Bonsoir, je vous propose ce soir dans ma rubrique "un peu de lecture" un retour sur la saga Metroid à travers un dossier rédigé une fois encore par Blondex sur Game forever.

Comme pour mon post pour la saga Fire Emblem je pose ici le début du dossier en version brute mais la version complète est disponible directement sur le site de Gameforever ICI.

Enfin, sachez que le dossier revient sur l'épisode amateur AM2R, qui avait été récemment interdit par Nintendo et qui est disponible gratuitement et intégralement sur le site (le lien en fin de dossier sur la page GF)

Bonne lecture!




A l’inverse de nombreuses séries Nintendo, comme Zelda ou Mario, Metroid aura mis du temps à prendre définitivement ses marques dans l’univers vidéoludique de Nintendo, mais a réussi à acquérir la notoriété récemment, au point de devenir l’une des séries phares (et incontournables) de l’éditeur. Metroid, c’est aussi l’un des personnages les plus mystérieux du jeu vidéo, j’ai nommé la belle Samus Aran !




> Metroid


Le premier épisode de cette saga sort en 1986 sur Famicom (et un peu plus tard par chez nous). Le regretté Gunpei Yokoi et son équipe, notamment composée de Yoshio Sakimoto (scénariste de nombreux jeux de la série), avaient l’idée d’un jeu où le joueur serait laissé à l’abandon dans un labyrinthe. Il voulait un jeu d’action qui puisse se démarquer des autres jeux de la catégorie, et surtout, avoir une identité propre.

Après des premières réunions, cette petite équipe propose un jeu s’inspirant du film Alien, de Ridley Scott. L’idée d’un héros seul, arpentant des couloirs sombres afin de terrasser des aliens, séduit Nintendo. Metroid est lancé ! L’histoire narre l’aventure d’un chasseur de primes, Samus Aran, équipé d’une combinaison. Suite à un raid des Pirates de l’Espace sur un vaisseau de la Fédération Galactique, ceux-ci s’emparent d’une forme de vie extraterrestre potentiellement dangereuse, les Métroïdes, découverte sur la planète SR-388. Samus Aran est dépêché par la Fédération Galactique sur la planète Zebes, afin de détruire les Métroïdes et le chef des Pirates, Mother Brain.

Là où Metroid va innover, et imposer sa patte, c’est sur le déroulement du jeu. Le joueur est laissé à son seul instinct, à sa seule envie de découvrir le jeu, et non de le suivre sans se poser de questions. Si des passages lui sont inaccessibles, c’est qu’il y a quelque part une capacité, cachée dans un coin du labyrinthe, qui lui permettra de franchir cet obstacle. Le plus vicieux est que le joueur ne sait pas quelles sont les capacités qu’il pourra acquérir ! Citons tout de même la célèbre Boule Morphing, qui s’acquiert dès les premières secondes de jeu, et qui permet de transformer Samus en boule (idéal pour se faufiler dans les moindres recoins).

En fait, le joueur n’a qu’une certitude : pénétrer dans une zone interdite, là où se terrent les métroïdes et le big boss du jeu, Mother Brain. Problème cependant, il faut détruire deux monstres, les très célèbres Kraid et Ridley, pour que la porte s’ouvre.

Le jeu s’avère relativement court au bout du compte, mais sa difficulté et la sobriété de sa réalisation (des décors noirs et répétitifs) en auront découragé plus d’un. La récompense est cependant digne de l’effort effectué. A condition d’avoir une bonne fin (donc de finir le jeu rapidement et de mourir le moins de fois possible), le joueur va se rendre compte que son héros baraqué… est une charmante demoiselle aux cheveux bruns (oui, bruns, et pas blonds) !

Et ceux qui ne me croient pas peuvent toujours essayer le fameux code "JUSTIN BAILEY", ils pourront ainsi jouer avec Samus sans sa combinaison.

