VG247 : Je voudrais commencer par remonter jusqu'en 1994. L'équipe a terminé Final Fantasy 6, et vous réfléchissez au prochain jeu. Vous avez dit dans le passé qu'au départ, le plan était de créer un autre projet en 2D pour la Super Famicom. Quels sont vos souvenirs de la réflexion et de l'orientation du projet à ce moment-là ?

Yoshinori Kitase : Le projet de créer un Final Fantasy 7 en 2D a commencé juste après la sortie de Final Fantasy 6, mais il a été annulé après seulement deux ou trois réunions de planification.

C'est parce que moi, Nomura et beaucoup d'autres membres de l'équipe de projet sommes allés rejoindre l'équipe de Chrono Trigger. La relance du projet Final Fantasy 7, qui avait été annulé, a eu lieu après la sortie de Chrono Trigger, mais nous avions déjà oublié la plupart des discussions qui avaient eu lieu lors des premières réunions de planification.

Cependant, il y avait une idée proposée lors de ces réunions qui a été utilisée plus tard pour Final Fantasy 8. Il s'agissait d'une illustration centrée sur un personnage de sorcière que Nomura avait dessiné. (Note de l'éditeur : ce concept est devenu la Sorcière Edea de FF8 ).



VG247 : Ok, soyons un peu plus nerds - dans les livres Ultimania du 25ème anniversaire de FF, une image a été imprimée qui montrait une ville d'un point de vue isométrique, notée comme un concept précoce pour FF7 mais utilisant Locke de FF6 comme substitut. S'agissait-il d'un simple concept visuel ou d'un prototype sur lequel on travaillait activement ?

Yoshinori Kitase : En passant au hardware PlayStation capable d'effectuer des rendus en 3D CG, nous avons dû réfléchir à la manière de faire évoluer les visuels du prochain jeu FF, sans être freinés par la logique qui l'avait précédé, et nous avons proposé un certain nombre de styles visuels différents.

Cette image était l'un des styles proposés et représentait le concept d'une "évolution orthodoxe" qui continuait avec un style similaire à celui de Final Fantasy 6.

Nous avons continué à étudier les propositions de graphismes de sprites en pixels et de CG 3D en parallèle pendant un certain temps, mais nous avons finalement opté pour le style 3D que vous voyez aujourd'hui.



VG247 : Vous avez ensuite eu la démo " SGI ", avec des personnages de FF6, puis la décision a été prise de développer le jeu sur PlayStation. Les raisons qui ont poussé à quitter Nintendo ont été bien documentées au fil des ans, alors plutôt que de vous interroger sur ce point, je suis curieux de savoir ce que vous avez ressenti à l'époque. Vous craigniez qu'en quittant Nintendo, FF ne laisse derrière lui sa base de fans ? Ou bien était-ce stimulant de se retrouver sur une nouvelle plateforme qui continuait à construire son identité et son public ?

Yoshinori Kitase : À l'époque, j'étais un fan du hardware et des jeux Nintendo, et je le suis toujours, donc c'était un sentiment contradictoire. Cependant, nous étions tellement occupés à travailler sur de nouvelles innovations dans tous les aspects de la création de jeux, comme le 3DCG, le support CD et la vente dans les magasins de proximité (au Japon), que je n'ai pas vraiment eu le temps de m'en préoccuper et j'ai simplement poursuivi le développement.

Une fois que le développement de Final Fantasy 7 a progressé d'une certaine manière, j'ai vu Mario 64 sur la Nintendo 64 et son lancement d'une nouvelle génération de jeux d'action en 3D, et honnêtement, j'ai été époustouflé par ce jeu.

Cela a été une grande motivation pour nous de créer notre propre style visuel unique, tout en respectant un style de jeu aussi étonnant.



VG247 : En commençant le développement sur PlayStation, un jeu en 3D comme celui-ci était évidemment une nouvelle expérience inconnue pour l'équipe. De votre point de vue, y avait-il des inspirations spécifiques que vous recherchiez pour vous aider à naviguer dans cette nouvelle technologie et ce nouveau style ?

Yoshinori Kitase : Nous avons été stimulés par de nombreux jeux PC européens et américains de l'époque.

À cette époque, de plus en plus de jeux utilisant la 3D sortaient, comme 4D Sports Boxing, Alone in the Dark, Wing Commander, Ultima Underworld et Heart of Darkness. Ces jeux nous ont beaucoup inspirés pour établir le style visuel de Final Fantasy 7.



VG247 : L'une des particularités de FF7 par rapport aux jeux ultérieurs est qu'il présente différents styles artistiques - les personnages ont un aspect très différent sur le terrain et au combat, et les deux styles de conception sont même utilisés de manière interchangeable dans les scènes d'images de synthèse pré-rendues. Quel était le raisonnement derrière cette décision, et pourquoi l'avez-vous finalement inversée dans FF8 ?

Yoshinori Kitase : C'était une réponse aux problèmes de limites de mémoire et de vitesse de rendu.

Dans les zones d'exploration, comme les scènes dans les villes, nous avions besoin d'avoir beaucoup de personnages à l'écran en même temps et la caméra ne se rapproche pas souvent d'eux, donc nous devions maintenir les modèles des personnages principaux à moins de 400 polygones chacun.

D'un autre côté, le nombre de personnages qui apparaissent dans les scènes de combat est plus limité et il arrive souvent que la caméra fasse un gros plan de leur visage pour présenter les mouvements qu'ils effectuent, ce qui nous a permis d'utiliser 1000 polygones chacun.

Par conséquent, nous avons créé des designs de personnages optimisés pour le nombre de polygones disponibles dans chaque type de scène.



VG247 : Le CD bonus international de FF7 contenait une vidéo intéressante de séquences de FF7 en cours de développement, y compris des arrière-plans d'images de synthèse assez différents de la version finale, comme une version très différente de ce que je suppose être Nibelheim. Le développement était-il itératif ? Y avait-il beaucoup de reprises et de changements significatifs au fur et à mesure ? Avez-vous des souvenirs précis des premières versions, des modifications et des améliorations apportées au jeu ?

Yoshinori Kitase : À l'époque, le passage de la 2D à la 3D était un véritable défi. Il s'agissait donc de passer beaucoup de temps et de construire lentement mais sûrement chaque lieu, plutôt que de les refaire encore et encore. L'image à laquelle vous faites référence est un instantané de ce processus en cours.

En conséquence, si vous regardez dans la direction opposée, il n'était pas facile de retravailler les choses en raison de la quantité de travail nécessaire pour le faire, donc je ne me souviens pas avoir changé l'histoire originale ou les spécifications du jeu que nous avions décidé à l'origine.



VG247 : Ce que j'aime dans FF7, c'est le sentiment qu'à l'époque, l'équipe ne faisait qu'ajouter et ajouter des idées, sans nécessairement se préoccuper de la façon dont quelque chose pourrait s'intégrer. Le résultat est un monde d'une ampleur étonnante - quand vous êtes à Midgar, il semble difficile d'imaginer qu'un lieu de RPG plus traditionnel comme Kalm puisse exister dans le même monde. Et quand vous êtes à Kalm, l'idée d'un endroit comme la soucoupe d'or semble carrément futuriste. Puis, soudain, vous faites du snowboard ! S'agissait-il d'une idée consciente au cours du développement ou d'un phénomène qui s'est produit lorsque les artistes se sont familiarisés avec les outils 3D ?

Yoshinori Kitase : Pendant le développement, nous avions pour politique d'intégrer autant d'idées intéressantes que possible apportées par l'équipe. Nous ne voulions pas trop nous soucier de l'alignement ou de la cohérence et nous voulions traiter le jeu comme une boîte à jouets pour enfants.

Nous avons pensé que le fait d'y introduire autant de choses cool et intéressantes que possible créerait un sentiment d'émerveillement et d'excitation encore plus grand. Ce n'était pas vraiment une approche délibérée, mais plutôt l'esprit qui animait l'équipe de Final Fantasy depuis le début.



VG247 : Lors d'une interview il y a quelques années, Nomura-san s'est souvenu d'une ébauche de l'histoire dans laquelle tout le monde, sauf les trois personnages que le joueur choisit pour son groupe, mourait lorsque le casting était parachuté à Midgar. Vous ne vous en souveniez pas, il vous l'a rappelé ! Mais laissez-moi vous demander : si le jeu était comme ça, et que c'était vous qui jouiez, quels seraient les trois personnages que vous auriez sauvés en les ayant dans votre groupe ?

Yoshinori Kitase : Je choisirais Cloud parce qu'il est le protagoniste de l'histoire, Vincent parce que c'est un personnage que j'ai personnellement créé et qu'il a une ambiance d'horreur qui est assez rare dans les jeux FF, et Yuffie parce qu'elle est si ennuyeuse mais si difficile à détester.

VG247 : Je me demande si vous seriez prêt à résoudre un mystère séculaire. Si vous suivez certaines quêtes secondaires, vous pouvez obtenir la clé qui vous permettra de rentrer dans Midgar à la fin du jeu. À ce stade, si vous entrez dans l'église du secteur 5, vous verrez Aerith s'occuper des fleurs - mais lorsque vous vous approchez, elle vacille et disparaît, comme un fantôme. Étrangement, le fait de parler à un PNJ qui n'a aucun lien avec Aerith et qui se trouve dans une autre zone empêche cet événement de se produire. Pendant des années, les fans ont débattu de la signification de cet événement, ou même s'il s'agit d'un bug. Pouvez-vous nous en parler du point de vue du développement ?

Yoshinori Kitase : Je vais laisser cela à l'imagination des joueurs.



VG247 : Dans le cadre de la compilation, vous et l'équipe aviez la possibilité de modifier, de révéler ou de rétablir des éléments de l'histoire si vous le souhaitiez. Par exemple, Rufus et Tseng semblent être morts dans FF7, mais on apprend qu'ils sont vivants dans Advent Children, et on révèle même carrément que les humains ont survécu à Holy à la fin. Comment était-ce de prendre de telles décisions, de changer des éléments de l'histoire et de révéler de nouvelles informations sans modifier l'impact du jeu original ?

