Tout nouveau, tout chaud, mon dernier article sur mon ENORME coup de cœur musical de ce début d'année : la "Little Big Adventure Symphonic Suite & Original Soundtracks".

Cet article est initialement publié sur Gameforever :
https://www.gameforever.fr/forum/little-big-adventure-symphonic-suite-original-soundtracks-t1427.php

Vous pouvez le lire intégralement ici sur Kyo ou bien sur le site source (un petit clic pour le référencement ne fait jamais de mal, merci d'avance), à votre guise.

Dans les deux cas je vous souhaite une bonne lecture.

PS : certains jeux sont cités pour illustrer les morceaux de façon comparative. J'ai inséré des des hyperliens menant à l'écoute de pistes musicales. N'hésitez pas à cliquer dessus pour lire l'article en musique !




Photo : Guilherme Canato Brites


Didier Chanfray nous en avait parlé dans son interview exclusive pour Gameforever.fr : LBA allait faire son petit retour, plus de 20 après, au travers d'un projet participatif : le Little Big Adventure Symphonic Suite & Original Soundtracks project !



Réalisé par Philippe Vachey, le compositeur émérite de la saga, en collaboration avec Didier Chanfray et Wayo records, ce disque avait comme objectif d'apporter d'une part une réorchestration à la fois symphonique et moderne de la sublime OST de la saga, mais aussi, de proposer de toutes nouvelles pistes inédites.
Bref de quoi rêver et ressentir un peu le début de LBA3 avant l'heure !

En tant que total profane et simple amoureux de cette saga, je vous propose une description pas à pas de ma découverte de ces deux disques;

Cette écoute (et cet article) n'aurait jamais pu être possible sans une généreuse donatrice de Gameforever, qui m'a offert le disque et que je remercie chaleureusement au passage (elle se reconnaitra !)

Bonne lecture.





Music box LBA (Aka LBA's Theme)

L'ouverture du disque se démarque par une nouvelle partie totalement inédite.
Composée de notes au synthé, à base de piano chorus, cuivres et cors, le thème semble étendre ses ailes après un long sommeil et ce, pendant une longue minute trente. Puis arrivent les percussions, la flûte traversière et la clarinette, dessinant les premiers contours de la mélodie la plus célèbre de la saga :[b] le thème de LBA[/b].

Passé 2:30, la basse et la guitare ont également fait leur entrée, dans un mélange symphonique/électrique qui sied fort bien à l'univers. On retrouve immédiatement cette coloration très 90's, propre aux 2 jeux.

Le thème continue à virevolter, mélanger ses parties développées dans LBA1 et LBA2; Philippe Vachey semble vouloir prendre son temps, et ça marche. Plus le thème avance, plus l'orchestration gagne en puissance.
Déjà 5 min que le thème tourne, ce qui en fait la plus longue version à ce jour, avec des changements constants dans les arrangements toutes les 3 ou 4 mesures. C'est terriblement bien fait.
Un très belle réussite. Peut être un chouilla trop synthé pour moi, mais l'ensemble s'avère lumineux et réellement enthousiasmant. Bravo. Vite la suite !


The Empire



Alors là, on a du très très lourd ! Après s'être échauffé sur le Main Theme fédérateur, Philippe Vachey propose direct un uppercut : The Empire, en version symphonique ! Un des meilleurs thèmes de LBA 2 !

Et attention : là, on a une piste 100% symphonique ET philharmonique !
Si le thème originale avait une petite intro d'une trentaine de seconde avant de lancer son motif principal, ici, Vachey profite à 2000% d'avoir un orchestre philharmonique à ses ordres : la nouvelle intro fait désormais plus de 2minutes !

Le compositeur mélange de nouvelles mélodies à la célèbre descente de violon que l'on entendait normalement à la fin du morceau.

L'ensemble de cette intro prend une tournure incroyablement cinématographique !
Arrivé à 1:30, une nouvelle partie au synthé, donne une couleur crystalline à l'ensemble, rappelant la dimension spatiale de la saga. C'est alors qu'à 2 minutes, les percussions arrivent puissamment, accompagnés des cordes !

Et voilà, qu'arrive le motif principal de The Empire ! Véritable envolée celtique au violon, le thème a la puissance d'un Witcher, 20 ans avant ! Accompagné de percussions rythmés, The Empire prend alors pleinement son envol, et on se croirait presque à entendre The Battle of The Mounds de Basil Pouledouris (Conan le barbare).

5:16 d'orgasme auditif. Si la suite est du même acabit, je ne vais pas survivre à l'écoute de cet album.





Mother Earth


Mais qu'est ce donc que cela? [b]Une nouvelle piste ?!!! Mais oui![/b]

Alors là, c'est pas compliqué, les mots me manquent. 100% philharmonique et sans la moindre touche d'instruments électriques, cette composition est la plus sombre, la plus virevoltante, et la plus cinématographique que j'ai entendu de la saga. [b]Tout est absolument parfait. [/b]

Après 2 minutes 40 de montées en puissance, une descente de cordes à vous déchirer le coeur apparait dans une mélopée dramatique absolument inoubliable.

