Votre dose annuelle de conseils et d'indices pour la nouvelle année.



4Gamer.net a publié l'édition 2025 de ses entretiens annuels de fin d'année avec des créateurs de jeux japonais. Le site web a interrogé 164 créateurs cette année, dont plusieurs annoncent de nouveaux titres et de nouvelles annonces pour 2025.

Les 164 créateurs ici:

https://www.4gamer.net/games/999/G999905/20241216014/

Vous trouverez ci-dessous les informations les plus importantes.

Arc System Works

Kenji Satou

(Connu pour River City : Rival Showdown, River City Saga : Three Kingdoms Next)

Ambitions pour 2025



Idea Factory

Kei Nanameda

(Connu pour la série Death end re;Quest, la série Mary Skelter)

-Ambitions pour 2025



Hikaru Yasui

(Connu pour Madou Monogatari: Fia and the Mysterious School, Touhou Spell Carnival, Neptunia Riders VS Dogoos)

-Ambitions pour 2025



ATLUS

Shinjirou Takata

(Connu pour la série Devil Survivor, Tokyo Mirage Sessions #FE, Shin Megami Tensei V, et Shin Megami Tensei V : Vengeance)

-Ambitions pour 2025



Naoya Maeda

(Connu pour Persona 5, la série Persona Q et Persona 5 Tactica)

-Ambitions pour 2025



Inti Creates

Takuya Aizu

(Connu pour les séries Azure Striker Gunvolt, Bloodstained : Curse of the Moon, Grim Guardians, Card-en-Ciel)

-Ambitions pour 2025



Vic Game Studios

Lee Dong-jun

(Connu pour Breakers : Unlock the World)

-Ambitions pour 2025



Experience

Hajime Chikami

(Connu pour les séries Demon Gaze, Spirit Hunter, Undernauts : Labyrinth of Yomi)

-Ambitions pour 2025



Logo Monkarufanta



Artwork Demon Kill Demon



M2

Naoki Horii

(Connu pour Aleste Branch)

-Ambitions pour 2025



Aleste Branch Screenshots









Grasshopper Manufacture

Goichi « Suda 51 » Suda

(Connu pour la série No More Heroes, killer7, Shadows of the Damned, The Silver Case)

-Ambitions pour 2025



Koei Tecmo Games / Ruby Party

Mei Erikawa

(Connue pour La Corda D'Oro : Starlight Orchestra, Touken Ranbu Warriors, Buddy Mission BOND)

-Ambitions pour 2025



Koei Tecmo Games / Omega Force

Sho Tomohiko

(Connu pour Dynasty Warriors 3 à 6, Dynasty Warriors : Origins, Dragon Quest Heroes I et II, Dragon Quest Champions, Fate/Samurai Remnant)

-Ambitions pour 2025



Koei Tecmo Games / Studio AAA

Yosuke Hayashi

(Connu pour Rise of the Ronin, la série Nioh, WILD HEARTS, la série Ninja Gaiden, la série Dead or Alive, la série Hyrule Warriors, la série Fire Emblem)

-Ambitions pour 2025



Koei Tecmo Games / Team NINJA

Fumihiko Yasuda

(Connu pour Rise of the Ronin, la série Nioh, la série Ninja Gaiden)

-Ambitions pour 2025



Konami Digital Entertainment

Noriaki Okamura

(Connu pour Metal Gear Solid Delta : Snake Eater, Momotaro Dentetsu World : Chikyuu wa Kibou de Mawatteru !, Momotaro Dentetsu : Showa, Heisei, Reiwa mo Teiban ! et Super Bomberman R)

-Ambitions pour 2025



Motoi Okamoto

(Connu pour Silent Hill 2, Silent Hill f)

-Ambitions pour 2025



Cygames

Yasuyuki Kaji

(Connu pour Granblue Fantasy : Relink)

-Ambitions pour 2025



Kenichiro Takaki

(Connu pour Garnet Arena : Mages of Magicary, la série Senran Kagura, Red Ninja : End of Honor)

-Ambitions pour 2025



CyberConnect2

Hiroshi Matsuyama

(Connu pour la série Naruto : Ultimate Ninja Storm, Dragon Ball Z : Kakarot, the Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - The Hinokami Chronicles, la série .hack, la série Fuga : Melodies of Steel)

-Ambitions pour 2025



GPTRACK50

Hiroyuki Kobayashi

(Connu pour les séries Resident Evil, Dino Crisis, Devil May Cry, Sengoku BASARA et Dragon's Dogma)

-Ambitions pour 2025



Square Enix

Yosuke Saito

(Connu pour la série Dragon Quest, la série NieR)

-Ambitions pour 2025



Hiroshi Takai

(Connu pour Final Fantasy XVI, Final Fantasy V, SaGa Frontier, The Last Remnant)

-Ambitions pour 2025



Takashi Tokita

(Connu pour LIVE A LIVE, Final Fantasy IV, la série Hanjuku Hero, la série Nanashi no Game, Chrono Trigger, Parasite Eve)

-Ambitions pour 2025



Spike Chunsoft

Shohei Sakakibara

(Connu pour la série Danganronpa, Master Detective Archives : RAIN CODE, Natsu-mon ! 20th Century Summer Kid, etc.)

-Ambitions pour 2025



SEGA

Ryuta Ueda

(Connu pour Panzer Dragoon II : Zwei, Panzer Dragoon Saga, Yakuza, Yakuza 2, Jet Set Radio, Jet Set Radio Future, Rise of Nightmares, Demon Tribe, etc.)

-Ambitions pour 2025



Capture d'écran de Jet Set Radio



Masayoshi Kikuchi

(Connu pour la série Jet Set Radio, la série Like a Dragon)

-Ambitions pour 2025



Too Kyo Games

Kotaro Uchikoshi

(Connu pour la série AI : The Somnium Files, la série Zero Escape, Ever17)

-Ambitions pour 2025



Kazutaka Kodaka

(Connu pour la série Danganronpa, Master Detective Archives : RAIN CODE)

-Ambitions pour 2025



Takumi Nakazawa

(Connu pour World's End Club, Root Double : Before Crime * After Days, Ever17 : The Out of Infinity)

-Ambitions pour 2025



Drecom

Yuki Ikeda

(Connu pour Rain, Tokyo Stories)

-Ambitions pour 2025



Nippon Ichi Software

Kento Johana

(Connu pour Phantom Brave : The Lost Hero, Process of Elimination)

-Ambitions pour 2025



Bandai Namco Entertainment

Kazutoki Kono

(Connu pour la série Ridge Racer, la série Ace Combat)

-Ambitions pour 2025



Bokeh Game Studios

Keiichiro Toyama

(Connu pour la série Silent Hill, la série SIREN, la série Gravity Rush, Slitterhead)

-Ambitions pour 2025



Meguro Works

Shoji Meguro

(Connu pour la série Persona, la série Shin Megami Tensei)

-Ambitions pour 2025



LEVEL-5

Akihiro Hino

(Connu pour la série Inazuma Eleven, la série FANTASY LIFE, la série Professor Layton, la série Megaton Musashi, la série Yo-kai Watch)

-Ambitions pour 2025

Une très longue interview de Kamiya et Koyama sur PlatinumGames et la création de CLOVERS a été publiée sur Denfaminico. Elle donne beaucoup d'informations sur le départ de Kamiya de Platinum, sur ce qu'il a fait en attendant la fin de sa non-concurrence et sur le plan de CLOVERS pour la suite d'Okami et au-delà.

