Amis gamers, bonsoir !

La dernière fois j’avais fait un article (un peu passé inaperçu, vu le jeu) pour donner mon avis sur Destiny Connect après l’avoir fini, je propose donc la même chose cette fois avec un autre titre peut-être un poil plus attendu : SaGa Scarlet Grace.
Le jeu a été annoncé en occident durant l’E3 2019, et vu que j’avais de toute façon envie de le prendre, je me dis que mon avis peut en intéresser certains !

Rappel du titre :
SaGa Scarlet Grace est le dernier « gros » jeu de la série du même nom (les SaGa, pour ceux qui connaissent pas), très populaire au Japon et beaucoup moins chez nous, dont les premiers épisodes arrivés chez nous ont été SaGa Frontier 2 et Unlimited SaGa. Progressivement, les Romancing arrivent, ce qui est une très bonne chose puisque ce sont probablement les meilleurs jeux de la saga (hum).
Scarlet Grace quand à lui, est d’abord sorti sur PSVita au Japon, et son (très) petit succès lui aura valu d’être porté sur différents supports (dont le mobile) dans une version améliorée sous-titrée Hiiro no Yabô (ambitions écarlates), qui est donc la version que j’ai acheté sur Switch en japonais et qui sera celle qui sortira en occident, avec encore quelques améliorations je crois.

En résumé, que vaut-il ?
Eh bien, selon vos goûts, il sera soit très bon, soit très mauvais. Au moins, ça c’est clair.
Je crois malheureusement que Scarlet Grace est de ces titres qui divisent assurément, et il y aura sûrement une plus grande proportion de gens pour le critiquer que de gens pour l’apprécier. Je suis néanmoins de cette seconde catégorie.

Tout comme les épisodes précédents de la série, il y a 4 personnages pour 4 scénarios différents. Je n’en ai fait qu’un seul, celui de Leonard, mais c’était largement suffisant pour voir ce que le jeu a à offrir. Car mine de rien, j’aurais mis près de 50h pour le finir !

Alors certes, on était au courant : le jeu est ultra daté et est plus proche d’un jeu PS2 qu’autre chose. L’aspect fait globalement très cheap, avec une world map en 2D où on court à toute vitesse pour rejoindre les différents points d’intérêts qui « popent » quand on en approche. Ça fait pas mal penser à Legend of Legacy sorti sur 3DS, d’ailleurs.
Oubliez aussi les cinématiques chiadées, ou même une quelconque forme de mise en scène : TOUTE l’histoire se déroule par les dialogues façon visual novel, avec le modèle 3D de chaque personnage 2D-ifié (ce n’est pas un artwork) qui se font face. On a vu plus glamour.
En somme, seuls les combats disposent d’une mise en scène soignée pour animer chacune des attaques disponibles dans le jeu, qui sont heureusement bien nombreuses.
De plus, le jeu est blindé de chargements ou de micro-freezes plus ou moins longs, qui ne paraîtront pas justifiés vu la faiblesse technique de l’ensemble du jeu... vous avez donc intérêt à être très patients.



La DA paraîtra aussi étrange pour certains, et je le comprends devant le côté bigarré de certains persos... Personnellement j’aime beaucoup les costumes et les couleurs employées, j’ai enfin l’impression d’avoir un univers de fantasy saupoudré d’une touche artistique à la japonaise, qui change de l’habituelle soupe que l’on nous sert à base de héros super stylay ténébreux-mais-pas-trop et de fillettes moé/kawaii à la poitrine plus ou moins proéminente.

La musique en rajoute une couche, c’est signé Kenji ito (pour ne pas changer les habitudes de la série) et Tsutomu Narita plus quelques autres, et c’est encore du très bon avec quelques chouettes musiques un brin médiévales qui mettent dans l’ambiance, et bien sûr des guitares/violons survoltés pour les combats (encore qu’un peu de changement cette fois n’aurait pas fait de mal, mais bon, au moins la qualité et l’inspiration sont là). Le seul souci, c’est qu’au cours d’une aventure on entend trèèèèès souvent les mêmes musiques (disons que vous allez passer 90 % de votre temps de jeu sur la worldmap et dans des combats, donc ce sont les deux musiques que vous allez entendre le plus souvent…)

