Hello,

Je vous partage aujourd'hui le plus gros travail que j'ai jamais réalisé pour un test : celui de Final Fantasy VII Remake pour le site amateur Retrokidz (que je vous conseille de visiter au passage) !

Ça fait grosso modo 46 pages (avec les images hein XD). Je suis bien sûr pas à l'abris d'une ou deux petites erreurs ou approximations, mais j'espère que cette lecture vous plaira!

Comme d'hab', je met le début ici, la suite est à découvrir sur le site source!
Mais Si vous préférez aller directement tout lire sur le site source (la mise en page est ben meilleure) :
https://www.retrokidz.fr/articlefinalfantasy7remake

Bonne lecture!

TEST DE FINAL FANTASY VII REMAKE

Note : pour accompagner ce test, et afin de lui donner plus d’incarnation, nous vous proposons quelques pistes de la fantastique bande-originale du jeu, que vous pouvez écouter à votre guise au gré de votre lecture.



C’est parti, accrochez vous !

(Musique d’accompagnement proposée : https://www.youtube.com/watch?v=w4ZZvGhLzPU )

Préambule

Il est l’épisode le plus célèbre, celui aux 12 millions de ventes.

Il fut le premier de la série à parvenir jusqu’à notre lointaine contrée, la France. Pour beaucoup d’entre nous, il a été la clé de la découverte face à cette immense saga et son univers magique, nous ayant alors littéralement aspirés. Certains d’ailleurs n’ont jamais réussi à en ressortir complètement, moi le premier...

Il fut aussi l’épisode de tous les superlatifs ; celui qui, plus de 20 ans après sa sortie, est encore régulièrement nommé ici ou là « plus Grand jeu de tous les Temps » et ce, par bon nombre d’entre nous.

Il fut également l’épisode de la trahison : celui de Square tout d’abord, qui délaissa contre toute attente la célèbre firme au plombier moustachu, après avoir pourtant abouti ensemble à la consécration avec 6 épisodes canoniques aux succès critiques et financiers incontestables.
Trahison également de la part de Sony, jusqu’ici simple fabricant d’électronique, qui décida alors, là aussi après un deal raté avec Nintendo, de contre-attaquer en sortant sa propre console et d’en ériger ce jeu au rang de porte-étendard.

De qui sommes-nous donc en train de parler depuis tout à l’heure ? De Final Fantasy VII bien sûr, et de son moteur, la Playstation !

De par cette union entre Squaresoft et Sony et de par les possibilités offertes grâce à cette petite console grise dotée de son lecteur de CD-ROM, les marques « Final Fantasy » et « Playstation » toucheront les étoiles et le jeu vidéo sera changé, à jamais.
23 ans plus tard, nous en sommes à la 4e génération de Playstation, et Final Fantasy VII revient une fois encore en une exclusivité qui fera date entre les deux compères.

Oui, Final Fantasy VII « Remake » est enfin là, et sur Playstation uniquement, pour le moment. Oui, ce retour, c’est 23 ans d’attente... Le simple fait d’écrire cette simple phrase bouleverse le fan que je suis, mais nous y sommes, enfin !

Bref, « Final Fantasy VII Remake, le test » : c’est parti. Bonne lecture !

LE PITCH DE DEPART

Piste proposée : [url]https://www.youtube.com/watch?v=OT0drkop5ZE&list=PLt3VWVyfFPFQPm8hl2vJvAePqWf9hD675&index=10 [/url]


La plus belle rencontre entre deux personnages dans un jeu vidéo, point barre ![i]

La vie vient de la Mako, l’énergie issue de la Planète et de sa « Rivière de la Vie ». Cette énergie est utilisée par la Shinra, gigantesque conglomérat politico-militaire dirigeant d’une poigne de fer la cité-état de Midgar.

Cloud, un jeune mercenaire anciennement à la solde de la Shinra, rejoint Avalanche, un groupe d’éco-terroristes en lutte contre la Shinra et de son utilisation mortifère de l’énergie Mako.

De cette rencontre (et de bien d’autres ensuite), se jouera le destin d’un groupe de héros et celui de la Planète face à des calamités insoupçonnées, sur fond de secrets millénaires, de trahisons, et d’amour tragique.

Un projet de longue date et de longue haleine


[i]L’attente fut un enfer incandescent

Cela fait plus de 10 ans que les fans et Squaresoft, devenu entre temps Square-Enix, parlent du retour possible de Final Fantasy VII via un remake.

Oui, bien sûr, depuis 1997 nous avions bel et bien eu droit à des itérations plus ou moins réussies comme Dirge of Cerberus, Crisis Core ou bien encore le film d’animation en image de synthèse Advent Children. Mais là, c’était au milieu des années 2000. Et encore, je ne vous cite que le plus notable. Depuis lors, et même après encore 2 générations de consoles (dont la 7e, interminable), le retour tant attendu n’avait pas abouti, et l’attente insatiable avait logiquement tourné depuis longtemps en tragédie grecque, voire en running gag.


L’un des plans les plus mémorables du jeu originel est de retour, plus sublime que jamais

Piste proposée : https://www.youtube.com/watch?v=gkW4o5odzks

Ce que les fans criaient à corps et à cri, c’était le retour du vrai Final Fantasy VII, le seul, l’unique, à travers un véritable remake, d’ampleur et à la hauteur de sa légende.

Cela, Square-Enix ne l’avait que trop bien compris et à mon avis, en frissonnait d’effroi. Face aux tergiversations intempestives de Tetsuya Nomura (le réalisateur) et de sa clique, face à une direction titubante après les critiques désastreuses des derniers épisodes (Final Fantasy XIV et XV) et face à un tentative de chantier ratée chez un sous-traitant (Cyberconnect), le projet prit un retard considérable et dut une fois encore repartir de zéro. Car Square-Enix le savait : louper ce Remake, c’était signer un arrêt de mort critique pour l’entreprise. Les fans ne le pardonneraient pas, et on peut dire qu’ils étaient nombreux.


Vous allez pouvoir visiter les bidonvilles sous le plateau… Avouez que ça en jette


Pour faire face à ce qui s’apparentait aux véritables travaux d’Hercule, et pour solutionner une évidente impéritie de Square-Enix à livrer un jeu de qualité et ce, dans des délais désormais raisonnables (ou au moins avant que notre génération de joueurs décède de vieillesse), il a donc été décidé de procéder à un découpage du jeu, et donc à une sortie épisodique du Remake.

Oui, vous avez bien lu, Final Fantasy VII Remake a donc ici dans ce test un nom trompeur : il ne couvre en effet QUE la première partie du jeu initial, Midgar, c’est à dire grosso modo, le 1ere partie d’une aventure qui initialement en comptait 3...

Pourtant, une fois passé cet état de fait, il faut constater que cette première partie est enfin à notre disposition. Mieux (ou pire ?), elle se veut être vue à la fois comme un jeu à part entière (avec un début, un milieu et une fin à conclusion ouverte) mais aussi, parallèlement, comme l’introduction à ce qui se veut être le modèle de la réinvention complète du projet Final Fantasy VII Remake dans son ensemble. Et la tâche est d’ampleur… et quelque peu incertaine.

Une réinvention du jeu de base à tous les niveaux

Piste proposée : https://www.youtube.com/watch?v=RvJigScSaak&list=PLrDwbejkk8r65KZfPiuRtJg2VzCWnHgd_&index=5

Ce qu’il faut comprendre de prime abord, c’est que ce nouveau Final Fantasy VII mérite bien son titre de véritable « Remake ». Ce n’est donc pas une simple refonte purement visuelle et esthétique du RPG d’antan, mais une véritable relecture du jeu initial, qui en profite au passage pour se réinventer complètement sous nos yeux, ainsi que d’approfondir considérablement son cœur sous bien des aspects.

Si j’osais un parallèle avec une autre saga, je dirais que cette réinvention rappelle celle vécue avec Resident Evil « Rebirth » sur Gamecube, un autre magnifique exemple illustrant à mon sens la véritable notion de « Remake ».

Cependant, à travers ce test, nous verrons que si l’immense majorité des propositions du jeu méritent des applaudissements, tout n’est cependant pas parfait, loin de là.


Le menu a été complètement repensé par rapport aux nouvelles orientations du Remake.
Un choix esthétique qui divisera, mais qui s’avère globalement assez efficace.

Les Modes :

Tout d’abord, bien choisir sa version du jeu et son expérience FFVII

Époque moderne et Triple A obligent, Final Fantasy VII diversifie considérablement sa proposition de jeu avant même de se lancer, et impose donc d’emblée au joueur de la nécessité de faire des choix.

Premier choix à définir : le mode de jeu. En effet, entre puristes du tour par tour, joueurs pro-action, joueurs occasionnels, hardcore gamers et autres simagrées, il y a bon nombre de profils parfois antagonistes à mettre pourtant d’accord autour du jeu.

Pour la première fois de son histoire, Final Fantasy va donc proposer des modes distincts de difficultés et de jeu. Le « Classique » tout d’abord, s’apparente au tour par tour du jeu initial : vous ne déplacez pas les combattants pendant les phases de combat, le jeu s’en charge, et vous n’avez qu’à vous préoccuper des ordres à donner. Cependant, ce mode ne propose qu’un niveau de difficulté correspondant à « ultra facile ». Autant vous dire qu’il n’offre malheureusement pas le moindre challenge pour les tacticiens.

Vient ensuite le mode Facile, destiné – comme son explication l’indique – « aux joueurs souhaitant profiter de l’histoire ». Dans ce mode, vous dirigez tout aussi bien les déplacements des combattants que les ordres à leur donner, mais la difficulté, bien que légèrement rehaussée par rapport au mode « Classique », s’avère là aussi inexistante. Ce mode est à privilégier pour les joueurs occasionnels, mais à choisir en connaissance de cause, car il a le bon ton de correspondre à sa description et de ne pas laisser sur le côté une partie du public actuel.

On arrive après à ce qui correspond à l’expérience qui me convient le plus : le mode Normal. Ici, vous profitez donc pleinement du nouveau système de combat et d’une difficulté à la hauteur.

Ce mode se rapproche le plus de la difficulté originelle, mais tout comme son aîné, gare aux pics de difficultés pouvant s’avérer parfois très élevés dans les moments-charniers, notamment certains boss, véritables cancrelats des Enfers.

