Août 2015. Après des années d’attente et d’espoirs, c’est au moment où plus personne ne s’y attendait que le miracle eut lieu avec l’annonce du remake de Resident Evil 2. On ne peut d’ailleurs s’empêcher de sourire aujourd’hui en retrouvant les vieux articles qui mentionnaient que, après les annonces de FFVII Remake et Shenmue III, tous les espoirs étaient maintenant permis sur cette génération (sauf Half Life 3). Trois ans et demi plus tard, et ce fut bien long, Shenmue III n’est toujours pas sorti, FFVII Remake attend le feu vert de Square Enix pour démarrer sa communication, c’est toujours mort pour Half Life 3, mais Resident Evil 2 est lui dans les bacs, et c’est aussi bon que prévu. Ou presque.

Lorsque le premier remake parut sur GameCube, l’industrie n’était visiblement pas prête. En matière de refonte, même s’il y eut quelques cas avant cela, on sentait que nous franchissions une nouvelle étape qui n’a malheureusement été que rarement adoptée par le reste des éditeurs, se préférant généralement à des remasters plus ou moins liftés (après tout, tant que ça se vend). Resident Evil est ainsi devenu un cas d’école et c’est bien entendu cette même saga qui était attendue au tournant pour nous faire revivre une telle expérience, et non sans crainte. Car le contexte n’est plus le même. De l’original au remake, Shinji Mikami était présent pour peaufiner son propre bébé, lui donner une nouvelle jeunesse et oser certaines prises de risque en matière d’ajout sans craindre une levée de boucliers devant ceux qui évoqueraient une dénaturation de l’œuvre. C’était le créateur, donc sa vision était légitime quoi qu’il arrive.



Les choses ne sont donc plus les mêmes pour Resident Evil 2. Mikami comme Kamiya ont depuis longtemps fait leurs valises et la nouvelle équipe en charge du remake avait d’autant plus intérêt à y aller à tâtons, surtout lorsque la formule de base se voit modifiée pour mettre à la poubelle les vieillissantes caméras fixes, remplacées par un gameplay de l’ère moderne, donc plus exactement ce qu’a mis en place Resident Evil 4 en y ajoutant quelques features aujourd’hui essentielles qui ont suivi. Du genre le simple fait de pouvoir bouger en visant. Et heureusement. On y retrouve même les objets de défense introduits dans le premier remake mais on évite d’aller dans l’abus en oubliant les roulades et les patates de forain dans la tronche des zombies.

Tout juste reprochera t-on le fait de ne pouvoir « écraser » quelques têtes pour éviter de mauvaises surprises en revenant dans une salle que l’on pensait avoir épongée. Car pour combler les facilités de la nouvelle vue, Capcom a fait le choix de rendre les morts-vivants plus résistants que jamais et même en mode normal, il faut parfois balancer près d’une dizaine de bastos dans la tête pour se débarrasser du vilain. Un coup de pompe bien placé saura arranger les choses plus rapidement, mais les munitions peuvent très vite se raréfiées et plus que jamais, cet épisode impose la fuite et une certaine gestion de l’environnement. Une table ? Parfait pour bloquer le zombie dans un coin le temps de tout fouiller et aller voir ailleurs.



Pour ceux habitués depuis trop longtemps à l’action (même le 7 passé la première moitié), Resident Evil 2 pourra se montrer difficile et parfois impardonnable malgré l’auto-save. Il faut juste se réadapter et analyser les choses pour pouvoir s’en sortir, surtout si vous optez par la suite pour un nouveau run en difficulté hardcore. Les grenades flash (aussi nombreuses que les standards) prennent une nouvelle utilité et la cécité des lickers est désormais une feature à prendre en compte pour éviter d’user ses munitions pour rien. On reprend donc un principe d’économie (jusqu’aux retours des rubans encreurs en mode hardcore) surtout que plusieurs affrontements sont obligatoires, et pas seulement par l’étroitesse de certains couloirs mais par les boss qui ne se règlent pas aussi facilement que le crocodile.