Une piste absolument formidable, qui rappelle avec bonheur le travail d'Oscar Araujo (Castlevania Lord of Shadow) ou bien la récente bande originale de Ghost of a tale - (Jeremiah Pena Containher Mathieu Alvado )

C'est en écoutant ce genre de morceau que l'on se rend compte que Philippe Vachey aurait pu – non – aurait dû connaitre une carrière similaire à Nobuo Uemastu.
Je ne sais plus quoi dire, si ce n'est MERCI. Ah si, appelez les pompiers, je perds les eaux.


Desert

Après nous avoir fait hurler comme un fan à un concert de Mylène Farmer avec 3 pistes d'une puissance sidérante, Philippe Vachey surprend avec une piste extrêmement calme et d'ambiance : le thème du désert de LBA1.
Très lancinant, et d'une couleur très arabisante, ce thème marquant du premier jeu, se voit ici réarrangé avec des instruments plutôt électriques. Basse, Sitar, petites percussions : la réorchestration suit le modèle original, mais avec de meilleurs sonorités. Classique mais efficace, le thème du désert montre l'étendu du spectre musical de son compositeur mais aussi de l'univers musical de LBA.



The Water Deity




Nouvelle piste, qui, comme l'indique son nom, va déployer un motif pensé autour de Sendell, la divinité protectrice de la planète Twinsun.

Après 2 minutes assez psychédéliques (où l'on entend pour la première une voix chuchoter dans une langue mystérieuse), quelques belles glissades de violon apporte un sentiment de paix à ce thème, fort joli. On espère le réentendre dans LBA3 .


Emerald Moon



Certainement la réorchestration qui m'a le plus surpris ! Entièrement interprété au synthétiseur dans son introduction, le thème de la Lune D'Emeraude se voit ici enrichi de nouvelles parties mélangeant à la fois des sonorités nouvelles (très Mirror's Edge) avec le célèbre son clavier de la version originale.

Puis voilà qu'arrivent, à environ 2 minutes, les violons, déployant le thème principal du morceau, désormais enveloppé de notes cristallines du plus belle effet. Une piste absolument magnifique.


In The Temple



Le Temple de Bû était l'Epreuve d'Hercule du premier LBA. Un niveau infernal, qui a traumatisé bien des joueurs, et dont le thème incroyablement maléfique résonnait encore dans leur tête.

Dans la version originale, Philippe Vachey utilisait un synthé à imitation violoncelle, accompagné de cuivres, pour donner une coloration très sombre et désespéré à l'ensemble. Cela rappelait les thèmes de John Williams développés autour de la Lune de la Mort dans le premier Star Wars.

Ici, Vachey prend à rebrousse poil le morceau : au lieu d'attaquer en puissance comme dans la version originale, le compositeur fait apparaitre et disparaitre instantanément le motif avec des cordes piquées accompagnées d'un écho inquiétant.

Le thème se développe lentement et semble près à attaquer à tout moment. Puis arrive l'envolée du violon et ces sonorités de piano rappelant une alarme. Toutes les gammes explorent les tonalités en mineur, pour donner un apparat noirâtre du plus bel effet. La plus maléfique piste de l'album et là encore, une réussite.



FT LAPS (aka FunkyTown)

J'avoue avoir eu peur et ne pas comprendre lorsque j'ai vu que le thème Funky Townn était présente sur le disque.

Complètement en décalage du reste de la B.O du premier opus, Funky Town apport une piste dansante pour un cours passage dans une boite de nuit dans le premier jeu. On retrouvait également le morceau au générique de fin.

Bref : que faisait ce morceau dans une "Symphonic Suite"? Eh bien, j'avais tort. Mais alors complètement.
Funky Town se retrouve ici métamorphosé par un réarrangement à mi-chemin entre l'electro-wave des 80's et celle de notre époque.
L'ensemble s'avère puissant, et rappelle au profane que je suis le très bon son de Daft Punk. Une excellente surprise.

Purple

Une piste synthé très courte mais ô combien puissante de LBA2.
Adieu les sonorités de jadis : ici, ce sont de véritables violons qui jouent, et ça envoie. Quel dommage que le thème ne dure littéralement qu'une minute.

Cette réorchestration rappelle Bear McCreary, sur Battlestar Galactica;




Opening for LBA

Voici que l'on retourne au premier jeu, avec le célèbre Opening, piste à la fois lancinante et puissante, véritable merveille de construction progressive, drapée ici d'une réorchestration philharmonique. Le thème est long, varié, après des motifs qui s'entrechoquent avec merveille. Très réussi.



Hamalayi




La planète Twinsun ne fait rien comme les autres. Son pôle est en son centre, symbolisé par une chaine de montagne enneigé, coupant la planète en deux hémisphères parfaitement distincts.
Le thème original s'avérait très cristallin, pour évoquer le motif de la neige. Il en est de même pour cette réorchestration mélangeant à la fois sonorités électriques et acoustiques. C'est un mélange absolument sublime, peut être le plus beau de l'album.

