SONY Waypoint
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SONY Waypoint
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name : SONY Waypoint
title : SONY Waypoint
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creator : anakaris
creation date : 09/06/2013
last update : 08/18/2025
description : L'actualité de SONY dans son ensemble. Jeu vidéo, produit high-tech et stratégie commerciale. Créateur de l'image de profil et de l'image d'en-tête: Sora78.
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Sony ne parlera pas ouvertement de la PS6 avant plusieurs années
Interview

Sony ne parlera de la PS6 avant plusieurs années et se concentrera sur le Software selon Cerny dans une interview à Tomsguide :

Du côté de Sony, M. Cerny ne s'attend pas à ce que l'on parle d'autre chose que de Sofware dans les années à venir.

"AMD évolue très rapidement. Ce que j'essaie de faire, c'est de me préparer pour la prochaine génération de consoles, et mon calendrier est donc pluriannuel."


Le projet Amethyst:

« Il ne s'agit pas d'une technologie propriétaire », a expliqué M. Cerny. "Il s'agit vraiment d'essayer de faire avancer l'industrie. Il est évident que nous voulons utiliser ces technologies sur nos consoles, mais elles sont à la disposition de tous les clients d'AMD.

Selon Cerny et Huynh d'AMD, les deux entreprises collaborent encore plus étroitement que lors de la conception de la PS5/PS5 Pro.


À titre d'exemple, M. Cerny a mentionné que Sony a aidé les chercheurs d'AMD à intégrer dans leurs recherches des scènes plus exigeantes et plus complexes sur le plan graphique, car Sony a vu de ses propres yeux comment les développeurs tentent d'intégrer autant de détails que possible dans chaque scène.

« Mark fait de nous une meilleure entreprise », a déclaré Huynh. "Nous nous poussons mutuellement.

AMD, pour sa part, a poussé Sony à mettre en place une équipe d'assurance qualité spécialement chargée de vérifier si chaque nouvelle itération d'un algorithme d'upscaling était réellement meilleure que la précédente.


À propos de la prochaine version de FSR4 sur PS5 Pro, Cerny parle d'une implémentation complète et non d'une version réduite.

« L'algorithme qu'ils ont mis au point pouvait être mis en œuvre sur le matériel de la génération actuelle », a déclaré M. Cerny. "L'algorithme co-développé a donc déjà été publié par AMD dans le cadre de FSR 4 sur PC. Nous sommes en train de le mettre en œuvre sur la PS5 et il sortira l'année prochaine sur la PS5 Pro".


Il ne s'agit pas d'une version réduite de l'algorithme", a-t-il expliqué. "Il s'agit de la version complète de la "super résolution" développée en commun que nous lancerons sur la PS5 Pro.


Cerny mentionne une forte implication de son côté avec RDNA5/UDNA

« De gros morceaux de RDNA 5, ou quel que soit le nom qu'AMD lui donnera, sont issus des travaux d'ingénierie que je mène sur le projet », a déclaré M. Cerny. "Et encore une fois, il s'agit d'essayer de faire avancer les choses. Il n'y a aucune restriction quant à la manière dont ces éléments peuvent être utilisés".


Ils ont également parlé de la signification du projet Amethyst sur Twitter hier

Concevoir une architecture optimisée spécifiquement pour les charges de travail d'apprentissage automatique dans les jeux.

Développer des réseaux neuronaux de haute qualité qui repoussent les limites du graphisme des jeux en temps réel.


nous avons proposé des solutions plus intelligentes et plus efficaces, telles que Super Resolution dans FSR 4, et nous ouvrons maintenant la voie au Frame Generation et Ray Regeneration dans FSR Redstone..
Tomsguide - https://www.tomsguide.com/gaming/playstation/sonys-mark-cerny-explains-why-your-ps5-pro-is-getting-an-upgrade-in-2026
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    posted the 07/03/2025 at 11:28 AM by jenicris
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    Neil Druckmann et Cory Barlog partagent leurs réflexions sur les suites, le processus créatif et le doute
    Interview


    Neil Druckmann, le créateur de The Last of Us, déclare qu'il n'a jamais prévu de suite : « Cela nécessite un niveau de confiance que je n'ai pas »

    En début de semaine, lors du DICE Summit à Las Vegas, Nevada, Neil Druckmann, directeur de Naughty Dog, et Cory Barlog, directeur de Sony Santa Monica, se sont assis devant un public pour discuter d'un sujet très personnel : le doute.

    Les deux hommes ont discuté pendant près d'une heure sur une série de sujets qui leur tenaient visiblement à cœur, allant de leurs propres doutes sur eux-mêmes en tant que créateurs à la manière dont ils savent qu'une idée est « bonne » ou non. Les deux hommes ont également répondu à quelques questions du public, dont une que Barlog a lue à Druckmann à propos des suites : "Comment vous et vos équipes abordez le développement des personnages sur plusieurs jeux ?

    La réponse de Druckmann a été surprenante pour quelqu'un qui a réalisé plusieurs suites dans sa vie : il ne pense pas à plusieurs jeux a la fois (aux suites en gros du jeu qu'il développe au moment T).

    « C'est une question à laquelle il m'est très facile de répondre, car je ne pense jamais à plusieurs jeux, parce que le jeu que nous avons sous les yeux est tellement prenant », a-t-il répondu. "Je pense que vous vous portez la poisse si vous commencez à penser à la suite alors que vous travaillez sur le premier jeu. Donc, quand je faisais The Last of Us 2, oui, bien sûr. De temps en temps, une idée vous vient à l'esprit sur la direction qu'il pourrait prendre si nous avions l'occasion d'en faire un autre. Mais je l'aborde en me disant « et si je n'ai jamais l'occasion d'en faire un autre »... Je ne garde pas d'idée pour l'avenir. S'il y a une idée géniale, je fais de mon mieux pour la mettre en œuvre".


    Des retombées sur 10 ans

    Druckmann a poursuivi en expliquant que c'est ainsi qu'il aborde tout, à l'exception peut-être de la série télévisée The Last of Us, dont il sait déjà qu'elle comportera plusieurs saisons. Ainsi, lorsqu'il s'agit de suites, au lieu d'avoir un plan déjà en tête, Druckmann explique qu'il se penche sur ce qu'il a déjà fait et se demande quels sont les éléments non résolus et où les personnages peuvent aller. "Et si j'ai l'impression que la réponse est qu'ils ne peuvent aller nulle part, alors je me dis qu'il faut les tuer."



    "Je plaisante à moitié, mais nous nous contentons de trouver le jeu suivant. Lorsque nous avons créé Uncharted 1, nous n'avions aucune idée de la séquence du train d'Uncharted 2, ni de l'endroit où se trouverait Nathan Drake, mais nous l'avons compris lorsque nous avons créé Uncharted 2. Nous l'avons compris en faisant Uncharted 2. Et finalement, la même chose s'est produite avec Uncharted 3 et Uncharted 4, où nous regardons en arrière et nous nous disons : "Comment ne pas nous répéter ? Où ce personnage pourrait-il aller ? Qu'est-ce qui pourrait le ramener dans l'aventure ?" Et nous devons trouver une nouvelle réponse. Et si nous n'avons pas de nouvelle réponse, nous devons nous demander si c'est le bon personnage. Est-ce que c'est le bon jeu sur lequel nous devons travailler ? Ou est-il temps de trouver quelque chose de nouveau ?"


    Lorsque nous avons réalisé Uncharted 1, nous n'avions aucune idée que nous ferions la séquence du train d'Uncharted 2.

    Barlog a répondu en disant qu'il ne travaillait pas du tout de cette manière. Barlog dit qu'il a « beaucoup trop l'esprit de conspiration de Charlie Day, qui consiste à essayer de relier et de planifier tous ces éléments », et qu'il aime particulièrement lorsqu'il est capable de relier quelque chose sur lequel il travaille actuellement à quelque chose qu'il a planifié il y a dix ans.

    « C'est tellement magique, mais c'est absolument, sans équivoque, la chose la plus malsaine qui soit, parce qu'il est extrêmement stressant d'essayer de plier et de connecter chacune de ces pièces », poursuit M. Barlog. "Parce qu'à cinq ans près, des centaines de personnes sont impliquées, et qu'un tout nouveau groupe de personnes est souvent affecté au projet suivant. C'est un ensemble de points de vue, de goûts et de dégoûts différents qui vont avoir un impact négatif sur la mise en place d'un projet aussi précoce. Ils vont se dire : "Parlons-en, parce que c'était un peu stupide. Je ne sais pas si je veux faire ça".

    « Je pense que pour moi, cela nécessite un niveau de confiance que je n'ai tout simplement pas », a répondu Druckmann plus tard. "Je me dis que ça va être un succès, que je sais où ça va aller. Je veux juste me concentrer sur les cinq jours à venir, sans parler des dix années à venir."


    La raison de se lever tous les matins

    La discussion a porté sur un certain nombre de sujets, Druckmann et Barlog discutant de leurs propres expériences avec le doute et de leurs processus créatifs respectifs pour déterminer quand une idée est « correcte ». Plus tard dans la conversation, ils ont fait allusion à leurs sentiments sur leurs carrières actuelles. Druckmann a expliqué qu'il ne voulait pas se lancer définitivement dans la télévision ou le cinéma, et a partagé cette anecdote sur son amour pour les jeux :

    "Puisque nous parlons de télévision, j'ai donné une fois des indications à Pedro Pascal. Je pense qu'il était frustré par mes directives, mais il l'a dit en plaisantant. Il m'a demandé si j'aimais l'art. J'ai répondu, sur la défensive : "Oui, vous aimez l'art ? Et sans perdre une seconde, il a ajouté : "C'est la raison pour laquelle je me lève le matin. C'est la raison pour laquelle je vis et respire". Et pour moi, c'est la raison pour laquelle nous le faisons.

    "...Il m'est arrivé d'avoir des crises de panique. C'est tellement stressant, mais on le fait, parce qu'on aime tellement ça. J'aime tellement les jeux. J'aime tellement les histoires que nous racontons dans les jeux. C'est la raison pour laquelle je me lève le matin. C'est la raison pour laquelle nous faisons ce que nous faisons, et malgré tous les aspects négatifs qui en découlent, parfois les menaces de mort, toute la négativité et toutes ces choses, on les rejette et on se dit : "Oui, mais j'ai la chance de faire des jeux avec les personnes les plus talentueuses. Quelle chance avons-nous ?




    Druckmann a ensuite posé une question à Barlog, soulignant la carrière riche en histoire de ce dernier à la lumière du récent départ à la retraite de son collègue Ted Price. "Quand est-ce que ça suffit ? Quand est-ce que cette compulsion suffit ? Quand avez-vous suffisamment fait vos preuves ?"

    Barlog a répondu longuement et de manière très concrète :

    "Est-ce que c'est jamais assez ? La réponse courte est non, ce n'est jamais assez. C'est la voix dans votre tête qui vous pousse à en faire toujours plus, toujours plus, toujours plus... Vous luttez, vous luttez, vous travaillez, vous travaillez. Vous luttez, vous luttez, vous travaillez, vous travaillez, et vous vous sentez ingrat, et vous n'êtes pas entendu. Ou que ce que vous faites n'a pas d'écho. Puis vous atteignez le point où cette montagne que vous avez regardée, dont vous avez rêvé, à laquelle vous avez aspiré. Enfin, vous atteignez le sommet de cette montagne. C'est la chose la plus incroyable et la plus horrible à la fois.


    Est-ce jamais suffisant ? La réponse courte est non, ce n'est jamais assez.

    "Parce que lorsque vous arrivez au sommet, ce démon de l'obsession à l'intérieur de votre tête ne se tait pas et ne vous laisse pas apprécier le moment, l'odeur de l'air, le son de cette sorte de silence réussi, que vous avez persévéré, que vous avez lutté, que vous avez travaillé si dur pour obtenir tout cela. Et que tant de personnes se sont réunies et ont utilisé cet espace créatif collectif pour donner naissance à quelque chose qui n'était qu'une idée ou un concept. Il ne vous reste plus qu'à vous réjouir, à vous délecter et à constater que vous avez accompli cette chose et que vous êtes au sommet de la montagne. Le démon se contente de regarder et de dire : « Il y a une autre montagne là-bas qui est beaucoup plus haute ». D'accord, et ensuite ? Vous ne prenez même pas souvent ce temps. Et je ne veux pas croire que c'est intentionnel. C'est une partie étrange, silencieuse ou pas si silencieuse, de votre personnalité. La raison pour laquelle vous êtes dans cette situation, c'est que vous ne pouvez pas vous arrêter. Vous vous poussez vous-même vers l'avant, et à votre détriment, à celui de tous ceux qui vous conseillent de vous arrêter, de prendre votre temps, et vous ne le faites pas".


    Druckmann a fait écho à ce sentiment, mais de manière plus douce, en terminant sur une anecdote concernant Jason Rubin de Naughty Dog. Lors de son départ de l'entreprise, Druckmann se souvient que Rubin lui avait dit que son départ créerait un espace pour que tous les autres s'élèvent derrière lui.

    "Je pense à ces opportunités. En fin de compte, lorsque j'aurai fini de faire cela, cela créera un tas d'opportunités pour les gens. Pour moi, c'est comme si je m'élevais lentement. Je m'implique de moins en moins dans les tâches quotidiennes, comme ce projet sur lequel je travaille... Et finalement, je pense que je serai capable de me retirer. Je ne sais pas combien de temps cela prendra, mais j'y pense. Et je pense aux opportunités que je vais créer pour que d'autres personnes puissent assumer ce stress, prendre en charge leurs idées, être vulnérables et faire toutes ces choses".