Yoshinori Kitase : Nous avons abordé le projet FF7 Remake avec l'objectif d'en faire quelque chose qui puisse être apprécié à la fois par les fans du jeu original et par les personnes qui ne le connaissaient pas.

J'ai déjà vécu des expériences où un jeu que j'ai aimé et avec lequel je me suis beaucoup amusé dans le passé a été remodelé, et je l'ai acheté et joué sous l'effet de la nostalgie. J'ai acheté le jeu et j'y ai joué sous le coup de la nostalgie. C'est agréable pendant un moment, mais le plaisir de la nostalgie ne dure vraiment que pendant les premières parties. Je m'en suis rendu compte à la moitié du jeu et je n'ai pas continué à jouer.

C'est pour cette raison que j'ai décidé que Final Fantasy 7 Remake ne ferait pas seulement appel à la nostalgie, mais qu'il inclurait également une nouvelle histoire afin d'être à la fois nostalgique et frais.

Le résultat est que, pour les parties 2 et 3, nous sommes en mesure de donner aux fans l'excitation de se demander quelles parties seront 100% fidèles à l'original - et où les nouveaux éléments seront ajoutés.



VG247 : Comment votre relation avec le jeu a-t-elle évolué au fil des années, en particulier lorsque vous êtes revenu à l'univers avec la Compilation et le Remake ? Votre perception du jeu a-t-elle changé au fil des ans, avec un regard rétrospectif ?

Yoshinori Kitase : Depuis que j'ai rejoint l'industrie du jeu, je me suis toujours fixé comme objectif de "créer un drame à travers les jeux". Avec le jeu original Final Fantasy 7, le passage du style de l'ancien hardware 16 bits aux dernières images de synthèse en 3D a permis d'augmenter considérablement la capacité à représenter les personnages et les histoires et est à l'origine du style de narration dramatique qui est encore utilisé aujourd'hui dans les derniers titres FF.

D'un autre côté, quand je regarde ce jeu, le modèle original de Cloud n'était composé que de 400 polygones et ressemblait un peu à une poupée taillée dans le bois, alors plus je vieillissais, plus je voulais le mettre à jour.

Le jeu original Final Fantasy 7 est aimé par les fans depuis plus de 20 ans, mais j'ai commencé à penser que je ne voulais pas qu'il finisse dans les archives, et je voulais en faire un titre qui continue à être aimé pendant encore 100 ans.

C'est ce qu'est Final Fantasy 7 Remake.

La musique a toujours tenu un rôle prépondérant dans le jeu vidéo. Devant accompagner avec efficacité ce qui se passe en image, certaines bandes-son sont restées cultes même séparées des jeux vidéo dans lesquels elles prenaient vie. Aussi, avec l'apparition du CD-ROM et au fil du temps avec la multiplication des jeux à très gros budget, les moyens techniques mobilisés pour offrir au joueur une musique digne du cinéma ont explosés. Contribuant, justement, à rattacher toujours plus le jeu vidéo au cinéma, comment passer à côté du cas The Order 1886, extrêmement polémiqué. C'est TheSixthAxis qui interview le compositeur du jeu de Ready at Dawn: Jason Graves.

Première question, incontournable, comment avez vous atterri dans le monde de la musique de jeu vidéo ? Est-ce un hasard, grâce à votre réseau de connaissance ? Ou tout simplement votre vocation première ?
J'ai débuté dans le cinéma et la télévision lorsque j'étais à Los Angeles. J'ai fais aussi beaucoup de travaux pour la publicité et les bandes-annonce de films en tant que mixeur son par exemple. Puis j'ai déménagé à Raleigh (ND Anakaris : Caroline du Nord), à ce moment là je me suis largement diversifié et j'ai commencé même à composer pour la radio. Après cinq ou six ans de cela, je me suis retrouvé sur mon premier jeu. Ce n'était pas forcément voulu même si je ne regrette rien, c'était plus du ''au bon endroit au bon moment'', je n'ai effectué que quelques compositions pour ce jeu. Mais plus tard, un des producteurs qui avait déménagé en Australie et qui travaillé désormais pour une autre société m'a recontacté pour que je fasse enfin une première véritable bande-sonore complète seul. (ND Anakaris : le premier jeu solo de Jason Graves est l'adaptation du film King Arthur avec Clive Owen et Keira Knightley sur Playstation 2, Xbox et Gamecube. Le producteur en question travaillait bel et bien en Australie puisque le jeu fut développé par Krome Studios, d'origine australienne). Mon parcours est un mélange de réseaux, de hasard et de volonté, mais c'est relativement atypique, il existe mille façons de se faire une place dans le milieux et chacun à son histoire.

Depuis cette époque, vous avez composé pour beaucoup de jeu, vous êtes quelqu'un de très prolifique, non ?
Oui ! Même si il y a dix ans ça ne semblait pas être ma direction principale, je suis finalement arrivé à un stade où j'ai composé pour presque autant de jeux que de films et téléfilms ! Et en effet, je crois être quelqu'un de très prolifique. J'ai encore plusieurs projets en cour, The Order 1886 n'est pas le dernier loin de là ! Je suis quelqu'un comme ça, je préfère avoir plusieurs projets en cour, d'autres préfèrent en avoir qu'un seul à la fois, voir un seul par an ou tout les deux ans. Moi je me sens plus rassuré quand je sais que j'ai du travail pour encore plusieurs mois voir plusieurs années.

En quoi la bande-son est importante pour donner une bonne ambiance, pour absorber le joueur dans le jeu ?
Ce qui a de bien avec la musique, de mon point de vue, c'est qu'il est facile d'afficher une humeur. La puissance et la simplicité universelle de la musique est ce qu'il y a de plus formidable. Un son de cloche sonnera toujours identique que ce soit à Miami, à Tokyo, à Paris, Madrid, Moscou ou Johannesburg. Si vous faites un son dramatique avec un orgue, on se trouvera dans une ambiance sombre et tragique partout dans le monde ; Si vous faites une mélodie fluette avec un triangle et un hautbois, tout le monde s'imaginera dans une forêt en compagnie de fée et de lutin. C'est à mon avis de loin ce qu'il y a de plus simple à faire s'adapter à ce qu'il se passe à l'écran, la musique peut instantanément changer soit de façon subtile soit de façon brutale pour accompagner l'image. Et quoiqu'il arrive, si c'est fait avec un minimum de soin, tout le monde comprendra ce qu'il y a à comprendre.

Avez vous remarquez la popularité croissante des bandes-son de jeux vidéo ? Pensez-vous qu'elles devanceront bientôt celle des films ?
Lentement, mais surement, oui. De plus en plus de compositeurs de films font un bout de chemin dans les jeux vidéo, et même des mixeurs sons, des créateurs sons et tout un tas d'autres techniciens spécialisés dans le son. Certain le font pas pure passion, d'autres par pur hasard et se découvre au final une nouvelle vocation. D'autres comme Hans Zimmer pour Call of Duty sont souvent prit pour un très gros coup de marketing mais ce n'est pas forcément vrai, même si il est vrai qu'avoir Hans Zimmer à la bande-son de son jeu est extrêmement valorisant. Ceci dit, ça ne fait pas en sorte que la musique s'améliore en réalité, elle devient juste plus reconnue, plus populaire.

De plus en plus de jeunes compositeurs considèrent que travailler pour un gros jeu signifie avoir la récompense officielle ultime. Personnellement, je ne suis pas si vieux que cela mais je suis encore de ceux qui préfèrent avoir comme récompense le droit de jouer ou diriger mes musiques dans des représentations live. Ou avoir le bonheur de voir un autre artiste réarranger mes compositions. Le fait d'avoir signer la bande-son d'un très gros jeu n'est pas une récompense en soi. Le monde du jeu vidéo possède une base de fan vorace et profondément loyale. Et avoir des retours de la part des fans et venir à leur rencontre, éventuellement les voir venir à mes concerts ou aux concerts d'autres compositeurs qui auraient composés pour un jeu, voilà la récompense ultime ! Ouvrir l'esprit des gens et les faire s'intéresser à la musique. Si pour cela je dois faire de la musique de jeu vidéo, alors soit !



Y a-t-il des questions d'actualités qui ont bouleversé votre travail récemment ? Réduction de budget, difficulté d'entente avec les éditeurs, cahier des charges trop strictes qui brident la créativité ?
Honnêtement, rien de neuf comparé à ce qu'on a toujours été habitué d'avoir. Nous, les compositeurs avons toujours eu l'habitude d'être à la fin de la ligne de production, pas la cinquième roue du carrosse mais presque. Bien souvent, le jeu est déjà presque finit quand nous entrons en scène, et c'est à nous d'adapter notre musique pour qu'elle colle aux images et qu'elle convienne au réalisateur du jeu. Si jamais on ressent quelque chose de différent en regardant le jeu et qu'on fait une musique qui ne convienne pas au réalisateur du jeu, et bien tanpi pour nous, on doit s'adapter !

Mais ce n'est pas toujours ainsi, j'ai effectué quelques collaborations avec des studios de développement de jeux au Canada et ils sont plus souples à ce propos. Peut-être que ce n'est qu'un vécu personnel, mais j'ai eu plus de liberté, même lorsqu'il s'agissait de composer pour un jeu qui était tiré d'un film.

