Tchô Gamekyo,

Je pense que le jeu n’a échappé à personne (j’ai même l’impression que c’est la seule annonce du NDirect de mercredi que les gens ont retenu... et je ne peux pas leur donner tort), Square-Enix a tout juste dévoilé un nouveau Tactical RPG nommé Project Triangle Strategy (paie ton nom pas inspiré), visiblement très inspiré des meilleurs du genre, à savoir Tactics Ogre et FF Tactics, et a proposé une première démo dans la foulée.



Je suppose que pas mal d’entre vous s’y sont essayé, qu’en avez-vous pensé ?
Est-ce que ça correspondait à vos attentes vis-à-vis du trailer ? A vos attentes en tant que fan de RPG/T-RPG ? A moins que vous ne découvriez totalement le genre ?

Perso, j’étais agréablement surpris au départ, mais en réfléchissant je me rends compte qu’il y a des choses qui ne vont pas, principalement côté scénario. Le jeu souffre, de mon point de vue, du même syndrome qu’Octopath (est-ce surprenant ? Pourtant le gros de la team semble différent entre les deux jeux), à savoir un univers et des personnages qui, sur le papier, ont l’air complexes, matures, bien écrits, mais quand on « lit entre les lignes », on voit tout de suite que ça ne tient pas debout.

Je n’ai pas grand-chose à redire sur l’habillage (graphismes, OST, présentation de l’univers), c’est beau, c’est chouette, ça met dans l’ambiance. Niveau gameplay, c’est cool aussi, on retrouve le plaisir des joutes en tactical avec suffisamment de possibilités pour se faire plaisir niveaux stratégies, les combats semblent plutôt bien équilibrés (encore que dans ma seconde bataille, tous les ennemis attaquaient à distance et ont focus mes mages qui sont morts très rapidement sans que je puisse faire grand-chose...) et il y a de bonnes idées. Le système de choix à conséquence via la balance des convictions est aussi une bonne idée, pour le simple fait de proposer des embranchements scénaristiques qui peuvent même donner lieu à des chapitres/batailles différentes.

Par contre niveau écriture, aïe ! Comme Octopath, les dialogues donnent l’impression d’être bien écrits sur la forme (langage soutenu, vocabulaire recherché, thèmes et questionnements sérieux, etc.), mais fait preuve de grosses incohérences sur le fond. On reste dans un certain manichéisme, et nos héros, aussi intelligents qu’ils le paraissent, ne semble jamais arriver à anticiper les évidentes machinations du vilain royaume ennemi (qui montre pourtant assez rapidement qu’il est méchant et sans scrupules). Ca créé vraiment un décalage d’ailleurs, tant l’univers visuel et les répliques travaillées des persos nous fait sentir que le jeu est « sérieux », on a envie d’y croire, mais il suffit de lire entre les lignes pour voir que ça ne tient pas la route. J’admets avoir plutôt accroché au scénar au début malgré les obligatoires clichés, jusqu’à ce que je tombe sur la vidéo d’ExServ qui souligne assez durement les incohérences pourtant évidentes de l’écriture (à partir de 1h de vidéo)...

Alors certes, avec les JRPG on commence à avoir l’habitude (même s’il ne faut pas que ça nous fasse oublier que certains JRPG plus anciens avaient effectivement de bons scénars et une bonne écriture...), et ça ne serait pas un problème si le scénario et les cinématiques ne prenaient pas une place aussi importante dans le jeu !
Bref j’en dis pas plus, je détaille point par point mon ressenti après pour ceux que ça intéresse, mais dans l’immédiat, ça sent vraiment le syndrome Octopath : c’est beau et prenant sur le papier, avec de très bonnes idées de gameplay mais qui risquent bien d’être mal utilisées/exploitées, d’autant qu’à côté le scénario et les dialogues sont bien parti pour être indigestes. On va attendre d’en savoir plus, mais je reste très méfiant.




Et donc vous, qu’en avez-vous pensé ?

Salut Gamekyo !

Me voici de retour pour une chronique RPG, cette fois sur un jeu que vous connaissez probablement tous, au moins de nom ! Mais connaissez-vous son histoire ? Si la plupart d’entre vous êtes déjà au courant qu’il s’agit du premier épisode de ce qui deviendra la seconde grande série de Squaresoft, les SaGa, j’ai l’impression en revanche que peu de personnes, tout du moins en Europe, mesurent la portée historique de ce titre et ses innovations apportées au JRPG. Une méconnaissance sans doute liée au fait qu’aucun des jeux de cette première trilogie « Final Fantasy Legend » n’étaient jusque-là sortis officiellement chez nous... Sans compter qu’ils se révèlent de toute façon moins accessibles que les RPG auxquels nous auront effectivement droit, comme Mystic Quest et Secret of Mana. Je profite donc de la sortie de la « Compilation of SaGa » le 15 décembre dernier pour revenir sur le tout premier épisode de cette série culte, et pourtant trop souvent relégué au second plan...





L’autre fantaisie

Nul n’ignore maintenant l’histoire de Squaresoft, modeste entreprise de développement de jeux en difficulté financière dans le milieu des années 80, et sauvée en 87 par le pari fou de Hironobu Sakaguchi et son RPG Final Fantasy. Fort de ce succès inattendu, il est logique de mettre en chantier une suite, Final Fantasy II, qui connaîtra elle aussi le succès. Parallèlement, les histoires de fantasy se font connaître du grand public, et le genre RPG prend son essor au Japon sur consoles dans le sillage de Dragon Quest et FF : Phantasy Star, Megami Tensei, Ys (la plus accessible des productions Falcom à l’époque), Wizardry, Glory of Heracles, et tant d’autres.

En 1989 débarque aussi une console qui changera la face du jeu vidéo : la Gameboy (la ou le, faites comme vous voulez mais ne venez pas me les briser ), accompagnée du non-moins mythique Tetris, qui, au Japon comme ailleurs, fait un carton.

Squaresoft envisage donc très vite de sortir un jeu sur la petite nouvelle de Nintendo, intéressé par ses capacités portatives (et surtout par l’appât du gain, vu le succès de la console). C’est d’ailleurs bien le succès de Tetris que Masafumi Miyamoto, PDG de Square de l’époque, a dans le viseur quand il demande à ses équipes de créer... un puzzle game !

Désignés pour réaliser ce projet, Akitoshi Kawazu, auteur des battle systems des deux premiers FF, et Kôichi Ishii, lui aussi ayant œuvré sur FF et futur créateur de la série Mana, réfléchissent un temps à la proposition... avant de finalement conclure que ce que les joueurs attendaient sur Gameboy serait plutôt un RPG. Cela doit vous donner une idée de l’importance qu’avait acquise le genre déjà à l’époque...

Si l’on ne peut que bénir les deux compères d’avoir fait cette décision, elle tient certainement plus en réalité à leurs envies personnelles : tous deux sont, comme Sakaguchi, férus des jeux de rôle américains sur table et sur ordinateur qui sont timidement arrivés sur le sol japonais à la fin des années 70. D’ailleurs, si Sakaguchi s’inspira sans vergogne de l’univers de Donjons & Dragons pour créer son Final Fantasy, Akitoshi Kawazu empruntera lui aussi son univers d’un autre JdR connu, bien plus atypique : Gamma World.
En effet, ce JdR mêle allégrement les éléments de fantasy médiévale et ceux de la science-fiction : les joueurs y évoluent dans un monde post-apocalyptique basé sur des périodes historiques revues à la sauce SF : Moyen-Âge, Renaissance... On peut choisir son personnage parmi 4 classes appelées « génotypes » : humain pur, mutant, animal-mutant ou plante-mutante. L’univers du jeu possède un fond sérieux, autour des thèmes de la reconquête humaine de la nature, des modifications génétiques et des civilisations perdues, mais garde globalement un ton très humoristique. Autant d’éléments que l’on retrouvera dans le RPG de Kawazu.

Au final, le projet réunira une belle Dream Team composée de nombreux futurs talents de Square : aux côtés de Kawazu et Ishii travailleront sur le scénario du jeu Hiroyuki Itô (créateur du système ATB dans FF, puis directeur des épisodes VI, IX et XII) et Takashi Tokita (scénarios de FFIV et Parasite Eve). Ce dernier œuvrera aussi sur les sprites et le chara design du jeu, tandis que Ryoko Tanaka réalisera les décors. Nobuo Uematsu officiera aux musiques (car à l’époque, le bonhomme faisait encore autre chose que Final Fantasy), et s’il sera remplacé par Kenji Itô à partir de SaGa 2 qui instaurera sa patte musicale sur le futur de la série, il aura néanmoins laissé plusieurs pistes mémorables sur ce premier épisode. Bref, il n’y avait pas que Sakaguchi qui s’avait bien s’entourer...



De la contrainte nait l’ingéniosité

Excités à l’idée du nouveau défi que représente la réalisation d’un RPG sur console portable, l’équipe du jeu se heurte néanmoins vite aux énormes limitations techniques de la Gameboy, bien plus restrictive qu’une Famicom, d’autant qu’elle vient seulement de sortir et qu’il faut comprendre ce nouveau hardware. Les cartouches sont encore limitées en taille, et ce nouveau RPG devra tenir sur 1 Mbit, soit... 128 Ko.

Les graphistes se démènent pour retranscrire de façon efficace les éléments du jeu en noir et blanc, et s’arrachent les cheveux par exemple sur les effets de flamme. Uematsu est lui aussi dérouté par les nouvelles restrictions audio, à la fois proches et différentes de la NES. Ça ne l’empêche pas de livrer une fois de plus une OST remarquable de plus d’une quinzaine de pistes, dont certaines devenues cultes comme le thème de l’écran titre. Leur seul défaut aujourd’hui reste d’être bien courtes, chose imputable aux limitations de la cartouche.

Petit florilège personnel :
Prologue
Main Theme
Knights of the Demon World Tower
Heartful Tears
Town Theme
Furious Battle

Bref, toutes ces restrictions obligent Kawazu et son équipe à repenser totalement leur approche du RPG, et à rivaliser d’ingéniosité pour faire tenir un maximum de choses dans la cartouche. Sans concéder leurs ambitions pour autant.

Ainsi, le jeu est pensé pour être terminé en un long trajet équivalent à un vol Tokyo Narita -> Honolulu. Ce choix arbitraire vous paraîtra peut-être moins incongru si je vous dis que Hawaï a depuis toujours été une destination de vacances privilégiée des japonais ! L’aventure prend donc pas loin d’une dizaine d’heures, ce qui pour l’époque est phénoménal sur Gameboy.

Les développeurs mettent aussi un point d’honneur à développer leur jeu sur la base d’une expérience portative, où l’on peut jouer par sessions courtes tout en ayant le sentiment d’avancer. Les environnements du jeu, autant par volonté d’être facilement lisibles sur petit écran que par besoin d’économiser de la mémoire, sont arrangés de façon à ce que les différents lieux soient assez proches les uns des autres et que le joueur les repère facilement sans avoir à explorer pendant des heures. Le concept de tour à escalader, dont on reparlera plus tard, est aussi issu de cette réflexion, grâce à des paliers relativement restreints. Le taux de rencontre aléatoire est en revanche rehaussé pour s’assurer qu’il se passe toujours quelque chose d’intéressant pour le joueur, même sur une courte partie.

Kawazu va même plus loin encore et repense aussi le confort de jeu pour l’adapter aux parties nomades : ainsi, il est possible de maintenir le bouton A pour que les dialogues d’exploration et de combat passent plus vite. De la même manière, les commandes de combat du tour précédents sont enregistrées, et il suffit de maintenir ce même bouton pour relancer les mêmes commandes rapidement et accélérer ainsi le rythme des combats contre les ennemis les plus faibles. Des choses qui nous paraissent évidentes aujourd’hui, mais c’était loin d’être le cas à l’époque !

D’une manière générale, Kawazu estime que le plaisir de jeu réside dans la simplicité d’utilisation de ce dernier. Il simplifie ainsi l’interface des menus en rangeant tous les objets, équipements et actions dans la même fenêtre. L’idée peut paraître brouillonne, mais fonctionne plutôt bien à partir du moment où il n’y a que 8 emplacements à gérer. D’autres petits ajouts sont mis en place pour optimiser le temps des parties, comme le fait qu’une action (parler à un PNJ, ouvrir un coffre, etc.) se fait automatiquement simplement en appuyant dans la direction de l’élément avec lequel interagir. Enfin, le jeu implémente dès le départ la possibilité de sauvegarder à n’importe quel moment grâce à une pile de sauvegarde. Ce qui ne l’empêchera pas d’être horriblement difficile...



Aux antipodes du RPG

Cette difficulté est cependant voulue par Akitoshi Kawazu, qui souhaite créer un RPG complexe et à destination des joueurs aguerris, et prenant le contrepied total de Final Fantasy et Dragon Quest qui se voulaient être des RPG accessibles au grand public (dans le sens où les mécaniques sont simplifiées par rapport aux jeux de l’époque, et non pas par rapport à la difficulté... qui était de toute façon vécue différemment aussi).

C’est ainsi qu’apparaît un principe unique dans le JRPG à l’époque (et même encore aujourd’hui) : les personnages disposent de trois cœurs symbolisant leur nombre de chances avant une mort définitive ! Il reste possible de regagner des cœurs en jeu, mais moyennant des sommes astronomiques. Une idée étonnante qui sera pourtant familière aux rôlistes, puisqu’étant finalement une retranscription en jeu vidéo du principe des points de destin que l’on trouve dans beaucoup de JdR sur table. Le principe, devenu très populaire, sera repris et transformé dans les futurs épisodes de SaGa.

Pour donner du sens à cette difficulté, Kawazu propose des idées originales :
Si Final Fantasy permettait de sélectionner diverses classes de départ, Makaitôshi Saga propose au joueur 3 races : Humain, Mutant... et Monstre, chacune disposant de son type d’évolution propre. Ainsi l’humain se renforce en fonction de ses équipements et peut augmenter ses stats via des potions, quand le mutant reprend le principe mis en place dans FF2 où les stats, en y ajoutant cette fois les sorts et compétences, sont gagnés en fin de combat en fonction des actions du personnage. À peine établi quelques années avant, le principe d’expérience et de niveaux est complètement écarté !
Plus perturbant encore, le monstre évolue en dévorant la viande d’autres monstres que ces derniers lâchent parfois en fin de combat. Original sur le papier, la transformation dépend de critères obscurs et non mentionnés dans le jeu, le résultat est aléatoire et ne garantit aucunement que le personnage évoluera vers une meilleure forme, c’est même souvent le contraire ! À moins d’avoir un tableau des transformations sous la main, la race de monstre équivaut un peu à jouer à la roulette russe avec cinq balles dans le barillet... mais représente une des composantes les plus novatrices et amusantes du jeu. Les plus malins (et patients) peuvent ainsi s’amuser à obtenir le monstre ultime dès le premier monde traversé...
Ces trois races sont suffisamment variées pour permettre de constituer son équipe comme on l’entend et assure une bonne rejouabilité au jeu, en sachant qu’on peut recruter de nouveaux compagnons en cours d’aventure si besoin (quitte à devoir les entraîner de zéro...).

Kawazu estime aussi que le fait d’être limité à équiper une seule arme comme dans les RPG jusqu’ici est un problème. Pour SaGa 1, il fait en sorte que le joueur puisse dorénavant équiper plusieurs types d’armes différentes à la fois, allant des classiques épée/lance/hache aux plus folkloriques pistolets, bazookas, épées laser, fouets ou tronçonneuses... La force de chaque arme repose sur un attribut spécifique, et certaines sont liées à la force, d’autres à la dextérité, d’autres encore font des dégâts fixes. Cette variété d’armes à disposition et aux puissances d’attaque variables permet au joueur d’adapter plus facilement sa stratégie en fonction des combats, chose que ce dernier est effectivement contraint de faire : les armes comme les magies ont une durabilité et peuvent se perdre définitivement !

En bref, Makaitôshi SaGa chamboule complètement les codes du RPG, genre pourtant très jeune. Malgré tout, le jeu ressemble dans les grandes lignes à un RPG de l’époque : le joueur, lâché dans l’aventure avec pour seule introduction une histoire de tour mystérieuse qui détiendrait la clé du paradis, doit comprendre la marche à suivre avec les indices que lui donnent les PNJ, subissant les nombreux combats aléatoires et ardus. Le scénario n’est pas bien complexe malgré quelques plot-twists très novateurs pour l’époque, et la mise en scène est réduite à sa plus simple expression. Mais l’erreur ici, est de croire que, sous prétexte du minimalisme et des faibles exigences des standards narratifs de l’époque, le jeu n’a rien à raconter. Car le monde que dépeint SaGa 1, aussi absurde et déconcertant qu’il puisse paraître, est unique dans le RPG japonais de l’époque.



Un monde sans foi ni loi

Les histoires de fantasy jusqu’alors nous avaient habitué à un archétype scénaristique rarement remis en cause : le monde sombre dans le chaos, généralement par la domination d’un être maléfique, et un ou plusieurs héros « élus » se dressent pour l’affronter et rétablir l’ordre et la paix. Le prologue de SaGa 1 part plus ou moins sur les mêmes prémices : un monstre nommé Ashura a pris le pouvoir et ses sbires tyrannisent les populations, faisant de leur vie un enfer. Seule persiste cette légende racontant qu’un paradis se trouverait en haut d’une tour mystérieuse au centre du monde et qui s’élève vers les cieux, telle la tour de Babel. La référence biblique n’est pas anodine une fois que l’on apprend qui tire les ficelles de ces abominations...

Tout ceci semble bien classique, avec une subtile différence : loin d’incarner un « héros » au sens noble du terme, le joueur ne vaut pas plus que n’importe quel individu lambda de ce monde, car tous ou presque cherchent à s’évader de cette vie de cauchemar en relevant le défi de la légende. Son équipe, qu’il peut recruter à la volée et dont il peut remplacer les membres à loisir (on peut même recruter des monstres, ou en être un soi-même...), correspond plus à un groupe de hors-la-loi motivés par l’appât du gain et par le frisson de l’aventure qu’à des élus sauveurs. Ce qui ne les empêchera pas, en atteignant leur objectif, de sauver le monde par la même occasion... On reste dans un JRPG, après tout !

Le monde extérieur suit cette même logique de monde sans foi ni loi : aucun individu ne leur rendra service sans contrepartie, certains même les attaqueront sans vergogne, les ennemis rencontrés pouvant aussi bien être des démons que des humains.

Ce sentiment d’un monde dur et brutal est accentué par les répliques des PNJ, succinctes, brutes, bourrues, et ne s’embarrassant pas des conventions d’usage : ainsi les commerçants nous accueillent d’un なんのようだ！ (Tu veux quoi !) agressif, tout comme ils nous rabrouent d’un おい　ぜにが　たんねーぞっ！ (Hé, t’as pas assez de thunes !) si notre portefeuille fait grise mine. Nos héros eux-mêmes sont loin d’être des bisounours, entre un かんしゃは　ともかく　ほうびのほうは？ (On s’en fiche de ta gratitude, où est la récompense ?) trahissant leurs motivations matérialistes, ou même un virulent てめえの　ようなやつが　1ばん　むかつくんだよ (C’est les types dans ton genre qu’on déteste le plus) après avoir tabassé à mort un ministre crapuleux !

Un ton inhabituellement outrancier pour l’époque, que Kawazu avoue avoir choisi principalement par souci de réduire les textes du jeu pour économiser de la place. Mais par ce choix, les dialogues du jeu lui ont donné une saveur unique et auront marqué beaucoup de joueurs japonais. La traduction anglaise, en plus d’être encore plus limitée en caractères, adoucit beaucoup de choses et rend malheureusement le texte assez banal. Ce n’est donc pas ce que les occidentaux retiendront du jeu...



Une quête épique au-delà du minimalisme

Dans ce monde où règne la loi du plus fort, nos « héros » ne finiront par gagner leur réputation qu’en parvenant à accéder aux étages avancés de la tour, qui ne s’ouvrent que grâce à des orbes gardés par les sbires d’Ashura : Genbu, Seiryû, Byakkô et Suzaku. Vous avez sûrement déjà vu ces noms dans une multitude d’autres œuvres japonaises, puisqu’il s’agit des quatre divinités représentant les quatre points cardinaux dans l’astrologie chinoise. Makaitôshi SaGa est l’un des premiers jeux (si ce n’est le premier) à leur faire référence. Jouant le même rôle que les 4 démons dans Final Fantasy, ils ont tout de même un peu plus d’importance scénaristique que dans ce dernier, dans la mesure où ce sont les dictateurs de chacun des mondes traversés par le joueur.

En plus du monde à la base de la tour, assez proche des univers médiévaux devenus communs, le joueur découvrira en escaladant la tour un monde aquatique où il devra trouver le moyen de respirer sous l’eau ; un monde céleste sous la domination de Byakkô qui cherche à éradiquer un groupe de résistants (nos héros participeront même ponctuellement à la traque) ; un monde futuriste post-apocalyptique façon Hokutô no Ken où les survivants tentent tant bien que mal d’échapper à la fureur de Suzaku ; auxquels s’ajoutent quelques endroits étonnants comme un paradis où les habitants semblent étrangement apathiques, suivi d’un enfer empli de pics et de démons pour punir les pécheurs ayant tenté d’atteindre le sommet...

Ce changement rapide d’environnements, assez atypique pour l’époque, créé un sentiment de surprise constant pour le joueur, qui le pousse à poursuivre toujours plus avant l’aventure pour voir ce que le jeu lui réserve. Les mondes visités sont si différents qu’il ne semble pas y avoir de cohérence entre eux, faisant du jeu un espèce de pot-pourri improbable qui échapperait à tout logique. C’est d’ailleurs tout le jeu qui donne cette impression, entre la variété des races et des apparences de ses habitants (le début du jeu nous fait même jouer les entremetteurs pour un mariage inter-espèces entre un roi humain et une fille mi-extraterrestre, mi-slime à un œil !), ou le panel d’armes et d’équipements mélangeant allégrement medieval fantasy et science-fiction, comme évoqué plus tôt. Makaitôshi SaGa est étrange, rocambolesque, mais c’est justement pour cela qu’il nous fascine.

Cet univers improbable est ce qu’on retient le plus lors d’une première partie de SaGa 1, pourtant l’attrait du jeu ne s’arrête pas à son univers ou à son gameplay. Malgré sa narration minimaliste, SaGa 1 n’est pas exempt de moments forts, surtout dans sa deuxième moitié. Le monde post-apocalyptique est notamment un des plus marquant, entre le fait que l’on s’y déplace en moto volante, ou que l’on doive récupérer du plutonium dans un réacteur nucléaire pour affaiblir Suzaku, que l’on affrontera finalement lors d’un duel au sommet... d’un train.
Une autre scène marquante, surtout pour les joueurs japonais, sera la trahison de Mireille, sœur jumelle de Jeanne, les deux survivantes du groupe de résistants que Byakkô cherche à supprimer. Alors que nous pensions la sauver, Mireille nous révèle qu’elle a toujours été intéressée par le pouvoir et avait rejoint Byakkô de son plein gré, jouant avec les bonnes intentions du joueur et le prenant au dépourvu. Il faudra que sa sœur aille jusqu’à se sacrifier pour elle pour qu’elle se rende compte de son erreur. Son attitude particulièrement mesquine lui vaudra d’être considérée comme l’une des trois pires femmes issues d’un jeu Square (j’ai déjà abordé le cas d’une autre, Yoyo, à la fin de mon article sur Bahamut Lagoon l’année dernière).

