Encore une semaine d'attente pour breath of the Wild!
Pourquoi ne pas profiter d'un très inédit (et très officiel) épisode de Zelda, sorti uniquement au Japon en son temps, et dispo en téléchargement?


Voici ce que vous propose la rubrique "Un peu de Lecture" de cette semaine, consacré à cet épisode méconnu qu'est BS ZELDA, sorti sur Satellaview!"

Comme d'habitude, le début du dossier est en lecture ici, la suite illustrée (avec le lien de téléchargement) est à suivre sur Gameforever!
Bonne lecture/visite et bon week end!


Vous n'en pouvez plus d'attendre le prochain Zelda ? Vous avez fini tous les Zelda que vous avez pu trouver ? Vous avez été déçu par les Zelda amateurs qui circulent sur le net ? Je ne peux que compatir. Il fut pour moi un temps où j'ai traversé les mêmes épreuves que vous. Comme moi, vous avez peut-être entendu parler d'un Zelda sorti sur un support étrange. Un jour que je me promenais dans une lointaine contrée que l'on appelle Hyrule, je croisai un vieux sage, et je lui fit part de cette rumeur persistante. Le vieil homme comprit tout de suite à quoi je faisais allusion. Il me parla d'un donjon caché dans les racines d'un vieil arbre, et dans lequel se trouve un fabuleux trésor. Ce trésor, c'est BS Zelda !


N'écoutant que mon courage, je partis en direction de cet arbre mort, non sans croiser la route d'octoroks belliqueux. J'entre dans le donjon, sombre et froid, et rapidement je trouve une boussole, puis une carte. Le trésor ne pouvait plus m'échapper, et c'est avec honneur que je vais vous le présenter.


> Le satellaview en bref
S'il fallait désigner un Zelda méconnu, ce serait bien celui là. Et pour cause, il n'a été diffusé qu'au Japon, entre 1995 et 1999, et sur un support peu répandu : le Sattellaview. Pour ne pas sortir d'âneries, je vous renvoie à un futur dossier, ou à trouver vous même les renseignements sur le net !
Sachez simplement qu'il s'agit d'une extension commercialisée par Bandaï, placée sous la Super Famicom, et que les jeux étaient transmis par satellite. D'où la particularité des jeux BS, téléchargés au compte gouttes, et par morceaux. En fait, initialement, on ne pouvait à l'origine jouer à ce BS Zelda que quelques heures, ce qui est étrange. Mais des passionnés ont continué le travail pour proposer une ROM complète sur le net.


> Présentation
Revenons à l'essentiel, le jeu BS Zelda (appelé aussi Third Quest). Il s'agit en fait d'un remake du 1er Zelda sur NES ! Ah là là ! Et là vous vous souvenez de ce fameux Zelda All-Stars à l'image du Mario All-stars, qu'on espérait tant et qui jamais n'apparu. A l'origine, Link n'était pas le héros, mais un garçon, mascotte du Sattellaview. On peut heureusement choisir entre ce mouflet et notre bonhomme vert adoré lors de la création d'un fichier.


> Test
Commençons le jeu. C'est bien Zelda, cette musique ne trompe pas, et les menus sont identiques au 1er Zelda NES. Pas de différences, mais pas inquiétant en soi, bien au contraire.
Le but du jeu est strictement identique au jeu original : afin de sauver la princesse Zelda, vous devrez retrouver les 8 fragments de la Triforce de la Sagesse, et combattre le maléfique Ganon.


LA SUITE (et le lien de téléchargement du jeu ICI)

[url]http://www.gameforever.fr/index.php?page=bszelda[/url]

Cette semaine, je vous propose en partenariat avec Gameforever dans ma rubrique "Un peu de Lecture" une rétrospective sur la saga Castlevania.

Comme d'habitude, vous pouvez commencer la lecture ici sur Gamekyo et , si vous souhaitez aller plus loin, vous pouvez cliquer ici pour lire le dossier en intégralité sur Gameforever.

Certains membres de Gamekyo viennent participer au site en ce moment, n'hésitez pas à venir vous inscrire si l'envi vous en prends

Pour rappel, Gameforever, est un site participatif où tout le monde peut donner son avis sur n'importe quel jeu.