Enfin, un 4e niveau sera proposé en New Game + : le mode Difficile. Celui-ci prend tout son sens dans l’expérience post-game, mais j’y reviendrai plus en détail plus tard. Sachez simplement qu’en plus d’affronter des mobs aux stats boostées à l’EPO, vous n’aurez ici plus la possibilité d’utiliser la fonction « Objet » en combat. Et là croyez-moi, dans Final Fantasy VII Remake, ça change tout ! Point important également dans le choix de cette difficulté : réussir le mode Difficile sera nécessaire pour obtenir les apprentissages pour les armes. Oui, ça aussi, c’est une première.

Dernier point avant de laisser ce paragraphe dédié aux options : sachez qu’en plus de proposer différents paramétrages habituels (caméra, affichage du HUB...), Final Fantasy VII Remake offre un doublage intégral en 4 langues (français, anglais, allemand et japonais). De quoi là aussi satisfaire bon nombre d’entre nous, mais en payant au passage le lourd tribut d’une installation nécessitant une centaine de giga dans votre console.

Le système de combat : entre synthèse de FFVII, FFXIII et FFXV.

Piste proposée :https://www.youtube.com/watch?v=Iy2hwuynibs&list=PLrDwbejkk8r65KZfPiuRtJg2VzCWnHgd_&index=7


Bourriner le bouton carré amènera à assener des combos très impressionnants !

On l’a connu, encore et encore, mais l’arrivée de Cloud via le train à Midgar dans la célèbre scène d’ouverture jeu, avec l’attaque du réacteur 7, constitue certainement l’une des meilleures parties de ce Remake.

En parfaite phase de Tutoriel, elle permet également de s’initier au nouveau système de combat qui, honnêtement, s’avère être l’un des meilleurs systèmes de combats jamais vu dans un JRPG depuis bien longtemps.

Fruit d’une parfaite synthèse entre le tour par tour et l’action, le système allie à la fois l’essentiel du jeu d’origine (le système d’ATB et les Matéria), un système de choc issu de FFXIII et la nervosité de combos frénétiques issue de FFXV. A mon sens, aucun des camps (les pros du tour par tour tout comme les pro-action) ne se sentiront pas lésés tant le système apporte aux deux camps.

A noter pour l’anecdote (et c’est un constat subjectif) que certains affrontements de boss ou de gros mobs (du genre épéiste) ont de léger airs de Dark Souls – du moins en mode Difficile – tant ils sont basés essentiellement sur des principes de contre et d’esquive. Ces combats restent cependant très ponctuels.


Certains combats d’épéiste virent limite au style Dark Souls (du moins en Difficile),
avec une prépondérance du contre et de l’esquive

La touche tour par tour : l’ATB

Piste proposée : https://www.youtube.com/watch?v=oxLtWO-J5aM&list=PLpZEgzu1Qm_sDFx8IVRFjcjaBQFuUgWnh&index=3


Pendant les affrontements, ça pète de partout ! Vous êtes prévenus !

Le tour par tour est toujours présent via la barre d’ATB (Active Time Battle), qu’il s’agit de remplir pour déclencher des actions importantes (attaques spéciales, magie, objet, etc). Il est possible soit d’attendre patiemment qu’elle se remplisse toute seule (et c’est long), soit d’en accélérer la complétion via l’attaque (plus vous attaquez, plus elle se remplit) ou le Boost (magie « hâte »). C’est donc un premier point de rupture avec le FFVII d’origine : l’attaque n’est plus tributaire de l’ATB, elle la nourrit.

Autre point d’importance : plutôt qu’une barre unique comme dans le jeu d’origine, la barre d’ATB est ici segmentée en 2 parties. Il faut un minimum d’un segment pour le plus gros des techniques mais bien sûr, les plus puissantes nécessiteront 2 unités, soit toute votre barre. Une idée reprise de FFXIII, mais en plus abordable (moins de segments).

La grosse touche FFXIII : le Choc !
Piste proposée :https://www.youtube.com/watch?v=wmkYOMmZsoY&list=PLpZEgzu1Qm_sDFx8IVRFjcjaBQFuUgWnh&index=7


« Choc » qu’on te dit !


Dans FFVII R, on assiste au retour du système d’Overdrive (appelé « Choc » chez nous) issu de Final Fantasy XIII. Les principes du système et de ses codes couleurs sont d’ailleurs identiques.

Chaque ennemi a donc deux barres à sa disposition : une barre de vie qui diminue doucement au gré des attaques, et une barre de choc, en orange, qu’il s’agit de remplir pour déclencher la phase de « choc », faisant ainsi tituber l’adversaire et permettant alors de pouvoir faire de vrais dégâts.

Maîtriser le choc s’avère capital, tant certains mobs sont insensibles à tout dégât sans cela.

Si vous êtes un aficionado du style FFXIII, vous retrouverez donc rapidement vos repères, dans une version plus bien agréable à jouer car légèrement plus souple. Pour les récalcitrants au fait de devoir switcher en permanence entre différents « jobs » dans FFXIII (c’est mon cas), sachez que cette composante est tout simplement absente dans FFVII R : on respire !

Oui, il s’agit toujours de « choquer » l’adversaire, parfois jusqu’à l’absurde, pour commencer à lui faire du dégât en exploitant ses failles, mais le système s’avère ici libéré de l’entrave très lourdingue du principe de jobs, aboutissant à gagner de façon merveilleuse aussi bien en souplesse qu’en intensité.

La touche FFXV : les combos frénétiques libres du tour par tour

Mitraillette à combo, Tifa est LE personnage qui fera toute la différence dans les combats ![i]

Si vous faites le choix du mode Normal, vous attaquez donc comme dans un jeu d’action avec le bouton Carré. Les attaques offrent différentes intensités de force suivant un appui long ou court, ou tout simplement si vous appuyez frénétiquement sur la touche (déclenchant logiquement des combos). Les personnages plongent sur l’adversaire, s’envolent dans le ciel, enchaînent des combos ultra rapides : on tient ici une évidente filiation avec le système de Final Fantasy XV, dans une version là aussi nettement améliorée, car plus nerveuse.


Il est également possible de switcher de combattant en appuyant simplement sur la croix directionnelle, mais vous pouvez aussi garder le contrôle de votre combattant de départ tout en donnant simplement des ordres aux autres via le menu, sans avoir à switcher : pratique, et franchement aussi agréable qu’intuitif. En revanche, l’IA – sans être mauvaise – n’est très pro-active : les personnages que vous ne dirigez pas ne vous soigneront pas (sauf si vous insérez un objet spécifique) et surtout, ils ne courent pas beaucoup à recharger leur barre d’ATB...



En plus de ce système d’attaque de base, chaque combattant dispose d’une seconde touche d’attaque (la touche Triangle) permettant d’effectuer d’emblée une attaque de plus forte envergure : « mode Bravoure » du soldat pour Cloud, « Gros tir » pour Barret, attaque concentrée pour Aerith et Tifa, etc. Ces attaques prennent plus de temps et nécessitent parfois des recharges (Barret), mais elles apportent plus de dégâts et montent davantage la barre de choc (distincte de la barre de vie, rappelons-le). A vous donc de trouver le bon équilibre et surtout le bon timing : chaque type d’attaque a son avantage (dégât faible / fort) ou son inconvénient (vitesse / lenteur). Une disparité qui prend tout son sens en mode Difficile, où chaque action est millimétrée aussi bien en termes d’impact que de timing.

La compétence

Piste proposée : https://www.youtube.com/watch?v=nkKvSdJ9Kjo&list=PL5QVO-q7ISuKkxie7eUgDIunb_jjcUJq0


[i]Face à certains adversaires savamment protégés, il s’agit de ne pas foncer tête baissée !

C’est une forme d’attaque distincte de l’attaque de base qui ne s’enclenche que si vous consommez de l’ATB. On retrouve ici les plus grosses attaques, en termes de dégât ou de montée du « Choc ». Ce sont les attaques les plus impressionnantes visuellement, et celles qui retiennent la nécessité du tour par tour. Maîtriser son ATB est donc essentiel pour déclencher ces attaques tant elles sont décisives en combat. Suivant les attaques, vous aurez donc besoin de consommer une, voire deux cases d’ATB.

Chaque personnage apprend de nouvelles attaques au gré de son level-up et de son armement. Pour l’anecdote, on retrouve dans les attaques de type « Compétence » beaucoup d’anciens « Limite break » du jeu d’origine.

Les armes


Il y a toujours des armes à dégotter ici ou là pour chaque perso, et comme indiqué précédemment, elles sont chacune détentrices d’une compétence, qu’il s’agira d’assimiler en l’utilisant un certain nombre de fois. Un système qui rappelle évidemment Final Fantasy IX. Comptez seulement ici 5 à 6 utilisations nécessaires pour que l’attaque soit assimilée : c’est donc tout à fait raisonnable, surtout qu’on peut les utiliser autant de fois que désirée par combat, et que chaque utilisation compte pour l’assimilation. On peut donc apprendre une compétence en un seul combat et ce, en quelques minutes. Dès qu’une compétence est acquise, vous pouvez désormais l’utiliser à tout moment et changer d’arme pour en apprendre une autre.

Point essentiel : comme je l’ai évoqué précédemment, les derniers livres d'apprentissage pour les armes ne sont accessibles qu’en accomplissant le jeu en mode Difficile.



Grosse nouveauté concernant les armes : elles permettent d’augmenter vos stats indépendamment des matéria, via un sphérier. Oui, vous avez bien lu ! Ce système issu de FFX est de retour. Chaque combat délivre donc des points d’actions (PA) qu’il s’agit donc de dépenser à son libre-choix dans les différents sphériers pour augmenter force, résistance, point de santé ou magie.

Pour éviter une double peine de gestion (puisque vous avez déjà les matéria à gérer), il est possible d’attribuer automatiquement la répartition des points d’action suivant l’orientation voulue (équilibre, attaque ou défense) et le jeu fera ensuite le reste pour vous, point d’action après point d’action acquis.

A titre personnel, j’ai automatisé ce système très tôt dans la partie, pour ne plus jamais avoir à y revenir ensuite.


Le système de spherier que l’on retrouve désormais régulièrement

La compétence[g]


La magie est de retour, via les célèbres Materia

Beaucoup de magies élémentaires comme dans tout FF (feu, glace, foudre, bio...). Il suffit de choisir son sort, et d’appuyer sur la flèche de droite pour sélectionner son niveau. Chaque magie monte en puissance à force d’utilisation. A noter que les magies ont changé de nom suivant leur puissance : on ne parle plus, par exemple de « Feu, Feu2, Feu3 » comme dans le jeu d’origine mais de « Feu, Extra-feu, Mega-Feu ».

Chaque magie consomme à la fois un certain nombre d’ATB , mais aussi (et surtout) plus ou moins de PM (Point de magie). Il faut donc choisir à la fois avec minutie la nature de son sort, mais aussi son intensité, pour ne pas avoir à se retrouver dans la panade face à un boss lors un moment-clé.