Quelques nouvelles mesures accompagnent l'ensemble, qui gagne ici, une fois encore, un aspect hautement cinématographique. Mention spéciale à la sublime envolée à 3:00, digne de figurer dans la B.O d'un Dark Crystal.


The Quest

Nous arrivons déjà la dernière piste de la Symphonic Suite !
The Quest est certainement l'un des thèmes les plus mémorables de LBA1. Un morceau qui semblait décrire l'aventure, le courage, et le doute.
Cette réorchestration est une fois de plus une pure merveille. Les flûtes traversières de ce nouvelle arrangement me resteront longtemps en tête.
La dernière partie, entièrement inédite, donne un aspect conclusif apaisant et mélancolique, digne digne d'un Cloud Smiles (FFVII Advent Children).

Voilà, le spectacle est déjà fini. Larme de joie.

Vraiment fini? Eh bien non : pas tout à fait !



Disque 2 Little Big Adventure 1&2 soundtrack + Wayo Piano collection[/size][/color]



Nicolas Horvath, Le pianiste derrière les 4 arrangements et interprétations originales de ce second disque.


Comme son nom l'indique ,ce second et ultime disque contient l'intégralité des pistes originelles des 2 premiers LBA 2, mais pas que!

Une belle façon de (re) découvrir ces 2 B.O inoubliables dans leur apparat originel, et de se rappeler de quelques pistes absentes de la réorchestration symphonique comme The Rebels , Village (LBA1) ou bien encore Honey Bee et Zeelich (LBA2).

Cela fera en tout 15 pistes à écouter, qui se verront complétés [u]par 4 pièces piano inédites[/u] : Metamorphosis of the Hamalayi, Song for Gabriel, The Village et Honey Bee).


Ces 4 pistes piano sont arrangées, jouées et enregistrées par Nicolas Horvath, pianiste monégasque, [b]qui s'incruste ici avec un talent MA.G.I.S.T.R.A.L.E.[/b]


Metamorphosis of the Hamalayi
Une réinvention totale , dans un style sombre, puissant, rapide, et dynamique , rappelant fortement Debussy. Une merveille, je suis sur le cul.



Song for Gabriel

J'étais un peu triste que le magnifique thème d'ouverture de LBA2 ne soit pas de la partie dans la Symphonic Suite. Le coquin m'attendait finalement tranquillement au piano Nicolas Horvath. Joué dans le même esprit que Metamorphosis of the Hamalayi, Song for Gabriel est ici une merveille entre douceur noir ébène et luminosité étincelante. [b]La piste est absolument déchirante[/b], et je pèse mes mots. Putain, que c'est beau le piano.


[b]The Village[/b]

Y a t-il morceau plus espiègle dans la B.O de LBA que [b]The Village[/b]? J'en doute. Cette version piano s'avère fantasque, délicieusement malicieuse, parfois grave, parfois blagueuse. [b]Une réorchestration d'une grande intelligence et d'une grande subtilité[/b], toute en finesse. Vraiment chapeau.


Honey Bee

"Mais bordel, il est où mon Honey Bee?!" Mon morceau préféré, désespérément absent de la Symphonic Suite, a failli me faire mal au cœur de par son absence. Et voilà qu'il est là le coquin, bien caché en tant que dernière piste originale du disque 2.

Le voilà donc vêtu d'une couleur piano cabaret, qui lui va fort bien. Le thème revêt sa sournoiserie légendaire, mais s'avère aussi élégant et envolé de par des changements de tempo forts bien pensés et sans parler des harmonies. Bref, une pure merveille.
Honey Bee, je t'aime, pour la vie.




CONCLUSION


"Philippe Vachey, le Héros de cette aventure" (les fans comprendront)


Mais mon Dieu, mais quelle claque !

C'est encore plus puissant, plus audacieux et plus lumineux que tout ce que je pouvais imaginer !

La Symphonic Suite permet à Phiippe Vachey de revenir dans la place de la plus belle des manières ! Clairement, il est l'un des compositeurs les plus brillants de la génération des 90's dans le jeu vidéo.

Sa réorchestration s'avère passionnée et passionnante, mêlant avec brio pistes électriques et acoustiques, ambiance synthétique et philarmonique, pistes réinventés ou nouveaux thèmes originaux, le tout dans un apparat absolument sidérant de beauté.

Si l'équipe de développement de Delphine Software est la tête et le cœur de LBA, Philippe Vachey en clairement en son âme. [/b]

On sent à chaque instant une envie de se dépasser pour lui-même mais aussi pour les fans du monde entier. Sa passion, son énergie et son amour pour la musique est palpable à chaque seconde de ce disque. Je ne peux que me lever devant mon ordi et applaudir tout seul comme un con.

[g]Mon respect infini à ce compositeur Villeurbannais. Il est et restera désormais pour toujours parmi les Grands Compositeurs du Jeu Vidéo.