    Barlog a répondu par une boutade, concluant ainsi l'entretien :

    "Très convaincant. Je vais prendre ma retraite."
    IGN - https://www.ign.com/articles/the-last-of-us-creator-neil-druckmann-says-he-never-plans-for-sequels-that-requires-a-level-of-confidence-i-dont-have
      tags : sony santa monica naughty dog ps5
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      posted the 02/15/2025 at 10:01 PM by jenicris
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      Interview Shawn Layden : Hack PSN, portages PC, consoles portables, coûts des jeux et plus encore
      Interview


      Résumé de l'interview de Shawn Layden.

      Shawn Layden était l'ancien CEO des studios Playstation Worldwide et l'ancien président de Sony Interactive Entertainment America. Sa carrière chez Sony est légendaire : il était localisateur japonais et a connu une ascension fulgurante jusqu'à devenir l'un des dirigeants de l'ensemble de l'entreprise.


      - Dit que la convention de dénomination (ps1 à ps2) était juste une décision directe et logique à l'époque, Kutaragi avait le dernier mot à ce sujet/était son choix puisqu'il prenait toutes les décisions lui-même.

      - Le hack du psn a été un moment décisif pour l'entreprise puisque tout le monde n'avait qu'un seul objectif pendant la crise, ils ont donc appris à mieux connaître tout le monde pendant qu'ils essayaient de résoudre le problème.

      - Il cite l'influence de Sony pour le marketing, car les fondateurs de la société en ont fait une puissance en réalisant que le marché japonais était étouffé dans les années 1940. Ils ont donc fait pression pour faire de Sony une société mondiale avec un marketing local et des employés dans plusieurs pays, et la PS a suivi ces traces. Le marketing précédent était fondamentalement le même que celui de Sony Music (puisqu'il s'agissait en grande partie des mêmes personnes), les jeux et les studios étaient traités comme des groupes de rock et des chansons. Tout le marketing est basé sur le fait de faire en sorte que les joueurs ne ratent rien.

      - Les portages sur PC étaient une idée suggérée par plusieurs personnes mais Shawn dit que c'était sa décision, il y a eu beaucoup de refus, il cite des studios qui voulaient porter Jet Moto et Warhawk sur PC pendant la PS1 mais Kutaragi ne voulait pas que Sony les porte, c'est pourquoi ils ont été publiés par une autre branche et personne ne s'en est soucié.

      - Il dit que la raison pour laquelle il pensait qu'ils devaient être portés sur PC est que cela ne permettrait pas de cannibaliser les ventes de consoles, après un an, les jeux ne se vendent plus au prix fort, donc cela n'affecte pas la console. Les portages ne sont pas faits pour gagner de l'argent ou générer l'impression aux joueurs de rien rater, juste pour introduire les IP et la marque sur un marché qui n'irait pas vers la PS, son point de vue est que le marché PC n'irait pas vers le marché PS de lui-même, ils devaient aller là où ils sont. L'interviewer mentionne que GTA6 est un jeu qui poussera les joueurs PC à acheter des PS5, Shawn dit que seuls quelques jeux ont ce pouvoir.

      - Astro a été son GOTY parce qu'il était frais, dans la PS1 les 5 genres principaux étaient RPG - Plateformes - baston - courses - Action, avec le temps cela a changé pour l'aventure, l'action et le sport, donc Astro était un rappel à l'époque où les Platformers étaient l'un des piliers de l'industrie.

      - Les jeux japonais sont excellents en matière de gamedesign grâce à la culture des salles d'arcade, les studios avaient l'habitude de créer des jeux avec la mentalité “'Combien de plaisir pour 100y coin”', cette sensibilité de créer de la joie dans de petits moments a été adoptée par la PS1 (et d'autres consoles), alors que beaucoup de jeux occidentaux se concentrent sur de grands moments épiques, ce qui explique que l'architecture de la PS3 a rendu difficile pour les développeurs japonais de continuer à utiliser cette mentalité.

      - Tous les coûts de développement d'un jeu sont des coûts de main-d'œuvre et de temps (salaire), sans compter les licences de propriété intellectuelle. Ils ont essayé d'envisager d'autres emplacements pour les entreprises de jeux, mais en fin de compte, la plupart des talents se trouvent sur la côte ouest des États-Unis, “'il y a une raison pour laquelle Hollywood est à Hollywood”'.

      - Il dit avoir eu une mentalité conservatrice en ce qui concerne le travail à domicile, qui n'était tout simplement pas une option à l'époque, mais il comprend mieux aujourd'hui, après la pandémie, que les trajets domicile-travail ont simplement fait travailler les gens plus longtemps.

      - Il dit qu'il était conscient qu'il contribuait à augmenter les coûts, c'était une lutte mentale interne, « la moitié de mon cerveau se disait : » wow, cette courbe de dépenses est extrême, nous doublons les coûts à chaque génération « , tandis que l'autre moitié se disait » ce jeu a l'air tellement génial, nous allons nous y mettre, nous allons trouver un moyen de réunir l'argent et ce sera incroyable « ».

      - Au début, il n'y avait pratiquement pas de réduction, la plupart du temps c'était 59,99 $, puis 49,99 et 39,99. Avec la PS2 et la PS3, la courbe s'est accélérée en ce qui concerne l'évolution des prix, car dans le monde numérique, les prix sont plus faciles à modifier et à contrôler. Il n'y a pas de modèle de réussite pour les prix, cela dépend de chaque jeu. Le plus gros problème n'est pas de baisser les prix, mais de trouver un moyen de les augmenter.

      - Sur Concord - le problème des GaaS est de convaincre le public d'arrêter de jouer à un jeu pour aller vers le vôtre.

      - Il dit que Sony ne pourrait pas s'en sortir avec une PS6 sans lecteur, mais que la XBOX le fera parce qu'elle a du succès dans une poignée de pays (États-Unis, Canada, Irlande, Royaume-Uni, etc.). Sony est la plate-forme n°1 dans 107 pays, une grande partie du marché ne serait pas en mesure de faire correctement le saut vers une console entièrement sans lecteur. Il a dit que la PS4 avait fait l'objet de discussions sur le fait d'être sans lecteur, des marchés uniques comme les joueurs de sport jouant sur leurs consoles dans les hôtels et les bases militaires achetant des PS les ont aidés à ne pas le faire. (mais ce n'était évidemment pas probable dans les deux cas)

      - Les consoles portables sont un marché difficile car il faut résoudre un problème : y a-t-il un marché important qui demande une expérience portable au-delà de la Switch et de Steam Deck ? Cela dit, il faut un pipeline de contenu adéquat.

      - Pour la PSP2, ils voulaient juste un stick de plus, puis quand c'est devenu la Vita, la console a été surdimensionnée, ce qui a nui à la console sur plusieurs fronts (coût, développement, etc.).

      - Il dit que PS All Stars est sorti au mauvais moment, le public de la PS3 était tout entier tourné vers les jeux d'action avec de grands décors, donc un brawler ne pouvait pas s'épanouir, mais au moins ''ceux qui l'ont aimé l'ont vraiment aimé'', il n'a pas participé aux décisions commerciales du jeu mais dit que certains des personnages étaient là juste pour l'exposition (donc la licence n'était pas une question d'argent).

      - Les goûts du public changent avec l'âge, mais les démographies sont vraiment différentes de nos jours (17 ans en 2005 contre 2025), beaucoup d'entreprises ne comprennent pas ce que le public veut ou où il se trouve.

      - Nintendo est mieux placé pour surmonter le problème des « rendements décroissants » car ils ont simplement suivi leur plan, ils savaient mieux pendant la pandémie qu'il s'agirait d'un boom temporaire des revenus. Sony et Nintendo seront toujours les deux machines dans un salon, car elles répondent à des besoins différents.

      - Il dit que les bureaux de Londres pensaient que le Eye Toy et Singstar changeraient la donne, qu'ils ont eu du succès mais pas autant qu'ils l'espéraient, et qu'il s'agissait essentiellement d'une nouveauté éphémère.
      Le post mortem a eu lieu : Certaines choses peuvent avoir un moment de nouveauté, mais cela ne veut pas dire qu'elles auront un long héritage, et il faut savoir quand éteindre l'interrupteur, comprendre quel type d'opportunité se présente dans la situation, s'agit-il d'une chose momentanée ou d'une chose extensible ?

      - L'échec est un bien meilleur professeur, à l'instar des one hit wonders de la musique, le succès est bien plus difficile à reproduire alors que vous savez (en théorie) comment ne pas échouer à nouveau).

      - sur le multiplateforme Xbox : La multiplicité des plates-formes permet d'élargir le marché auquel on peut s'adresser... Qu'est-ce que cela fait à leur marque ? Je pense que... oui, cela rend la conversation plus difficile à créer... de la discussion négative. Essayer de le faire en amenant tout le monde sur votre plateforme... mais si c'est disponible sur toutes les plateformes, c'est l'une de vos tactiques de marketing que vous ne pouvez pas utiliser. Vous ne pouvez pas dire qu'il n'est disponible qu'ici s'il est disponible partout. Il s'agit donc d'un exercice d'équilibre... nous l'avons déjà vu auparavant, j'étais dans le secteur lorsque Sega a porté ses titres Dreamcast sur la PlayStation 2 et, avec le temps, Sega est devenue une société exclusivement axée sur les logiciels... il y a donc un précédent historique".
      https://www.resetera.com/threads/shawn-layden-interview-psn-hack-pc-ports-handhelds-game-costs-and-more.1098186/#post-135224265
        tags : ps3 playstation sony psp ps4 ps5
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        posted the 02/02/2025 at 05:55 PM by jenicris
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        Les créateurs de jeux japonais évoquent leurs ambitions pour 2025
        Interview
        Votre dose annuelle de conseils et d'indices pour la nouvelle année.



        4Gamer.net a publié l'édition 2025 de ses entretiens annuels de fin d'année avec des créateurs de jeux japonais. Le site web a interrogé 164 créateurs cette année, dont plusieurs annoncent de nouveaux titres et de nouvelles annonces pour 2025.

        Les 164 créateurs ici:

        https://www.4gamer.net/games/999/G999905/20241216014/

        Vous trouverez ci-dessous les informations les plus importantes.

        Arc System Works

        Kenji Satou

        (Connu pour River City : Rival Showdown, River City Saga : Three Kingdoms Next)

        Ambitions pour 2025

        « En 2024, j'ai pu achever l'histoire de River City Saga : Three Kingdoms jusqu'à ses dernières étapes, et je suis soulagé que nous ayons pu mettre un terme à la saga des Trois Royaumes. En 2025, je souhaite créer un nouveau titre River City qui sera bien accueilli par les fans, anciens et nouveaux. J'espère également mettre en lumière non seulement River City, mais aussi d'autres titres de Technos Japan. Gardez l'œil ouvert pour les prochains développements liés à River City ! Merci pour votre soutien continu ! »


        Idea Factory

        Kei Nanameda

        (Connu pour la série Death end re;Quest, la série Mary Skelter)

        -Ambitions pour 2025

        « En attendant 2025, Todokero ! Tatakae ! Calamity Angels continue d'être développé avec diligence. Je m'excuse pour l'attente. Nous travaillons dur pour créer une comédie burlesque joyeuse et amusante, alors j'espère que vous l'attendrez avec impatience ! »


        Hikaru Yasui

        (Connu pour Madou Monogatari: Fia and the Mysterious School, Touhou Spell Carnival, Neptunia Riders VS Dogoos)

        -Ambitions pour 2025

        « 2025 sera une année charnière puisque nous célébrerons le 15e anniversaire de Neptunia. Nous préparons des projets passionnants pour nos fans et mettons tous nos efforts dans le développement du dernier jeu Neptunia numéroté. Toute l'équipe travaille d'arrache-pied aux côtés de Tsunako, alors attendez-vous à de nouveaux développements ! »


        ATLUS

        Shinjirou Takata

        (Connu pour la série Devil Survivor, Tokyo Mirage Sessions #FE, Shin Megami Tensei V, et Shin Megami Tensei V : Vengeance)

        -Ambitions pour 2025

        « J'espère que nous pourrons annoncer un titre dès que possible. L'équipe travaille actuellement d'arrache-pied pour que nos fans puissent en profiter au maximum. »


        Naoya Maeda

        (Connu pour Persona 5, la série Persona Q et Persona 5 Tactica)

        -Ambitions pour 2025

        « Un an s'est déjà écoulé depuis la sortie de Persona 5 Tactica. Malheureusement, je ne peux pas partager de détails sur le titre sur lequel je travaille actuellement, mais je suis certain qu'il offrira aux joueurs une nouvelle expérience. »


        Inti Creates

        Takuya Aizu

        (Connu pour les séries Azure Striker Gunvolt, Bloodstained : Curse of the Moon, Grim Guardians, Card-en-Ciel)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2025, nous prévoyons de sortir plusieurs titres, dont Grim Guardians : Servants of the Dark, qui sera lancé en version numérique le 27 mars et en version physique le 24 avril... De plus, pour ceux qui se demandent s'il y aura une suite à tel ou tel jeu, je suis sûr que nous aurons de bonnes nouvelles à partager, alors n'hésitez pas à attendre les prochaines mises à jour !


        Vic Game Studios

        Lee Dong-jun

        (Connu pour Breakers : Unlock the World)

        -Ambitions pour 2025

        « Pour ceux qui attendent Breakers, nous prévoyons de publier plus d'informations en 2025 et nous mettons tout en œuvre pour préparer une version bêta afin de recueillir vos commentaires. Nous visons une sortie au quatrième trimestre 2025, c'est pourquoi nous apprécierions grandement votre soutien continu. Merci beaucoup ! »


        Experience

        Hajime Chikami

        (Connu pour les séries Demon Gaze, Spirit Hunter, Undernauts : Labyrinth of Yomi)

        -Ambitions pour 2025

        « L'année prochaine, nous prévoyons de sortir le RPG hack-and-slash Monkarufanta, que nous avons eu du mal à développer, ainsi que Demon Kill Demon, qui s'intitule provisoirement Demon Kill Demon, un retour aux RPG de donjon en cours de développement dans un pipeline séparé. Demon Kill Demon se déroule dans le même monde que Undernauts : Labyrinth of Yomi, mais il s'agit d'un nouveau titre et non d'une suite. Alors que les protagonistes de Undernauts étaient des adultes actifs cherchant à s'enrichir rapidement, l'histoire tourne cette fois autour d'étudiants et de professeurs ordinaires qui se retrouvent pris dans un incident et doivent travailler ensemble pour s'échapper d'un donjon ».