Le scénario (enfin, les) sont eux aussi plutôt en retrait. Difficile pour moi de juger en fait, car le scénario de Leonard est le moins développé de tous : en gros, il tombe sur une femme mourante qui le conjure d’aller détruire un artefact dangereux dans une cité qui a disparu depuis des lustres ; sur un coup de tête complet, il accepte sans broncher (Leonard est un personnage très rigolo à suivre, à des kilomètres des clichés du genre, il n’en fait qu’à sa tête mais aussi bien dans le bon que dans le mauvais sens.). Et du coup, il parcourt le monde à la recherche d’indices pour trouver cette citée perdue. C’est tout.
Forcément, ça vend pas du rêve en l’état, mais il faut savoir que Scarlet Grace reprend un concept qui existait dans certains vieux RPG (dont les SaGa), à savoir la progression de l’histoire par évènements : à chaque zone ou ville que vous visitez, vous êtes susceptibles de déclencher un dialogue qui va donner lieu à une quête (un mini scénario), que vous serez libre de suivre ou non. On retrouve donc une véritable liberté dans la construction de l’histoire, avec ce sentiment que l’on construit l’histoire grâce à nos actions et non pas parce qu’on suit les rails scénaristiques sur lesquels on nous a mis (même si en vrai, beaucoup d’événements sont des histoires optionnelles, et seuls certains sont utiles pour faire avancer le scénario de son personnage). Personnellement je trouve que c’est une très bonne chose, ça permet de varier des éternels scénarios tout tracés et offre une grande liberté d’action ainsi qu’une petite rejouabilité (tous nos choix ont des conséquences, souvent il y a des meilleurs choix que d’autres, mais parfois les différents choix se valent en terme de résultat et de récompense, donc on se dit qu’on rejouera la prochaine fois en faisant d’autres choix).
Cela dit, je sais que certains ne seront pas du même avis et pesteront sur le manque d’indications pour savoir quoi faire et où aller. Car non seulement les objectifs ne sont pas clairement affichés (mais bon, en gros faut suivre les dialogues pour savoir où aller), mais en plus rien ne pourra vous permettre de deviner les conséquences de vos choix, et vous pourrez rater certains évènements, et donc certains objets/personnages à recruter à cause de ça. A l’ancienne, quoi. Donc ça va vraiment dépendre de comment vous appréhendez ce genre de système…

Autrement, de ce que j’ai pu lire sur le net, le scénario de Leonard est le plus simple, mais du coup aussi le plus libre (Leonardo peut d’emblée aller dans toutes les régions et faire toutes sortes d’évènements, là où c’est un peu plus dirigé avec d’autres personnages, comme Taria). Il me paraît du coup être le meilleur personnage pour profiter au maximum du gameplay du jeu, quitte à ce que le scénario en pâtisse. Tout ça pour dire que niveau histoire, c’est probablement plus intéressant avec les autres personnages que ce que j’ai pu tester.

Mais n’espérez pas choisir vous-même votre personnage lors de votre première run (sauf s’ils changent ça dans la version occidentale), car là encore c’est à l’ancienne, avec une série de questions un peu mystiques censées définir votre caractère, et donc le personnage que vous incarnerez. Une fois le jeu terminé une première fois, on débloque la possibilité de choisir directement notre prochain personnage.



Une autre feature sympa du jeu, mais qui là encore ne plaira peut-être pas à tout le monde : comme dans les précédents jeux SaGa, qui dit liberté de progression dit aussi liberté dans le choix des personnages. Scarlet Grace, et les SaGa d’une manière générale, font partie de ces jeux où on ne vous colle pas une équipe fixe de 6, 8 voire 10 persos sur tout le jeu, mais qui proposent de recruter une bonne pelletée de personnages (à priori, il y en a plus de 70 dans tout le jeu, mais tous ne peuvent pas être recrutés et dépendront surtout du scénario choisi) au cours de certains évènements ou en remplissant certaines conditions. Il est aussi possible de recruter les autres personnages principaux du jeu (dans mon scénario avec Leonard, j’ai pu recruter Ulpina).
Et forcément, le problème est toujours le même : à part le héros de votre scénario et un ou deux personnages qui l’accompagnent, tous les autres membres de votre équipe sont complètement osef, et ne dégageront leur peu de personnalité que par leur apparence et par leurs quelques lignes de dialogues en combat (les Suikoden, Chrono Cross, Radiata Stories ou même les anciens Fire Emblem ont ce même souci). En clair, l’intérêt de recruter des nouveaux persos va surtout résider dans la constitution d’une bonne équipe, donc comme aspect purement gameplay, pas tellement pour la profondeur de leur écriture.

