Conditions de test : effectué sur Xbox Series à partir d’un code review.

Véritable institution au Japon, pilier de la culture locale dira t-on même, Dragon Quest n’aura en occident et jusqu’à présent jamais réussi à exploser les compteurs des charts. Tous les voyants étaient pourtant vert à l’époque PlayStation 2 avec un épisode très digne sur le plan graphique et dont l’édition US/Euro avait même de surprenants éléments de modernité que ne possédait pas la version japonaise, dont des menus refaits et un doublage. Passé cette étape, et exception faite du MMO, Square Enix a toujours fait preuve d’une certaine attention, avec ou sans gros retard, autant dans les remakes que les spin-off jusqu’à rejoindre le bal des sorties mondiales. Malheureusement, si ça se vend, ça reste toujours de manière confidentielle et sans commune mesure avec le Japon. Il était donc temps de « re-imaginer » l’offre en sortant un joker susceptible de répondre à la grande question : et si le public occidental était en fait trop nul pour apprécier un minimum de challenge ? On doute de la pertinence de cet argument mais allons-y.

Et c’est ainsi que débarque Dragon Quest VII Reimagined, peut-être l’épisode « moderne » le plus facile modifier dans sa structure vu son cheminement bien à lui et jamais ré-exploité depuis. Dragon Quest a en effet depuis longtemps adopté une sorte de progression chapitrée où chaque nouveau village était susceptible d’avoir sa petite histoire réclamant d’aller explorer les alentours, incluant généralement un ou deux donjons (et autant de boss). La différence dans « DraQue VII », c’est que ce style n’est ni masqué ni maquillé, il est totalement assumé avec pour une bonne partie du jeu ce principe d’îles où chacune devra être explorée une fois pour vivre une aventure, puis une deuxième pour l’épilogue (on n’entre pas dans les détails, pour des raisons de spoils), avec à la clé des morceaux de « tablettes » à reconstituer pour ouvrir la voie vers la ou les îles suivantes et ainsi de suite.

De fait, il est donc très facile avec cela de supprimer un morceau du jeu sans impacter le fil rouge, ou de transformer ce qui était autrefois obligatoire en une simple longue quête annexe. Dragon Quest VII Reimagined est, comme son nom l’indique plus ou moins, une réinterprétation, pas un remake au sens propre. Évidemment le scénario reste globalement identique (pour ce que vaut le scénario dans cette franchise, davantage un prétexte à l’aventure) tout comme le casting et la majorité des situations, mais Square Enix a tenu parole en supprimant le principal défaut de l’original (en dehors de sa mocheté absolue sur PS1), donc le rythme très particulier qui étirait l’expérience sur environ 100h de jeu. Un point qui on le sait n’est aujourd’hui plus vraiment un argument de vente.



Bien des séquences vont cette fois à l’essentiel, on coupe le surplus, on coupe des dialogues ou allers-retours inutiles, on dégage des annexes jugées de trop (bien que le Casino, on ne l’estimait pas de trop nous…) et même si en complément, on repart avec quelques séquences inédites qui arrivent tardivement, et même une surprise en endgame, il faut reconnaître que les choses vont effectivement BEAUCOUP plus vite avec environ 50h pour atteindre les crédits de fin. Peut-être pas pour le 100 % mais en ayant fait l’essentiel. C’est indéniablement plus agréable aussi bien pour un public neuf que pour ceux l’ayant déjà terminé à l’époque, mais il reste dommage que vu le charcutage, Square Enix n’ait pas été un poil plus généreux pour le contenu post-game, globalement une redite de ce à quoi nous avions eu droit sur 3DS.