[g]Les objets​

​Rien de révolutionnaire ici. Comme dans le jeu d’origine, on utilise les objets pour se booster, se soigner, relever un personnage à terre, etc. A ceci près qu’il faut a minima une case d’ATB pour utiliser cette fonction. Logique. Pour rappel, la fonction objet disparaît en mode Difficile.

La transcendance


Les transcendances sont peu nombreuses mais très réussies

C’est tout simplement le nouveau nom pour les limit breaks, les attaques ultimes propres à chaque personnage dans le Final Fantasy VII d’origine. Certes, comme indiqué plus haut, bon nombre des anciens limit breaks de jadis sont désormais directement accessibles via l’onglet compétence et déclenchables simplement contre quelques unités d’ATB. Cependant, chaque combattant détient bel et bien une attaque ultime à proprement parlé (avec gros travelling de caméra et tout et tout) qui ne peut se déclencher qu’avec l’atteinte de la transendance. Autrement dit, la transcendance, c’est la même chose que les limit breaks, mais avec d’autres attaques, en plus puissantes.

Même principe aussi que jadis : votre barre de transcendance se remplit au gré des dégâts subis via une barre spécifique, la barre de transcendance.

Dans cette première partie de Final Fantasy VII R, il n’y a que 2 niveaux de transcendance possibles par personnage, donc 2 attaques ultimes par perso. Le premier niveau de transcendance est acquis d’office ; le second, quant à lui, s’atteint en trouvant des objets spéciaux cachés dans le jeu (généralement au prix d’un combat bien corsé à gagner).

Entre la transcendance et les compétences, on retrouve ainsi (et déjà) un grand nombre des anciens limit breaks de Final Fantasy VII sur sa globalité.


2 points essentiels à noter néanmoins : la barre de transcendance redescend à zéro après chaque combat (on ne peut donc pas la capitaliser comme dans le jeu d’origine), et il est possible pour vos adversaires de vous faire des dégâts (voire de vous tuer) en début d’animation de l’attaque. Ça aussi, c’est nouveau. A enclencher avec intelligence donc, sinon vous allez criser, croyez-moi !

La touche FFVII : les matéria


Un menu assez clair, où chaque matéria dispose d’une petite vidéo de démonstration.
En revanche, le classement des matéria laisse à désirer.

Symbole de Final Fantasy VII premier du nom, le système de Materia a largement fait ses preuves et s’avère être de retour suivant les mêmes principes que le jeu d’origine.

Ces orbes de pouvoir, véritables concentrés d’énergie Mako, permettent à vos personnages d’utiliser différents sorts magiques ou de booster leurs capacités. Toutes les matéria sont interchangeables entre vos personnages, sans exception.

​

Chaque matéria s’insère dans un espace de l’équipement prévu à cet effet. Bien sûr, plus vous mettez de materia de magie (par exemple), plus votre personnage diminuera en force physique, ou inversement. Vous pouvez donc personnaliser le profil de vos persos (plutôt tank ou soutien) et de votre équipe, tout en répartissant les rôles et les tâches aux travers des stratégies de groupes.
Dans la lignée du jeu originel, on retrouve toujours le même principe de couleurs suivant le type de matéria utilisée : verte pour la magie, violette pour le boost (HP ? MP...), bleue pour augmenter les effets, jaune pour avoir de nouvelles aptitudes, et rouge pour les invocations. Eh oui, une fois encore, vous avez bien lu : ces dernières font leur grand retour, et en nombre, dès ce chapitre Midgar !

Autre amélioration importante dans le confort de jeu : vous pouvez désormais récupérer à tout moment les materia mises sur tous vos personnages, même si certain d’entre eux ne sont pas avec vous à ce moment-là de l’histoire.


Chaque arme et chaque bracelet de protection propose plus ou moins d’emplacements à materia
plus ou moins de connexions possibles pour créer des associations

Les invocations (No spoil)

Je limiterai fortement toute description des éons, les célèbres créatures invocables de la saga, pour la bonne et simple raison que le plaisir de chaque épisode de Final Fantasy consiste à les découvrir par soi-même.

J’énoncerai cependant (sans spoil) quelques principes relatifs à ce remake.

Primo : il y a beaucoup plus de matéria d’invocation dans ce premier chapitre de Midgar que dans le jeu d’origine au même niveau d’avancée de l’histoire. Une façon là encore de donner un aspect « jeu complet » à l’aventure, quitte à bousculer les habitudes des vétérans.

Secundo : comme dans tous les derniers épisodes de la saga, il faut désormais combattre un éon pour le posséder.

Tertio : l’essentiel des invocations ne sont étrangement pas planquées ici ou là dans le jeu comme avant, mais plutôt centralisées en la personne du Chaldey, nouveau personnage non jouable que vous croiserez dans les zones libres. Ce dernier vous proposera de relever des défis et en échange, passé certains paliers, il vous proposera d’affronter des éons via un système de réalité virtuelle (ou comment contourner certains principes scénaristiques relatifs aux-dits éons dans le jeu d’origine).

A noter aussi que désormais, chaque personnage ne peut s’équiper que d’une seule invocation à la fois, mais nous pouvons néanmoins attribuer l’invocation de son choix et à volonté pour chaque personnage.


Enfin, dernier point pour clôturer ce paragraphe « invocation » : les 3 invocations bonus, fort mineures et n’existant pas dans le jeu d’origine, ne sont disponibles QUE sous forme de DLC, qui plus est exclusifs aux deux différentes éditions collectors du jeu. Rien de bien indispensable certes, mais la pratique a clairement de quoi faire hurler au scandale tant elle est inédite de vénalité.


Le nouveau personnage de Chaldey n’est pour le moment pas très attachant,
mais il indispensable car il centralise l’achat des materia d’invocation

Le reste des menus ne comporte que des points mineurs que je vous laisse découvrir par vous même.


Je terminerai cette partie sur le système de combat avec un petit reproche : le lock. La visée des adversaires, sans être catastrophique, n’est pas non plus au top, et il vous arrivera souvent de galérer en plein affrontement pour « locker » la bonne cible. Ça reste néanmoins gérable si vous balayez le stick essentiellement de gauche à droite, mais lorsque le timing est vraiment très court, ça peut franchement agacer.

Structuration et level design du jeu

Piste proposée : https://www.youtube.com/watch?v=ZSnL--AVpjg


A vous les rues de Midgar !

Le jeu d’origine, du moins dans la partie Midgar, était assez linéaire. C’est somme toute la même chose dans ce remake, même si un effort évident à été réalisé au gré de certains chapitres (oui, le jeu est désormais découpé en chapitres). En effet, à certaines parties du jeu (3, pour être précis), il est possible de procéder à une exploration dans des zones semi-ouvertes et interconnectées. Ces zones correspondent tout simplement à des secteurs des taudis, que vous allez pouvoir visiter plus avant pour rencontrer leurs habitants et découvrir ainsi leur vie et leurs problèmes.


Le Wall Market, LE moment de ce Final Fantasy 7 Remake.

Ces chapitres servent donc de respiration narrative et rythmique, et se veulent ici être le centre de la proposition de renouveau de ce Remake.

​

En explorant ces zones et en résolvant les quêtes annexes des habitants, il sera possible approfondir de nouveaux points du scénario et de rencontrer des personnages hauts en couleur qui n’existaient pas dans le jeu d’origine. Grosso modo, chaque chapitre prend entre 1 et 3 heures pour être complètement rincé : c’est un peu léger, mais au moins ça n’alourdit pas la trame principale. Les quêtes vont de la très sympathique à la franchement médiocre. Il y a de tout. Mais vous pouvez rejoindre le fil principal à tout moment : libre à vous, ou non, de flâner dans ces chapitres, mais en faire l’abstraction serait franchement dommage. Si l’essentiel du jeu s’assimile donc à un chemin hyper balisé, quasiment à la Uncharted, ces quelques respirations – ressemblant de loin (mais vraiment de loin) à un petit Shenmue – valent le coup.


Le passage du Honey Bee : vous n’êtes pas prêts.
Avec le recul, nous ne sommes donc pas du tout dans un monde ouvert, et la promesse que certains ont cru voir ou espérer d’une visite libre et folle de Midgar (et notamment de ses quartiers supérieurs) s’avère erronée.

Cependant, l’équilibre du jeu dans son ensemble s’avère assez bon, entre chapitres plus linéaires mais intenses d’un côté, et d’autres, plus ouverts pour profiter de l’accalmie de ses personnages et de l’univers.

Mention spéciale pour le chapitre du Wall Market, célèbre lieu de perdition du jeu d’origine, et qui est réinventé d’une façon complètement dingue, au point d’être tout simplement le meilleur chapitre du jeu. Vraiment ! Narrativement et artistiquement parlant, ce chapitre est un pur bonheur.

Hello!

Notre dossier du jour est consacré aux advergames : les jeux publicitaires! De petits softs gratuits à de véritables jeux payant; du jeu arcade dans les bars, à la mascotte de CoolSpot en ou passant par les concerts de Fortnitre, retour sur un phénomène qui a toujours existé dans le jeu vidéo, et qui a une histoire riche en rebondissement!

Dossier réalisé par @blondexgf : un grand merci à lui!

Comme d'hab' je mets, le début du dossier, la suite est à lire sur le site source.

Si vous voulez y aller directement :
http://www.gameforever.fr/advergames.php

Où que vous alliez, la publicité est partout, vous entoure, vous accompagne et entre dans vos têtes pour ne plus en sortir. Et c’est pour échapper à cette oppression que vous êtes venus ici, sur Game Forever, un site sans publicités ! Enfin, c’est ce que vous croyiez, car la pub est vraiment partout et se cache parfois sournoisement dans vos jeux vidéo.

Les Advergames (advertising games, jeux publicitaires), c’est le concept de la campagne marketing poussée à un niveau plus élevé que l’affichage ou le placement de produit : vous jouez à un jeu qui a été pensé et conçu dans le but de faire connaître un produit, et plus généralement une marque, ou de contribuer à lui donner une image positive. On pourrait porter très loin cette logique, mais un jeu destiné à promouvoir un film ou un artiste est-il un advergame ? Eh bien moi, je vous répondrai, Madame, Monsieur, qu’en France, pays de l’exception culturelle, la culture n’est pas un produit de consommation comme les autres ! Même si, en vérité, la frontière est tout de même plus floue.

Alors, vous restera-t-il assez de temps de cerveau disponible pour lire cet article ?