Castlevania dispose d’une cote de sympathie bien légitime. La saga de Konami fait en effet partie des grandes séries du jeu vidéo, celles qui ont bercé tant de joueurs depuis leur plus tendre enfance. Bien connue des passionnés, elle l’est cependant moins du grand public, se forgeant ainsi une image élitiste. A la difficulté extrême des premiers volets s’est substituée une esthétique toute particulière : le style Castlevania !



> L’esprit "Castlevania" des débuts
La série voit le jour en 1986, sur MSX (une pré-version nommée Vampire Killer) et sur Famicom Disk System, l’extension de la Famicom (NES japonaise) uniquement sortie au Japon. Le monde du jeu vidéo allait ainsi découvrir l’un des jeux d’action les plus difficiles qui soient, Akumajo Dracula (Le Château du maléfique Dracula), mais aussi un des plus captivants de l’époque.

Castlevania, c’est de la plateforme, des ennemis mémorables, des pièges meurtriers, une difficulté exagérée, et un héros baraqué, équipé d’un fouet pour occire du démon. Réduire ce mythe du jeu vidéo à de l’action pure et dure serait toutefois très réducteur : ce serait oublier l’ambiance du jeu.

A sa naissance, l’inspiration venait en fait du vieux cinéma d’horreur, avec sa galerie de monstres légendaires. Le héros, Simon Belmont, devait ainsi affronter Méduse, la momie, le monstre de Frankenstein, la Mort, et pour finir, le méchant le plus cauchemardesque qui soit, Dracula, véritable incarnation du diable !

Cette référence aux vieux films d’horreur est plus saisissante encore dans Haunted Castle sur arcade, un Castlevania méconnu, avec des décors "façon carton pâte" saisissants (et je passerai sous silence la qualité du jeu).

Konami va cependant opérer à des changements assez importants, avec le surprenant Simon’s Quest. Très inspiré par le vieux mythe de la malédiction, Castlevania II se classe plus dans la catégorie des jeux d’aventure, et fera voyager son héros à travers la Transylvanie afin de détruire les restes du comte Dracula. Le joueur devra également composer avec les jours qui passent, une nouveauté pour l’époque.

Malgré le succès de Simon’s Quest, Konami effectuera un retour à plus de classicisme pour Castlevania III - Dracula’s Curse, une prequel de Castlevania qui vous fera vivre la quête de Trevor Belmont, l’ancêtre de Simon. Le jeu est en effet plus classique dans sa conception, car vous ne partez plus à l’aventure comme dans Castlevania II, mais suivez des niveaux d’action. Ce volet conserve cependant la part d’exploration de son prédécesseur, avec de nombreux niveaux en extérieur et plusieurs routes. L’autre nouveauté est également l’adjonction de nouveaux personnages, dont l’un deviendra un personnage phare de la série plus tard : le vampire Alucard.

En développant une histoire, et en posant ainsi les bases de la mythologie castlevaniesque, Simon’s Quest et Dracula’s Curse amorceront l’évolution future de la série, afin qu’elle se forge une identité propre.



> L'évolution technique de la série
Castlevania III est une référence à bien des égards, du fait de la variété des décors. Le joueur traverse ainsi un village à l’abandon, une forêt, des marécages, une caverne lugubre, voyage dans un bateau fantôme avant d’arriver dans le château de Dracula.

Sorti peu après, en 1992 sur Super Nintendo (en Europe, il est même sorti avant Castlevania III !), Super Castlevania IV se basera sur ce nouveau principe, faisant de chaque niveau une découverte, un dépaysement pour le joueur. Dans le fond, ce jeu en revient au premier Castlevania - c’est d’ailleurs un remake, puisque le héros est de nouveau Simon Belmont - avec une succession de niveaux. La différence se fera en fait dans la forme, puisque c’est à compter de ce volet que l’ambiance gothique de Castlevania est véritablement née.

Vous devrez traverser ainsi des niveaux d’une étrange beauté, comme la caverne ou la salle de danse du château, mais aussi d’autres plus loufoques, comme la bibliothèque et ses multiples pièges ingénieux, et la salle du trésor entièrement recouverte de dorures.