Enfin, merci à Wayo Records[/b], bandes de petits coquins, car vous m'avez mis sur le cul en réunissant l'ensemble de la B.O des 2 jeux sur un seul disque, [b]pour ensuite m'achever avec ces 4 réarrangements pianos absolument sublimes.

Bravo à Nicolas Horvath, que je connaissais pas du tout, et qui m'a émerveillé.



Bref, vous l'avez compris, Little Big Adventure - Symphonic Suite & Originals Soundtracks est plus qu'un hommage : c'est une renaissance et une nouvelle avancée pour la saga Little Big Adventure.

Je n'ai pas honte de dire que je met cette double galette au même niveau que d'autres sublimes B.O qui m'ont marqué ces dernières années, comme Nier Automata, Ghost of A tale ou Dark Souls III.

Si vous aimez la musique de jeu vidéo, [u]vous ne pouvez pas passer à côté de cet album.[/u]


UN INCONTOURNABLE DE L'ANNEE !



=> COMMANDER LE DOUBLE DISQUE :
http://www.wayorecords.net/wayo/little-big-adventure-cd/?lang=en

=> PAGE DE PHILIPPE VACHEY :
https://www.facebook.com/philvachey/

=> SITE DE NICOLAS HORVATH :
https://www.nicolashorvath.com/en-gb

MAJ : POISSON D'AVRIL!

NOUVEAU SYSTÈME DE NOTATION SUR GF!

Désormais, vous allez pouvoir noter chaque avis, encenser chaque console et insulter sur sa page chaque contributeur qui n'ira pas dans votre sens !
Merci qui?

Bien qu'étant un total amateur, j'ai parfois la chance et l'opportunité d'interviewer des créateurs du monde du JV.

Ci dessous, un extrait ma toute nouvelle interview pour Gameforever : Wlad Marhulets compositeur de cinéma reconverti (en total autodidacte) en concepteur de jeu vidéo.

C'est la première fois que Wlad Marhulets s'exprime pour un site internet en français - une injustice réparée, surtout avec le constat que les grands sites JV ont boudé son jeu pourtant multi-récompensé

Darq s'est retrouvé en lice face à des mastodontes de l'industrie, comme Hideo Kojima et a été récompensé pour son énorme travail de sound design (le meilleur que j'ai entendu depuis...Dead Space), que l'on doit à un prestataire de CD Project.

Le jeu apporte un renouvellement sans équivalent de la 2.5D , et je vous invite donc vivement à y jeter un coup d'oeil !

Bref : bonne lecture!



Pour lire directement l'interview en intégralité (5 min de lecture) :
https://www.gameforever.fr/darq.php






Wlad Marhulets, concepteur du jeu DARQ



[GF] : Bonjour et merci d’avoir accepté cette petite interview pour notre site ! Nous sommes très heureux de pouvoir enfin discuter avec toi !

Wlad Marhulets : Le plaisir est pour moi !


Wlad Marhulets est un ancien compositeur

[GF] : Avant de parler de DARQ en lui-même, pourrais-tu nous résumer ta carrière d’avant le jeu et ce qui t’a poussé à te lancer dans ce projet ?

Fraîchement sorti de l’école, je suis parti pour Los Angeles pour poursuivre une carrière de compositeur de musiques de film. J’ai eu la chance de contribuer à de la musique additionnelle pour des films tels que The Giver, November Man, Hitman: Agent 47. Mon dernier projet cinématographique impliquant une bande originale est un court-métrage en VR avec Eminem, appelé Marshall From Detroit.

J’ai décidé de tenter le développement de jeux à la fin 2015. Pour beaucoup, cela a été perçu comme une décision arbitraire. Je suppose que j’ai toujours eu ce désir de faire quelque chose par moi-même. L’une de mes motivations pour faire DARQ était d’en écrire la musique. Paradoxalement, j’ai fini par la retirer sur l’essentiel du jeu, à la fin du développement.

[GF] : Tu es un autodidacte. Tu as donc décidé d’apprendre par toi-même tout ce qui touchait à la création d’un jeu (game design, programmation, modélisation, texture, etc.). Peux-tu nous dire, en résumé, combien de temps cela t’a pris pour tout apprendre ?

Réaliser le jeu de base, en excluant les DLC, m’a pris 3 ans et demi, ou environ 10 000 heures de travail. Beaucoup de ce temps a été utilisé pour l’apprentissage et pour acquérir l’expérience nécessaire. J’ai dû redémarrer 3 fois de zéro. Je dirais que le développement actuel a pris 2 ans, 2 ans et demi. Le reste a été utilisé pour essayer des choses. Je n’ai jamais pris de cours ou quoi que ce soit du genre. YouTube et Google étaient mes seuls professeurs.


Ébauche d’un personnage pour DARQ


Artwork par Mariam Beiruty (Septembre 2017)

[GF] : DARQ est un jeu d’énigme et d’aventure qui se déroule dans une atmosphère horrifique. Qu’est ce qui t’a inspiré dans ce choix ? Était-ce un choix pragmatique – parce que ça marche – ou avais-tu un goût particulier pour le genre ?