> La gratuité, essence de l’advergame

Par nature, un advergame doit être gratuit, car la publicité a déjà financé ce à quoi vous jouez, en échange de votre attention. Et les origines de l’advergaming sont à chercher bien avant le jeu vidéo : dans un journal, une page de mots-croisés sponsorisée par une marque et avec quelques devinettes cachées (en 8 lettres : "épaisseur triple, pour un toucher plus doux"), c’est évidemment un jeu publicitaire.


Marque mise en avant, charte graphique étudiée, concept de puzzle game repris d’un jeu existant (Puzzle Fighter II)… Trident White Puzzle Smash est typique des advergames, aujourd’hui hors ligne et sauvegardé "miraculeusement" sur un site de jeux gratuits

Pour ce type de jeux, le paramètre principal reste avant tout la visée publicitaire ; le gameplay n’est qu’accessoire, même s’il est tout de même préférable de proposer un jeu jouable ! La "direction artistique" aurait quant à elle vocation à s’inscrire dans le plan marketing global de la marque ou de la campagne publicitaire en cours, à respecter certains codes graphiques et un état d’esprit. Les innovations de gameplay ne sont donc absolument pas une priorité, et le moyen le plus simple pour vendre une marque ou un produit reste encore de s’appuyer sur un concept qui a déjà fait ses preuves : un clone de Puzzle Bobble pour promouvoir des mouchoirs ; un jeu de gestion à la Theme Park pour une marque de sodas…


Difficile de désigner quel est l’ancêtre des advergames, mais Chase the Chuck Wagon est le meilleur candidat, et en tout cas le plus "connu"

Aux origines du jeu vidéo publicitaire, on trouve l’Atari 2600. Le parc installé de consoles suscita l’intérêt des marques,mais il fallait un pionnier : cet honneur incombe en 1983 à la société Ralston Purina, spécialisée dans les céréales et l’alimentation pour animaux. Dans le prolongement d’une campagne de réclames télévisuelles où un chien poursuit un chariot ("chuckwagon" en anglais, le terme étant également la marque de la pâtée), Purina commande au développeur SpectraVision un jeu reprenant l’idée de la publicité. Chase the Chuck Wagon s’inspire ainsi des jeux typiques de son époque, comme Pac-Man ou Lady Bug, et doit être commandé auprès de Purina en échange de preuves d’achats.
D’autres jeux du même acabit suivront : Kool-Aid Man (la mascotte de Kool-Aid, un Banga américain) et Tooth Protectors (un jeu à double-visée éducative et promotionnelle, proposé par Johnson & Johnson). Quant à Pepsi Invaders sorti la même année toujours sur Atari 2600, je ne le classe pas dans cette catégorie, le jeu étant uniquement produit pour des salariés de Coca-Cola à des fins de communication interne et de promotion de l’esprit d’entreprise, en dénigrant le rival – quelle belle mentalité !
Ces initiatives ne rencontreront toutefois pas de grands succès, et se heurteront qui plus est à la crise américaine du jeu vidéo en 1983.


Chex Quest est un Doom reskinné, le parfait exemple d’un advergame qui a touché sa cible en utilisant un jeu qui a fait ses preuves

Face à l’échec de la commande par preuves d’achats, l’advergame va alors employer d’autres moyens pour se diffuser : la distribution gratuite d’office ! Proposé en 1996 aux États-Unis dans un CD-ROM offert avec des paquets de céréales de la marque Chex (à l’époque détenue par Ralston Purina, tiens donc), Chex Quest a été distribué à des millions d’exemplaires, le coût de production d’un CD étant relativement dérisoire.
Concrètement, Chex Quest est une conversion de Doom (avec l’accord d’iD Software) en mode "kid-friendly", ayant expurgé la violence et remplacé les monstres par des extraterrestres rigolos. Mais pour de nombreux joueurs, le vénérable Doom restait en 1996 encore une référence, et Chex Quest pouvait faire bonne impression, a fortiori pour un advergame.
Le comble pour ce jeu – qui n’est finalement qu’une copie ne proposant que les 5 premiers niveaux de Doom – est qu’il ait pu acquérir par lui-même une communauté de fans, et qu’une remasterisation HD (!!) est même sortie en 2019.


Fanta King of the Park, jeu social pour promouvoir la marque de sodas. Depuis, Fanta a changé de logo, et le jeu frappé d’obsolescence a disparu. Le succès marketing ne va qu’un temps

Vous avez peut-être vous même souvenir d’un jeu distribué dans un paquet de céréales. Mais c’est aussi bien l’essor du casual gaming popularisé par Wii Sports et les jeux DS que l’augmentation du débit d’internet, qui vont véritablement permettre à l’advergaming de prendre son envol et se retrouver partout. Parfois, directement sur les sites internets des marques, mais très souvent sur Facebook, plateforme idéale pour vous pousser à liker, à partager des expériences ludiques : inviter un ami à jouer pour gagner une partie supplémentaire, vous avez sans doute déjà connu ça, non ? Si en plus, vos amis accrochent et partagent avec vous leurs scores pour comparer, le plan marketing est sur la voie du succès.


Autre advergame vanté comme une réussite marketing mais ayant totalement disparu des stores, La Chuuuuute - lancé sur smartphone par la marque Oasis - s’inspire de Doodle Jump

Mais Facebook demande à rester devant son écran d’ordinateur. Les pubs, si elles veulent être toujours plus performantes, doivent pouvoir vous suivre où que vous soyez, et c’est ainsi qu’elles vont progressivement abandonner Facebook pour investir massivement les smartphones, en inondant les App Store et Google Play Store d’applis qui n’attendent que de vous divertir durant vos innombrables pauses. Sans surprise, les smartphones sont particulièrement privilégiés pour cibler les enfants et les fidéliser très tôt à une marque. Et si ces jeux peuvent parfois proposer du challenge, l’idée est de rester accessible au plus grand nombre : hors de question de pondre un Dark Souls de l’advergame. Ce serait tout de même un comble si un jeu vidéo publicitaire vous colle la honte en étant trop difficile !


Lego est tellement investi dans le jeu vidéo (ici Lego Legacy – Heroes Unboxed sur smartphone) qu’il n’y a plus de frontières avec la publicité

Difficile pour moi de vous recommander un de ces jeux en particulier : sans être forcément mauvais (parfois réellement amusants), ils sont souvent des copies inférieures de jeux déjà existants, mais plus gênant, lorsque la campagne marketing est achevée et / ou que le succès n’aura pas été au rendez-vous, ces jeux sont généralement retirés des stores ou des réseaux sociaux. La tendance est même au déclin de ce type d’advergames à mesure que des développeurs investissent ces boutiques avec des productions originales et ambitieuses (comme Candy Crush, Angry Birds ou Clash of Clans), quand ce ne sont pas les éditeurs traditionnels du jeu vidéo qui viennent avec des adaptations, voire des volets exclusifs de leurs licences : en termes d’impact, des clones de Mario, Sonic ou Pac-Man sponsorisés par des marques ne peuvent pas lutter contre les originaux.
Le résultat est visible dès la page d’accueil du Google Play Store, et les seuls advergames à pouvoir tenir tête résultent eux-mêmes de licences hyper commerciales (Lego, Disney…) et de concepts forts qui dépassent le gaming (comme le jeu de cartes Uno ou des jeux de société).


En apparence anodin, Hawt Dawg Man (l’advergame fictif de Captain Spirit) pose en réalité un nouveau regard sur ces mini-jeux

Se pose alors la question de la préservation du jeu vidéo, y compris de ces advergames : méritent-ils d’être oubliés une fois leur raisons d’exister disparues ? Ou doivent-ils être sauvegardés au même titre que des jeux vidéo classiques, comme témoins de l’époque durant laquelle ils ont paru ?
Une réponse à cette question se trouve dans l’affection que des joueurs peuvent avoir pour Chex Quest, mais est également illustrée dans The Awesome Adventures of Captain Spirit, le prologue offert par Dontnod pour promouvoir Life is Strange 2 (tiens, autre sujet d’étude d’ailleurs) : lorsque le jeune Chris joue au mini-advergame fictif Hawt Dawg Man, on peut y voir un clin d’œil à tous ces jeux, mais alors que le gamin s’amuse à battre son record personnel, qui sait s’il ne gardera pas une affection toute particulière pour ce jeu que tout le monde aura peut-être oublié ?

> L’advergaming compatible avec les gamers ?

Dans le milieu du marketing, il existe différents termes pour qualifier un advergame, mais la classification retenue (promotion, casual, serious…) ne correspond pas du tout à celle que nous retenons pour distinguer casuals et hardcore gamers. Traduction : nous ne parlons pas le même langage ! Peu importe les classifications marketing, certains advergames ont bel et bien été conçus pour cibler les joueurs.


Sorti en 2015 et toujours gratuit sur Steam, Proving Grounds est la 4ème itération du jeu America’s Army, et sans doute pas la dernière

Le cas America’s Army, sorti sur PC en 2002, est en cela très intéressant. Développé et conçu en interne par des équipes de l’US Army avec budget alloué d’une trentaine de millions de dollars, le FPS présente des objectifs clairs : transmettre des valeurs (comme l’esprit de coopération), participer à la bonne information des potentielles recrues en proposant une vision réaliste du métier de soldat, et pour les autres (y compris toi, joueur de la Vieille Europe), véhiculer une image positive de l’armée américaine.
Allant même au-delà d’un simple advergame pour être un hybride « serious game / production pour gamer », le jeu a fait naître des polémiques logiques : tout comme des séries comme Call of Duty ou Battlefield, America’s Army se voit ainsi reprocher de constituer un camp d’entraînement virtuel pour les futures recrues, mais aussi d’être un outil de propagande américain, critique majoritairement émise hors des États-Unis. En temps que jeu vidéo à proprement parler, America’s Army a cependant reçu des critiques favorables de la presse spécialisée américaine de l’époque. Le jeu sera même adapté pour PS2 et Xbox par Ubisoft, et des suites seront également développées.