Si les boss classiques, comme la Méduse, la momie et bien évidemment Dracula, sont présents, certains nouveaux ne s’inspirent plus forcément des classiques de la mythologie ou des films d’horreur. Ainsi voit-on apparaître les boss sanguinolents, comme l’horrible crâne qui tire la langue, mais également des ennemis plus atypiques, comme le couple des danseurs fantômes.

La musique également prend une nouvelle tonalité. Sans renier les vieux thèmes, ceux qui sont profondément gravés dans la mémoire des vieux joueurs, Super Castlevania IV en propose de nombreux autres dont l’orgue constitue l’instrument principal. Rien de telle qu’une musique d’église pour accompagner les niveaux du château de Dracula !

Cette orientation sera affinée dans Dracula X - Chi no Rondo (Rondo of Blood), l’un des jeux incontournables de la PC Engine, ainsi que dans son adaptation (ratée) sur SNIN, Castlevania - Vampire’s Kiss. La conception classique des jeux de la série sera encore de mise, avec un style graphique toujours plus particulier. Considéré comme l’un des tous meilleurs jeux de la série, Chi no Rondo servira ainsi de base scénaristique et graphique à un autre jeu culte de la série, Symphony of the Night.

Entre temps, et comme pour confirmer que chaque règle comporte une exception, le Castlevania sur Megadrive (Bloodlines ou New Generation, selon les versions) sortira des sentiers battus en faisant voyager ses deux héros à travers l’Europe du début du 20ème siècle, alors que jusque là, les jeux de la série avaient toujours eu pour époques le Moyen-Age ou le 18ème au plus tard, ainsi que la Transylvanie et le château de Dracula pour cadres.

Malgré des évolutions nécessaires, qui ont permis à la série de tenir déjà 10 ans avec près de 10 jeux, la révolution se prépare avec les arrivées des consoles 3D. La série Castlevania, jusque là en 2D, suivra-t-elle le mouvement ?



> Symphony of the Night, l'apogée de la série
Alors que la Playstation et la Saturn marquent l’arrivée en force des jeux en 3D, Konami fait un choix à contre-courant. Estimant que la série ne pourra conserver toute son originalité en passant à la 3D, l’éditeur sortira en 1997 un Castlevania tout en 2D. Aveu de faiblesse ou foi indéfectible dans la 2D ?

La sortie de Symphony of the Night sur Playstation puis sur Saturn confirmera la seconde thèse. Avec des graphismes d’une extrême finesse et une musique profitant pleinement de la qualité CD, Konami et le chef du projet Koji Igarashi prouveront que les jeux en 2D ont encore une place à se faire, et que le genre peut atteindre l’excellence. Sur le plan purement esthétique, les illustrations ont également été confiées à compter de ce volet à Ayumi Kojima, qui dessinera des personnages très efféminés.

Symphony of the Night est culte à plus d’un titre. De nombreux joueurs ont en effet découvert la série avec ce volet, et le jeu constitue toujours à l’heure actuelle une référence du jeu vidéo. Pourtant, cet opus est aussi une révolution. D’abord, le héros principal n’est plus Simon Belmont ou un membre de sa famille, mais le vampire Alucard, un des personnages annexes de Castlevania III. Fini les combats au fouet, Alucard se bat avec une épée et use de la magie. Le jeu rétablit également un système d’évolution du personnage par des points d’expérience, comme dans Simon’s Quest, mais beaucoup plus poussée cette fois. Et pour finir, le déroulement du jeu ne consiste plus en un enchaînement de niveaux. Vous devrez ainsi explorer le château de Dracula labyrinthesque, en trouvant les moyens d’améliorer vos capacités et accéder à de nouvelles parties du château. Bien évidemment, ce principe n’est pas sans rappeler Metroid.

Symphony of the Night, malgré son succès, va pourtant diviser les amateurs de la série. Une minorité estime que l’orientation de la série marque une rupture avec les épisodes traditionnels, d’où la naissance du terme "Castleroid" (ou aussi "Metroidvania") pour désigner ce volet et tous ceux qui s’en inspireront par la suite.