Mais s’il y a bien une scène qui a surpris et marqué les joueurs de l’époque, c’est sans conteste le combat final, celui qui survient après avoir vaincu Ashura. Permettez-moi de vous spoiler cette scène sans détours (ou alors, passez directement au chapitre suivant) : dès le début de l’aventure, le joueur rencontrera un mystérieux individu au chapeau haut-de-forme, semblant être en décalage avec les autres habitants du jeu. Sans nous en expliquer la raison, il nous donne des indices cruciaux sur la façon d’accéder aux étages supérieurs de la tour. Le joueur ne découvre la supercherie qu’à la toute fin : il s’agit carrément du Dieu de ce monde (il est nommé Kami en japonais, Creator en anglais), et a fabriqué de toutes pièces cette histoire de tour, de paradis, de démons et d’Ashura... par ennui ! Magnanime, il propose néanmoins aux héros de son jeu macabre d’exaucer leurs souhaits, mais ses derniers se rebellent bien évidemment contre leur « créateur », prenant alors en main les rênes de leur propre destin... Un combat lourd de sens métaphorique s’ensuit, faisant le parallèle entre les créateurs du jeu et le défi qu’ils souhaitent offrir aux joueurs, et ces derniers qui surmontent cet ultime défi pour s’approprier leur œuvre, le monde du jeu. Du génie. Le combat sera resté dans les mémoires comme un des plus difficiles dans le JRPG (même si un bug permet de tuer ce boss en un coup grâce à la tronçonneuse !), et ce n’est pas son seul héritage, car l’on retrouvera par la suite la figure d’un dieu « fou » comme principal antagoniste dans bon nombre de futurs jeux du genre... Vous avez dit Xenoblade ?



Naissance d’une SaGa

Makaitôshi SaGa est un précurseur. Après un développement d’environ 6 mois, il sort en décembre 1989, au tout début de la carrière de la Gameboy. C’est d’ailleurs le premier RPG sur la machine. Surtout, il n’hésite pas à bousculer les bases à peine établies du RPG pour proposer son propre univers et ses propres mécaniques afin de proposer une expérience de jeu exigeante, tout en se désolidarisant du nom pourtant très vendeur de Final Fantasy. Le pari de Squaresoft et de Kawazu et donc très, très risqué... Mais il paye. C’est même le gros lot : gratifié d’un 35/40 dans Famitsu, il s’écoule à plus d’un million d’exemplaires sur le sol japonais ! C’est d’ailleurs le premier jeu de Squaresoft à passer ce palier symbolique, car il faudra attendre Final Fantasy III l’année suivante pour que la série phare de Square atteigne ce score !

Au Japon, le jeu est félicité pour son ingéniosité et sa conception pensée pour le nomade. Surtout, il impressionne par la densité de l’aventure qu’il propose sur une machine aux limitations plus drastiques encore que sa consœur de salon. Un certain Satoshi Tajiri notamment, indiquera plus tard que le jeu lui a permis de se rendre compte que la console pouvait proposer plus que des jeux d’actions... ce qui le conduira plus tard à créer Pokémon sur cette dernière. Mais ce sont surtout, comme évoqué dans l’article, son univers atypique, ses mécaniques originales et ses répliques savoureuses qui marqueront les joueurs japonais.

Fort de son succès, Square met en chantier des suites : SaGa 2 sera lui aussi acclamé et deviendra l’épisode le plus culte de la trilogie, le 3 sera plus controversé à cause de grands changements dans le système de jeu mais restera néanmoins une réussite. Ces deux jeux bénéficieront de chouettes remakes sur Nintendo DS, mais pas SaGa 1, dont la dernière réédition remonte à 2002 sur WonderSwan Color... Le jeu y propose une belle rehausse graphique 16-bits et plusieurs changements bienvenus (on peut enfin voir le résultat d’une transformation avant de manger la viande d’un monstre...), mais reste globalement la même expérience. Ce remake ressortira en 2007 sur les mobiles japonais, mais sans la plupart des changements apportés...

En toute logique, Square localisera le jeu en 1990 aux Etats-Unis. D’abord nommé « The Great Warrior Saga », il prendra finalement le nom de « Final Fantasy Legend », bien entendu pour profiter de la popularité du FF de la NES. Le succès est tout de même moindre : le jeu se vend à environ 200 000 exemplaires. Il est d’ailleurs plus critiqué par la presse et les joueurs américains, qui y voient un bon RPG mais déjà daté sur le plan graphique et rendu difficile par le manque d’indications, la complexité du système de jeu (notamment les transformations en monstre) et la fréquence des combats, déjà pas bien faciles. Pour beaucoup de joueurs, la présence du « Final Fantasy » dans le nom aura même été trompeuse, pensant retrouver la même expérience de jeu que les Final Fantasy sur NES et SNES. C’est d’ailleurs comme cela que la plupart des joueurs occidentaux s’en souviennent aujourd’hui : un bon RPG, mais bien en-dessous de ce que peut proposer la série mythique.
Sunsoft profitera malgré tout de la popularité de FF7 pour acquérir temporairement les droits de la trilogie Gameboy, et les rééditera en 1998 sans changer quoi que ce soit. L’idée paraît bonne, mais pour les joueurs qui se laisseront tenter, la comparaison avec le septième épisode de la fantaisie finale ne fera que porter préjudice aux jeux.

Ne parvenant à reproduire le succès japonais, SaGa ne percera jamais en Occident. Les épisodes SNES ne sortiront jamais du Japon (jusqu’aux récents remasters, du moins), et la trilogie GB ne fera même pas le chemin jusqu’en Europe, si ce n’est par le biais de l’import. La Collection of SaGa est donc la seule release officielle des trois jeux chez nous. Il était temps. Malheureusement, je doute que cela suffise à rendre à ce premier épisode les honneurs qu’il mérite...



Épilogue : faut-il encore jouer à Final Fantasy Legend ?

Malgré mon enthousiasme que vous avez certainement vu transparaître dans l’article, je dois admettre qu’il m’est difficile de recommander le jeu à tout le monde. Si l’on passe sur ses graphismes forcément très sommaires et sa narration préhistorique aujourd’hui, le jeu est en plus de ça exigeant et surtout, déroutant : le début du jeu est très punitif mais il devient presque facile arrivé à la moitié ; l’évolution des personnages est trop aléatoire ; la difficulté des combats est en dent de scie ; l’univers du jeu semble n’avoir aucun sens ; les indices sont abscons et nécessitent parfois d’explorer au petit bonheur la chance pour avancer... Bref, il n’était déjà pas très accessible à l’époque, il l’est encore moins aujourd’hui. Il a été surpassé par ses deux suites, plus abouties et accessibles quoique toujours difficiles (les remakes DS sont plus abordables). Il brisait certes les codes du RPG à l’époque, mais avec forcément beaucoup de tâtonnements et de contraintes dues au support. Et c’est d’autant plus flagrant aujourd’hui qu’après tant d’années d’évolution du genre, le joueur moderne ne peut que se sentir perdu et frustré.

Pourtant, c’est aussi à mon sens ce qui fait son charme, et qu’y rejouer maintenant est intéressant : non seulement pour ce que le titre a inspiré au reste de l’industrie et parce qu’il est le témoignage du chemin parcouru pour le genre, mais aussi parce que paradoxalement, il dispose aujourd’hui d’une forme de nouveauté rafraîchissante tant le système de jeu reste original et unique. Sa difficulté et ses archaïsmes en rebuteront certains, mais ils peuvent aussi constituer un challenge intéressant qui remettra en cause votre appréhension du JRPG, genre qui n’a eu de cesse de se simplifier au fil des années. En rejouant à SaGa 1, il faut tout réapprendre, comprendre sa logique, se réapproprier les mécaniques de jeu, sortir de sa zone de confort. Et parfois, ça a du bon.

En attendant, j’espère que vous avez apprécié la lecture, et comme d’habitude, n’hésitez pas à discuter du jeu en commentaires N'hésitez pas non plus à me dire si vous souhaitez être notifié pour les prochains articles !

Je vous laisse en musique sur un magnifique medley symphonique des thèmes du jeu. See you next time !

Salut Gamekyo !

Nouvelle année, nouveau format pour mes articles à propos des RPG rétro que je pense regrouper sous l’appellation « Chroniques » ! Je garde l’idée de parler d’anciens RPG sous différents angles, que ce soit celui du souvenir nostalgique ou à l’inverse de la découverte pure, sans chercher vraiment à en faire une critique, mais plutôt via une approche plus globale pour remettre le jeu dans son contexte et comprendre pourquoi il a marqué (ou non) son époque. Le tout en essayant de ne pas trop m’éparpiller pour fluidifier la lecture…

Si le format vous plaît et que les JRPG vous intéresse, n’hésitez pas à me le dire et je noterai votre pseudo pour vous notifier sur les prochaines articles, histoire de ne rien louper

Mon premier sujet de l’année sera donc Secret of Evermore, que j’ai pu finir pour la première fois durant les fêtes, entre deux ouvertures de cadeaux et trois apéros en famille Un jeu qui m’avait longtemps intrigué à l’époque pour son évidente similitude avec mon adoré Secret of Mana et que j’ai pu découvrir via l’émulation, mais pour finalement abandonner ma partie sans aller très loin. Il faut dire que le jeu est assez déroutant, surtout si on le compare à son aîné… Je vous propose donc un retour sur ce jeu paradoxal à bien des égards !





J’ai cru longtemps, comme beaucoup de gens, que Secret of Evermore était une « mauvaise suite » de Secret of Mana, mis en route par Squaresoft pour satisfaire le public occidental et pallier à l’absence de la « vraie suite » qui était Seiken Densetsu 3 (que l’on doit appeler maintenant Trials of Mana, même si je ne me ferais jamais à ce nom), jamais sorti du Japon, du moins jusqu’à tout récemment. Une idée reçue largement relayée à l’époque, y compris par la presse vidéoludique.
Il faut dire que tout a été fait pour rappeler le nouveau succès de Square, jusqu’au « Secret of » du titre. De fait, Evermore emprunte certes une bonne partie du gameplay de ce dernier, mais rompt tout lien avec l’univers de Mana et change complètement d’ambiance pour plaire au public occidental, supposément amateur d’action brute et de références grasses. Quitte à faire de nombreux déçus. S’il s’avère que l’absence de lien avec l’univers de Mana était intentionnelle, le jeu n’ayant jamais été pensé pour être inclus dans cette série, la rumeur possède tout de même un fond de vérité.

Un RPG fait par les américains, pour les américains

Au début des années 90, Squaresoft, devenu le maître du RPG au Japon en l’espace de quelques années, cherche absolument à conquérir le public occidental avec ses productions. Mais les équipes de Square se heurtent aux réticences de leurs représentants américains : les jeux sont jugés trop difficiles, trop complexes (et probablement pas assez « action ») pour le grand public occidental. Final Fantasy IV sortira aux États-Unis dans sa version « Easy Type » (et renommé Final Fantasy II pour l’occasion), et Secret of Mana sera heureusement suffisamment accessible pour sortir tel quel. En revanche, il faut faire l’impasse sur sa suite, pourtant annoncée en occident, tout comme sur Final Fantasy V, les Romancing Saga, Live-A-Live et autres merveilles de l’éditeur. Tout juste peut-on féliciter Square d’avoir daigné sortir en occident Final Fantasy VI et Chrono Trigger, même s’ils se sont cantonnés au territoire américain. Comme quoi, tout tient parfois à peu de choses...

L’accueil positif en occident de Secret of Mana les conforte dans leur démarche et ils cherchent donc à en reproduire le succès, mais cette fois avec un nouveau jeu taillé pour le public occidental. Et qui de mieux placé pour faire cela qu’une équipe de développeurs intégralement américaine ? Dès la fin de l’année 1993, Square confie en effet à Douglas E. Smith, alors producteur des jeux Square dans leur branche américaine basée à Seattle, le soin de monter une équipe pour faire un nouveau RPG, lui laissant une liberté quasi-totale avec une seule restriction (mais pas la moindre) : faire un RPG sur le modèle de Secret of Mana. Sauf que la branche USA de Square, jusque-là, ne développait pas de jeux, elle se contentait de gérer les affaires de la firme aux Etats-Unis et se chargeait de la localisation des jeux. Aidé d’un de ses anciens collègues Alan Weiss qui officiera comme second producteur et définira les bases du projet, Doug Smith recrute donc où il peut des jeunes développeurs triés sur le volet, pour la plupart d’entre eux débutants dans le métier…

Loin d’être un handicap, les idées fusent dans ce nouveau vivier de jeunes créateurs, et très vite un premier projet est monté, nommé Vex and the Mezmers. Le scénario de départ, basé sur des créatures capables de transporter les personnages dans des mondes oniriques, sera progressivement abandonné pour prendre plutôt une tournure de voyage à travers les époques (quand bien même l’idée de personnages transportés dans un monde imaginaire est toujours là), tandis que l’univers du jeu sera transformé en celui d’Evermore, qui finira par donner le nom final. Les bases du jeu, en revanche, sont déjà là, puisque l’équipe a le feu vert de Square pour s’inspirer allégrement de Secret of Mana… sans pour autant leur filer les assets : les programmeurs devront tout refaire de zéro par eux-mêmes !

Malgré leur manque d’expérience, ils parviennent à en récréer l’expérience globale, y compris la gestion des dégâts variables en fonction du pourcentage, le système de niveaux d’armes et de jauges à concentrer, et même le fameux menu en anneau. Le feeling de jeu de Secret of Mana est recréé à merveille, au point qu’on pourrait croire que c’est la même équipe qui s’est chargée des deux jeux ! L’équipe d’Evermore s’est même permise quelques améliorations pour un peu plus de souplesse, comme la possibilité de pouvoir changer de direction en courant, ou encore la simplification des statistiques du héros ou de la gestion de l’IA. D’ailleurs, contrairement aux alliés dans SoM, notre compagnon dans Evermore se coince rarement dans les murs…

Cela dit, la transposition ne pouvait pas non plus être parfaite, et les joueurs ont déploré de nombreux bugs lors de leurs parties… tout du moins chez les américains, car nombre d’entre eux seront finalement corrigés lors de la sortie européenne. Secret of Mana était déjà loin d’en être exempt, mais Evermore en cumule un peu plus, dont certains pouvant réellement gâcher la partie du joueur (beaucoup d’autres, en revanche, seront très utiles en speedrun ). Plus triste encore, les développeurs ne sont pas parvenus à intégrer le mode multijoueur qui avait fait les beaux jours du hit de Square. Ce fut une telle frustration pour les joueurs qu’un fan bidouilleur a créé un hack en 2005 pour rendre le jeu à deux possible !





Une identité déroutante et unique

Malgré tout, cela n’empêche pas le jeu de proposer aussi ses bonnes idées, à commencer par la coopération avec notre compagnon canin. À défaut de pouvoir proposer un mode deux joueurs, il reste possible pour le joueur d’alterner entre les deux personnages et donc de contrôler le chien, le seul à pouvoir franchir certains obstacles. Certains environnements du jeu comme la grande pyramide ou la station spatiale seront spécifiquement pensés pour jouer sur cette coopération, forçant le joueur à alterner entre les deux compères pour avancer. Le rôle du chien ne se limite pas à ces interactions, et peut aussi dénicher des ingrédients un peu partout à travers les environnements du jeu grâce à son flair.

Ces ingrédients sont la base de la seconde idée originale apportée dans Evermore : l’alchimie. Après avoir tenté différents systèmes pour implémenter la magie si chère aux RPG, les développeurs d’Evermore s’éloignent finalement de leur modèle imposé par Squaresoft en abandonnant le système de points de magie au profit de formules d’alchimies à apprendre et d’ingrédients à récolter et combiner pour réaliser les sorts. Poussant le joueur à la collecte d’ingrédients (on peut aussi en acheter certains à divers marchands au cours du jeu) pour gérer au mieux son stock et à dénicher les nombreuses formules dont certaines très bien cachées, ce système ingénieux et amusant aura beaucoup marqué les joueurs malgré ses défauts (celui de l’utilité très relative de certaines magies, notamment). En dehors de cela, le jeu propose d’autres bonnes idées plus ponctuelles, comme le grand marché d’Antika où l’on doit troquer divers objets pour récupérer armures et amulettes, ou plus tard l’obtention d’un engin volant qui permettra de revenir sur les lieux visités pour récupérer des pièces servant à la construction d’une fusée.

Mais ce qui aura véritablement le plus marqué les joueurs, en bien ou en mal, sera la façon dont Secret of Evermore s’est évertué à se démarquer de Secret of Mana concernant son atmosphère, son ambiance. On passe en effet d’un univers très coloré et plutôt enfantin à un monde sombre, et même assez glauque par moments, pour une aventure qui se veut pourtant presque aussi onirique que son modèle. Un changement de ton que l’on constate d’abord à travers les décors, dont les teintes volontairement sombres et ternes contrastent avec la finesse des graphismes et l’aspect grandiose de certains lieux. Les premiers environnements du jeu, comme la jungle, la tourbe ou le volcan se révèlent même particulièrement inquiétants voire macabres, et exercent dans leur souci du détail une espèce de fascination morbide sur le joueur.

Il en va de même pour les ennemis rencontrés : beaucoup moins fantaisistes et mignons que ceux de l’univers des jeux Mana (et des jeux japonais d’une manière générale), le bestiaire se veut beaucoup plus terre-à-terre, et du même coup, plus menaçant. Les monstres rigolos et presque inoffensifs cèdent la place à de véritables raptors, plantes carnivores, vers grouillants au sol et autres bestioles diaboliques aux yeux injectés de sang. De par leur nombre, leur solidité et leur ténacité à poursuivre le joueur sans relâche, ils contribuent largement à retranscrire l’atmosphère hostile d’Evermore. Leur design est souvent inégal et moins inventif que ceux qui peuplent l’univers de Mana, mais il n’en reste pas moins une réussite dans la mesure où ils parviennent parfaitement à faire ressentir l’impression permanente du danger.

Ce danger devient bien réel lorsque l’on affronte les boss, tous aussi monstrueux les uns que les autres et particulièrement coriaces surtout en début de jeu (le serpent des marais est un véritable enfer !), à l’image de l’effroyable Thraxx (Gigantik chez nous) qui orne la jaquette du jeu et fait office de premier gros boss. Même s’ils sont moins charismatiques et moins nombreux que ceux de Secret of Mana, ils contribuent eux aussi à l’ambiance oppressante du jeu.



En réalité, cette sensation d’angoisse n’est présente qu’en surface. Ceux qui y ont joué savent qu’il n’y a rien de véritablement malsain dans le jeu, c’est même tout le contraire puisque toute l’aventure se déroule sur un ton humoristique. Et pourtant, ce sentiment de malaise ne quitte jamais le joueur tout le long du jeu. Cela, on le doit surtout à sa remarquable ambiance sonore.

Une fois de plus, Secret of Evermore prend le contrepied total de son modèle, aux mélodies souvent légères et évocatrices, en proposant des morceaux aux notes lourdes ou dissonantes. En résulte une bande-son aux thèmes oppressants (Elephant Graveyard, Minor Minion) ou mélancoliques (Hall of Collosia, City of Ivory, Lonely Halls), souvent inquiétants (A boy and his dog, Quicksand Field, Freak Show!), rarement joyeux (City of Ebony, Escape from Evermore). Dès l’écran titre (Main Title), le ton est donné et le joueur sait qu’il embarque dans une aventure bien moins enjouée qu’il l’aurait imaginé. Mais plus déroutant encore, la majorité des environnements du jeu laissent les mélodies entêtantes de côté pour ne proposer que des sons d’ambiances : bruits d’insectes, souffle du vent, cris d’oiseaux, grognements et percussions pesantes, les sonorités sont saisissantes de réalisme malgré les limitations de la console et l’ambiance sonore retranscrit parfaitement chacun des lieux visités, renforçant chez le joueur, dépourvu de mélodies rassurantes auxquelles se raccrocher, le sentiment d’un monde grouillant et hostile. Un choix audacieux qui n’aura pas conquis tout le monde, surtout les joueurs habitués aux musiques mémorables et entraînantes des RPG japonais (j’en fait partie), mais qui a fait de la bande-son de Secret of Evermore quelque chose d’unique en son genre.



Comme je l’évoquais rapidement, la véritable intention du jeu n’était pas de plonger le joueur dans l’angoisse, mais de proposer une aventure typique des fictions occidentales de l’époque, à savoir un mélange de fantastique et d’humour sur fond de références à la pop culture. George Sinfield, ayant rejoint le projet en cours de route pour travailler sur le scénario, prend sa tâche de faire un RPG pour les joueurs américains très à cœur et n’hésite pas à intégrer à l’histoire des éléments de la culture américaine de l’époque pour proposer une aventure familière aux joueurs : on retrouve donc une histoire autour d’un garçon et de son chien mystérieusement transportés dans un monde imaginaire et dont ils doivent s’échapper, chaque zone du jeu évoquant une grande période de l’Histoire (préhistoire, antiquité, moyen-âge, futur/science-fiction). Un scénario qui n’est pas sans rappeler de nombreuses œuvres de l’époque, comme L’Histoire sans fin, Retour vers le futur ou Jumanji.

Sous le crayon des concepteurs graphiques et en premier lieu de Daniel Dociu, le héros prend la forme d’un blondinet qui transpire la « cool attitude » des années 90 avec sa tignasse rebelle, son jean et son blouson rouge, faisant irrémédiablement penser à Marty McFly, quitte à lorgner sur le stéréotype de l’ado de l’époque il faut dire. Pour parachever le cliché, Sinfield en fera un féru de films de série B, et le héros citera des noms d’œuvres imaginaires (mais néanmoins inspirés d’œuvres réelles) à de nombreux moments durant l’aventure.



Plus original encore, son chien prendra diverses formes en fonction des zones traversées, du plus sérieux (chien-loup puis lévrier) au plus loufoque (caniche rose puis chien-robot en forme de grille-pain...), créant autant un marqueur de progression qu’un effet comique. Toute la progression du jeu repose d’ailleurs sur les péripéties du chien, qui embarque malgré lui le héros dans ses bêtises : c’est d’ailleurs parce qu’il part à la poursuite d’un chat en début de jeu puis pénètre dans un laboratoire abandonné et ronge les fils électriques d’une machine mystérieuse que les deux compères se retrouvent transportés dans un autre monde... C’est aussi à cause de son espièglerie que le héros se retrouve à combattre dans un colisée ou à gagner par inadvertance une course de cochons !

Le jeu joue volontiers de son registre comique pour éviter de prendre son histoire trop au sérieux, jusqu’à même à briser le quatrième mur par le biais d’un prophète prêchant l’apocalypse et scandant « Nous sommes manipulés ! Ne voyez-vous pas ? Nous faisons partie d’un jeu vidéo ! ». Il rend aussi hommage à sa filiation avec Squaresoft en glissant quelques caméos dans le jeu, notamment la présence incongrue de Cecil reconverti en forgeron après son combat contre Zeromus, ou celle plus discrète de personnages de FF6 dans le public de l’arène.

Secret of Evermore se veut donc léger et amusant, bien loin des sentiments que véhiculent son habillage graphique et sonore. Les enjeux sont moins dramatiques que dans Secret of Mana, le héros cherche d’ailleurs plus à s’échapper d’un monde hostile qu’à le sauver. Et s’il rencontrera bien quelques alliés, eux aussi coincés dans ce monde imaginaire, les personnages secondaires auront tout de même moins d’importance, moins d’impact que ceux d’un RPG japonais. C’est ce décalage, autant avec son modèle qu’au sein même du jeu, qui a malheureusement donné au titre sa mauvaise réputation.



Ne jamais se fier aux apparences

Lorsqu’il sort sur le territoire américain en octobre 1995, le jeu est pourtant plutôt bien accueilli par la presse, qui y voit un bon complément à Secret of Mana. Son ambiance et son humour correspond bien à ce qui plaît au public occidental, même si son scénario fait déjà trop classique pour l’époque. Néanmoins certains aspects sont critiqués, notamment la trop grande présence des musiques d’ambiances au lieu de mélodies marquantes, la difficulté du titre qui se révèle plus dur que Secret of Mana, et bien entendu, les bugs. Le plus douloureux, autant pour la presse que pour les fans, reste l’absence de multijoueur. Malgré ses qualités, le jeu reste dans l’ombre de son aîné et est même considéré comme qualitativement en-dessous des productions habituelles de Square...