Et bien entendu, plus encore que dans son gameplay, c’est sur l’enrobage que le titre prend une nouvelle ampleur avec tous les mérites du nouveau moteur déjà vu dans Resident Evil 7 et qui revient nous montrer ses attributs. Le rendu est très satisfaisant, certains plans sont juste magnifiques, l’aventure se vit d’une traite sans un seul temps de chargement (sauf quand vous mourrez, ça arrive)… Et puis quelle ambiance ! Il est vrai que l’on pourra noter la forte mise en retrait des musiques, désormais des plus discrètes pour renforcer le coté glaçant. On pourra aussi reprocher qu’il faille cracher 3€ de plus en DLC pour se procurer l’OST d’origine, qui va jusqu’à remettre le ténébreux « Resident Evil » de l’écran titre, honteusement absent de base. Mais en matière de sound-design, c’est le grand jeu et on ne pourra que conseiller impérativement d’y jouer avec un casque, et un bon si possible, pour profiter de chaque détail qui ont le don de booster la jauge de flippe.



Ce remake est-il meilleur que l’original ? Chacun jugera. Personnellement, il est indéniable que la nouvelle approche possède un véritable sens du rythme et peut-être à l’heure actuelle la meilleure représentation de la série entre vitesse de progression et énigmes. Ces dernières sont évidemment plus simples qu’à l’époque, mais également un chouïa plus réaliste dans leurs mises en place. Et surtout, même si une bonne partie demande de ramener un objet A à l’emplacement dédié, il n’y a jamais de lassitude car (hormis les choses annexes comme les casiers), la plupart des allers-retours ont un but : ouvrir un nouvel accès, donc de nouvelles pièces. Et on a toujours envie d’en voir plus, au point d’être capable de faire le jeu d’une seule traite sans arriver à lâcher la manette, qu’importe si la nuit est déjà bien entamée.

Mais on ne peut pas terminer cet avis sans revenir sur l’un des points évoqués en début d’article : quid des changements ? Si Mikami a pu totalement revoir son jeu jusqu’à introduire l’inoubliable Lisa, on attendait de voir si une équipe neuve aurait la volonté (et le talent) de faire de même, à savoir surprendre même ceux qui ont retourné 15 fois l’original. De ce coté, le constat est un peu mitigé. D’un coté, oui, le jeu sait y faire en surprises. Pire encore (dans le bon sens du terme), il a le mérite de jouer avec les fans, comme Mikami le faisait avec l’apparition des chiens, et sur certains points qu’on ne spoilera pas, on ne peut qu’applaudir les développeurs d’avoir su garder l’essence pour nous l’offrir de manière totalement différente (les apparitions de Mr.X, c’est quelque chose).



Mais malheureusement, ce n’est pas une constante. Le coup de Lisa, on ne le retrouve plus et même si l’on note des ennemis surprises pour compenser avec la disparition d’anciens (les araignées notamment, et c’est dommage), on doit faire avec quelques manquements inexcusables alors qu’on les attendait forcément. Où est l’arbalète ? Où est Brad ??? Alors d’accord, ce n’est pas si grave mais il est forcément triste de voir ce type de choses bêtement supprimées, et on pourrait même avoir des reproches sur certains points de la mise en scène. Si dans la plupart des cas, c’est bien mieux qu’à l’époque, dans d’autres, on se permet de bouder un peu, comme l’apparition du premier lickers (sans cinématique) ou encore une certaine CG dans les égouts entre une « certaine » escouade et un « certain » monstre, culte dans la version PS1, et totalement banale ici.

Tout cela est bien peu de choses au regard du travail effectué, surtout que le principal reproche restera (et c’est presque ironique) d’avoir inversement gardé quelque chose qu’on n’aurait pas forcément souhaité : le coup du scénario bis. Comme dans l’original, on peut choisir au départ de débuter avec Claire ou Léon, menant en fin de partie à débloquer l’autre versant. Ce deuxième rush a bien évidemment des différences importantes (quelques zones inédites, d’autres PNJ à rencontrer…) mais ce que l’on acceptait il y a 20 ans est moins pardonnable aujourd’hui : pour le trois-quart, on fait plus ou moins la même chose quelle que soit le scénario et sans prise en compte des actions effectuées dans le premier rush alors que c’est censé se dérouler simultanément. « Censé », mais on comprend plutôt qu’on revit une partie de l’aventure comme si le premier personnage s’était contenté de pioncer. Il faudra pourtant passer par là pour voir la vraie fin mais quelque part, on n’aurait peut-être pas refusé un autre choix plus appréciable : un seul scénario d’une douzaine d’heures avec quelques changements de point de vue en cours de route, plutôt que deux qui prendront environ quinze heures en tout, mais avec du coup de la redite.