Malgré ses qualités, Symphony of the Night apparaissait comme un dernier baroud d’honneur de la saga en 2D, car sur N64, Castlevania s’apprête à suivre les autres grandes sagas du jeu vidéo, en passant lui aussi à la 3D.


...La suite, si vous le souhaitez, ici :

http://www.gameforever.fr/index.php?page=castlevania

Une série magnifique que j'ai découvert bien trop tard l'année dernière...
Un acteur qui était tout simplement excellent et que j'ai pris plaisir à connaitre dans les rôles de Zarek (galactica) et d'Apollo (série d'origine)...

RIP

Bonsoir, je vous propose ce soir dans ma rubrique "un peu de lecture" un retour sur la saga Metroid à travers un dossier rédigé une fois encore par Blondex sur Game forever.

Comme pour mon post pour la saga Fire Emblem je pose ici le début du dossier en version brute mais la version complète est disponible directement sur le site de Gameforever ICI.

Enfin, sachez que le dossier revient sur l'épisode amateur AM2R, qui avait été récemment interdit par Nintendo et qui est disponible gratuitement et intégralement sur le site (le lien en fin de dossier sur la page GF)

Bonne lecture!




A l’inverse de nombreuses séries Nintendo, comme Zelda ou Mario, Metroid aura mis du temps à prendre définitivement ses marques dans l’univers vidéoludique de Nintendo, mais a réussi à acquérir la notoriété récemment, au point de devenir l’une des séries phares (et incontournables) de l’éditeur. Metroid, c’est aussi l’un des personnages les plus mystérieux du jeu vidéo, j’ai nommé la belle Samus Aran !




> Metroid


Le premier épisode de cette saga sort en 1986 sur Famicom (et un peu plus tard par chez nous). Le regretté Gunpei Yokoi et son équipe, notamment composée de Yoshio Sakimoto (scénariste de nombreux jeux de la série), avaient l’idée d’un jeu où le joueur serait laissé à l’abandon dans un labyrinthe. Il voulait un jeu d’action qui puisse se démarquer des autres jeux de la catégorie, et surtout, avoir une identité propre.

Après des premières réunions, cette petite équipe propose un jeu s’inspirant du film Alien, de Ridley Scott. L’idée d’un héros seul, arpentant des couloirs sombres afin de terrasser des aliens, séduit Nintendo. Metroid est lancé ! L’histoire narre l’aventure d’un chasseur de primes, Samus Aran, équipé d’une combinaison. Suite à un raid des Pirates de l’Espace sur un vaisseau de la Fédération Galactique, ceux-ci s’emparent d’une forme de vie extraterrestre potentiellement dangereuse, les Métroïdes, découverte sur la planète SR-388. Samus Aran est dépêché par la Fédération Galactique sur la planète Zebes, afin de détruire les Métroïdes et le chef des Pirates, Mother Brain.

Là où Metroid va innover, et imposer sa patte, c’est sur le déroulement du jeu. Le joueur est laissé à son seul instinct, à sa seule envie de découvrir le jeu, et non de le suivre sans se poser de questions. Si des passages lui sont inaccessibles, c’est qu’il y a quelque part une capacité, cachée dans un coin du labyrinthe, qui lui permettra de franchir cet obstacle. Le plus vicieux est que le joueur ne sait pas quelles sont les capacités qu’il pourra acquérir ! Citons tout de même la célèbre Boule Morphing, qui s’acquiert dès les premières secondes de jeu, et qui permet de transformer Samus en boule (idéal pour se faufiler dans les moindres recoins).

En fait, le joueur n’a qu’une certitude : pénétrer dans une zone interdite, là où se terrent les métroïdes et le big boss du jeu, Mother Brain. Problème cependant, il faut détruire deux monstres, les très célèbres Kraid et Ridley, pour que la porte s’ouvre.