À vrai dire, je n’appellerais pas ça une “atmosphère horrifique”– le jeu n’a jamais été pensé pour être effrayant. Très tôt, j’ai décidé de faire en sorte que tous les environnements soient propres, beaux, esthétiquement agréables. L’élégance était le maître-mot derrière chaque décision artistique. Le jeu a ses moments sinistres, mais il n’est certainement pas terrifiant par nature.


Image de la version non finalisée du jeu (2017)


Je voulais créer une atmosphère de conte de fées sombre. L’un des films qui a inspiré le jeu est Le Labyrinthe de Pan de Guillermo del Toro – bien que ce soit une histoire sombre, elle a une teinte “fantaisie” que j’aime beaucoup. J’ai aussi grandi en regardant beaucoup de films de Tim Burton. Je suis un grand fan des choses qui sont bizarres et différentes, pas nécessairement effrayantes.

[GF] : Y a-t-il des jeux ou des œuvres artistiques que tu as utilisés en tant que références ?

En tant qu’ancien compositeur de musiques de film, j’ai rarement eu le temps de jouer à des jeux, mais Limbo et Inside m’ont certainement influencé d’une certaine façon. J’adore ces jeux. Pour la dimension artistique, je dirais M.C. Escher, H.R. Giger, Z. Beksinski.

[GF] : Le level design de DARQ emploie constamment un renversement des perspectives et une approche tri-dimensionnelle de l’espace. Peux-tu nous en parler ?


[img]Élaboration d’un niveau pour DARQ. Ici, « The Tower/ La Tour » (DLC)[/img]

Je voulais pousser le concept de la 2.5D dans ses retranchements. Le fait que le jeu se déroule dans un rêve permet l’exploration de divers mécanismes de jeu qui n’auraient aucun sens dans d’autres contextes. La nature abstraite du monde a permis d’introduire la gravité et la manipulation de l'environnement dans le gameplay.

[GF] : Avais-tu une vision claire de la taille et du déroulement du jeu depuis le début ou as-tu ajouté des chapitres et construit ton jeu au fur et à mesure que les choses progressaient ?

J’étais complètement inexpérimenté lorsque j’ai démarré, donc j’étais naturellement en incapacité de prédire combien de temps le développement allait prendre. Même des développeurs expérimentés tendent à sous-estimer combien de temps prennent les choses. Au début, j’ai naïvement pensé que DARQ prendrait 6 mois à développer. Ça a fini par prendre 3 ans et demi ou… près de 5, si tu comptes les DLC et les sorties consoles. J’ai tendance à beaucoup m’inquiéter de la qualité, ce qui est à la fois une force et une malédiction.



DARQ première version VS DARQ version finale (1/2)


DARQ première version VS DARQ version finale (2/2)


[GF] : Qu’est-ce qui t’inspire lorsque tu crées un puzzle ?

Les puzzles ont tendance à se concevoir d’eux-mêmes à la suite d’expérimentations et en jouant avec les mécaniques de jeu introduites dans chaque niveau. Laissez-moi l’expliquer.

Chaque niveau de DARQ introduit une nouvelle mécanique, en plus du changement de gravité et de la possibilité de marcher sur les murs et les plafonds, ce dans tous les niveaux. Par exemple, au chapitre 3, le joueur peut incliner le monde de 90° à l’intersection. Même si le jeu est un « side-scroller » (NDLR : un jeu où l’on se déplace horizontalement), la rotation du monde de 90° permet au joueur d'explorer la ville dans les 4 directions.


Le chapitre 3 repose sur une intersection centrale…


…Qui vous fera changer de perspective !


Exemple de puzzle ayant une approche dynamique et tridimensionnelle

[GF] : Il y a très peu de musiques dans DARQ. Est-ce un choix contraint ou une volonté d’appuyer en valeur l’atmosphère ?


Le compositeur a signé lui-même la bande originale du jeu

À la fin du développement, j’ai eu l’opportunité d’enregistrer la bande originale de DARQ avec l’Orchestre Philharmonique de Budapest. Ce fut très amusant, et un rêve qui devenait réalité. En tant que compositeur, j’étais tellement excité à l’idée de partager ma musique à travers ce jeu. En tant que développeur, j’ai compris que le jeu n’avait pas besoin d’autant de musique. Je devais choisir entre mon égo de compositeur et ce qui était juste pour le jeu. J’ai fini par retirer la plupart de la musique du jeu pour laisser le sound design prendre le relais. Avoir beaucoup de musique dans un jeu lui donne l'impression d’être trop « scripté » ou « orienté ». Cela fait ressentir au joueur qu’il participe à ma propre expérience. Retirer la musique crée une tout autre sensation. Les joueurs sont alors seuls dans cet univers. C’est leur monde et leur rêve.

[GF] : Un énorme travail a été effectué sur le sound design. À ce sujet, tu as reçu de l’aide pour y arriver. Peux-tu nous en dire plus ?