Nous sommes début 2019 et il est tout de même cocasse de se rendre compte qu’une série exploitée jusqu’à la moelle comme Tales of n’a plus évoqué le moindre épisode inédit depuis deux ans et demi, et c’est d’autant plus dommage quand on se rend compte que cette licence n’a encore jamais eu droit à un seul jeu exclusif à cette génération, Zestiria comme Berseria étant en cross-gen avec la PS3. Une surexploitation relative en ces temps donc, mais ceci s’explique par le départ de Hideo Baba qui fait actuellement ses trucs persos chez Square Enix, tandis que ceux qui sont encore sur place ont compris que Tales of ne pourrait un jour se relancer qu’avec un renouvellement autre que des zones ouvertes pleines de vide. Mais c’est long et il faut bien manger, donc voici un remaster en attendant.

Tales of Vesperia en somme, qui a forcément un statut un peu culte en Europe puisque c’est seulement le deuxième épisode de la saga à être parvenu jusqu’à chez nous, à l’époque sur Xbox 360 et grâce aux bons arguments du chéquier de Microsoft, donc la même chose que quelques années auparavant avec Nintendo et Tales of Symphonia. Les japonais n’ont pas le même regard sur le sujet, déjà parce que pour eux, on en était déjà au dixième chapitre, et surtout, ils ont eu depuis et pendant de longues années l’exclusivité d’une version PlayStation 3 qui était garni de moult bonus comme de nouvelles missions, ce qu’il faut de costumes (dont certains en DLC payants, mais plus maintenant) et surtout deux personnages supplémentaires pour booster l’équipe, incluant Flynn qui reste un des personnages centraux de cet épisode.

Petite anecdote :
Ceux qui joueront avec le doublage anglais (la VO est également disponible) constateront que Yuri n’a pas toujours le même doublage et pour cause : Troy Baker, qu’on ne présente plus, n’a pas été rappelé pour doubler le personnage durant les scènes supplémentaires.



On ne va pas refaire tout le bilan de ce remaster puisque ceux qui ont fait l’original savent à quoi s’attendre tandis que les autres découvriront ce qui est l’un des meilleurs morceaux de la série, et encore aujourd’hui. Car outre le fait que le titre n’a pas trop vieilli sur le plan graphique grâce à une très bonne patte esthétique (mais pas de 4K étrangement, hors PC), Vesperia avait déjà à l’époque su se faire remarquer par son personnage principal qui changeait totalement du petit héros niais dont le destin... [insérer scénario random]. Alors l’histoire n’est toujours pas révolutionnaire et on reste dans l’ambiance conte propre à la série mais Yuri reste de ceux que l’on retiendra le plus parmi les héros de la franchise. Il n’y a pas le coté faussement dark d’une Velvet mais il est agréable d’avoir affaire à un perso emprunt de cynisme et dont le sourire semble constamment dire « Toute ta vie me procure de la pitié ».

Vendu à prix assez sympathique (une quarantaine d’euros, ça reste moins que d’autres qu’on ne citera pas), Tales of Vesperia reste donc une expérience à vivre en ces temps où l’on ne croule pas non plus sous les « gros » J-RPG. Il faudra juste faire comme souvent avec une mise en place toujours très poussive pendant un bon premier quart de l’aventure. Encore aujourd’hui, quand on parle « blabla », on a envie de citer le pauvre FFX mais sachez-le, dans les premières heures de Vesperia, il ne se passera jamais cinq minutes sans une cinématiques ou une séquence de dialogues. Des longueurs renforcées par le système de combat qui lui aussi prend son temps pour se développer, forcément plus vieillot que les derniers épisodes en date mais faisant tout de même partie de ceux qui ont introduit les déplacements 3D (bien que la majorité se l’action se situe sur une ligne).

