Beaucoup ne connaissent pas encore Dillon et pourtant, ce premier épisode en boîte est en fait le troisième de la série, les deux premiers n’étant disponibles que sur l’eShop, avec donc un concept qui ne fait que s’agrémenter au fur et à mesure des années. Aux yeux de Nintendo, cela justifie de pouvoir enfin aborder le marché physique, mais aux nôtres, à 30 ou 40€ la cartouche selon le revendeur, c’est une nouvelle preuve d’un certain abus après le cas Kirby Battle Royale.

Car le problème de Dillon, ce n’est pas son univers façon Mad Max mais peuplés par des bestioles à la Animal Crossing. Ce n’est pas non plus son héros qui est en fait plutôt réussi (mais pas vraiment bavard). Ce n’est pas même sa petite touche d’humour qui fait particulièrement mouche quand vous allez voir « l’expert » en objets avec ses descriptions WTF, du genre à penser qu’un rouleau de PQ, c’est une sorte de coussin. Non, le problème, c’est la formule elle-même qui tourne très vite en rond malgré quelques assaisonnements en cours de partie.



Prenons un chapitre au hasard. Vous (donc votre Mii tout moche) allez fouiner la ville à la recherche d’une activité annexe pour gagner un peu de pognon : vous occuper d’un magasin (mini-jeu), faire du recyclage dans un centre de tri (idem) ou une course. En fin de journée et avec votre petit pécule en poche, l’écureuil pote de Dillon vous signale votre prochaine mission et sans avoir le choix (vous l’acceptez, point), vous recrutez quelques mercenaires pour ensuite partir le lendemain en combat. On entre là dans la phase action/tower-defense avec vos unités qui vont être placés dans les tours, votre Mii qui évoluera automatiquement pour apporter son aide, pendant que vous incarnerez directement Dillon pour looter des matériaux et démolir des ennemis. La dernière phase transforme les adversaires restants en semi-bolides, et démarre alors une course où vous devrez placer des takedowns sur les quelques vilains.

Voilà, et c’est ainsi que tourne le jeu durant une dizaine d’heures. Ce n’est pas totalement mauvais mais c’est tellement répétitif qu’il suffira d’un rien pour que le jeu vous tombe des mains, la faute aussi à un gameplay qui manque de nervosité (particulièrement les combats) et la sensation de faire un peu toujours la même chose, chaque nouveau chapitre se résumant à des phases plus longues que les précédentes, et de nouvelles mécaniques, du genre des ennemis plus puissants ou des règles particulières sur le terrain. Les bases sont là, mais il reste trop à faire pour sortir de l’état du « petit jeu qu’on va chopper à 10 balles avant de faire un long trajet ».

Detroit : Become Human est la nouvelle production de Quantic Dream, eux-mêmes à l’origine du duo Heavy Rain et Beyond : Two Souls sur PS3. Certes vous le saviez déjà mais qui sait si ce papier ne va pas atterrir un jour devant l’écran d’un jeune intéressé ayant soudainement envie de lire autre chose que son fil Twitter. Et donc par Quantic Dream, on parle évidemment d’un jeu narratif, plus exactement de la tranche « film interactif » vers lequel le studio aime bien se reposer encore aujourd’hui, aux cotés de compagnons comme Telltale et Supermassive (sauf quand ils nous font un Bravo Team tout nul).

C’est un genre qui ne plaît pas à tous et ça ne changera pas ici puisque Detroit n’entend rien révolutionner, préférant miser sur une tentative de perfectionnement de sa propre formule.

[Bien entendu, ce test esquive les spoilers, bien que ce terme signifie peu de choses dans un style où c’est vos propres choix qui détermineront certains des grands points clés.]



Donc nous voilà dans la ville de Detroit en 2038, période où l’on pourrait dire que tout ne se passe pas comme prévu. Mais en fait si en y regardant bien car on ne peut pas dire que David Cage ait proposé un contexte qui retourne l’esprit tant il a été vu à de nombreuses reprises, entre questionnement classique du « Qu’est-ce qui sépare réellement l’homme de la machine ? » et bien entendu des bases scénaristiques simples : l’humain étant ce qu’il est, il se considère naturellement supérieur à ses propres créations. Un principe qu’on a déjà exploré un peu partout, sans forcément parler des androïdes, dans le jeu vidéo bien sûr mais également dans le cinéma et même la littérature, du genre la saga « Troisième Humanité » de Bernard Werber, un romancier reconnu qui n’a pourtant pondu qu’une seule grande œuvre en bientôt 30 ans. Passons.