Dernièrement, avec The Order 1886, j'ai été contacté presque trois ans avant la sortie du jeu, à ce moment là les gens de Ready at Dawn n'était même pas encore en phase de production intensive. Mais ils avaient déjà des idées bien conçues et savaient où il se dirigeaient. Ils m'ont notamment expliqué qu'ils avaient longtemps discuté avec Sony de la marche à suivre, ils avaient défendu leur projet corps et âme et avait donc obtenu une très large liberté d'action au niveau de la musique et de la mise en scène de leur jeu. Ils m'ont expliqué que le jeu allait être particulièrement cinématographique et que donc, il ne fallait pas que j'ai peur d'exiger certaine chose pour pouvoir donner le meilleur de moi-même et que Sony allait suivre. Ils m'ont laissé le choix du studio d'enregistrement, du panel d'instrument sélectionné et de beaucoup d'autre chose sans se préoccuper de la facture finale. C'est un producteur de chez Sony qui a même suggéré d'ajouter des choristes dans mon travail, chose que j'avais déjà envisagé ! Et quelques jours plus tard, après avoir évalué cela et proposé quelques options à Sony, nous recevions de l'argent supplémentaire pour faire ce que nous voulions. Fantastique !

Dans les jeux vidéo, il y a toujours beaucoup d'interaction entre le jeu et le joueurs. En tant que compositeur, pensez-vous que cela accentue l'émotion ?
Évidemment. Les joueurs pour la plupart sont capables de s'immerger dans un jeu et de s'approprier correctement son univers. Ainsi, ils vivent une aventure de plusieurs heures, mais la bande-son elle doit être présente du début à la fin et souvent doit être bien plus conséquente que pour un film. C'est parce que nous offrons la possibilité de prendre part directement à ce qui se passe à l'écran que l'émotion est accentuée, et la musique doit accompagnée cela aussi efficacement que possible. C'est d'ailleurs aussi pour cela que les joueurs sont très exigeants avec la musique d'un jeu, je suppose. Ils veulent tout simplement vivre la meilleure expérience possible, vivre le jeu, et la musique doit faire son boulot, c'est normal.

Comment faites vous avec les éditeurs pour publier vos bandes-son ailleurs que dans les jeux vidéo ? Est-ce que vous négociez d'une façon particulière ?
C'est très différent selon les éditeurs, car ce sont souvent eux qui ont le dernier mot. Avec Sony par exemple, ils se sont montré très compréhensifs. On s'est expliqué les choses, je leur ai dit que de toute façon, les amateurs de musique allaient se procurer la bande-son de The Order d'une manière ou d'une autre. Et de leur côté, ils savaient que les fans se procureraient la bande-son pour soutenir le jeu d'une façon ou d'une autre. Alors pourquoi ne pas créer un scénario gagnant-gagnant ?

Mais pour le jeu Evolve de 2K par exemple, ils n'étaient pas du tout intéressés par le fait de commercialiser la bande-son. Je suis un compositeur indépendant, ce qui veut dire que mon travail est considéré comme des missions. C'est un peu du « tais toi et travail » dit vulgairement. Ça ne veut pas du tout dire que je suis esclave chez certains éditeurs, mais tout simplement que je compose, et que la décision de quoi faire avec mes musiques n'appartient qu'à une seule personne. Souvent, le grand chef, tout en haut, ou un responsable quelconque. Ensuite, le choix de vendre ma musique à part ou non le regarde. Avec certains éditeurs, j'ai eu la chance de discuter de cela avec eux et j'ai même réussi à faire changer d'avis certains responsables. Mais avec d'autres éditeurs malheureusement, le dialogue est impossible. C'est leur choix, ce sont de très grandes entreprises, ils ont leurs raisons.

D'ailleurs, comment avez vous eu contact avec Sony ? The Order 1886 n'est pas votre première collaboration, exact ?
C'est une très longue histoire (rires). Ma première collaboration avec la division jeu de Sony remonte à 2005, sur le jeu Rise of the Kasai (ND Anakaris : suite de The Mark of Kri de SONY San Diego, sorti uniquement aux USA sur Playstation 2). J'avais rencontré peu avant le compositeur du jeu Jack Wall à la cérémonie des Academy of Interactive Arts & Sciences où malheureusement il ne fut pas récompensé pour son travail sur le jeu Myst IV. Puis ce n'est que plus tard qu'il m'a demandé si je voulais le seconder sur Rise of the Kasai parce que lui avait d'autre projet musicaux plus personnels qui lui prenait beaucoup de temps. Choses que je ne savait pas et qu'il m'a dévoilé plus tard, c'est qu'il travaillé aussi sur une gigantesque production pour l'époque dans le jeu vidéo : Mass Effect ! De ce fait, plusieurs autres compositeurs ainsi que moi furent embauchés pour Rise of the Kasai. Puis de là, les responsables de Sony Computer Entertainment America, les éditeurs de Rise of the Kasai m'ont présenté aux responsables de Santa Monica Studios, je leur ai composé une musique de trailer pour leur nouveau jeu Warhawk. Et depuis, je reviens régulièrement chez eux pour collaborer, je commence à connaître un tas de monde aux quatre coins de la planète chez la division jeu vidéo de Sony (rires) !

Lors d'une interview récente via le site japonais 4Gamer.net, le producteur de la saga des Hyperdimension Neptunia, un certain Naoko Mizuno, ainsi que le superviseur Norihisa Kochiwa ont dévoilé de plus amples détails sur Hyperdimension Neptunia VII, le prochain titre de Compile Heart qui verra le jour très bientôt sur Playstation 4.

Tout d'abord, le jeu est le prochain épisode numéroté de la saga Neptunia ett proposera trois histoires distinctes se déroulant dans trois dimensions différentes, voici les dimensions en question.

Zero Dimension Game Neptune Z : Ragnarok of the Abyss Goddess

Hyperdimension Neptunia G: Gold Vanguard Gamindustri Existence of Change

Heart Dimension Game Neptune H: Trilogy Final Into the Legend

Initialement, Compile Heart pensait faire de chaque histoire un jeu complet, ils ont même créé des logos différents pour chaque histoire, les voici en images.

Zero Dimension Game Neptune Z : Ragnarok of the Abyss Goddess



Hyperdimension Neptunia G : Gold Vanguard Gamindustri Existence of Change



Heart Dimension Game Neptune H : Trilogy Final Into the Legend



Dans la Dimension Zero, un nouveau personnage nommé Uzume Tennohboshi "the Abyss Goddess" sera au centre de l'histoire, pour être plus précis, elle sera le personnage clé des trois dimensions. Neptune et sa soeur cadette Nepgear seront aspirés dans la Dimension Zero et rencontreront Uzume et une Neptune dans sa forme adulte. Cette Neptune version adulte est d'ailleurs assez différente de la Neptune actuelle.

Le système de combat de Hyperdimension Neptunia VII sera entièrement nouveau, il sera assez proche d'un système traditionnel, cependant, la structure du système de combo sera différente, de plusk le positionnement du personnage aura également une grande importance, histoire que le joueur soit à son avantage pour encercler l'ennemi.

On apprend également que Hyperdimension Neptunia VII n'est pas le seul jeu Compile Heart en développement, en effet, Fairy Fencer F : Advent Dark Force arrive également sur Playstation 4, les détails sur celui-ci sont relativement minimes, mais Compile Heart insiste sur une chose, il ne s'agit pas d'un remake. Fairy Fencer F : Advent Dark Force aura un système de combat flambant neuf et de nouveaux éléments seront rajoutés dans l'histoire.

En parlant des titres de Compile Heart, ces derniers veulent également accroître le développement de titres majeurs sur Playstation 4 et ce à partir de maintenant.

Pour être plus précis, le studio à précisé qu'ils sont en pleine recherche actuellement dans le développement de divers titres de la saga Neptunia. Il y a déjà eu trois volets pour la simulation d'idole Hyperdimension Neptunia : Producting Perfection, il y a eu également le jeu d'action Hyperdimension Neptunia U et enfin, le jeu de stratégie Hyperdevotion Noire, on ne sait rien de plus sur les futurs déclinaisons de cette saga, mis à part que Compile Heart va essayer de nouvelles choses.

Voici une interview qui met à l’honneur le concepteur graphique senior Andy Hope. Si vous avez acheté un jeu réalisé par Sony au cours de ces dernières années, vous avez pu apprécier son travail. Entre autres, il conçoit le visuel du packaging de nos boîtes de jeux et de nos systèmes favoris . Andy, dites-nous tout…

Quand avez-vous rejoint Sony Computer Entertainment Europe, et pour quels motifs ?
Je suis arrivé à SCEE en 2003, ça fait plus de dix ans maintenant. À l’époque, je travaillais dans l’édition en tant que chef de création artistique pour une publication de jeux vidéo. Ayant pris plaisir à concevoir l’aspect visuel des couvertures et des pages intérieures du magazine, j’ai décidé tout naturellement que l’étape suivante serait d’essayer d’entrer dans l’industrie du jeu vidéo. Puis, un poste de concepteur graphique s’est libéré chez PlayStation, je me suis dit pourquoi pas ?

Par chance, après une série d’entretiens et quelques semaines en attente d’une décision, l’issue a été favorable. C’est pourquoi j’ai quitté le soleil de Bournemouth pour emménager à Londres. Et je ne l’ai jamais regretté !

Que faites-vous exactement à SCEE ?
Chez SCEE, je suis concepteur graphique senior au sein du service création.

Mon travail consiste à la création et la direction artistique pour les deux marques PlayStation 4 et PlayStation 3. Je m’occupe également de toute la partie créative de grands événements publics et de démonstrations, de la communication de marque de PlayStation, du packaging des jeux, du matériel en ligne, et aussi de la publicité et de l’affichage “point de vente” que vous voyez en magasin.

Je me charge également d’apporter mon soutien et mes conseils en matière de création auprès du service marketing et des autres équipes de la compagnie en charge du design, donc il y a toujours beaucoup à faire et dans un champ d’action très varié.

Qu’est-ce que vous préférez dans votre travail ?
La plus belle chose dans mon travail, c’est que j’arrive à faire ce que j’aime vraiment : la création. La diversité des tâches dans lesquelles je suis impliqué est une chance. J’aime être capable de pouvoir sculpter un projet en partant de rien, le regarder évoluer et se développer jusqu’à la livraison finale du produit.