First Person Lover est un advergame conçu pour séduire un public gamer, et lui donner envie de visiter IRL ou en ligne une boutique de vêtements Björn Borg

Dans un tout autre secteur d’activité, First Person Lover a des objectifs commerciaux plus traditionnels. Proposé en téléchargement gratuit sur PC en 2015, il a été intégralement financé par la marque de vêtements Björn Borg. Chaque article proposé pour personnaliser votre avatar renvoie même vers la boutique en ligne. Ce projet publicitaire remplit donc toutes les cases de l’advergame : promouvoir l’esprit de la marque ainsi que les produits. Alors pourquoi le classer parmi les jeux gamer ?
D’abord, malgré sa courte durée, il s’agit d’un FPS pesant pas moins d’1,5 Go et jouable uniquement au combo clavier-souris, tout sauf grand public. De plus, outre sa contribution à l’amélioration du moteur Unity qu’il utilise, First Person Lover présente également un concept original de FPS que ne renierait pas un studio indé : combattre les "haters" en les paralysant puis en les déshabillant, pour les relooker avec des vêtements Björn Borg.
La campagne marketing a également ciblé des profils de gamers : en s’offrant les services de Youtubeurs comme PewDiePie ou Squeezie, la marque veut séduire spécifiquement ce public en respectant les codes des jeux qu’ils sont susceptibles d’apprécier. Une initiative très poussée pour un advergame, même si je n’irai pas jusqu’à dire que ça le rend indispensable pour autant.


Doritos Crash Course est un advergame conçu initialement pour être amusant par lui-même… ce qui est également bénéfique pour la marque

Pour Doritos, l’idée est davantage de proposer des jeux susceptibles de plaire aux gamers, et la célèbre marque de biscuits salés (qu’il ne faut surtout pas me montrer, j’ai suivi une cure de désintox) organisa deux concours en 2008 et 2010, les « Doritos Unlock Xbox ». Finançant les projets des petites équipes de développement participant aux concours, le groupe Frito-Lay (lui-même filiale de Pepsico) récompense les vainqueurs de 50 000 $. Outre le nom Doritos accolé à leurs titres, les jeux seront proposés gratuitement aux joueurs sur le Xbox Live Market. Doritos Dash of Destruction est le titre choisi en 2008, et Doritos Crash Course remportera l’édition 2010. Ces deux jeux, advergames de par leur financement, intègrent également la marque en cours de parties, mais n’ont d’autre objectif que de participer à l’image de Doritos auprès du public gamer, notamment en offrant des succès très courus pour la réputation des joueurs. Un 3ème jeu, Harms Way, finaliste malheureux de 2010, sera également proposé gratuitement sur le Xbox Live grâce au financement de Frito-Lay, mais sans porter la marque Doritos.

> L’advergame payant : quand la marque devient licence


Le logo Budweiser s’affiche absolument partout dans Tapper. Ah, et n’oubliez pas : à consommer avec modération, hein ? En même temps, la Bud…

L’advergame est gratuit, c’est le principe… miné par les exceptions ! Payer pour de la publicité paraît pourtant insensé, mais certaines marques sont tellement connues que vous offrir des jeux reviendrait à écorner leur image, et qu’elles peuvent même vous les vendre plein pot, avec la conviction que vous allez en plus les acheter. Autrement dit, la marque est une licence.


La borne de Tapper est vraiment bien étudiée : vous pouvez même laisser votre bière sur le repose-verre pendant que vous jouez !

Une nouvelle fois, remontons le temps. Je parlais de Chase the Chuck Wagon comme l’ancêtre des advergames ; Tapper est quant à lui l’ancêtre des jeux sous licence publicitaire. Edité par Bally-Midway et développé par MGA, ce jeu d’arcade a reçu très tôt dans sa création le sponsoring du groupe Anheuser-Busch pour faire la promotion de la bière Budweiser. Cela se voit immédiatement, avec le logo de la marque à chaque écran ; cela s’entend aussi avec la musique des spots TV pendant le jeu bonus ; et plus encore, par la conception de la borne elle-même. La machine est destinée à être fournie aux bars comme un complément pour inciter les clients à rester plus longtemps, mais les parties n’étaient absolument pas offertes.
Avec un concept aussi simple et efficace, Tapper allait vite quitter les bars pour arriver en salles d’arcade dans une version sans licence et sans alcool, Root Beer Tapper. La nature initialement publicitaire de Tapper n’a donc pas empêché le jeu de devenir un classique de l’arcade.



McDonald’s Treasure Land Adventure s’est avéré être un révélateur de talents, en étant l’un des premiers jeux du studio Treasure


D’autres jeux connaîtront (plus ou moins) le même genre de reconnaissance de la part des gamers. Et vous pensez bien sûr à… à… ? Cool Spot ? Mais je voulais parler de McDo d’abord !


La différence entre les versions américaine (à gauche) et européenne (à droite) de Cool Spot saute aux yeux. Cela n’a pas empêché les joueurs européens d’associer le jeu à 7-Up

Bon, allez, commençons par Cool Spot… Le jeu est le résultat de commandes du groupe Dr Pepper à Virgin, d’abord en 1990 avec Spot – The Video Game, un genre d’Othello sorti sur NES et Game Boy. En 1993 sur Megadrive, puis sur SNES, puis sur un tas d’autres supports, la 2ème commande a été quant à elle développée par l’équipe de David Perry, qui avait déjà signé Global Gladiators pour McDonald’s – ah ! Vous voyez que j’aurais dû commencer par McDo !

Il faut dire que le groupe McDonald’s avait très tôt souhaité faire du jeu vidéo, avec une tentative avortée en 1983 sur Atari 2600, puis plusieurs jeux : d’abord sur NES (M.C Kids aux États-Unis, renommé McDonaldland en Europe), puis sur Megadrive avec Global Gladiators en 1992 donc, mais aussi McDonald’s Treasure Land Adventure sur la même console en 1993, un jeu cette fois développé par le studio japonais Treasure.


Expurgé de sa licence britannique Quavers pour sa sortie sur SNES, Push-Over n’en reste pas moins un vrai jeu de réflexion signé Ocean


McDonaldland sur Game Boy (à gauche) ne sortira pas aux USA, mais le jeu est récupéré par 7-Up pour en faire Spot – The Cool Adventure (à droite)

On note par ailleurs à quel point ces advergames ont parfois pu contribuer à la notoriété des studios qui les ont développés : Global Gladiators et surtout Cool Spot marquaient la reconnaissance du studio de David Perry, qui allait ensuite signer Aladdin sur Megadrive, puis devenir Shiny pour développer Earthworm Jim. Quant à Treasure, c’est en appréciant le travail réalisé sur le jeu sous licence McDonald’s que Sega, convaincu, permit au studio de réaliser en parallèle Gunstar Heroes.

Hello , je vous partage un post très sympa sur notre blog par le vidéaste Lord Paddle, qui a rejoint nos rangs.



Salut tout le monde,


Avec la sortie de STREETS OF RAGE 4, je m'étais dit qu'il était grand temps de ressortir mon ancienne vidéo sur le tout premier BARE KNUCKLES (aka STREETS OF RAGE) qu'on a posté sur notre chaîne Lord Paddle y a un peu plus d'un an maintenant. On vous présente aujourd'hui le premier titre de cette franchise iconique de Sega, apparue pour la première fois sur Megadrive en 1991 et venue concurrencer à l'origine le FINAL FIGHT de Capcom.

Il s'agit donc d'un beat'em up emblématique du début des années 90 qui sera donc suivi de trois épisodes. On y dirige donc trois anciens policiers qui décident de quitter les forces de l'ordre pour rétablir la paix dans leur ville envahie par une vague de criminalité sans précédent. On peut donc choisir parmi 3 persos dès le départ : Axel, Blaze et Adam. Chacun a ses aptitudes et ses coups spéciaux, qui sont d'ailleurs très nombreux à condition de maîtriser tous les combos de touches sur la manette !

Autre élément iconique : on peut appeler nos collègues qui tirent alors au bazooka sur la zone sans regarder qui se trouve devant eux : de la justice policière à l'américaine, tirer à l'aveuglette sur la foule, même sur leurs propres collègues, si c'est pas over bourrin ça, d'ailleurs j'suis sûr que tout le monde s'est planté de touche en jouant au jeu pour la première fois...impossible également de ne pas parler de l'apport immense de la musique du légendaire Yuzo Koshiro, une bande son techno révolutionnaire sur une console de salon en 1991 !

Pour le reste, tout va se faire aux poings, aux pieds, avec quelques armes, des prises de catch, la possibilité de jouer à deux, etc .Visuellement c'est du très beau travail : les rues de la ville, les détails dans les décors (l'animation de l'eau dans le niveau au bord de la plage), les sprites, l'animation, les bruitages à base de voix digitalisés, pour un jeu sur megadrive en 91, Sega fait très fort ! Je vous propose donc de redécouvrir tout cela et bien plus à travers notre vidéo ultra fun sur STREETS OF RAGE dans notre émission "Les Aventures du Paddle", on s'est bien éclaté et encore une fois : on a donné le max !

TRES BONNE VIDEO DE LORD PADDLE QUE JE VOUS INVITE A MATER :

3ème et dernière partie de la "collection" Uncharted avec le dernier opus de cette trilogie : l'illusion de Drake!

Un opus qui montre que la formule est désormais rodée, puisque le jeu reprend la partition du 2 dans les grandes largeurs!

Le 3e volet met l'accent sur 2 points : la narration d'abord, qui a grandement gagné en qualité et en aspect "cinématographique" avec une mocap désormais de rigueur; et les effets de lumières, magnifiques, qui sont tout simplement annonciateurs des effets HDr pour la génération précédente.

Beaucoup lui préfèrent le 2, mais me concernant, c'est mon opus préféré.

Voici donc comme pour les deux précédents, une vidéo faite par mes soins de l'entame du jeu, version Remastered avec BluepointGames. Bon visionnage!

Mon avis synthétique sur le jeu (pseudo Twinsen Threepwood) :
http://www.gameforever.fr/uncharted-3-lillusion-de-drake-8418.php

Nouvelle video aujourd'hui sur Uncharted 2 : Among Thieves, là encore dans son Remastered par BluePoint Games.

On peut voir que la série a effectué un gros bon en avant, et qui va d'ailleurs aller crescendo au gré de l'avancée dans les chapitres du jeu.

Réalisation, rendu, interactions, gunfights ont considérablement été améliorés (même si tout n'est pas parfait, ça va beaucoup mieux). Cette version perd l'aliasing de la version de 2009 et gagne davantage sur les jeux de lumières, déjà sublimes à l'origine.

Uncharted 2 pose pour ainsi dire les bases d'une formule qui ne va plus vraiment avec ses suites (épisodes 3 et 4).
Pour beaucoup, il s'agit du meilleur épisode. Et vous qu'avez vous pensé de cet épisode?

Bon visionnage :



Mon avis synthétique sur le jeu :
http://www.gameforever.fr/uncharted-2-among-thieves-7435.php

Hello,

A l'occasion de la mise en gratuité de la première trilogie pendant cette période de confinement, je vous propose de revenir sur chacun des 3 épisodes.