Mais ce qui rend le plus bien plus court qu’avant, ce n’est pas son contenu amputé (non, les mecs n’ont pas supprimé la moitié du jeu hein), mais bien son accessibilité essentielle sur certains points et clairement indécente sur d’autres. Là on peut entrer sur le débat du prétendu « challenge » qui en fait est une notion qui n’a que rarement existé dans cette franchise (comme d’autres du J-RPG d’ailleurs). Le défi du Dragon Quest VII d’origine n’était pas lié au skill mais à la limitation de la puissance des héros face aux opposants, chose que l’on contourne avec la bonne vieille technique du farm. La base du genre depuis 1986, mais en 2026, bien des joueurs n’ont plus envie de farmer tant il n’en ressort rien si ce n’est une durée de vie boosté artificiellement. DQ7 Reimagined a donc trois modes de difficulté (le normal étant plus simple que l’unique mode de la PS1) et chacun de ces modes peut en plus être remanié avec différentes options. En enlevant les abus comme l’invincibilité ou les full-regen auto après un combat, on peut aussi augmenter pour chaque combat le gain d’xp, d’or et de points de jobs (et inversement). Et quand la difficulté est surfaite, la facilité l’est autant et il faut prendre ces options d’un autre point de vue : plus vous éviterez ce genre d’options (ou les placerez en malus), plus vous devrez farmer et moins avec l'auto-battle, et inversement. Rien d’autre… ou presque.



Le vrai problème de cette réédition, c’est elle donne l’impression de faire du rythme l’élément clé justifiant son existence là où cela devrait être une qualité secondaire, encore plus lorsque l’on parle d’un J-RPG. On n’est pas dans Doom quoi. Alors certes, il est difficile de refuser des points plus obligatoires que modernes comme la vitesse x2 en combat ou les sauvegardes sur la world map. Encore heureux même. Mais était-ce vraiment nécessaire de ressusciter gratos les alliés morts après un combat ? Et de mettre une statue qui regen tous les HP/MP à chaque entrée du donjon et JUSTE avant le boss ? La gestion des ressources est de fait éliminée (et ironiquement, les items pullulent encore plus que d’habitude) tout comme l’exploration d’ailleurs. Inutile de parler à tout le monde puisqu’un gros indicateur sur la map vous donne la marche à suivre. Inutile de fouiller pour être sûr de ne rien louper (et surtout pas une mini-médaille), une option vous dit le nombre d’objets à trouver dans x zone. Inutile de vous demander dans un donjon s’il faut aller à droite ou à gauche puisque la totalité de la map sur chaque étage vous est livrée au premier pas. Une bonne vieille carte sous brouillard de guerre, y avait pas moyen ?

Et pourtant cela n’empêche pas Dragon Quest VII de rester un bon jeu, plaisant à parcourir encore une fois grâce à son rythme, l’aspect Kinder Surprise si caractéristique de cet épisode et un système de jobs qui fait parfaitement l’affaire, dont certains choix ne plairont certes pas à tous (les compétences liées à un métier ne sont plus exploitables si on change) mais la double-vocation permet de compenser cela tout en progressant plus vite pour les jobs avancés. Dommage néanmoins que le système ne se met en place qu’au bout d’une quinzaine d’heures (ça reste moins qu’avant mais bon). Et puis il faut le dire aussi : c’est vachement sympa sur le plan esthétique. On peut ne pas aimer la DA des personnages (alors qu’elle est totalement fidèle aux artworks fournis par Toriyama à l’époque) mais cet aspect dioramas est incroyablement plaisant à regarder, particulièrement lorsqu’on évolue à l’extérieur. Le genre de choses que l’on souhaiterait déjà retrouver dans d’autres refontes du genre. Ce qui arrivera très probablement.

Conditions de test : effectué à partir d’un code review Switch 2, testant chacune des configurations techniques et même le mode souris (c’était foutrement nul d’ailleurs).

L’être humain est chiant. C’est dans notre nature et on peut difficilement y faire grand-chose. Déjà qu’on aime râler, encore plus lorsqu’on est français, mais on se permet même de jouer les éternels insatisfaits. On n’a jamais eu autant envie de tabasser un produit alors qu’on n’a jamais aussi bien mangé, parce que les attentes se font sans cesse grandissante au point qu’il est devenu impossible de réinventer la roue toutes les 6 semaines. Face à une constante évolution du média et de l’offre fait de modernité pour tenter de créer de nouvelles sensations, vint une autre type de demande, celle de revoir au moins de temps en temps quelque chose de plus old-school. Demandez aux fans de Zelda tiens. Mais revenir aux fondamentaux ne veut pas dire non plus donner l’impression de jouer à un vieux jeu avec une meilleure résolution et du frame-rate, encore plus avec des défauts qu’on ne pardonne plus. Et ça malheureusement, Retro Studios ne semble pas l’avoir compris.