Chez les joueurs, la réception est beaucoup plus dure. Secret of Mana avait irrémédiablement marqué les esprits, et Evermore s’en éloignait beaucoup trop. Bien entendu, l’idée qu’Evermore devait en être une suite a largement contribué à son désamour par le public, quand bien même cela s’est avéré faux par la suite. Et aux défauts déjà cités s’ajoute la frustration de n’avoir eu qu’un ersatz de Mana à se mettre sous la dent, alors que la vraie suite (Seiken Densetsu 3, pour rappel) ne sera finalement jamais localisée.

Les joueurs européens ont été étonnamment plus optimistes vis-à-vis du jeu, quand bien même il sort en plein boom de la Playstation et des jeux 3D. Il faut dire que les RPG sortant chez nous étaient rarissimes, il n’y avait pas de quoi faire la fine bouche. Plus rares encore étaient les jeux traduits, et nous concernant, la traduction française a d’une certaine façon largement contribué au charme du jeu...



On se rappellera aussi avec nostalgie la sortie du jeu fourni avec son guide grand format intégralement en français, bourré de détails et d’astuces (et d’erreurs parfois : entre une sortie de donjon oubliée et deux magies présentes dans le guide mais absentes du jeu, on pouvait se douter que la chose avait été produite un peu à la va-vite), tout comme ce fut le cas pour Secret of Mana, Illusion of Time, et une poignée d’autres. Un élan de générosité justifié par le besoin de rendre ces jeux accessibles au plus grand nombre, quand aujourd’hui de tels objets seraient vendus trois fois trop chers dans des éditions collectors opportunistes. Personne ne sera donc surpris d’apprendre que ces guides se vendent maintenant à prix d’or auprès des collectionneurs...



Au final, le jeu s’est malgré tout bien vendu, mais en-dessous des attentes de Square. Et la jeune équipe rassemblée par Doug Smith fut rapidement démantelée, en même temps que les bureaux de Seattle de Square... Encore que concernant ce dernier point, la principale cause serait plutôt la fameuse rupture entre Nintendo et Squaresoft, ce dernier ne voyant alors plus l’intérêt d’avoir ses bureaux américains proche du géant japonais. Une suite fut planifiée un temps, sans que le projet n’aille très loin. Secret of Evermore fut donc le premier et le dernier RPG réalisé par Squaresoft USA, et d’une certaine façon le premier « J-RPG » réalisé par des américains...

Malgré tout, les choses n’ont pas nécessairement mal tourné pour l’équipe après leur démantèlement. En dehors de Jeremy Soule qui ne faisait que signer le départ de sa carrière fulgurante, une bonne partie rejoindra en effet les rangs d’une entreprise de JV voisine de Square USA, Cavedog Entertainment, pour concevoir un STR qui deviendra célèbre : Total Annihilation. D’autres auront moins de chance, mais dans tous les cas, pour la plupart d’entre eux, Secret of Evermore aura été un tremplin efficace après leur mésaventure. Qui plus est, leurs efforts sur ce premier projet n’auront heureusement pas été vains...

En effet, le temps et la prise de recul des joueurs finiront par rendre justice au jeu. Éloignés de l’idée qu’il s’agissait d’une mauvaise suite, ou simplement marqués par son ambiance particulière qui tranche justement avec celle des jeux japonais, de nombreux joueurs furent progressivement conquis par le jeu de Square USA, qui dispose aujourd’hui d’une aura très forte, quoique pas autant que la série des Mana. Plus sombre, plus dérangeant (même pour de faux), certains joueurs le préfèrent même au mythe de Square. Chacun reste juge, mais le fait est que petit à petit, le jeu a regagné ses lettres de noblesses et est maintenant cité parmi les chefs-d’œuvre de la console et les grands hits du RPG.
Comble de l’ironie, le jeu ne sortira jamais au Japon, et seule une poignée de joueurs japonais découvriront le titre via l’émulation ou l’import. Fut-ce pour un seul jeu, ils auront goûté à notre souffrance de ne pas avoir droit à une localisation pour un titre de grande envergure... Justice nous a été rendue ! (Ou pas... les japonais se contrefichaient probablement du jeu à l’époque )



Épilogue : faut-il encore jouer à Secret of Evermore aujourd’hui ?

Assurément ! Pour peu que l’on ne soit pas entièrement rebuté par les jeux rétro, il mérite encore l’attention des joueurs, que ce soit pour son côté historique et unique dans l’histoire du JV et de Square, ou juste pour profiter de son ambiance à la fois typique des années 90 et atypique dans sa proposition, avec un gameplay encore très agréable aujourd’hui. Bien sûr, de nombreuses choses ont mal vieilli, et il est facile de s’agacer sur sa difficulté mal dosée (j’ai galéré dans la première moitié de jeu, beaucoup moins dans la seconde, le chien étant particulièrement cheaté), ses erreurs de game design (certains boss intouchables sans magie, de même que les ennemis volants), ses labyrinthes trop labyrinthiques (le comble !) et infinissables sans soluce, bref, tous les défauts qui caractérisent malheureusement les jeux de l’époque.
Si l’on peut féliciter l’équipe des développeurs d’avoir atteint une telle qualité avec des membres pour la plupart inexpérimentés et lâchés sur un projet d’une telle ampleur, il reste malheureusement moins peaufiné que les autres jeux de Square, et ne parvient à mon sens pas à la hauteur de Secret of Mana (qui était déjà loin d’être parfait), plus complet, plus long, plus poignant. Il n’en reste pas moins un incontournable de la console pour tout fan de RPG qui se respecte, en particulier si l’on a joué et apprécié Secret of Mana. Telles les deux faces d’une pièce, les deux jeux s’opposent tout en étant complémentaires, et proposent deux aventures à la fois distinctes et similaires, mais assurément marquantes toutes les deux. Il serait donc bien dommage de gâcher son plaisir

Faites-moi plaisir et partagez vos souvenirs du jeu en commentaire ! Quant à moi, je vous dis à la prochaine pour une autre chronique RPG !

Tchô tout le monde,

Pour vous occuper en cette froide matinée d'hiver, je vous partage une run assez incroyable sur Super Mario 64, les yeux bandés



Vu qu'il ne peut rien voir du jeu, le runner se base énormément sur les sons, le rythme de la musique et les angles de caméra pour trouver son chemin. Il fait plusieurs erreurs évidemment, preuve de la difficulté de la chose même pour un joueur entraîné, mais la performance reste tout de même impressionnante !

Il s'agit évidemment d'une run qui a été réalisée au cours de l'AGDQ 2021 qui vient de se terminer aujourd'hui (j'avais complètement zappé ), évènement dédié au speedrun et organisé à distance pour les évidentes raisons liées au covid. N'hésitez pas à aller checker les autres speedrun, il y a du Zelda, du Pokemon, du Metal Gear Solid, du Skyrim, du MediEvil, du Yakuza 6, du Golden Sun et même du Wild Arms.

Bon dimanche !

Salut Gamekyo

Vous l’aurez compris au titre, cet article va être assez différent des articles que j’ai fait jusqu’à maintenant. Point de rétrospective ou de découverte, ça n’aurait pas d’intérêt car il s’agit d’un sujet que tout le monde connaît : Eh oui, on va parler de FF ! Oui, « encore », mais je n’ai jamais eu l’occasion d’en parler moi-même jusque-là, si ce n'est à travers ma rétrospective sur FF5 en début d'année... Je profite donc d’avoir (re)fini FF8 et FF9 cette année pour vous partager mes expériences et souvenirs de la série, faire une petite introspection sur moi-même et rappeler ce qui faisait leur force.

Comme un peu tout le monde j’imagine, Final Fantasy est une série qui m’a beaucoup marqué, et a même largement contribué à définir pour moi le genre du JRPG. Genre qui a bien évolué depuis, et pas toujours pour le meilleur... Aujourd’hui encore, je considère même les FF de la période SNES et PSX comme les meilleurs RPG auxquels j’ai pu jouer. Bien sûr, d’autres ont pu être très innovants, originaux, immersifs et/ou intéressants dans leurs mécaniques de jeu, parfois plus sur certains points qu’un FF, mais jamais en globalité sur le jeu entier. Certains ont pu se montrer aussi passionnants pour moi qu’un FF malgré leurs défauts, notamment ceux que l’on a connu lors de « l’âge d’or » du JRPG. Mais le temps passant je me suis retrouvé de moins en moins dans les jeux du genre, même ceux qui suscitent l’engouement des amateurs...

Il m’arrive donc régulièrement de me demander « Pourquoi ? ». Pourquoi ai-je autant accroché à ces jeux, qu’est-ce qui fait précisément que je les trouve meilleurs que beaucoup d’autres jeux du genre qui ont pourtant des qualités ? Est-ce la passion ou la nostalgie qui m’aveuglent, ou les FF proposaient-ils réellement quelque chose que l’on ne retrouvait pas dans les autres jeux ?
Un questionnement qui va même plus loin : pourquoi un jeu nous plaît-il ? Qu’a-t-il de meilleur que les autres ? En quoi tel ou tel aspect en fait un chef-d’œuvre, quand d’autres jeux présentent au moins en partie les mêmes aspects mais ne sont pas des chefs-d’œuvre pour autant ?

Je n’ai évidemment aucun moyen d’apporter une réponse définitive à ces questions, mais je voulais tout de même vous partager mes réflexions à ce sujet à travers la saga FF et ce qu’elle m’a apporté.
Je vous invite aussi à vous poser ces questions vous-même et à partager ici votre ressenti sur le sujet

Alors comme d’habitude, ça va être un beau pavé... j’ai vraiment essayé de faire court (mon premier jet faisait le double de pages !!), quitte à survoler certains aspects, enfoncer des portes ouvertes, et sans doute passer pour un vieux grincheux. J’aime entrer dans le détail, mais il y a beaucoup trop à dire sur FF et je me doute que parler de tout serait indigeste. Je me contenterai donc de suivre 4 principaux axes : la technique, l’ambiance/univers, le scénario, le gameplay. J’espère que ça sera intéressant tout de même, mais je ne vous en voudrais pas si vous lâchez la lecture en cours de route Voyez ça comme un moyen de passer le temps en ce samedi pluvieux... Bref, c’est parti !





Une technique irréprochable au service de l’immersion

Je l’avoue, je suis tout sauf un gaga de la technique. Déjà à l’époque, j’étais loin d’être excité par le passage à la 3D ou par l’augmentation du nombre de bits des consoles. Pour moi, si le jeu a du charme malgré ses lacunes techniques, c’est tout ce qui compte. Mais je dois l’admettre, avec FF l’histoire était différente.

La série a toujours pu se vanter d’exploiter au mieux les spécificités des machines sur lesquelles elle s’est posée, et ce déjà depuis la NES. Mais c’est évidemment avec FF7 sur Playstation que Squaresoft a pu affirmer à travers le monde son statut de leader technologique dans le domaine du JV.
Et autant, je l’avoue encore, j’étais trop jeune et innocent pour percevoir une quelconque claque lorsqu’on m’a présenté FF7, autant cette claque je l’ai ressenti avec la présentation de FF8 et notamment sa fameuse introduction qu’on ne se lassera jamais de regarder :



Des personnages charismatiques aux proportions réalistes, un monde futuriste aux couleurs chatoyantes, une mise en scène folle, des décors d’une précision à couper le souffle, le tout avec une telle finesse dans la modélisation 3D, je n’avais jamais vu ça ailleurs, même au cinéma ! Les cinématiques en CG des jeux se sont imposées comme standard à la fois dans la série et dans les productions numériques tous azimuts, et on attendait tous en jouant aux jeux les moments où elles interviendraient pour nous en mettre plein la vue. On se disait que ce serait ça, le futur du jeu vidéo.

Même en jeu, les personnages paraissaient crédibles et réalistes (même si aujourd’hui on a plus l’impression de voir une bouillie de pixels qui bouge...) notamment grâce au travail sur leur modélisation mais aussi sur les animations (sur lesquelles je vais revenir). Les effets spéciaux en combat étaient à couper le souffle, en particulier les invocations, seconde vitrine technologique des jeux. Les décors, eux, restaient aussi somptueux que dans les cinématiques grâce à une astuce de Square : le choix de rendre les décors en précalculé.

On aurait pu imaginer que pour épater encore plus la galerie, Square opte pour des environnements intégralement en 3D, puisque c’était le maître mot à l’époque... Mais on se doute à quel point cela aurait coûté en ressources vu la taille de l’univers des jeux. D’autres jeux ambitieux comme Xenogears ont voulu faire ce pari, mais ils se sont généralement heurtés à des contraintes techniques, financières ou humaines... Et nombre d’entre eux ont mal vieilli visuellement.

Square a donc fait le bon choix pour FF, tant les décors restent magnifiques à regarder même maintenant (malgré des pixels bien apparents sur nos TV modernes, c’est sûr). Cela pouvait paraître étrange du point de vue de l’ambition technique pure, mais parfaitement compréhensible s’il s’agit d’immerger les joueurs dans des mondes quasi-féériques (fut-ce une Midgar sordide et déprimante). À mon sens, ce choix révèle la véritable intention de Square : les moyens techniques déployés pour le jeu n’étaient pas tant pour impressionner le public que pour soutenir la profondeur des univers mis en place et la narration des jeux. En clair, la technique est au service du jeu, et non l’inverse.

On aurait ainsi pu croire que FF, et quelques autres comme Metal Gear Solid, Tekken, etc. auraient inspiré toute l’industrie JV japonaise pour avancer dans cette direction. Dans la réalité, beaucoup d’autres jeux de l’époque n’ont pas su ou n’ont pas pu suivre le mouvement, ceux-là même qui paraissent archaïques aujourd’hui. En particulier les RPG. Pire, certains jeux sortis bien plus tard et témoignant d’une ambition similaire m’ont même paru moins impressionnants, plus « pauvres » que les FF de la Playstation au point d’en gâcher en partie l’expérience. C’est le cas des épisodes 3D des Tales of, à commencer par Symphonia...
Aujourd’hui, les titres japonais qui peuvent se targuer d’une forte ambition technique sont rares, et la série FF elle-même a eu du mal à maintenir son statut de leader technologique, au prix de grosses concessions sur les autres aspects de jeu... Qui aurait pu imaginer à l’époque que l’on en arriverait là aujourd’hui ?



Des univers enchanteurs et vivants

De la même façon que la série a su impressionner par sa technique, elle a su aussi nous faire rêver avec des univers étonnants et accrocheurs d’une profondeur incroyable. D’abord grâce à la DA générale des titres absolument renversante bien sûr, mais aussi grâce à l’écriture des dialogues, les animations des personnages qui au-delà de la prouesse technique rendaient ces derniers très vivants, ou le soin accordé aux personnages secondaires, voire tertiaires.

C’est une des choses que j’ai appréciées en revenant sur FF8 et 9 cette année, cette sensation d’adhérer immédiatement à l’univers qui m’est proposé et à pouvoir m’attacher aux personnages, même les moins importants. C’était évidemment un plaisir de revoir le groupe de Squall dans l’un et la bande à Djidane dans l’autre, mais aussi de retrouver des personnages tout aussi identifiables et rigolos ou attachants comme Raijin & Fujin, les Shumi, les Moombas (même si je me demande encore à quoi ils servent) ou le docteur Geyser pour l’un, les Tantalas et le fameux rire de Bach, les Brutos, le théâtre de Ruby, et les rats de Bloumécia/Cleyra pour l’autre. Sans oublier le bestiaire habituel de la série, en y incluant les chocobos et les mogs, ces derniers étant plus vivants et attachants que jamais dans FF9 grâce à leur statut de point de sauvegarde, et surtout l’excellente idée des lettres à distribuer.

On peut d’ailleurs s’interroger sur comment des univers aussi bariolés, voire même loufoques, parviennent à tenir la route : un ninja mis en scène sur une musique de cow-boy ? Un agent de la Shinra infiltré dans une mascotte de casino ? Même un jeu à l’univers à priori réaliste comme FF8 n’échappe pas à quelques absurdités volontaires, notamment avec les Shumis et les Mumbas évoqués plus hauts, mais aussi certaines quêtes annexes comme celle de Koyo-K.
FF9, lui, atténue ce côté absurde grâce son atmosphère fantastique inspirée des contes de fées, lui permettant de jouer à fond sur cet aspect. Mais quel que soit l’épisode choisi, ce n’est jamais choquant pour le joueur : ça nous surprend et nous amuse, mais jamais cela ne décrédibilise l’univers, au contraire il n’en est que plus attachant. Et cela grâce à des choix pertinents pour ces aspects décalés, et à la portée symbolique qui leur est souvent associée. Ce côté hétéroclite des univers n’est pas forcément propre à FF puisqu’on retrouve cet aspect dans beaucoup de jeux japonais, mais la série reste parmi celles qui ont trouvé à mon sens le meilleur équilibre pour rendre son univers atypique tout en permettant de le prendre au sérieux. Dommage que, dans sa volonté de réalisme, la série s’en soit écartée sur ses derniers épisodes...

Pour donner vie à son univers, la série peut se targuer de nombreux dialogues mémorables, que ce soit du côté des protagonistes ou même des PNJ. J’ai toujours trouvé l’écriture des jeux particulièrement réussie, avec le bon équilibre entre la mise en avant du caractère volontairement stéréotypé d’un personnage et une certaine forme de subtilité qui lui évite de trop tomber dans la niaiserie. J’ai par exemple moi-même été surpris de relire les répliques de Squall, dont j’avais gardé l’image péjorative de l’ado exagérément dépressif et antisocial, alors que ses dialogues soulignent assez bien sa psychologie complexe. Bibi, en revanche, est toujours aussi émouvant avec ses réflexions très enfantines et pourtant très justes sur la mort. J’aime d’ailleurs comment FF9 mets parfois en avant ses personnages, même les plus insignifiants, renforçant la sensation d’un monde cohérent et vivant.
À l’inverse, les vieux FF pouvaient aussi se montrer un peu gamins dans certains dialogues plus légers, mais j’ai toujours trouvé que ça rendait les personnages attachant plus que ça ne les desservait. J’avoue personnellement esquisser toujours un sourire quand Seifer traite Zell de hérisson blond ou lorsque Djidane appelle Steiner « papy », sans compter les répliques du style « C'est un jeu vidéo, pas un conte de fées, Mr Hibou ! » ou « Hé ! Tu es reparti sur la planète Squall ! C'était intéressant de te voir gentil ! Continue un peu. »



On peut remercier pour ça la traduction française de l’époque, que j’ai toujours trouvé fluide et pleine de belles trouvailles. Pour FF8 et 9 en tout cas, car on se souvient malheureusement de la traduction boiteuse de FF7, qui avait juste le mérite de proposer un jeu traduit et à peu près compréhensible...
D’ailleurs, si cette traduction m’a marqué, ce n’est pas seulement pour les dialogues. Vous avez certainement retenu et acquis tout comme moi les noms des attaques des invocations comme « Transcendantale » ou « Divine Comédie » par exemple, ou celui des Limit Break comme « Lamineur », sans compter les noms d’objet (« lasik », « défijeur »), bref des noms qui sont devenus cultes et ont parfois été transmis dans les futurs jeux. Avec parfois un petit côté gamin à vouloir écrire des trucs stylés genre « Caillou magik » ou « Magiklame ».
D’ailleurs, on s’étonnerait aujourd’hui de voir certains noms qui ne sont pas traduits, laissés en anglais voire en japonais, chose encore admise à l’époque mais inadmissible de nos jours !
Pourtant, jamais au grand jamais je n’échangerai un « Renzokuken » contre un « Coups d’épée successifs » (bah oui, c’est ça la traduction littérale ), le premier a infiniment plus de classe !
Au final, même si certains choix pouvaient être discutables (pourquoi Quetzalcoatl est devenu Golgotha ?), ces noms se montraient très inventifs et conféraient un charme particulier à l’univers des jeux.

Outre leurs dialogues agréables et bien trouvés, les personnages prennent vie grâce à leurs animations. FF a toujours mis un point d’honneur à rendre ses personnages le plus expressif possible malgré les limitations techniques, que ce soit en 2D par le biais d’icônes (même s’il y en avait peu), d’expressions ou d’animations spécifiques, ou par le biais d’animations travaillées, parfois à usage unique, pour les FF en 3D. Dans le cas de FF8 et 9 notamment, c’est un vrai régal à regarder (même si on a fait mieux depuis, certes). Et je parle bien des animations in-game, pas juste des cinématiques ! Voir Zell se battre dans le vide ou Selphie bondir et s’affaler sur un lit (et d’une manière générale sautiller dans tous les sens) fait immédiatement ressortir leur personnalité plus efficacement que n’importe quelle ligne de dialogue et leur confère un charme incroyable. Même chose pour Bibi qui revisse son chapeau sur sa tête lorsqu’il est gêné, ou Steiner qui trépigne d’agacement en faisant cliqueter son armure. Il faut dire que ce genre d’animation passe encore mieux pour FF9 et ses personnages au look cartoonesque. Et ça ne se résume pas qu’à quelques animations, chaque personnage, aussi insignifiant soit-il, a l’occasion de se mettre en scène pour notre plus grand plaisir.

Je reste bluffé par le tour de force d’avoir rendu les personnages aussi attachants et expressifs malgré l’absence de doublages et où, malgré les efforts de Square dans ce domaine, les modèles 3D des personnages étaient encore un peu rudimentaires. Je trouve les animations de FF8 et 9 d’une qualité rare encore aujourd’hui, à un point où même des JRPG de la génération suivante me paraîtront en-dessous sur ce plan. Par exemple, et au risque de surprendre certains, Tales of Symphonia m’a beaucoup déçu à ce sujet... De toute façon, la plupart des RPG nouvelle génération se contentent dorénavant de grands portraits des personnages façon Visual Novel. Malgré leur charme visuel certain, je n’ai jamais trouvé que ça rendait les personnages très vivants...

Je termine cette partie sur l’univers en abordant rapidement les musiques de Uematsu ! En vrai, je ne sais pas trop quoi dire dessus, tout le monde s’accorde à dire qu’elles sont géniales, et bien sûr je le pense aussi. Mais dans quelle mesure ? Ça, je ne saurais le dire. Toujours est-il qu’elles m’ont transporté comme peu de musiques de jeux l’ont fait, non seulement en illustrant merveilleusement les scènes des jeux et en palliant au manque de mise en scène (surtout à l’époque NES et SNES), mais aussi en y apportant une émotion particulière propres aux compositions du monsieur, émotion que je retrouve parfois dans ses travaux futurs même s’ils sont souvent jugés moins marquants.
Elles étaient aussi extrêmement variées et s’inspiraient de nombreux styles, incluant la musique celtique/irlandaise, le flamenco, le ragtime, le rockabilly ou le rock tout court, la valse, la bossa nova et bien d’autres. Tout en créant des styles très atypiques et inclassables, et pourtant très évocateurs, à l’image du thème des Mogs. Quelque chose que je constate moins dans les OST récentes qui se cantonnent souvent au style rock et/ou orchestral, souvent avec brio bien sûr, mais qui du coup ne suscitent pas une aussi large palette d’émotions. Même encore aujourd’hui, les musiques d’Uematsu me « parlent » bien plus que celles d’autres compositeurs pourtant très bons, et je le range facilement au sommet de mes compositeurs de JV préférés.



Des histoires atypiques et prenantes

Un peu comme pour la technique, je n’ai jamais accordé tant d’importance que ça au scénario d’un jeu, même d’un RPG. J’ai plus tendance à me laisser porter par l’univers proposé, et je peux me sentir dedans même si l’histoire se résume par exemple à un bête sauvetage de princesse. Mais ça ne veut pas pour autant dire que je n’ai pas d’exigences ! Et si un jeu propose des personnages trop ridicules/mal écrits ou un propos trop absurde, il y a peu de chance pour que j’arrive à le prendre au sérieux et à m’investir dedans...