Mais plus on avance, plus le plaisir prend le pas sur le reste. Le scénario s’affine, la carte s’ouvre, l’équipe se complète et le système de jeu prend de plus en plus d’ampleur avec les arts à débloquer, les compétences à obtenir sur les armes (façon FFIX, principe qu’on apprécie toujours autant) et petit à petit, on découvre les Mystic Artes, les Artes Modifiés, les Overlimit, les frappes fatales et c’est ainsi que les petits enchaînements en début de partie sont oubliés pour nous laisser déchaîner les enfers. C’est du RPG que l’on pourrait presque qualifier de old-school aujourd’hui, mais qui reste toujours hypnotique car mieux dosé sur son rythme que certains déboires rencontrés dans Berseria (et surtout Zestiria). On ne repart pas avec des surprises, sauf pour ceux qui n’étaient pas au courant des bonus PS3, mais au moins avec la satisfaction d’avoir vécue une bonne aventure dans un genre malheureusement oublié de certains gros éditeurs japonais.

Dans sa longue fin de carrière qui s’étale sur peut-être de trop nombreux mois, la vieille 3DS continue de s’offrir portages & remakes et alors qu’on attend d’ailleurs Kirby : Au Fil de L’Aventure (tiré de la Wii) pour mars, c’est aujourd’hui une nouvelle édition de Mario & Luigi : Voyage au Centre de Bowser qui vient compléter le gros catalogue de la 3DS. Un remake du troisième épisode donc, Nintendo zappant sans pitié le deuxième qui de toute façon reste le moins plaisant de l’actuelle quintologie. D’ailleurs, c’est quand ils veulent pour un sixième sur Switch…

Et le choix est d’ailleurs le bon puisque inversement, Voyage au Centre de Bowser est peut-être avec le premier opus le meilleur cru de la saga, et indéniablement le plus original dans sa progression puisque prenant le risque de mettre les deux moustachus au second plan pour laisser Bowser comme principale star de l’aventure. Par une banale astuce scénaristique mais au ton toujours aussi drôle, l’équipe va en effet se retrouver miniaturisée à l’intérieur du corps de leur ennemi de toujours, et l’ensemble devra donc coopérer tant bien que mal pour dégommer un nouvel ennemi un peu foufou. Concrètement, c’est donc Bowser qui évolue dans le Royaume Champignon avec une certaine linéarité de routine (même si les routes s’ouvrent doucement au fur et à mesure de vos acquis) tandis que la moitié des sessions de Mario/Luigi sont consacrées à de simples mini-jeux pour aider leur « hôte ». Une franche bonne idée qui permet de renouveler la formule et même dix ans après sa sortie, l’expérience fait preuve d’une vraie fraîcheur en comparaison des autres épisodes et même des Paper Mario.

Après ça reste classique dans le fond mais suffisamment prenant pour éviter les temps morts et comme dit, le jeu force dans les mini-jeux et séquences improbables (les combats du Géant Bowser) pour qu’on avale l’aventure sans s’ennuyer (toujours plus ou moins 25h selon votre envie de vous attarder sur les annexes). On reprochera tout de même, comme tous les autres épisodes 3DS d’ailleurs, une facilité un peu trop grande, du moins si vous n’oubliez pas de « gober » de temps à autres quelques ennemis pour éviter que les plombiers aient du retard au niveau du level-up. On aurait également souhaité davantage de nouveautés intégrées puisque sorti de la réhabilitation technique (mais toujours sans 3D relief pour quelques évidentes raisons), on ne repartira qu’avec l’espèce de Tower-Attack « L’épopée de Bowser Jr ». De ce coté, pas forcément de surprise vu qu’il s’agit simplement d’une version améliorée des « Sbires de Bowser » du premier remake, avec d’ailleurs un accès dès le début du jeu et diverses améliorations qui n’empêcheront pas une certaine répétitivité.