Metroid va connaître un joli petit succès, mais restera tout de même très largement éclipsé par de nombreuses autres productions, qu’elles soient de Nintendo ou d’autres éditeurs (je pense notamment à Mega Man ou Castlevania). Finalement, ce n’est que bien plus tard que le jeu va susciter un vif intérêt chez les collectionneurs, et connaître pour ainsi dire une seconde vie.


> Metroid II – Return of Samus


L’épisode le moins connu de la saga propose une histoire et un cadre différent du précédent. Bien que se basant sur le précédent volet, il réussit à apporter sa pierre à l’édifice.

Le jeu ne sort qu’en 1991, soit cinq longues années après Metroid, et contre toute attente, ne débarque pas sur NES, alors à l’apogée de sa gloire en Europe, mais sur la portable de Nintendo, la Game Boy ! Choix étonnant ? Non, pas tant que ça, quand on sait que le chef du projet Metroid et l’inventeur de la GB sont une seule et même personne : Gunpei Yokoi !

Dans ce nouveau volet, Samus (oui, maintenant on sait que c’est une fille !) part explorer une nouvelle planète : SR 388, la terre natale des métroïdes. Là encore, on sent toute l’influence de la saga Alien sur la série Metroid, car cette fois, ce sont des métroïdes, et uniquement des métroïdes, qu’il va falloir exterminer. Le scénario de ce Metroid II puise son inspiration dans le film Aliens de James Cameron (ou Alien 2 si vous préférez). Cela veut dire qu’outre la petite quarantaine de métroïdes, que vous affronterez à divers stades d’évolution (5 en tout, de la larve au stade final franchement effrayant), il va falloir éliminer la reine des Métroïdes.

Le déroulement du jeu vous laisse toujours aussi perdu dans des décors fins mais vides, et qui, hélas, se ressemblent beaucoup. De ce point de vue, l’évolution par rapport au premier Metroid est logique. Malgré tout, le choix de la Game Boy permet d’afficher des Métroïdes extrêmement fins. Le Métroïde Omega et la Reine sont en effet très impressionnants de par leur taille et la richesse de leurs designs.


Malgré tout, Metroid II n’a pas connu un énorme succès lors de sa sortie, à l’instar du premier volet. Ce n’est que plus tard, et grâce au succès de la série, que cet épisode (dont la fin est surprenante) prendra de la valeur.


> Super Metroid


La révolution Metroid va arriver en 1994 sur Super Nintendo. Jusque là, la série dispose d'une bonne réputation mais est loin d'atteindre l'excellence des séries phares de Nintendo. Les deux premiers volets sont en effet de bons jeux, mais ne sont encore que des produits bruts, qui manquent de finition, bien qu’ils ne manquent ni de magie ni de charmes. Nintendo, convaincu que le concept est bon, veut cependant continuer de croire en cette série en devenir, l’une des rares qui ciblent directement un public plus âgé que la plupart de ses autres productions.

Super Metroid fait donc suite au volet Game Boy, d’où le « Metroid 3 » s’affichant au lancement du jeu. Jusque là, les limitations techniques des supports précédents ne permettaient pas aux jeux Metroid de développer une véritable histoire. Avec la Super Nintendo, beaucoup de choses vont changer, car Super Metroid transcende le gameplay de ses deux prédécesseurs au delà du seul aspect technique. Il suffit de vivre l'expérience proposée par le pourtant court niveau introductif, la station spatiale désertée, pour mesurer l'écart à tous niveaux ; sans autre bruit qu'un signal d'alerte, l'écran de jeu subtilement masqué par un filtre de brume, l'ambiance pesante est sans aucun doute une réussite artistique remarquable dans le jeu vidéo, et tout simplement une référence dans la saga Metroid.

...Suite du dossier ICI

Amateurs de la série Fire Emblem, je vous propose ce dossier rétrospective écrit par le blogueur Blondex pour Gameforever.
Un grand merci à lui.