Là encore, je ne saurais dire ce que les scénarios ou les personnages de FF ont de meilleur que les autres. Mais ils m’ont toujours paru mieux écrits, mieux menés que beaucoup d’autres, et surtout, mieux rythmés. Ils ont notamment ce don d’instaurer immédiatement une ambiance et de plonger le joueur dans l’action dès les premières minutes de jeu, comme FF4 qui lève le voile sur la flotte de Cecil ou FF7 qui attaque d’emblée avec la mission pour le réacteur Mako. À l’époque, on en était encore au cliché du héros qui dort en début de jeu... sacrée différence. Même par la suite, le rythme s’essouffle rarement et les jeux sont ponctués de moments forts et de scènes d’actions entre deux cutscenes ou mini-jeux.



FF6 instaure dès les premières minutes une ambiance incroyable et originale, et plonge très vite le joueur dans l’action.

Prenons par exemple le scénario de FF8 (oui, celui-ci précisément, exprès parce que plein de gens le déteste ) : après un début de jeu certes « tranquille » (le test d’Ifrit), on enchaîne sur l’attaque de Dollet qui se termine par l’évaluation du SeeD, puis sur le fameux bal où l’on rencontre Linoa. La prochaine mission ne se fait pas attendre, direction Timber pour aider un groupe de résistants à enlever le président de Galbadia, avec au passage un premier rêve étrange qui nous met aux commandes du groupe de Laguna. Puis s’ensuivent l’arrivée spectaculaire d’Edea, l’arrivée à Deling City pour mettre en place son assassinat qui bien évidemment échoue, l’évasion de la prison du désert, l’infiltration de la base de missiles, la BGU sans dessus-dessous qui finit par se mettre à voler... Ça ne s’arrête jamais, ou presque ! Le jeu propose bien sûr des temps morts qui correspondent le plus souvent à un moment de liberté où l’on peut faire quelques quêtes annexes, mais il reste jalonné de moments forts pour surprendre ou impliquer émotionnellement le joueur, et surtout le maintenir en haleine sur la durée, sans que ces moments ne se perdent dans l’exploration de zones trop vastes ou dans des passages de vide scénaristique.

Mieux : beaucoup des phases d’actions vont proposer un gimmick particulier (le test d’Ifrit est en temps limité, l’enlèvement du président se fait par le biais d’une sorte de mini-jeu, etc.), qui ne sont peut-être pas toujours extraordinaires mais ont le mérite de casser la relative répétitivité du gameplay, de briser la routine, ou simplement de rendre amusantes des scènes qui en temps normal ne seraient pas jouables (le défilé de Junon dans FF7, le duel sur scène de Djidane et Frank dans FF9, etc.), permettant d’impliquer le joueur au maximum. C’est quelque chose que j’ai rarement vu en dehors des FF, ou alors de façon limitée, puisque dans les autres jeux on sent souvent sur la longueur la redondance du gameplay (cutscene, exploration, donjon, combat, répété ad nauseam). Il est dommage que ces jeux ne profitent pas plus de leur statut de jeu vidéo pour concilier ainsi gameplay et narration, car c’est une des raisons qui rendent pour moi les FF si agréables à jouer.

Bien sûr, même si toute cette suite d’événements se veut à la fois impressionnante et variée, cela ne veut pas dire qu’elle est parfaitement construite, surtout dans FF8 qui a justement eu tendance à en faire trop... Un esprit affûté aura d’ailleurs vite remarqué les inconsistances du scénario : facilités (Squall et Linoa perdus dans l’espace qui tombent comme par hasard sur un vaisseau abandonné...), absurdités (deux jeunes capables de piloter à eux seuls ledit vaisseau alors qu’ils n’y ont jamais touché avant...) ou incohérences (Squall, pourquoi tu remets docilement Linoa à Esthar alors que tu viens de risquer ta vie en allant dans l’espace pour la sauver ?...), les entourloupes scénaristiques sont nombreuses et pour certains ont largement gâché l’expérience. Les autres épisodes de la série ne sont pas non plus exempts de ces défauts, mais il faut admettre que dans les anciens FF, c’est probablement le 5 et le 8 qui les cumulent le plus...
À moins peut-être qu’ils ne s’en cachent même pas ? Car outre le fait que l’on connaisse maintenant le penchant des japonais pour l’exagération et l’exacerbation des émotions, la série FF a toujours assumé son attrait pour le cinéma et le spectacle, privilégiant beaucoup la forme tel un blockbuster hollywoodien dont l’objectif est avant de tout de surprendre, émerveiller, divertir. Un pari que la série a toujours réussi grâce au savoir-faire de Square et aux moyens techniques déployés.

Si certains joueurs se montrent si exigeants, c’est aussi parce que très tôt, la série ne s’est pas contentée de mettre en valeur sa forme et a toujours su proposer un fond intéressant, complexe ou mature, brisant même souvent quelques clichés. Elle a été l’une des premières à détourner le stéréotype du preux chevalier pétri de bonnes intentions en dépeignant un Cecil en proie au doute et suivant le chemin de la rédemption, ou plus tard un Cloud désabusé et renfermé sur lui-même, alors qu’enfant il rêvait justement d’être un héros. Les autres personnages ne sont pas en reste et bénéficient presque tous d’une profondeur de caractère peu commune pour l’époque, tout en restant relativement bien écrits. J’ai moi-même été ému par tous ces personnages, même s’il m’a fallu du temps pour comprendre les subtilités ou la symbolique des thèmes du jeu, au travers de dossiers établis par les journalistes ou les fans eux-mêmes. Le fait qu’il y ait plusieurs niveaux de lecture témoigne d’ailleurs du soin apporté à la profondeur scénaristique. Cela dit, même si j’ai envie de dire « qu’objectivement » une telle profondeur sur les personnages et le scénario les rends meilleurs que d’autres, cela tient plus du degré de subtilité concernant leur traitement qu’au sujet choisi. Une bête histoire d’enfants qui parcourent le monde pour le sauver peut être aussi intéressante à suivre que la vie d’un mercenaire qui a vécu l’horreur de la guerre, au final tout va dépendre de comment c’est raconté...



Un gameplay intuitif et complet

Quand on évoque FF, on cite volontiers les trois aspects que je viens d’aborder (technique, univers, scénario), mais on parle assez peu d’un dernier aspect pourtant très réussi : le gameplay. C’est pourtant une des choses qui m’a le plus marqué !

Car outre leur côté relativement accessible (je découvrais moi-même le genre du RPG à l’époque), les jeux étaient généralement bourrés de possibilités pour appréhender le système de jeu et en tirer parti, offrant des systèmes complets et complexes, mais jamais compliqués (si vous saisissez la différence). Une liberté qui s’applique aussi à la progression du joueur, puisque ce dernier a souvent des occasions de s’écarter de la trame principale ou de revenir sur ses pas pour découvrir divers à-côtés (quêtes et objectifs annexes, mini-jeux, etc.). Et pas juste à la fin du jeu, comme c’est souvent le cas maintenant ! Cela pouvait être pour des objectifs annexes ponctuels (le jeu de la corde à sauter dans FF9, ou plus tard la quête pour récupérer Excalibur) ou des quêtes « fil rouge » qui se poursuivent tout le long du jeu (toujours dans FF9 : la chasse aux trésors, les grenouilles, les pierres stellaires, les monstres gentils...), voire des objectifs annexes comme les magies bleues. Sans oublier les objectifs et mini-jeux inscrits dans la trame principale et qui permettent de varier les situations, comme les exemples que j’ai déjà cité dans la partie précédente.

Tout ceci s’inscrivait d’ailleurs dans une optique propre aux RPG : la quête de puissance. Dans les RPG de l’époque (et FF était généreux à ce sujet), tous ces à-côtés nous récompensaient généralement par des armes et des équipements, des magies, des invocations ou des compétences qui nous rendaient plus forts ou augmentaient nos possibilités d’actions. Et je dois dire que c’était un des côtés que j’appréciais le plus dans ce genre de jeu, pas seulement pour le plaisir de se sentir tout-puissant et de rouler progressivement sur le jeu, cela donnait aussi une vraie motivation à faire ces à-côtés. Car soyons honnêtes, même si la plupart sont sympa à faire, d’autres sont plus redondants : aujourd’hui on déplore les quêtes fedex et le remplissage inutile, mais à l’époque les quêtes se basaient beaucoup sur le farm ou sur une exploration trop minutieuse et fastidieuse... Et nécessitant bien souvent les guides ou magazines de soluce vendus à l’époque.

Les FF de l’époque avaient à mon sens le bon équilibre entre le contenu annexe intéressant et gratifiant, et le fait que ce ne soit ni trop envahissant, ni obligatoire. Les jeux restaient faisables, quoique plus durs pour ceux qui préféraient zapper ces à-côtés. À l’inverse, Squaresoft prévoyait tout de même certaines choses pour les fans qui aiment explorer leurs jeux de fond en comble, et les FF n’étaient pas exempts de défis pour se mettre à l’épreuve, à commencer par les super-boss : Oméga, les Armes Rubis et Emeraude, le Minotaure... ils sont d’ailleurs devenus culte au sein de la série. Ceux-ci sont généralement cachés et accessibles vers la fin du jeu, mais d’autres monstres balèzes peuvent être accessibles à divers moments du jeu, comme la Chimère du désert dans FF5 ou le Zolom de Midgar. Dans ce dernier cas, on touche à un autre plaisir des FF : si la logique veut que l’on fuie ces monstres bien trop forts pour nous, le jeu ne nous empêche pas de les vaincre, pour peu que l’on ait élaboré la bonne stratégie pour y arriver...

C’est là où le système de combat des jeux révèle tout son génie : à la fois accessibles et simples à prendre en main, ils se révèlent extrêmement complexes et permissifs, si on omet les systèmes plus classiques comme celui de FF4 ou FF9. Plutôt que de miser simplement sur l’augmentation de puissance comme le ferait un Dragon Quest, les systèmes de FF vont mettre différents outils à notre disposition, certains étant plus utiles que d’autres et qu’il faudra exploiter au mieux en fonction des situations ou pour établir les meilleures stratégies : Faiblesses élémentaires ou aux altérations d’état, compétences aux effets variés (lancer d’objet ou de gils, manipulation de l’ennemi, mimer, double invocation...), combinaisons improbables de jobs ou de matérias, super-attaques dont il faut savoir gérer les effets secondaires... De nombreux moyens sont mis à notre disposition pour gérer les combats de façon intelligente, et ce grâce au génie des programmeurs. Le gameplay des FF joue en effet volontiers avec les aspects de programmation pour prendre le contrepied des règles de base des RPG et proposer de nouvelles solutions et possibilités. L’exemple le plus simple et parlant que je puisse avoir, c’est comment la série gère les ennemis de type « mort-vivant » : Qu’ils soient sensibles aux sorts de feu ou de lumière, ça paraît logique. Plus étonnant, on peut les cibler avec des sorts de soin, ces derniers infligeant alors des dégâts, voire avec une queue de phénix ou un sort de Vie qui vaporise le monstre en un coup ! Comprendre le système du jeu et en tirer parti pour trouver les meilleures combinaisons et autres astuces un peu « cheatées » devient alors un véritable jeu dans le jeu.

Dans le même ordre d’idée, certains équipements peuvent avoir des effets surprenant, comme le bouclier sanglant de FF6 qui peut devenir le meilleur bouclier du jeu lorsqu’on s’en équipe et que l’on fait 256 combats ; Parfois ce sont les donjons ou les boss qui jouent avec les mécaniques de jeu, comme le Palais du désert de FF9 où l’on doit trouver des orbes pour désactiver les stats du boss, ou encore le château d’Ultimécia de FF8 qui nous prive de toutes nos actions que l’on doit récupérer en terrassant les boss dans l’ordre qu’on souhaite. Il est même possible d’affronter Ultimécia sans avoir récupéré toutes ses capacités, si tant est qu’on veuille relever le défi... Et c’est cet aspect-là qui a rendu FF si particulier et si fun à jouer, avec tellement de possibilités et de liberté que l’on peut créer ses propres défis ou découvrir encore des années après de nouvelles combinaisons possibles !
Genre, vous saviez qu’on pouvait combiner la matéria « contre-attaque » à celle de « mimer » et ainsi balancer des Limit Break quasi à l’infini ?



Alors c’est sûr qu’une fois qu’on a compris certaines techniques, les jeux peuvent paraître déséquilibrés et trop faciles. Mais dans le fond, les options les plus crackées ne sont disponibles que vers la fin du jeu, et surtout, tout ceci reste optionnel et laissé à la discrétion du joueur. Je trouve en tout cas plus intéressant d’avoir un système de jeu permissif qui laisse exploiter de nombreuses possibilités quitte à avoir quelques failles qu’un système de jeu ultra cadré dont il est difficile de s’écarter. D’autant qu’une telle liberté est aussi un bon moyen de renouveler la replay value des jeux. Je n’ai d’ailleurs pas si souvent vu de RPG avec des systèmes aussi poussés et permissifs en dehors des jeux Square, si ce n’est du côté de chez Tri-Ace (Star Ocean, Valkyrie Profile...), Tales of et quelques autres. L’avantage dans FF étant que l’on peut sentir les effets de sa personnalisation de façon assez immédiate, alors que dans les autres jeux nos efforts ne sont vraiment visibles et utiles que vers la fin du jeu, voire dans le post-game.

Bref, les jeux FF étaient de vraies perles en termes de variété de gameplay avec d’excellentes trouvailles qui ont marqué les joueurs et ont participé à l’aura de la série. J’aurais aussi pu parler aussi par exemple des monstres emblématiques comme le bombo, le tomberry ou le pampa, et tous ces monstres qui présentent une astuce de gameplay qu’il faut comprendre pour pouvoir les vaincre ou les exploiter au mieux ; ou encore le fait que chaque personnage dispose lui aussi d’un gimmick propre : les techniques de Sabin où il faut exécuter des commandes pour les lancer, le bandit manchot pour Setzer ou Tifa, les Limit Break de FF8 ou les Overdrive de FF10 qui fonctionnent toutes différemment... mais il y a tellement choses à couvrir que cet article deviendrait interminable (et il est déjà bien assez long comme ça...).



Il y aurait encore tant de choses à dire, mais je pense avoir fait le tour de ce qui, de mon côté, m’a marqué et a défini pour moi la série, et la rendait « meilleure » que les autres. Même avec le recul des années et les dizaines de RPG que j’ai pu faire depuis, je n’ai que trop rarement réussi à retrouver l’excitation ou l’émotion qu’a pu me proposer les jeux de la série. Et je ne pense pas que ce ne soit qu’un effet de la nostalgie, car le plaisir est toujours là après toutes ces années. Les jeux étaient immédiatement accrocheurs, riches en émotion, simples à prendre en main, bourrés de détails et de possibilités, et simplement fun à jouer, même si je reconnais que certaines choses ont vieilli (je n’ai plus la patience de faire toutes ces quêtes annexes...). Je ne pense d’ailleurs pas que ce soit un hasard si elle s’est hissée au rang de série culte du JV, ni même qu’elle ait inspiré le monde du RPG et même tout le milieu du JV a une époque. Mais même si regrette bien sûr que ça ne soit plus autant le cas (surtout pour les JRPG qui ont fini par s’inspirer bien plus des Tales of et consorts que des FF), j’ai conscience qu’il y a tout un tas de facteurs logiques qui ont fait que nous en sommes là aujourd’hui. Ce qui m’attriste le plus, en vérité, c’est le glissement qui s’est effectué avec le temps sur les JRPG concernant la narration, la mise en scène, les personnages, et globalement l’univers des jeux. Et là, ce n’est plus un problème d’évolution vidéoludique, mais d’évolution des goûts et des idées. Reste donc à savoir s’il y a réellement eu une baisse de qualité de ce côté, ou si je suis juste devenu un vieux con trop tôt...

Merci à tous ceux et celles qui ont eu le courage de tout lire, j’espère que cet article vous aura parlé d’une façon ou d’une autre, et dans tous les cas je serais ravi d’avoir vos avis en commentaire sur cette grande série, ou tout simplement vos meilleures expériences et souvenirs des jeux

Sur ce bon jeu, et à bientôt pour un nouvel article... ou pas.
Je sens que j’ai vraiment du mal à écrire mes articles en ce moment, et il est clair que je vais prendre une bonne pose avant d’en proposer un nouveau. On verra bien...

Salut Gamekyo !

C’est bien rare que j’écrive pour donner mon avis sur un jeu indé (j’en ai pas fait beaucoup non plus, faut dire), mais j’ai l’impression que celui-ci est passé un peu sous les radars, ce qui est fort dommage car je l’ai trouvé plutôt sympathique
Sans plus attendre, je vous laisse le découvrir dans l’article !

Rappel du titre :

Panzer Paladin est un jeu de plate-forme/action sorti en juillet 2020 sur PC et Switch, développé par Tribute Games, un studio Montréalais qui a déjà plusieurs jeux au style rétro à son actif (Wizorb, Mercenary Kings, Flinthook, etc.). Leur dernier né ne déroge pas à leurs habitudes avec une DA fort jolie toute de pixel vêtue, et le jeu lui-même ne cache pas ses inspirations venant de Megaman, Castlevania, Zelda 2 ou même Blaster Master.

On y dirige donc un mecha nommé Grit, lui-même piloté par une androïde de sauvetage du nom de Flame, qui devront repousser l’invasion de forces démoniaques qui ont surgi sur terre en amenant avec elles des armes tout aussi démoniaques qui corrompent l’esprit. Le jeu est vendu sur la base de deux principales originalités : le fait de pouvoir ramasser et utiliser une multitude d’armes aux capacités différentes, et la possibilité de laisser Flame sortir de son robot à tout moment pour explorer une partie du niveau qui lui est exclusivement accessible.

Depuis sa sortie le jeu a attiré la curiosité et l’enthousiasme de quelques amateurs (dont moi) sans affoler non plus les critiques qui restent modérées, d’où vraisemblablement le fait qu’on n’en entende peu parler (en plus du fait que le genre « néo-rétro » commence à être un peu saturé dans le catalogue indé).

En résumé, que vaut-il ?

Bon j’ai déjà répondu indirectement à la question, j’ai passé un très bon moment de mon côté
Maintenant le jeu a clairement quelques défauts, raison pour laquelle il n’a sûrement pas eu un succès retentissant comme d’autres succès indés du même genre tels que Shovel Knight, The Messenger ou Blazing Chrome. Les critiques que j’ai vu visent notamment sa difficulté (encore que tout est relatif, on le verra) et le maniement des personnages (point débattable aussi). Plus objectivement, on peut lui reprocher une certaine répétitivité et un manque de génie dans le level design.

Mais il a aussi beaucoup de qualités et on sent que les gars de Tribute Games se sont donnés à fond pour leur jeu, ce serait donc dommage de ne pas lui accorder au moins un regard ! Après, votre appréciation du jeu va beaucoup se jouer sur votre affinité avec les jeux à l’ancienne et la difficulté inhérente au style, cela va sans dire.




Le jeu en détail

Le jeu se lance sur une cinématique bien classe et surtout merveilleusement animée. La DA globale du jeu est d’ailleurs très réussie, les sprites sont superbement animés et détaillés, et le chara design se veut même très inspiré animé des années 80, ce qui n’est pas pour me déplaire Plutôt que de singer le style graphique des jeux de l’époque, on est vraiment dans une optique de les sublimer grâce aux moyens actuels. Même chose côté musique, la bande-son est très rythmée et entraînante, mêlant en toute logique sons 8-bits et vrais instruments sans que le mélange ne soit trop indigeste ce qui peut arriver parfois. Plutôt variées bien qu’elles soient toutes dans un ton rock, j’ai trouvé qu’elles manquaient peut-être de ce petit quelque chose qui les rendrait immédiatement identifiables et uniques. Elles n’en restent pas moins excellentes et restent souvent dans la tête. Je vous propose d’en découvrir quelques-unes :



Côté modes de jeux, il y a ce qu’il faut : Outre le mode principal que j’aborderait juste après, on trouve un mode à débloquer intitulé « prise deux » qui correspond en fait au New Game + (refaire le jeu avec les armes et upgrades acquises lors de la première run). Après avoir fini le jeu se débloquent aussi un mode Speedrun pour refaire individuellement les niveaux avec un chrono, et un mode Tournoi qui correspond en gros à un Boss Rush.

En revanche, le jeu propose de base le mode Forge, ajout sympa qui permet de créer ses propres armes (qu’il faudra dessiner vous-même !) pour les envoyer en suite en ligne et en faire profiter les autres joueurs ! Ça ne veut pas pour autant dire que vous pourrez vous balader quand vous le souhaitez avec vos armes ou celles des autres joueurs, puisqu’il faudra les récupérer en jeu en affrontant notamment le Chevalier.

Dernier bonus, la version Switch (et probablement la version PC aussi) intègre un menu « Distinctions », soit l’équivalent de succès à déverrouiller grâce à divers défis dans le jeu. Malheureusement, les déverrouiller ne donne rien de plus qu’une satisfaction personnelle, mais c’est toujours ça de pris

Revenons donc au mode principal, le mode Histoire. Après un premier niveau d’introduction servant aussi de tutoriel, le jeu nous permet de choisir parmi 10 autres niveaux sur une carte avec un aperçu du boss qui nous attend. Megaman style, donc. La comparaison ne s’arrête pas là, puisqu’une forteresse volante fait son apparition après avoir terminé tous les autres niveaux, elle-même divisée en sous-niveaux via une carte qui rappelle furieusement celles des forteresses du docteur Wily.

Petite cerise sur le gâteau, des cinématiques viennent parfois ponctuer la fin d’un niveau pour mettre en avant ses personnages à travers de très beaux visuels tout en pixels, et surtout pour raconter le scénario du jeu qui, bien que relativement simple et classique (ça aurait même pu être celui d’un vrai jeu NES, dis-donc ) se suit sans déplaisir. Ces cinématiques ont aussi le mérite de ne pas être trop envahissantes pour laisser place à l’action, et j’avoue que j’aurais même aimé en voir un peu plus histoire de pouvoir étoffer le background du jeu et des personnages. On croise par exemple régulièrement le Chevalier comme une sorte de rival pour Flame et Grit, ce dernier nous avertissant des dangers que représentent les armes des démons. Mais il n’est nullement fait mention de qui il est, d’où il vient, de son lien avec Grit et Flame ou même avec les démons. Un personnage qui reste donc très obscur durant tout le jeu. Et c’est loin d’être un personnage secondaire, puisqu’on peut potentiellement le croiser et l’affronter à chaque niveau !

C’est donc du tout bon côté habillage graphique et sonore, et les premières minutes sont lancées qu’on accroche déjà bien au jeu.



Sauf que c’est bien beau tout ça, mais qu’est-ce que ça donne côté gameplay ? C’est là où il y a malheureusement du bon et du moins bon.

Concernant les mécaniques de jeu, rien à redire, c’est de l’action à l’ancienne bien fichue, on avance en démolissant les ennemis et en évitant les pièges. Les deux personnages sont bien maniables, avec une petite lourdeur supplémentaire dans les sauts de Grit mais rien d’handicapant, contrairement à ce que j’ai pu lire quelques fois.
Ce dernier dispose de quelques coups forts utiles pour traverser les niveaux : outre l’attaque de base vers l’avant, il a droit aussi à un coup vers le haut, qui fait aussi office de double saut, et un coup vers le bas qui permet de rebondir sur les ennemis à la manière de Link dans Zelda 2. Ce n’est pas le seul emprunt à ce dernier, et on retrouve la mécanique de bouclier des ennemis, qui peuvent parer soit en haut soit en bas, heureusement en un peu moins cheaté que dans Zelda 2... Il faut persévérer, mais c’est beaucoup plus gérable que dans ce dernier.
Grit dispose lui aussi d’un bouclier de base et dont il faut gérer le placement pour contrer l’adversaire et dévier les projectiles, ainsi que d’un dash arrière qui fait office d’esquive, mais qui n’est pas évident à utiliser en situation réelle. Encore qu’il suffit de prendre le coup de main.