Inaba a misé sur l'autoédition pour éviter de dépendre des grandes maisons d'édition pour survivre. Cela a bizarrement conduit au partenariat et à l'investissement de Tencent. Tencent n'investit pas dans le studio de gaieté de cœur et attend manifestement un retour sur investissement.

Cet investissement s'est clairement répercuté sur les jeux sur lesquels ils travaillaient car Inaba a commencé à faire pression pour GaaS immédiatement après (ils développaient un GaaS dans leur studio de Tokyo pour Tencent, mais il a peut-être été annulé). Kamiya n'aimait pas cette nouvelle direction et le fait qu'Inaba ait poussé pour des éléments de live-service sur Project G.G. a été la goutte d'eau qui a fait déborder le vase pour lui, ce qui l'a poussé à partir.

Maintenant qu'il y a des rumeurs de départ de Taura parce qu'une société partenaire (probablement Square-Enix) a annulé son prochain jeu + des vétérans de Clover comme Saito, Yamanaka et beaucoup d'autres qui font le saut de PG à CLOVERS, aucune idée de la direction qu'ils vont prendre à partir de maintenant.

Voilà comment tout à commencer :

Départ de PlatinumGames



Interim



CLOVERS



Interview:

Platinum Games









Clovers:

VG247 : Je voudrais commencer par remonter jusqu'en 1994. L'équipe a terminé Final Fantasy 6, et vous réfléchissez au prochain jeu. Vous avez dit dans le passé qu'au départ, le plan était de créer un autre projet en 2D pour la Super Famicom. Quels sont vos souvenirs de la réflexion et de l'orientation du projet à ce moment-là ?

Yoshinori Kitase : Le projet de créer un Final Fantasy 7 en 2D a commencé juste après la sortie de Final Fantasy 6, mais il a été annulé après seulement deux ou trois réunions de planification.

C'est parce que moi, Nomura et beaucoup d'autres membres de l'équipe de projet sommes allés rejoindre l'équipe de Chrono Trigger. La relance du projet Final Fantasy 7, qui avait été annulé, a eu lieu après la sortie de Chrono Trigger, mais nous avions déjà oublié la plupart des discussions qui avaient eu lieu lors des premières réunions de planification.

Cependant, il y avait une idée proposée lors de ces réunions qui a été utilisée plus tard pour Final Fantasy 8. Il s'agissait d'une illustration centrée sur un personnage de sorcière que Nomura avait dessiné. (Note de l'éditeur : ce concept est devenu la Sorcière Edea de FF8 ).



VG247 : Ok, soyons un peu plus nerds - dans les livres Ultimania du 25ème anniversaire de FF, une image a été imprimée qui montrait une ville d'un point de vue isométrique, notée comme un concept précoce pour FF7 mais utilisant Locke de FF6 comme substitut. S'agissait-il d'un simple concept visuel ou d'un prototype sur lequel on travaillait activement ?

Yoshinori Kitase : En passant au hardware PlayStation capable d'effectuer des rendus en 3D CG, nous avons dû réfléchir à la manière de faire évoluer les visuels du prochain jeu FF, sans être freinés par la logique qui l'avait précédé, et nous avons proposé un certain nombre de styles visuels différents.

Cette image était l'un des styles proposés et représentait le concept d'une "évolution orthodoxe" qui continuait avec un style similaire à celui de Final Fantasy 6.

Nous avons continué à étudier les propositions de graphismes de sprites en pixels et de CG 3D en parallèle pendant un certain temps, mais nous avons finalement opté pour le style 3D que vous voyez aujourd'hui.



VG247 : Vous avez ensuite eu la démo " SGI ", avec des personnages de FF6, puis la décision a été prise de développer le jeu sur PlayStation. Les raisons qui ont poussé à quitter Nintendo ont été bien documentées au fil des ans, alors plutôt que de vous interroger sur ce point, je suis curieux de savoir ce que vous avez ressenti à l'époque. Vous craigniez qu'en quittant Nintendo, FF ne laisse derrière lui sa base de fans ? Ou bien était-ce stimulant de se retrouver sur une nouvelle plateforme qui continuait à construire son identité et son public ?

Yoshinori Kitase : À l'époque, j'étais un fan du hardware et des jeux Nintendo, et je le suis toujours, donc c'était un sentiment contradictoire. Cependant, nous étions tellement occupés à travailler sur de nouvelles innovations dans tous les aspects de la création de jeux, comme le 3DCG, le support CD et la vente dans les magasins de proximité (au Japon), que je n'ai pas vraiment eu le temps de m'en préoccuper et j'ai simplement poursuivi le développement.

Une fois que le développement de Final Fantasy 7 a progressé d'une certaine manière, j'ai vu Mario 64 sur la Nintendo 64 et son lancement d'une nouvelle génération de jeux d'action en 3D, et honnêtement, j'ai été époustouflé par ce jeu.

Cela a été une grande motivation pour nous de créer notre propre style visuel unique, tout en respectant un style de jeu aussi étonnant.



VG247 : En commençant le développement sur PlayStation, un jeu en 3D comme celui-ci était évidemment une nouvelle expérience inconnue pour l'équipe. De votre point de vue, y avait-il des inspirations spécifiques que vous recherchiez pour vous aider à naviguer dans cette nouvelle technologie et ce nouveau style ?

Yoshinori Kitase : Nous avons été stimulés par de nombreux jeux PC européens et américains de l'époque.

À cette époque, de plus en plus de jeux utilisant la 3D sortaient, comme 4D Sports Boxing, Alone in the Dark, Wing Commander, Ultima Underworld et Heart of Darkness. Ces jeux nous ont beaucoup inspirés pour établir le style visuel de Final Fantasy 7.



VG247 : L'une des particularités de FF7 par rapport aux jeux ultérieurs est qu'il présente différents styles artistiques - les personnages ont un aspect très différent sur le terrain et au combat, et les deux styles de conception sont même utilisés de manière interchangeable dans les scènes d'images de synthèse pré-rendues. Quel était le raisonnement derrière cette décision, et pourquoi l'avez-vous finalement inversée dans FF8 ?

