss qui envoient jusqu’au final qu’on souhaitait même si l’on aurait bien voulu que ça dure un peu plus longtemps (une douzaine d’heures la première fois).



Mais il y a un mais. Et même plusieurs en fait. Le premier, c’est justement que ce type de cheminement a un défaut qui ne généra pas tout le monde sauf ceux qui portent encore le tout premier comme le summum de la franchise. Ce dernier, malgré son système de chapitre, abordait quelques points d’exploration (ce qui est logique quand on sait qu’il s’agissait d’un Resident Evil dans son squelette) et cet aspect s’est peu à peu étiolé jusqu’à aujourd’hui avoir totalement disparu. Oh, il y a bien quelques zones secrètes et deux/trois coins un peu plus vastes que d’autres, mais disons-le simplement : dans son rythme de progression, Devil May Cry 5 a fait le même pari que Bayonetta 2, à savoir une production totalement conçue pour son système de combat.

Alors ce n’est pas un problème, faut juste savoir à quoi s’attendre, mais ce qui va rester comme le plus gros défaut de cet épisode va être le fait que les développeurs n’ont pas pensé à exploiter ce type de structure assez libre pour, justement, offrir une liberté créative sur les décors : la majeure partie du jeu tourne autour de cet arbre maudit et des alentours. Dans les premières heures, ça ne se remarque pas trop car ça essaye de nous emmener un peu partout, mais à partir d’un certain point, on a l’impression d’enchaîner des arènes dans les mêmes types de décors jusqu’à la toute dernière ligne droite. Décidément, après les sous-terrains de Resident Evil 7, le scénario bis de Resident Evil 2 et maintenant ça, on va finir par croire que Capcom est touché par la malédiction de la « seconde moitié ».