Donc dans cette période d’avancée technologique, nos amis les androïdes ont beau ressembler à des humains sur quasiment tous les points, il n’en reste pas moins qu’ils sont en quelque sorte nos esclaves de tous les jours, que ce soit pour le travail, nos divers fantasmes sexuels ou la possibilité de servir de punching-ball. Et bien entendu, car il faut bien développer un scénario, on va avoir droit à un début de révolution de la part de quelques concernés, nommés « Déviants », avec toutes les interrogations que cela implique. Pourquoi certains arrivent à passer outre leur programme parfait pour soudainement faire preuve d’émotion ? Un virus ? Une évolution ? La suite logique des choses ?



Contrairement à Beyond : Two Souls qui faisait le choix de l’unique protagoniste (et un déroulement non chronologique qui n’a pas plu à tous), Detroit revient lui à la formule de Heavy Rain avec donc une narration beaucoup plus claire, et la présence de trois protagonistes/androïdes aux destins entrecroisés : Kara la domestique, Markus qui l’est autant, et Connor, simili-enquêteur envoyé par Cyberlife (c’est eux qui fabriquent les androïdes) pour justement enquêter sur le phénomène des déviants. Trois personnages de qualité variable mais là, ce sera au goût de chacun puisque ma femme (qui m’a regardé « jouer » si on peut appeler ça ainsi) a préféré Kara, mes confrères de la presse ont majoritairement opté pour Markus si j’en crois le sondage qui déboule à un moment sur le menu de départ, et moi je place sans problème Connor au dessus du lot, ayant à mon sens l’histoire la plus intéressante (quels que soit nos choix) en plus d’une relation très bien écrite avec le lieutenant Anderson.

Pour ce qui est du jeu lui-même, on va déjà dire que c’est incroyablement beau. Certains diront que c’est potentiellement le plus beau jeu de la machine mais je dirais qu’il faut prendre en compte le genre de chacun en avouant quand même qu’on a affaire ici à des zones très étriquées. Ça reste une belle claque où chaque décors a fait l’objet d’un soin tout particulier, tout comme les personnages où très rares sont les ratés (et ça ne concerne que des personnages très secondaires), le reste étant parfaitement sublime autant dans le rendu que les expressions faciales. Ironie d’ailleurs de constater qu’un jeu où l’on incarne des androïdes n’est jamais touché par le syndrome de la Vallée Dérangeante (Supermassive ne peut en dire autant). Si l’on excepte quelques animations de déplacement un peu raides pour une jouabilité qui l’est tout autant, on peut dire que Quantic Dream a fait du très bon boulot, mais qui pouvait en douter après avoir vu tourner Beyond sur une bonne vieille PS3.



En parlant de jouabilité, sachez qu’on ne sort pas des fondamentaux du studio avec donc un gameplay essentiellement porté sur la narration, ce qui veut donc dire que tout va se limiter aux déplacements, aux dialogues et comme d’habitude à de nombreuses séquences de QTE, plus proches de ce que faisant Beyond que Heavy Rain, c’est à dire qu’il ne faudra pas faire 15 manipulations juste pour vous brosser les dents. Le jeu se permet d’introduire tout de même deux mécaniques pour agrémenter le tout avec une option pour scanner l’environnement et permettre de repérer tout éléments d’importance, ainsi que quelques passages basiques façon détective pour reconstituer des scènes (inutile de vous dire lequel des trois persos est concerné).

Encore une fois, le genre continuera de diviser mais pour les fans, ça fonctionne toujours très bien et même encore mieux qu’auparavant. On ira d’ailleurs jusqu’à dire que Detroit est la meilleure des trois productions de Quantic x Sony, déjà par le fait qu’il n’y a cette fois que peu de chapitres à jeter. Nous disions dans Beyond que les meilleures séquences étaient celles en dehors du scénario (notamment celle des SDF) mais il y a cette fois beaucoup plus à retenir malgré quelques ratés qu’on ne peut évidemment évoquer en détails. Et l’autre point satisfaisant vient des choix beaucoup plus importants qu’ils ne l’étaient dans le précédent jeu. Bien sûr, on assiste toujours à une narration à formule « élastique » comme aime bien le dire Cage mais pour avoir tapé un second rush, croyez bien qu’il peut y avoir parfois de très lourdes conséquences (dont une particulièrement surprenante), et surtout des fins véritablement différentes.