Yoshinori Kitase : C'était une réponse aux problèmes de limites de mémoire et de vitesse de rendu.

Dans les zones d'exploration, comme les scènes dans les villes, nous avions besoin d'avoir beaucoup de personnages à l'écran en même temps et la caméra ne se rapproche pas souvent d'eux, donc nous devions maintenir les modèles des personnages principaux à moins de 400 polygones chacun.

D'un autre côté, le nombre de personnages qui apparaissent dans les scènes de combat est plus limité et il arrive souvent que la caméra fasse un gros plan de leur visage pour présenter les mouvements qu'ils effectuent, ce qui nous a permis d'utiliser 1000 polygones chacun.

Par conséquent, nous avons créé des designs de personnages optimisés pour le nombre de polygones disponibles dans chaque type de scène.



VG247 : Le CD bonus international de FF7 contenait une vidéo intéressante de séquences de FF7 en cours de développement, y compris des arrière-plans d'images de synthèse assez différents de la version finale, comme une version très différente de ce que je suppose être Nibelheim. Le développement était-il itératif ? Y avait-il beaucoup de reprises et de changements significatifs au fur et à mesure ? Avez-vous des souvenirs précis des premières versions, des modifications et des améliorations apportées au jeu ?

Yoshinori Kitase : À l'époque, le passage de la 2D à la 3D était un véritable défi. Il s'agissait donc de passer beaucoup de temps et de construire lentement mais sûrement chaque lieu, plutôt que de les refaire encore et encore. L'image à laquelle vous faites référence est un instantané de ce processus en cours.

En conséquence, si vous regardez dans la direction opposée, il n'était pas facile de retravailler les choses en raison de la quantité de travail nécessaire pour le faire, donc je ne me souviens pas avoir changé l'histoire originale ou les spécifications du jeu que nous avions décidé à l'origine.



VG247 : Ce que j'aime dans FF7, c'est le sentiment qu'à l'époque, l'équipe ne faisait qu'ajouter et ajouter des idées, sans nécessairement se préoccuper de la façon dont quelque chose pourrait s'intégrer. Le résultat est un monde d'une ampleur étonnante - quand vous êtes à Midgar, il semble difficile d'imaginer qu'un lieu de RPG plus traditionnel comme Kalm puisse exister dans le même monde. Et quand vous êtes à Kalm, l'idée d'un endroit comme la soucoupe d'or semble carrément futuriste. Puis, soudain, vous faites du snowboard ! S'agissait-il d'une idée consciente au cours du développement ou d'un phénomène qui s'est produit lorsque les artistes se sont familiarisés avec les outils 3D ?

Yoshinori Kitase : Pendant le développement, nous avions pour politique d'intégrer autant d'idées intéressantes que possible apportées par l'équipe. Nous ne voulions pas trop nous soucier de l'alignement ou de la cohérence et nous voulions traiter le jeu comme une boîte à jouets pour enfants.

Nous avons pensé que le fait d'y introduire autant de choses cool et intéressantes que possible créerait un sentiment d'émerveillement et d'excitation encore plus grand. Ce n'était pas vraiment une approche délibérée, mais plutôt l'esprit qui animait l'équipe de Final Fantasy depuis le début.



VG247 : Lors d'une interview il y a quelques années, Nomura-san s'est souvenu d'une ébauche de l'histoire dans laquelle tout le monde, sauf les trois personnages que le joueur choisit pour son groupe, mourait lorsque le casting était parachuté à Midgar. Vous ne vous en souveniez pas, il vous l'a rappelé ! Mais laissez-moi vous demander : si le jeu était comme ça, et que c'était vous qui jouiez, quels seraient les trois personnages que vous auriez sauvés en les ayant dans votre groupe ?

Yoshinori Kitase : Je choisirais Cloud parce qu'il est le protagoniste de l'histoire, Vincent parce que c'est un personnage que j'ai personnellement créé et qu'il a une ambiance d'horreur qui est assez rare dans les jeux FF, et Yuffie parce qu'elle est si ennuyeuse mais si difficile à détester.

VG247 : Je me demande si vous seriez prêt à résoudre un mystère séculaire. Si vous suivez certaines quêtes secondaires, vous pouvez obtenir la clé qui vous permettra de rentrer dans Midgar à la fin du jeu. À ce stade, si vous entrez dans l'église du secteur 5, vous verrez Aerith s'occuper des fleurs - mais lorsque vous vous approchez, elle vacille et disparaît, comme un fantôme. Étrangement, le fait de parler à un PNJ qui n'a aucun lien avec Aerith et qui se trouve dans une autre zone empêche cet événement de se produire. Pendant des années, les fans ont débattu de la signification de cet événement, ou même s'il s'agit d'un bug. Pouvez-vous nous en parler du point de vue du développement ?

Yoshinori Kitase : Je vais laisser cela à l'imagination des joueurs.



VG247 : Dans le cadre de la compilation, vous et l'équipe aviez la possibilité de modifier, de révéler ou de rétablir des éléments de l'histoire si vous le souhaitiez. Par exemple, Rufus et Tseng semblent être morts dans FF7, mais on apprend qu'ils sont vivants dans Advent Children, et on révèle même carrément que les humains ont survécu à Holy à la fin. Comment était-ce de prendre de telles décisions, de changer des éléments de l'histoire et de révéler de nouvelles informations sans modifier l'impact du jeu original ?

Yoshinori Kitase : Nous avons abordé le projet FF7 Remake avec l'objectif d'en faire quelque chose qui puisse être apprécié à la fois par les fans du jeu original et par les personnes qui ne le connaissaient pas.

J'ai déjà vécu des expériences où un jeu que j'ai aimé et avec lequel je me suis beaucoup amusé dans le passé a été remodelé, et je l'ai acheté et joué sous l'effet de la nostalgie. J'ai acheté le jeu et j'y ai joué sous le coup de la nostalgie. C'est agréable pendant un moment, mais le plaisir de la nostalgie ne dure vraiment que pendant les premières parties. Je m'en suis rendu compte à la moitié du jeu et je n'ai pas continué à jouer.

C'est pour cette raison que j'ai décidé que Final Fantasy 7 Remake ne ferait pas seulement appel à la nostalgie, mais qu'il inclurait également une nouvelle histoire afin d'être à la fois nostalgique et frais.

Le résultat est que, pour les parties 2 et 3, nous sommes en mesure de donner aux fans l'excitation de se demander quelles parties seront 100% fidèles à l'original - et où les nouveaux éléments seront ajoutés.