Le jeu s’avère relativement court au bout du compte, mais sa difficulté et la sobriété de sa réalisation (des décors noirs et répétitifs) en auront découragé plus d’un. La récompense est cependant digne de l’effort effectué. A condition d’avoir une bonne fin (donc de finir le jeu rapidement et de mourir le moins de fois possible), le joueur va se rendre compte que son héros baraqué… est une charmante demoiselle aux cheveux bruns (oui, bruns, et pas blonds) !

Et ceux qui ne me croient pas peuvent toujours essayer le fameux code "JUSTIN BAILEY", ils pourront ainsi jouer avec Samus sans sa combinaison.

Metroid va connaître un joli petit succès, mais restera tout de même très largement éclipsé par de nombreuses autres productions, qu’elles soient de Nintendo ou d’autres éditeurs (je pense notamment à Mega Man ou Castlevania). Finalement, ce n’est que bien plus tard que le jeu va susciter un vif intérêt chez les collectionneurs, et connaître pour ainsi dire une seconde vie.


> Metroid II – Return of Samus


L’épisode le moins connu de la saga propose une histoire et un cadre différent du précédent. Bien que se basant sur le précédent volet, il réussit à apporter sa pierre à l’édifice.

Le jeu ne sort qu’en 1991, soit cinq longues années après Metroid, et contre toute attente, ne débarque pas sur NES, alors à l’apogée de sa gloire en Europe, mais sur la portable de Nintendo, la Game Boy ! Choix étonnant ? Non, pas tant que ça, quand on sait que le chef du projet Metroid et l’inventeur de la GB sont une seule et même personne : Gunpei Yokoi !

Dans ce nouveau volet, Samus (oui, maintenant on sait que c’est une fille !) part explorer une nouvelle planète : SR 388, la terre natale des métroïdes. Là encore, on sent toute l’influence de la saga Alien sur la série Metroid, car cette fois, ce sont des métroïdes, et uniquement des métroïdes, qu’il va falloir exterminer. Le scénario de ce Metroid II puise son inspiration dans le film Aliens de James Cameron (ou Alien 2 si vous préférez). Cela veut dire qu’outre la petite quarantaine de métroïdes, que vous affronterez à divers stades d’évolution (5 en tout, de la larve au stade final franchement effrayant), il va falloir éliminer la reine des Métroïdes.

Le déroulement du jeu vous laisse toujours aussi perdu dans des décors fins mais vides, et qui, hélas, se ressemblent beaucoup. De ce point de vue, l’évolution par rapport au premier Metroid est logique. Malgré tout, le choix de la Game Boy permet d’afficher des Métroïdes extrêmement fins. Le Métroïde Omega et la Reine sont en effet très impressionnants de par leur taille et la richesse de leurs designs.


Malgré tout, Metroid II n’a pas connu un énorme succès lors de sa sortie, à l’instar du premier volet. Ce n’est que plus tard, et grâce au succès de la série, que cet épisode (dont la fin est surprenante) prendra de la valeur.


> Super Metroid


La révolution Metroid va arriver en 1994 sur Super Nintendo. Jusque là, la série dispose d'une bonne réputation mais est loin d'atteindre l'excellence des séries phares de Nintendo. Les deux premiers volets sont en effet de bons jeux, mais ne sont encore que des produits bruts, qui manquent de finition, bien qu’ils ne manquent ni de magie ni de charmes. Nintendo, convaincu que le concept est bon, veut cependant continuer de croire en cette série en devenir, l’une des rares qui ciblent directement un public plus âgé que la plupart de ses autres productions.

Super Metroid fait donc suite au volet Game Boy, d’où le « Metroid 3 » s’affichant au lancement du jeu. Jusque là, les limitations techniques des supports précédents ne permettaient pas aux jeux Metroid de développer une véritable histoire. Avec la Super Nintendo, beaucoup de choses vont changer, car Super Metroid transcende le gameplay de ses deux prédécesseurs au delà du seul aspect technique. Il suffit de vivre l'expérience proposée par le pourtant court niveau introductif, la station spatiale désertée, pour mesurer l'écart à tous niveaux ; sans autre bruit qu'un signal d'alerte, l'écran de jeu subtilement masqué par un filtre de brume, l'ambiance pesante est sans aucun doute une réussite artistique remarquable dans le jeu vidéo, et tout simplement une référence dans la saga Metroid.