        Logo Monkarufanta



        Artwork Demon Kill Demon



        M2

        Naoki Horii

        (Connu pour Aleste Branch)

        -Ambitions pour 2025

        « Tous les titres qui devaient être annoncés (ou même sortis) cette année ont été reportés à l'année prochaine, de sorte que 2025 devrait être une année amusante et passionnante pour ceux qui suivent les jeux M2. Des titres (ou des jeux) inattendus pourraient ou non surgir d'endroits inattendus. Quand je dis qu'ils pourraient ne pas apparaître, je tiens compte de la possibilité que l'entreprise explose, mais au moins ceux qui sont devenus des jeux d'or devraient être lancés, n'est-ce pas ? (Ne vous inquiétez donc pas trop.) »


        Aleste Branch Screenshots









        Grasshopper Manufacture

        Goichi « Suda 51 » Suda

        (Connu pour la série No More Heroes, killer7, Shadows of the Damned, The Silver Case)

        -Ambitions pour 2025

        « Je vais annoncer un nouveau titre. Euh, peut-être. C'est sûr. »


        Koei Tecmo Games / Ruby Party

        Mei Erikawa

        (Connue pour La Corda D'Oro : Starlight Orchestra, Touken Ranbu Warriors, Buddy Mission BOND)

        -Ambitions pour 2025

        « La série Harukanaru Toki no Naka de fêtera son 25e anniversaire en avril 2025 ! Nous nous préparons à annoncer un projet qui rendra tout le monde heureux, alors attendez-le avec impatience ! Nous travaillons également d'arrache-pied sur le développement d'un ou plusieurs nouveaux jeux Neo Romance, alors attendez encore un peu pour en savoir plus. »


        Koei Tecmo Games / Omega Force

        Sho Tomohiko

        (Connu pour Dynasty Warriors 3 à 6, Dynasty Warriors : Origins, Dragon Quest Heroes I et II, Dragon Quest Champions, Fate/Samurai Remnant)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2025, nous aimerions d'abord que le plus grand nombre possible de personnes apprécient Dynasty Warriors : Origins, qui sortira le 17 janvier... Et ce n'est pas tout pour Omega Force en 2025. Dans le cadre de nos efforts continus pour proposer les meilleurs jeux à l'avenir, nous travaillons d'arrache-pied sur différents titres et nous espérons faire une annonce intéressante avant l'arrivée du printemps. Nous vous serions reconnaissants de continuer à garder un œil sur Omega Force !


        Koei Tecmo Games / Studio AAA

        Yosuke Hayashi

        (Connu pour Rise of the Ronin, la série Nioh, WILD HEARTS, la série Ninja Gaiden, la série Dead or Alive, la série Hyrule Warriors, la série Fire Emblem)

        -Ambitions pour 2025

        « 2025 devrait être une année où nous pourrons annoncer et livrer divers titres, y compris le titre du studio AAA dont je suis actuellement responsable. J'espère que cette année apportera encore plus d'excitation au format de divertissement que sont les jeux vidéo. »


        Koei Tecmo Games / Team NINJA

        Fumihiko Yasuda

        (Connu pour Rise of the Ronin, la série Nioh, la série Ninja Gaiden)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2025, Team NINJA fêtera son 30e anniversaire, et nous espérons annoncer et sortir des titres à la hauteur de l'événement. »


        Konami Digital Entertainment

        Noriaki Okamura

        (Connu pour Metal Gear Solid Delta : Snake Eater, Momotaro Dentetsu World : Chikyuu wa Kibou de Mawatteru !, Momotaro Dentetsu : Showa, Heisei, Reiwa mo Teiban ! et Super Bomberman R)

        -Ambitions pour 2025

        « Notre priorité absolue est de livrer à nos fans un Metal Gear Solid Delta : Snake Eater à nos fans. Parallèlement, pour la série Momotaro Dentetsu, un autre projet dont je suis responsable, nous continuons à développer de nouvelles initiatives passionnantes, comme la participation à l'exposition universelle avec le bureau du cabinet japonais. Je vous invite à attendre avec impatience la suite des événements. »


        Motoi Okamoto

        (Connu pour Silent Hill 2, Silent Hill f)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2024, nous avons sorti avec succès Silent Hill 2, salué par les fans. Il ne reste plus que les titres déjà annoncés Silent Hill f et Silent Hill : Townfall. Nous travaillons dur sur ces deux titres pour répondre aux attentes des fans. Nous ferons de notre mieux pour être en mesure de fournir de nouvelles mises à jour. »


        Cygames

        Yasuyuki Kaji

        (Connu pour Granblue Fantasy : Relink)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2024, nous avons sorti avec succès Granblue Fantasy : Relink, un jeu auquel nous avons consacré beaucoup de temps et d'efforts, y compris son contenu téléchargeable, et qui a été apprécié par de nombreux joueurs. Un grand merci à tous ceux qui y ont joué. Je travaille actuellement sur un nouveau jeu. Bien que je ne sois pas sûr que nous ayons quelque chose à partager d'ici la fin de l'année 2025, toute l'équipe de Cygames travaille avec diligence pour créer un nouveau contenu passionnant, alors attendez-le avec impatience ! »


        Kenichiro Takaki

        (Connu pour Garnet Arena : Mages of Magicary, la série Senran Kagura, Red Ninja : End of Honor)

        -Ambitions pour 2025

        « Bien que nous n'ayons pas encore pu partager de nouvelles, nous continuons à travailler dur sur Garnet Arena : Mages of Magicary. Chaque année, de nouveaux jeux extraordinaires sortent par dizaines, mais c'est avec une grande confiance que nous avançons sur notre prochain jeu. J'apprécierais que vous fassiez preuve de patience et que vous l'attendiez avec impatience. »


        CyberConnect2

        Hiroshi Matsuyama

        (Connu pour la série Naruto : Ultimate Ninja Storm, Dragon Ball Z : Kakarot, the Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - The Hinokami Chronicles, la série .hack, la série Fuga : Melodies of Steel)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2025, nous prévoyons de sortir Fuga : Melodies of Steel 3 et Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - The Hinokami Chronicles 2 (publié par Aniplex), que nous sommes en train de développer. Ces deux titres seront des chefs-d'œuvre, alors attendez-les avec impatience ! 2025 sera également une année de compte à rebours avec diverses annonces à l'approche de notre 30e anniversaire en février 2026, alors n'hésitez pas à attendre avec impatience. »


        GPTRACK50

        Hiroyuki Kobayashi

        (Connu pour les séries Resident Evil, Dino Crisis, Devil May Cry, Sengoku BASARA et Dragon's Dogma)

        -Ambitions pour 2025

        « Je suis reconnaissant à tout le monde car GPTACK50, le studio que je dirige, a célébré avec succès son deuxième anniversaire en octobre 2024. Nous avançons à grands pas dans le développement de notre jeu grand public destiné à une sortie mondiale. La chanson thème et le logo étant désormais terminés, je pense que nous pourrons enfin annoncer le titre en 2025. Nous sommes impatients de montrer à nos fans le tout nouveau jeu action-RPG de la société. Nous vous invitons à l'attendre avec impatience ! »


        Square Enix

        Yosuke Saito

        (Connu pour la série Dragon Quest, la série NieR)

        -Ambitions pour 2025

        « 2025 sera une année charnière puisqu'elle marquera le 15e anniversaire de la série NieR, alors j'aimerais faire quelque chose pour elle ! Que devrions-nous faire... peut-être quelque chose avec le prochain jeu, ou des développements liés à cela... J'ai entendu les attentes des fans. C'est un peu délicat, cependant... Cela dit, comme je vais probablement faire moins de travail direct en tant que producteur, j'apprécierais que vous puissiez attendre patiemment ce qui va arriver. »


        Hiroshi Takai

        (Connu pour Final Fantasy XVI, Final Fantasy V, SaGa Frontier, The Last Remnant)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2024, j'étais entièrement occupé à travailler sur Final Fantasy XVI, mais en 2025, je travaillerai sur quelque chose de différent. Je ne peux pas encore vous donner de détails précis, mais je continuerai à travailler dur en 2025. (Rires) Je suis sûr que ce travail aboutira à quelque chose que les lecteurs de 4Gamer apprécieront.


        Takashi Tokita

        (Connu pour LIVE A LIVE, Final Fantasy IV, la série Hanjuku Hero, la série Nanashi no Game, Chrono Trigger, Parasite Eve)

        -Ambitions pour 2025

        « Nous travaillons actuellement sur un nouveau titre dans le cadre de la nouvelle structure de Square Enix. Il faudra peut-être attendre un peu avant de pouvoir vous en parler, mais nous vous serions reconnaissants de continuer à nous soutenir en 2025 ! »


        Spike Chunsoft

        Shohei Sakakibara

        (Connu pour la série Danganronpa, Master Detective Archives : RAIN CODE, Natsu-mon ! 20th Century Summer Kid, etc.)

        -Ambitions pour 2025

        « En 2025, nous serons en mesure d'annoncer plusieurs titres non annoncés. Ce sera également l'année du 15e anniversaire de Danganronpa. J'ai hâte de le célébrer avec tous nos fans de diverses manières, alors continuez à garder un œil sur Spike Chunsoft ! »


        SEGA

        Ryuta Ueda

        (Connu pour Panzer Dragoon II : Zwei, Panzer Dragoon Saga, Yakuza, Yakuza 2, Jet Set Radio, Jet Set Radio Future, Rise of Nightmares, Demon Tribe, etc.)

        -Ambitions pour 2025

        « Je participe au nouveau jeu Jet Set Radio. Depuis la naissance de mon enfant cette année, il m'a été difficile de m'y consacrer pleinement, mais je fais de mon mieux pour créer un jeu qui perpétue l'esprit des originaux. N'hésitez pas à attendre de nouvelles informations !


        Capture d'écran de Jet Set Radio



        Masayoshi Kikuchi

        (Connu pour la série Jet Set Radio, la série Like a Dragon)

        -Ambitions pour 2025

        « Je travaille toujours sur le nouveau jeu Jet Set Radio. 2025 marque également le 25e anniversaire de Jet Set Radio, alors je réfléchis à la manière de le célébrer. »


        Too Kyo Games

        Kotaro Uchikoshi

        (Connu pour la série AI : The Somnium Files, la série Zero Escape, Ever17)

        -Ambitions pour 2025

        « D'autres jeux Too Kyo [en plus de The Hundred Line : Last Defense Academy] sortiront les uns après les autres en 2025. Ne manquez pas de les découvrir ! »


        Kazutaka Kodaka

        (Connu pour la série Danganronpa, Master Detective Archives : RAIN CODE)

        -Ambitions pour 2025

        « The Hundred Line : Last Defense Academy sortira le 24 avril 2025. Nous l'avons créé en utilisant tous les actifs et prêts de notre société, car il s'agit de la première propriété intellectuelle originale de Too Kyo Games. Si le jeu ne se vend pas, nous sommes prêts à faire faillite et à prendre notre retraite, mais nous avons tout mis en œuvre pour créer quelque chose d'intéressant, alors attendez-le avec impatience ! »


        Takumi Nakazawa

        (Connu pour World's End Club, Root Double : Before Crime * After Days, Ever17 : The Out of Infinity)

        -Ambitions pour 2025

        « Je devrais enfin pouvoir annoncer le jeu dans lequel je suis impliqué de manière créative l'année prochaine. Celui-ci est intéressant (et fou !) d'une manière complètement différente de The Hundred Line, alors gardez l'œil ouvert pour sa révélation ! »


        Drecom

        Yuki Ikeda

        (Connu pour Rain, Tokyo Stories)

        -Ambitions pour 2025

        « 2024 est passé en un clin d'œil, mais nous continuons à travailler dur chaque jour pour terminer Tokyo Stories. J'espère que 2025 sera l'année... peut-être... mais Tokyo Stories prend forme petit à petit, alors j'apprécierais que vous l'attendiez patiemment ! »


        Nippon Ichi Software

        Kento Johana

        (Connu pour Phantom Brave : The Lost Hero, Process of Elimination)

        -Ambitions pour 2025

        « Je serais heureux que vous puissiez attendre avec impatience Phantom Brave : The Lost Hero, un tout nouveau volet de la série qui sortira plus de 20 ans après la sortie du premier jeu. Je travaille également d'arrache-pied sur une nouvelle propriété intellectuelle aussi mignonne, touchante et irrésistible que ce que l'on peut attendre de Nippon Ichi Software, et je ferai de mon mieux pour l'annoncer dès que possible. Je ferai donc de mon mieux pour l'annoncer dès que possible. N'hésitez pas à l'attendre avec impatience !