À tout moment, le joueur peut décider de faire sortir Flame de son robot pour parcourir un bout de niveau, ce qui sera parfois obligatoire (chaque niveau propose au moins une portion à faire uniquement avec Flame). Cette dernière est à peine plus légère que Grit et a le mérite d’être plus petite, mais aussi plus démunie, sa seule capacité étant de pouvoir utiliser son fouet et s’accrocher à certains endroits avec. L’idée de proposer ces deux gameplay est chouette en soi, mais peut-être un peu sous-exploité à mon goût, les portions de niveau à jouer avec Flame étant assez courtes et souvent sur le même schéma. D’autant que, on le verra plus tard, se balader avec Flame dans un niveau est extrêmement risqué.

En revanche, l’idée de pouvoir ramasser des armes et les utiliser dans la foulée est vraiment fun, le jeu se veut d’ailleurs assez permissif là-dessus : Grit peut équiper 4 armes et on peut switcher de l’une à l’autre avec les touches L et R. Les armes ramassées sont automatiquement équipées si un slot est libre, sinon elles vont dans l’inventaire qui permet d’en stocker quasiment à l’infini. On peut d’ailleurs accéder à l’inventaire à tout moment pour changer ses armes, y compris lors d’un boss.

Et des armes, il y en a à la pelle ! (d’ailleurs vous pouvez manier une pelle dans le jeu )
Une variété qui fait extrêmement plaisir, et les développeurs ont pris soin de s’inspirer de nombreuses armes issues de différents pays, en y ajoutant quelques armes volontairement comiques. Ces armes, on les trouve absolument partout, en premier lieu sur les ennemis mais aussi planquées dans les niveaux au détour d’un passage secret ou d’un mur à casser (Castlevania, quand tu nous tiens). Les boss lâchent eux aussi des armes spéciales évidemment plus puissantes, qu’on a envie de préserver précieusement.

J’ai d’ailleurs été déçu que ces armes ne soient pas plus importantes que cela : les conserver ne sert pas à grand-chose, si ce n’est bien sûr à avoir des bonnes armes dans son inventaire, et j’aurais trouvé classe que les avoir toutes débloque quelque chose (peut-être l’épée ultime que j’ai obtenu à la fin sans comprendre pourquoi ?) ou qu’elles soient efficaces face aux autres boss, à la manière d’un Megaman ! Cela aurait pu donner de l’intérêt au fait de choisir les niveaux du jeu dans l’ordre qu’on souhaite.
Autre regret, les armes se manient toutes de la même façon : que l’on frappe avec une dague, un macahuitl, une claymore ou une batte de base-ball, l’animation d’attaque est la même, donc pas de variation de gameplay. Seule la portée change ainsi que ses stats, et notamment sa puissance d’attaque ou sa durabilité.



Car oui, toutes les armes peuvent se briser, sinon ce n’est pas drôle ! Et le jeu a justement l’intelligence de jouer là-dessus de différentes façons : on peut sacrifier une arme pour la lancer sur un ennemi ce qui va le tuer la plupart du temps, ou mieux, activer le sort contenu dans l’arme en la détruisant avec les gâchettes L et R. Il existe 14 sorts au total, comprenant sorts de soins, de buff, de dégâts ou effets divers (voler, lancer des projectiles à l’épée...). Au départ rien n’explique l’utilité des sorts et il faut les essayer pour les découvrir, certains étant un peu obscurs au départ, comme la Bénédiction qui annule les Malédictions et n’est donc réellement efficace que dans les derniers niveaux du jeu.
Quoiqu’il en soit, ils ont le mérite d’ajouter une touche stratégique au jeu, et on prendra soin de bien garder les armes avec sorts de soin ou de buff pour les boss si on veut éviter d’épuiser trop vite nos précieuses vies.

Les armes proposent aussi une autre idée originale, quoique peu utile en termes de gameplay : chaque arme récoltée augmente votre « fardeau spirituel », dont le montant est fixé en fonction de l’arme. Une mécanique intéressante au niveau du lore (plus vous utilisez les armes, plus vous sombrez du côté obscur) mais malheureusement bien trop obscure sur ce qu’elle fait réellement, et c’est tout juste si j’ai deviné qu’elle influait sur l’apparition ou non du Chevalier en tant que mid-boss de chaque niveau. Et vu le nombre d’armes qu’on récolte, le fardeau est constamment élevé signifiant qu’on tombe sur ce Chevalier à chaque niveau... Le fardeau influe peut-être aussi sur la difficulté globale du jeu, mais je n’ai pas vraiment pu le vérifier (en fait, je ne suis pas sûr que ça a un quelconque lien avec le Chevalier non plus...).
Au final on peut faire tout le jeu s’en vraiment s’en soucier, cela n’empêche pas d’avoir la bonne fin, ou même la mauvaise. Le jeu vous laisse ce choix après avoir tué le boss final, en fonction de ce que vous faites de son arme.

Dernière mécanique intéressante avec la gestion des checkpoints : pour les activer, il faudra y planter une de vos armes. À vous de décider si vous en abandonnez une par sécurité, ou prenez le risque de les garder pour avoir du renfort pour le reste du niveau ou le boss (ou même pour pouvoir les dépenser ensuite dans l’atelier pour des upgrades de vie). Dans les faits, la question se pose rarement vu la quantité d’armes que l’on récolte durant un niveau, mais en mode hard où les armes se brisent plus vite, ça peut poser un problème si l’on n’a plus d’arme à utiliser pour un checkpoint.

Car là-dessus, le jeu reprend le concept à l’ancienne : une vie perdue et c’est retour au dernier checkpoint, perdez-les toutes et c’est tout le niveau qu’il faut recommencer. Il est possible de ramasser une vie par niveau grâce à un objet souvent bien planqué, mais dans l’absolu comptez 3 vies (4 pour le mode normal, 5 pour le mode facile) pour boucler un niveau. De même pour les possibilités de soin assez limitées : deux containers d’énergie (qui redonnent à peu près un quart/cinquième de vie) par niveau pour Grit, un petit container caché pour Flame au cas où elle a pris des dégâts, et pour le reste il faut compter sur les effets de soin de vos armes.

C’est là que le jeu peut paraître injuste, avec seulement deux checkpoints par niveau, donc sur le même modèle que Megaman une fois de plus, sauf que les niveaux de Panzer Paladin sont bien plus longs ! Et il peut être clairement frustrant de recommencer toute une portion de niveau voire le niveau entier à cause d’un saut raté... Comme d’habitude, trous et pics sont mortels pour notre duo, et certains niveaux n’hésitent pas en abuser un peu pour des passages particulièrement stressants. D’autant que la DA du jeu a beau être magnifique, s’ils sont aussi chargé en détails en restant sur les même tons de couleur, ça rend forcément certains éléments de décors difficiles à distinguer, notamment plateformes et pièges. Frustrant, mais rien d’insurmontable non plus, et j’ai déjà vu pire ailleurs.

Quoiqu’il en soit, dans le cas de Panzer Paladin, un troisième checkpoint pour minimiser la punition n’aurait pas été du luxe.



Pour ces raisons, le jeu a été accusé d’être difficile par différents testeurs. Une critique étrange pour un jeu qui se veut justement hommage aux jeux d’actions réputés difficiles de la NES... Surtout que, en vérité, cette soi-disant difficulté est bien exagérée.

J’ai fait ma première run du jeu en mode normal, et hormis certains niveaux que j’ai dû recommencer du début (plus à cause des pièges mortels évoqués plus haut qu’à cause des ennemis, en vrai), j’ai traversé le reste sans grosse difficulté, parfois en first try. Les ennemis sont nombreux mais pas envahissants, la plupart se tuent en un ou deux coups. Certains boss peuvent être stressants, mais ils n’en restent pas moins très gérables pour peu qu’on analyse un peu leur pattern. D’autres sont incroyablement faciles et nécessitent juste de bourriner pour s’en sortir, d’autant plus si on a un inventaire rempli d‘armes. Le boss de fin m’a même un peu déçu par son manque de difficulté, vu que ses attaques sont très faciles à esquiver.

Je ne suis pourtant pas un joueur hardcore, ce qui n’empêche pas que je n’ai clairement pas ressenti la même difficulté dans les épreuves et dans les combats qu’un Megaman NES, par exemple. Du coup, le challenge va surtout venir du mode hard, où les ennemis sont un chouïa plus solides et font plus mal (ils m’ont semblés plus nombreux aussi) et où les armes se cassent plus vite, obligeant à réfléchir un peu plus à leur utilisation (mais on en ramasse toujours autant). De plus, les pics deviennent mortels, là où en difficulté normale ils infligent simplement des dégâts. Il y a donc divers ajustements loin d’être anecdotiques, nous obligeant à mieux appréhender le level design, le pattern et la position des ennemis, ainsi que la gestion de nos armes.
On apprécie mieux le jeu, là où en normal traverser les niveaux avait quelque chose d’extrêmement redondant. Le fait qu’ils soient tous construits sur le même modèle n’aide pas ! Car si le level design sait varier les pièges et les ennemis, leur structure même est quasi-identique : longue phase avec Grit -> checkpoint -> combat contre le Chevalier (s’il apparaît) -> phase avec Grit + phase courte avec Flame -> 2ème checkpoint -> boss. Le tout couplé à un manque de variété dans les situations qui accentue encore la monotonie. Là-dessus, il faut admettre qu’un Shovel Knight était plus réussi.

Mais malgré ce regain de difficulté en mode hard, le jeu reste globalement très faisable même pour moi... Pour ceux qui veulent du vrai défi, il faut donc se les imposer soi-même : faire les niveaux sans armes (Grit peut toujours utiliser ses poings), voire même sans Grit, uniquement avec Flame. Elle dispose de PV très réduits et fait évidemment très peu de dégâts (bon courage pour les boss), ses seuls atouts étant d’être petite ce qui est plus facile pour esquiver les attaques, et d’avoir une bonne portée avec le fouet. Mais surtout, impossible pour elle de ramasser les armes et de les utiliser, même pour leurs sorts. Par conséquent, impossible de valider les checkpoints... Là, vous allez en suer !

D’ailleurs, même si je comprends que l’idée était de proposer un challenge supplémentaire au joueur, le fait que Flame ne puisse pas au moins valider les checkpoints se révèle au final très frustrant quand on ne cherche pas une plus grande difficulté. En effet, si Grit n’a plus d’énergie, Flame sort immédiatement du robot et offre une seconde chance au joueur avant de perdre une vie. Il est encore possible de « ressusciter » Grit si le joueur parvient à atteindre un container d’énergie pour Grit puis à l’appeler via une plateforme. Sauf que chaque niveau ne contient que deux de ces containers... et leur chemin d’accès est souvent semés d’embûches. Du coup, comme il arrive souvent de perdre Grit au mauvais endroit, on se retrouve à devoir faire tout le niveau avec Flame... sans armes ni checkpoint. Une soudaine hausse de difficulté pas forcément bienvenue, et on en vient même à préférer se suicider pour recommencer dans de meilleures conditions.

En bref, selon les endroits, le jeu oscille souvent entre le trop facile et le trop difficile dans ses mécaniques, et on regrette que les idées mises en place n’aient pas été plus poussées et mieux dosées. Cela dit, cette difficulté a au moins un mérite, à savoir éviter de plier le jeu en moins de 2 heures... Car les niveaux du jeu sont certes assez longs et nombreux, il n’en reste pas moins bien court avec assez peu d’à-côtés, mis à part les modes bonus et le New Game +. Personnellement, il m’a fallu pas loin de 5h lors de ma première run, presque autant pour la seconde en mode hard.



Alors au final, qu’est-ce que j’ai réellement pensé du jeu ?

J’avoue que sur ma première run, mon expérience sur Panzer Paladin était mi-figue mi-raisin : j’ai vite accroché à l’univers et à l’ambiance du titre, le jeu a un bon gamefeel et ça fait toujours plaisir de retrouver un jeu qui rend hommage aux jeux d’actions rétro. J’ai vite accroché au principe d’armes à collecter, pour finalement me dire que c’était très sous-exploité, et que toutes les bonnes idées pour rendre ce système intéressant (sorts des armes, fardeau, checkpoint...) paraissent superflues vu l’avalanche d’armes qu’on récolte.
Même chose pour les phases avec Flame, très chouette idée qui aurait mérité d’être plus développée (des niveaux entiers avec elle ?), mais a tout de même le mérite de faire varier le gameplay car malheureusement le level design a tendance à se montrer trop répétitif.
Un sentiment de redondance accentué par la quasi-absence de difficulté en mode normal, difficulté plus frustrante que valorisante, car on meurt plus souvent à cause d’une bêtise (un saut raté) que par la nécessité d’un véritable apprentissage du jeu et de ses mécaniques. À un point où je dois dire que finir les 17 niveaux du jeu m’a paru un peu lourd sur la fin...

J’ai tout de même pris la peine de faire un New Game + en mode hard, qui est sûrement la difficulté pour laquelle le jeu a été pensé à la base, car c’est beaucoup mieux passé. On appréhende mieux le système de jeu et le level design, et globalement j’ai été beaucoup moins tenté de foncer tête baissée. Cela n’empêche pas le jeu d’être encore assez facile (en particulier les boss), et il est dommage que le jeu ne récompense pas plus le joueur pour ses prises de risque au-delà des distinctions/succès à débloquer.

Malgré ces défauts (qui sont somme toute très relatifs au regard de la qualité globale du jeu), j’ai beaucoup apprécié découvrir ce Panzer Paladin, et je sens que je vais en garder un bon souvenir. Je reste fan des mécaniques proposées qui ont pour moi un gros potentiel. C’est même le premier jeu indé à me faire autant accrocher à son univers et ses mécaniques, et tout ce que je souhaite est que Tribute Games parvienne à peaufiner celles-ci pour nous proposer une suite, même spirituelle, qui transformerait l’essai et deviendrait un nouveau succès du style rétro chez les indés !

Si vous avez été amateur de Shovel Knight, The Messenger et compagnie, je ne peux donc que vous conseiller d’y jeter un œil ! Panzer Paladin ne sera peut-être pas aussi bon que ces derniers mais vous ne devriez pas être déçus pour autant !


Si vous avez pu tester le jeu et que vous voulez en discuter/donner votre avis, profitez-en dans les commentaires ! Je vous laisse avec le trailer du jeu :




Résumé pour les flemmards des yeux :
Bien :
- Une DA typée animé des 80’ au top
- Un pixel art léché, des animations soignées
- Les cutscenes qui font plaisir
- Une bande-son nerveuse et rythmée rendant hommage aux jeux NES
- Un gameplay bien fichu et agréable à jouer
- Plus d’une quinzaine de niveaux, donc consistant niveau contenu
- De la rejouabilité avec le New Game +, le mode speedrun et le mode tournoi
- Les bonnes idées : les nombreuses armes à ramasser, la mécanique de durabilité ou du fardeau, les checkpoints à valider, les passages avec Flame...

Pas bien :
- Idées qui auraient pu être mieux exploitées : trop d’armes à ramasser rendant le principe de durabilité inutile, idem pour le fardeau dont on ne se préoccupe quasiment jamais, les portions avec Flame un peu limitées
- Des mécaniques parfois trop obscures, qui nécessitent d’expérimenter par soi-même
- Level design trop répétitif dans la construction des niveaux
- Pas beaucoup d’à-côtés, à part l’atelier pour augmenter l’énergie de Grit
- La DA du décor qui rend peu lisible certaines plateformes ou pièges
- Difficulté mal dosée : traverser les niveaux et battre les boss n’est généralement pas bien dur, mais le jeu punit très fort par le manque de checkpoint et la fragilité de Flame lorsque Grit est KO
- Seul le mode hard présente vraiment un peu de challenge
- Bien que le scénario ne soit pas le plus important, on aurait aimé en savoir un peu plus


Sur ce, à bientôt pour un prochain article !

Aloha les gens,

Petit article suite à une vidéo intéressante sur laquelle je suis tombé (et à mon avis, je regarderais les autres vidéo de la chaîne), et que je trouvais intéressant de vous partager, la voici :



En gros, l'auteur part du tout récent Crash Bandicoot 4, qui propose d'emblée au joueur de choisir entre un mode "classique" (perdre des vies fais revenir en arrière et fais craindre un game over) et un mode "moderne" (plus de game over, on retourne au dernier checkpoint quoiqu'il arrive), pour poser une problématique qui revient depuis plusieurs années déjà dans les jeux : et si le système de vies, notamment dans les jeux de plate-formes, beat'em up et shoot'em up, c'était has been ?

Le joueur d'aujourd'hui a-t-il encore envie de subir un game over qui risque de lui faire recommencer une bonne portion de jeu ? Un tel système est-il encore utile si pour anticiper la frustration des joueurs, les développeurs inondent ces derniers de moyens d'obtenir des vies ? Qu'est-ce que ça change en terme de feeling et de progression ?

Je vous encourage bien sûr vivement à regarder d'abord la vidéo qui couvre très bien cette problématique et ses différentes applications, puisqu'il peut y avoir des avantages et des inconvénients en terme de plaisir de jeu avec un système de vies.

Pour ma part, je ne pense pas que le système est désuet, loin de là, mais il doit être adapté au reste du game design du jeu, et à la difficulté souhaitée par les développeurs : il est clair qu'un système de vies + game over dans Super Meat Boy qui nous forcerait à revenir plusieurs niveaux en arrière en cas d'échec, ce serait infernal !
A l'inverse, je ne dois pas être le seul à trouver paradoxalement frustrant les avalanches de vies que l'on gagne dans les récents jeux Mario ou DKC, si bien qu'on se demande à quoi ça sert de farfouiller dans les niveaux pour trouver des pièces ou des bananes... C'est ce qu'à fini par se dire Nintendo, qui a purement et simplement enlevé le système de vie dans Mario Odyssey, au détriment d'un certain challenge.

C'était plus gratifiant dans les anciens jeux, qui demandaient une certaine gestion des vies : si on voulait avoir assez de vies pour s'assurer de pouvoir survivre dans les niveaux avancés (et donc difficiles), il était utile de fouiller les niveaux à la recherche de la moindre pièce ou bonus de vie. Quitte à parfois créer des comportements un peu absurdes : Qui n'est jamais retourné dans les premiers niveaux d'un jeu, les DKC sur SNES par exemple, pour farmer les vies dans les niveaux qui en contiennent généralement à foison, histoire de se parer pour la suite de l'aventure ?...
Une autre utilité, point qu'aborde la vidéo, est d'apprendre les niveaux par coeur pour tenter d'économiser ses vies pour le boss qui va suivre, comme dans un Megaman par exemple.

Evidemment, à l'époque les vies étaient surtout un héritage de l'arcade, où chaque vie correspondait à une chance du joueur avant un fatidique game over qui l'obligeait à dépenser de nouveau ses sous ; système qui a fait le chemin sur consoles où, les jeux étant encore assez courts, il fallait que la difficulté soit de mise pour éviter que le joueur finisse le jeu en une après-midi. Mais c'était aussi ce qui faisait qu'on s'appropriait le jeu : à force de répéter plusieurs fois les mêmes portions de niveaux, on finissait par le connaître, et on s'en souviendra plus tard comme de niveaux qui nous ont marqués. A l'inverse, j'éprouve souvent aujourd'hui quand un jeu est trop facile le sentiment que je le fait simplement en ligne droite, et une fois terminé, je m'aperçois qu'aucun niveau ne m'a vraiment marqué...

Qui plus est, le fait est que le système pouvait se révéler être très gratifiant, que ce soit pour avoir bien géré son stock de vie, d'avoir poussé à la recherche de bonus, ou simplement avoir su surmonter un passage difficile.

Mais cela a-t-il encore du sens aujourd'hui ?... Certains jeux (comme Shovel Knight, Ori et d'autres évoqués dans la vidéo) jouent merveilleusement bien avec le concept de checkpoints pour que le joueur calibre soi-même sa difficulté, le système de vie ne pourrait-il donc pas être transformé pour créer de nouveaux types de challenges ?

Je vous laisse réagir en commentaires

Bon jeu à tous et à toutes !

Salut les musicos, bienvenue sur Radio Gamekyo !

Comme chaque dimanche, je vous propose un thème lié de près ou de loin au monde vidéoludique et aux univers de jeu, le but étant de partager des musiques autour de ce thème. Je propose ma sélection de musiques, mais n’hésitez pas à partager les vôtres et à faire découvrir vos morceaux préférés !

Idéalement, pensez à donner au moins le nom de la piste et du jeu dont elle est tirée.

Sauf si c'est précisé par le thème, il n'y a pas de contrainte : tout type de jeu, toute console/support, toute époque sont acceptés.


...Ça c’est le blabla habituel, mais aujourd’hui on va faire un truc un peu différent





Mon premier choix ne va pas vous surprendre :



Titre : Autumn Mountain Battle Theme
Jeu : Paper Mario and the Origami King
Composé par : Flemme de chercher

Mon principal jeu de l’été aura donc été le nouveau Paper Mario, comme pas mal de gens je pense Et le jeu est bien chouette, il y a de jolies surprises même si on a toujours envie de reprocher au titre sa simplicité, sa linéarité, son guidage trop intrusif, etc. qui malheureusement est devenu la marque de fabrique des jeux Nintendo depuis un bon moment maintenant.
Son OST en tout cas est extra et fait déjà beaucoup d’adeptes ! Et je pense que le Battle Theme du Mont Evermeil est assez représentatif de la chose




Titre : Sabata
Jeu : Boktai – The Sun is in Your Hand
Composé par : Toujours la flemme

J’ai pris aussi le temps des vacances pour découvrir Boktai, jeu fort sympathique d’un certain Hideo Kojima, et qui reprend allégrement les mécaniques d’infiltration des Metal Gear Solid appliqués à la chasse aux vampires, le tout en plus simplifié bien sûr. C’est une vraie pépite et je le trouve très bon, même si je suis une quichasse qui fonce dans le tas plutôt que d’essayer de ne pas me faire repérer (en même temps le jeu est très permissif là-dessus)
L’OST est aussi très chouette mais en même temps très monotone, ce qui convient à l’ambiance lugubre des lieux mais rend les pistes pas très passionnantes à écouter en dehors du jeu. Du coup je ne savais pas trop quoi vous partager, je prend donc le sympathique thème de Sabata, alter ego mystérieux du héros Django. Une musique aux influences de BO de western spaghetti, nous faisant parfaitement sentir la tension entre les deux protagonistes.




Titre : Crimson Ruins
Jeu : Ys V Lost Kefin, Kingdom of Sand
Composé par : Falcom Sound Team jdk (cette fois je sais )

Ouais, je fais mon forcing avec la musique d’Ys V après en avoir parlé en long et en large dans mon article d’hier, et même si je n’ai pas vraiment joué au jeu cet été, ça ne m’a pas empêché de faire tourner l’OST en boucle en rédigeant mon article. ^^
J’en ai déjà parlé mais tant pis, je vous propose à nouveau le thème des Crimson Ruins, une ode à l’aventure à lui tout seul. Après, vous en faites ce que vous voulez…


Voilà pour mes jeux et musiques JV de l’été, à vous de me présenter les vôtres !

La rentrée se profile doucement et je devrais avoir quelques nouveautés à proposer pour la rubrique, comme d’habitude n’hésitez pas à me faire part de vos retours et propositions qui sont toujours les bienvenus.

Sur ce, Radio Gamekyo rend l’antenne, à vous les studios ! 

Salut Gamekyo !

Eh oui, même en vacances je ne peux m’empêcher de parler de RPG. Pas de repos pour les passionnés

Bon, le terme « rétrospective » est peut-être un peu fort cette fois-ci, puisque je ne me suis pas investi autant en recherches pour le sujet de cet article que les autres fois, vacances oblige (bah oui, il faut bien que je profite un peu !).

Mais j’essaie tout de même de proposer une analyse un peu plus poussée qu’un simple test, avec peut-être quelques pistes de réflexions à la clé, et toujours bien entendu pour objectif premier de parler et de se remémorer les bons vieux RPG

Bonne lecture !