En accord avec le site GF et ses auteurs, je vous propose ici le début du dossier, et la suite sera à votre dispition (en version illustrée) ICI

Série considérée comme fondatrice du genre Tactical-RPG, Fire Emblem a toujours été une institution pour ceux qui la connaissent... c’est-à-dire quasiment personne en dehors du Japon ! Tout du moins, cela a été longtemps le cas ; 13 ans, pour être précis, avec la sortie du 7ème volet en occident. Pour quelles raisons obscures Nintendo n’a pas jugé bon de faire connaître Fire Emblem dans le monde jusqu’alors, et de ne la cantonner qu’au Japon ? Cette question mérite d’autant plus d’être posée que la série a aujourd’hui gagné la reconnaissance qu’elle aurait longtemps méritée. Parmi les réponses à apporter, impossible de passer sous silence une autre franchise incontournable de Nintendo, Super Smash Bros, à qui Fire Emblem doit énormément.


> Naissance d’une série et d’un genre
En 1990 sort sur Famicom le premier Fire Emblem, créé par Shouzou Kaga et son équipe d’Intelligent Systems, un studio appartenant à Nintendo et sous la houlette de Gunpei Yokoi. Chargé habituellement du hardware au sein de la firme de Kyoto, Intelligent Systems a tout de même développé en 1988 un jeu de stratégie militaire, Famicom Wars (premier volet d’une série dont nous connaissons davantage les Advance Wars). Ce jeu servira d’inspiration pour l’aspect stratégique, auquel seront ajoutés des éléments de RPG (pour le gain en expérience des unités) ainsi qu’un univers heroic fantasy inspirés de Dragon Quest.

Le premier volet sous-titré Ankoku Ryu to Hikari no Tsurugi (en anglais, The Dark Dragon and the Sword of Light) se passe ainsi dans le continent d'Arkaneia, une contrée où magie et dragons font évidemment partie du décor. Le joueur suit les (més)aventures de Marth, prince déchu du royaume d’Altea, engagé dans la reconquête de son pays, puis la libération du monde tombé sous le joug de Medeus, l’incarnation du dragon des Ténèbres. Si vous avez bien suivi, il manque donc encore deux éléments pour parfaire la mythologie Fire Emblem – ainsi que les raisons d’un titre aussi long : le Sceau du Feu peut prendre plusieurs formes, mais est ici un bouclier sacré qui doit libérer le potentiel de son détenteur ; tandis que l’Épée de lumière, Falchion, peut vaincre le dragon. Toute cette mythologie ne saurait enfin être complète sans le célèbre thème principal de Fire Emblem, qui s’immisce dans absolument tous les volets de la série.

Dès ce premier Fire Emblem, on retrouve à l’état brut les fondements de la série. Vos unités se déplacent par cases sur une carte, et affrontent les ennemis, pour remplir un objectif principal : vaincre un boss et prendre son bastion. L’aspect stratégique prend toutefois une dimension particulière et tendue, puisque Fire Emblem instaure une quasi-règle d’or qui fait la marque de fabrique de la série : la mort permanente des alliés tombés sur le champ de bataille. À l’exception de Marth, dont la mort entraîne le Game Over, une unité perdue l’est pour de bon et ne reviendra pas (sauf exception) à la mission suivante. Les victoires à la Pyrrhus ne vous emmèneront donc pas bien loin ! D’ailleurs, petit aparté sur l’expression « Victoire à la Pyrrhus », souvent employée à tort et à travers, mais qui trouve ici parfaitement sa signification première puisque... Hé, mais non, ne partez pas, l’article n’est pas encore fini ! Bon, promis, je ne recommencerai plus ! Alors, oui, en sachant que vos unités perdues ne reviendront plus, vous devez les gérer au mieux et éviter les stratégies hasardeuses, d’autant que – et c’est une constante dans la série – l’ennemi ne manquera pas de s’acharner sur vos unités les plus faibles ou les plus isolées, et le jeu vous placera même parfois dans des situations de sacrifices nécessaires.