        Bandai Namco Entertainment

        Kazutoki Kono

        (Connu pour la série Ridge Racer, la série Ace Combat)

        -Ambitions pour 2025

        « Nous développons actuellement un nouveau titre de la série Ace Combat, et bien que des défis continuent de se présenter chaque jour, nous sommes entièrement dévoués et déployons tous nos efforts pour le jour où nous pourrons commencer à voir des résultats. Il faudra encore un peu de temps avant que nous puissions annoncer le nouveau titre, mais 2025 sera aussi l'année où nous célébrerons le 30e anniversaire d'Ace Combat, alors j'aimerais me réjouir avec les fans. »


        Bokeh Game Studios

        Keiichiro Toyama

        (Connu pour la série Silent Hill, la série SIREN, la série Gravity Rush, Slitterhead)

        -Ambitions pour 2025

        « Après la sortie du premier titre de notre studio, Slitterhead, je pensais pouvoir souffler un peu, mais au lieu de cela, j'ai l'impression d'être encore plus occupé... Nous avons commencé à préparer notre prochain projet, mais avec un éventail d'options plus large, c'est épuisant, mais je ressens aussi un sentiment d'accomplissement que je n'avais pas ressenti depuis longtemps. »


        Meguro Works

        Shoji Meguro

        (Connu pour la série Persona, la série Shin Megami Tensei)

        -Ambitions pour 2025

        « Le développement de Guns Undarkness, le titre que je développe en solo, a été retardé à maintes reprises, mais je pense que nous devrions pouvoir le sortir en Early Access au printemps de l'année prochaine. »


        LEVEL-5

        Akihiro Hino

        (Connu pour la série Inazuma Eleven, la série FANTASY LIFE, la série Professor Layton, la série Megaton Musashi, la série Yo-kai Watch)

        -Ambitions pour 2025

        « J'espère que 2025 sera une année décisive pour LEVEL-5. Nous prévoyons de sortir trois titres majeurs : FANTASY LIFE i : The Girl Who Steals Time, Inazuma Eleven : Victory Road, et Professor Layton and the New World of Steam - simultanément dans le monde entier. Chaque titre a été doté du « flair LEVEL-5 », tout en étant développé dans le but d'offrir une expérience totalement nouvelle. Je veux proposer des jeux qui satisferont les fans et leur feront dire : « C'est exactement ce que j'attendais ».
        Gematsu - https://www.gematsu.com/2024/12/japanese-game-creators-discuss-2025-ambitions
          tags : jeux japonais
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          posted the 12/27/2024 at 09:27 PM by jenicris
          add a comment | comments (12)
          Hideki Kamiya sur son départ de PlatinumGames et la création de CLOVERS
          Interview


          Une très longue interview de Kamiya et Koyama sur PlatinumGames et la création de CLOVERS a été publiée sur Denfaminico. Elle donne beaucoup d'informations sur le départ de Kamiya de Platinum, sur ce qu'il a fait en attendant la fin de sa non-concurrence et sur le plan de CLOVERS pour la suite d'Okami et au-delà.

          Inaba a misé sur l'autoédition pour éviter de dépendre des grandes maisons d'édition pour survivre. Cela a bizarrement conduit au partenariat et à l'investissement de Tencent. Tencent n'investit pas dans le studio de gaieté de cœur et attend manifestement un retour sur investissement.

          Cet investissement s'est clairement répercuté sur les jeux sur lesquels ils travaillaient car Inaba a commencé à faire pression pour GaaS immédiatement après (ils développaient un GaaS dans leur studio de Tokyo pour Tencent, mais il a peut-être été annulé). Kamiya n'aimait pas cette nouvelle direction et le fait qu'Inaba ait poussé pour des éléments de live-service sur Project G.G. a été la goutte d'eau qui a fait déborder le vase pour lui, ce qui l'a poussé à partir.

          Maintenant qu'il y a des rumeurs de départ de Taura parce qu'une société partenaire (probablement Square-Enix) a annulé son prochain jeu + des vétérans de Clover comme Saito, Yamanaka et beaucoup d'autres qui font le saut de PG à CLOVERS, aucune idée de la direction qu'ils vont prendre à partir de maintenant.

          Voilà comment tout à commencer :

          Départ de PlatinumGames

          Différences avec Inaba à la fois sur le plan créatif et sur la direction que prenait la société alors qu'il travaillait sur Project G.G.

          Ils ont passé trois mois à discuter, mais n'ont pas réussi à trouver un compromis.

          Kamiya pensait qu'il ne pourrait pas continuer à exprimer sa créativité à PG et que son esprit artistique mourrait s'il y restait.

          Il ne semblait pas satisfait du projet G.G. et ne voulait pas sortir un jeu dont il ne pouvait pas assumer la responsabilité.


          Interim

          A d'abord refusé l'offre de Koyama de former un nouveau studio.

          Envisage de devenir indépendant comme Yoko Taro, de rejoindre une autre société ou même de retourner dans sa ville natale.

          Des employés enthousiastes de PG sont venus le voir et lui ont dit qu'ils adoreraient travailler à nouveau avec lui quelque part.

          Il finit par appeler Koyama, ce qui fut le catalyseur du lancement de CLOVERS.


          CLOVERS

          Trois C, trad en FR: défi, créativité, savoir-faire, le quatrième C est laissé à l'appréciation de chaque employé.

          Le quatrième C de Koyama est la propreté. Le quatrième C de Kamiya est la curiosité.

          CLOVERS compte actuellement 20 employés et prévoit d'élargir l'équipe à 70 personnes.

          Ils souhaitent conserver une équipe réduite et travailler avec d'autres studios de développement sur leurs jeux au lieu de tout faire eux-mêmes (nous le constatons déjà avec Okami 2, puisque M-TWO et Machine Head Works développent le jeu en même temps que CLOVERS).

          Se concentrer sur la création de jeux avec une vision créative forte.

          Préférer les petits projets AA à l'échelle indie aux grands projets AAA.

          Kamiya souhaite soutenir les jeunes créateurs du studio tout en réalisant ses propres jeux.

          CLOVERS présentera ses propres jeux originaux directement aux éditeurs afin d'obtenir un financement projet par projet.

          Kamiya est fier, ainsi que le studio, de sa capacité à créer de nouvelles IP et souhaite se concentrer sur ce point, comme lors de la création de PlatinumGames.

          Kamiya reconnaît que les jeux AAA modernes sont devenus trop axés sur la prévention des échecs commerciaux, ce qui entraîne un manque de vision créative.
          C'est précisément la raison pour laquelle il a quitté PlatinumGames.

          Il veut que leurs jeux reflètent l'individualité de leurs créateurs.

          Kamiya souhaite également maintenir son engagement envers les trois C en évitant les capitaux de tiers, ce qui explique la façon dont ils gèrent les choses.

          Kamiya n'exclut pas une future collaboration PlatinumGames et sauterait sur l'occasion de créer quelque chose utilisant une IP appartenant à Platinum (leur seule IP étant The Wonderful 101 bien sûr).


          Interview:

          Platinum Games

          Vous avez dit que la raison de votre départ était que vos idées sur la créativité différaient de la politique de l'entreprise, mais aviez-vous l'impression que vous ne pourriez pas exprimer votre propre créativité artistique si vous restiez chez PlatinumGames ?

          Kamiya :
          C'est exact. C'est une opinion purement personnelle, mais j'ai pensé que si je continuais à travailler ici, mon esprit artistique mourrait. Par conséquent, je me suis dit que je ne devais pas mettre à la disposition des utilisateurs un travail dont je ne pouvais pas assumer la responsabilité.

          Cependant, je ne pense pas qu'il s'agisse d'une question de "ce qui est mieux ou pire". Je peux comprendre la logique de PlatinumGames en tant qu'entreprise, et j'ai moi-même occupé le poste de vice-président, mais en tant qu'individu nommé Hideki Kamiya, je n'ai pas pu adopter cette façon de penser.


          - Avec Kamiya en tant que créateur et Kamiya en tant que vice-président, avez-vous eu à faire plus dans ce dernier rôle ?

          Kamiya :
          Eh bien, pour parler franchement, je me suis concentré à plus de 90 % sur le développement sur site, si bien qu'à l'origine, en tant que vice-président, Kamiya Hideki n'était pratiquement pas actif (rires).

          Ce que j'ai fait en tant que vice-président de PlatinumGames, c'est d'être une personne "field-first", aussi proche que possible du terrain, et de donner mon avis lors des discussions avec la direction. C'est ainsi que nous avons pu trouver un équilibre entre la poursuite de nos activités en tant qu'entreprise et la sortie d'œuvres d'avant-garde. Je pensais que j'étais là en tant qu'"équilibriste", pour ainsi dire.

          Cependant, les choses ont évolué au point que je n'étais plus en mesure d'exprimer mon engagement créatif, et j'ai donc décidé que je ne pouvais plus garder mon nom au sein de l'entreprise.


          -Vous avez dit que vous aviez discuté de la question pendant près de trois mois avant de décider de quitter l'entreprise. Kamiya et Inaba sont des amis suffisamment proches pour qu'on puisse les qualifier de bons amis, mais le fait que vous n'ayez pas pu parvenir à un accord après tant de discussions semble suggérer que cela était dû à une situation globale complexe, plutôt qu'à une seule politique.

          Kamiya :
          Dès le début, j'ai pensé à PlatinumGames comme à une entreprise, c'est-à-dire que PlatinumGames est l'entreprise d'Inaba. Cela ne veut pas dire qu'il s'agit d'une entreprise privatisée par Inaba, mais plutôt que si vous comparez l'entreprise à une personne, Inaba est le cerveau de l'entreprise.

          Parmi eux, je voulais être le "muscle" qui exerce la force la plus puissante. En plus de cela, j'ai créé les muscles et les armes que les mains tiennent. C'est ainsi que je voulais que le collectif connu sous le nom de PlatinumGames puisse être compétitif dans l'industrie du jeu.

          Les signaux envoyés par le cerveau sont essentiels pour les muscles. En même temps, ces signaux doivent être fiables pour les muscles. Jusqu'à présent, j'avais reçu ces signaux, je leur faisais confiance et je travaillais pour maximiser ma propre force... Mais en ce qui concerne la direction future de Platinum avec Inaba à la barre, je n'étais plus en mesure de leur faire confiance et d'exercer ma force en tant que muscle.


          -Mais en tant qu'entreprise de jeux à but lucratif, je pense qu'il faut faire un choix. C'est un problème très difficile.

          Kamiya :
          C'est exact. Créer des jeux dans une entreprise n'est pas un hobby, ni un projet caritatif.

          Certaines personnes peuvent considérer ma façon de penser comme "égoïste", et je suis désolé pour l'équipe de Platinum que j'ai laissée derrière moi. J'étais moi-même fier de porter une grande partie du fardeau de PlatinumGames, et j'occupais même le poste de vice-président. Je me sens coupable envers la société et le personnel d'avoir quitté le projet dont j'étais le directeur alors qu'il était encore en cours.

          Je suis donc conscient que je n'ai pas quitté l'entreprise parce que j'avais l'impression "d'avoir raison" ou que "c'est une question de bien et de mal".


          Clovers:

          ─Lorsque vous avez lancé CLOVERS, avez-vous reçu un financement de la part d'un tiers ?

          Kamiya :
          Je ne peux pas entrer dans les détails pour l'instant, mais en dehors de la création d'une entreprise avec Koyama, j'ai également une connexion personnelle sur laquelle je me suis appuyé. Je leur ai parlé de CLOVERS, et maintenant nous avons reçu des fonds et travaillons ensemble sur le projet (il parle sûrement de Capcom avec Takeuchi-san pour Okami 2).
          Toutefois, il est important que nous le fassions sous la forme d'un "financement de projet" plutôt que d'un investissement dans l'entreprise.


          Le financement d'un projet ne signifie pas que l'entreprise elle-même dispose de capitaux extérieurs. Y a-t-il une raison pour laquelle vous insistez sur ce type de structure ?

          Kamiya :
          Le point clé est "l'indépendance". Pour pouvoir nous concentrer sur la création d'œuvres uniques et créatives, nous devons être dans une position qui nous permette d'être moins sensibles aux interférences de nos investisseurs. Vous accordez donc également de l'importance à l'indépendance en termes de capital


          -- En ce qui concerne la structure du studio, avez-vous l'intention d'avoir une équipe de développement et de prendre en charge tous les aspects de la production du jeu, du début à la fin ?

          Koyama :
          Oui, nous avons une équipe de développement, mais de nos jours, par exemple, un titre AAA nécessite 100 à 200 personnes. Nous n'avons pas l'intention de couvrir tout cela en interne, mais nous voulons être un studio capable de gérer les parties essentielles du jeu en interne.

          Kamiya :
          Nous comptons actuellement une vingtaine de membres, et nos bureaux sont de petites locations à Tokyo et Osaka. Comme nous sommes de plus en plus à l'étroit, nous prévoyons d'augmenter notre personnel après avoir déménagé dans de nouveaux locaux.

          Comme Koyama vient de le dire, notre politique de développement consiste à coopérer avec des parties externes plutôt que de tout faire nous-mêmes. Cependant, nous voulons travailler avec des personnes qui partagent les mêmes convictions que nous en ce qui concerne l'essentiel, à savoir "montrer la vision du jeu et donner une direction".


          -- En ce qui concerne l'échelle des titres sur lesquels vous travaillez, les indicateurs généraux sont AAA, AA et A, mais quelle est leur taille ?

          Kamiya :
          Personnellement, je ne suis pas intéressé par les titres énormes, ce que l'on appelle généralement les titres AAA.

          En termes de catégories, j'aimerais jouer à des jeux de plus grande envergure, comme les titres AA, mais je veux aussi jouer à des titres plus petits et plus excitants.

          En ce qui concerne CLOVERS, nous aimerions augmenter le nombre d'employés à 70 à l'avenir, mais au lieu d'avoir 70 personnes qui s'occupent de tout, nous aimerions sélectionner des personnes qui joueront le rôle principal du jeu. Dans un premier temps, nous travaillerons sur un autre titre de la même envergure que celui sur lequel nous travaillons actuellement. Si tout se passe bien, nous aimerions travailler sur un titre de la même envergure qu'un titre indépendant.


          -- J'ai déjà hâte de voir quel genre de travail ce sera, avec toute l'attention que Kamiya porte aux détails.

          Kamiya :
          Oui. À ce propos, une autre chose à laquelle nous tenons en tant qu'entreprise est de promouvoir pleinement le talent artistique du créateur et de l'incorporer dans le jeu. C'est exactement la raison pour laquelle j'ai décidé de quitter Platinum et de poursuivre ma propre voie dans le développement de jeux.