Alors qu’est-ce qui peut donc faire sauter deux points à la note finale ? Hé bien encore une fois ce n’est pas la narration mais le scénario qui est à remettre en question. Vu qu’il est difficile de tartiner sans spoils, procédons plutôt à une analyse du genre. Vous aurez remarqué depuis le temps que Telltale opte pour des scénarios fixes n’offrant que quelques variables, afin que chacun puisse vivre une expérience voulue comme les développeurs le souhaitaient. Detroit préfère lui l’autre formule, plus ambitieuse (on ne va pas leur reprocher) mais également plus casse-gueule à cause d’un piège : en voulant offrir trop d’embranchements avec de réelles conséquences, bonnes comme mauvaises, on prend le risque que certains vivent un scénario sans surprise. C’est ce qui se passe ici car s’il y a bien des conséquences, elles s’avèrent être (globalement) en totale adéquation avec nos choix.

On reprochait à Until Dawn d’être bourré de pièges au point que même en voulant bien faire les choses, on repartait avec seulement deux ou trois survivants en fin de scénario mais quelque part, c’était une de ses forces et on ne la ressent ici que rarement. Concrètement si l’on devait résumer les choses, les rebondissements les plus inattendus interviendront uniquement lorsqu’on aura mal fait quelque chose, et donc sans faire exprès, ce qui est loin d’être constant vu qu’on n’a aucun mal à capter la psychologie de chacun et de fait, si vous voulez une happy-end, vous n’aurez pas trop de mal à savoir comment procéder. Et l’inverse est tout autant valable.



Que ce soit ou non un choix des développeurs, il y avait tout de même matière à se rattraper sur des choses annexes. Ce type de séquence qui est davantage là pour agrémenter le contexte que pour servir de fil rouge. Mais là encore, le constat est identique. Vous avez tous vu la fameuse séquence avec Kara à la Paris Games Week ? Si ce n’est pas le cas, il sera de toute manière d’être surpris tant l’antagoniste de cette séquence « pue » la méchanceté, faisant que l’on devine sans mal où tout ça va nous conduire. Je ne suis pas scénariste mais il aurait été plus malin de créer un personnage beau, sympa, pourquoi pas drôle, pour tout simplement que le joueur adopte une confiance envers lui afin d’être totalement surpris par la suite. Mais non, d’un bout à l’autre de cette dizaine d’heures d’aventure (avec un intérêt à faire au moins un deuxième rush), les ordures ont tous des têtes d’ordures, et les gentils ont tous des têtes de gentils. Un peu navrant.

Finalement, la plus grande réussite dans la narration vient assurément du background. Toutes ces choses qui sont sur le coté (certains dialogues avec les PNJ, les infos à la télé, les journaux à lire) sur lesquels vous devez impérativement vous attarder tant ils développent le contexte, avec un sens accru du réalisme où il n’y a jamais de faute ou d’exagération : notre propre avenir pourrait bien ressembler à ça. En y rajoutant bien évidemment la religion, Quantic Dream faisant malheureusement exprès de ne pas évoquer ce petit détail pour éviter de créer une quelconque polémique.

Les Musô s’enchaînent, se ressemblent pour la plupart et malgré l’expérience folle d’Omega Force en la matière, le studio n’a pourtant pas eu le parcours parfait sur les projets en partenariat avec telle ou telle licence. On a parfois eu du moyen (One Piece PW3), parfois du très mauvais (Hokuto no Ken, Berserk) et Nintendo peut se féliciter d’avoir eu un certain bol puisque Fire Emblem Warriors comme Hyrule Warriors font partie des quelques élus ayant parfaitement réussi leurs transitions dans ce style atypique.