Et pour couronner le tout, je travaille avec des personnes dont la plupart sont vraiment de bons amis.

Quel a été le moment qui vous a rendu le plus fier ou le plus heureux à SCEE ?
Ouah, difficile de répondre. Par où commencer ? Il y en a eu tellement, en allant du projet de conception au lancement de produits révolutionnaires tels que SingStar et Buzz ! (qui sont des jeux tellement plein d’énergie et de couleurs), jusqu’au lancement récent du système PlayStation 4, dont la conception graphique a été reprise dans toute l’Europe et même au-delà.



J’ai vécu un autre moment fort en 2006, lorsque j’ai conçu le packaging, le logo et toute la création artistique pour la sortie européenne de la PlayStation 2 Pink. Encore une fois, pour la direction artistique de ce projet, nous sommes partis de rien. Et notre siège au Japon a vraiment été satisfait des résultats.

Puis, il y a eu la réalisation d’un panneau de 50 mètres qui recouvrait l’intérieur du stade Wembley pour la finale 2013 de la Ligue des champions de l’UEFA. Il retraçait l’histoire de la Ligue des champions, parallèlement à l’évolution de la PlayStation, du lancement de la première console jusqu’à aujourd’hui.

Oh, et je vous ai parlé de ma rencontre avec Jet Li ? C’était pour un jeu dans lequel il avait son personnage sur PS2 : Rise to Honour. 1 mètre 67 de pur bonheur ! (ND Anakaris: un jeu assez médiocre d'ailleurs )

Et je pourrais continuer comme ça encore et encore…

Quel a été le dernier jeu auquel vous avez joué, et quel sera le prochain ?
Le dernier jeu auquel j’ai joué, c’était Tearaway sur PlayStation Vita. J’ai eu suffisamment de chance pour être sur le projet de la conception du packaging du produit, donc naturellement j’ai voulu y jouer pour comprendre pourquoi il suscitait autant d’agitation. Je n’ai vraiment pas été déçu : l’équipe de Media Molecule a vraiment fait du bon travail.

Mon prochain jeu sera sûrement The Last of Us. Je n’ai pas eu la chance de l’essayer au moment de sa sortie, donc je suis impatient de pouvoir m’y consacrer pour y jouer très bientôt.

Quels conseils pourriez-vous donner à quelqu’un qui aimerait percer dans l’industrie du jeu vidéo ?
Patience, passion et détermination sont les maîtres mots. Quelle que soit la branche où vous désirez percer, cela nécessitera beaucoup de travail et beaucoup de persévérance pour atteindre vos buts. L’industrie du jeu vidéo fonctionne sur les mêmes moteurs.

Des gens talentueux dans ce métier, il y en a beaucoup. Entretenir un solide portfolio de votre travail est un facteur très, très important pour se faire remarquer. Si vous arrivez à y faire transparaître votre personnalité, vos forces et vos centres d’intérêt, cela peut beaucoup aider. Mais comme je l’ai dit au début, être patient, à l’écoute de votre public et continuer à développer votre savoir-faire dans cette industrie sont vraiment des éléments cruciaux.

Essayez de présenter un travail qui vous ressemble. Et par-dessus tout, gardez la détermination nécessaire pour persévérer, même en cas d’échec au départ.

Le Monster Hunter – like de Tecmo Koei qui a réalisé un très bon score au japon sur VITA et PSP s'apprête à débarquer chez nous. Ce sera uniquement à la version VITA à laquelle nous auront droit et il faudra s'en contenter en anglais, mais c'est mieux que rien, sachant que l’intérêt du jeu ne se situe manifestement pas dans ses dialogues interminables et dans son scénario complexe.

Ainsi, en attendant le 14 février prochain, voici une interview traduite de Capsule Computers de Kenichi Ogasawara, le producteur de Toukiden : Age of Demons.

Omega Force est principalement connu pour son travail sur la série Dynasty Warriors et d'autre jeu de combat de masse où on voit un seul personnage s'attaquer à une armée entière. Dans Toukiden, c'est l'inverse, on est en groupe pour affronter un nombre restreint d'adversaire, souvent de grande taille. Qu'est-ce qui vous a mené à vous concentrer sur des batailles à plus petites échelles contre un ou deux adversaires à la fois ?
Omega Force fut à l'origine créé pour inventer des choses, aller contre la monotonie, penser à des choses que nul autre n'aurait put penser. Au japon, le Monster Hunter - like (ou jeu de chasse comme il l'appelle là-bas) est un genre de jeu populaire, mais Tecmo Koei ne s'y est jamais essayé. Pour Toukiden, Omega Force s'est mis au travail avec enthousiasme pour tout simplement créer un jeu que les amateurs de jeux de chasse apprécieraient. En plus du plaisir de vaincre des ennemis gigantesques, je pense que les éléments stratégiques du système Mitama et l'inspiration visuelle de la mythologie asiatique ont fait de Toukiden un Monster Hunter – like typique Tecmo Koei, proche d'un Dynasty Warriors finalement.

Compte tenu de la nature différente de Toukiden, est-ce que les amateurs de Dynasty Warriors s'y retrouvent réellement, ou est-ce que l'équipe de développement a réellement chercher à proposer une expérience différente ?
La caractéristique clé de Toukiden est son système de ''targeted destruction system” (ND Anakaris : le jeu n'étant pas traduit, il n'y a aucun équivalent officiel français), qui permet au joueur de détruire, trancher, éclater ou écraser une partie de sa gigantesque cible. C'est en réalité un système qui permet de s'attaquer plus précisément que jamais à une partie particulière de la cible, tandis que dans Dynasty Warriors, il faut porter des attaques les plus vastes possibles. Au final, c'est assez différent de Dynasty Warriors, mais dans le maniement du personnage par exemple, les amateurs de la série devraient s'y retrouver assez rapidement.

Tout au long du jeu, le joueur a pour but de combattre les Oni (des démons du folklore japonais) en s'alliant à des combattants dirigés par l'IA ou par d'autres joueurs. Pourquoi mettre l'accent sur le multijoueurs ?
Les Oni possèdent généralement une force massive et de puissants pouvoirs magiques, c'est donc très difficile de les abattre seuls. Les combattants ne sont pas des super-héros aux multiples talents. En mettant à profit les forces et les spécialités de chaque joueur et le travail d'équipe, il devient possible de vaincre d'énormes Oni. Je pense que c'est surement l'un des point les plus importants du Monster Hunter – like, ce sentiment de réussite et le fait de s'entraider est primordiale dans le plaisir qu'on peut ressentir avec ce type de jeu.



Le mode multijoueur peut parfois poser problème dans certain jeu en occident. Est-ce que le joueur peut tout de même espérer une expérience de jeu intéressante en solo ?
Le mode de jeu principal de Toukiden est le solo avec la participation de l'IA, il est donc possible de profiter pleinement de l'histoire du début à la fin sans être dans un environnement multijoueur. Le jeu continue après avoir terminé le scénario principal, de nouveaux ennemis apparaissent, beaucoup plus puissants, et à partir de là, il sera nécessaire d'avoir à ses côtés d'autre joueurs pour pouvoirs en venir à bout sans trop de difficultés.

Un aspect rafraîchissant de Toukiden est l'accent mis sur la lutte contre de nombreux ennemis différents : les Onis. Il y en a des petits, mais souvent des immenses. Ils sont influencés par la mythologie nippone, pourquoi choisir ces ennemis ?
Comme vous l'avez sans doute remarquer, ce n'est pas la première fois qu'Omega Force produit un jeu avec de très fortes influences visuelles et historiques de la culture asiatique, et encore une fois, c'est ce que nous voulions faire avec un aspect un peu plus surnaturel et légendaire qu'à l'accoutumé. Donc le choix des Oni était tout à fait naturel. Depuis des millénaires, les Oni sont certainement les créatures les plus fantastiques, les plus puissantes et les plus craintes de la mythologie japonaise, encore aujourd'hui, de nombreuses œuvres culturelles de notre pays s'en inspire.

De plus, depuis quelques années, en tant que producteur et directeur de projet, je reçois régulièrement des requêtes de mon équipe qui désirait depuis un certain temps faire jouer leur imagination de façon différente qu'avec Dynasty Warriors. Il y a quatre ans, nous avons effectuer plusieurs réunion pour envisager plusieurs pistes créatives et on a finit par se mettre d'accord pour créer un univers fantastique basé sur la mythologie japonaise. Certain membre de l'équipe en avait réellement besoin pour donner le meilleur d'eux-même, ils ressentaient le besoin profond de faire marcher leur imagination, notamment d'un point de vue visuel.

Les joueurs seront en mesure de vaincre les Oni avec six différents types d'armes, dont la faucille. Pendant la campagne de communication du jeu, la faucille fut souvent présentée comme arme sacré spécialement conçu pour tuer les Oni, d'où vient cette idée ?
Les types d'armes ont été choisies selon des armes réelles historiquement utilisées au Japon. Au Japon, l'arme la plus célèbre pour tuer les Oni est probablement l'épée. Il y a une légende qui dit qu'un Oni est apparut dans un lieux légendaire appelé Rashomon, et un samouraï a vaincu l'Oni, mais au lieux d'utiliser son katana, il avait utiliser une épée droite pour lui trancher le bras. La jaquette du jeu fut créée à partir de cette légende.
Mais la faucille a aussi une place prépondérante dans les diverses légendes de la mythologie japonaise en rapport avec les Oni, c'est pour cela qu'on a décidé de mettre ce genre d'arme en avant.