VG247 : Comment votre relation avec le jeu a-t-elle évolué au fil des années, en particulier lorsque vous êtes revenu à l'univers avec la Compilation et le Remake ? Votre perception du jeu a-t-elle changé au fil des ans, avec un regard rétrospectif ?

Yoshinori Kitase : Depuis que j'ai rejoint l'industrie du jeu, je me suis toujours fixé comme objectif de "créer un drame à travers les jeux". Avec le jeu original Final Fantasy 7, le passage du style de l'ancien hardware 16 bits aux dernières images de synthèse en 3D a permis d'augmenter considérablement la capacité à représenter les personnages et les histoires et est à l'origine du style de narration dramatique qui est encore utilisé aujourd'hui dans les derniers titres FF.

D'un autre côté, quand je regarde ce jeu, le modèle original de Cloud n'était composé que de 400 polygones et ressemblait un peu à une poupée taillée dans le bois, alors plus je vieillissais, plus je voulais le mettre à jour.

Le jeu original Final Fantasy 7 est aimé par les fans depuis plus de 20 ans, mais j'ai commencé à penser que je ne voulais pas qu'il finisse dans les archives, et je voulais en faire un titre qui continue à être aimé pendant encore 100 ans.

C'est ce qu'est Final Fantasy 7 Remake.

La musique a toujours tenu un rôle prépondérant dans le jeu vidéo. Devant accompagner avec efficacité ce qui se passe en image, certaines bandes-son sont restées cultes même séparées des jeux vidéo dans lesquels elles prenaient vie. Aussi, avec l'apparition du CD-ROM et au fil du temps avec la multiplication des jeux à très gros budget, les moyens techniques mobilisés pour offrir au joueur une musique digne du cinéma ont explosés. Contribuant, justement, à rattacher toujours plus le jeu vidéo au cinéma, comment passer à côté du cas The Order 1886, extrêmement polémiqué. C'est TheSixthAxis qui interview le compositeur du jeu de Ready at Dawn: Jason Graves.

Première question, incontournable, comment avez vous atterri dans le monde de la musique de jeu vidéo ? Est-ce un hasard, grâce à votre réseau de connaissance ? Ou tout simplement votre vocation première ?
J'ai débuté dans le cinéma et la télévision lorsque j'étais à Los Angeles. J'ai fais aussi beaucoup de travaux pour la publicité et les bandes-annonce de films en tant que mixeur son par exemple. Puis j'ai déménagé à Raleigh (ND Anakaris : Caroline du Nord), à ce moment là je me suis largement diversifié et j'ai commencé même à composer pour la radio. Après cinq ou six ans de cela, je me suis retrouvé sur mon premier jeu. Ce n'était pas forcément voulu même si je ne regrette rien, c'était plus du ''au bon endroit au bon moment'', je n'ai effectué que quelques compositions pour ce jeu. Mais plus tard, un des producteurs qui avait déménagé en Australie et qui travaillé désormais pour une autre société m'a recontacté pour que je fasse enfin une première véritable bande-sonore complète seul. (ND Anakaris : le premier jeu solo de Jason Graves est l'adaptation du film King Arthur avec Clive Owen et Keira Knightley sur Playstation 2, Xbox et Gamecube. Le producteur en question travaillait bel et bien en Australie puisque le jeu fut développé par Krome Studios, d'origine australienne). Mon parcours est un mélange de réseaux, de hasard et de volonté, mais c'est relativement atypique, il existe mille façons de se faire une place dans le milieux et chacun à son histoire.

Depuis cette époque, vous avez composé pour beaucoup de jeu, vous êtes quelqu'un de très prolifique, non ?
Oui ! Même si il y a dix ans ça ne semblait pas être ma direction principale, je suis finalement arrivé à un stade où j'ai composé pour presque autant de jeux que de films et téléfilms ! Et en effet, je crois être quelqu'un de très prolifique. J'ai encore plusieurs projets en cour, The Order 1886 n'est pas le dernier loin de là ! Je suis quelqu'un comme ça, je préfère avoir plusieurs projets en cour, d'autres préfèrent en avoir qu'un seul à la fois, voir un seul par an ou tout les deux ans. Moi je me sens plus rassuré quand je sais que j'ai du travail pour encore plusieurs mois voir plusieurs années.

En quoi la bande-son est importante pour donner une bonne ambiance, pour absorber le joueur dans le jeu ?
Ce qui a de bien avec la musique, de mon point de vue, c'est qu'il est facile d'afficher une humeur. La puissance et la simplicité universelle de la musique est ce qu'il y a de plus formidable. Un son de cloche sonnera toujours identique que ce soit à Miami, à Tokyo, à Paris, Madrid, Moscou ou Johannesburg. Si vous faites un son dramatique avec un orgue, on se trouvera dans une ambiance sombre et tragique partout dans le monde ; Si vous faites une mélodie fluette avec un triangle et un hautbois, tout le monde s'imaginera dans une forêt en compagnie de fée et de lutin. C'est à mon avis de loin ce qu'il y a de plus simple à faire s'adapter à ce qu'il se passe à l'écran, la musique peut instantanément changer soit de façon subtile soit de façon brutale pour accompagner l'image. Et quoiqu'il arrive, si c'est fait avec un minimum de soin, tout le monde comprendra ce qu'il y a à comprendre.

Avez vous remarquez la popularité croissante des bandes-son de jeux vidéo ? Pensez-vous qu'elles devanceront bientôt celle des films ?
Lentement, mais surement, oui. De plus en plus de compositeurs de films font un bout de chemin dans les jeux vidéo, et même des mixeurs sons, des créateurs sons et tout un tas d'autres techniciens spécialisés dans le son. Certain le font pas pure passion, d'autres par pur hasard et se découvre au final une nouvelle vocation. D'autres comme Hans Zimmer pour Call of Duty sont souvent prit pour un très gros coup de marketing mais ce n'est pas forcément vrai, même si il est vrai qu'avoir Hans Zimmer à la bande-son de son jeu est extrêmement valorisant. Ceci dit, ça ne fait pas en sorte que la musique s'améliore en réalité, elle devient juste plus reconnue, plus populaire.

De plus en plus de jeunes compositeurs considèrent que travailler pour un gros jeu signifie avoir la récompense officielle ultime. Personnellement, je ne suis pas si vieux que cela mais je suis encore de ceux qui préfèrent avoir comme récompense le droit de jouer ou diriger mes musiques dans des représentations live. Ou avoir le bonheur de voir un autre artiste réarranger mes compositions. Le fait d'avoir signer la bande-son d'un très gros jeu n'est pas une récompense en soi. Le monde du jeu vidéo possède une base de fan vorace et profondément loyale. Et avoir des retours de la part des fans et venir à leur rencontre, éventuellement les voir venir à mes concerts ou aux concerts d'autres compositeurs qui auraient composés pour un jeu, voilà la récompense ultime ! Ouvrir l'esprit des gens et les faire s'intéresser à la musique. Si pour cela je dois faire de la musique de jeu vidéo, alors soit !