Ys est une série que comme beaucoup j’adore (mais à l’inverse de beaucoup, je n’adhère pas aux derniers épisodes), et j’espère bien avoir l’occasion de vous en parler plus en détails un jour. Mais je vais m’attarder aujourd’hui sur un épisode particulier, le cinquième, qui est le dernier épisode en date auquel j’ai joué il y a maintenant 4 ans (j’ai commencé par le III sur SNES il y a plus d’une quinzaine d’années maintenant). C’est à la fois un jeu du cœur pour moi et un RPG mal aimé pour beaucoup d’autres (oui, comme pour Alundra 2, il faut croire que j’ai un faible pour les RPG mal aimés ), je me devais donc de faire un article pour lui rendre justice à ma modeste mesure.

Car Ys V a autant marqué une scission dans la série (il faudra attendre 8 ans pour voir arriver un nouvel épisode, et non un remake, avec Ys VI !) en se démarquant de ses prédécesseurs, qu’il aura divisé les fans à l’époque et même aujourd’hui encore. Ce n’est pourtant pas la première fois que Falcom tente de faire évoluer sa série fétiche, Ys III ayant subi lui aussi les foudres des fans à l’époque à l’instar de Zelda 2, les deux jeux ayant tenté la même transformation fantaisiste en adoptant un gameplay en scrolling horizontal… un choix pas si fantaisiste en réalité quand on regarde l’historique des jeux Falcom avant Ys.

Mais Ys V, après un double épisode IV qui revenait aux sources aussi bien en terme de gameplay que de scénario, va tenter de renouveler sa formule d’une autre façon, en se rapprochant peut-être trop du ARPG « traditionnel » de l’époque.

La série Ys avait en effet bâti sa réputation sur quatre choses :

- un gameplay nerveux et dynamique basé sur le « bump system », une mécanique de gameplay aussi amusante que vieillotte où le joueur doit foncer sur les monstres pour les attaquer, au lieu d’appuyer sur un bouton qui déclencherait un coup d’épée. Avant Ys V, seul Ys III déroge à cette règle.

- comme beaucoup de jeux de l’époque, les jeux étaient difficiles, et Falcom a capitalisé sur cet aspect avec une courbe de progression et une montée en puissance du héros proprement jouissive, où chaque montée en niveau ou nouvel équipement était significatif et marquait la différence avec notre état précédent (on peut prendre cher face aux monstres du coin, gagner quelques niveaux et rouler soudainement sur tout le monde). Une difficulté qui s’est instaurée en marque de fabrique de la série. Idem pour les boss, réputés être des enfers sans noms, entre leurs mouvements rapides et imprévisibles et les tonnes de boulettes qu’ils nous balancent façon danmaku.

- des musiques endiablées, d’abord composées par Yuzo Koshiro, Mieko Ishikawa et d’autres, jusqu’à la formation d’un groupe de prog rock directement lié à Falcom et ses productions : la Falcom Sound Team jdk. Une première dans le milieu, tout comme pour la publication de CD d’OST et d’arrangements des musiques des jeux, Falcom faisant alors office de précurseur.

- des cinématiques au style « anime » remarquable, et quand le support le permettait (le CD via la PC-Engine en l’occurrence), des doublages, là encore assez rares dans le milieu du RPG à l’époque.

À cela s’ajoute bien sûr l’univers de la série à base de légendes, prophéties et continents perdus ainsi que son emblématique héros aux cheveux rouges, Adol Christin, archétype du jeune épéiste loyal et intègre ayant soif d’aventures et de mystères à élucider. Deux aspects qui ont forgé l’identité de la série quitte à jouer parfois sur la caricature de la fantasy classique (l’envie d’aventure d’Adol poussée à l’extrême comme trait de personnalité, ses aventures qui commencent toutes à bord d’un navire ou échoué sur une plage la tête dans le sable quand ce n’est pas les deux à la fois, le fait qu’il sauve une fille - voire deux - qui tombe amoureuse de lui dans chaque jeu...) faisant ainsi sortir la série du lot à une époque où les univers de fantasy nippone se basaient tous plus ou moins sur ceux de la fantasy occidentale/tolkienesque et où tout restait à inventer.

Ce dernier point est largement conservé dans Ys V Ushinawareta Suna no Miyako Kefin (à mes souhaits), ce qui fait que dans l’ensemble le jeu conserve l’esprit global de la série. Mais c’est sur les quatre points précédents que le jeu se démarque et, selon la plupart des fans, perd son identité.

Et autant je peux concevoir que la quasi-disparition des cinématiques et portraits style « anime » (qu’on ne verra du coup que lors de la sublime mais très statique intro du jeu) ainsi que des doublages soient une perte, imputable au choix du support, autant je serais plus enthousiaste que la plupart des gens sur les autres points.



Alors c’est vrai, Ys V surprend au départ par le changement de ton très marqué dans son ambiance visuelle et sa direction artistique par rapport aux épisodes précédents. On passe des teintes colorées typiques du style « anime » a des tons et couleurs sombres, presque ternes, qui rappellent plutôt les multiples RPG sur console 16-bits de l’époque (on peut penser à FF6 voire Chrono Trigger, Shining Force chez Sega, ou des jeux plus obscurs comme 7th Saga ou Energy Breaker) et donnent finalement un ton très mature au jeu qui n’était pas vraiment nécessaire, puisque dans le fond le scénario ne change pas trop de ce à quoi la série nous a habitué jusqu’alors.

Le jeu utilise pourtant une palette de couleur plus large que les jeux précédents, peut-être encore limités par le support de plusieurs machines notamment la PC-Engine qui commençait à se faire vieille, et constitue une vraie évolution sur le plan visuel. Il en va de même pour les décors et les sprites des personnages, plus gros et détaillés, aux proportions plus réalistes et donc très éloignés des petits sprites mignonnets ou des environnements parfois sommaires des jeux précédents. Il est bien sûr encore loin d’atteindre l’excellence graphique des titres de Squaresoft ou de certaines claques de l’époque comme Tales of Phantasia, et certains décors comme la plaine de départ auraient sans doute mérités d’être un peu plus fournis en détails. Mais on reste, de mon point de vue, dans le haut du panier de la console, et cela constitue quoiqu’il en soit un véritable bon en avant technologique.

Il en va de même pour les musiques qui changent radicalement de ton : adieu le son synth rock caractéristique des productions Falcom, ici les musiques se rapprochent plus d’un style orchestral épique jamais entendu dans la série. Sacrilège !

Cela n’empêche pourtant pas les musiques d’être d’excellente facture et tirant pour le coup pleinement parti des capacités sonores de la console, là où les itérations de Ys III et IV sur SNES pêchaient pas mal à ce niveau (ce qui n’empêchait les compositions elle-mêmes d’être géniales, bien sûr). Évidemment toutes les musiques ne sont pas extraordinaires, et on est encore loin de la qualité audio des musiques sur CD de la PC-Engine, mais bon nombre d’entre-elles valent certainement le détour. En laissant de côté le style habituel de la série, l’OST propose une toute nouvelle palette d’émotions et de motifs musicaux intéressants et inhabituels chez Falcom, même encore aujourd’hui. Le changement est si flagrant qu’on pourrait croire que Falcom a recruté des compositeurs inconnus, que nenni, il s’agit bien de la Sound Team jdk de l’époque en bonne et due forme.

Difficile de ne pas sentir son cœur se serrer d’émotion en écoutant le Niena’s Theme, le Theme of Lovers ou l’éthéré thème de l’Oasis, dont les premières notes perlées rappellent indéniablement celles de l’intro de Zelda 3. Sans oublier le sublime et mélancolique Forgotten City.
De même, s’ils sont moins funky que dans les précédents jeux, on ressent parfaitement l’urgence à travers les différents thèmes de boss, les plus réussis étant sans doute Turning Death Spiral et Wicked Pleasure.
Et comment ne pas ressentir cet appel vers l’aventure propre à la série et à son héros avec les épiques thèmes d’exploration, dont les meilleurs resteront pour moi Field of Gale (le premier thème qu’on entend en sortant de la ville), Crimson Ruins, Desert Clime, Break into Territory… Ils sont tous excellents ou presque, et mon préféré a longtemps été Wilderness malgré sa relative répétitivité.

Dans le fond, les seuls bémols sont peut-être les thèmes de ville, d’intérieur et quelques autres, qui restent sympathiques et agréables sans être spécialement marquants. D’autant plus que la plupart se jouent en début jeu ou durant des événements très ponctuels, pouvant ainsi laisser au joueur une mauvaise impression sur le reste de l’OST. Je la trouve pour ma part remarquable, pas aussi magistrale que celle d’un FF6 ou Chrono Trigger certes, mais au moins au niveau de très bonnes OST d’autres RPG de la console comme Tales of Phantasia ou Lufia 2. (Rappel : tous les noms soulignés sont des liens vers les musiques citées ! A vous d'être curieux et d'aller les écouter !)

Si les pistes originales ne suffisent pas pour vous convaincre, jetez donc un œil (ou plutôt une oreille) à leurs versions arrangées orchestrales sur l’un des trop rares albums arrangés du jeu :



En vérité, je dois bien être l’un des rares à apprécier cette OST. La plupart des retours que j’ai lu du jeu (sur des sites occidentaux du moins) la considéraient comme au mieux sympathique, au pire fade et sans originalité. Je pense surtout que son vrai tort est d’avoir voulu s’éloigner du style qu’avait jusque-là forgé Falcom sur ses jeux pour proposer quelque chose d’à la fois nouveau et moderne sur sa série phare, en essayant de lui donner la même prestance et aura que les grands RPG de l’époque, comme le prouvent les autres changements effectués pour moderniser le jeu. Comme bien souvent, ce genre de changement brutal est bien mal accueilli par les fans, au détriment de toute forme de recul. Et concernant Ys V, c’est loin d’être le seul aspect à avoir subi les foudres des fans.



Un autre point qui a en effet fait rager la communauté concerne la difficulté du titre. C’est connu, Ys est une série réputée difficile au même titre qu’un Megaman ou un Castlevania à l’ancienne. Une difficulté qui reposait bien sûr beaucoup sur des mécaniques vieillies, mais restait suffisamment bien gérée pour être corsée sans être insurmontable. Tout se jouait sur la réactivité du joueur (autrement dit, le skill) et éventuellement le farm.

Malheureusement, c’est un constat : Ys V est très facile. En tout cas comparé aux épisodes précédents, car dans le fond il n’est pas plus facile qu’un Secret of Mana ou un Zelda 3 de la même époque (jeux pas spécialement difficiles non plus, j’en conviens). Les ennemis peuvent toujours faire assez mal, mais en gérant bien son placement, le joueur peut les bourrer de coups sans se faire toucher. La courbe de progression des niveaux a été adoucie, et il est même possible d’avancer dans le jeu quasiment sans farmer, là où c’était une obligation dans les jeux précédents. L’inventaire du jeu s’est élargi et propose de transporter 10 potions de chaque type, contre une seule auparavant. Il est toujours possible de régénérer progressivement de la vie en extérieur, et les auberges et lieux de repos sont plus nombreux et disséminés à travers tout le jeu. Les donjons ne sont d’ailleurs pas bien longs, à l’exception du tout dernier. Les boss, toujours menaçants, sont tout de même bien moins stressants que ceux des précédents opus (et même les suivants), puisque n’ayant plus mille boulettes et autres coups pendables à nous balancer à la tronche.

Il n’est en revanche plus possible de sauvegarder n’importe quand, ou presque : les développeurs ont implémenté à la place une option « Quick Save », qui permet de sauvegarder sa partie à tout moment pour éviter un game over trop punitif, la sauvegarde restant présente tant qu’on n’éteint pas la console. La vraie sauvegarde s’effectue dorénavant à l’auberge. Ça ne change donc finalement pas trop d’avant.

Cette perte de difficulté est finalement beaucoup due à des améliorations de confort de jeu (aujourd’hui on parle de « casualisation » ), mais elle a été vécue par les joueurs comme une véritable hérésie et dénaturation de l’âme de la série.
Devant la grogne des joueurs, Falcom se précipite alors pour sortir une nouvelle version du jeu trois mois plus tard, sous-titrée « Expert », avec difficulté rehaussée et quelques maigres bonus pour faire passer la pilule, comme un mode time attack ou un donjon caché supplémentaire. Une tentative de redorer le blason du titre vouée à l’échec, mais j’y reviendrais plus tard.



Et ça ne s’arrête pas là. Car bien sûr Ys V ne se contente pas de changer son habillage visuel et sonore ou de saboter sa difficulté, il transforme aussi son gameplay. Le gros des bases est conservé : c’est toujours un action-rpg en vue de dessus, avec progression segmentée où il faut parler aux habitants pour comprendre la marche à suivre, parcourir des donjons et récupérer des précieux coffres, réunir des reliques pour atteindre le véritable objectif (autrefois des livres ou des statuettes, ici des cristaux qui permettent l’accès à la cité oubliée de Kefin), et bien entendu latter les monstres à coup d’épée pour engranger l’xp salvateur.

Mais le système lui-même prend un coup de neuf et s’aligne sur les standards du genre : plus question de foncer dans les ennemis pour infliger des dégâts, on retrouve cette fois l’attribution d’un bouton dédié pour attaquer. On en ajoute un autre pour parer au bouclier (enfin il sert à quelque chose !), un troisième pour sauter, le dernier étant pour le menu, lui aussi remis à neuf avec un drôle de menu en croix visuellement propre mais un peu déroutant. Clairement, le jeu essaye de se débarrasser de ses mécaniques devenues un brin austères pour faire face à la concurrence.

Fatalement, cela change la prise en main du jeu, et on gagne en placement et stratégie (par l’ajout du dénivelé et du bouclier) ce qu’on perd en nervosité. Adol reste relativement rapide et maniable, n’en déplaise à certaines mauvaises langues, mais le fait est que cette nouvelle prise en main n’est pas aussi dynamique que dans les jeux précédents, et peut-être encore un peu lourdingue comparée au gamefeel efficace et bien dosé d’un Zelda 3 ou d’un Secret of Mana. Cela n’empêche pas le jeu d’être très plaisant à jouer.

En dehors de ce lifting de gameplay plus ou moins réussi, Falcom n’oublie pas bien sûr d’ajouter au jeu son lot de nouveautés, dont certaines tirées directement des bons vieux JdR papiers : selon l’épée dont il est équipé, Adol peut donner trois coups différents, de types tranchant, perforant ou contondant. Rien de fou il faut l’admettre, et c’est même plutôt déroutant de devoir se réhabituer à la hitbox de chaque arme, mais l’idée à le mérite de changer notre appréciation des combats. Loin d’être entièrement inutile, elle sera reprise et perfectionnée dans les futurs épisodes, notamment dès Ys VI et ses trois fameuses armes aux gameplays différents.

Deuxième idée nouvelle, qui préfigure finalement beaucoup de RPG modernes : plutôt que la sempiternelle mécanique simple mais efficace de l’or ramassé automatiquement en tuant des monstres, ici ces derniers dropperont divers joyaux de valeurs différentes qu’il faudra revendre ensuite. Pour donner un intérêt à la démarche, le jeu propose un principe de fluctuation de marché, où l’on vous reprendra les joyaux plus ou moins chers selon les magasins ! Une idée intéressante sur le papier, un peu anecdotique dans la pratique vu qu’il est toujours plus facile d’aller simplement revendre le tout à la boutique la plus proche que de toutes les faire une par une pour trouver le meilleur prix. Je trouve que ça reste un ajout sympa au jeu qui tente de proposer de nouvelles mécaniques de progression et de gameplay pour renouveler le genre, comme beaucoup de jeux à l’époque (on retrouve d’ailleurs la fluctuation de marché dans Tales of Phantasia, les Star Ocean et sûrement d’autres).

Mais le plus gros ajout du jeu concerne son système de magie. D’alchimie en fait, selon le lore déployé pour cet opus, mais le principe reste le même : balancer des boules de feu, des lames de vent ou des explosions sur les ennemis
L’exécution n’a en revanche plus rien à voir avec les jeux précédents : le jeu nous propose de récolter des éléments (terre, eau, vent, feu, lumière, ténèbres, en gros les classiques) un peu partout dans le jeu et de les combiner ensuite chez un alchimiste, chaque combinaison engendrant une magie différente, jusqu’à 18 possibles. Il faut ensuite équiper la pierre créée (appelée « Fluxstone ») à son épée qui peut en accueillir jusqu’à trois. On peut ensuite alterner en combat entre les trois magies équipées d’une simple pression du bouton L.

Pas mal hein ? Dans les faits malheureusement, plusieurs défauts viennent gâcher le tableau. Déjà, le système pour lancer les magies est un peu lourdingue, avec certes les classiques MP, mais aussi une jauge de cast que l’on doit faire monter en appuyant sur R (charge rapide en martelant le bouton, charge lente en le maintenant) pour pouvoir lancer le sort. Un système évidemment prévu pour ne pas pouvoir spammer les sorts comme un bourrin, sauf qu’en fait ça nous oblige surtout à marteler le bouton R pendant nos déplacements sans que ça nous empêche réellement de spammer les magies. Pas très pratique.

Deuxième idée étrange, celle d’avoir divisé les niveaux d’XP d’Adol en deux : un pour les stats physiques, et un pour les stats magiques. Ainsi, tuer un monstre avec l’épée fait gagner des niveaux physiques, qui augmenteront les HP, la force et la défense physique ; et tuer un monstre avec une magie fera gagner des niveaux magiques, faisant augmenter les MP, la force et la défense magique. Pourquoi pas après tout, ce n’est pas une mauvaise idée en soi. Mais il aurait fallu trouver une réelle utilité à ce système, qui non seulement nous oblige à farmer les deux types de niveaux, mais nous prive même de récolter les précieux joyaux (et donc de gagner de l’argent) si on tue les ennemis avec la magie ! Sans compter que la magie n’est même pas disponible contre la plupart des boss, finissant de rendre le leveling des magies proprement inutile. Les raisons sont expliquées par le lore, mais on se doute que les développeurs ont surtout pensé les boss pour être affrontés d’une certaine façon et qu’avoir recours à la magie aurait fichu leur stratégie à l’eau.



En vérité, ce qui rend vraiment ce système de magie bancal alors qu’il était sympathique sur le papier, c’est tout simple : les trois quarts des magies sont inutiles. Mise à part les quelques sorts capables de toucher tout l’écran, les autres immobilisent Adol quelques longues secondes, laissant à sa cible le temps de se déplacer hors de sa portée… Ou alors, leurs effets sont très anecdotiques pour l’effort réalisé. Au final, le premier sort que l’on apprend (la boule de feu), reste le plus facile et pratique à utiliser. Pour le reste, le fait que les sorts soient globalement plus puissants que les coups d’épée ne suffit pas à compenser les faiblesses d’utilisation du système.

En revanche, ça y va concernant le déluge d’effets spéciaux magiques, les développeurs se sont fait plaisir et visuellement la plupart sont très chouettes ! On sent l’influence des autres titres de l’époque (dont ceux de Square, encore) qui n’hésitaient pas à tirer partie des capacités techniques de la console pour en mettre plein la vue. C’est donc d’autant plus dommage que ce système de magie ne soit pas vraiment intéressant à utiliser, surtout qu’on peut parfaitement s’en passer pour faire le jeu. L’idée de départ, celle de pouvoir combiner des éléments et créer ses magies, était pourtant bien trouvée. J’aime aussi l’idée de pouvoir fouiner les objets du décor du jeu pour dénicher des éléments un peu partout (coffres, tonneaux, caisses, cailloux, brin d’herbe, feu de cheminée, tout y passe), mais je peux concevoir que ça ne soit pas amusant pour tout le monde.

Malgré tout, on voit que les développeurs ont fait un joli travail de modernisation de leur licence en s’inspirant de ce qui se faisait ailleurs sur ce qui était la console phare des RPG à l’époque, tout en essayant de préserver certains aspects d’origine : à côté de ces nouveautés plus ou moins réussies dans leur application, plusieurs petites choses restent héritées du gameplay des anciens jeux, comme le fait que les équipements soient en nombre réduit (et ceux que vous trouvez sont toujours plus puissant que votre équipement actuel), la possibilité d’équiper des anneaux pour des effets de soutien, ou le fait qu’Adol fasse plus de dégâts en frappant les ennemis sur le côté ou par derrière (une réminiscence du « bump system »).
C’est peut-être à la fois un charme et un défaut du jeu : il garde certains aspects vieillots des précédents jeux, en chamboule d’autres, mais ne parvient du coup à ne convaincre dans ses choix ni les fans trop occupés à se remettre de cette « trahison » envers l’esprit de la série, ni les férus de RPG habitués aux systèmes complets et/ou complexes notamment chez les productions de Square ou Atlus et qui ne se seraient pas encore lancés dans la série de Falcom. De tout cet ensemble de faux pas, les joueurs ne tirent qu’une conclusion : le jeu est fade et ressemble à n’importe quel RPG générique sur 16-bits. Dur.

Comme quoi la bonne volonté ne paye pas toujours, et c’est toujours le public qui a le dernier mot. Comble de l’ironie : la plupart des changements effectués sur Ys V ont perduré dans la série, notamment concernant les mécaniques de jeu ou la baisse de difficulté, et aujourd’hui plus personne n’y trouve rien à redire...

Reste alors un dernier choix notable et étrange de la part de Falcom, qui aura assurément porté un dernier coup à la réputation du jeu : alors qu’ils privilégiaient jusqu’ici en grande partie le développement de leurs jeux sur les micro-ordinateurs de l’époque, avec parfois des portages réalisés par des studios tiers pour les versions consoles (y compris les versions PC-Engine CD-ROM, considérées généralement comme les plus représentatives de la série), voilà qu’ils décident soudainement de développer Ys V sur Super Famicom uniquement ! Une décision étonnante de la part d’un studio qui s’était spécialisé jusque-là dans le développement sur ordinateurs et où se trouvait leur fan base, et on imagine sans mal leurs difficultés à s’adapter à un hardware certes déjà bien installé et même un brin dépassé, mais nouveau pour eux.
Difficile de savoir si c’est ce choix qui portera le plus préjudice à cet épisode et à la série ou les changements cités plus haut, mais je rappelle que ce n’était pas forcément un mauvais coup à jouer, surtout sur une console aussi populaire et fournie en RPG que la Super Famicom. D’ailleurs, de nouveau tenté par le marché des consoles, Falcom se rapprochera de Sony aux alentours de 2009 (en ayant tout de même largement tâté le terrain avec les portages dès 2005 de leurs derniers jeux sur PS2 ou PSP, là encore réalisés par des tiers) pour développer leurs jeux uniquement sur leurs machines, avec le succès qu’on leur connaît aujourd’hui.

Alors pourquoi un tel échec sur Super Famicom ? Au-delà des qualités et défauts du jeu et des critiques qu’il a essuyé, le jeu aurait pourtant pu remporter un succès honnête, au moins grâce à l’aura de sa série… s’il n’avait pas joué de malchance.
Car en 1995 déboulait au Japon sur la même machine Seiken Densetsu 3, Front Mission, Chrono Trigger, Terranigma, Lufia II, Tales of Phantasia, Tactis Ogre, Romancing SaGa 3, et le mastodonte Dragon Quest VI. On a beau s’appeler Ys, difficile de se faire une place parmi tous ces hits. Pire, les quatre derniers cités déboulent dans la même période de fin d’année que Ys V, qui au moment de Noël se retrouve pris dans une pénurie de production des cartouches de Super Famicom. Le jeu, prévu pour sortir le 22 décembre, se retrouve à sortir une semaine plus tard que prévu !