Personnellement, c’est un aspect qui ne m’a jamais dérangé dans aucun jeu, j’ai toujours préféré au contraire avoir la possibilité de rencontrer tout un tas de personnages et de constituer mon équipe « à la tête du client » avec ceux qui me plaisent le plus (on a tous nos petits chouchous) quitte à faire travailler mon imagination pour leur donner plus de personnalité, que de me coltiner tout le long du jeu des personnages certes plus travaillés mais auxquels finalement je n’accroche pas !

Donc, pour résumer jusqu’ici, on a un jeu faible techniquement et pauvre en mise en scène, qui se rattrape éventuellement sur son univers ; et les choix de DA, de progression et de scénario/personnages peuvent autant être des points forts qui vous feront aimer le jeu que des aspects que vous détesterez et vous gâcheront l’expérience. Malheureusement, dans tous les cas, il va falloir surmonter un dernier obstacle, et pas des moindres : le système de combat !



On attaque là le gros du jeu, car c’est en effet l’aspect le plus développé et le plus complexe de Scarlet Grace. Certes, il y a le passif de la série, qui a toujours été populaire pour ses idées de game design concernant les combats, mais cette fois on sent que les combats sont le cœur de jeu et que tout le reste a été créé autour, et non l’inverse. Donc si vous aimez les combats, vous aimerez le jeu, mais sinon… peu probable que vous apprécierez l’expérience.

Et cette fois encore, le système de combat de Scarlet Grace risque de largement diviser les joueurs, encore plus que pour ses autres aspects.

Autant être franc tout de suite : ce système n’est PAS FAIT pour les joueurs du dimanche, qui veulent se détendre 5 minutes aux toilettes entre les courses et le changement des couches du petit dernier. Il est complexe, dur à maîtriser et à prendre en main, extrêmement frustrant par moment, et globalement, on en ch** sur tous les combats, même les plus faciles. Si vous vous êtes plaints du manque d’accessibilité d’un Sekiro ou d’un Crash Team Racing, il est clair que Scarlet Grace va vous faire rager tout autant si ce n’est plus, et vous donner envie de jeter votre console par la fenêtre. Je sais que c’est devenu surfait de le dire, mais tant pis : Ce jeu, c’est la Darksoulisation du RPG à l’ancienne. Vous êtes prévenus.

Certes, la série a toujours été réputée pour une certaine forme de difficulté que les joueurs japonais adorent, mais pour le peu que je connais de la série, je crois bien que Scarlet Grace est quand même un degré au-dessus des autres.

Le système de jeu étant extrêmement étoffé, difficile de l’aborder de façon résumée, mais voici en gros comment se présente son fonctionnement :

- Vous avez une jauge temporelle d’action sur laquelle sont placés les alliés/ennemis en fonction de leur vitesse (à la FFX, si vous voyez). Certaines attaques feront déplacer votre personnage de quelques cases sur cette ligne temporelle, ou pourront ralentir un ennemi pour le faire agir plus tard. Un élément essentiel à prendre en compte pour gagner certains combats.

- Chaque personnage attaque via des skills en fonction de son arme. Chaque skill coûte un certain nombre de BP (Battle Points je crois, en gros l’équivalent des AP dans la plupart des jeux), donc à vous de gérer qui attaquera ou pas chaque tour, car les BP sont très généralement limités. Si un personnage ne fait pas d’action spécifique, il se place en mode défense.

- Les skills s’apprennent semi-aléatoirement, lorsqu’un personnage a une « illumination » après avoir attaqué (principe repris des anciens SaGa). Selon votre arme, vous pourrez apprendre certaines skills uniques. A force d’utiliser les mêmes skills, elles augmentent de rang, ce qui augmente leur efficacité et surtout diminue leur coût en BP.