Y a-t-il des questions d'actualités qui ont bouleversé votre travail récemment ? Réduction de budget, difficulté d'entente avec les éditeurs, cahier des charges trop strictes qui brident la créativité ?
Honnêtement, rien de neuf comparé à ce qu'on a toujours été habitué d'avoir. Nous, les compositeurs avons toujours eu l'habitude d'être à la fin de la ligne de production, pas la cinquième roue du carrosse mais presque. Bien souvent, le jeu est déjà presque finit quand nous entrons en scène, et c'est à nous d'adapter notre musique pour qu'elle colle aux images et qu'elle convienne au réalisateur du jeu. Si jamais on ressent quelque chose de différent en regardant le jeu et qu'on fait une musique qui ne convienne pas au réalisateur du jeu, et bien tanpi pour nous, on doit s'adapter !

Mais ce n'est pas toujours ainsi, j'ai effectué quelques collaborations avec des studios de développement de jeux au Canada et ils sont plus souples à ce propos. Peut-être que ce n'est qu'un vécu personnel, mais j'ai eu plus de liberté, même lorsqu'il s'agissait de composer pour un jeu qui était tiré d'un film.

Dernièrement, avec The Order 1886, j'ai été contacté presque trois ans avant la sortie du jeu, à ce moment là les gens de Ready at Dawn n'était même pas encore en phase de production intensive. Mais ils avaient déjà des idées bien conçues et savaient où il se dirigeaient. Ils m'ont notamment expliqué qu'ils avaient longtemps discuté avec Sony de la marche à suivre, ils avaient défendu leur projet corps et âme et avait donc obtenu une très large liberté d'action au niveau de la musique et de la mise en scène de leur jeu. Ils m'ont expliqué que le jeu allait être particulièrement cinématographique et que donc, il ne fallait pas que j'ai peur d'exiger certaine chose pour pouvoir donner le meilleur de moi-même et que Sony allait suivre. Ils m'ont laissé le choix du studio d'enregistrement, du panel d'instrument sélectionné et de beaucoup d'autre chose sans se préoccuper de la facture finale. C'est un producteur de chez Sony qui a même suggéré d'ajouter des choristes dans mon travail, chose que j'avais déjà envisagé ! Et quelques jours plus tard, après avoir évalué cela et proposé quelques options à Sony, nous recevions de l'argent supplémentaire pour faire ce que nous voulions. Fantastique !

Dans les jeux vidéo, il y a toujours beaucoup d'interaction entre le jeu et le joueurs. En tant que compositeur, pensez-vous que cela accentue l'émotion ?
Évidemment. Les joueurs pour la plupart sont capables de s'immerger dans un jeu et de s'approprier correctement son univers. Ainsi, ils vivent une aventure de plusieurs heures, mais la bande-son elle doit être présente du début à la fin et souvent doit être bien plus conséquente que pour un film. C'est parce que nous offrons la possibilité de prendre part directement à ce qui se passe à l'écran que l'émotion est accentuée, et la musique doit accompagnée cela aussi efficacement que possible. C'est d'ailleurs aussi pour cela que les joueurs sont très exigeants avec la musique d'un jeu, je suppose. Ils veulent tout simplement vivre la meilleure expérience possible, vivre le jeu, et la musique doit faire son boulot, c'est normal.

Comment faites vous avec les éditeurs pour publier vos bandes-son ailleurs que dans les jeux vidéo ? Est-ce que vous négociez d'une façon particulière ?
C'est très différent selon les éditeurs, car ce sont souvent eux qui ont le dernier mot. Avec Sony par exemple, ils se sont montré très compréhensifs. On s'est expliqué les choses, je leur ai dit que de toute façon, les amateurs de musique allaient se procurer la bande-son de The Order d'une manière ou d'une autre. Et de leur côté, ils savaient que les fans se procureraient la bande-son pour soutenir le jeu d'une façon ou d'une autre. Alors pourquoi ne pas créer un scénario gagnant-gagnant ?

Mais pour le jeu Evolve de 2K par exemple, ils n'étaient pas du tout intéressés par le fait de commercialiser la bande-son. Je suis un compositeur indépendant, ce qui veut dire que mon travail est considéré comme des missions. C'est un peu du « tais toi et travail » dit vulgairement. Ça ne veut pas du tout dire que je suis esclave chez certains éditeurs, mais tout simplement que je compose, et que la décision de quoi faire avec mes musiques n'appartient qu'à une seule personne. Souvent, le grand chef, tout en haut, ou un responsable quelconque. Ensuite, le choix de vendre ma musique à part ou non le regarde. Avec certains éditeurs, j'ai eu la chance de discuter de cela avec eux et j'ai même réussi à faire changer d'avis certains responsables. Mais avec d'autres éditeurs malheureusement, le dialogue est impossible. C'est leur choix, ce sont de très grandes entreprises, ils ont leurs raisons.

D'ailleurs, comment avez vous eu contact avec Sony ? The Order 1886 n'est pas votre première collaboration, exact ?
C'est une très longue histoire (rires). Ma première collaboration avec la division jeu de Sony remonte à 2005, sur le jeu Rise of the Kasai (ND Anakaris : suite de The Mark of Kri de SONY San Diego, sorti uniquement aux USA sur Playstation 2). J'avais rencontré peu avant le compositeur du jeu Jack Wall à la cérémonie des Academy of Interactive Arts & Sciences où malheureusement il ne fut pas récompensé pour son travail sur le jeu Myst IV. Puis ce n'est que plus tard qu'il m'a demandé si je voulais le seconder sur Rise of the Kasai parce que lui avait d'autre projet musicaux plus personnels qui lui prenait beaucoup de temps. Choses que je ne savait pas et qu'il m'a dévoilé plus tard, c'est qu'il travaillé aussi sur une gigantesque production pour l'époque dans le jeu vidéo : Mass Effect ! De ce fait, plusieurs autres compositeurs ainsi que moi furent embauchés pour Rise of the Kasai. Puis de là, les responsables de Sony Computer Entertainment America, les éditeurs de Rise of the Kasai m'ont présenté aux responsables de Santa Monica Studios, je leur ai composé une musique de trailer pour leur nouveau jeu Warhawk. Et depuis, je reviens régulièrement chez eux pour collaborer, je commence à connaître un tas de monde aux quatre coins de la planète chez la division jeu vidéo de Sony (rires) !