[img]Bjørn Jacobsen, sound designer émérite et récompensé pour son travail sur le jeu.[/img]

DARQ a été principalement fait en solo (environ 5 % de modélisation et d’animation ont été externalisés). En tant que compositeur de formation, j’ai une bonne compréhension de l’audio et je savais à quel point le sound design d’un jeu comme DARQ était important.

J’étais en train de déléguer intégralement la création du sound design. J’étais sur le point de signer un contrat avec deux sound designers. Le même jour, j’ai reçu un mail du sound designer Bjørn Jacobsen, qui était alors en train de travailler sur Cyberpunk 2077. Il m’a dit qu’il venait tout juste de regarder la bande-annonce de DARQ et était intéressé pour travailler dessus.

Après un appel via Skype, j’ai réalisé que nous étions sur la même longueur d’onde, et le reste, c’est de l’histoire. Bjørn a eu un contrôle créatif presque total sur tout le sound design de DARQ, donc tout le crédit lui revient.

LIRE LA SUITE DE L'INTERVIEW :
https://www.gameforever.fr/darq.php

Avis initialement publié sur Gameforever.fr :
https://www.gameforever.fr/mario-kart-live-home-circuit-12362.php

Avis initialement publié par @Blondexgf, pour Gameforever :
https://www.gameforever.fr/life-is-strange-2-12357.php

UN GRAND MERCI A IGLOU2310 QUI M'A ENVOYE L'INFO !



Les archivistes de Hidden Palace étaient bien silencieux depuis leur habituel cadeau du nouvel an, mais c’était littéralement le calme avant la tempête. À l’occasion d’un stream de 6h30 (!) sur Twitch, ils ont dévoilé ce qui est selon eux leur livraison la plus généreuse depuis 2008 ! En effet, ce sont plus de sept cents prototypes inédits de jeux PlayStation 2 qui ont été exhumés… Sauvés de la destruction par une seule personne, c’est une équipe entière qui a passé des mois à les décortiquer comme expliqué dans le bulletin de blog. À titre d’exemple, il a fallu créer un système de somme de contrôle spécifique, non pas basé sur les images disques mais sur les fichiers indépendants qu’ils contiennent pour réaliser un premier tri et identifier les versions commerciales. Mais il a été nécessaire d’en tester un grand nombre pour voir en quoi ils se différenciaient des prototypes déjà connus, travail rendu compliqué par de nombreux problèmes, comme l’utilisation d’un outil de mastering propriétaire de Sony ou l’utilisation de gravure (plutôt que de pressage) qui fait que certains disques ont été endommagés avec le temps… Certains prototypes contiennent sans doute des erreurs que l’équipe tentera de corriger à l’avenir.

Et avec environ 860 Go de données, il était impossible de stocker les jeux sur le serveur de Hidden Palace (en cours de migration) pour le moment, et les fiches des prototypes renvoient donc vers Archive.org pour les télécharger. En revanche, une page dédiée accueillera au fur et à mesure des documents annexes comme les photos des disques. Ne perdez toutefois pas trop de temps à y chercher des jeux inédits ; il s’agit encore une fois de prototypes, comme la démo de Shadow of the Colossus (2005) présentée à l’E3 ou une version debug de Final Fantasy X-2 (2003). Mais le plus fou dans tout cela est qu’il ne s’agit que de la première partie du bien nommé Project Deluge…





PLUS D'INFOS DANS QUELQUES MINUTES EN VIDEO :
https://www.twitch.tv/videos/956633893/




Article de MO5

Voici enfin poindre l'aboutissement d'un projet fou qui aura pris des années : Praey for the Gods, jeu d'action aventure complètement inspiré de Shadow of The colossus, s'apprête à sortir sur consoles !



Le jeu avait en effet été annoncé en 2020 à destination de la génération Ps4/One et au délà, et voilà que l'équipe du jeu (3 personnes uniquement) vient de publier un long billet, expliquant notamment que le jeu était enfin en version 1.0 et qu'il avait été certifié pour la Ps4, la One ais aussi la Ps5.

Sorti prévu au Q21.

Nouvelles images !

Avis initialement publié par mes soins sur Gameforever.fr :
https://www.gameforever.fr/forum/darq-le-genial-retour-de-laventure-horrifique-t1410.php

Article initialement publié par feu Puissance Pixel, que je re-partage ici à titre posthume.



"Fièrement présenté comme le premier jeu vidéo Camerounais, Aurion : L’Héritage des Kori-Odan est le fruit d’un développement par le studio Kiro’o Games, dont il s’agit du premier jeu. Mais assez parlé des aspects historiques, ce que vous voulez savoir, c’est si cette production ambitieuse a réellement du coffre, non ? L’heure est maintenant de confronter le jeu à mes impressions bien réelles, manette en main.



Les premières bonnes nouvelles tiennent dans les directions techniques et artistiques choisies par Kiro’o Games : le premier jeu vidéo Camerounais n’est donc pas un FPS générique, mais une production qui chante son envie de partager les cultures Africaines sous de nombreuses formes. Aurion dispose en effet d’une sensibilité qui lui est propre, et qui se ressent en cours de partie, à travers ses graphismes, ses musiques et son scénario. En termes de gameplay, le développeur dit s’être inspiré de la série « Tales of », même si mon expérience personnelle tend à rapprocher ce jeu aux productions de Vanillaware (Muramasa me venant immédiatement en tête), pour la dynamique des combats et les graphismes 2D « dessinés main ». De bonnes références dans le domaine de l’action-RPG.