C’est toute l’ironie du moment. Metroid Prime 4 est d’une certaine façon ce que l’on attendait d’un Metroid, et c’est bien pour cela qu’il déçoit. L’expérience est plutôt carrée, mais elle s’avère être tellement sans surprise qu’on pourrait donner son avis à un fan de Prime 1 en lui disant simplement « Bah écoute mec, c’est à peu près pareil, mais avec quelques nouvelles compétences et un Hub désertique dans tous les sens du terme. » Peut-être parce que Retro n’a pas ou plus les compétences nécessaires pour renouveler la formule, ou alors peut-être qu’après quasiment 20 ans d’attente, il est ressorti du brainstorming qu’il valait mieux éviter toute prise de risque pour avant tout satisfaire la fanbase (« et puis, on verra ensuite hein »). Dans tous les cas, on ressort mitigé. Alors oui, j’ai quand même accroché d’un bout à l’autre mais pas parce que j’avais entre les mains un GOTY mais juste parce qu’un Prime, ça m’a vachement manqué. Je n’ai jamais fait Prime 3 mais si un remaster était sorti ne serait-ce que quelques mois avant, l’appréciation aurait été bien moindre.



Si ce n’est sa DA et son rendu qui peuvent être très sympas par moment (et moyens dans d’autres) et un véritable travail sur les décors donnant l’impression d’être une fourmi au cœur de structures titanesques, rien dans Metroid Prime 4 ne semble avoir fait le moindre travail de réflexion au-delà des acquis de la trilogie initiale. Passé une introduction oubliable pour ce que l’on attend de la franchise, la pauvre Samus Aran reprend ses habitudes : la perte de ses acquis et un nouveau territoire fait de différentes zones (cette fois séparées par un hub, malheureusement) dans lesquelles on progressera en butant des ennemis, en résolvant des micro-énigmes, en affrontant parfois des boss généralement réussi par des mécaniques toujours très Zelda-esque, et en chemin, on récupère des nouvelles compétences pour nous ouvrir les prochaines portes tout en poussant à revenir en arrière pour augmenter ses PV et ses réserves de munitions, cette fois d’ailleurs avec un peu d’aide mais on vous laissera découvrir comment.

Et encore une fois, ça fonctionne quand même attention. La structure est scolaire, mais jamais casse-burnes donc on progresse tranquillement en faisant notre taf et il faut le vouloir pour rester bloquer plus de 5 minutes devant un puzzle. Et même si le hub central vaut ce qu’il vaut, c’est à dire pas grand-chose, ce n’est pas non plus l’enfer sur Terre de voguer à l’intérieur avec sa fameuse moto, juste qu’il ne faudra pas délaisser les cristaux verts sur le chemin (et penser à annoter sur la map les gros morceaux à récupérer plus tard) pour éviter de se retrouver face à un mur temporaire dans la dernière ligne droite. Le challenge n’est pas trop mal équilibré, mais devient une promenade si vous voulez commencer à taper le 100 %, d’où l’interrogation d’avoir bloqué le mode Difficile en nous obligeant à terminer au préalable le jeu une première fois. 2025 les mecs, à un moment bordel…

Compliqué donc de ressortir de l’expérience autrement qu’avec un « Tout ça pour ça ? ». Et c’est frustrant car nombreuses étaient les voies pour permettre un résultat tout autre, surtout à une époque où les MetroidVania se comptent pas dizaines ou centaines (merci les indés). Un véritable retour sur le devant de la scène aurait pu se faire par un changement drastique de la formule pour justement revenir aux premiers arguments de l’époque Nes, mais dans une proportion autre, celle d’une Samus échouée sur x planète qui doit se débrouiller SEULE, sans une seule indication ou PNJ rigolo pour lui indiquer quoi faire quand on galère. Le minimum pour offrir la sensation maximum de solitude et d’abandon. Après évidemment, une suite à la formule Prime n’était pas non plus de refus depuis tout ce temps, mais sans qu’il soit utile de nous tenir autant par la main comme si c’était notre première fois, encore plus dans des zones bien moins labyrinthiques qu’avant, et surtout avec ce foutu scanner qui aujourd’hui gave tout le monde, pourtant obligatoire pour ne pas louper le 100 % du Codex alors que la moitié des choses qui s’affichent en vert fluo ne rajoute même pas un point de données. Oui c’était sympa de retrouver Samus, mais encore une fois « Tout ça pour ça... ».