...Suite du dossier ICI

Amateurs de la série Fire Emblem, je vous propose ce dossier rétrospective écrit par le blogueur Blondex pour Gameforever.
Un grand merci à lui.

En accord avec le site GF et ses auteurs, je vous propose ici le début du dossier, et la suite sera à votre dispition (en version illustrée) ICI

Série considérée comme fondatrice du genre Tactical-RPG, Fire Emblem a toujours été une institution pour ceux qui la connaissent... c’est-à-dire quasiment personne en dehors du Japon ! Tout du moins, cela a été longtemps le cas ; 13 ans, pour être précis, avec la sortie du 7ème volet en occident. Pour quelles raisons obscures Nintendo n’a pas jugé bon de faire connaître Fire Emblem dans le monde jusqu’alors, et de ne la cantonner qu’au Japon ? Cette question mérite d’autant plus d’être posée que la série a aujourd’hui gagné la reconnaissance qu’elle aurait longtemps méritée. Parmi les réponses à apporter, impossible de passer sous silence une autre franchise incontournable de Nintendo, Super Smash Bros, à qui Fire Emblem doit énormément.


> Naissance d’une série et d’un genre
En 1990 sort sur Famicom le premier Fire Emblem, créé par Shouzou Kaga et son équipe d’Intelligent Systems, un studio appartenant à Nintendo et sous la houlette de Gunpei Yokoi. Chargé habituellement du hardware au sein de la firme de Kyoto, Intelligent Systems a tout de même développé en 1988 un jeu de stratégie militaire, Famicom Wars (premier volet d’une série dont nous connaissons davantage les Advance Wars). Ce jeu servira d’inspiration pour l’aspect stratégique, auquel seront ajoutés des éléments de RPG (pour le gain en expérience des unités) ainsi qu’un univers heroic fantasy inspirés de Dragon Quest.

Le premier volet sous-titré Ankoku Ryu to Hikari no Tsurugi (en anglais, The Dark Dragon and the Sword of Light) se passe ainsi dans le continent d'Arkaneia, une contrée où magie et dragons font évidemment partie du décor. Le joueur suit les (més)aventures de Marth, prince déchu du royaume d’Altea, engagé dans la reconquête de son pays, puis la libération du monde tombé sous le joug de Medeus, l’incarnation du dragon des Ténèbres. Si vous avez bien suivi, il manque donc encore deux éléments pour parfaire la mythologie Fire Emblem – ainsi que les raisons d’un titre aussi long : le Sceau du Feu peut prendre plusieurs formes, mais est ici un bouclier sacré qui doit libérer le potentiel de son détenteur ; tandis que l’Épée de lumière, Falchion, peut vaincre le dragon. Toute cette mythologie ne saurait enfin être complète sans le célèbre thème principal de Fire Emblem, qui s’immisce dans absolument tous les volets de la série.

Dès ce premier Fire Emblem, on retrouve à l’état brut les fondements de la série. Vos unités se déplacent par cases sur une carte, et affrontent les ennemis, pour remplir un objectif principal : vaincre un boss et prendre son bastion. L’aspect stratégique prend toutefois une dimension particulière et tendue, puisque Fire Emblem instaure une quasi-règle d’or qui fait la marque de fabrique de la série : la mort permanente des alliés tombés sur le champ de bataille. À l’exception de Marth, dont la mort entraîne le Game Over, une unité perdue l’est pour de bon et ne reviendra pas (sauf exception) à la mission suivante. Les victoires à la Pyrrhus ne vous emmèneront donc pas bien loin ! D’ailleurs, petit aparté sur l’expression « Victoire à la Pyrrhus », souvent employée à tort et à travers, mais qui trouve ici parfaitement sa signification première puisque... Hé, mais non, ne partez pas, l’article n’est pas encore fini ! Bon, promis, je ne recommencerai plus ! Alors, oui, en sachant que vos unités perdues ne reviendront plus, vous devez les gérer au mieux et éviter les stratégies hasardeuses, d’autant que – et c’est une constante dans la série – l’ennemi ne manquera pas de s’acharner sur vos unités les plus faibles ou les plus isolées, et le jeu vous placera même parfois dans des situations de sacrifices nécessaires.