          Nous avons parlé de l'échelle des titres de jeux, mais surtout lorsqu'il s'agit de titres AAA, l'aspect de l'impossibilité d'échouer commercialement devient plus fort, et je pense que cela tire un trait sur des choses comme le fait d'être dépendant de personnes individuelles.

          Bien sûr, ces jeux sont importants, mais lorsque je pense à mes jeux préférés, j'aime jouer à des jeux qui reflètent l'individualité des personnes qui les ont créés. Cela inclut les intentions du réalisateur et les éléments créatifs aiguisés des personnes travaillant sur le site. En tant que créateur, je pense que la création de telles œuvres est ce qui les rend amusantes.

          En outre, nous voulons offrir des "jeux intenses" aux utilisateurs qui sont liés à l'image des jeux que nous voulons créer, et nous voulons être une entreprise qui accorde de l'importance à cela. J'ai mentionné que le "quatrième C" est une chose à laquelle chaque personne pense et à laquelle elle tient, mais je veux travailler avec des collègues qui valorisent l'individualité et qui peuvent créer des jeux en étant fiers d'eux-mêmes, et nous sommes actuellement en train de rassembler de tels membres.
          Denfaminicogamer.jp - https://news.denfaminicogamer.jp/interview/2412133p
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            posted the 12/15/2024 at 07:13 PM by jenicris
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            FFVII: Kitase parle de l'inspiration Nintendo, des concepts abandonnés et du futur Rebirth
            Interview


            VG247 : Je voudrais commencer par remonter jusqu'en 1994. L'équipe a terminé Final Fantasy 6, et vous réfléchissez au prochain jeu. Vous avez dit dans le passé qu'au départ, le plan était de créer un autre projet en 2D pour la Super Famicom. Quels sont vos souvenirs de la réflexion et de l'orientation du projet à ce moment-là ?

            Yoshinori Kitase : Le projet de créer un Final Fantasy 7 en 2D a commencé juste après la sortie de Final Fantasy 6, mais il a été annulé après seulement deux ou trois réunions de planification.

            C'est parce que moi, Nomura et beaucoup d'autres membres de l'équipe de projet sommes allés rejoindre l'équipe de Chrono Trigger. La relance du projet Final Fantasy 7, qui avait été annulé, a eu lieu après la sortie de Chrono Trigger, mais nous avions déjà oublié la plupart des discussions qui avaient eu lieu lors des premières réunions de planification.

            Cependant, il y avait une idée proposée lors de ces réunions qui a été utilisée plus tard pour Final Fantasy 8. Il s'agissait d'une illustration centrée sur un personnage de sorcière que Nomura avait dessiné. (Note de l'éditeur : ce concept est devenu la Sorcière Edea de FF8 ).



            Yoshitaka Amano a revisité le protagoniste de FFVII, Cloud, pour FFVII Remake.


            VG247 : Ok, soyons un peu plus nerds - dans les livres Ultimania du 25ème anniversaire de FF, une image a été imprimée qui montrait une ville d'un point de vue isométrique, notée comme un concept précoce pour FF7 mais utilisant Locke de FF6 comme substitut. S'agissait-il d'un simple concept visuel ou d'un prototype sur lequel on travaillait activement ?

            Yoshinori Kitase : En passant au hardware PlayStation capable d'effectuer des rendus en 3D CG, nous avons dû réfléchir à la manière de faire évoluer les visuels du prochain jeu FF, sans être freinés par la logique qui l'avait précédé, et nous avons proposé un certain nombre de styles visuels différents.

            Cette image était l'un des styles proposés et représentait le concept d'une "évolution orthodoxe" qui continuait avec un style similaire à celui de Final Fantasy 6.

            Nous avons continué à étudier les propositions de graphismes de sprites en pixels et de CG 3D en parallèle pendant un certain temps, mais nous avons finalement opté pour le style 3D que vous voyez aujourd'hui.



            L'une des propositions originales pour FFVII était en effet très différente


            VG247 : Vous avez ensuite eu la démo " SGI ", avec des personnages de FF6, puis la décision a été prise de développer le jeu sur PlayStation. Les raisons qui ont poussé à quitter Nintendo ont été bien documentées au fil des ans, alors plutôt que de vous interroger sur ce point, je suis curieux de savoir ce que vous avez ressenti à l'époque. Vous craigniez qu'en quittant Nintendo, FF ne laisse derrière lui sa base de fans ? Ou bien était-ce stimulant de se retrouver sur une nouvelle plateforme qui continuait à construire son identité et son public ?

            Yoshinori Kitase : À l'époque, j'étais un fan du hardware et des jeux Nintendo, et je le suis toujours, donc c'était un sentiment contradictoire. Cependant, nous étions tellement occupés à travailler sur de nouvelles innovations dans tous les aspects de la création de jeux, comme le 3DCG, le support CD et la vente dans les magasins de proximité (au Japon), que je n'ai pas vraiment eu le temps de m'en préoccuper et j'ai simplement poursuivi le développement.

            Une fois que le développement de Final Fantasy 7 a progressé d'une certaine manière, j'ai vu Mario 64 sur la Nintendo 64 et son lancement d'une nouvelle génération de jeux d'action en 3D, et honnêtement, j'ai été époustouflé par ce jeu.

            Cela a été une grande motivation pour nous de créer notre propre style visuel unique, tout en respectant un style de jeu aussi étonnant.



            FFVI au Siggraph de 95


            VG247 : En commençant le développement sur PlayStation, un jeu en 3D comme celui-ci était évidemment une nouvelle expérience inconnue pour l'équipe. De votre point de vue, y avait-il des inspirations spécifiques que vous recherchiez pour vous aider à naviguer dans cette nouvelle technologie et ce nouveau style ?

            Yoshinori Kitase : Nous avons été stimulés par de nombreux jeux PC européens et américains de l'époque.

            À cette époque, de plus en plus de jeux utilisant la 3D sortaient, comme 4D Sports Boxing, Alone in the Dark, Wing Commander, Ultima Underworld et Heart of Darkness. Ces jeux nous ont beaucoup inspirés pour établir le style visuel de Final Fantasy 7.



            Plusieurs itérations du logo de FFVII


            VG247 : L'une des particularités de FF7 par rapport aux jeux ultérieurs est qu'il présente différents styles artistiques - les personnages ont un aspect très différent sur le terrain et au combat, et les deux styles de conception sont même utilisés de manière interchangeable dans les scènes d'images de synthèse pré-rendues. Quel était le raisonnement derrière cette décision, et pourquoi l'avez-vous finalement inversée dans FF8 ?

            Yoshinori Kitase : C'était une réponse aux problèmes de limites de mémoire et de vitesse de rendu.

            Dans les zones d'exploration, comme les scènes dans les villes, nous avions besoin d'avoir beaucoup de personnages à l'écran en même temps et la caméra ne se rapproche pas souvent d'eux, donc nous devions maintenir les modèles des personnages principaux à moins de 400 polygones chacun.

            D'un autre côté, le nombre de personnages qui apparaissent dans les scènes de combat est plus limité et il arrive souvent que la caméra fasse un gros plan de leur visage pour présenter les mouvements qu'ils effectuent, ce qui nous a permis d'utiliser 1000 polygones chacun.

            Par conséquent, nous avons créé des designs de personnages optimisés pour le nombre de polygones disponibles dans chaque type de scène.



            Cloud, tout en polygone


            VG247 : Le CD bonus international de FF7 contenait une vidéo intéressante de séquences de FF7 en cours de développement, y compris des arrière-plans d'images de synthèse assez différents de la version finale, comme une version très différente de ce que je suppose être Nibelheim. Le développement était-il itératif ? Y avait-il beaucoup de reprises et de changements significatifs au fur et à mesure ? Avez-vous des souvenirs précis des premières versions, des modifications et des améliorations apportées au jeu ?

            Yoshinori Kitase : À l'époque, le passage de la 2D à la 3D était un véritable défi. Il s'agissait donc de passer beaucoup de temps et de construire lentement mais sûrement chaque lieu, plutôt que de les refaire encore et encore. L'image à laquelle vous faites référence est un instantané de ce processus en cours.

            En conséquence, si vous regardez dans la direction opposée, il n'était pas facile de retravailler les choses en raison de la quantité de travail nécessaire pour le faire, donc je ne me souviens pas avoir changé l'histoire originale ou les spécifications du jeu que nous avions décidé à l'origine.



            Bêta de FFVII


            VG247 : Ce que j'aime dans FF7, c'est le sentiment qu'à l'époque, l'équipe ne faisait qu'ajouter et ajouter des idées, sans nécessairement se préoccuper de la façon dont quelque chose pourrait s'intégrer. Le résultat est un monde d'une ampleur étonnante - quand vous êtes à Midgar, il semble difficile d'imaginer qu'un lieu de RPG plus traditionnel comme Kalm puisse exister dans le même monde. Et quand vous êtes à Kalm, l'idée d'un endroit comme la soucoupe d'or semble carrément futuriste. Puis, soudain, vous faites du snowboard ! S'agissait-il d'une idée consciente au cours du développement ou d'un phénomène qui s'est produit lorsque les artistes se sont familiarisés avec les outils 3D ?

            Yoshinori Kitase : Pendant le développement, nous avions pour politique d'intégrer autant d'idées intéressantes que possible apportées par l'équipe. Nous ne voulions pas trop nous soucier de l'alignement ou de la cohérence et nous voulions traiter le jeu comme une boîte à jouets pour enfants.

            Nous avons pensé que le fait d'y introduire autant de choses cool et intéressantes que possible créerait un sentiment d'émerveillement et d'excitation encore plus grand. Ce n'était pas vraiment une approche délibérée, mais plutôt l'esprit qui animait l'équipe de Final Fantasy depuis le début.



            Vincent Valentine, le personnage préféré de Kitase


            VG247 : Lors d'une interview il y a quelques années, Nomura-san s'est souvenu d'une ébauche de l'histoire dans laquelle tout le monde, sauf les trois personnages que le joueur choisit pour son groupe, mourait lorsque le casting était parachuté à Midgar. Vous ne vous en souveniez pas, il vous l'a rappelé ! Mais laissez-moi vous demander : si le jeu était comme ça, et que c'était vous qui jouiez, quels seraient les trois personnages que vous auriez sauvés en les ayant dans votre groupe ?

            Yoshinori Kitase : Je choisirais Cloud parce qu'il est le protagoniste de l'histoire, Vincent parce que c'est un personnage que j'ai personnellement créé et qu'il a une ambiance d'horreur qui est assez rare dans les jeux FF, et Yuffie parce qu'elle est si ennuyeuse mais si difficile à détester.

            VG247 : Je me demande si vous seriez prêt à résoudre un mystère séculaire. Si vous suivez certaines quêtes secondaires, vous pouvez obtenir la clé qui vous permettra de rentrer dans Midgar à la fin du jeu. À ce stade, si vous entrez dans l'église du secteur 5, vous verrez Aerith s'occuper des fleurs - mais lorsque vous vous approchez, elle vacille et disparaît, comme un fantôme. Étrangement, le fait de parler à un PNJ qui n'a aucun lien avec Aerith et qui se trouve dans une autre zone empêche cet événement de se produire. Pendant des années, les fans ont débattu de la signification de cet événement, ou même s'il s'agit d'un bug. Pouvez-vous nous en parler du point de vue du développement ?

            Yoshinori Kitase : Je vais laisser cela à l'imagination des joueurs.



            Qu'est que cela "signifie" ?


            VG247 : Dans le cadre de la compilation, vous et l'équipe aviez la possibilité de modifier, de révéler ou de rétablir des éléments de l'histoire si vous le souhaitiez. Par exemple, Rufus et Tseng semblent être morts dans FF7, mais on apprend qu'ils sont vivants dans Advent Children, et on révèle même carrément que les humains ont survécu à Holy à la fin. Comment était-ce de prendre de telles décisions, de changer des éléments de l'histoire et de révéler de nouvelles informations sans modifier l'impact du jeu original ?

            Yoshinori Kitase : Nous avons abordé le projet FF7 Remake avec l'objectif d'en faire quelque chose qui puisse être apprécié à la fois par les fans du jeu original et par les personnes qui ne le connaissaient pas.

            J'ai déjà vécu des expériences où un jeu que j'ai aimé et avec lequel je me suis beaucoup amusé dans le passé a été remodelé, et je l'ai acheté et joué sous l'effet de la nostalgie. J'ai acheté le jeu et j'y ai joué sous le coup de la nostalgie. C'est agréable pendant un moment, mais le plaisir de la nostalgie ne dure vraiment que pendant les premières parties. Je m'en suis rendu compte à la moitié du jeu et je n'ai pas continué à jouer.

            C'est pour cette raison que j'ai décidé que Final Fantasy 7 Remake ne ferait pas seulement appel à la nostalgie, mais qu'il inclurait également une nouvelle histoire afin d'être à la fois nostalgique et frais.

            Le résultat est que, pour les parties 2 et 3, nous sommes en mesure de donner aux fans l'excitation de se demander quelles parties seront 100% fidèles à l'original - et où les nouveaux éléments seront ajoutés.



            Zack


            VG247 : Comment votre relation avec le jeu a-t-elle évolué au fil des années, en particulier lorsque vous êtes revenu à l'univers avec la Compilation et le Remake ? Votre perception du jeu a-t-elle changé au fil des ans, avec un regard rétrospectif ?

            Yoshinori Kitase : Depuis que j'ai rejoint l'industrie du jeu, je me suis toujours fixé comme objectif de "créer un drame à travers les jeux". Avec le jeu original Final Fantasy 7, le passage du style de l'ancien hardware 16 bits aux dernières images de synthèse en 3D a permis d'augmenter considérablement la capacité à représenter les personnages et les histoires et est à l'origine du style de narration dramatique qui est encore utilisé aujourd'hui dans les derniers titres FF.