Le scénario emprunte quant à lui le thème souvent rencontré de la quête initiatique, conséquence d’un exil. Votre héros, Enzo, est prince de Zama, une terre isolée, pacifique et éloignée des conflits du monde extérieur. Le jour de son mariage avec Erine, son amie d’enfance, est aussi celui de sa consécration comme Roi de Zama, mais lors de la cérémonie, son beau-frère Ngarba, estimant qu’Enzo n’a pas l’étoffe d’un Roi, réalise un coup d’État. Vaincus, Enzo et sa femme Erine sont contraints à l’exil, et vont chercher un moyen de revenir à Zama pour y reprendre le trône. La reconquête passera par l’éveil du pouvoir d’Enzo, le fameux Aurion.



Je m’arrête là pour l’histoire afin de ne pas trop en dévoiler, mais le monde extérieur que découvrent Enzo et Erine se révèle plus vaste et plus dur que ce qu’ils pouvaient imaginer. Le début de leur exil passe donc par la perte d’une certaine naïveté, tant pour les héros que pour le joueur, pas souvent habitué à ce qu’un jeu aborde des thèmes comme l’esclavagisme, la condition des femmes, les inégalités sociales en fonction des origines ethniques, la misère… Les ennemis rencontrés ne sont également jamais caricaturaux (ou rarement) : entre un esclavagiste cynique, son associée aigrie et revancharde, un gourou avide ou encore un chef de tribu fier et orgueilleux, tous offrent de bonnes raisons à ce que les héros s’opposent à eux, mais les font aussi réfléchir sur les tréfonds de l’âme humaine, ainsi que sur les raisons qui les ont poussés vers le « côté obscur » de l’Aurion.



Avant d’apprécier les qualités d’Aurion, il faudra toutefois faire face à un démarrage un tantinet laborieux. Si les décors ont fait globalement l’objet d’un soin particulier (et j’y reviendrai plus tard), le village de départ est loin de décrocher la mâchoire. Assez mal pensé dans sa conception, avec une caméra trop rapprochée plaquant au sol le héros, ce village donne l’impression d’avoir été conçu et développé très tôt, sans avoir été corrigé depuis – c’est même d’autant plus net lorsque l’on finit par y revenir plus tard dans l’aventure. Les premiers combats se révèlent également assez brouillon.



Si je ne retiens pas vraiment d’enthousiasme sur cette première heure de jeu, les heures suivantes suscitent en revanche un intérêt sans cesse grandissant : l’histoire évidemment, et en particulier le duo constitué du héros Enzo et de sa partenaire Erine. Les petites disputes conjugales du jeune couple royal apportent son lot d’humour, évidemment, mais leur relation ne se limite pas à ça : pour « le meilleur face au pire », Enzo et Erine affrontent ensemble les épreuves qui émaillent leur aventure, en parfaite complémentarité. L’attachement aux héros se fait donc tout naturellement.



Les phases d’exploration manquent en revanche un peu de clarté : hésitant entre le pur scrolling 2D faisant intervenir quelques phases de plateformes, et des phases de déplacement plus libres mais sans plateformes, le studio donne l’impression de ne pas avoir su opter pour un choix bien précis, ce qui entraîne quelques différences de gameplay perturbantes pour le joueur.
Les phases de combat, quant à elles, c’est encore une autre histoire. Enzo peut ainsi se battre simplement contre ses ennemis, mais peut aussi déclencher des pouvoirs de différentes natures (feu, eau, air, terre), et même combiner ces pouvoirs ; il peut aussi faire appel à Erine pour son pouvoir de soin – essentiel – et des attaques de soutien ; sans oublier les capacités de courir, de se défendre, d’utiliser des objets… Il faudra bien encore quelques combats pour assimiler tout ça et s’y retrouver avec la manette (recommandée), mais quand un jeu avoue au joueur qu’il n’a pas assez des boutons disponibles sur une manette Xbox 360 afin de réaliser toutes les commandes, on est en droit de se demander s’il n’y a pas eu un défaut de réflexion sur le confort du gameplay. D’autant que, circonstance aggravante à mon goût, les écrans fixes de tutoriel et moi, ça fait deux.



Que cela ne vous rebute pas pour autant : si même après une dizaine d’heures de jeu, je me suis parfois emmêlé les pinceaux à confondre le bouton de course et celui permettant d’appeler Erine en renfort (par exemple), le jeu n’est pas non plus punitif, et la sanction ne sera que rarement grave. Cela traduit aussi l’envie de bien faire du studio ; en l’occurrence, une envie de trop bien faire. Une somme de petites idées, mises bout à bout, alourdissent inutilement le gameplay sans apporter une réelle plus-value. Ainsi, la jauge d’endurance, s’ajoutant aux jauges de vie et de magie, est clairement de trop, et vous ne manquerez pas de pester après.