Un autre aspect intéressant de Toukiden est le Mitama, qui contient les âmes des héros et les traditions de l'histoire japonaise. Il en existe prêts de 200 qui donnent divers bonus aux personnages jouables. Comment avez vous choisi les Mitama inclut dans le jeu ?
La norme principale de l'ajout d'un Mitama dans Toukiden était que le personnage où la légende en question devait être un minimum connu du joueur moyen japonais. Soit il devait en avoir entendu parler dans sa famille ou dans un lieux de culte (ND Anakaris : très nombreux au Japon, la spiritualité est un des fondements de la culture japonaise), soit il devait en avoir appris l'existence dans un cour d'histoire à l'école. C'était la condition sine qua none afin qu'on puisse inclure des Mitama qui puissent parler au gens et évoquer des choses, des époques, des évènements, des histoires...
Nous avons fondé Toukiden sur 6 périodes historiques et mythologiques japonaises différentes, en incluant à peu prêts le même nombre de Mitama par époque.

Nous avons vu un certain nombre d'artwork concernant les Oni de toutes natures et de toutes tailles, mais avez vous put inclure tout les Oni que vous souhaitiez au départ ?
Le démon Chthonien (ND Anakaris : les divinités Chthoniennes sont en générale de très vieilles divinités parmi les premières de la création, ayant contribué à la confection du monde, de l'univers, d'un panthéon ou quelque chose d'immense selon les mythologies) est l'Oni qui a été choisi pour représenter Toukiden dans son ensemble. De nombreux types de démons existent dans le folklore japonais, et ceux que nous avons inclus dans ce jeu sont juste un petit échantillon. En tout, nous avons dessiné environ 270 artwork rien que pour illustrer le panel d'Oni qu'on voulait inclure dans le jeu, prêts d'une centaine de ces artwork furent rejetés au terme du processus de production. Mais ils ne sont pas perdus, nous espérons avoir l'occasion future de s'en servir pour continuer notre travail.



Une autre chose qui semble-t-il a beaucoup plut aux joueurs notamment en occident, c'est la beauté technique du jeu, le fait qu'il soit visuellement bien différent d'un Dynasty Warriors qui semblait tourner en rond. Toukiden a un caractère. Est-ce que c'est quelque chose que les fan de votre studio peuvent espérer pour vos projets futurs ou est-ce que Toukiden est une exception ?
Pour Toukiden, nous avons demandé à l'illustrateur Hidari (ND Anakaris : aussi illustrateur sur Atelier Ayesha: The Alchemist of Dusk) pour gérer le design des personnages, et nous avons intégré les idées de designers d'outre-mer dans la conception visuelle des Oni. Faire appel à des influences directes occidentale fut une chose jamais fait au sein d'Omega Force jusqu'à présent. Bien sûr, nous avons des designers vraiment talentueux en interne, mais je pense qu'en incorporant de nouveaux goûts et couleurs, nous avons été en mesure de développer le visuel du jeu de façon à ce qu'il y ait plus d'impact, plus d'originalité. Faire en sorte que l'imagination et les inspirations de chacun soit cohérent fut un joli défi que je n'ai pas hésité à relever avec les lead designer et les chara-designer de Toukiden.

Lorsque Toukiden a fait ses débuts au Japon, il s'est vendu étonnamment bien pour une nouvelle IP. Aujourd'hui, le jeu approche des 600 000 ventes, dont 60% environ rien que sur PS VITA. Comment expliquez vous ce joli succès ?
On peut dire que Toukiden est un jeu créé avec nos joueurs. Bien avant la sortie du jeu, une démo était disponible au Japon. Nous avons reçu beaucoup de commentaires des utilisateurs qui ont essayé la démo, et nous avons ajouté des améliorations pour le jeu basé sur ces réactions. Suite à cela, nous avons apporté un patch à la démo pour la faire ré-essayer aux joueur, ce fut un échange très intense entre nous et les joueurs pour ajuster au mieux et de façon très précise le gameplay de Toukiden. Juste avant la sortie du jeu, nous avons sorti une seconde démo cette fois-ci avec toutes les modifications incluses directement, montrant une petite partie du jeu de la façon la plus fidèle par rapport au jeu final. Je pense que c'est pour ça que la nouvelle IP a bien marché, les joueurs ont nettement constatés les améliorations entre la première et la seconde démo, améliorations dont ils étaient eux-même la source !

Au Japon, Toukiden a inclus quelques éléments ''cross-over'' d'un autre jeu exclusif à la PS VITA: Soul Sacrifice de Comcept/Sony Japan, les joueurs de l'Ouest peuvent s'attendre à voir ce contenu également ?
C'est en effet à l'étude. Mais rien de concret pour le moment. Du contenu supplémentaire peut même être ajouté au Japon, alors en occident, cela demandera un peu de temps et de réflexions.

Avec l'arrivé de la nouvelle génération de console et le succès de Toukiden, peut-on espérer un avenir à Toukiden ?
Oui, bien sur ! C'est déjà à l'étude, nous sommes déjà en pour-parler avec Sony.

Playstation 4 ?
Elle est intéressante, surtout au Japon où elle est promise à un grand avenir. Mais si Toukiden a un avenir, ce sera à priori sur PS VITA pour l'instant. Les consoles Sony ont le profil idéal pour accueillir Toukiden et son esprit.

Après un Aliens : Colonial Marines désastreux, on pensait que la saga sci-fi horrifique de Ridley Scott serait interdite de séjour pour un bon bout de temps sur nos chères bécanes à manette (ou à clavier), et nos espoirs de voir arrivé un digne successeur au mythique Aliens vs Predator sur PC évanouis... c'est sans compter SEGA qui avait déjà lancé un nouveau projet de jeu vidéo Alien bien avant que Colonial Marines ne commette l'irréparable. Aussi restait-il une chance pour la licence de se rattraper si on confiait le projet à des gens plus honnêtes et sérieux que Gearbox Software. Cette fois-ci ce sont les solides développeur de Creative Assembly, studio interne de SEGA et déjà responsable d'une très bonne gamme de jeu de stratégie tel les Total War qui s'y collent. Avec des gars à l'esprit aussi structuré, on se dit que ça peut ne pas être pire, de toute façon.

Aussi, Game Central est venu interviewé l'un des lead designer : Clive Lindop et le producteur Jonathan Court pour en apprendre un peu plus sur ce jeu prévu sur PS4, PS3, Xbox 360, Xbox one et Pc fin 2014.

Je dois avouer que la démo était pas mal, le responsable de presse rigolait de la façon dont je sursauter à chaque seconde lorsqu'il y avait un truc de suspect à l'écran !
Clive & Jonathan : merci ! (rires)

Le seul problème que je constate, bien que je n'en soit pas sur puisque je n'ai pas vu le jeu en entier, c'est que je doute de la véracité du titre : ''Isolation''. Les informations ayant fuitées précédemment faisaient mention d'un groupe de soldat qui nous accompagnerai, même si vous avez précisé qu'il s'agirait d'un survival-horror.
J: Non, on peut vous assurer que ce que la démo vous a montré n'est pas véritablement contractuelle et les fuites qu'il y a eu ces derniers jours ne reflètent pas le jeu dans son ensemble. C'est bel et bien une expérience survival-horror traditionnelle. Vous incarnez Amanda Ripley et vous devez survivre dans cette station spatiale où parfois vous croiserez du soutient, mais où jamais la situation ne vous paraitra parfaitement sure et stable. Nous avons réussi à construire un environnement vaste et varié malgré que cela soit de nature très confinée, et les expériences seront diverses, mais le survival-horror prédomine.

On est enthousiasmé à cause du fait qu'on arrive pas réellement à imaginer ce à quoi peut ressembler le jeu de bout en bout. Le choix du FPS a ses raisons ?
C: la raison principale d'avoir choisi le tir à la 1ere personne pour le jeu est que pour donner des sensations de survie, c'est l'idéal. Le fait que vous ayez le contrôle et que vous puissiez voir directement ce qui se passe devant vous comme si vous y étiez optimise les sensations de survie et donne un sentiment d'immédiat à l'action. La différence de réaction aux évènements et primordiale entre la vue à la 1ere et la 3ème personne dans un jeu vidéo. La vue FPS vous permettra de vivre de façon plus profonde votre tentative de survie à travers l'environnement de jeu. L'interaction avec l'environnement lui-même sera beaucoup plus intensive de cette façon et cela vous permettra de vous tenir plus attentif à ce qui vous entoure et ce qui vous menace. Aussi, ça vous permettra de mieux réaliser et de mieux vous rendre compte du danger qui vous menace et d'évaluer les risques si vous devez faire un choix en cour d'aventure.

J: Lors des phases de test, nous avons donner un pistolet au joueur et nous avons programmé l'arrivé d'un Alien dans les lieux 30 secondes plus tard. Les réactions furent presque unanimes et la majorité des joueurs n'ont pas tirés sur l'Alien, ils ont d'abord chercher à se protéger et à se cacher avec les éléments du décors ! Nous voulions faire en sorte que l'instinct primaire de survie et de sauvegarde de soi soit ici maximiser et mis en éveil en permanence.

C: Grâce aux résultats de ces test, nous étions assez convaincue que nous livrions un jeu bien calibré et solide. Comme vous le savez déjà probablement, ces 10 dernières années, le survival-horror s'est transformé en vulgaire jeu d'action avec beaucoup d'explosion et où on tire sur beaucoup de chose vivantes ou non. Nous, nous voulions revenir à un survival-horror classique. Nous voulions vraiment que le mot survie signifie quelque chose, ce n'est pas une question d'exploser tout ce qui bouge comme un guerrier invincible sans peur et sans reproche, c'est de sentir la victoire venir à la fin du jeu en se disant ''waoh, je suis toujours vivant''.

J: Quand nous nous somme renseigné sur le ressenti des joueurs à propos des quelques derniers jeux Alien, nous avons constaté que pour les joueurs, les Alien étaient devenus des créatures à abattre à la chaine à coup de fusil mitrailleur. Nous voulions faire redevenir l'Alien une créature effrayante, et ainsi maximiser l'aspect survie du jeu.