Ce n’est d’ailleurs pas la première fois que l’on parle de Hyrule Warriors et même plus exactement la troisième puisque le titre était passé entre mes mains aussi bien sur Wii U que sur 3DS, un peu triste dans le premier cas d’avoir affaire à un jeu très cool mais manquant sérieusement de contenu, très énervé sur la vieille portable qui arrivait certes à gonfler sa durée de vie mais au prix d’un rendu peu percutant (bien qu’aux normes du hardware), la perte du mode coopération et la sensation que Koei Tecmo nous l’avait fait à l’envers en sortant ensuite un deuxième Season Pass. Cette version Switch a donc au moins les honneurs d’être la superior version de la tête et des épaules : on a cette fois tout le contenu, sans la moindre coupe, et avec un rendu légèrement supérieur à celle sur Wii U.



Car techniquement, il y a une indéniable rehausse même s’il ne faut évidemment pas s’attendre à une baffe quand on connaît le genre. Ça tourne cette fois en 1080p/60FPS (720p/30FPS sur Wii U), les temps de chargement sont légèrement réduits, la distance d’affichage est augmentée, le jeu est bien moins sombre et flou (technique de cache-misère à l’époque)… Bref, on sent qu’il y a eu un peu de travail de ce coté même si l’on gardera quelques bémols, notamment que les CG restent d’époque (donc en 720p), que la configuration nomade ne semble pas offrir un 60FPS bien ferme (c’est en tout cas la sensation que j’ai eu) et que dans tous les cas, on repasse en 30FPS pour le split-screen. Et pour ce qui est de la map parfois illisible et des objectifs qui arrivent en retard, il ne fallait pas s’attendre à des améliorations puisque l’on soupçonne Omega Force de ne pas savoir comment faire.

Au jeu de savoir qui est le meilleur entre Hyrule Warriors et Fire Emblem Warriors, difficile de répondre encore aujourd’hui. Ce dernier est un modèle dans la façon d’exploiter les bases d’une franchise pour les adapter efficacement à un genre totalement différent et si Hyrule Warriors reprend bien de nombreux codes de Zelda comme les coffres à quart-de-coeur, on ne va pas aussi loin, particulièrement dans l’exploitation des objets de soutien. En revanche, il fait mieux sur d’autres aspects, notamment sur la variété des décors, un scénario plus intéressant (bien que toujours basique) mais aussi ses contenus annexes. Forcément vu qu’on parle d’une « Definitive Edition ».



Car non content de prendre en compte certaines des modifications de la version 3DS (switch de personnages, téléportation via des statues de hiboux…), le titre propose enfin un contenu digne de ce nom grâce à la brouette de DLC, désormais tous inclus. Cela passe évidemment par des costumes et quelques armes, mais également de nombreux personnages dont beaucoup restent à débloquer. De 13 combattants sur Wii U, on passe tout de même à 29 avec pour certains des missions supplémentaires au coeur de la campagne principale, notamment pour Linkle qui est tellement agréable à jouer avec sa double arbalète qu’on en viendrait à souhaiter un « vrai » épisode de la franchise à ses cotés.

On ajoutera à cela du mode survie, une épreuve avec Ganon, du boss-rush, l’habituel mode Libre, le mode de difficulté ultime et enfin une durée de vie décuplée pour le mode Aventure. Plus intéressant que le mode secondaire de Fire Emblem Warriors, cette partie va nous envoyer sur une map 2D où chaque case correspond à une épreuve (majoritairement de l’action, forcément) et le besoin d’en finir certaines en priorité pour en débloquer d’autres, puis d’y revenir pour tenter le rang A ou avec un autre personnage pour débloquer costumes, persos ou coeur supplémentaire, sachant évidemment que le niveau de progression de chacun reste le même entre le mode Aventure et le mode Histoire. La « petite » différence de cette Definitive Edition, c’est qu’on passe cette fois d’une seule map à une dizaine, chacune ayant son propre thème et ses règles associées à tel ou tel épisode (Link’s Awakening, Wind Waker, Majora’s Mask…).

Tropical Freeze est presque un jeu maudit. Il suffit pourtant de faire un tour d’horizon chez les joueurs pour comprendre l’engouement autour de cette suite, considérée comme un des meilleurs platformer de ses dernières années mais cette appréciation s’est faite avec le recul, car le jeu n’a tout simplement pas eu de chances à l’époque : il a débarqué au mauvais moment, sur la mauvaise console. L’objectivité étant ce qu’elle est, c’est à dire très relative, j’hallucine de voir que sa moyenne Metacritic est quasiment identique au dernier Shantae, justement testé plus tôt cette semaine. Et pourtant quelle différence de qualité.