On commence donc ici avec le premier, restauré (pour ne pas dire réparé?) par Bluepoint Games.

On voit qu'il y a, de la part de Naughty Dog, une évidente envie de bien faire, mais franchement, de mon point de vue, ça reste quand même très mauvais entre la réalisation très limite et les problème trop nombreux.

Le 1er épisode a le mérite de poser certaines bases, et de montrer l'avancée impressionnante réalisé ensuite avec le 2.Et vous : qu'avez vous pensé de ce jeu?

Pour se remettre le jeu en tête, je vous propose un petit let's play maison, sur Ps4Pro, sans commentaire et centrée sur la première heure de jeu.




N'hésitez pas à vous abonner si les vidéos de la chaine vous plaisent.

Demain, je posterai le 2!

Hello,

Petite video du soir avec ma session-maison de Journey sur Ps4 Pro. Histoire de s'évader un peu et de profiter de ce jeu qui a été offert récemment par Sony Rappellons le.
C'est un long-play complet.
Enjoy.

https://www.micromania.fr/death-stranding-edition-collector-98909.html?utm_medium=retargeting&utm_source=criteo&utm_campaign=lower-funnel

Si certains veulent un énorme B.B en plastique pour mettre sur leur étagère, c'est le moment.

Après perso, ça me met trop mal à l'aise ce truc, mais voilà je partage, au cas où.

HAPPY STAR WARS DAY LES GENS!
Pour fêter l'anniversaire de la plus grande saga du monde, quoi de mieux que d'y replonger dans superbe dossier consacré à ses jeux vidéo?

Bonne lecture, et MAY THE 4th BE WITH YOU!

▶️ NOTRE DOSSIER STAR WARS (signé @blongdexgf):
http://www.gameforever.fr/starwars.php

Le début du dossier :



Si les adaptations de films en jeux vidéo suscitent souvent la méfiance des joueurs, c’est pour un nombre incalculable de raisons valables – du genre de celles qui peuvent marquer durablement une vie de joueur. Pourtant, une saga a réussi à balayer ce sentiment de méfiance, parce qu’elle a accompagné depuis très longtemps le développement et l’essor du jeu vidéo : je parle bien sûr de La Guerre des Étoiles – ou Star Wars, comme on dit de nos jours. Afin de permettre aux joueurs de revivre les instants mémorables de ses films, puis de vivre de nouvelles aventures dans cette galaxie lointaine, très lointaine, le créateur de cette licence a rapidement veillé au grain, et a fondé une branche « jeux vidéo » unique en son genre.

> George Lucas, un visionnaire

Un peu de cours de Star Wars si vous le voulez bien, pour commencer. Pardon ? Une suggestion Raoul ? Tu dis que rien que de voir mon titre tout acquis à la cause de George Lucas, ça te donne la nausée ? T’as gagné, tu sors ! Non mais. Toujours est-il que, même si pour les grincheux cela doit être difficile à admettre, George Lucas a bien senti son coup en conservant les droits pour les produits dérivés de son film « La Guerre des Etoiles ». Le succès du film aidant, les figurines, jouets ou autres têtes de Dark Vador… (Raoul claque la porte) Et t’auras 4 heures de colle, p’tit con ! (et tes parents auront de mes nouvelles aussi).

Oui, donc avec entre autres les têtes de Dark Vador, George Lucas a empoché pour lui seul beaucoup de royalties. Cet argent servira à bâtir son empire, à financer ses films (L’Empire Contre-Attaque sera entièrement financé grâce aux royalties), à se construire un superbe ranch aussi, et à lui permettre surtout d’avoir les moyens de veiller au grain. Pas question de faire n’importe quoi avec sa licence. Les jeux vidéo vont donc naturellement tomber dans son escarcelle, mais il aura fallu d’abord un peu de temps, le temps en fait de croire en un nouveau support.



Avec l’Atari 2600, les premiers jeux estampillés Star Wars voient le jour. En 1982 sort ainsi The Empire Strikes Back, un jeu de shoot 2D sans prétention où on prend les commandes d’un snowspeeder pour détruire des quadripodes impériaux. Mais le premier jeu Star Wars à faire date se nomme Star Wars ! Sorti en 1983, ce jeu de shoot en fil de fer vous proposait de revivre l’attaque de l’Etoile Noire, et aujourd’hui encore il ne manque pas de charmes malgré son grand âge. Sa suite, Empire Strikes Back (sans rapport avec le précédent), exploitera également ce mode fil de fer. Les jeux, réussis, seront portés sur différents supports.



Cependant, Lucas n'apprécie pas de ne pas contrôler les productions exploitant sa licence. Les Star Wars en fil de fer sont des réussites, certes, mais ne lui font pas oublier les trop nombreuses bouses commises sur Atari 2600. Il mesure également rapidement que les fans de Star Wars et de jeux vidéo constituent très souvent le même public ; un public certes exigeant, mais qui une fois conquis est prêt à dépenser beaucoup d’argent. Aussi se lance-t-il dans l’aventure, en fondant Lucasfilm Games en 1984. Il devient ainsi le seul producteur de films à confier l’exploitation de sa licence à une propre branche de son empire. Et la suite lui donnera raison.

> Des débuts de Lucasfilm Games à Lucasarts

Lucasfilm Games développe d’abord des petits jeux sympathiques sur ordinateur, à commencer par l’Atari ST. La boîte pond des merveilles d’humour, comme Maniac Mansion ou Day of the Tentacles. Finalement, c’est avec Star Wars sur NES en 1989 que le développeur se risque sur le territoire des consoles, avec succès. Star Wars est le premier jeu exploitant la licence à retracer l’ensemble du film qu’il prend pour modèle, et non une seule séquence en particulier.



Lucasfilm Games est ensuite renommé Lucasarts en 1990, signe on pourrait dire d’une plus grande indépendance, et pourtant… Et pourtant, Lucasarts va rapidement faire de la production en chaîne de jeux Star Wars, que ce soit sur PC ou sur consoles.



Sur PC, les jeux de shoot commencent à fleurir dans la première moitié des années 90, avec les séries X-Wing et Tie Fighter (des succès colossaux). Et sur consoles, Lucasarts reprend sa trilogie depuis le début, avec les Super Star Wars sur Super Nintendo. Le résultat d’ensemble fut salué, et démontrait que jeux de qualité et adaptations de films en jeux vidéo n’étaient pas incompatibles. Il n’y avait donc aucune raison que Lucasarts s’arrête en si bon chemin, mais les jeux Star Wars n’étaient pas encore très nombreux jusque 1995. Nous étions loin de l’overdose.



Mais ce serait trop oublier les lois du marché. Les jeux Star Wars connaissent de jolis succès, signe qu’il y a une demande forte de la part des joueurs. Il faut donc répondre à cette demande.

Et de ce point de vue, Lucasarts n’a aucun mal à proposer des idées de jeux. L’univers Star Wars ne se limite plus depuis longtemps aux films, et de nombreux romans et bandes dessinés, comme la trilogie de Timothy Zahn ou encore Les Ombres de l’Empire, sont venus enrichir cet univers. Cela tombe bien, les jeux vidéo ont bien souvent besoin d’une histoire pour démarrer ! De plus, l’apparition de la 3D laisse entrevoir de nombreuses possibilités que Lucasarts va exploiter. Surfant sur la vague des Doom ou autres Duke Nukem, le développeur sort ainsi Dark Forces, bâti sur un scenario original. Le jeu va d’abord sortir sur PC, avant d’être édité sur Playstation.

Les possibilités sont énormes, mais les premiers jeux en 3D ne restent cependant pas très fameux. Le Star Wars sur 32X (adaptation du jeu d’arcade) est un échec, Rebel Assault (un jeu de tir) n’est qu’un défouloir… Et puis, on ne ressent pas la magie que dégageait les jeux Star Wars sortis sur SNES.

Le PC va cependant rester le support préféré de jeux Star Wars pendant longtemps (et même encore aujourd‘hui d‘ailleurs), et on continue de voir fleurir un ensemble de jeux de shoot et d‘action. Dans le lot, un jeu a cependant marqué les joueurs sur PC : il s’agit de Jedi Knight, la suite de Dark Forces. Renouant avec l’esprit action de la trilogie Star Wars sur SNES, Jedi Knight redonne un coup de fouet aux productions de Lucasarts. Cela tombe bien, George Lucas se décide à ressortir en 1997 les éditions spéciales de sa trilogie au cinéma. Dans le sillage suit Shadows of the Empire, l’adaptation en jeu du roman du même nom, qui sortira sur N64 et PC, et qui se base sur le moteur graphique de Jedi Knight.





i l’on excepte le cauchemardesque Masters of Teras Kasi, intrusion ratée de la saga dans la baston 3D, la production Star Wars est globalement d’honnête facture, ce qui est un exploit dans le domaine des adaptations de films en jeux vidéo.

1998 constitue une année charnière pour les jeux Star Wars. On le sait alors tous, une nouvelle trilogie pointe à l’horizon, et les jeux se préparent. C’est donc durant cette année creuse que l’on voit apparaître Rogue Squadron sur N64 et PC, qui va dynamiter le jeu de shoot 3D. Entièrement en 3D libre, Rogue Squadron propose, outre un scenario s’intercalant entre les films, une sensation saisissante d’immersion dans l’univers Star Wars.

> La Prélogie, ou l’explosion de la production Star Wars

Rogue Squadron était confié à une équipe en marge de Lucasarts, Factor 5. Car Lucasarts devient une véritable organisation nébuleuse, confiant ses projets à plusieurs équipes de développement internes ou externes. Le meilleur exemple est la réalisation de Star Wars Arcade, confié à Sega.

Et la sortie en 1999 de La Menace Fantôme est accompagnée (précédée même) par un nombre incroyable de produits estampillés « Episode I ». Si cette avalanche pourrait témoigner d’une vitalité extraordinaire de la production Star Wars, elle met aussi en lumière les dérives mercantilistes à la sauce George Lucas. Car dans le lot, on trouvera du bon (Star Wars Racer, Battle for Naboo, Starfighter…), du médiocre (Jedi Power Battles), du carrément mauvais (le jeu officiel du film notamment, Bombad Racing…), mais pas de grands classiques au bout du compte. Fini donc, le temps des productions Star Wars ayant un minimum de qualité, derrière la licence se cache d’immondes attrape-nigauds.