Comme si ce n’était pas suffisant, vos armes ont – sauf exception, là-aussi – une durée limitée, et il faudra gérer au mieux votre trésor de guerre pour acheter de bonnes armes ou les remplacer. Heureusement, votre avancée vous mènera à rencontrer sur votre route des alliés prêts à vous offrir leurs talents (archers, mages, guérisseurs ou encore dragons), à condition de les convaincre de rejoindre votre camp.

Premier volet forcément mythique, ce Fire Emblem a rencontré un succès surprise au Japon.

Le deuxième volet, Fire Emblem Gaiden, sort en 1991 dans le sillage du succès du premier volet, avec une formule légèrement remaniée, et un univers différent. Scénaristiquement, il ne s’agit donc pas d’une suite, mais d’une nouvelle histoire – d’où le terme « Gaiden ». Si le fond de jeu n’évolue pas fondamentalement, cet épisode tente des expérimentations qui ne seront parfois reprises que bien plus tard dans la série. Outre le fait que l’on contrôle cette fois deux armées et deux héros à leurs têtes (Alm et Celica), on se déplace sur une carte entre chaque mission, comme dans un Mario 3, avec possibilité de revenir dans son fief, où l’on peut se déplacer librement.
Pour chaque mission en revanche, le principe reste identique au premier volet.

Il n’est évidemment pas difficile d’expliquer pourquoi ces deux jeux ne sont jamais arrivés jusqu’à nous. Leurs sorties sont relativement tardives sur Famicom, mais de nombreuses productions japonaises datant de cette période ont pu malgré tout arriver en occident. Le genre du tactical-RPG, évidemment tout nouveau, ne fut pas jugé commercialement envisageable, ce d’autant plus que les jeux nécessitent une traduction intégrale bien plus importante que bon nombre de productions 8-bits : il était évidemment plus facile de localiser un jeu d’action avec peu de dialogues qu’un jeu d’aventure, et compte tenu du délai de traduction conséquent, de nombreux RPG de l’époque (la série Dragon Quest, Final Fantasy II et III...) n’avaient d’ailleurs pas fait le voyage.
Aujourd’hui, des traductions amateur existent et permettent de découvrir ces jeux fondateurs de la série, même s’ils se réservent avant tout aux puristes tant ils sont difficiles d’accès.


> Les volets SNES
En deux épisodes, la série s’est forgé une réputation d’ores et déjà bien établie dans l’archipel nippon, mais est complètement inconnue en occident. Elle arrive sur Super Nintendo en 1994 seulement, avec Monsho no Nazo (Mystery of the Emblem), qui est à la fois un remake du premier volet, ainsi qu’une suite qui raconte la lutte du roi Marth contre un de ses anciens alliés, Hardin, corrompu par les ténèbres.
Une division en deux livres donc, mais une réalisation 16-bits toujours proche de ce qui a été fait auparavant. Le jeu gagne davantage de couleurs, et les combats sont agrémentés de décors changeant en fonction du lieu de bataille, mais les animations restent toujours aussi rudimentaires.

La suite en image ICI !