Conditions de test : effectué à partir d’un code review, et a pris son temps pour trouver le véritable intérêt du projet.

Comme bien des gens, j’ai eu « la » GameCube et comme bien du monde là encore, j’avais bien mieux à faire en 2004 que de me procurer les nouvelles pérégrinations de la boule rose de Hal Laboratory, surtout vu la relative épaisseur de mon porte-monnaie (très fitness à l’époque). A regret bien sûr, non pas pour la culture, mais allez regarder la côte du jeu aujourd’hui. Et 20 ans plus tard, alors que personne ne lui avait demandé car tout le monde avait autre chose à lui demander, Masahiro Sakurai nous refile donc une suite sous le nom de Kirby Air Riders, forcément plus complète et plus profonde, mais dont le sens du timing nous échappe totalement. Pourquoi diable sortir un jeu pareil alors que Mario Kart World s’apprête à fêter noël, et que la machine doit déjà accueillir Sonic Racing CrossWorlds dans quelques jours ?

Mais bon admettons, maintenant il est là donc c’est quoi Kirby Air Riders ? Si vous ne connaissez pas la licence et que vous avez esquiver les deux Direct dédiés (deux !), sous ses apparences d’énième jeu de courses façon party game se cache tout de même une expérience diamétralement différente en terme de gameplay. Les cadors le disent encore aujourd’hui : une bonne maîtrise de Mario Kart en 150cc implique d’assurer sa course sans jamais ralentir. Kirby Air Riders, c’est totalement l’inverse. Ici, le personnage accélère automatiquement jusqu’à sa vitesse de pointe et le bouton principal est un frein brutal pour pouvoir mieux aborder les courbes parfois bien sales. Tout le gameplay réside là-dedans. Si vous maintenez le frein, vous ralentissez sévèrement tout en augmentant une jauge de boost pour repartir encore plus vite, tandis que les courbes plus abordables pourront être traversées en se contentant de tapoter le frein. Vous ajoutez à cela quelques objets sur le chemin pour attaquer automatiquement l’ennemi, une attaque spéciale (seule réclamant un autre bouton), et quelques petites features comme le boost en restant dans la trajectoire d’un opposant et de même lorsque vous retombez sur le bon angle après un saut.



C’est donc très simpliste mais seulement en apparence car la courbe de progression est en fait incroyablement élevée tant le sens du timing va être la clé, en plus du besoin de s’attarder un minimum sur la meta du jeu. Alors côté casting, on reste surtout dans une affaire de stats comme chez la concurrence, la seule différence étant que le casting est vraiment pour les fans hardcore de Kirby si tant est qu’ils existent car même moi, qui a goûté un paquet d’épisodes et parfois avec un très grand plaisir, j’ai eu l’impression d’avoir un roster composé à 90 % des la tiers liste de MKW (genre l’équivalent de la vache ou la chauve-souris). Allez, petite mention tout de même aux représentants de Adventures of Lolo qui m’ont rappelé de très bons souvenirs de la NES (et l’occasion d’apprendre que c’était justement un jeu HAL Laboratory). Les choses sont en tout cas bien différentes pour les véhicules où chacun va avoir un style diamétralement opposé et doté de features rigolotes, plus difficiles à comprendre que l’étoile de base, mais très stratégique en fonction des circuits.