Considéré comme culte par de nombreux joueurs, Onimusha n’est pourtant pas franchise qui a eu le temps de tenir sur la longueur. C’est même l’inverse si on regarde bien puisque l’essentiel de sa carrière se résume sur seulement trois ans (2001 à 2004), soit le temps de pondre une trilogie qui a marqué son temps. Le reste n’était que bonus, du jeu de baston oublié de tous au tactical GBA très random en passant par le « faux » quatrième épisode pas mauvais mais qui n’a pas eu le temps de se faire remarquer car débarquant à la mauvaise période (on avait déjà les pieds dans la nouvelle génération). 13 ans plus tard, avec entre temps un RPG sur navigateur et mobile un peu osef, Capcom a enfin décidé que l’heure était venue pour la résurrection. Mais sans prise de risque pour le moment.

Donc pas de nouvel épisode à la pointe de la technologie (on croise les doigts pour 2020), par de compilation de luxe à la Devil May Cry, mais juste un remaster HD du premier. On imagine que les autres suivront un jour ou l’autre mais on sent donc que l’éditeur compte d’abord tâter les terrains et savoir si les fans d’époque sont toujours en vie, et si de nouveaux-venus sont intéressés par ce « Resident Evil sauce samouraï » comme on l’appelait encore au début du millénaire. Un terme bien pompeux avec le recul puisque de la série pré-citée, on ne garde finalement que les décors pré-calculés tandis que le coté survival/énigmes passe à la trappe avec une large mise en avant de l’action et des puzzles bien plus simples que ce que l’on trouvait à Raccoon City.



Forcément, 18 ans après l’original, Onimusha Warlords a pris un certain coup de vieux dans la tronche mais finalement pas tant que ça. Alors oui, il faut se réhabituer à ce jeu pervers des caméras (qui permet mine de rien de conclure qu’aujourd’hui, on n’en veut plus), et à ce système de sauvegarde old-school qui peut faire rager en cas d’échec. Et il y a bien entendu l’aspect technique. Parce que déjà, même si les personnages sont « HD-isé », la modélisation reste la même (donc aujourd’hui très carré) mais les principaux problèmes restent exactement là où on les attendait : les cinématiques sont d’époque donc pixelisent à fond, et les décors sont incroyablement flous car on ne peut pas faire de miracle à partir d’un .jpeg en SD. Au moins, vous n’aurez aucun mal à ramasser l’essentiel des collectibles tant ils ressortent du reste.

Par contre, le reste est toujours aussi cool. On avait franchement peur que les souvenirs soient trompeurs, car c’est souvent le cas, mais sur le gameplay, il y a toujours ce plaisir dans la prise en main grâce à des mécaniques simples (légèrement RPG-isées avec les orbes pour augmenter notre puissance) et un minimum de profondeur dans le feeling par le système de contre qui demande une très grande précision. Hormis quelques rares étapes (Kaede a beau être « jolie et intelligente », ses séquences restent en deçà du reste), on est toujours pris par le rythme qui permet que tout s’enchaîne très rapidement dans le principe action/exploration/puzzle/boss, et peut-être même trop rapidement diront ceux qui le découvrent aujourd’hui : environ cinq heures seront suffisants pour atteindre les crédits de fin même en mode normal, incluant l’espèce de tour de combat en bonus.

Donc est-ce que c’est toujours bien ? Évidemment que oui. Si Onimusha n’a pas tant vieilli, ce n’est pas parce qu’il était en avance sur son temps mais parce qu’il reposait sur des bases solides qui ne sont certes plus d’actualité mais qui garde un sentiment d’attachement. Ça reste un morceau d’histoire et l’un des premiers hits du misérable début de carrière de la PlayStation 2 (dont on peut encore aujourd’hui comprendre pourquoi il a infligé une telle gifle), qu’on se plaît à refaire des années après et qu’on sera capable de rallumer un jour si l’occasion se présente. Il reste juste dommage que Capcom n’ait pas exploité la version Xbox, un peu plus riche en contenu, laissant ceux qui veulent rentabiliser leurs 20 balles se tourner vers la chasse aux trophées avec quelques défis plus ou moins ardus.

Note :
Test effectué à partir de versions One & Switch.