The Zenimax vs Oculus trial is over. I disagreed with their characterization, misdirection, and selective omissions. I never tried to hide or wipe any evidence, and all of my data is accounted for, contrary to some stories being spread.
Being sued sucks. For the most part, the process went as I expected.
The exception was the plaintiff’s expert that said Oculus’s implementations of the techniques at issue were “non-literally copied” from the source code I wrote while at Id Software.
This is just not true. The authors at Oculus never had access to the Id C++ VR code, only a tiny bit of plaintext shader code from the demo. I was genuinely interested in hearing how the paid expert would spin a web of code DNA between completely unrelated codebases.
Early on in his testimony, I wanted to stand up say “Sir! As a man of (computer) science, I challenge you to defend the efficacy of your methodology with data, including false positive and negative rates.” After he had said he was “Absolutely certain there was non-literal copying” in several cases, I just wanted to shout “You lie!”. By the end, after seven cases of “absolutely certain”, I was wondering if gangsters had kidnapped his grandchildren and were holding them for ransom.
If he had said “this supports a determination of”, or dozens of other possible phrases, then it would have fit in with everything else, but I am offended that a distinguished academic would say that his ad-hoc textual analysis makes him “absolutely certain” of anything. That isn’t the language of scientific inquiry.
The notion of non-literal copying is probably delicious to many lawyers, since a sufficient application of abstraction and filtering can show that just about everything is related. There are certainly some cases where it is true, such as when you translate a book into another language, but copyright explicitly does not apply to concepts or algorithms, so you can’t abstract very far from literal copying before comparing. As with many legal questions, there isn’t a bright clear line where you need to stop.
The analogy that the expert gave to the jury was that if someone wrote a book that was basically Harry Potter with the names changed, it would still be copyright infringement. I agree; that is the literary equivalent of changing the variable names when you copy source code. However, if you abstract Harry Potter up a notch or two, you get Campbell’s Hero’s Journey, which also maps well onto Star Wars and hundreds of other stories. These are not copyright infringement.
There are objective measures of code similarity that can be quoted, like the edit distance between abstract syntax trees, but here the expert hand identified the abstract steps that the code fragments were performing, made slides that nobody in the courtroom could actually read, filled with colored boxes outlining the purportedly analogous code in each case. In some cases, the abstractions he came up with were longer than the actual code they were supposed to be abstracting.
It was ridiculous. Even without being able to read the code on the slides, you could tell the steps varied widely in operation count, were often split up and in different order, and just looked different.
The following week, our side’s code expert basically just took the same slides their expert produced (the judge had to order them to be turned over) and blew each of them up across several slides so you could actually read them. I had hoped that would have demolished the credibility of the testimony, but I guess I overestimated the impact.
Notably, I wasn’t allowed to read the full expert report, only listen to him in trial, and even his expert testimony in trial is under seal, rather than in the public record. This is surely intentional -- if the code examples were released publicly, the internet would have viciously mocked the analysis. I still have a level of morbid curiosity about the several hundred-page report.
The expert witness circuit is surely tempting for many academics, since a distinguished expert can get paid $600+ an hour to prepare a weighty report that supports a lawyer’s case. I don’t have any issue with that, but testifying in court as an expert should be as much a part of your permanent public record as the journal papers you publish. In many cases, the consequences are significant. There should be a danger to your reputation if you are imprudent.

Beaucoup d'entre nous ont connu l'âge d'or de la presse vidéoludique des 90's, et nombreux sont ceux qui versent leur petite larme en repensant au mythique magazine "Consoles + ", fer de lance de la guerre des consoles et ennemi juré Joypad.
Et bien mes amis j'ai une bonne nouvelle!
Le site de fan Gameforever, et tout particulièrement son créateur, "City Hunter" , ont récrée un site hommage à Consoles+ : http://www.consolesplus.net/
Au programme, des centaines de tests de "consoles+" référencés et scannés! La base de données est encore en cours d'élaboration mais compte déjà 300 scans qui sont complétés par des liens avec les avis des rédacteurs de Gameforever.

Pour aller plus loin, je vous invite à visiter
http://www.gameforever.fr/index.php?page=accueil
Gameforever est un site d'avis participatif qui combine rétro et actus, en reprenant le système de Consoles + : "Oui", "Oui mais" et "Non".
Crée également par City Hunter, et tenus par des fans inconditionnels de "Consoles +" depuis bientôt 10 ans, Gameforever met aujourd'hui à disposition plus de 5000 avis rédigés sur plus de 4300 jeux, et plus de 1100 musiques d'ost disponibles à l'écoute pendant votre lecture! Sont disponibles également de nombreux dossiers thématiques4 et des vidéos de jeux.

L'histoire de gameforever et son rapport historique avec Consoles + sont disponibles à la lecture ici:
http://www.gameforever.fr/forum/viewtopic.php?t=430
Gameforever et consolesplus.net étant liés, vous pouvez créer un seul compte pour participer aux deux sites!

Bonne visite!