Le problème dans ce jeu, et la note l’atteste, c’est que si je ne remet aucunement en question la profondeur inattendue du projet, son intérêt continue lui de m’échapper totalement. C’est bordélique pour pas grand-chose, ce n’est finalement pas si fun, ce n’est même pas très fan-service et peut-être à cause de tout cela en plus du fait qu’il y a mieux sur le même support, à l’arrivée, on n’a même pas la motivation de chercher la performance dans un jeu totalement secondaire et qui le deviendra encore plus une fois déserté en ligne (le solo n’a aucun challenge). On n’est pas dans Smash Bros là, même si Kirby Air Riders tente d’en singer l’enrobage avec ses multiples sous-menus et sa tonne de choses à débloquer via des défis en surnombre au point que rares seront les élus à se revendiquer du 100 %. Le travail est là, mais on se demande pourquoi avoir fait autant pour une matière première aussi simpliste. Car de mon point de vue, et pardon de la brutalité, Kirby Air Riders est une sorte de mini-jeu XXL. Vous prenez juste 2-3 circuits et disons 4 persos, ça peut passer comme un des mini-jeux d’un épisode canonique. En multiplier le contenu ne transcende absolument rien, juste que l’on a maintenant davantage de quelque chose qui n’en méritait peut-être pas autant, et encore moins à 60€.

D’ailleurs, des modes de jeu, on aurait tendance qu’à en retenir que deux. Les circuits déjà, surtout en ligne, vu que c’est un peu la base, et le fameux mode multi il faut avouer assez bien trouvé, avec son arène hub à déplacement libre pour débusquer des bonus à stats tout en piquant ceux des autres avant d’activer l’épreuve pour en profiter. C’est assez cool, mais après quelques sessions, on se lasse. Le mode Road Trip part également d’une bonne idée dans son enchaînement d’épreuves et de boost façon rogue jusqu’à des boss pour en fait découvrir tout ce que le jeu a à apporter, mais vu la longueur de chaque session (environ 1h), on souffle avant la fin d’une seule mais reconnaissons encore une fois la capacité de Sakurai à tenter des trucs originaux. Le dernier mode façon Micro Machines est tout simplement mauvais (et d’une mollesse) donc inutile d’aller plus loin.

Conditions de test : effectué sur Switch 2 à partir d’un code review, avec une grosse pause en cours de chemin car mon fils a piqué la console. Promis, le test de Kirby Air Raiders arrive très vite aussi.

En matière de Musô, l’entente perdure entre Koei Tecmo et Nintendo, déjà pas mal pour ce qui est de Fire Emblem pour devenir hautement rentable quand on parle de The Legend of Zelda. On partait pourtant d’un simple spin-off ré-exploitant de manière assez classique l’essentiel de la franchise, avant de passer à des choses surprenamment plus sérieuses avec L’Ère du Fléau, cette sorte de relecture de Breath of the Wild au point que nombreux seront les malheureux ayant acheté le jeu en pensant avoir affaire à une suite (perso j’en connais deux). Quelques années plus tard, c’est cette fois la partie Tears of the Kingdom qui se retrouve exploitée et cette fois non pas par une histoire remixée mais bien quelque chose de purement canonique, mettant en scène les aventures de Zelda lorsqu’elle fut expulsée dans le passé lointain de Hyrule. L’idée n’est pas mauvaise, mais on espère quand même que c’est la dernière…

Parce que, histoire d’entrer de suite dans le vif du sujet, le principal problème pour Les Chroniques du Sceau même du point de vue d’un fan de Musô, c’est que ce nouvel épisode se destine non pas aux adorateurs de la franchise Zelda -de manière globale on entend- mais bien uniquement à ceux de l’univers porté par les épisodes Switch. Alors ils sont nombreux c’est certain, mais ils sont également très nombreux à considérer avoir suffisamment fait le tour du sujet depuis bientôt 10 ans avec BOTW et son Season Pass, Hyrule Warriors 2 puis Tears of the Kingdom. La saga Zelda a su perdurer dans le temps par son renouvellement constant et quelques changements drastiques de DA, et on ose dire commencer à avoir un peu trop goûté à la même depuis trop d’années. Puis aussi, avouons-le quitte à se prendre les foudres de ceux qui ont un tatouage de la triforce sur la fesse droite ou gauche : qui en avait quelque chose à faire de ce qu’a pu vivre la princesse ? Hm ?