- Hormis les skills d’attaque, vous trouverez trois types de skill de défense : Protect, pour prendre les coups à la place d’un allié désigné, Interrupt, qui déclenche une attaque si un ennemi utilise un certain type d’attaque, ou Counter, puissante contre-attaque si un ennemi attaque le personnage lui-même et permet d’annuler son attaque.

- Si vous parvenez à tuer un ennemi qui se trouvait entre au moins deux de vos persos sur la ligne temporelle d’action, vous déclenchez une attaque combinée avec tous les persos qui entouraient l’ennemi tué. Outre les gros dégâts occasionnés, l’attaque combinée diminue drastiquement le coût en BP des skilss des participants pour le prochain tour, c’est donc un élément crucial pour remporter les combats. Et bien sûr, les ennemis peuvent faire de même...

- Vos personnages sont placés avec des formations, que vous obtenez en recrutant plus de personnages. Les formations orientent votre stratégie (privilégier l’attaque ? La vitesse ? les altérations d’état ? Les attaques pour une certaine arme ?) grâce à divers bonus octroyés, et influent sur le nombre de BP que vous gagnez à chaque tour. Vous choisissez la formation au début du combat, vous ne pourrez pas en changer pendant. Certaines formations sont à double tranchant : j’en ai obtenue une par exemple qui me propose beaucoup de BP en début de combat, mais en contrepartie empoisonne toute mon équipe ! Et le poison fait TRÈS mal dans ce jeu…

- Des « miracles » peuvent se produire aléatoirement en combat, généralement en votre faveur (soin, boost de stat, attaque sur ennemi…). Le type de miracle dépend de votre formation actuelle et d’autres paramètres, mais il n’y a pas vraiment de possibilité d’influer sur la fréquence d’apparition de ces miracles.

- En plus de leur HP, les persos ont des LP (Life Points, bien sûr), qui correspondent au nombre de KO/morts qu’ils peuvent subir (principe repris des anciens SaGa). Tant qu’ils ont des LP, ils peuvent participer aux prochains combats. S’ils n’en ont plus, ils seront inutilisables pour un certain nombre de combats. La principale façon de regagner des LP, c’est de mettre le personnage sur le banc de touche et faire quelques combats (2 combats gagnés = 1 LP récupéré). Les occasions de faire remonter autrement les LP dans le jeu sont extrêmement rares…

- Concernant l’évolution des personnages, pas de gain d’XP ni de niveau, mais des gains semi-aléatoires de HP ou de degré de maîtrise d’arme/magie élémentale (principe repris des anciens SaGa). Les équipements et armes ne s’achètent pas, mais sont trouvés lors d’évènements ou améliorés à la forge avec les ingrédients gagnés après les combats. Plus vous forgez, plus le niveau de forge s’améliore, et plus vous aurez la possibilité de forger de meilleurs équipements.
Malheureusement, en dehors de ça, la montée en puissance de vos héros ne se fait pas vraiment sentir, car là encore comme les autres épisodes de la série (ou comme FF8, pour prendre un exemple plus parlant), les ennemis se renforcent en même temps que vous, vous assurant d’avoir toujours des adversaires coriaces peu importe le temps que vous passerez à faire du leveling.

Comme vous le voyez, c’est très complet, et on retrouve autant des mécaniques qui ont fait le succès de la série que des nouveautés plus ou moins modernes. Il y a encore pleins d’autres petits aspects qui pimentent le système de jeu (les rôles, les affinités élémentales, l’échange d’objets…) que je ne vais pas mentionner cette fois-ci. Mais à quoi servirait tout ce système de combat ultra-chiadé, s’il n’y avait pas une difficulté bien corsée pour le mettre en valeur ?
Bon, en toute honnêteté, je trouve la difficulté un poil abusée : les ennemis cognent très fort, sont pour la plupart des vrais sacs à PV, et n’hésitent pas à s’acharner sur vos persos les plus faibles quand vous êtes encore en train d’hésiter s’il faut utiliser vos BP pour protéger un personnage mourant ou lancer une grosse attaque et espérer abattre un adversaire (et donc augmenter vos chances de survie). Les combats sont divisés en quatre niveaux de difficulté, et la plupart du temps vous aurez le choix de ne pas combattre si vous pensez que le niveau est trop dur.
Sauf qu’en vrai, même les combats « easy » peuvent vous donner du fil à retordre, quand il n’est pas rare non plus que vous finissiez un combat « hard » avec un seul perso debout avec trois points de vie. Mais soyons positifs : vu que les ennemis se renforcent en même temps que vous, vous êtes « techniquement » capable, avec votre niveau actuel, de réussir n’importe quel niveau de combat, il faut juste trouver la bonne stratégie (et avoir une bonne dose de chance, faut l’admettre)... L’inconvénient, une fois encore, est que vous ne connaîtrez pas le nombre des ennemis à l’avance, au mieux seulement leur type. Vous êtes donc obligés de tenter le coup une première fois, quitte à devoir recommencer ensuite avec une stratégie mieux adaptée à votre adversaire. Et pour préserver vos précieux LP, vous risquez effectivement relancer le jeu (on peut sauvegarder n’importe quand, ouf) encore et encore pour retenter les combats… C’est, à mon avis, le point le plus frustrant, et ce qui m’aura donné envie plusieurs fois de laisser tomber ma partie.