Mais le problème objectif qui se pose avec Alien, c'est qu'aujourd'hui tout le monde commence à connaître ses capacités, son apparence. Aussi, plus vous connaissez bien une chose, moins vous en êtes effrayez, pas vrai ? N'aurait-il pas été plus facile de faire un survival-horror avec votre propre monstre ?
C: Oh non, je pense que le film a très bien résister au temps et qu'il garde toujours sa place de film de science-fiction horrifique parmi les plus sensationnels, même face à des films contemporains. Beaucoup de films récents sont aussi choquant et vous prennent aux tripes, mais Alien a quelques choses en plus, le fait qu'il le soit toujours autant même après 30 ans. Mais on ne peut pas se rendre compte de l'aspect pure et presque ''sacré'' de la bête quand on se contente d'en mitrailler des dizaines au beau milieu d'une ruche.
Dans un jeu Alien, il est rare de se retrouver en tête à tête avec un Alien, si prêts que vous pouvez l'étudier et que la créature apporte une nouvelle vision de sa nature. C'est d'ailleurs ce qu'il se passe dans le tout premier film Alien dont nous nous inspirons beaucoup. Beaucoup de gens pensent qu'ils savent parfaitement comment un Alien va réagir, mais qu'il soit seul ou en bande change radicalement son comportement. Et les tests de jeu nous l'ont prouvés, le joueur n'arrive pas parfaitement à prévoir les actions de l'Alien, la panique arrive très vite et la surprise vous fait faire n'importe quoi !
Nous voulons vraiment créer un comportement cohérent et intéressant à étudier, pas juste une bande de monstre sanguinaire qui agit n'importe comment et se contente d'attaquer tout ce qui bouge.

J: Vous connaissez bien les films ?

Oui, pourquoi ?

J: Les trouvez-vous effrayant ?

Oh oui, mais je suis un trouillard de toute façon !

J: (rires) Honnêtement, on y travaille depuis presque 3 ans, et on arrive encore à se faire peur, même en plein jour, entouré de 200 visages familiers qui composent notre studio.

L'autre problème avec un jeu Alien est que la bête est souvent plus brutale que dans les films, plus monstrueuse, alors que dans les films elle est censée s'apparenter à des insectes avec une société bien construite. Sa nature est censé être bien plus compliquée qu'on le croit, est-ce que vous allez en tenir compte ou simplifier encore la nature et les raisons d'exister des Aliens pour ne pas alourdir inutilement le scénario du jeu ?
C: C'est une chose dont on se rend compte si on étudie le sujet plus profondément que d'habitude, on constate que l'idée populaire du grand public est bien différente de ce qu'est l'Alien en réalité. Il y a beaucoup de chose qui ont étaient pensées par Ridley Scott et qui n'ont pas étaient implantées dans le scénario du film, et James Cameron a mis en place beaucoup d'aspect de l'existence des Aliens qui n'existaient pas auparavant. En règle générale, si vous ne prenez que les films, vous avez la vision populaire du grand public sur la question. L'Alien est mécanique, vous savez pourquoi il tue, mais pas pourquoi ou comment il vie. C'est toujours compliqué d'ajouter des éléments canons à une saga déjà si grande et créée par d'autre, mais nous essayons de rester cohérent avant tout.

Mais faites-vous référence à la scène de fin supprimée d'Alien ? Je suppose qu'il n'y a pas de reine dans le jeu, alors rassemblent-t-ils des gens pour les transformer eux-même en œufs?
C: Ah, c'est probablement une des choses les plus intéressante que nous essayons de faire dans l'histoire que nous voulons raconter. Donner à l'histoire ce caractère de mystère, afin de favoriser la peur de l'inconnu, la peur de ce qui se cache dans le noir. Dans le jeu, vous serez comme le personnage, vous assisterez à des choses et vous vous poserez probablement les même questions que lui.

C'était mieux quand on ne savait presque rien de tout cela ?
C: On ne sait toujours pas l'origine des Aliens, on sait ce qu'ils veulent, à peu prêts comment ils fonctionnent, mais pas d'où ils viennent.

Est-ce que vous vous appuyez sur les produits dérivé de la série comme les bande-dessinées pour diriger votre travail d'un point de vue scénario et background ?
C: Non, pas vraiment, je pense que nous nous dirigeons avec une approche plus puriste. Il y a eu beaucoup de chose autour des films, beaucoup de script qui peuvent être exploitables, et pour beaucoup de fan même hardcore, toute cette matière peut être explorée et devenir cohérente dans l'univers Alien. Mais il faut comprendre qu'il y a eu une base, une paire de film qui fixe un cadre précis et qui ne doit pas être dénaturé. Avoir une approche traditionnelle ne veut pas dire qu'on a envie de jouer avec Ripley qui a une histoire intouchable et qui à mon sens ne doit être modifiée par quiconque, si ce n'est les auteurs à la base de sa création.
Comme les fans, nous nous intéressons aux trous noirs, aux vides du scénario. Nous nous sommes dit alors : "Et si nous essayons de rejoindre le Nostromo pendant qu'il est censé avoir disparu ? Mais en même temps, que diraient les joueur qui vivent le jeu et qui ne savent pas ce qui s'est passé au Nostromo ?" Il se passe 57 ans entre le 1er et le 2nd film, et on nous explique clairement au début de Aliens, plus précisément encore dans le Director's Cut que le Nostromo est un vaisseau qui coûte extrêmement cher. C'est comme dans la réalité, lorsqu'un navire coule ou est perdu quelque part, même dans l’énigmatique Triangle des Bermudes, on lancent des recherches afin de comprendre ce qui s'est passé, récupérer la boîte noire de l'appareil etc.

On s'est donc demandé ce qui s'était passé sur le Nostromo lorsqu’il a disparut. Le personnage d'Amanda, la fille de Ripley a 11 ans au moment de la disparition du vaisseau, et toute sa vie s'est construite autour de cette enquête, autour de la disparition du Nostromo et de sa mère. Puis tout à coup, alors qu'elle aborde à peine la vingtaine, une représentante de la compagnie commerciale propriétaire du Nostromo déclare qu'on a découvert la boite noire de l'appareil, c'est l'unique chance de sa vie de trouver des réponses et donner un sens à son existence.



Un autre élément qui a disparu de film en film, c'est le thème de la sexualité sous-jacente, comme lorsque l'Alien semble avoir comprit et adopter l'attirance que peut éprouver Kane envers Lambert (ND Anakaris : dans le 1er film Alien, respectivement le second officier et la pilote du Nostromo), quant est-il de cette question ? Allez-vous en parler dans le jeu ?
C: c'est un thème abordé très personnel qui fait partie d'un univers très ''Gigeresque'' (rires) (ND Anakaris : Hans Ruedi Giger, designer suisse qui a créé la créature Alien), nous ne voulons pas trop nous immiscer dans ce genre de ''twist' qui nécessite une sensibilité artistique très particulière pour être prit à sa juste valeur. La description qu'en fait Ash (ND Anakaris : dans le 1er film, il s'agit du scientifique du Nostromo) est plus précise et plus proche de ce que doit réellement être l'Alien. Littéralement, c'est un Alien, et il n'entretient pas ce genre de relation avec la race humaine. C'est plus une histoire qui se déroule au cœur des ténèbres, avec un déroulement horrifique des évènements et une étude de ce que la sensation permanente et intense de survie change chez l'homme. D'autant que la survie peut se faire au détriment de quelqu'un d'autre.

Donc, mis à part les phases de tir et de combat contre les Aliens, que se passe-t-il quand on est pas en train d'essayer de survivre et de se cacher face à eux ? Y a-t-il des discutions avec des PNJ, des éléments de RPG, des énigmes, de la gestion/simulation de vie ? J'ai remarqué qu'on pouvait collecter des bidons d'essence, mais je n'ai pas trouvé l'utilité immédiate de cela dans la démo.
J: Il y a beaucoup de choses dont nous avons pas encore parlé, mais il y a évidemment un arsenal complet d'arme, un système d'artisanat où vous pourrez fabriquer vos armes et d'autres objets de différentes natures. C'est une station spatiale qui accueille une population variée mais qui est dans le chaos, vous pouvez donc imaginez qu'il y a énormément de chose à voir. Nous n'allons pas soumettre le joueur à ce niveau de tension tout au long du jeu, et les Aliens ne sont pas les seuls danger, l'environnement lui-même risque de poser problème.

Pourra-t-on interagir avec les autres personnages, commander des coéquipiers en combat, leur donner des ordres tactiques ? J'essaye de deviner un peu quelles pourraient être les spécificités de certaine phase de gameplay.
J: Vous faite bien, on vous comprend, mais on sera plus explicite et plus volubile au fur et à mesure de notre avancée dans le développement sur des questions très concrètes de gameplay.

C: La base du gameplay étant que vous êtes dans un environnement vaste et inconnu, avec multitude de possibilité, et un danger presque inconnu et extrêmement sournois qui se cache à l'intérieur de cet environnement. Ainsi, il faudra survivre et essayer d'agir avec astuce pour se servir des possibilités de l'environnement pour se défendre.

Est-ce que le jeu sera linéaire ? J'ai senti une petite ambiance à la Fallout, mais le jeu n'a pas l'air en monde ouvert.
J: Il y a plusieurs évènements conducteurs tout au long du jeu qui racontent une histoire, et la possibilité de revenir dans certains lieux et refaire certaines actions plusieurs fois, mais ce n'est pas un open world. Chaque section de la station spatiale est presque un petit monde avec son lot de défi et de danger, un peu comme dans Castlevania où plusieurs chemins s'offrent à vous et où il y a des ennemis et des actions différentes à faire. La réflexion avant de choisir son chemin est presque aussi importante que les réflexes que vous devrez avoir face à un Alien.

Y a-t-il des choix de dialogues avec les PNJ ?
J: Le fil conducteur de l'histoire sera les évènements qui vont se produire dans la station et dont vous serez témoin. Ces évènements vous dépassent et vous serez condamné à réagir en fonction de ceci la plupart du temps. C'est comme se balader dans Paris pendant que celle-ci est attaquée par les allemands pendant la seconde guerre mondiale, tout se passe autour de vous et rien n'est contrôlable mais vous amène petit à petit à une finalité. Les dialogues seront donc linéaires, mais la façon de voyager dans la station et vos choix de combat et de défense seront vastes et primordiaux pour votre survie. Tout ne sera pas forcément imposé. Vous aurez des interactions et des dialogues avec les personnages, mais ça n'influencera pas les évènements à venir comme dans Mass Effect.