Comme si ce n’était pas suffisant, vos armes ont – sauf exception, là-aussi – une durée limitée, et il faudra gérer au mieux votre trésor de guerre pour acheter de bonnes armes ou les remplacer. Heureusement, votre avancée vous mènera à rencontrer sur votre route des alliés prêts à vous offrir leurs talents (archers, mages, guérisseurs ou encore dragons), à condition de les convaincre de rejoindre votre camp.

Premier volet forcément mythique, ce Fire Emblem a rencontré un succès surprise au Japon.

Le deuxième volet, Fire Emblem Gaiden, sort en 1991 dans le sillage du succès du premier volet, avec une formule légèrement remaniée, et un univers différent. Scénaristiquement, il ne s’agit donc pas d’une suite, mais d’une nouvelle histoire – d’où le terme « Gaiden ». Si le fond de jeu n’évolue pas fondamentalement, cet épisode tente des expérimentations qui ne seront parfois reprises que bien plus tard dans la série. Outre le fait que l’on contrôle cette fois deux armées et deux héros à leurs têtes (Alm et Celica), on se déplace sur une carte entre chaque mission, comme dans un Mario 3, avec possibilité de revenir dans son fief, où l’on peut se déplacer librement.
Pour chaque mission en revanche, le principe reste identique au premier volet.

Il n’est évidemment pas difficile d’expliquer pourquoi ces deux jeux ne sont jamais arrivés jusqu’à nous. Leurs sorties sont relativement tardives sur Famicom, mais de nombreuses productions japonaises datant de cette période ont pu malgré tout arriver en occident. Le genre du tactical-RPG, évidemment tout nouveau, ne fut pas jugé commercialement envisageable, ce d’autant plus que les jeux nécessitent une traduction intégrale bien plus importante que bon nombre de productions 8-bits : il était évidemment plus facile de localiser un jeu d’action avec peu de dialogues qu’un jeu d’aventure, et compte tenu du délai de traduction conséquent, de nombreux RPG de l’époque (la série Dragon Quest, Final Fantasy II et III...) n’avaient d’ailleurs pas fait le voyage.
Aujourd’hui, des traductions amateur existent et permettent de découvrir ces jeux fondateurs de la série, même s’ils se réservent avant tout aux puristes tant ils sont difficiles d’accès.


> Les volets SNES
En deux épisodes, la série s’est forgé une réputation d’ores et déjà bien établie dans l’archipel nippon, mais est complètement inconnue en occident. Elle arrive sur Super Nintendo en 1994 seulement, avec Monsho no Nazo (Mystery of the Emblem), qui est à la fois un remake du premier volet, ainsi qu’une suite qui raconte la lutte du roi Marth contre un de ses anciens alliés, Hardin, corrompu par les ténèbres.
Une division en deux livres donc, mais une réalisation 16-bits toujours proche de ce qui a été fait auparavant. Le jeu gagne davantage de couleurs, et les combats sont agrémentés de décors changeant en fonction du lieu de bataille, mais les animations restent toujours aussi rudimentaires.

La suite en image ICI !