En général, je suis plutôt de l’école de ceux qui apprécie une bonne difficulté qui pousse à comprendre les mécaniques de jeu et à en tirer partie au maximum pour surmonter les obstacles, plutôt que d’imposer aux créateurs de JV une baisse de difficulté qui tire finalement tout le monde vers le bas. Bref, on dira sûrement par facilité que je suis élitiste, en vrai je préfère bien sûr que tout le monde puisse profiter d’un jeu, mais j’apprécie aussi parfois que certains jeux nous mettent à rude épreuve et nous obligent à faire preuve de réflexion ou réflexes, sans nous offrir la tentation d’un mode facile (bon ici, en vrai, on peut régler la difficulté des combats dans les options, mais je n’ai su ça qu’à la fin et j’ai joué en mode « Normal » tout du long...).

Pour Scarlet Grace, en revanche, si j’ai pris un grand plaisir à retrouver un système de combat très complet et difficile à prendre en main mais gratifiant une fois que c’est fait, loin du bourrinage des productions plus grand public, j’admets volontiers que j’ai trouvé le jeu très frustrant avec cette difficulté, tellement les combats sont un calvaire malgré tout le temps que l’on passe à essayer de les préparer, et encore plus quand on gagne simplement par chance et non pas parce que la stratégie a été efficace.
Je n’ai aucune idée de si la difficulté sera revue à la baisse pour la sortie occidentale, je l’espère pour vous sinon vous allez pleurer (ou alors, vous êtes juste plus doué que moi, c’est possible aussi )

Quoiqu’il en soit, le système de combat, et le système de jeu d’une manière générale, sont une réussite, les fans japonais ne s’y sont pas trompés. Juste qu’il faut une patience infinie et une bonne compréhension des mécaniques de jeu pour venir à bout ne serait-ce que d’un des scénarios du titre. Et bien sûr, il faut voir le positif dans les différents aspects peu habituels du jeu, et fermer les yeux sur l’aspect technique au rabais. Si vous voulez tenter un JRPG à l’ambiance et au système atypiques et que vous n’avez pas peur d’une difficulté bien corsée, je vous recommande volontiers ce SaGa Scarlet Grace. Mais pour tous les autres, il est plus que probable que vous allez juste détester le jeu, sur un aspect ou un autre, et on ne vous en voudra pas pour ça.

De mon côté, j’ai été ravi de revoir toutes ces mécaniques (le choix de personnage de départ avec chacun son histoire, un univers médiéval qui change des production habituelles, le déroulement libre par évènement, le recrutement de personnages multiples, le système de combat complexe), mais je reconnais que mon plaisir de jeu a été un peu gâché par la difficulté excessive des combats et la progression poussive qui en découle (non parce qu’en vrai j’aurais probablement plié le scénario de Leonardo en moins de 15h si la difficulté avait été celle de n’importe quel RPG grand public. Mais j’en ai mis 50...). Mais globalement, je reste plutôt content de mon expérience, et je tenterais sûrement de faire les autres scénarios à l’occasion.
Je souhaite tout de même un petit succès en occident à ce jeu, histoire que SE se dise que la série à un potentiel chez nous (c’est déjà un peu le cas avec l’arrivée des Romancing Saga, et c’est très cool), et qu’on puisse voir arriver de nouveau un jour des J-RPG avec des mécaniques de ce genre, histoire de changer des productions habituelles qui ont tendance à se répéter un peu.