Toutefois, comme je l’ai précisé, Aurion s’améliore en progressant, et ça tombe bien parce que la durée de vie dépasse la bonne vingtaine d’heures de jeu.
J’ai encore peu parlé des graphismes, et pas en des termes enthousiastes ; c’est l’occasion de me rattraper ! Dès le réel commencement de l’aventure, on apprécie le travail admirable et le soin apporté aux décors, colorés, très variés, toujours très inspirés. Pas un seul lieu n’est le copié-collé d’un autre, et Kiro’o Games a travaillé sur absolument tous les endroits que vous traverserez et visiterez. Même la maison, où vous ne passerez peut-être que quelques instants le temps de discuter avec ses occupants, a fait l’objet d’un travail soigné. Peu d’autres jeux, y compris de gros studios, offrent un tel soin dans les décors. Cela n’a pas été fait par hasard, évidemment : Aurion est une aventure où chaque lieu visité est réellement différent d’un autre, renforçant l’impression de découverte à chaque écran. Il est du même coup un peu dommage que le jeu manque de quêtes secondaires pour offrir au joueur des raisons de revenir sur des lieux déjà explorés.
Les animations sont un peu rudimentaires pour parler de dessin animé vidéoludique, mais vous ne noterez ce défaut que durant les cinématiques de combats, et très rarement en cours de jeu.

EXTRAIT DE LA MUSIQUE :
https://www.gameforever.fr/jwplayer.php?idMusique=1215

Aux très jolis graphismes, s’ajoutent également de très jolies compositions musicales. Signe qui ne trompe pas, j’en ai conservé certaines en tête après avoir terminé une session de jeu ; c’est parce que les musiques accompagnent parfaitement les décors que vous traversez. Même si elles ne sont pas extrêmement nombreuses, les musiques sont de plus suffisamment variées pour éviter une lassitude.





L’heure va donc être au verdict, et c’est un « Oui ! ». Aurion a ses défauts, ce genre de petits « mais » qui peuvent nuire à un jeu s’il ne parvient pas à s’en extirper. La première production de Kiro’o Games arrive toutefois à dépasser la plupart de ses défauts grâce à plusieurs atouts : son duo de héros attachants en premier lieu ; de jolis graphismes et de très bonnes compositions musicales ; ainsi qu’une aventure certes linéaire, mais qui parvient toujours à accrocher le joueur par une histoire solide et intéressante, et qui se renouvelle suffisamment. Le gameplay complexe se laisse également dompter, et finit lui-aussi par offrir de bonnes sensations de jeu en retour, même si les combats manquent au final d’un peu de variété.

En conclusion, Aurion – L’Héritage des Kori-Odan est une production rafraîchissante, réalisée avec un soin et une passion du jeu vidéo qui ne trompent pas. Une vraie bonne découverte qu’il ne faut pas hésiter à partager !

=> UN AVIS SYNTHETIQUE SUR GF :
https://www.gameforever.fr/aurion-lheritage-des-kori-odan-10087.php

Avis publié par Twinsen Threepwood sur Gameforever.fr :
https://www.gameforever.fr/darius-12595.php

Il vous reste MOINS DE 48 HEURES si vous voulez financer ce jeu d'aventure extrêmement prometteur!


LE LIEN : https://www.kickstarter.com/projects/prim-game/prim-a-2d-adventure-game-about-deaths-daughter

(UNE DEMO POUR ESSAYER LE JEU EST DISPO!)














Le papa de Darq est dans les soutiens !

Si vous aimez les jeux d'aventures, c'est le moment !

Avis publié par Twinsen Threepwood :
https://www.gameforever.fr/zombies-946.php

J'ai commencé une partie de Zombies sur Super Nintendo en 93, avec un copain, à l'âge de 10 ans. Je la terminerai près de 30 ans plus tard, avec mon fils et sur Megadrive.

Zombies ou le symbole de toute une époque : celui du génie de LucasArts. Clairement, ce studio faisait partie des très grands. Délicieusement cool et irrévérencieux, Zombies rappelle la fougue des créateurs de Day of The Tentacle, Sam et Max et autres Full Throttle.

Avant d'être une usine à Star Wars, LucasArts produisait une véritable œuvre américaine, intelligente, drôle, spirituelle et moqueuse. Zombies est immédiatement fun à jouer et c'est fou comme il a terriblement bien vieilli. Les graphismes sont splendides, les personnages tordants, la musique dans le pur style LucasArts, et les armes...

Pistolet, bazooka, croix sainte, glace, potion magique, c'est n'importe quoi. Le jeu est dur, les niveaux labyrinthiques, les ennemis sans pitié (le bébé géant ou la soucoupe volante : mon Dieu !). Zombies est LE jeu de la coolitude par excellence ! Long, toujours en renouvellement, il vous promettra des heures et des heures de rigolade, et c'est tout ce qu'on lui demande.

En garde, infâmes tentacules : nous voilà !