La malchance ne s’arrête pas là, puisque lorsque trois mois plus tard, Falcom propose Ys V Expert en espérant réparer ses torts, la fabrication de cartouches à entre temps subi une baisse de prix, et la nouvelle version se retrouve en rayon moins chère que la version de base ne l’était à sa sortie. Alors quand les early adopters, déjà chauffés par les changements plus ou moins heureux effectués au sein de la série et par le retard surprise qu’à accusé ce nouvel épisode, découvrent avec stupeur une version plus complète, plus difficile et moins chère que celle qu’ils ont payé, et ce au bout d’à peine trois mois ! Autant dire que le bureau des plaintes chez Falcom était saturé…

La sortie d’une nouvelle version physique d’un jeu était bien sûr déjà monnaie courante au Japon, même parfois dans des délais aussi courts, et Falcom s’en était d’ailleurs déjà fait une spécialité avec des versions spéciales ou collectors pour inciter le chaland à repasser à la caisse. Mais le concours de circonstance est trop gros pour Ys V, qui se retrouve plombé de tous les côtés.

Rien d’étonnant alors à ce que la série disparaisse des radars quelques années, pour finalement jouer la sécurité avec des remakes PC des deux premiers épisodes toujours aussi cultes, avant un véritable retour avec Ys VI huit ans plus tard, en 2003. Et on ne reverra pas Falcom chez Nintendo de sitôt...



Avec tout ça, je n’ai même pas parlé de l’histoire et de l’univers du jeu. Cette fois, Adol se rend sur le continent d’Afroka (pour rappel, l’univers de la série se déroule dans une simili-europe d’inspiration médiévale) après avoir entendu parler d’une mystérieuse cité perdue, engloutie par les sables du désert : la cité de Kefin. De nombreuses rumeurs circulent à son sujet, que ce soit sur les trésors dont elle regorge ou sur les miracles qu’elle recèle, comme la possibilité d’exaucer tous les vœux. Mais des siècles et des siècles de recherche n’ont toujours pas permis d’en délivrer les secrets. Devinez qui va s’y coller ?

Adol débarque donc, et toute une galerie de personnages se met en place : Dorman, le dirigeant de la première ville du jeu et ayant eu vent de la réputation qu’Adol a acquise lors de ses précédentes aventures, le recrute très vite pour partir à la recherche des cristaux censés ouvrir l’accès à la cité perdue. En effet, le désert s’étend inexorablement dans la région et menace d’engloutir les différentes villes sans que rien ne puisse l’arrêter. Dorman est persuadé que la cité renferme le pouvoir de l’alchimie, la clé qui lui permettrait de stopper l’avancée de cette catastrophe. Épaulé par Rizze, commandante de la milice, les deux compères semblent pleins de bonnes intentions lors des prémices de l’aventure, mais on devine vite que celles-ci sont moins nobles qu’ils n’y paraît.

Plus sympathiques, Adol croisera aussi la douce Niena, jeune fille amnésique retrouvée dans le désert par Stein, son père adoptif disparu lors de la recherche des cristaux ; Willy le garçon énergique et plein d’admiration envers les aventuriers comme Adol ; Massea la mystérieuse alchimiste ; la troupe des brigands d’Ibur qui cherchera a abuser régulièrement de la gentillesse d’Adol avant de se ranger de son côté une fois le véritable ennemi révélé ; et bien sûr Terra la petite peste qui fera son retour dans Ys VI après avoir bien grandi.



Rien que du très classique donc, mais on retrouve tous les ingrédients à base de vieilles légendes, prophéties et cités perdues qui ont forgé l’univers et l’imaginaire des Ys et même de la fantasy japonaise d’une manière générale, tout en les inscrivant dans un nouvel environnement désertique permettant de s'inspirer légèrement de l’Égypte antique, sans tomber dans la caricature. Et ça fonctionne toujours aussi bien. Le scénario en lui-même se suit avec plaisir malgré son classicisme, et on y retrouve tous les tropes propres à la série.
C’est donc comme je le disais l’aspect du jeu qui reste le plus fidèle à la série d’origine, mais cela n’a pas empêché les joueurs d’y trouver des choses à redire…

En premier lieu, ce nouvel épisode semble n’avoir pratiquement aucun lien avec les autres. Si on omet la réputation d’Adol qui le précède, rien ne fait référence aux jeux précédents, pas même Dogi, le compagnon de route de toujours de notre rouquin aventurier, puisqu’il est parfaitement absent de cette aventure ! Je ne trouve pas ça dérangeant pour ma part, surtout à une époque où il n’était pas encore monnaie courante comme maintenant de créer des univers complexes et interconnectés, avec pour seul maître mot la cohérence (quitte parfois à inventer des théories tordues pour que tout tienne la route). Les studios et développeurs cherchaient surtout à créer de nouvelles façons de surprendre, parfois à réécrire leur univers et ses codes plus qu’à le poursuivre, et créer des suites de jeux avait donc plus de chances de créer des incohérences que l’inverse. La série n’en était d’ailleurs pas exempte, avec un Ys III qui ne faisait déjà plus beaucoup référence aux deux premiers épisodes.

La deuxième accusation concerne les personnages jugés comme creux et mal mis en avant, un problème certainement lié avant tout à l’absence de character art et de doublages lors des dialogues comme à l’époque de la PC-Engine. Car mis à part ça, les personnages n’ont pas moins de charisme ou de dialogues que ceux des jeux précédents, si vous voulez mon avis. Il suffit de voir les sublimes artworks promotionnels des personnages du jeu pour s’en convaincre...



Que reste-t-il donc de ce pauvre Ys V ? Loin d’être un mauvais jeu, il fait malheureusement partie de ces jeux boudés voire conspués pour avoir trop osé, trop chamboulé, trop « trahi » son esprit d’origine, à l’instar d’un Zelda 2, d’un Worms 3D… ou d’un Alundra 2 (je persiste et signe ). Avec toute la mauvaise foi de rigueur, on lui trouve tous les défauts du monde, y compris ceux qu'il n'a pas.
Il n’a pas su non plus conquérir un nouveau public, la mission qu’il s’était pourtant donné en sortant sur Super Famicom. La faute à la perte de certains éléments phares de la série, à un game system encore un peu trop austère couplés à des changements trop drastiques et des idées mal exploitées, auxquels s’ajoutent encore des effets collatéraux comme la concurrence de plus en plus féroce et le combo pénurie/baisse de prix. Malgré cela, la série a survécu et su se remettre sur pied. Mais rien n’a pu rendre justice à cet épisode, pas même le remake développé par Taito sur PS2 en 2006, qui rattrape certaines choses côté scénario (Dogi apparaît cette fois-ci) mais se casse la figure sur d’autres aspects, notamment l’habillage graphique, en plus de ses défauts d’origine. Certains miseront alors plus d’espoirs sur un très probable remake moderne, dans la lignée des derniers Ys, et souhaité par le président actuel de Falcom lui-même. Pour ma part, je sais déjà que ce dernier ne respectera pas, pour le coup, ce que j’ai aimé dans cette série et dans cet épisode particulier.

Alors peut-on parler d’un « bon jeu, mauvais Ys » comme le veut la formule ? C’est sans doute la conclusion la plus appropriée pour la plupart des gens. Mais il a été plus que ça pour moi. J’y ai retrouvé ce que j’aimais de la série : une ambiance fantasy à base de vieilles légendes et de cités perdues, des personnages simples mais charismatiques, un gameplay certes moins nerveux mais efficace, et la touche de modernisation qu’il fallait à la série, et ce malgré ses évidentes imperfections. J’ai pourtant fait avant lui tous les vieux Ys, des premiers dans leurs versions NES (ouïlle!) jusqu’à Origins dans sa version originale sur PC. J’ai été imprégné de leurs univers fantastiques, des adorables personnages typés « anime », de la musique incroyable signée Jdk Sound Team. Vous n’imaginez pas comment ces choses m’ont marqué. Et pourtant j’ai aimé aussi Ys V pour ce qu’il a voulu proposer, pour son renouvellement et ses idées intéressantes, pour sa bande-son merveilleuse, et pour tout ce qu’il aura tout de même apporté indirectement à la série. C’est une vraie tristesse pour moi que ce jeu soit encore aussi boudé et mal aimé aujourd’hui, car je pense sincèrement qu’il ne le mérite pas. Ce n’est sans doute pas le meilleur Ys, il est même très perfectible, mais il reste pour moi un Ys à part entière, et quoiqu’il en soit un jeu très sympa à faire.

Même si j’en ai sans doute eu l’air au cours de l’article, je ne jette pas forcément la pierre aux fans malgré leur tendance à vite décider du droit de vie ou de mort d’une œuvre. Après tout, j’ai moi-même des envies soudaines d’égorger des bébés phoques quand on me parle de Metroid Other M… Mais j’ai aussi conscience que ce dernier est justement à l’image de Ys V : une tentative pour les créateurs de moderniser la série et de la renouveler, si possible sans en trahir l’esprit d’origine (c’est râpé).

C’est une démarche que je trouverai toujours louable, quelque soit le résultat. Dans le fond, je pense que je préfère une prise de risque ratée qu’une énième resucée sans efforts ni génie… Car c’est grâce à ces prises de risque qu’ont pu naître parfois des jeux géniaux : Metroid Prime, Castlevania Symphony of the Night ou Zelda Breath of the Wild en sont le parfait exemple (ce qui n’empêche pas pour chacun d’eux de ne pas faire l’unanimité, vous noterez). Mais alors, quelles prises de risques sont bonnes, lesquelles sont mauvaises ? À quel moment un jeu respecte-t-il l’esprit de la licence dont il est issu, et à quel moment le trahit-il ? Faut-il oser chambouler une série ou au contraire la préserver au maximum pour en assurer le succès ? Jouer ou rejouer à Ys V ne répondra sans doute pas à toutes ces questions, mais cela permet d’y apporter, à mon sens, un début de réflexion...


Merci d’avoir lu jusqu’au bout, n’hésitez pas à commenter et discuter de tout ça, je serais ravi et curieux de connaître vos avis sur le jeu et sa place dans la série !

En attendant, bonne fin de vacances et bon jeu

Salut Gamekyo !

Me revoici pour parler un peu de RPG à l’ancienne, regarder un petit coup dans le rétro et se remémorer les bons (ou mauvais) souvenirs ! Et c’est plutôt sur ce dernier aspect que je vais orienter cette fois mon article, vu le sujet du jour

Car après Wild Arms 2 et Legend of Legaia, me voici arrivé au bout de la « trilogie Contrail » (qui n’a jamais existé mais on va faire comme si ) : le fort mal aimé Alundra 2.

Oh, qu’il est mal aimé ce pauvre Alundra 2. Qu’il est vilain et boiteux. Tout le monde le déteste. Ne faites pas genre, je vois tout de suite sur vos visages (pensez à désactiver vos webcams d’ailleurs, je vois ce que vous faites, c’est dégueulasse !) ces mines réprobatrices qui n’attendent qu’une chose : que je taille un short au jeu en bonne et due forme. Désolé pour vous, il n’en sera rien

Bon, parfois il faut savoir assumer ses goûts quitte à finir lapidé sur la place publique. Alors voilà, j’assume : quand j’étais jeune, j’ai bien aimé Alundra 2... même si je ne l’ai pas fini et que je l’ai lâché après avoir fait plus des ¾ du jeu (comme 90% de mes jeux à l’époque, en fait).
Aujourd’hui encore, je l’aime toujours. Et cette fois, j’ai pris ma revanche

Rassurez-vous, je reste objectif hein. De toute façon, je sais que je ne duperais personne même si j’essayais d’en faire l’éloge ou d’en gommer les défauts. Je ne cache pas que l’article est écrit sous le signe de la nostalgie (c’est même le but en fait), mais une nostalgie à la fois bienveillante et lucide, qui n’est pas aveugle sur ce qu’était le jeu à l’époque ni sur ce qu’il est devenu aujourd’hui.

...Donc s’il vous plaît, rangez vos cailloux, et attendez au moins la fin de l’article pour me les lancer, merci






Pour les trois troglodytes qui ne connaitraient pas la série (qui ne comprend que deux épisodes, mais bon), vous vous demandez peut-être ce qui ne va pas avec ce pauvre Alundra 2. Un petit rappel s’impose.

Tout d’abord, c’est simple : Alundra était un chouette jeu d’aventure en 2D façon Zelda-like avec un univers enchanteur mais sinistre, un propos étonnamment mature, des monstres coriaces et des pièges extrêmement retors. On peut le voir comme une suite spirituelle de Landstalker sur Megadrive, puisque c’est en partie le même staff qui s’est occupé des deux jeux, quand bien même ils ont migré de boîte entretemps (Climax Entertainment du temps de Landstalker, Matrix Software pour Alundra et Alundra 2).

Et Alundra 2 fait fi de tout ça, sans aucune concession :
- Adieu la 2D chatoyante, place à la 3D intégrale mais grossière censée représenter l’avenir du jeu vidéo.
- Exit le ton sombre et dramatique du premier opus, où le héros devait entrer dans les rêves des habitants du village d’Inoa et explorer les environs pour tenter d’arrêter la malédiction qui les emportait l’un après l’autre. Sa suite se déroulera dans un monde coloré et rigolo où se côtoieront soldats mécaniques stupides, pirates incapables, princesses en détresse et méchants machiavéliques. Du classique quoi.
- Arrivederci le classieux Alundra lui-même, remplacé par un jeune gringalet du nom de Flint, qui n’aura même pas la chance d’avoir un semblant de caractère puisqu’il sera comme à peu près tous les héros nippons de l’époque : muet.
- Auf wiedersehen les multiples armes exploitables par Alundra, Flint lui n’aura droit qu’à son épée, certes upgradable et avec possibilité d’obtenir des nouveaux coups pour son combo de base.
- Sayonara la vaste carte explorable avec zones imbriquées et interconnectées, les destinations sont maintenant distinctes et reliées entre-elles sur une carte du monde basique et même un peu petite.
- Certains se désolent même que les énigmes aient été considérablement simplifiées par rapport au premier épisode, mais je trouve ça très débattable, on y reviendra.

Ne reste alors du premier volet que son côté Zelda-like dans sa progression, et son titre, vidé de toute substance.
En clair, ils ont beau partager le même nom, les deux jeux n’ont plus grand-chose à voir. On peut saluer l’audace de Sony et des développeurs ayant osé transformer complètement une série prometteuse dès le deuxième épisode, mais dans les faits, on se doute que ce n’était que pour tenter d’élargir l’audience du titre, avec plus ou moins de réussite.
Les fans du premier, eux, ne s’en sont jamais remis.



Et si encore ce n’était que ça ! Car après tout, des suites qui tranchent drastiquement avec les épisodes précédents, il y en a déjà eu, avec parfois des tentatives réussies (Castlevania Symphony of the Night me vient en tête), mais il faut admettre que l’exercice est risqué.

Manque de pot, au-delà du changement de ton brutal entre Alundra 2 et son prédécesseur, cette tentative de renouveler la série par la 3D a peut-être été la fausse bonne idée du studio.
Car ça, aucune nostalgie ne peut l’excuser : le jeu était déjà moche à l’époque, alors ça ne risquait pas de s’arranger aujourd’hui...

Les personnages tout particulièrement font peine à voir. Rares sont les jeux de la Playstation à proposer une modélisation 3D de personnages agréables à l’œil, mais là c’est tout de même un cran au-dessus de l’ignominie, avec des polygones taillés à la serpe et des blocs de Lego à la place des cheveux (je vous jure, on n’en est pas loin). Ne parlons pas des NPC, qui ont tous plus ou moins la tronche de mannequins de dessin en bois, et ce n’est évidemment pas un compliment. Cela dit, les personnages compensent ce manque de charisme visuel par des animations sommaires mais rigolotes et une certaine expressivité dans les visages. Les doublages, première dans la série, font le reste, et finalement tout ce petit monde reste étonnamment attachant.
Les deux décors, eux, s’en tirent pas si mal en étant assez variés au niveau des textures, et du coup assez immersifs si on omet la pixelisation à outrance (et les villages généralement pas ouffisimes, ce qui est bien dommage). C’est donc un peu grâce à sa DA et son chara design (signé Shûji Imai, un illustre inconnu ayant surtout œuvré sur des covers de bouquins et des illustrations dans les guides de jeux et dans le magazine Nintendo Power, comme celle-ci) que le jeu parvient à conserver un peu de charme. Mais si on comprend le choix du passage à la 3D à une époque où elle s’imposait comme l’évolution logique du média, c’est quand même vexant si c’est pour se coltiner un tel résultat. Mais bon, il fallait bien commencer quelque part...

C’est dommage, car le choix de la full 3D a aussi permis quelques apports sympathiques, avec notamment la mise en scène dynamique lors des cinématiques (durant lesquels les personnages sont étrangement un poil plus détaillés), qui permet d’instaurer durant les moments clés du jeu une ambiance remarquable. La toute première scène du début, avec cet oiseau mécanique volant sous une pluie battante pendant que Flint tente de pénétrer à l’intérieur, en est le parfait exemple.



Autre apport notable, la rotation de caméra et la possibilité de jouer sur les angles de vue, dont le jeu ne se prive d’ailleurs pas en planquant régulièrement des pièges ou des coffres dans nos angles morts. Cela à ses effets pervers malheureusement : l’exploration reste en vue de trois-quarts du dessus avec une caméra fixe, c’est donc le joueur qui décide de la faire tourner selon ses besoins. Et cela risque d’arriver très souvent, tant encore une fois le jeu joue sur les angles morts... y compris lors des phases de plateformes et puzzles. Et s’il y a bien des moments dans le jeu où on a besoin de concentration et de doigté, ce sont bien ces phases-là !

Car concernant l’exploration et la résolution d’énigme, Alundra 2 est dans la lignée de ses prédécesseurs, Landstalker compris : activations d’interrupteurs et plateformes mouvantes à tout va, exigeant souvent une précision millimétrée du saut ; dédales de portes qui s’ouvrent et se referment sur vous et dont il faut comprendre la logique ; pics sortants du sol, rochers qui vous tombent dessus et autres obstacles aussi douloureux que difficiles à esquiver, sans même parler des ennemis qui grouillent de partout ; caisses et tonneaux à empiler d’une façon précise pour servir de marchepied (et vous pouvez être certains que s’il y a 5 caisses dans la pièce, il faudra utiliser ces 5 caisses même si l’une est à l’autre bout de la pièce et une autre sur une plateforme inaccessible !) ; torches à allumer ou éteindre avec un timing calculé là encore à la seconde près ; bombes à faire exploser à un point précis sans quoi elle font exploser un bloc utile et il faut tout recommencer... Les puzzles ne sont en globalité pas aussi bien rodés que dans un Zelda, mais leur construction est savamment pensée pour vous donner du fil à retordre, avec un machiavélisme qui frôle parfois le génie.

Rien n’est laissé au hasard dans le jeu, et ce que l’on dénoncerait aujourd’hui comme des défauts de game design étaient considérés comme parfaitement exploitables par les créateurs pour stimuler le joueur. Ainsi le jeu exploite à fond son moteur physique lors des énigmes, et n’hésite pas à avoir recours à des moyens improbables pour résoudre les énigmes ou atteindre un coffre spécial. Ne vous étonnez donc pas de devoir vous servir de bombes comme de plateformes (avant qu’elles ne vous explosent à la figure, bien sûr), voire même de portes mouvantes (parce que POURQUOI PAS) ou de tout autre objet solide qui vous permettrait de vous surélever (genre un ennemi). De même, il faudra parfois « guider » les ennemis à des endroits précis pour activer un interrupteur ou s’en servir comme marchepied, ce qui sera l’occasion de vous arracher les cheveux et plus encore puisque leur comportement semble totalement aléatoire.



J’avoue que quand j’ai lu à certains endroits sur le net que le niveau des puzzles avait baissé dans Alundra 2, je me suis demandé s’il n’y avait pas un peu de mauvaise foi. En dehors des premières zones du jeu, qui font office de tutoriel et dont les énigmes sont effectivement simplistes, je me suis retrouvé par la suite bloqué un grand nombre de fois avant de comprendre quoi faire. Souvent, la solution paraît simple, avant de se rendre compte que ça ne marche pas, de bloquer pendant cinq minutes pour finalement comprendre que la solution est bien plus tordue que ce que l’on a imaginé au départ !

Et même quand vous avez fini par comprendre ce que vous devez faire, il va maintenant falloir vous démener pour l’exécuter sans accroc...

Car comme si ça ne suffisait pas, à la relative complexité des puzzles et combats s’ajoute la lourdeur incroyable du héros. Un défaut là encore apporté par la 3D, ou peut-être pensé volontairement par ces sadiques de développeurs, je ne sais pas... Toujours est-il que Flint se manie avec l’aisance d’une tractopelle, nous faisant pester à chaque fois qu’un monstre à la priorité sur notre coup d’épée, à chaque saut manqué de justesse ou à chaque lancé d’objet qui tombe à côté de la plaque. Autant d’erreurs souvent sanctionnées par des dégâts ou la nécessité de recommencer le puzzle depuis le début. En plus de la lenteur d’exécution, le rythme du joueur est régulièrement plombé par les animations, certes travaillées, mais qui rajoutent de la latence. Qu’il est agaçant de voir un énième ennemi mettre Flint à terre, et de devoir attendre près de 5 secondes qu’il se relève... Et ça arrive tout le temps !!
En plus, tout ceci est encore plus accentué dans la version PAL du jeu qui est d’une lenteur insupportable, comparée à la version US déjà plus vive (probablement encore une histoire de différence 50-60 Hz, pauvres européens que nous sommes).

Et puis il y a les boss, aussi gigantesques que dangereux pour la plupart, et qui là encore nécessiteront une bonne dose d’observation et de réflexion pour analyser leur pattern et trouver le bon moment pour frapper. Et encore une fois, vous avez intérêt à être précis, car le laps de temps où ils sont vulnérables est généralement assez court, quand eux ne se gênent pas pour vous inonder d’attaques qui font de gros dégâts et peuvent s’avérer bien dures à esquiver.

Non, vraiment, le jeu est dur. C’est pas faute pourtant d’avoir mis deux modes de difficulté (facile et normal), mais cela n’influe que sur les dégâts des ennemis, qui vous pourriront la vie de toute façon. Quand bien même le jeu a la décence de vous filer des objets de soin tout le long du jeu. Car il faut être honnête, une grosse partie de la difficulté est due à cette fichue maniabilité.
Mais même si le jeu se montre impitoyable par moments, frustrant à d’autres, il n’est en même temps jamais impossible. On finit toujours par entrevoir la solution ou par passer un obstacle si l’on persévère. Si bien qu’on ressent toujours cette incroyable satisfaction à chaque énigme résolue ou boss vaincu, doublée d’un soupir de soulagement. Et de nous faire reprendre de plus belle l’aventure. Un vrai tour de force, quand on y pense.



L’aventure n’est heureusement pas constituée que d’ennemis vicieux et de casse-têtes tordus, et dans le fond le voyage est plutôt plaisant si l’on accroche à l’univers légèrement barré du jeu.

Le scénario ne vole certes pas haut, puisqu’il est question d’un baron avide de pouvoir qui fait main basse sur le royaume de Varuna, aidés par les pirates et d’un énigmatique magicien du nom de Mephisto, que l’on devine plus fourbe que le baron lui-même. Alexia, fille du roi et forte de caractère (ce qui ne l’empêchera pas de se faire enlever et de servir de love interest au héros, comme d’habitude ), part à la recherche de Flint pour l’aider à renverser la situation en partant à la poursuite du trio de pirates nigauds composé du bourru Zeppo, de l’insolente Ruby et du maigrichon intello Albert. D’autres personnages feront leur apparition, même s’ils n’auront malheureusement pas l’occasion d’être aussi travaillés et mis en avant. On comprendra de toute façon bien vite que tout ce petit monde est manipulé, et finiront par s’allier contre le véritable ennemi.