            D'un autre côté, quand je regarde ce jeu, le modèle original de Cloud n'était composé que de 400 polygones et ressemblait un peu à une poupée taillée dans le bois, alors plus je vieillissais, plus je voulais le mettre à jour.

            Le jeu original Final Fantasy 7 est aimé par les fans depuis plus de 20 ans, mais j'ai commencé à penser que je ne voulais pas qu'il finisse dans les archives, et je voulais en faire un titre qui continue à être aimé pendant encore 100 ans.

            C'est ce qu'est Final Fantasy 7 Remake.
            VG247 - https://www.vg247.com/final-fantasy-7-26-anniversary-kitase-interview
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              posted the 02/04/2023 at 03:16 PM by jenicris
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              Interview de Jason Graves, compositeur de The Order 1886
              Interview


              La musique a toujours tenu un rôle prépondérant dans le jeu vidéo. Devant accompagner avec efficacité ce qui se passe en image, certaines bandes-son sont restées cultes même séparées des jeux vidéo dans lesquels elles prenaient vie. Aussi, avec l'apparition du CD-ROM et au fil du temps avec la multiplication des jeux à très gros budget, les moyens techniques mobilisés pour offrir au joueur une musique digne du cinéma ont explosés. Contribuant, justement, à rattacher toujours plus le jeu vidéo au cinéma, comment passer à côté du cas The Order 1886, extrêmement polémiqué. C'est TheSixthAxis qui interview le compositeur du jeu de Ready at Dawn: Jason Graves.

              Première question, incontournable, comment avez vous atterri dans le monde de la musique de jeu vidéo ? Est-ce un hasard, grâce à votre réseau de connaissance ? Ou tout simplement votre vocation première ?
              J'ai débuté dans le cinéma et la télévision lorsque j'étais à Los Angeles. J'ai fais aussi beaucoup de travaux pour la publicité et les bandes-annonce de films en tant que mixeur son par exemple. Puis j'ai déménagé à Raleigh (ND Anakaris : Caroline du Nord), à ce moment là je me suis largement diversifié et j'ai commencé même à composer pour la radio. Après cinq ou six ans de cela, je me suis retrouvé sur mon premier jeu. Ce n'était pas forcément voulu même si je ne regrette rien, c'était plus du ''au bon endroit au bon moment'', je n'ai effectué que quelques compositions pour ce jeu. Mais plus tard, un des producteurs qui avait déménagé en Australie et qui travaillé désormais pour une autre société m'a recontacté pour que je fasse enfin une première véritable bande-sonore complète seul. (ND Anakaris : le premier jeu solo de Jason Graves est l'adaptation du film King Arthur avec Clive Owen et Keira Knightley sur Playstation 2, Xbox et Gamecube. Le producteur en question travaillait bel et bien en Australie puisque le jeu fut développé par Krome Studios, d'origine australienne). Mon parcours est un mélange de réseaux, de hasard et de volonté, mais c'est relativement atypique, il existe mille façons de se faire une place dans le milieux et chacun à son histoire.

              Depuis cette époque, vous avez composé pour beaucoup de jeu, vous êtes quelqu'un de très prolifique, non ?
              Oui ! Même si il y a dix ans ça ne semblait pas être ma direction principale, je suis finalement arrivé à un stade où j'ai composé pour presque autant de jeux que de films et téléfilms ! Et en effet, je crois être quelqu'un de très prolifique. J'ai encore plusieurs projets en cour, The Order 1886 n'est pas le dernier loin de là ! Je suis quelqu'un comme ça, je préfère avoir plusieurs projets en cour, d'autres préfèrent en avoir qu'un seul à la fois, voir un seul par an ou tout les deux ans. Moi je me sens plus rassuré quand je sais que j'ai du travail pour encore plusieurs mois voir plusieurs années.

              En quoi la bande-son est importante pour donner une bonne ambiance, pour absorber le joueur dans le jeu ?
              Ce qui a de bien avec la musique, de mon point de vue, c'est qu'il est facile d'afficher une humeur. La puissance et la simplicité universelle de la musique est ce qu'il y a de plus formidable. Un son de cloche sonnera toujours identique que ce soit à Miami, à Tokyo, à Paris, Madrid, Moscou ou Johannesburg. Si vous faites un son dramatique avec un orgue, on se trouvera dans une ambiance sombre et tragique partout dans le monde ; Si vous faites une mélodie fluette avec un triangle et un hautbois, tout le monde s'imaginera dans une forêt en compagnie de fée et de lutin. C'est à mon avis de loin ce qu'il y a de plus simple à faire s'adapter à ce qu'il se passe à l'écran, la musique peut instantanément changer soit de façon subtile soit de façon brutale pour accompagner l'image. Et quoiqu'il arrive, si c'est fait avec un minimum de soin, tout le monde comprendra ce qu'il y a à comprendre.

              Avez vous remarquez la popularité croissante des bandes-son de jeux vidéo ? Pensez-vous qu'elles devanceront bientôt celle des films ?
              Lentement, mais surement, oui. De plus en plus de compositeurs de films font un bout de chemin dans les jeux vidéo, et même des mixeurs sons, des créateurs sons et tout un tas d'autres techniciens spécialisés dans le son. Certain le font pas pure passion, d'autres par pur hasard et se découvre au final une nouvelle vocation. D'autres comme Hans Zimmer pour Call of Duty sont souvent prit pour un très gros coup de marketing mais ce n'est pas forcément vrai, même si il est vrai qu'avoir Hans Zimmer à la bande-son de son jeu est extrêmement valorisant. Ceci dit, ça ne fait pas en sorte que la musique s'améliore en réalité, elle devient juste plus reconnue, plus populaire.

              De plus en plus de jeunes compositeurs considèrent que travailler pour un gros jeu signifie avoir la récompense officielle ultime. Personnellement, je ne suis pas si vieux que cela mais je suis encore de ceux qui préfèrent avoir comme récompense le droit de jouer ou diriger mes musiques dans des représentations live. Ou avoir le bonheur de voir un autre artiste réarranger mes compositions. Le fait d'avoir signer la bande-son d'un très gros jeu n'est pas une récompense en soi. Le monde du jeu vidéo possède une base de fan vorace et profondément loyale. Et avoir des retours de la part des fans et venir à leur rencontre, éventuellement les voir venir à mes concerts ou aux concerts d'autres compositeurs qui auraient composés pour un jeu, voilà la récompense ultime ! Ouvrir l'esprit des gens et les faire s'intéresser à la musique. Si pour cela je dois faire de la musique de jeu vidéo, alors soit !



              Y a-t-il des questions d'actualités qui ont bouleversé votre travail récemment ? Réduction de budget, difficulté d'entente avec les éditeurs, cahier des charges trop strictes qui brident la créativité ?
              Honnêtement, rien de neuf comparé à ce qu'on a toujours été habitué d'avoir. Nous, les compositeurs avons toujours eu l'habitude d'être à la fin de la ligne de production, pas la cinquième roue du carrosse mais presque. Bien souvent, le jeu est déjà presque finit quand nous entrons en scène, et c'est à nous d'adapter notre musique pour qu'elle colle aux images et qu'elle convienne au réalisateur du jeu. Si jamais on ressent quelque chose de différent en regardant le jeu et qu'on fait une musique qui ne convienne pas au réalisateur du jeu, et bien tanpi pour nous, on doit s'adapter !

              Mais ce n'est pas toujours ainsi, j'ai effectué quelques collaborations avec des studios de développement de jeux au Canada et ils sont plus souples à ce propos. Peut-être que ce n'est qu'un vécu personnel, mais j'ai eu plus de liberté, même lorsqu'il s'agissait de composer pour un jeu qui était tiré d'un film.

              Dernièrement, avec The Order 1886, j'ai été contacté presque trois ans avant la sortie du jeu, à ce moment là les gens de Ready at Dawn n'était même pas encore en phase de production intensive. Mais ils avaient déjà des idées bien conçues et savaient où il se dirigeaient. Ils m'ont notamment expliqué qu'ils avaient longtemps discuté avec Sony de la marche à suivre, ils avaient défendu leur projet corps et âme et avait donc obtenu une très large liberté d'action au niveau de la musique et de la mise en scène de leur jeu. Ils m'ont expliqué que le jeu allait être particulièrement cinématographique et que donc, il ne fallait pas que j'ai peur d'exiger certaine chose pour pouvoir donner le meilleur de moi-même et que Sony allait suivre. Ils m'ont laissé le choix du studio d'enregistrement, du panel d'instrument sélectionné et de beaucoup d'autre chose sans se préoccuper de la facture finale. C'est un producteur de chez Sony qui a même suggéré d'ajouter des choristes dans mon travail, chose que j'avais déjà envisagé ! Et quelques jours plus tard, après avoir évalué cela et proposé quelques options à Sony, nous recevions de l'argent supplémentaire pour faire ce que nous voulions. Fantastique !

              Dans les jeux vidéo, il y a toujours beaucoup d'interaction entre le jeu et le joueurs. En tant que compositeur, pensez-vous que cela accentue l'émotion ?
              Évidemment. Les joueurs pour la plupart sont capables de s'immerger dans un jeu et de s'approprier correctement son univers. Ainsi, ils vivent une aventure de plusieurs heures, mais la bande-son elle doit être présente du début à la fin et souvent doit être bien plus conséquente que pour un film. C'est parce que nous offrons la possibilité de prendre part directement à ce qui se passe à l'écran que l'émotion est accentuée, et la musique doit accompagnée cela aussi efficacement que possible. C'est d'ailleurs aussi pour cela que les joueurs sont très exigeants avec la musique d'un jeu, je suppose. Ils veulent tout simplement vivre la meilleure expérience possible, vivre le jeu, et la musique doit faire son boulot, c'est normal.

              Comment faites vous avec les éditeurs pour publier vos bandes-son ailleurs que dans les jeux vidéo ? Est-ce que vous négociez d'une façon particulière ?
              C'est très différent selon les éditeurs, car ce sont souvent eux qui ont le dernier mot. Avec Sony par exemple, ils se sont montré très compréhensifs. On s'est expliqué les choses, je leur ai dit que de toute façon, les amateurs de musique allaient se procurer la bande-son de The Order d'une manière ou d'une autre. Et de leur côté, ils savaient que les fans se procureraient la bande-son pour soutenir le jeu d'une façon ou d'une autre. Alors pourquoi ne pas créer un scénario gagnant-gagnant ?

              Mais pour le jeu Evolve de 2K par exemple, ils n'étaient pas du tout intéressés par le fait de commercialiser la bande-son. Je suis un compositeur indépendant, ce qui veut dire que mon travail est considéré comme des missions. C'est un peu du « tais toi et travail » dit vulgairement. Ça ne veut pas du tout dire que je suis esclave chez certains éditeurs, mais tout simplement que je compose, et que la décision de quoi faire avec mes musiques n'appartient qu'à une seule personne. Souvent, le grand chef, tout en haut, ou un responsable quelconque. Ensuite, le choix de vendre ma musique à part ou non le regarde. Avec certains éditeurs, j'ai eu la chance de discuter de cela avec eux et j'ai même réussi à faire changer d'avis certains responsables. Mais avec d'autres éditeurs malheureusement, le dialogue est impossible. C'est leur choix, ce sont de très grandes entreprises, ils ont leurs raisons.

              D'ailleurs, comment avez vous eu contact avec Sony ? The Order 1886 n'est pas votre première collaboration, exact ?
              C'est une très longue histoire (rires). Ma première collaboration avec la division jeu de Sony remonte à 2005, sur le jeu Rise of the Kasai (ND Anakaris : suite de The Mark of Kri de SONY San Diego, sorti uniquement aux USA sur Playstation 2). J'avais rencontré peu avant le compositeur du jeu Jack Wall à la cérémonie des Academy of Interactive Arts & Sciences où malheureusement il ne fut pas récompensé pour son travail sur le jeu Myst IV. Puis ce n'est que plus tard qu'il m'a demandé si je voulais le seconder sur Rise of the Kasai parce que lui avait d'autre projet musicaux plus personnels qui lui prenait beaucoup de temps. Choses que je ne savait pas et qu'il m'a dévoilé plus tard, c'est qu'il travaillé aussi sur une gigantesque production pour l'époque dans le jeu vidéo : Mass Effect ! De ce fait, plusieurs autres compositeurs ainsi que moi furent embauchés pour Rise of the Kasai. Puis de là, les responsables de Sony Computer Entertainment America, les éditeurs de Rise of the Kasai m'ont présenté aux responsables de Santa Monica Studios, je leur ai composé une musique de trailer pour leur nouveau jeu Warhawk. Et depuis, je reviens régulièrement chez eux pour collaborer, je commence à connaître un tas de monde aux quatre coins de la planète chez la division jeu vidéo de Sony (rires) !



                tags : sony sony computer entertainment the order 1886 ready at dawn jason graves
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                posted the 02/26/2015 at 09:08 PM by anakaris
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                Quelques informations sur Hyperdimension Neptunia VII
                Interview


                Lors d'une interview récente via le site japonais 4Gamer.net, le producteur de la saga des Hyperdimension Neptunia, un certain Naoko Mizuno, ainsi que le superviseur Norihisa Kochiwa ont dévoilé de plus amples détails sur Hyperdimension Neptunia VII, le prochain titre de Compile Heart qui verra le jour très bientôt sur Playstation 4.

                Tout d'abord, le jeu est le prochain épisode numéroté de la saga Neptunia ett proposera trois histoires distinctes se déroulant dans trois dimensions différentes, voici les dimensions en question.

                Zero Dimension Game Neptune Z : Ragnarok of the Abyss Goddess


                Hyperdimension Neptunia G: Gold Vanguard Gamindustri Existence of Change


                Heart Dimension Game Neptune H: Trilogy Final Into the Legend


                Initialement, Compile Heart pensait faire de chaque histoire un jeu complet, ils ont même créé des logos différents pour chaque histoire, les voici en images.