Lors d'une interview récente via le site japonais 4Gamer.net, le producteur de la saga des Hyperdimension Neptunia, un certain Naoko Mizuno, ainsi que le superviseur Norihisa Kochiwa ont dévoilé de plus amples détails sur Hyperdimension Neptunia VII, le prochain titre de Compile Heart qui verra le jour très bientôt sur Playstation 4.

Tout d'abord, le jeu est le prochain épisode numéroté de la saga Neptunia ett proposera trois histoires distinctes se déroulant dans trois dimensions différentes, voici les dimensions en question.

Zero Dimension Game Neptune Z : Ragnarok of the Abyss Goddess

Hyperdimension Neptunia G: Gold Vanguard Gamindustri Existence of Change

Heart Dimension Game Neptune H: Trilogy Final Into the Legend

Initialement, Compile Heart pensait faire de chaque histoire un jeu complet, ils ont même créé des logos différents pour chaque histoire, les voici en images.

Zero Dimension Game Neptune Z : Ragnarok of the Abyss Goddess



Hyperdimension Neptunia G : Gold Vanguard Gamindustri Existence of Change



Heart Dimension Game Neptune H : Trilogy Final Into the Legend



Dans la Dimension Zero, un nouveau personnage nommé Uzume Tennohboshi "the Abyss Goddess" sera au centre de l'histoire, pour être plus précis, elle sera le personnage clé des trois dimensions. Neptune et sa soeur cadette Nepgear seront aspirés dans la Dimension Zero et rencontreront Uzume et une Neptune dans sa forme adulte. Cette Neptune version adulte est d'ailleurs assez différente de la Neptune actuelle.

Le système de combat de Hyperdimension Neptunia VII sera entièrement nouveau, il sera assez proche d'un système traditionnel, cependant, la structure du système de combo sera différente, de plusk le positionnement du personnage aura également une grande importance, histoire que le joueur soit à son avantage pour encercler l'ennemi.

On apprend également que Hyperdimension Neptunia VII n'est pas le seul jeu Compile Heart en développement, en effet, Fairy Fencer F : Advent Dark Force arrive également sur Playstation 4, les détails sur celui-ci sont relativement minimes, mais Compile Heart insiste sur une chose, il ne s'agit pas d'un remake. Fairy Fencer F : Advent Dark Force aura un système de combat flambant neuf et de nouveaux éléments seront rajoutés dans l'histoire.

En parlant des titres de Compile Heart, ces derniers veulent également accroître le développement de titres majeurs sur Playstation 4 et ce à partir de maintenant.

Pour être plus précis, le studio à précisé qu'ils sont en pleine recherche actuellement dans le développement de divers titres de la saga Neptunia. Il y a déjà eu trois volets pour la simulation d'idole Hyperdimension Neptunia : Producting Perfection, il y a eu également le jeu d'action Hyperdimension Neptunia U et enfin, le jeu de stratégie Hyperdevotion Noire, on ne sait rien de plus sur les futurs déclinaisons de cette saga, mis à part que Compile Heart va essayer de nouvelles choses.

Voici une interview qui met à l’honneur le concepteur graphique senior Andy Hope. Si vous avez acheté un jeu réalisé par Sony au cours de ces dernières années, vous avez pu apprécier son travail. Entre autres, il conçoit le visuel du packaging de nos boîtes de jeux et de nos systèmes favoris . Andy, dites-nous tout…

Quand avez-vous rejoint Sony Computer Entertainment Europe, et pour quels motifs ?
Je suis arrivé à SCEE en 2003, ça fait plus de dix ans maintenant. À l’époque, je travaillais dans l’édition en tant que chef de création artistique pour une publication de jeux vidéo. Ayant pris plaisir à concevoir l’aspect visuel des couvertures et des pages intérieures du magazine, j’ai décidé tout naturellement que l’étape suivante serait d’essayer d’entrer dans l’industrie du jeu vidéo. Puis, un poste de concepteur graphique s’est libéré chez PlayStation, je me suis dit pourquoi pas ?

Par chance, après une série d’entretiens et quelques semaines en attente d’une décision, l’issue a été favorable. C’est pourquoi j’ai quitté le soleil de Bournemouth pour emménager à Londres. Et je ne l’ai jamais regretté !

Que faites-vous exactement à SCEE ?
Chez SCEE, je suis concepteur graphique senior au sein du service création.

Mon travail consiste à la création et la direction artistique pour les deux marques PlayStation 4 et PlayStation 3. Je m’occupe également de toute la partie créative de grands événements publics et de démonstrations, de la communication de marque de PlayStation, du packaging des jeux, du matériel en ligne, et aussi de la publicité et de l’affichage “point de vente” que vous voyez en magasin.

Je me charge également d’apporter mon soutien et mes conseils en matière de création auprès du service marketing et des autres équipes de la compagnie en charge du design, donc il y a toujours beaucoup à faire et dans un champ d’action très varié.

Qu’est-ce que vous préférez dans votre travail ?
La plus belle chose dans mon travail, c’est que j’arrive à faire ce que j’aime vraiment : la création. La diversité des tâches dans lesquelles je suis impliqué est une chance. J’aime être capable de pouvoir sculpter un projet en partant de rien, le regarder évoluer et se développer jusqu’à la livraison finale du produit.

Et pour couronner le tout, je travaille avec des personnes dont la plupart sont vraiment de bons amis.

Quel a été le moment qui vous a rendu le plus fier ou le plus heureux à SCEE ?
Ouah, difficile de répondre. Par où commencer ? Il y en a eu tellement, en allant du projet de conception au lancement de produits révolutionnaires tels que SingStar et Buzz ! (qui sont des jeux tellement plein d’énergie et de couleurs), jusqu’au lancement récent du système PlayStation 4, dont la conception graphique a été reprise dans toute l’Europe et même au-delà.



J’ai vécu un autre moment fort en 2006, lorsque j’ai conçu le packaging, le logo et toute la création artistique pour la sortie européenne de la PlayStation 2 Pink. Encore une fois, pour la direction artistique de ce projet, nous sommes partis de rien. Et notre siège au Japon a vraiment été satisfait des résultats.

Puis, il y a eu la réalisation d’un panneau de 50 mètres qui recouvrait l’intérieur du stade Wembley pour la finale 2013 de la Ligue des champions de l’UEFA. Il retraçait l’histoire de la Ligue des champions, parallèlement à l’évolution de la PlayStation, du lancement de la première console jusqu’à aujourd’hui.