Bref, aucune surprise, tous les évènements se voient venir à des kilomètres. Et pourtant... On s’y attache, à tous ces joyeux lurons, à leurs mimiques invraisemblables et leurs animations cartoonesques, à toute cette bande de pirates qui passent leur temps à se prendre le chou, au sale caractère d’Alexia, et à la moustache du Baron Diaz qui semble léviter au-dessus de sa bouche (ah non, ça on préfère oublier ). L’univers ne manque d’ailleurs pas d’originalité en se basant sur ces clés mécaniques qui transforme tout en marionnettes, transportant le joueur dans une ambiance steampunk, avec même quelques passage un peu glauques (chaque fois qu'un être vivant est transformé en monstre mécanique via une de ces clés...). Il est aussi plaisant de traverser des lieux variés comme le navire englouti, l’intérieur d’un taureau mécanique ou celui d’une baleine géante !

L’ambiance du titre est aussi largement portée par ses musiques magnifiques, fruit du travail de Kohei Tanaka, génial compositeur des musiques de l’animé One Piece (une autre histoire de pirates, tiens, tiens), de celles de Gravity Rush et accessoirement de celles du premier Alundra. L’ambiance musicale est forcément plus légère dans cette suite, mais aussi du coup plus variée : du sautillant Momomoke Forest à l’oppressant Demon Doll, en passant par le paisible Island of Paradise ou le mystique Ancient Ruins, l’OST du titre est un vrai régal à bien des égards, même s’il y a bien sûr des pistes moins marquantes que d’autres. Il n’empêche que des thèmes comme Ruins of the Guardian God (second thème de boss) ou Quiet Town, l’un des plus beaux thèmes de village qu’il m’ait été donné d’entendre dans un JRPG à ce jour, m’ont marqué comme beaucoup d’autres à l’époque et me sont resté en tête pendant de longues années (d’ailleurs, je sais pas pourquoi, mais j’avais la musique du maître Jeehan en tête à chaque fois que commençais mon cours d’aïkido ). Mon seul regret, finalement, est qu’il y ait si peu de pistes dans l’OST (quoique plus de 38 tout de même) et que l’on entend donc souvent les mêmes au cours du jeu, surtout que les boucles de répétitions sont plutôt courtes.



Je le redis, la direction artistique du jeu est globalement bien travaillée et réussie, nous renvoyant immédiatement à d’autres univers rafraîchissants issus du fertile imaginaire nippon, notamment Grandia et Skies of Arcadia. Il est justement fort dommage que l’univers et les personnages ne soient pas aussi travaillés que dans ces derniers (par exemple la relation entre Flint et son père), empêchant Alundra 2 de devenir une référence. En résulte un jeu plutôt court d’une trentaine d’heure pour en voir le bout (probablement 10 de plus pour tenter le 100%), si tant est déjà que l’on ait la patience d’aller jusque-là.

Cela dit, le jeu propose d’augmenter sa durée de vie par toute une ribambelle de mini-jeux et quêtes annexes fort variés : fléchettes, combats de taureau, jeux de tir ou d’esquive au casino, voiture téléguidée et d’autres plus improbables comme ce mini-jeu où Flint se fait courser par des chiens qu’il doit guider sur des interrupteurs... Et si on se fait toucher, plus qu’à recommencer ! Oui, les mini-jeux sont aussi durs que le jeu lui-même Le jeu ne nous laisse aucun répit, et il faudra en baver pour obtenir les upgrades de vie, magie, armes et bouclier, et surtout les 60 pièces de puzzle disséminées à travers tout le jeu et qui permettent à Flint d’obtenir auprès du maître Jeehan un nouveau coup pour son combo d’arme. Plus cool, la quête d’échange d’objet, sur le modèle déjà vu dans les Zelda, permet d’obtenir la meilleure arme. Toutes ces petites choses, qu’on s’y attarde pour les faire ou non, contribuent elles aussi au charme et à l’ambiance déjantée du titre.

Et enfin, dans le genre souvenir qui laisse des traces, il y a le joli travail de localisation du jeu par Activision (enfin pour être exact, c’est une boîte de localisation française, ExeQuo, qui s’est chargé de la traduction chez nous. Dire que j’ai fait mon stage chez eux, dix ans plus tard... ). Sans être parfait, la faute à quelques erreurs de contexte évidentes et un ton encore plus enfantin que la version japonaise, on peut saluer au moins l’écriture des textes agréable et sans fautes (oui, c’était pas courant à l’époque ^^’) et la présence de cette fameuse VF pour les doublages, bien rare à l’époque surtout sur les RPG. Bon, après faut aimer le jeu d’acteur style « dessin animé du matin sur TF1 », mais quelque part ça correspond à l’ambiance du titre, et on voit que les doubleurs se donnent à fond dans leurs personnages, ça fait plaisir. Je vous invite à revenir sur la vidéo un peu plus haut pour réentendre ce doublage devenu culte... enfin, pour certains



Alors voilà, même 20 ans après je continue de le penser : Alundra 2 est un bon jeu... enfin, pour ceux qui ont une patience d’acier et n’ont pas peur de se faire des tendinites à cause de la maniabilité. Et évidemment, il faut lui pardonner ses multiples entorses au premier Alundra. En clair, le jeu était parfait pour le gamin ayant soif d’aventures et d’univers enchanteurs que j’étais, à l’époque pas trop regardant sur le scénario ou sur les graphismes (encore que même moi je le trouvais déjà bien moche à l’époque... mais je disais la même chose d’à peu près tous les jeux 3D ). Aujourd’hui, évidemment, il accuse un vilain coup de vieux. Et même si l’on fait abstraction du changement de ton par rapport à son ainé et qu’on essaye de prendre le jeu tel qu’il est, il faut reconnaître qu’il est difficile d’y jouer aujourd’hui à cause de ses trop nombreux manquements de game design. Difficile aussi de ne pas faire la comparaison avec le mètre-étalon Zelda Ocarina of Time, sorti un an auparavant (et même deux, si on compte à partir de la sortie occidentale d’Alundra 2), et qui atomise le A-RPG de Matrix Software sur tous les aspects...

L’année dernière, je vous parlais de Bomberman Quest, autre jeu de mon enfance, en le comparant à un bon vieux copain qu’on est content de retrouver après tant d’années. Je pourrais faire une analogie similaire avec Alundra 2 : ce serait alors l’équivalent de ce sympathique tonton Roger qui jouait avec vous quand vous étiez gamin, qui vous prenait par les pieds la tête en bas pour rigoler (oui c’était dangereux, mais c’était marrant), qui faisait des blagues un peu nunuches mais ça vous faisait rire quand même, et qui avait des tas d’histoires invraisemblables à raconter. Aujourd’hui, tonton Roger a vieilli. Il est tout ridé et fripé, il est sénile, et il a Parkinson. Et Alzheimer (ouais, dur). C’est tout juste s’il se souvient encore de vous, et vous trouvez maintenant ses blagues parfaitement ringardes. Mais vous avez toujours plaisir à le voir et l’entendre vous raconter ses histoires invraisemblables, et à vous remémorer le bon vieux temps.

Pour moi, Alundra 2 restera toujours un jeu du cœur, même s’il a beaucoup subi les affres du temps en plus de ses défauts d’origine. Au point où je peux difficilement le conseiller à qui que ce soit, si ce n’est aux plus téméraires et curieux d’entre vous. Mais même si je comprends l’amertume de ne pas avoir eu une suite à la hauteur du premier volet, je pense qu’il mérite qu’on se souvienne de lui malgré tout

Et voilà, comme promis, le short d’Alundra 2 est sauf, ouf !... ah non, attendez

Sur ce, merci d’avoir lu et bonnes vacances à tous/toutes, de mon côté je vais aller me dorer la pilule à la campagne peut-être parlerai-je d’un autre RPG, ou pas je sais pas

Salut Gamekyo !

Vous ne trouvez pas que ça manque de partage de musiques de JV par ici ?

Chaque semaine (sauf contrainte), je choisirais un thème au pif, quel qu’il soit. A vous de partager ensuite en commentaire une musique d'un jeu - ou plusieurs, mais restez raisonnables et n'en partagez que 5 maxi ! - qui selon vous correspond à ce thème !

Pensez à indiquer si possible le nom du jeu et du morceau choisi, et éventuellement pourquoi vous l'avez choisi pour ce thème

Sauf si c'est précisé par le thème, il n'y a pas de contrainte : tout type de jeu, toute console/support, toute époque sont acceptés.





Bon, je mets d’emblée quelques classiques, comme ça c’est fait Pas de commentaires, de toute façon tout le monde les connaît !




Titre : Into the Thick of It
Jeu : Secret of Mana
Composé par : Hiroki Kikuta




Titre : Awakened Forest
Jeu : Final Fantasy IX
Composé par : Nobuo Uematsu




Titre : To the Garden of the Moon Butterflies in the Moonless Night
Jeu : Baten Kaitos
Composé par : Motoi Sakuraba




Titre : Forest Interlude/Enchanted Woods
Jeu : Donkey Kong Country 2
Composé par : David Wise




Titre : Secret of the Forest
Jeu : Chrono Trigger
Composé par : Yasunori Mitsuda


D’ailleurs, je ne dois pas être le seul à avoir constaté que le début ressemble à...




Titre : Cedar Woods
Jeu : Breath of Fire III
Composé par : Yoshino Aoki & Akari Kaida

...Flagrant, hein ?

Je continue avec des propositions un peu moins connues :



Titre : Serenity
Jeu : Final Fantasy XIV A Realm Reborn
Composé par : Masayoshi Soken

Compilation des différents morceaux que l‘on entend en parcourant la forêt de Gridania dans FFXIV ARR. Une merveille de douceur et de tranquillité.




Titre : A Signpost in the Shade
Jeu : Arc Rise Fantasia
Composé par : Shunsuke Tsuchiya

Arc Rise Fantasia, un des rares RPG sur Wii, n’est pas exceptionnel mais reste un bon RPG dans l’ensemble (enfin, hormis les personnages pour ma part). En revanche, de nombreuses pistes de la bande-son sont très belles (Yasunori Mitsuda y participant sur certaines), et j’ai particulièrement aimé cette retranscription de l’atmosphère forestière que l’on entend dès la toute première forêt du jeu.



Titre : Labyrinth I - Guardian
Jeu : Etrian Odyssey V
Composé par : Yuzo Koshiro

Là encore une forêt de début de jeu. Les thèmes de forêts des Etrian Odyssey ont un peu tendance à tous se ressembler mais j’aime particulièrement le rendu de celle du cinquième opus ^^

On garde le meilleur pour la fin :



Titre : Searching for a Hero of Long Ago
Album : Suikoden III Music Collection ~Rustling of the Wind~
Composé par : Michiru Yamane
Arrangé par : bosque aroma

Un arrangement sublime et envoûtant d’une musique qui ne se joue pourtant pas dans une forêt dans le jeu d’origine (mais une grotte, il me semble), mais qui a été réarrangé ici avec ambiance boisée et bruitages forestiers. Il suffit de fermer les yeux et on s’y croit...


Voilà pour cette grosse sélection, que je garnirai avec vos propositions

Mon souci oculaire n’a malheureusement pas disparu malgré ce bref retour à la nature, mais au moins ça s’est calmé un peu. Je vais pouvoir continuer la rubrique encore sur le mois de juillet, avant une nouvelle pause pour mes vraies vacances en août Et après, on verra si je continue ou pas ^^’

Sur ce, bonne fin de week-end et profitez du beau temps !

Vos propositions :

Salut Gamekyo !

Vous ne trouvez pas que ça manque de partage de musiques de JV par ici ?

Chaque semaine (sauf contrainte), je choisirais un thème au pif, quel qu’il soit. A vous de partager ensuite en commentaire une musique d'un jeu - ou plusieurs, mais restez raisonnables et n'en partagez que 5 maxi ! - qui selon vous correspond à ce thème !

Pensez à indiquer si possible le nom du jeu et du morceau choisi, et éventuellement pourquoi vous l'avez choisi pour ce thème

Sauf si c'est précisé par le thème, il n'y a pas de contrainte : tout type de jeu, toute console/support, toute époque sont acceptés.





Voici ma proposition :




Titre : Farewell to Sue
Jeu : Grandia
Compositeur : Noriyuki Iwadare

[SPOIL]Je préfère prévenir, hein, même si le titre de la vidéo est déjà un spoil en soi...

Car oui, ceux qui y ont joué s'en souviennent, Grandia était en plein dans la mode "et si on faisait en sorte qu'un personnage du jeu qui a accompagné le joueur pendant toute une partie de l'aventure et auquel il s'est attaché disparaissait soudainement pour ne jamais revenir ?"

Heureusement, contrairement à Aerith ou Lion, la mignonne Sue ne meurt pas, mais se rend soudainement compte après avoir traversé milles obstacles en compagnie de Justin et Feena qu'elle ne peut plus physiquement suivre le rythme de leurs aventures et se sent obligée de rentrer à la maison (en dépit du fait qu'elle va devoir retraverser les mêmes obstacles sur le chemin du retour et s'épuiser encore plus, à ce stade on se demande pourquoi elle n'a pas plutôt continué )

Et pourtant, la musique qui se joue lors de sa séparation avec le groupe est si déchirante et émouvante que, sans contexte, on pourrait très bien croire au décès de la pauvre demoiselle !
Une musique qui évoque pour moi avant tout la tristesse, mais de part sa place dans le jeu symbolise parfaitement la séparation du groupe d'amis.[SPOIL]

Je ne proposerai que cette musique aujourd'hui. J'attends les vôtres !

Quant à moi, étant donné que je vais m'absenter la semaine prochaine, je pense que je ne ferais pas d'article VGM, et puis ça me permettra de faire une pause.
Pause qui risque de se prolonger sur tout l'été, car un souci de santé fait qu'il est devenu difficile pour moi de travailler longtemps sur écran, même pour écrire de petits articles...
On verra bien comment ça évolue :/

Quoiqu'il en soit, bonne fin de week-end à tous !

J'ajoute vos propositions :

Salut Gamekyo !

Vous ne trouvez pas que ça manque de partage de musiques de JV par ici ?

Chaque semaine (sauf contrainte), je choisirais un thème au pif, quel qu’il soit. A vous de partager ensuite en commentaire une musique d'un jeu - ou plusieurs, mais restez raisonnables et n'en partagez que 5 maxi ! - qui selon vous correspond à ce thème !

Pensez à indiquer si possible le nom du jeu et du morceau choisi, et éventuellement pourquoi vous l'avez choisi pour ce thème

Sauf si c'est précisé par le thème, il n'y a pas de contrainte : tout type de jeu, toute console/support, toute époque sont acceptés.





J’attaque tout de suite avec un grand classique :




Titre : Dearly Beloved
Jeu : Kingdom Hearts Series
Album : Memória! The Very Best of Yoko Shimomura
Artistes : Yoko Shimomura & Hiroyuki Nakayama

Parce qu’on ne l’entend jamais assez, il fallait bien mettre ici le thème phare de la série Kingdom Hearts ! Histoire de changer des jeux, je mets la sublime version arrangée pour l’album Memoria publié pour fêter les 25 ans de carrière de la compositrice, qui mériterait à elle seule de remplir le thème du jour tellement ses compositions au piano sont exceptionnelles !




Titre : So Alone, Be Sorrow
Jeu : Star Ocean 3 Till the End of Time
Composé par : Motoi Sakuraba
Ah, Sakuraba, je t’aime comme je te déteste... Un compositeur capable du pire comme du meilleur, et il faut dire qu’il n’a pas beaucoup brillé sur ses OSTs de JV depuis presque 15 ans maintenant. Mais s’il y en a bien une qu’il a maîtrisé de bout en bout, c’est celle de Star Ocean 3, où le compositeur a visiblement eu carte blanche pour laisser libre court à son imagination tant certaines pistes ont l’air complètement en décalage a l’idée qu’on se fait d’une OST de JV. C’est le cas de cette piste-ci.

Sakuraba est d’ailleurs surtout connu et appréciés pour son style rock progressif qu’on retrouve généralement sur des thèmes de combat, mais quand il se met au piano, il est aussi capable de merveilles de composition et d’audace, comme en témoigne donc So Alone, Be Sorrow (ok, si on omet le nom grammaticalement hasardeux) qui passe en quelques minutes d’un tempo très lent et un rythme presque effréné et sauvage, symbolisant tous les états de la tristesse. Faut aimer le style peu conventionnel du bonhomme, mais ça reste définitivement une composition très intéressante, surtout dans une OST de JV.




Titre : Champion Cynthia – Prelude to the Champion
Jeu : Pokémon Diamant/Perle/Platine
Composition : Go Ichinose
Arrangement : Carlos Eiene
Interprète : Kara Comparetto


Quand on parle de piano et JV, on pense souvent aux mélodies lancinantes pleines d’émotions. Mais il y a parfois des pistes complètement folles qui, à l’instar du troisième mouvement de la Sonate au Clair de Lune, semblent ne pas pouvoir être jouées par le commun des mortels.

Lorsque que l’on s’apprête à défier Cynthia, le champion de Sinnoh, un puissant piano retentit et nous assaille de gammes rapides, nous faisant comprendre que plus que n’importe quel autre champion, Cynthia ne fait justement pas partie du commun des mortels, et que le combat qui vous attend risque bien d’être le plus éprouvant de votre vie. Un thème qui résume le personnage en trois mots : Classe, Réfléchi et Sans-pitié.

C’est définitivement un de mes thèmes préférés dans le JV et son rythme effréné le rend très difficile à jouer en réel, peu de YouTubeurs sont d’ailleurs parvenus à en faire une cover sans s’y casser les dents... Jusqu’à ce que deux de mes YouTubeurs favoris, Carlos Eiene (chaîne insaneintherainmusic) et Kara Comparetto (reprises au piano) s’associent et proposent cet arrangement à tomber par terre !!
Bien sûr, Kara est douée, mais peut-être pas au point de suivre le rythme infernal du morceau, c’est pourquoi ce dernier a été arrangé pour un tempo lent, qui loin de nuire au morceau lui donne une tout autre prestance, bien plus pesante... Cynthia n’a jamais été aussi imposante.

Le morceau d’origine, tout aussi exceptionnel, s’écoute ici : Champion Cynthia




Titre : Dance of Sadness
Jeu : Castlevania Portrait of Ruin
Composé par : Yuzo Koshiro

Dans le genre « piano endiablé », celle-ci est aussi une de mes préférées !
Illustrant le combat face aux jumelles Stella et Loretta, on y retrouve un enchaînement de gammes rapides soutenus par des lourdes percussions pour accompagner le rythme du combat, et quelques passages plus lents comme le début qui font ressortir la souffrance des deux sœurs. Le piano n’est donc pas seul ici, mais il impose en maître sa puissance tout le long de la piste, et nul doute qu’un solo au piano de ce thème aurait autant de puissance.
Une piste incroyable, qui rend quand même pas mal malgré la puissance sonore de la DS, même si j’espère un jour pouvoir entendre une vraie instrumentalisation du morceau.




Titre : To Zanarkand
Jeu : Final Fantasy X
Composé par : Nobuo Uematsu
Interprète : RuRu

Evidemment, je ne pouvais pas terminer cette sélection sans To Zanarkand, et je suis d’ailleurs sûr que vous y avez pensé en voyant le thème ! (du coup, je vous ai tous coupé l’herbe sous le pied, héhé )

J’ai rien à dire sur cette piste tant elle est mythique, décidément un thème fort du monde vidéoludique et une composition lourde d’émotions

Je choisi une cover pour le plaisir de l’entendre sur un vrai piano, et si en plus c’est Yuna... euh, RuRu de la chaîne Ru’s Piano qui s’y colle dans un magnifique cosplay, le plaisir est double ^^


Voilà pour cette grosse sélection, que j’espère garnir avec vos propositions

S’il y a un thème que vous souhaiteriez avoir une prochaine fois, n’hésitez pas à le faire savoir, je le rajouterais à ma liste.

Je songe aussi à créer directement un groupe dédié pour cette rubrique, histoire de la séparer de mon « blog » du site, et qui permettrait aussi à différentes personnes de le gérer avec moi. Des intéressés ?

Sur ce, bonne fin de week-end et bon jeu !

Vos propositions :

Salut Gamekyo !

Vous ne trouvez pas que ça manque de partage de musiques de JV par ici ?

Chaque semaine (sauf contrainte), je choisirais un thème au pif, quel qu’il soit. A vous de partager ensuite en commentaire une musique d'un jeu - ou plusieurs, mais restez raisonnables et n'en partagez que 5 maxi ! - qui selon vous correspond à ce thème !

Pensez à indiquer si possible le nom du jeu et du morceau choisi, et éventuellement pourquoi vous l'avez choisi pour ce thème

Sauf si c'est précisé par le thème, il n'y a pas de contrainte : tout type de jeu, toute console/support, toute époque sont acceptés.





Voici mes propositions :




Titre : Death and Decay
Jeu : Total Annihilation
Composé par : Jeremy Soule

Un jeu culte sûrement pour beaucoup, moi compris ! J’aurais pu mettre un peu n’importe quelle musique du jeu tant elles sont toutes excellentes, mais je partage celle-ci qui correspond bien à l’atmosphère de désolation du jeu. C’est généralement la première musique que l’on entend quand on lance une partie, d’ailleurs.




Titre : Conquest
Jeu : Age of Empires
Composé par : David & Stephen Rippy

Ah, Age of Empires... Je pourrais réécrire le même commentaire qu’au-dessus Un excellent jeu et une excellente OST, qui m’a laissée pleins de bons souvenirs. J’ai beaucoup ce mélange de musiques tribales (en parfaite adéquation avec le propos du jeu, évidemment) et ce côté un peu « planant » qui rendent l’écoute de l’OST très relaxante.




Titre : Full OST
Jeu : Warbreeds
Composé par : Aucune idée !

...Qui se souviens de ce jeu ? Un bon RTS qui n’a pourtant pas eu un franc succès, malgré son idée intéressante de pouvoir créer ses unités en les « hybridant », donc en associant une base avec des armes et autres éléments parmi des tonnes de combinaisons possibles. J’avoue que j’avais un peu oublié l’OST avant de me souvenir du jeu il y a quelques temps maintenant, et elle est aussi très bonne. Je n’ai malheureusement pas pu trouver les pistes séparées sur YouTube, je mets donc à défaut l’OST complète, il suffit que vous écoutiez les premières minutes pour vous faire une idée de la chose !




Titre : The Beast Kingdom
Jeu : Heroes of Mana
Composé par : Yoko Shimomura

Parce que je ne peux décidément pas faire un article sans parler de RPG et parce qu’il est trop tentant de mentionner cette bizarrerie qu’est Heroes of Mana surtout au vu du sujet choisi, je me devais donc de l’inclure aujourd’hui !
Car oui, la série Mana s’est, contre toute attente, essayée au RTS... sur DS. Personne ne l’attendait et ils l’ont fait, on se demande toujours pourquoi. Le jeu partait pourtant d’une bonne intention, et l’univers y est globalement très bien respecté, mais le gameplay est trop bancal (et notamment ce pathfinding atroce !) pour que le jeu soit un minimum mémorable. Je salue tout de même l’audace de Square-Enix à l’époque, parce qu’on se plaint qu’aujourd’hui les éditeurs n’ont plus d’originalité et ne prennent plus de risques, donc il faut aussi souligner quand ils tentent des choses, quitte à les rater...
Une chose n’est pas ratée cependant, et c’est l’OST merveilleuse signée une fois de plus par Yoko Shimomura, qui avait déjà œuvré sur la série avec Legend of Mana. Elle contient nombre de pistes de qualité et est un vrai plaisir à écouter (la version CD a même une qualité supérieure par rapport aux sonorités du jeu sur DS). Je choisis cette fois « The Beast Kingdom » là encore une des premières musiques qu’on entend puisqu’il s’agit de la première mission du jeu, et qui illustre à la fois le côté militaire du titre et le côté magique de l’univers.

Voili voilou, à vous de jouer

S’il y a un thème que vous souhaiteriez avoir une prochaine fois, n’hésitez pas à le faire savoir, je le rajouterais à ma liste.

Je songe aussi à créer directement un groupe dédié pour cette rubrique, histoire de la séparer de mon « blog » du site, et qui permettrait aussi à différentes personnes de le gérer avec moi. Des intéressés ?

Sur ce, bonne fin de week-end et bon jeu !