Résumé pour les flemmards des yeux :
Bien :
- Une ambiance et DA résolument différente des autres JRPG, ça fait plaisir
- L’OST réussie, même si on entend trop souvent certaines pistes
- Une progression par évènements, basée sur les choix du joueur, et donc non-linéaire
- Un bon petit nombre de persos à recruter, qui manquent malheureusement de personnalité
- Les héros, eux, restent intéressants et bien campés
- Le système de jeu très complet qui demande qu’on s’y attarde pour le maîtriser
- On retrouve l’essence des jeux SaGa

Pas bien :
- Qu’est-ce que c’est DUR, nomdidiou !
- Tout sauf une tuerie technique, zéro mise en scène (sauf en combat), chargements fréquents
- Peu d’indications sur les objectifs ou les conséquences de nos choix, certains se sentiront perdu
- Peu d’aide pour appréhender le système de jeu (malgré les tutos dans le menu), qui rebutera les moins téméraires
- Scénarios (au moins celui de Leonard) anecdotiques
- Vite répétitif, on passe 80 % du jeu à faire des combats, le reste à se balader sur la carte
- Du coup, probablement le moins accessible des épisodes de la SaGa, en étant réservé aux fans hardcore de RPG


Si vous avez pu tester le jeu et que vous voulez en discuter/donner votre avis, profitez-en dans les commentaires !

Salut Gamekyo !

Me voici de retour pour vous parler d’un RPG que j’ai terminé, mais cette fois pas sur le ton de la découverte, puisque vous avez forcément au moins entendu parler de cette série sur le site. Eh oui, je me mets « seulement maintenant » à la grande saga des Legend of Heroes de Falcom, en commençant doucement par les Trails in the Sky, série qui m’avait déjà tapé dans l’œil à l’époque (d’ailleurs j’ai utilisé une des premières versions sortie sur les PC japonais à l’époque, et non pas la version Steam par exemple) mais où je n’avais pas avancé bien loin faute de pouvoir comprendre la langue (depuis, je l’ai étudié à la fac ). Au final, je n’ai fait le First Chapter qu’il y a quelques années, et je cherchais l’occasion de faire la suite. Du coup, n’ayant pas encore fait la trilogie complète, je ne parlerais pas de celle-ci dans son intégralité, mais je voulais quand même faire un petit billet (de trois pages tout de même… désolé hein, je peux pas m’empêcher de faire des pavés -_-’) pour donner mon ressenti sur ce Second Chapter.

Pour une fois je ne m’attarderai pas dans le détail en décrivant le gameplay ou le déroulement du jeu, je ne fais pas un test cette fois-ci (ni les autres fois, mais voilà), je ne fais que donner mes impressions. Si vous ne connaissez pas la série et qu’elle attire votre curiosité, je vous invite plutôt à poser vos questions en commentaire pour en parler !

Note : au cas où je n’ai pas été assez clair, je parle ici de la première version du jeu, « l’originale », et non pas de la version dite « Evolution » sortie sur PSVita avec du contenu en plus et surtout des nouveaux artworks un peu nuls.