Oh, et je vous ai parlé de ma rencontre avec Jet Li ? C’était pour un jeu dans lequel il avait son personnage sur PS2 : Rise to Honour. 1 mètre 67 de pur bonheur ! (ND Anakaris: un jeu assez médiocre d'ailleurs )

Et je pourrais continuer comme ça encore et encore…

Quel a été le dernier jeu auquel vous avez joué, et quel sera le prochain ?
Le dernier jeu auquel j’ai joué, c’était Tearaway sur PlayStation Vita. J’ai eu suffisamment de chance pour être sur le projet de la conception du packaging du produit, donc naturellement j’ai voulu y jouer pour comprendre pourquoi il suscitait autant d’agitation. Je n’ai vraiment pas été déçu : l’équipe de Media Molecule a vraiment fait du bon travail.

Mon prochain jeu sera sûrement The Last of Us. Je n’ai pas eu la chance de l’essayer au moment de sa sortie, donc je suis impatient de pouvoir m’y consacrer pour y jouer très bientôt.

Quels conseils pourriez-vous donner à quelqu’un qui aimerait percer dans l’industrie du jeu vidéo ?
Patience, passion et détermination sont les maîtres mots. Quelle que soit la branche où vous désirez percer, cela nécessitera beaucoup de travail et beaucoup de persévérance pour atteindre vos buts. L’industrie du jeu vidéo fonctionne sur les mêmes moteurs.

Des gens talentueux dans ce métier, il y en a beaucoup. Entretenir un solide portfolio de votre travail est un facteur très, très important pour se faire remarquer. Si vous arrivez à y faire transparaître votre personnalité, vos forces et vos centres d’intérêt, cela peut beaucoup aider. Mais comme je l’ai dit au début, être patient, à l’écoute de votre public et continuer à développer votre savoir-faire dans cette industrie sont vraiment des éléments cruciaux.

Essayez de présenter un travail qui vous ressemble. Et par-dessus tout, gardez la détermination nécessaire pour persévérer, même en cas d’échec au départ.

Le Monster Hunter – like de Tecmo Koei qui a réalisé un très bon score au japon sur VITA et PSP s'apprête à débarquer chez nous. Ce sera uniquement à la version VITA à laquelle nous auront droit et il faudra s'en contenter en anglais, mais c'est mieux que rien, sachant que l’intérêt du jeu ne se situe manifestement pas dans ses dialogues interminables et dans son scénario complexe.

Ainsi, en attendant le 14 février prochain, voici une interview traduite de Capsule Computers de Kenichi Ogasawara, le producteur de Toukiden : Age of Demons.

Omega Force est principalement connu pour son travail sur la série Dynasty Warriors et d'autre jeu de combat de masse où on voit un seul personnage s'attaquer à une armée entière. Dans Toukiden, c'est l'inverse, on est en groupe pour affronter un nombre restreint d'adversaire, souvent de grande taille. Qu'est-ce qui vous a mené à vous concentrer sur des batailles à plus petites échelles contre un ou deux adversaires à la fois ?
Omega Force fut à l'origine créé pour inventer des choses, aller contre la monotonie, penser à des choses que nul autre n'aurait put penser. Au japon, le Monster Hunter - like (ou jeu de chasse comme il l'appelle là-bas) est un genre de jeu populaire, mais Tecmo Koei ne s'y est jamais essayé. Pour Toukiden, Omega Force s'est mis au travail avec enthousiasme pour tout simplement créer un jeu que les amateurs de jeux de chasse apprécieraient. En plus du plaisir de vaincre des ennemis gigantesques, je pense que les éléments stratégiques du système Mitama et l'inspiration visuelle de la mythologie asiatique ont fait de Toukiden un Monster Hunter – like typique Tecmo Koei, proche d'un Dynasty Warriors finalement.

Compte tenu de la nature différente de Toukiden, est-ce que les amateurs de Dynasty Warriors s'y retrouvent réellement, ou est-ce que l'équipe de développement a réellement chercher à proposer une expérience différente ?
La caractéristique clé de Toukiden est son système de ''targeted destruction system” (ND Anakaris : le jeu n'étant pas traduit, il n'y a aucun équivalent officiel français), qui permet au joueur de détruire, trancher, éclater ou écraser une partie de sa gigantesque cible. C'est en réalité un système qui permet de s'attaquer plus précisément que jamais à une partie particulière de la cible, tandis que dans Dynasty Warriors, il faut porter des attaques les plus vastes possibles. Au final, c'est assez différent de Dynasty Warriors, mais dans le maniement du personnage par exemple, les amateurs de la série devraient s'y retrouver assez rapidement.

Tout au long du jeu, le joueur a pour but de combattre les Oni (des démons du folklore japonais) en s'alliant à des combattants dirigés par l'IA ou par d'autres joueurs. Pourquoi mettre l'accent sur le multijoueurs ?
Les Oni possèdent généralement une force massive et de puissants pouvoirs magiques, c'est donc très difficile de les abattre seuls. Les combattants ne sont pas des super-héros aux multiples talents. En mettant à profit les forces et les spécialités de chaque joueur et le travail d'équipe, il devient possible de vaincre d'énormes Oni. Je pense que c'est surement l'un des point les plus importants du Monster Hunter – like, ce sentiment de réussite et le fait de s'entraider est primordiale dans le plaisir qu'on peut ressentir avec ce type de jeu.



Le mode multijoueur peut parfois poser problème dans certain jeu en occident. Est-ce que le joueur peut tout de même espérer une expérience de jeu intéressante en solo ?
Le mode de jeu principal de Toukiden est le solo avec la participation de l'IA, il est donc possible de profiter pleinement de l'histoire du début à la fin sans être dans un environnement multijoueur. Le jeu continue après avoir terminé le scénario principal, de nouveaux ennemis apparaissent, beaucoup plus puissants, et à partir de là, il sera nécessaire d'avoir à ses côtés d'autre joueurs pour pouvoirs en venir à bout sans trop de difficultés.

Un aspect rafraîchissant de Toukiden est l'accent mis sur la lutte contre de nombreux ennemis différents : les Onis. Il y en a des petits, mais souvent des immenses. Ils sont influencés par la mythologie nippone, pourquoi choisir ces ennemis ?
Comme vous l'avez sans doute remarquer, ce n'est pas la première fois qu'Omega Force produit un jeu avec de très fortes influences visuelles et historiques de la culture asiatique, et encore une fois, c'est ce que nous voulions faire avec un aspect un peu plus surnaturel et légendaire qu'à l'accoutumé. Donc le choix des Oni était tout à fait naturel. Depuis des millénaires, les Oni sont certainement les créatures les plus fantastiques, les plus puissantes et les plus craintes de la mythologie japonaise, encore aujourd'hui, de nombreuses œuvres culturelles de notre pays s'en inspire.