                Zero Dimension Game Neptune Z : Ragnarok of the Abyss Goddess



                Hyperdimension Neptunia G : Gold Vanguard Gamindustri Existence of Change



                Heart Dimension Game Neptune H : Trilogy Final Into the Legend



                Dans la Dimension Zero, un nouveau personnage nommé Uzume Tennohboshi "the Abyss Goddess" sera au centre de l'histoire, pour être plus précis, elle sera le personnage clé des trois dimensions. Neptune et sa soeur cadette Nepgear seront aspirés dans la Dimension Zero et rencontreront Uzume et une Neptune dans sa forme adulte. Cette Neptune version adulte est d'ailleurs assez différente de la Neptune actuelle.

                Le système de combat de Hyperdimension Neptunia VII sera entièrement nouveau, il sera assez proche d'un système traditionnel, cependant, la structure du système de combo sera différente, de plusk le positionnement du personnage aura également une grande importance, histoire que le joueur soit à son avantage pour encercler l'ennemi.

                On apprend également que Hyperdimension Neptunia VII n'est pas le seul jeu Compile Heart en développement, en effet, Fairy Fencer F : Advent Dark Force arrive également sur Playstation 4, les détails sur celui-ci sont relativement minimes, mais Compile Heart insiste sur une chose, il ne s'agit pas d'un remake. Fairy Fencer F : Advent Dark Force aura un système de combat flambant neuf et de nouveaux éléments seront rajoutés dans l'histoire.

                En parlant des titres de Compile Heart, ces derniers veulent également accroître le développement de titres majeurs sur Playstation 4 et ce à partir de maintenant.

                Pour être plus précis, le studio à précisé qu'ils sont en pleine recherche actuellement dans le développement de divers titres de la saga Neptunia. Il y a déjà eu trois volets pour la simulation d'idole Hyperdimension Neptunia : Producting Perfection, il y a eu également le jeu d'action Hyperdimension Neptunia U et enfin, le jeu de stratégie Hyperdevotion Noire, on ne sait rien de plus sur les futurs déclinaisons de cette saga, mis à part que Compile Heart va essayer de nouvelles choses.
                http://gematsu.com/2014/10/compile-heart-shares-new-hyperdimension-neptunia-vii-details
                  tags : interview sony ps4 traduction compile heart j-rpg hyperdimension neptunia vii 4gamer.net
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                  posted the 10/18/2014 at 08:46 PM by hyoga57
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                  DriveClub: grosse interview, une tonne d'informations !
                  Interview


                  Paul Rustychynsky, le nouveau Game Director de DriveClub a été interviewé concernant plusieurs aspect de Drivelub, mais également les apports permis par ce temps supplémentaire.


                  DriveClub avait déjà été repoussé au "début 2014", et le voilà finalement annoncé pour le 8 octobre... Que se passe-t-il ? Pourquoi ce nouveau retard ?

                  Paul Rustychynsky: L'année dernière quand nous avons fait un point, on s'est rendu compte que le degré de qualité de DriveClub n'atteignait pas le niveau requis pour un jeu Evolution Studios, et nous prenons toujours soin de livrer des jeux qui sont à la hauteur de nos ambitions. Nous voulions simplement aller au bout de toutes les choses que nous avions prévues pour DriveClub, à savoir créer un très bon jeu de course vraiment connecté et social, et il fallait que nous repoussions le jeu pour arriver à ces fins. Nous ne voulions pas juste créer la meilleure expérience de jeu de course, mais aller encore plus loin, repousser la PS4 dans ses retranchements en l'exploitant à fond. Vous allez vraiment découvrir un jeu spectaculaire.



                  Le jeu avait initialement été annoncé pour être gratuit pour les membres PlayStation Plus à la sortie de la PlayStation 4. Est-ce que ce sera toujours le cas en octobre ?

                  Paul Rustychynsky : L'édition PlayStation Plus est toujours d'actualité. Comme annoncé l'année dernière, celle-ci proposera une liste réduite de voitures et de circuits, mais offrira bien toute la richesse de fonctionnalités propres à #DriveClub. Il sera possible de jouer en ligne, de jouer en multi contre les joueurs de la version disque, d'envoyer des défis, et bien entendu de former ou de rejoindre un club avec d'autres joueurs. Vous pouvez donc jouer et vous impliquer dans toutes les expériences connectées disponibles sur les circuits. L'édition PlayStation Plus offre la chance de goûter à tout cela, sachant que l'édition blu-ray propose, elle, l'ensemble des voitures, l'ensemble des circuits et l'ensemble du contenu. La différence est que vous n'avez que 10 voitures et vous avez seulement accès à seulement un pays (qui vous donne accès à 5 pistes avec 11 variantes distinctes)



                  Le jeu a beaucoup changé visuellement ?

                  Paul RustychynskyVraiment oui. On a rajouté énormément de détails. Nous sommes littéralement obsédés par le niveau de détail des voitures, sur chacune de leurs vis, sur chaque tableau de bord... on veut vraiment s'assurer que tout soit parfait. Et puis nous avons aussi ajouté plein de nouveaux effets spéciaux. Vraiment, quand vous verrez le jeu à l'E3 ou après, vous réaliserez l'énorme pas que nous avons franchi graphiquement


                  Et en avez-vous profité pour ajouter plus de contenu ?

                  Paul RustychynskyOui, oui bien sûr. Car avec le temps que nous avons en plus pour le développement, nous avons non seulement la possibilité d'améliorer tous les secteurs du jeu, l'ensemble de tout ce qui constitue le jeu, mais nous avons aussi voulu ajouter concrètement du contenu, que ce soit des voitures en plus, des circuits en plus... DriveClub n'en sera qu'une expérience plus riche. Je ne peux pas encore vous dire précisément combien de voitures, etc., mais on communiquera plus à ce sujet en s'approchant du lancement. D'ailleurs, nous essayons encore et toujours d'ajouter des choses, il y aura vraiment un paquet de courses et de voitures, mais surtout on essaye d'apporter de la variété en plus de la quantité. Tout ça, vous l'aurez au lancement, et on prévoit aussi d'étendre le contenu du jeu après sa sortie, parce qu'on veut s'assurer que DriveClub soit une expérience capable d'évoluer sans cesse.


                  Et vous prévoyez de sortir de nouvelles voitures en DLC après la sortie ?

                  Paul Rustychynsky : Absolument. Nous sommes en train de définir quelles voitures conviendront le mieux pour l'après-sortie. Actuellement, nous sommes toujours en train de peaufiner celles qui seront présentes au lancement.

                  La conduite et la physique ont-elle également changées ?


                  Paul Rustychynsky :Notre ambition a toujours été de transcender les stéréotypes "arcade" et "simulation". Ce que nous voulons obtenir avec la jouabilité, c'est qu'elle soit accessible à tous, mais tout de même assez profonde pour intéresser les joueurs hardcore, pour qu'ils continuent de progresser. Là encore, comme pour l'aspect visuel, nous avons en effet pu profiter du temps de développement supplémentaire pour raffiner les choses, tendre vers la perfection de notre formule encore une fois. Toutes les caractéristiques des voitures ont été améliorées par exemple. Les sensations sont ainsi extrêmement différentes lorsque vous pilotez une Aston Martin Vantage ou une Audi, chaque voiture aura vraiment un feeling unique, et ça vous le ressentirez d'autant mieux parce que nous avons passé plus de temps dessus

                  Quel est le degré de customisation des voitures ? Pourra-t-on installer des kits de performance ?

                  Paul Rustychynsky : Grâce à la customisation, vous pourrez donner l'apparence que vous souhaitez à votre voiture. Que vous soyez dans un club ou que vous progressiez seul, vous débloquerez de nombreuses décorations, des badges, des stickers et différents éléments à ajouter à votre voiture pour la rendre unique. Notre système de peinture est aussi plutôt cool puisqu'il permet de créer un motif spécifique à votre club qui sera automatiquement partagé avec tous les membres du club. Dès que vous choisirez un véhicule, vous pourrez retrouver ce design et l'arborer en ligne avec vos coéquipiers.



                  En revanche, il n'y a pas d'options permettant de modifier les performances d'une voiture dans #DriveClub. Nous tentons de reproduire le comportement des voitures réelles. Les véhicules sont non seulement identiques d'un point de vue performance mais aussi visuel. Nous avons visé un niveau de détails encore jamais vu en soignant aussi bien les coutures des sièges, ou la trame de la fibre de carbone sur le tableau de bord. Je pense que les joueurs seront épatés quand ils verront le résultat sur PlayStation 4.

                  Pouvez-vous expliquer comment fonctionnent les clubs ? Comment forme-t-on un club ? Est-il possible de promouvoir ses meilleurs pilotes ou au contraire de se séparer des plus mauvais ?

                  Paul Rustychynsky : Les clubs se composent de six joueurs au total, dont le fondateur du club. Il est possible de créer un club directement dans le jeu #DriveClub ou en utilisant l'application iOS ou Android. Vous pouvez aussi gérer votre club à partir de là. En tant que fondateur, vous pouvez bien sûr virer les gens que vous ne souhaitez plus voir dans votre club. La plus grande motivation pour faire partie d'un club est le fait de gagner ensemble. Cela n'a pas d'importance que vous soyez le plus rapide ou le plus lent dans votre club, vous remporterez tous ensemble des récompenses de club. Toutes les récompenses obtenues – la réputation et les éloges sont un peu la monnaie de #DriveClub – permettent de débloquer bien du contenu : de nouvelles ressources pour le club, de nouvelles décorations pour les voitures ou même de nouvelles voitures. D'ailleurs, certaines voitures ne peuvent être débloquées qu'en faisant progresser le club. Il y a en fait tellement d'avantages à faire partie d'un club.

                  Par exemple, les membres du club peuvent s'impliquer dans des défis. En tant que club, vous pouvez envoyer des défis à des centaines d'autres clubs pour déterminer quel est le meilleur club en drift, ou quel est le club le plus rapide sur tel ou tel circuit. Vous pouvez interagir avec d'autres clubs de multiples façons…

                  Avec #DriveClub, nous souhaitons que les joueurs puissent définir leurs propres défis. Il est possible d'utiliser votre historique pour créer des défis ou simplement inventer vos propres challenges. Un joueur peut aussi définir toutes les conditions de jeu (heure de la journée, sélection de la voiture, densité de la circulation, etc.) et créer son défi avant de l'envoyer à quelqu'un d'autre.



                  Ce qui est cool avec un défi de #DriveClub, c'est qu'il peut rapidement devenir viral. Ce n'est pas seulement vous contre un autre joueur, ou vous contre un autre club. Vous envoyez un défi à quelqu'un qui à son tour l'enverra à un autre, et ainsi de suite. Ce qui a commencé par un petit challenge peut donc très vite impliquer des milliers personnes. Alors que de plus en plus de joueurs se joignent au défi, les récompenses allouées deviennent de plus en plus importantes, ce qui vous propulse aussi dans les classements et permet à votre défi de gagner en visibilité au sein du jeu. Il s'agit-là d'un point central de #DriveClub : connecter et interagir avec d'autres joueurs en ligne.

                  Visiblement, les clubs sont très importants dans le jeu, mais est-il tout de même possible de jouer en tant que pilote solitaire ?

                  Paul Rustychynsky : Evidemment, nous encourageons les joueurs à rejoindre un club. Dans un club, vous progresserez plus vite, vous obtiendrez plus de récompenses et débloquerez du contenu plus rapidement. Ceci dit, notre but n'est pas de limiter ou d'obliger à rejoindre un club les joueurs qui ne sont pas connectés ou qui préfèrent jouer seuls.



                  Donc comment le jeu fonctionne-t-il si nous ne sommes pas connectés ? Y a-t-il d'office des défis à relever ou une progression à suivre ?

                  Paul Rustychynsky : Il y a DriveClub Tour, c'est le nom de notre campagne solo. Il s'agit d'une série de courses proposant chacune des objectifs. On y retrouve des éléments issus des fonctionnalités en ligne qui ont été portés hors ligne comme des duels ou mêmes des défis créés en interne à Evolutions Studios. Les joueurs peuvent aussi affronter leurs fantômes pour pouvoir se défier eux-mêmes et tenter d'établir leurs meilleurs chronos. Si éventuellement vous finissez par vous connecter ou par rejoindre un club, ces temps et défis seront transférés en ligne et partagés avec d'autres. Nous tenions à ce que même hors ligne, vous profitiez d'une expérience de jeu riche et variée.

                  Vous parliez d'une application. Que peut-on faire avec celle-ci en dehors de gérer son club ?

                  Paul Rustychynsky : Elle permet de rester en contact avec tous ceux qui jouent à #DriveClub. Bien sûr, vous pouvez créer et gérer votre club mais aussi garder un œil sur l'activité au sein du jeu en filtrant ce que font vos amis, ce que font les membres de votre club, quelles récompenses ils ont obtenues, ce que cela signifie pour votre club. Vous pouvez aussi utiliser l'application pour envoyer des défis. J'ai d'ailleurs un bon exemple à vous donner. Hier soir, alors que je jouais à #DriveClub à la maison, j'ai réalisé un excellent chrono mais je n'ai pas eu le temps de l'envoyer en tant que défi à ce moment-là. Ce matin, dans le bus pour aller au travail et j'ai pu lancer l'application, retrouver ledit chrono et le proposer en tant que défi. L'application est un bon moyen de poursuivre l'expérience #DriveClub sans pour autant être devant la console.



                  A quels titres déjà existants compareriez-vous #DriveClub ? Test Drive Unlimited ?

                  Paul Rustychynsky : Je suis un grand fan de jeu de course, l'ensemble de l'équipe est d'ailleurs fan de ce genre de jeux. Nous sommes donc influencés par des tas d'autres titres comme Project Gotham Racing, GRID, et comme vous l'avez dit, Test Drive Unlimited. Avec #DriveClub, nous voulions toutefois développer un jeu de course qui puisse convenir à tout le monde. Nous pensons que le jeu propose la profondeur et la subtilité du pilotage nécessaires aux joueurs hardcore, mais nous avons aussi l'accessibilité nécessaire afin que les novices puissent prendre la manette et jouer immédiatement.