Les jeux ont cependant parfaitement bien accompagné le film, et ont très bien marché pour la plupart. Pourquoi faire des efforts quand on peut obtenir le même résultat en bâclant son travail ? Sur certains jeux de la gamme « Episode I », ce constat de bâclé est évident. La Menace Fantôme (le jeu) sur PS1 était terriblement répétitif, les mêmes décors se succédant sans fin. Quant à Racer sur N64 et PC (les mauvaises langues diront que c’est ce jeu qui aura inspiré le film), Lucasarts fut trop pressé de le sortir afin qu’il profite de la sortie du film, donnant une impression de bâclé au travail fini. Sa ressortie sur Dreamcast, peu retravaillée, suscita même la déception des joueurs qui auraient préféré - à juste titre - la version arcade, beaucoup plus dynamique et prenante, sortie en 2000 et développée par Sega.

Avec les nouvelles consoles et le PC, les jeux Star Wars vont pourtant pulluler, allant jusqu’à avancer dans des territoires inconnus, comme le jeu de stratégie en temps réel du style Warcraft, Galactic Battlegrounds. Les sorties de jeux Star Wars frôlent l’overdose… Et il reste 2 épisodes derrière !!!

Les nouvelles consoles ont d’ores et déjà des jeux Star Wars dans leurs line up respectives, et pourtant, on sent que les nouvelles possibilités offertes par ces consoles vont pouvoir enfin redorer le blason de la licence. Sur PS2, le ton est donné avec Starfighter, un jeu de shoot efficace. Suivront le fade Obi-Wan, sur XBOX, puis l’excellent Rogue Leader, LE jeu du lancement de la Game Cube. L’ambiance du film comme si on y était, comme si on le vivait même ! L’attaque de l’Etoile Noire n’a jamais été aussi impressionnante que dans ce jeu, et on retrouve même une magie perdue depuis un certain temps. Autre jeu remarqué : Jedi Outcast, la suite de Jedi Knight.





Paradoxalement, L’Attaque des Clones ne sera pas accompagné de jeux propres à son univers, tout du moins au départ. Car entre Racer Revenge (sorti sur PS2) et Rogue Leader, on retrouve soit l’univers de l’Episode I, soit celui de la première trilogie. En fait, il semble que Lucasarts ait quelque peu retenu la leçon de La Menace Fantôme, avec trop de jeux mauvais qui ont terni l’image de la licence. Retour à plus de modestie donc, et surtout, pas de « jeu officiel du film » (si l’on excepte une daube signée THQ sortie sur GBA uniquement). Cette stratégie fut adoptée d’une manière générale par George Lucas : en clair, il fallait parler du film et non de ce qu’il y a autour.

Les jeux exploitant la licence « Episode II » vont quand même arriver. On aura ainsi droit à l’inévitable mise à jour de Galactic Battlegrounds sur PC, mais aussi à quelques jeux originaux et sympathiques. Le premier est Clone Wars, un jeu de shoot défoulant qui développe une suite intéressante à l’Episode II. Quant au deuxième, Bounty Hunter, il met en scène le chasseur de primes Jango Fett. Enfin, la série Starfighter se poursuit avec Jedi Starfighter. Ce ne sont pas des grands jeux, certes, mais le capital sympathie est là, et les fans sont contents. D’autant plus que Factor 5 sort son 3ème volet de sa série Rogue Squadron, Rebel Strike, qui, bien que moins réussi que son prédécesseur, sort nettement du lot, et se permet de nombreux clins d’œil à l’Episode II.

La surprise viendra du côté de la XBox, où Lucasarts se risque sur un nouveau territoire inconnu à la saga: le RPG. En situant l’action plusieurs millénaires avant le commencement de la saga, ce Star Wars – Knights of the Old Republic (KOTOR pour les intimes) suscita déjà de la curiosité. Et quand en plus, le jeu est une réussite, il obtient un succès légitime (qui appela évidemment une suite) [...]

LA SUITE DU DOSSIER :
http://www.gameforever.fr/starwars.php

L'activité est toujours intense pour le 3ème mois consécutif, avec 92 avis rédigés par 14 membres !.
Pour voir autant de testeurs différents durant un mois, il faut remonter au démarrage de consolesplus.net en 2004 ! C'est dire qu'en termes d'activité et de participation, notre site est particulièrement dynamique en ce moment.
Parmi les participants, nous avons en plus le plaisir d'accueillir 2 nouveaux : Lord Paddle et Shakunetsu !

Les membres de Kyo font aussi la passerelle entre les deux sites, un grand merci à eux, une fois encore!

Outre les avis, il faut maintenant suivre l'actualité des blogs. La nouveauté a été mise en place tout récemment, et déjà 14 billets ont été publiés - même si certains vieux topics ont été ressortis pour lancer les blogs et amorcer les changements en page d'accueil.
Des sujets déjà variés ont ainsi été postés : musique de jeux, tests d'accessoires, tests de jeux, publication de vidéos sur YouTube, analyse, mini-dossier... sont déjà des exemples des nombreuses possibilités qui vous sont offertes pour vous exprimer.
Il ne faut également pas oublier notre dossier consacré à la série Wonderboy.

Concernant les avis, nous choisi de mettre avant Final Fantasy VII - Remake.
Il ne pouvait en être autrement, le jeu - d'ores et déjà culte - étant attendu depuis son annonce à l'E3 2015, et ayant déjà récolté un statut de Mega Hit, malgré l'avis mitigé d'Iglou @lundens23.
L'autre jeu notable du mois, c'est un autre remake, celui de Resident Evil 3.
Avec une telle activité, il y a eu aussi quelques opinions tranchées sur des jeux très connus plus ou moins récents (SFIII 3rd Strike, RE 7, Plague Tale, Firewatch...).

Côté rétro, l'avis de Jumpman pour Donkey Kong permet au site de couvrir 39 ans de jeux vidéo : ça tient parfaitement en période de quarantaine ! L'arrivée de Lord Paddle a quant à elle permis l'entrée dans la base de données de l'ordinateur Sharp X68000. De nombreux supports ne sont pas encore proposés, aussi n'hésitez pas à demander leurs ajouts si vous avez des avis à proposer !

On profite également de ce sujet pour remercier City (le créateur de consolesplus.net et Gameforever) de ses travaux pour le site. Il a mis en place les blogs et les changements en page d'accueil - qui n'avait pas été modifiée depuis 3 ans - et a aussi effectué des opérations techniques qui ne sont pas très visibles (changements des URL et des titres) mais qui pourraient donner de meilleurs résultats avec les moteurs de recherche.

Bon, c'était un peu long, mais il y avait beaucoup à dire pour ce mois d'avril !

Merci encore aux membres de Kyo qui participent, et welcome à celles et ceux qui ont envie de sauter le pas et de venir de temps à autre!

Premier avis signé Mérode sur GF : pour lui, c'est tout simplement un chef d'oeuvre, après 25 ans d'attente!



UP : 2ème avis dans la foulée, signé @blongdexgf!




(piste dispo sur le lien source, pour lire l'avis avec une musique du jeu)

Bonsoir,

Je vous propose un nouveau dossier tout chaud sorti du four de Gameforever. Il est aujourd'hui consacré à la saga Wonderboy!

Dossier rédigé par @blondexgf et corrifé par Jane Doe. Un grand merci à eux!

Comme d'hab', je mets le début du dossier et la suite sera à lire sur le site source.



Un héros blondinet simplement vêtu d’un pagne et sorti de la Préhistoire part secourir sa bien-aimée des griffes d’un affreux sorcier, tout en filant sur son skateboard, puis s’équipe d’une armure et d’une épée pour défier un terrible dragon mécanique. Et dans un 3ème volet, il avance à marche forcée dans un mélange de plateformes et de shoot them up ; à moins que ce soit un jeu d’aventure où il doit trouver comment briser une malédiction l’ayant changé en lézard ?
Résumer rapidement la série Wonder Boy aboutit ainsi à une introduction aussi absurde. Cette réputation de manque de cohérence et de logique est toutefois méritée, tant la série, entre une numérotation hasardeuse et des adaptations innombrables, l’a entretenue. Il serait pourtant dommage de s’arrêter à cette réputation, car si la série Wonder Boy a su conquérir les cœurs de nombreux joueurs, c’est bien pour la qualité de ses jeux. Alors, tâchons d’y voir un peu plus clair !

/> Wonder Boy, dans les pas de Mario
Sorti tout droit de l’imagination de Ryuichi Nishizawa, Wonder Boy est le premier jeu d’Escape, un studio composé initialement de 3 personnes. Aux débuts de l’entreprise en 1985, Escape noue rapidement des liens avec Sega, le maître de l’arcade, et décide de proposer en 1986 un jeu d’action / plateformes. A ce moment, un autre jeu de plateformes cartonne sur NES – un certain Super Mario Bros – et représente un modèle qu’il est difficile de contourner. C’est pourtant ce que va tenter Escape, malgré une base identique.



Comme je l’ai précisé en introduction, le concept même du scénario est hautement farfelu, et ne s’embarrasse guère de cohérence. Wonder Boy est en apparence un garçon des cavernes nommé Tom-Tom, armé d’une hachette en pierre qu’il peut lancer sur ses ennemis, mais qui n’évolue pourtant jamais dans un monde préhistorique : pas de mammouths (ce qui serait logique) ou encore de dinos (ce qui, en revanche, ne serait pas logique), mais des escargots, des fées, et un sorcier en guise de méchant qui change de tête après chaque défaite ; lequel sorcier doit être affronté dans son château, non sans parcourir auparavant des forêts peuplées d’araignées, sauter de plateforme en plateforme par-delà les mers ou traverser une caverne remplie de chauves-souris. En guise de power up, Tom-Tom s’équipe d’un casque et file sur son skateboard, même si ce bonus peut s’avérer être un malus dans les passages délicats – le skateboard ne pouvant pas s’arrêter. Et tout ça, bien évidemment, pour secourir sa copine Tina ! Oui, bon, après tout, Mario est un plombier qui doit sauver la princesse d’une tortue géante crachant du feu.