Il y a une théorie qui dit que le survival-horror est passé de mode parce que c'est un type de jeu trop lent et qui demande trop d'effort au joueur, et que c'est peut-être... trop effrayant ! Comment avez-vous convaincu SEGA de dépenser autant d'argent pour financer votre jeu sur un genre qui n'est plus en odeur de sainteté parmi les joueurs ?
C: J'étais à Crytek avant, et une des choses qui m'a attiré ici était que SEGA avait déjà penser à ce genre de chose et malgré ce que vous venez de dire très justement, ils voulaient aller de l'avant. Comme vous le savez, au fil du temps les genres se sont mélangés, c'est devenu plus laineux, moins perceptible, et il faut une expérience très forte pour arriver à déterminer si c'est un survival-horror ou autre chose de façon claire et nette, comme avec The Last of Us par exemple. Si l'expérience narrative et l'expérience de jeu arrive à être assez forte non pas en balançant des cadavres à tout les coins de couloirs mais en maintenant une tension palpable et une ambiance dramatique en permanence, vous aller séduire le public. C'est ce que The Last of Us a réussi à faire, en nous faisant combattre la race humaine en plus des êtres réellement dangereux comme les contaminés, et ça, c'est tragique, pas spécialement horrifique, mais tragique et ça tient en haleine.
C'est l'idée, c'est ce que nous essayons de faire. Affronter les Aliens c'est une chose, mais survivre dans un environnement où même le décors vous en veut, seul et sans ressource, ça ajoute une dose de tragique, et c'est ça qui va faire venir les joueurs, on l'espère.

Un des titres le plus proche du votre en terme d'isolement est Amnesia : The Dark Descent, qui n'est pas franchement grand public. Comme avez-vous fait pour faire en sorte que votre jeu soit poignant mais grand public tout de même ?
C: Nous avons beaucoup étudié le rythme du jeu et avons savamment dosé l'effort que doit consentir le joueur pour progresser dans le jeu. En livrant ce genre d’expérience sans relâche, il y a une sorte de fatigue émotionnelle et psychique qui peut s'installer, nous avons donc allégé la tension par endroit. Aussi, nous offrons le choix autant que possible de passer outre les difficulté présente dans le jeu. Si vous choisissez la méthode souple ou la brutalité, cela conditionnera l'intensité qu'aura l'aventure.

Avez-vous quelques mots à dire sur Aliens : Colonial Marines ?
J: Oh, c'est délicat, vous savez... c'est censé être un produit de ce qui finance le notre (rires).

C: C'est une triste histoire pour tout un tas de raisons, et je pense que les gens de Gearbox sont compétents, ça c'est sur, mais qu'ils doivent être tout autant peinés que les joueurs de la finalité de cette aventure. Mais notre jeu est un projet tout à fait indépendant de ce qu'a put faire Gearbox de leur côté.

À la sortie d'Aliens : Colonial Marines, SEGA n'a rien dit sur votre projet, avez-vous eu de la pression ou des problèmes ?
J: Vous voulez savoir si, en gros, SEGA avait encore confiance en nous lorsqu'ils ont constaté l’échec critique d'Aliens : Colonial Marines, en fait ?
SEGA fut très compréhensif, je crois... en fait j'en sais rien (rires), en réalité, jamais personne de SEGA ne nous a parlé du cas Aliens: Colonial Marines après la sortie du jeu. Jamais personne ne nous a dit quelque chose du genre ''Voyez ce jeu, c'est tout le contraire de ce que nous voulons'', notre projet fut lancé après celui de Colonial Marines mais nous avons largement assez de recul pour pouvoir travailler de façon indépendante de ce qui se passait ailleurs, et SEGA a compris cela, c'est pour cela qu'ils nous ont fait confiance jusqu'à maintenant.

Quand le projet a commencé ?
J: Cela faisait longtemps que SEGA voulez un jeu Alien, en 2006 ils ont acquis la licence et j'avais déjà exprimer le souhait de proposer quelque chose. Mais un projet avait déjà était évoqué avant même que je ne puisse faire quelque chose, je ne sais pas si Gearbox était déjà sur le coup à ce moment là, mais il semblerait que ça date d'avant 2001, au moins !
Notre projet a commencer en mai 2011, un peu plus tard SEGA a officialisé l'existence de notre jeu, mais la post-production, notamment artistique et le recrutement de plusieurs talents avait débuté dés 2009.

Avez-vous eu des influences particulières, des sources d'inspiration, autre que la série Alien évidemment ?
C: En terme d'ambiance visuelle et sonore, on pensait pouvoir s'inspirer de jeu comme Silent Hill, mais on s'est aperçu que ça ne collait pas réellement. On s'est donc laissé aller sans trop douter de nous même, puis niveau sonore on a commencé à s'inspirer de Doom 3 et en terme de sensation de jeu, nous avions été bluffés par Dead Space. Puis pour finir, nous avons eu l'occasion de jeter un œil à The Last of Us courant 2012, et on s'est tous dit ''waow, la tension émotionnelle et l'aspect survie que nous voulons tant rendre forte dans notre jeu, c'est exactement ça !''. D'un côté nous étions déçu de voir que d'autres avez déjà proposé ce genre d'expérience, mais ça nous a inspiré et ça nous a motivé tout de même pour faire mieux !

Le J-RPG n'en finit pas d'être dans le creux de la vague et la mutation du marché aujourd'hui plus que jamais avide de FPS pop-corn et autres TPS bourrins à souhait n'améliore pas les choses. Final Fantasy n'a plus le respect qu'il mérite (ou au contraire, il a le respect qu'on lui doit et celui-ci est nettement terni désormais), Dragon Quest après une petite percé en occident semble de nouveau se renfermer sur son Japon natal avec un DraQue X online qu'on attend toujours ; Namco fait des efforts pour faire connaître ses Tales of et d'autres jeux d'excellente facture peine encore à se trouver une place, tel The Legend of Heroes : Sen no Kiseki.

Aussi, Kickstarter semble de nouveau être une planche de salut pour les petits producteurs et c'est justement grâce au site de financement participatif qu'a vu le jour Project Phoenix, à paraître sur PC, VITA et PS4. Gaming Bolt est venu à la rencontre du producteur du jeu : Hiroaki Yura.



Lorsque vous avez montez votre équipe et débutez le projet, pensiez-vous que Project Phoenix aurait autant de succès sur Kickstarter ?
Nous avions étaient agréablement surpris. Nous avions l’œil durant toute la durée de récolte des dons sur quelques autres projets présent sur Kickstarter, avec d'autres qualités, d'autres objectifs et d'autres benchmark. Le succès de Project Phoenix a dépassé nos attentes. Pour cela, nous voulions remercier chaleureusement ceux qui nous ont suivi et soutenu, et leur dire que cette étape importante franchie nous motive encore plus pour amener Project Phoenix à la vie !

Comment vous est venu l'idée de Project Phoenix ? Comment est né votre studio, Creative Intelligence Arts Inc. ? Et comment avez-vous décidé que Kickstarter serait le mode de financement idéal pour votre jeu ?
À la base c'était un tower defens modeste et le gros des fonds récoltés devait servir à un autre jeu qu'on avait en prévision à ce moment là. Mais en faisant grossir notre équipe, on a gagné en talent et en ambition et ont a commencé à étoffer le concept. J'ai toujours aimé les RPG et les RTS (ND Anakaris : Real Time Strategic, comme Age of Empire) et nous avons trouvé qu'essayer de mélanger ces deux genres serait intéressant.
Creative Intelligence Arts Inc. Est en réalité une entreprise musicale, elle nous sert uniquement pour recueillir des dons via Kickstarter de façon légale. Mais nous avons prévu de créer notre propre entreprise après avoir édité Project Phoenix.
Pour ce qui est d'utiliser Kickstarter, nous savions que notre type de jeu serait un minimum soutenu par la communauté Kickstarter, même si nous n'étions pas sur que ce que nous allions proposé plairait. Notre jeu était suffisamment ambitieux pour ne pas être capable de s'auto-financer, mais nous ne voulions pas non plus passer par un éditeur tier au moins pour notre première création pour tout un tas de raison. Ce n'était donc pas une solution de rechange ou un revirement de dernière minute, c'était un choix conscient.

Project Phoenix regroupe un nombre impressionnant de talent professionnel. Comment chaque membre de l'équipe de développement apporte son degrés d'expertise au projet de façon cohérente ?
C'est vrai, nous avons notamment dans notre équipe des programmeurs ayant travaillés sur HALO 4, Crysis 3 ou, pour continuer dans le RPG sur Heroes of Mana. En formant l'équipe de travail, mon but principal était de faire en sorte que touts les talents et les méthodes de travail de chacun s'imbriquent entre-eux pour ne créer aucune friction et produire une dynamique qui va dans le même sens et pour les même raisons. Je voulais des gens dont je connaissais les compétences et avec qui je savais qu'il serait facile de travailler. C'est pour cela que bon nombre des développeurs de Project Phoenix sont par ailleurs des amis personnels, parmi eux, certain étaient même d'anciens collègues.