On reconnaîtra néanmoins que Zelda bénéficie d’une bonne prise en main avec son statut de guerrière, et que le casting a le mérite d’être globalement inédit bien que peu mémorable scénaristiquement parlant. 19 personnages, chacun avec leurs spécificités niveau gameplay pour apporter de la variété mais tous les efforts seront incapables de voler la vedette au « Golem Mystérieux », tout simplement l’astuce trouvé par les développeurs pour nous fournir un équivalent de Link. Un personnage indéniablement classe, plaisant à maîtriser, et qui est en fait la principale force narrative d’un scénario dont on connaît les principaux enjeux. Avec lui, on a même un petit clin d’œil aux spécificités du jeu de base avec une transformation en espèce de piaf dans de rapides phases façon Panzer Dragoon. Plutôt cool, au point de regretter que Omega Force n’ait pas davantage creusé l’idée en nous proposant d’autres styles de transformations dont s’est délecté la communauté sur les réseaux sociaux. Genre le mécha géant à grosse poitrine qui tire des rayons lasers avec son zizi, ça aurait été audacieux.

Le gameplay n’a donc rien de surprenant pour le genre avec l’enchaînement de touches Y/X et la petite furie à placer quand la jauge est remplie. Dès le premier Hyrule Warriors, Koei Tecmo avait mis en avant sa mécanique de stun que l’on retrouve face à chaque gros morceaux, mais on va un peu plus loin que l’esquive/parade parfaite pour aller plus vite, déjà avec des compétences énergétiques à activer « au bon moment ». Les guillemets n’ont rien d’innocent vu qu’à l’instar de BOTW/TOTK, l’activation du menu de compétences ou celui déroulant place l’action en semi-pause pour bien prendre son temps avant de balancer votre contre (et le bon en fonction du placement). Le jeu réutilise d’ailleurs plusieurs des objets à éléments pour ici une plus grande prise en compte des points faibles (astuce en or : les arbres, ça aime pas le feu, et ouais), et le Golem Mystérieux pourra même exploiter de simples objets pour des attaques spéciales. Tout y est, même les korogus à trouver dans les différents stages.



Sorti des phases en shoot, Les Chroniques du Sceau se montre efficace bien que sans grande surprise même pour le genre. Le jeu se concentre essentiellement sur sa campagne assez copieuse de plus de 20h pour le fil rouge comme une bonne partie des choses annexes que l’on fera sur le chemin avant tout pour le level-up et le boost de notre matos, sans trop chercher à fouiner la meta profonde à moins de se tourner ensuite vers le mode difficile bien plus compliqué à appréhender, notamment dans les segments sous chrono. La présentation reste assez cool avec ses trois maps en lien avec le modèle (terre, air, abysses) sur lesquels se placeront tout plein d’icônes à chaque passage clé. Difficile d’y revenir ensuite faute de vrai mode annexe et un coop toujours très chiant à mettre en place par la présence de missions uniquement jouables en solo, mais gageons que le contenu se garnira plus tard avec un inéluctable Season Pass. On connaît la chanson.

Pour conclure et comme dit plus haut, la véritable appréciation de ce Hyrule Warriors 3 viendra avant tout de votre affiliation avec Tears of the Kingdom et du sentiment de ras-le-bol ou non. Pour le reste en étant objectif, le jeu fait clairement son taf et les choses s’enchaînent suffisamment rapidement pour garantir un bon plaisir de jeu à détruire les différentes armées démoniaques par un déferlement abusé (dans le bon sens du terme) d’attaques et d’effets explosifs à l’écran grâce aux compétences, jauge Musô et désormais attaques synchro entre deux alliés. Ce n’est évidemment pas à une perle graphique vu le moteur d’Omega Force qui chaque année a davantage fait son temps que la précédente, mais ça a au moins le mérite d’être globalement fluide grâce au 60FPS tout en nous fournissant suffisamment d’ennemis à l’écran. De quoi nourrir les fans pour les fêtes quoi, vu que ce n’est pas demain la veille que nous aurons un nouveau Zelda débordant d’ambitions.