A la différence de Super Mario Bros, Wonder Boy est un jeu initialement pensé pour l’arcade, et même si son concepteur a en tête une difficulté accessible et une maniabilité simple, le joueur doit être incité à aligner les pièces. De cette contrainte vient ainsi l’idée d’une barre d’énergie qui se vide progressivement, et qui ne se recharge qu’en se gavant de fruits que l’on trouve sur le parcours. Le joueur se retrouve ainsi contraint d’avancer constamment et donc de prendre des risques, car une fois cette barre d’énergie vide, une vie est perdue. Le concept, plus diabolique encore qu’un timer, fait ainsi peser sur le joueur une pression constante, ce qui fait à la fois le charme et l’identité de Wonder Boy, mais ajoute aussi une dose de difficulté supplémentaire à un jeu qui l’est déjà.



réalisation colorée. Et comme pour tous les succès arcade de cette époque, les adaptations sur consoles et PC vont se multiplier… et prendre une tournure surprenante. Quelques mois seulement après la sortie de Wonder Boy, Sega s’occupe directement de l’adaptation pour sa toute première console, la SG-1000, mais cette version a dû concéder bien trop de sacrifices pour être raisonnablement considérée comme une adaptation fidèle, voire tout simplement correcte. Il faudra donc attendre 1987 et la Master System pour pouvoir jouer sur console à une véritable adaptation. Sega confiera également à Activision le soin de transposer Wonder Boy sur différents ordinateurs (Amstrad CPC, Commodore 64 et ZX Spectrum), puis se chargera de l’adaptation Game Gear, très proche de celle sur Master System.

Cependant, dès 1986, Escape – rapidement renommé Westone – collabore avec Hudson Soft pour proposer une adaptation de son jeu sur une NES déjà solidement établie. Sega étant propriétaire du nom « Wonder Boy », et par extension de l’apparence de son héros, ne peut autoriser qu’une adaptation 100 % fidèle soit proposée sur NES, mais Westone étant indépendant de Sega, le studio est libre de laisser Hudson utiliser tout le game design. La NES ainsi que les ordinateurs MSX bénéficient ainsi avec Adventure Island (Takahashi Meijin no Boken Jima) d’une adaptation quasi-fidèle de Wonder Boy. Tom-Tom est remplacé par le personnage de Takahashi Meijin (Master Higgins en Occident), basé sur un véritable employé d’Hudson, populaire auprès des jeunes Japonais pour animer des tournois de jeux vidéo. Adventure Island connaîtra par ailleurs un si grand succès qu’Hudson réalisera pas moins de 3 suites sur NES, 1 exclusive sur PC-Engine (New Adventure Island), 2 sur SNES, et éditera un dernier volet bien plus tard (en 2009) sur Wii ; tous ces jeux n’étant pas des adaptations des volets ultérieurs de Wonder Boy.





Voilà comment la série de Westone a finalement donné naissance à une autre série qui restera globalement plus fidèle au concept d’origine.


> Monster Land, le premier volet de la sous-série Monster World



orsque Westone doit réfléchir à un nouveau jeu pour Sega, la réflexion est partie dans une toute autre direction que le concept établi par Wonder Boy. Puisant cette fois son inspiration sur des jeux comme Dragon Quest ou Sorcery, le studio décide d’implémenter des éléments de RPG pour le second volet, qui ne portera aucune trace d’un chiffre 2 – l’information a son importance. Le scénario conçu à la hâte laisse une grande incertitude quant à l’identité exacte du héros de cette nouvelle aventure, et il sera statué plus tardivement qu’il s’agit bien d’un nouveau personnage nommé Book. Démarrant en caleçon (ou en couches ?), le nouveau Wonder Boy se voit rapidement confier une épée (parce que "it’s dangerous to go alone"), puis s’équipe d’une armure, de bottes ainsi que d’un bouclier, et part ainsi défier un dragon dans un monde d’heroic fantasy.

Titré Wonder Boy in Monster Land, le jeu sort en 1987, uniquement dans les salles japonaises. Les joueurs découvrent alors une suite complètement différente, tant dans sa maniabilité et son gameplay que dans le déroulement de l’aventure. Wonder Boy « II » a donc cessé d’être en concurrence avec Super Mario Bros, pour devenir un jeu unique en son genre, qui ne ressemble à aucun autre : est-ce un jeu d’action, de plateformes ou d’aventure ? Eh bien, un peu tout cela à la fois. Divisé en 10 niveaux, Monster Land propose une progression d’abord classique (de l’action, un peu de plateformes, un boss à la fin) pour assez rapidement casser la routine.



toujours plus résistants (et onéreux) ainsi que des objets utiles (bottes, potions, magies…) ; ça, c’est la petite touche RPG. Mais les niveaux ne vont plus se contenter d’aller de gauche à droite, et des labyrinthes vont pimenter votre parcours, avec parfois des portes secrètes révélant des boutiques, des PNJ vous demandant d’apporter un objet à quelqu’un d’autre dans un niveau suivant, voire des boss cachés conservant un trésor important (une épée légendaire, par exemple). L’intention de Ryuichi Nishizawa était bien d’inciter le joueur à découvrir les secrets du jeu pour faciliter sa partie ; ignorer ou passer à côté de ces portes dérobées et petites quêtes secondaires vous rendra la tâche particulièrement corsée si vous souhaitez aller le plus loin possible. Comme si la difficulté n’était pas suffisamment élevée, Westone a également ajouté un sablier qui vous enlèvera un de vos cœurs si le temps venait à s’écouler.

Monster Land sera connu pour le nombre particulièrement conséquent de ses adaptations. Et parmi celles-ci, il faut une fois encore distinguer les adaptations à proprement parler des clones. Sega se charge une nouvelle fois de la conversion sur Master System en 1988, renommant le jeu Super Wonder Boy – Monster World au Japon, et le diffusant également en Amérique du Nord et en Europe. Il s’agit de l’adaptation la plus connue de Monster Land. Pour les ordinateurs (ZX Spectrum, Amstrad CPC, Amiga et Atari ST – la plus fidèle), c’est une nouvelle fois Activision qui a obtenu les droits de Wonder Boy.



La première conversion a été toutefois réalisée dès 1987 pour la PC Engine par Hudson, quelques mois à peine après la sortie en salles. Le jeu ne sera étonnamment pas rattaché à la série Adventure Island, mais sera nommé Bikkuriman World, d’après une série nippone de dessins animés inconnue par chez nous. Hormis les boss, la conversion n’en est pas moins la plus fidèle au jeu d’origine ; elle serait même parfaite si le développeur avait pensé à ajouter des continues.



Pas d’adaptation en revanche sur NES… ou plutôt, pour être exact, pas d’adaptation fidèle : Jaleco a en effet récupéré (légalement ?) le concept de Monster Land pour proposer un jeu lui ressemblant énormément, Saiyuuki World, abandonnant le style heroic fantasy pour adopter le cadre chinois du Voyage en Occident : Wonder Boy est ainsi remplacé par le singe Son Goku. Loin d’être réussi, ce jeu est resté au Japon… ce qui n’est pas le cas de sa suite, Saiyuuki World 2 – Tenjokai no Majin, qui sortira en Amérique du Nord sous le nom de Whomp ’Em. Remplaçant le héros Son Goku par un Indien d’Amérique, le concept même de cette suite se rapproche davantage de Megaman.

Enfin, comme plusieurs autres volets de la série (Dragon’s Trap et Monster World), le jeu sera adapté au Brésil – où la Master System aura connu un réel succès – pour utiliser la licence d’une BD à succès, Monica’s Gang (Turma da Monica).

> Monster Lair, le premier « troisième volet »

vec Wonder Boy III – Monster Lair, la série récupère un numéro, pour une sortie en salles d’arcade fin 1988 ; il ne s’agit toutefois pas de la seule chose que ce volet va récupérer. En effet, après un Monster Land pas vraiment taillé pour le succès en arcade, la série Wonder Boy devait être recentrée sur le concept initial du premier : la plateforme. On retrouve donc dans une première phase la formule qui a fait le succès de Wonder Boy, et dans laquelle il faut toujours aller à la fin d’un niveau en veillant à sa jauge d’énergie.

Monster Lair conserve toutefois de Monster Land son univers mêlant heroic fantasy et science-fiction. En plus d’un nouveau héros (cette fois nommé Leo), il sera également possible d’incarner une héroïne, la princesse Papilo, ce qui ne change rien en termes de gameplay, à part le fait de jouer en coopération. Mais point de hachette ici, les protagonistes combattent en tirant avec leurs épées des rayons, dont on collecte différentes sortes comme dans un shoot them up ou un run’n gun (Contra étant déjà sorti à cette époque). L’orientation « shmup » sera cependant clairement revendiquée dans une seconde phase de jeu où, arrivés dans l’antre du monstre, les héros chevaucheront leurs petits dragons dans un shoot them up consistant à ne vaincre que quelques vagues d’ennemis avant d’affronter le boss.



Le retour à un concept arcade a permis à Wonder Boy de retrouver un certain succès en salles. Pourtant, il aura fallu attendre fin 1990 (soit 2 ans) pour voir une adaptation arriver sur Megadrive. La PC Engine fut là aussi servie en premier, puisque le jeu sera adapté pour le support CD-ROM² en août 1989. Pas forcément une surprise, mais la différence notable est que malgré la licence Sega, le jeu est directement sorti sous le nom de Wonder Boy III – Monster Lair (et non Adventure Island). Compte tenu du retard dans la sortie du jeu sur Megadrive, on peut penser que Sega ne planifiait initialement pas d’adapter Monster Lair pour la 16-bits, avant de se raviser, pour ne proposer au final qu’une version tronquée de plusieurs niveaux, là où la version PC Engine CD n’a rien sacrifié de l’original, tout en intégrant des musiques qualité CD.

Il faut dire qu’entre 1988 et 1990, un autre Wonder Boy III est sorti et a rebattu les cartes. Malgré son capital sympathie, Monster Lair n’a pas vraiment marqué son temps, comme il n’a pas conservé l’attachement de son créateur Ryuichi Nishizawa, pour qui le jeu ne faisait figure que de production alimentaire pour le studio Westone. Étant également le dernier Wonder Boy à être sorti en salles d’arcade, il sera aussi le dernier de la série à être resté fidèle au concept du premier jeu.

LA SUITE ICI :
http://www.gameforever.fr/wonderboy.php

Hello

Pour celles et ceux qui auraient envie de lire quelques articles de fonds ou voir de bonnes vidéos, je vous annonce l'ouverture d'une petite section Blog sur Gameforever.

De taille encore modeste, la section propose déjà une douzaine de sujets, qui seront enrichis au fur et à mesure.

De l'Atari ST, du test (sans spoil) de Final Fantasy VII Remake, du jeu indépendant (ECHO), du jeu amateur (Legend of Princess ) à du matos hardware (stick Hori à l'essai) ou encore bien d'autres choses, y'a déjà de quoi faire.

A noter que le Youtubeur Lord Paddle a rejoint l'équipe et propose ses très bonnes vidéos dans la section.

Bonne visite.

Voilà, j'ai pas réussi à décrocher. Commencé vendredi soir, fini cette nuit vers 4heures de mat' (avec des pauses quand même). 35heures de quête principale, si j'arrondis. Il me reste quelques trucs à faire.

Voilà mon avis posté sur Gameforever.