                  Comptez-vous faire de #DriveClub la nouvelle licence phare de sport auto sur consoles PlayStation ? Doit-on s'attendre à ce que Gran Turismo cède sa place ?

                  Paul Rustychynsky : Bien sûr, nous ne pouvons parler que pour notre jeu et selon nous, #DriveClub sera le jeu de course nouvelle génération. Nous le pensons réellement. Il s'agit d'un titre très ambitieux qui n'a encore jamais été vu. En effet, il s'agit d'un jeu social, dans lequel vous êtes constamment connecté à vos amis et évoluez en ligne avec les membres de votre club. En cela, nous pensons que #DriveClub repousse les limites du genre.



                  De quoi êtes-vous le plus fier dans #DriveClub ?

                  Paul Rustychynsky : Pour moi, c'est le pilotage. Depuis le premier jour, j'ai été impliqué dans le pilotage de #DriveClub. C'est un aspect dont je me suis occupé pour beaucoup de nos précédents jeux chez Evolution. Cela m'a donné l'incroyable chance de conduire les vrais modèles de voitures que l'on trouve dans le jeu. Grâce à cela, nous avons pu capturer l'émotion propre à la conduite de chacune. Cela va être incroyable lorsque les joueurs pourront conduire les modèles dans le jeu et retrouver les sensations qu'elles procurent réellement.

                  Vous avez participé au développement de nombreux jeux de course, dont MotorStorm. En quoi le développement de #DriveClub a-t-il été différent ?

                  Paul Rustychynsky : Nous avons clairement appris de nombreuses leçons durant le développement de nos précédents jeux que nous pouvons aujourd'hui appliquer pour améliorer #DriveClub. Mais chaque jeu est différent. MotorStorm était un jeu de offroad très viscéral tandis que #DriveClub est basé sur la réalité, ce qui nous force à pousser toujours plus loin le niveau de détails et à créer des environnements réalistes plutôt que des décors fantastiques. C'est bon de pouvoir travailler sur quelque chose de nouveau, de différent et de frais. En tant que fan de voitures, c'est bon de faire quelque chose de nouveau, et #DriveClub représente tout ce qui me passionne.
                  jv.com/gameblog
                    tags : ps3 sony ps4 ps vita driveclub évolustion studio
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                    Infamous : Second Son - Interview de Troy Baker.
                    Interview
                    Pour rappelle Troy Baker est le doubleur de Delsin Rowe, il a aussi interprété : The Joker dans Batman Arkham Origins, Joel dans The Last of Us ou encore Ocelot dans Metal Gear Solid V : The Phantom Pain.



                    Jeuxvideo.com : Vous avez prêté votre voix et parfois votre physique à de nombreux héros de jeu vidéo comme Joel dans The Last of Us, Booker DeWitt dans Bioshock Infinite, Pain dans la série Naruto Shippuden : Ultimate Ninja Storm, Snow Villiers dans les Final Fantasy XIII ou encore Ryu Hayabusa dans les derniers épisodes des sagas Ninja Gaiden et Dead Or Alive…

                    Troy Baker : Je pense que j’ai vraiment été chanceux. Quand je regarde en arrière, je réalise que ces rôles m’ont tous appris quelque chose. Même les mauvais, ceux dont je peux dire aujourd’hui avec du recul « Là, j’ai vraiment été nul. » (rires). Il m’est donc impossible de vous dire quel personnage est mon préféré. Mais je suis tout de même fier de plusieurs choses, comme d’avoir fait partie de The Last of Us qui est maintenant une référence dans le jeu vidéo.




                    Jeuxvideo.com : Vous avez travaillé sur Metal Gear Solid : Peace Walker et plus récemment sur Metal Gear Solid V : The Phantom Pain dans lequel vous incarnez Ocelot. Comment définiriez-vous ce personnage fascinant et récurrent dans l’univers de MGS ?

                    Troy Baker : J’étais un grand fan de Metal Gear Solid et du travail effectué par Kojima qui a influencé de nombreux développeurs. Ocelot est un peu l’équivalent de Cid dans la saga Final Fantasy. Alors que Snake évolue sans cesse, Ocelot, de son côté, rythme la franchise en étant presque toujours présent, même sous différentes formes. Il a été possible de le découvrir à travers des phases très différentes de sa vie. Dans The Phantom Pain, Ocelot offre une perspective vraiment nouvelle.




                    Jeuxvideo.com : A ce titre, lors de votre interprétation d’Ocelot dans The Phantom Pain, y a-t-il un moment fort que vous avez ressenti en particulier et que vous pouvez partager avec les lecteurs ?

                    Troy Baker : Il s’agit d’une des premières scènes que nous avons enregistrée avec Kiefer Sutherland et qui figure dans la bande-annonce diffusée à l’E3. Au cours de celle-ci, Ocelot explique la situation à Snake et lui lance « Maintenant, vas et fais revivre la légende ! ». Cette réplique entre en totale résonance avec la franchise Metal Gear Solid et c’est un de mes moments favoris. Le travail sur The Phantom Pain a été très difficile mais ça en valait vraiment la peine.


                    Jeuxvideo.com : Est-il donc désormais terminé ?

                    Troy Baker : Oui. Tout ce que je devais faire a été effectué.


                    Jeuxvideo.com : Selon vous, quelle est la particularité du héros d’inFamous Second Son, Delsin Rowe ? Comment avez-vous préparé ce rôle ?

                    Troy Baker : Je me suis d’abord focalisé sur l’histoire qui donne beaucoup de détails sur le personnage. Et puis mon frère, dans le jeu, est doublé par Travis Willigham que je considère dans la vie comme mon meilleur ami. Et donc un peu comme mon petit frère. Cette relation naturelle entre nous a contribué à rendre nos personnages plus réalistes. Et puis, avant même le début du tournage, Travis et moi avons passé beaucoup de temps ensemble à Seattle et dans le studio de Sucker Punch à travailler avec l’équipe pour bien comprendre l’histoire et les personnages. Les jeux inFamous placent toujours un type ordinaire dans des situations extraordinaires. Dans Second Son, il s’agit d’un jeune américain de 24 ans qui évolue dans Seattle en pensant être promis à un grand destin et qui se retrouve soudainement à devoir prendre des décisions cruciales. Cela me rappelle la personne que j’étais lors de mes vingt ans. Lorsque vous pensez que le monde vous appartient. Mais, en réalité, quand l’occasion se présente, vous découvrez que vous n’êtes peut-être pas prêt pour ça. Il était important de faire passer cela dans le jeu. Car vous pouvez vous y comporter de manière bienfaisante ou maléfique et pourtant vous êtes toujours exactement la même personne. D’ailleurs, c’est aussi une façon de faire équipe avec le joueur puisque c’est lui qui décide des actes de Delsin.




                    Jeuxvideo.com : Vous avez remporté l’année dernière, aux VGX (Video Game Awards), le prix du meilleur doubleur masculin (Voice Actor) pour votre rôle de Joel dans The Last of Us. Que représente-t-il pour vous ?

                    Troy Baker : C’est génial d’être reconnu par ses pairs. Que ce soit pour les VGX ou les BAFTA (British Academy of Film and Television Art), c’est un honneur incroyable que d’être considéré comme exemplaire parmi tout ce qui est sorti dans l’année. Mais je pense qu’obtenir un trophée n’est pas un but en soi. Ce qui m’intéresse n’est pas tant de recevoir que de donner. La vraie récompense pour moi est de savoir qu’à la fin de la journée j’ai donné tout ce que j’avais pour incarner le personnage.


                    Jeuxvideo.com : Vous avez travaillé avec Akira Yamaoka, compositeur de la musique des jeux Silent Hill. Comment cela s’est-il déroulé ?

                    Troy Baker : Je suis extrêmement fan de la franchise Silent Hill avec laquelle j’ai grandi et qui m’a terrorisé plus d’une fois en tant que joueur. La musique fait d’ailleurs partie de l’expérience. Il se trouve que l’actrice Mary Elizabeth McGlynn, qui est une amie très proche, chante sur les bandes originales de tous les Silent Hill depuis une dizaine d’années. C’est donc elle qui m’a recommandé auprès d’Akira Yamaoka qui cherchait un chanteur masculin en 2011. Il m’a demandé de participer à une chanson sur la bande originale du jeu Shadows of the Damned de Suda 51. Après ce travail, j’ai pensé que ça s’arrêterait là. Mais il m’a proposé ensuite de chanter cette même chanson avec lui sur scène, lors d’un show. Ce que je ne savais pas était qu’il me demanderait, deux jours avant, de participer à l’intégralité du show et de jouer en plus les musiques de Silent Hill à la guitare basse, instrument que je n’avais pas touché depuis cinq ans (rires) ! J’ai alors dû apprendre toutes les musiques en deux jours. Un mois après, Akira m’a dit que nous partions à Paris jouer sur scène pendant la Japan Expo et devant 5.000 personnes ! Evidemment, nous sommes devenus rapidement amis. Nous avons même écrit et enregistré ensemble plusieurs musiques. D’ailleurs, nous devrions donner prochainement de nouveaux concerts et même revenir à Paris.




                    Jeuxvideo.com : Acteur, chanteur, musicien… Vous avez plusieurs cordes à votre arc, mais pourquoi avoir finalement choisi de travailler essentiellement dans le doublage de jeux vidéo ?

                    Troy Baker : Je suis un joueur depuis toujours et la PlayStation 4 représente ma dixième console de jeu, après notamment le Commodore 64, la Megadrive de Sega, sans oublier les PlayStation 1, 2 et 3. Le monde du jeu vidéo m’est donc familier depuis longtemps. J’étais un dingue de jeux et je le suis toujours d’ailleurs. Car mon métier me permet de rester en contact avec cet univers. En fait, tout a commencé lorsque j’étais musicien et que j’enregistrais un album (avec son groupe indie-rock Tripp Fontaine dans lequel il était à la fois chanteur et guitariste, nda) dans un studio qui faisait aussi des publicités radiophoniques pour les automobiles du genre « Ce dimanche, DIMANCHE, DIMAAANNNCHE… » (Rires). J’avoue avoir été au bon endroit au bon moment. Car, à cette époque, un de mes amis travaillait à Gearbox Software sur Brothers in Arms : Earned in Blood. Le studio cherchait une voix pour un personnage secondaire. J’ai donc prêté la mienne au sergent Matthew Baker. Et depuis je n’ai pas arrêté. Ces dernières années, j’ai l’impression d’avoir vécu un rêve éveillé, notamment avec The Last of Us, Bioshock Infinite ou encore inFamous Second Son.


                    Jeuxvideo.com : Pour vous, y a-t-il des différences entre doubler un jeu vidéo, un film et un dessin animé ?

                    Troy Baker : Au-delà de l’aspect technique, en tant qu’acteur, vous devez vous adapter au média auquel vous avez affaire. Mais, personnellement, je ressens davantage de liberté à travailler dans le jeu vidéo, par rapport au cinéma ou à la télévision. La preuve est que je peux me permettre de jouer un héros de 24 ans dans inFamous Second Son. Cela ressemble à une sorte de théâtre de l’esprit. Car dans une salle de motion capture, vous vous retrouvez comme sur une scène, excepté que vous devez tout imaginer autour de vous. Au cinéma ou à la télévision, le plateau, le maquillage, la garde-robe ou les accessoires sont là pour vous servir, pour vous aider à rentrer dans le personnage. Dans le jeu vidéo, tout cela joue presque contre vous. Car il n’y a pas de mise en scène, aucun accessoire et votre garde-robe se résume à une tenue en spandex (rires).




                    Jeuxvideo.com : Quel est le plus long travail de doublage que vous ayez fait ?

                    Troy Baker : J’ai travaillé sur The Last of Us pendant… deux ans et demi. Nous avons commencé en novembre 2010 et terminé en mai 2013. Pour retrouver la même tonalité dans la voix, il est absolument nécessaire de s’ancrer dans un élément unique et spécifique au personnage, histoire de retrouver ses marques facilement au fil des mois. Cela marche avec tous les personnages que vous doublez.


                    Jeuxvideo.com : Préparez-vous votre voix d’une manière spécifique avant un enregistrement ? Avez-vous une astuce à donner aux lecteurs qui pourraient être tentés un jour par cette expérience ?

                    Troy Baker : Soyez prêt à vous rendre ridicule ! C’est le meilleur conseil que je puisse vous donner. Parce qu’honnêtement, c’est stupide ce qu’on fait pendant la Performance Capture : porter un costume en spandex et 120 capteurs sur le visage face à quatre caméras qui vous filment toutes en même temps. Et puis, vous avez beau en prendre soin mais à force d’utiliser votre voix, à la fin de la journée, vous pouvez vraiment la perdre, surtout si vous devez crier. Par exemple, je m’étais préparé à ne plus jamais pouvoir parler à nouveau, à l’issue de chaque session d’enregistrement du Joker pour Batman Akham Origins (rires). Lorsque vous faites de la Performance Capture qui prend en compte le corps, le visage, la voix et les mouvements, vous devez être prêt à transpirer et à être fatigué, bref à vous investir totalement. Il faut donc faire beaucoup de sport, être au régime en permanence et avoir un bon quota d’heures de sommeil. Par exemple, pour moi, un des challenges les plus difficiles sur inFamous Second Son a été de me sentir à nouveau comme à mes 24 ans (rires) (Troy en a 38, nda) !


                      tags : interview infamous : second son troy baker
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                      posted the 03/14/2014 at 11:58 AM by soulshunt
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                      channel (1)
                      jenicris posted the 02/07/2020 at 04:29 PM
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