Car encore une fois, les voyants n’étaient pas franchement au vert à l’époque et Tropical Freeze en dépit de ses qualités passait pour une production qu’on ne souhaitait pas. Ou plutôt, c’est surtout qu’on en voulait plus. On attendait davantage de Retro Studios et on attendait davantage d’une Wii U après un line-up peu extraordinaire. Ce deuxième Donkey Kong Country (le cinquième en fait) n’avait pas les épaules pour combler le manque de jeux avec un début de carrière déjà loupée et une visibilité déjà assez floue. Je me souviens encore parfaitement de Reggie Fils-Aimé tout heureux de venir aux VGX 2013 annoncer Cranky au casting de cette suite, pour finalement se faire interpeller par les organisateurs en mode « Ok, et t’as rien d’autre à proposer sinon ? ». Va t-on demander à Naughty Dog s’ils ont autre chose à proposer à cet E3 à part The Last of Us 2 ? Oserait t-on râler si CD Projekt se ramène uniquement avec Cyberpunk 2077 ? Non. C’est juste qu’il y a cinq ans, Tropical Freeze, c’était bien mais pas assez.



C’est du coup sans surprise que les ventes ne furent pas à la hauteur (comparé au succès de Returns) et on ne peut en vouloir à Nintendo de vouloir retenter sa chance sur Switch, où le jeu bénéficie avant même sa sortie d’un très bon bouche-à-oreille, et surtout d’un contexte bien plus adéquat. On ne va pas revenir en détails dessus, se contentant de dire que les critiques ne sont pas volées tant le jeu reste une perle aussi bien au niveau du level-design que dans son gameplay, renforcé par l’arrivée du fameux Cranky et de Dixie. Quatre ans après son lancement initial, le titre n’a aucunement vieilli grâce à sa formule parfaitement rodée que l’on retrouve dans les Yoshi et Kirby (même si ce n’est pas toujours réussi dans ces derniers), à savoir de longs stages pas compliqué à traverser mais recelant de secrets bien plus difficiles à dénicher et atteindre.

Le rendu n’a lui que peu évolué, ce qui n’est pas vraiment choquant pour un remaster, et on appréciera donc le 1080p sur TV (720 sur Wii U) pour un léger gain de finesse qui n’est jamais de trop, le jeu étant déjà très beau à l’origine, et du 60FPS sans la moindre petite chute. Mais le meilleur reste du coté des temps de chargement qui deviennent enfin acceptables (divisés par deux voir trois) là où ça devenait insupportable sur Wii U aussi bien à l’allumage que pour chaque retour sur la map. D’ailleurs, en parlant d’optimisation, on sera également tout aussi surpris par le poids du jeu : près de 12Go sur la console au GamePad, et seulement 6,6Go sur la Switch. Comme quoi, quand on veut…



Par contre, coté ajouts, c’est encore une fois le no man’s land puisque par « Mode Funky », il faut surtout comprendre une refonte de la difficulté. Tropical Freeze peut se montrer dur, et même très dur. Oh, pas dans sa ligne droite mais la recherche du 100 % passera par les niveaux K qui peuvent se montrer d’une haute brutalité, où se rajoutera ensuite le time-attack (bon courage pour les médailles d’or) et le mode Difficile où l’on meurt en un coup dans des niveaux sans checkpoint. C’est sûr, on est pas dans Kirby Star Allies là. Le moyen d’assouplir un peu cela était de privilégier Dixie (assez craquée il faut dire) et l’achat de petits objets d’aides en boutique via des piécettes grappillées sur le chemin (les vrais se souviennent du niveau 2K).

Le mode Funky, évidemment facultatif, va lui simplement rendre le jeu plus accessible pour les plus jeunes avec des lettres Kong qu’on peut récupérer en plusieurs fois (et non obligatoirement en un seul run), l’ajout d’un cœur par personnage et surtout la possibilité d’ouvrir son inventaire même en plein niveau (5 objets max). Ce mode pourra être aussi bien joué de manière classique (avec Donkey et ses trois acolytes) ou uniquement avec Funky qui bénéficie du coup de cinq cœurs et de suffisamment de capacités pour palier au fait qu’il évolue en solo. Intéressant pour le speed-run, mais pas vraiment révolutionnaire sur le gameplay.