De plus, depuis quelques années, en tant que producteur et directeur de projet, je reçois régulièrement des requêtes de mon équipe qui désirait depuis un certain temps faire jouer leur imagination de façon différente qu'avec Dynasty Warriors. Il y a quatre ans, nous avons effectuer plusieurs réunion pour envisager plusieurs pistes créatives et on a finit par se mettre d'accord pour créer un univers fantastique basé sur la mythologie japonaise. Certain membre de l'équipe en avait réellement besoin pour donner le meilleur d'eux-même, ils ressentaient le besoin profond de faire marcher leur imagination, notamment d'un point de vue visuel.

Les joueurs seront en mesure de vaincre les Oni avec six différents types d'armes, dont la faucille. Pendant la campagne de communication du jeu, la faucille fut souvent présentée comme arme sacré spécialement conçu pour tuer les Oni, d'où vient cette idée ?
Les types d'armes ont été choisies selon des armes réelles historiquement utilisées au Japon. Au Japon, l'arme la plus célèbre pour tuer les Oni est probablement l'épée. Il y a une légende qui dit qu'un Oni est apparut dans un lieux légendaire appelé Rashomon, et un samouraï a vaincu l'Oni, mais au lieux d'utiliser son katana, il avait utiliser une épée droite pour lui trancher le bras. La jaquette du jeu fut créée à partir de cette légende.
Mais la faucille a aussi une place prépondérante dans les diverses légendes de la mythologie japonaise en rapport avec les Oni, c'est pour cela qu'on a décidé de mettre ce genre d'arme en avant.



Un autre aspect intéressant de Toukiden est le Mitama, qui contient les âmes des héros et les traditions de l'histoire japonaise. Il en existe prêts de 200 qui donnent divers bonus aux personnages jouables. Comment avez vous choisi les Mitama inclut dans le jeu ?
La norme principale de l'ajout d'un Mitama dans Toukiden était que le personnage où la légende en question devait être un minimum connu du joueur moyen japonais. Soit il devait en avoir entendu parler dans sa famille ou dans un lieux de culte (ND Anakaris : très nombreux au Japon, la spiritualité est un des fondements de la culture japonaise), soit il devait en avoir appris l'existence dans un cour d'histoire à l'école. C'était la condition sine qua none afin qu'on puisse inclure des Mitama qui puissent parler au gens et évoquer des choses, des époques, des évènements, des histoires...
Nous avons fondé Toukiden sur 6 périodes historiques et mythologiques japonaises différentes, en incluant à peu prêts le même nombre de Mitama par époque.

Nous avons vu un certain nombre d'artwork concernant les Oni de toutes natures et de toutes tailles, mais avez vous put inclure tout les Oni que vous souhaitiez au départ ?
Le démon Chthonien (ND Anakaris : les divinités Chthoniennes sont en générale de très vieilles divinités parmi les premières de la création, ayant contribué à la confection du monde, de l'univers, d'un panthéon ou quelque chose d'immense selon les mythologies) est l'Oni qui a été choisi pour représenter Toukiden dans son ensemble. De nombreux types de démons existent dans le folklore japonais, et ceux que nous avons inclus dans ce jeu sont juste un petit échantillon. En tout, nous avons dessiné environ 270 artwork rien que pour illustrer le panel d'Oni qu'on voulait inclure dans le jeu, prêts d'une centaine de ces artwork furent rejetés au terme du processus de production. Mais ils ne sont pas perdus, nous espérons avoir l'occasion future de s'en servir pour continuer notre travail.



Une autre chose qui semble-t-il a beaucoup plut aux joueurs notamment en occident, c'est la beauté technique du jeu, le fait qu'il soit visuellement bien différent d'un Dynasty Warriors qui semblait tourner en rond. Toukiden a un caractère. Est-ce que c'est quelque chose que les fan de votre studio peuvent espérer pour vos projets futurs ou est-ce que Toukiden est une exception ?
Pour Toukiden, nous avons demandé à l'illustrateur Hidari (ND Anakaris : aussi illustrateur sur Atelier Ayesha: The Alchemist of Dusk) pour gérer le design des personnages, et nous avons intégré les idées de designers d'outre-mer dans la conception visuelle des Oni. Faire appel à des influences directes occidentale fut une chose jamais fait au sein d'Omega Force jusqu'à présent. Bien sûr, nous avons des designers vraiment talentueux en interne, mais je pense qu'en incorporant de nouveaux goûts et couleurs, nous avons été en mesure de développer le visuel du jeu de façon à ce qu'il y ait plus d'impact, plus d'originalité. Faire en sorte que l'imagination et les inspirations de chacun soit cohérent fut un joli défi que je n'ai pas hésité à relever avec les lead designer et les chara-designer de Toukiden.

Lorsque Toukiden a fait ses débuts au Japon, il s'est vendu étonnamment bien pour une nouvelle IP. Aujourd'hui, le jeu approche des 600 000 ventes, dont 60% environ rien que sur PS VITA. Comment expliquez vous ce joli succès ?
On peut dire que Toukiden est un jeu créé avec nos joueurs. Bien avant la sortie du jeu, une démo était disponible au Japon. Nous avons reçu beaucoup de commentaires des utilisateurs qui ont essayé la démo, et nous avons ajouté des améliorations pour le jeu basé sur ces réactions. Suite à cela, nous avons apporté un patch à la démo pour la faire ré-essayer aux joueur, ce fut un échange très intense entre nous et les joueurs pour ajuster au mieux et de façon très précise le gameplay de Toukiden. Juste avant la sortie du jeu, nous avons sorti une seconde démo cette fois-ci avec toutes les modifications incluses directement, montrant une petite partie du jeu de la façon la plus fidèle par rapport au jeu final. Je pense que c'est pour ça que la nouvelle IP a bien marché, les joueurs ont nettement constatés les améliorations entre la première et la seconde démo, améliorations dont ils étaient eux-même la source !

Au Japon, Toukiden a inclus quelques éléments ''cross-over'' d'un autre jeu exclusif à la PS VITA: Soul Sacrifice de Comcept/Sony Japan, les joueurs de l'Ouest peuvent s'attendre à voir ce contenu également ?
C'est en effet à l'étude. Mais rien de concret pour le moment. Du contenu supplémentaire peut même être ajouté au Japon, alors en occident, cela demandera un peu de temps et de réflexions.

Avec l'arrivé de la nouvelle génération de console et le succès de Toukiden, peut-on espérer un avenir à Toukiden ?
Oui, bien sur ! C'est déjà à l'étude, nous sommes déjà en pour-parler avec Sony.

Playstation 4 ?
Elle est intéressante, surtout au Japon où elle est promise à un grand avenir. Mais si Toukiden a un avenir, ce sera à priori sur PS VITA pour l'instant. Les consoles Sony ont le profil idéal pour accueillir Toukiden et son esprit.