The Zenimax vs Oculus trial is over. I disagreed with their characterization, misdirection, and selective omissions. I never tried to hide or wipe any evidence, and all of my data is accounted for, contrary to some stories being spread.
Being sued sucks. For the most part, the process went as I expected.
The exception was the plaintiff’s expert that said Oculus’s implementations of the techniques at issue were “non-literally copied” from the source code I wrote while at Id Software.
This is just not true. The authors at Oculus never had access to the Id C++ VR code, only a tiny bit of plaintext shader code from the demo. I was genuinely interested in hearing how the paid expert would spin a web of code DNA between completely unrelated codebases.
Early on in his testimony, I wanted to stand up say “Sir! As a man of (computer) science, I challenge you to defend the efficacy of your methodology with data, including false positive and negative rates.” After he had said he was “Absolutely certain there was non-literal copying” in several cases, I just wanted to shout “You lie!”. By the end, after seven cases of “absolutely certain”, I was wondering if gangsters had kidnapped his grandchildren and were holding them for ransom.
If he had said “this supports a determination of”, or dozens of other possible phrases, then it would have fit in with everything else, but I am offended that a distinguished academic would say that his ad-hoc textual analysis makes him “absolutely certain” of anything. That isn’t the language of scientific inquiry.
The notion of non-literal copying is probably delicious to many lawyers, since a sufficient application of abstraction and filtering can show that just about everything is related. There are certainly some cases where it is true, such as when you translate a book into another language, but copyright explicitly does not apply to concepts or algorithms, so you can’t abstract very far from literal copying before comparing. As with many legal questions, there isn’t a bright clear line where you need to stop.
The analogy that the expert gave to the jury was that if someone wrote a book that was basically Harry Potter with the names changed, it would still be copyright infringement. I agree; that is the literary equivalent of changing the variable names when you copy source code. However, if you abstract Harry Potter up a notch or two, you get Campbell’s Hero’s Journey, which also maps well onto Star Wars and hundreds of other stories. These are not copyright infringement.
There are objective measures of code similarity that can be quoted, like the edit distance between abstract syntax trees, but here the expert hand identified the abstract steps that the code fragments were performing, made slides that nobody in the courtroom could actually read, filled with colored boxes outlining the purportedly analogous code in each case. In some cases, the abstractions he came up with were longer than the actual code they were supposed to be abstracting.
It was ridiculous. Even without being able to read the code on the slides, you could tell the steps varied widely in operation count, were often split up and in different order, and just looked different.
The following week, our side’s code expert basically just took the same slides their expert produced (the judge had to order them to be turned over) and blew each of them up across several slides so you could actually read them. I had hoped that would have demolished the credibility of the testimony, but I guess I overestimated the impact.
Notably, I wasn’t allowed to read the full expert report, only listen to him in trial, and even his expert testimony in trial is under seal, rather than in the public record. This is surely intentional -- if the code examples were released publicly, the internet would have viciously mocked the analysis. I still have a level of morbid curiosity about the several hundred-page report.
The expert witness circuit is surely tempting for many academics, since a distinguished expert can get paid $600+ an hour to prepare a weighty report that supports a lawyer’s case. I don’t have any issue with that, but testifying in court as an expert should be as much a part of your permanent public record as the journal papers you publish. In many cases, the consequences are significant. There should be a danger to your reputation if you are imprudent.

Beaucoup d'entre nous ont connu l'âge d'or de la presse vidéoludique des 90's, et nombreux sont ceux qui versent leur petite larme en repensant au mythique magazine "Consoles + ", fer de lance de la guerre des consoles et ennemi juré Joypad.
Et bien mes amis j'ai une bonne nouvelle!
Le site de fan Gameforever, et tout particulièrement son créateur, "City Hunter" , ont récrée un site hommage à Consoles+ : http://www.consolesplus.net/
Au programme, des centaines de tests de "consoles+" référencés et scannés! La base de données est encore en cours d'élaboration mais compte déjà 300 scans qui sont complétés par des liens avec les avis des rédacteurs de Gameforever.

Pour aller plus loin, je vous invite à visiter
http://www.gameforever.fr/index.php?page=accueil
Gameforever est un site d'avis participatif qui combine rétro et actus, en reprenant le système de Consoles + : "Oui", "Oui mais" et "Non".
Crée également par City Hunter, et tenus par des fans inconditionnels de "Consoles +" depuis bientôt 10 ans, Gameforever met aujourd'hui à disposition plus de 5000 avis rédigés sur plus de 4300 jeux, et plus de 1100 musiques d'ost disponibles à l'écoute pendant votre lecture! Sont disponibles également de nombreux dossiers thématiques4 et des vidéos de jeux.

L'histoire de gameforever et son rapport historique avec Consoles + sont disponibles à la lecture ici:
http://www.gameforever.fr/forum/viewtopic.php?t=430
Gameforever et consolesplus.net étant liés, vous pouvez créer un seul compte pour participer aux deux sites!

Bonne visite!