Vous espérez que Project Phoenix ramène les J-RPG à leur origines tout en les faisant évoluer avec les nouvelles technologies dont on dispose aujourd'hui, comment avez-vous prévu de faire cela avec votre jeu ?
L'idée qu'on puisse ramener le J-RPG à ses racines tout en profitant des nouvelles technologies peut paraître en désaccord. C'est plus facilement compréhensible si on dit qu'on aimerait remettre sur le devant de la scène les quelques éléments distinctifs du J-RPG qui ont fait connaître ce genre aux joueurs avec de grands noms comme Final Fantasy, Dragon Quest ou Phantasy Star (ND Anakaris : le monsieur a de bonnes références). Ces éléments sont entre autre un scénario ordonné, des personnages remarquables et un système de combat enthousiasmant.
C'est le système de combat qui nous permet d'essayer de nouvelles choses via les nouvelles technologies. Nous avons aujourd'hui la possibilité d'ajouter plus d'interactivité par rapport au J-RPG ''roots'' auquel on tient tant (ND Anakaris : quand on parle de nouvelles technologies ici, on ne parle pas de smartphone, Kinect etc, mais de technologie hardware pure, le genre de truc que seul un informaticien peut comprendre, un truc de développeurs quoi). Le résultat est que les combats seront plus dynamiques sans pour autant envahir le joueur par des centaines d’icônes en bas de l'écran.



Parlons un peu de l'histoire, quelle place occupe-t-elle dans le développement de Project Phoenix ? Comment avez-vous fait pour vous assurer qu'elle tiendra un rôle important et sera addictive ?
Le jeu prend place dans un monde appeler Azuregard, royaume de type heroic-fantasy où cohabitent aussi bien des humains que des elfes, des nains, des orcs et d'autres races incluant des personnages du folklore non issue de l'imagination occidentale. Ainsi, même si le background de base est solide et riche, le succès de l'histoire de Project Phoenix tiendra en la capacité du joueur à s'identifier aux personnages. Bien sur, c'est à nous de faire en sorte que le joueur ai envie de cela.
Notre scénariste, Yoko Enoki, s'est centrée sur cette idée pour bâtir son histoire. Les caractéristiques des personnages possèdent assez de personnalités pour interpeller un maximum de monde grâce à leur universalité, mais en même temps intéresser des gens qui recherchent des petits détails originaux pour découvrir une autre vision de ce genre d'univers.

Le jeu propose de diriger 6 personnages différents, quelles sont leur capacités ?
Sans entrer dans les détails, vous aurez la possibilités de créer plusieurs stratégies, comme celle du bélier qui perce les défenses ennemies afin de créer la discorde dans les rangs adverses. Une fois la position adverse démobilisée, il est plus facile aux unités les plus faibles de votre groupe de s'attaquer à un ennemi mano à mano et ainsi engranger quelques points d’expérience par eux-même.
Le scout pourra, grâce à sa bonne vue dénicher des unités ennemies cachées et faciliter la mise en place d'embuscade. D'autre classe seront proposé comme les templiers, les ninjas ou les samurai.

Pouvez-vous parler du système d'expérience ? Et comment avez-vous fait pour le rendre unique par rapport aux autres jeux du même genre ?
Le système d’expérience sera assez similaire au jeux du même genre en réalité. L'augmentation de vos points de statistiques dépendra de votre classe et vous gagnerez des compétences aussi en fonction de cela. Nous ne voulons pas rendre le jeu différent pour le simple fait d'être différent, mais parce que nous pensons que dans certain domaine, la différence, la variété peut apporter une amélioration. C'est pour cela que le système d'expérience n'est pas grandement original, parce que nous estimons que c'est un système déjà proche de la perfection, pratique, simple d'utilisation et offrant autant d'options que nécessaire pour faire évoluer votre personnage.

Combien d'heures de jeu le joueur peut-il espérer ?
À cet instant, nous espérons offrir une durée de vie d'environ 25-30 heures, pour les gens ne visant que la fin de partie sans faire dans le détails. Cependant, si vous êtes atteint de completionite aiguë (rire) et que vous désirez voir les moindre recoins du jeu, vous pouvez atteindre les 60 heures.
En terme de taille, la map est assez grande, on parle d'un continent au moins aussi vaste que l'Eurasie (ND Anakaris : de la France à la Chine donc). Nous avons réalisé un gros travail d'étude pour optimiser les trajets afin de ne pas perdre le joueur dans de trop longs voyages ennuyeux, et beaucoup de zones sont encore à l'étude pour éventuellement proposer des extensions et des suites à Project Phoenix.



Vous pensez déjà à la suite de Project Phoenix ? Vous voulez proposez du contenu supplémentaire après avoir sorti le jeu ?
Oui, mais pas n'importe quel contenu !
Nous avons en tête de proposer du contenu additionnel de la même manière que les RPG et les RTS PC, avec des extensions de jeu très complètes et qui valent réellement leur prix, autant niveau durée de vie que revalorisation d'expérience de jeu. (ND Anakaris : de la même manière que les extensions de Diablo, Warcraft et autres Age of Empire donc, ça c'est très chouette!)

Nous savons que Project Phoenix va être proposé sur Playstation 4 et VITA, mais rien sur Xbox One, Wii U et 3DS. Est-ce que c'est à cause d'un manque de fond ou est-ce parce que les plate-forme Playstation propose plus de confort pour votre équipe de développement ?
La 3DS et la Wii U aurait put être envisagées, mais Nintendo n'est pas une entreprise qui s'intéresse beaucoup aux jeux indépendants, même si ces quelques dernières années il y a eu un mieux. Pour Project Phoenix, ils ne se sont pas montrés plus enthousiastes que cela. Nous ne leur en voulons pas, mais c'est pour cela que pour le moment, aucun plan n'a été envisagé pour ces consoles. Nous espérons que le mieux que nous avons constaté à propos des relations Nintendo/indépendants se confirme, car Nintendo est tout de même un grand acteur du jeu vidéo et personnellement, j'aimerai travailler avec eux.

Microsoft a refusé de se rapprocher de nous à cause du support que nous avons exigé pour diverses questions de développement. Il n'y a donc aucun plan concernant Project Phoenix sur Xbox One.

En quoi la version VITA sera différente de la version PS4 ?
Nous n’avons pas encore mis les mains sur les kit de développement VITA, nous nous concentrons sur la version PC et PS4 qui devrait être identique.

Au vue de votre dossier Kickstarter, vous avez beaucoup mis l'accent sur l'aspect visuel de Project Phoenix. Est-ce que l'architecture de la PS4 est efficace et simple à maitriser ? En outre, avez-vous rencontrer des problèmes de latence liés au GDDR5 comme quelques autres développeurs indépendants ?
La beauté des artwork ne signifie pas qu'on utilise beaucoup de polygones en terme d'infographie pure. Nous nous basons surtout sur l'efficacité du design pour construire de beau graphismes sans pour autant que cela soit de la HD ultra détaillée. Bien sur, nous essayons de faire en sorte que cela ne soit pas trop en décalage avec les super production actuelles, d'un point de vue technique, il faut que ça reste maitrisé et moderne.

Outre la puissance de la console, avez-vous étudiez les fonctionnalités proposées ? Cloud, tactile de la Dualshock 4 ... ?
Le Cloud Gaming est un sujet sensible. Nous reconnaissons l'avantage d'avoir des fichiers sauvegardés que l'ont peut atteindre à tout moment via le Cloud Gaming, mais les débats font encore rage au sein de l'équipe de développement, notamment à cause des DRM restrictifs. Nous ferons savoir à notre public notre décision dés qu'il sera temps.
Il n'y aucune prévision par rapport à l'utilisation des fonctionnalités de la manette Playstation 4, nous voulons avant tout proposer une expérience de jeu globale solide et intéressante. Mais si on trouve une idée qui sera fondamentale dans le gameplay et vraiment intéressante sur toute la longueur du jeu, on n'hésitera pas à travailler dessus et envisager de nombreuses possibilités.

Avec les récentes propositions de Steam, avec leur Steam Machines et Steam Controller, pensez-vous que l'avenir de Project Phoenix puisse se jouer aussi sur les technologies de Valve ? Serait-ce une alternative viable à la Playstation 4 ? Et est-ce que les annonces de Valve ont perturbé la direction du développement ?
Le seul avantage que nous voyons pour le moment est que les gens pourront jouer à Project Phoenix via Steam en utilisant une manette, la Steam Controller donc. Si ça plait aux gens, c'est l'essentiel. L'utilisation de la Steam Controller ne va pas ajouter des fonctionnalités par magie alors qu'elles n'étaient de base pas prévues, si vous préférez utiliser une souris et des contrôleurs classiques, ça ne tient qu'à vous. Autrement, ça n'a eu aucun effet sur le développement.

Quelle est votre position par rapport au hardware Playstation 4 ? Deviendra-t-il un standard à l'avenir ?
Nous pensons qu'il remplit sa tâche, tout simplement. Efficace, stable et qui offre des possibilités. Après, c'est à nous à faire en sorte qu'on puisse créer un jeu avec ça.

Des J-RPG récents comme Lightning Returns : Final Fantasy XIII et Final Fantasy XV sont des jeux orientés très action. Vous auriez pu faire en sorte que Project Phoenix adopte ce même genre d'action, pourquoi avoir opté pour un RTS ?
Nous voulions tout simplement proposer un système de combat avec la gestion d'une équipe. Nous voulions proposer des choix stratégiques au-delà du simple choix parmi une liste de magies ou d'épées à donner à votre personnage, en prenant en compte l'environnement, la nature des déplacements, le nombre et la nature des adversaires, et d'autres choses encore. En partant de là, difficile de rendre le tout orienté action, car dans un jeu comme Lightning Returns : Final Fantasy XIII, l'action est tellement nerveuse que ce serait impossible d'élaborer des stratégies aussi complexes en tenant compte d'autant d'éléments que l'environnement, la nature des ennemis, les classes des personnages etc... cela rendrait le gameplay horriblement compliqué et pas amusant.

Avez vous prévu d'ajouter une fonctionnalité « side screen » pour la version Playstation 4, via tablette, smartphone ou VITA ?
Non, il n'y a aucune prévision à ce sujet. Mais comme j'ai déjà expliqué par rapport à la manette PS4, si une idée vraiment intéressante nous viens, nous prendront le temps d'évaluer son potentiel et son utilité véritable.