Sora no Kiseki FC (j’aime bien la sonorité du nom japonais, et pis c’est plus court) m’avait déjà enchanté quand je l’ai fait (bon, je partais aussi déjà à moitié conquis, tellement ce que j’avais vu du jeu m’avait plu), et j’ai évidemment rencontré les mêmes sensations dans ce second chapitre. Normal, il s’agit grosso modo du même jeu, puisqu’il reprend au moment exact où le FC s’est terminé et ne change ni d’aspect graphique, ni de gameplay, même s’il y a quelques ajouts pour ce dernier.
J’ai même limite trouvé ça un peu dommage d’ailleurs, j’espérais un peu plus de nouveauté, notamment dans les endroits que l’on visite, mais on passe le plus clair de son temps à revisiter les 5 régions du royaume de Liberl, ce qui est très plaisant pour la nostalgie, mais s’avère vite lassant s’il n’y a que ça à visiter. Les nouvelles zones se comptent sur les doigts d’une main et ne sont pas super intéressantes, même pour le donjon final finalement très linéaire. Idem pour les personnages jouables, on retrouve les anciens mais peu de nouveaux (Anelace, Kevin, et Josette vers la fin du jeu, et on ne les a malheureusement pas souvent dans l’équipe). Falcom s’est montré au moins plus généreux sur les musiques, et le nombre de pistes de l’OST passe du simple au double, puisqu’on retrouve la majorité des pistes du FC.
Une fois de plus, les thèmes sont de très bonne qualité, et j’ai apprécié tout particulièrement le thème de l’overworld, très rafraîchissant et qui donne envie de voyager, ou le thème des combats avec les mêmes sonorités jazzy que celui du FC en un peu plus nerveux. Les autres thèmes de combat sont aussi très sympas, mais déjà le jazzy est abandonné au profit du rock survolté ou du sempiternel orchestre épique, des styles qui deviendront prédominants dans les épisodes suivants et d’ailleurs dans toutes les productions Falcom, à mon grand regret (pas parce que je les aime pas, au contraire, mais voilà, ça tue la diversité, tout ça).

Comme je le disais, le gameplay ne change pas vraiment non plus et ne propose que des améliorations de choses déjà existantes (meilleures orbes, quelques techniques en plus, les attaques combinées, et c’est à peu près tout). Dommage, j’aurais aimé qu’ils aient un peu plus d’audace à ce niveau et essayent de varier un peu les situations ou de rajouter des mini-jeux. Car se contenter de balade sur la map + combats + cutscenes (tellement longues qu’elles cassent parfois le rythme), avec pour seul objectif annexe les quêtes de guilde (qui ont le mérite d’être toujours scénarisées et bien écrites, à défaut de renouveler le gameplay), ça reste finalement assez redondant et manque un peu de fun face aux FF ou Tales of (les premiers, ceux qui avaient un univers vaste et des vraies quêtes annexes/mini-jeu…).
Idem pour le système de combat, qui reste simple à prendre en main, mais aurait gagné à être justement un peu plus complexe, comme le système d’orbes qui est toujours sympa mais offre bien moins de possibilités que les matérias de FF7. D’une manière générale, le système de combat fonctionne avec des idées éprouvées qui marchent, mais manque un peu d’originalité par rapport à une époque très généreuse là-dessus, avec les Grandia, Wild Arms, Baten Kaitos ou Shadow Hearts (pour citer d’autres jeux en tour-par-tour) qui avaient tous leur particularité de gameplay. Cela dit, au moins, le jeu n’est ni trop facile ni trop dur, avec suffisamment de challenge dans certains combats pour obliger le joueur à réfléchir un peu à sa stratégie (j’ai quand même ragé sur certains boss dont Renne, complètement overcrackée sur certains fights ).

C’était déjà des choses que je pouvais reprocher au FC, et c’est du coup dommage que cette suite manque d’évolution par rapport à celui-ci. Mais je suppose qu’il faut se dire que la trilogie ne fonctionne pas comme une « suite » classique et qu’il s’agit plutôt d’un même gros jeu divisé en trois parties (tiens mais, ce serait pas comme… nan, impossible, celui-là c’est une arnaque, il y avait un seul jeu au départ et ils l’ont divisé en plusieurs parties pour le fric, c’est pas pareil… oh wait )

La principale différence va donc se jouer sur le scénario, que l’on va aborder tout de suite.



[A partir de là, ne lisez que si vous n’avez pas peur de vous spoiler un peu, je préviendrais pour les plus importants]
Honnêtement, ce n’est pas forcément ce que j’ai préféré du jeu. Il est loin d’être mauvais, juste pas vraiment surprenant. Et il met une plombe à décoller…
Alors, j’admets que d’une manière générale, les tropes utilisés par le jeu ne sont pas ceux qui me passionnent. De mystérieux phénomènes aux 4 coins de Liberl, qui mènent à la rencontre des différents membres d’une sombre organisation (SPOIL) dont on apprenait l’existence à la fin du FC, avec la disparition de Joshua(FIN SPOIL), qui elle-même agit pour récupérer des artefacts antiques et réveiller les reliques d’une civilisation disparue (et bien entendu 100 fois plus évoluée que l’actuelle) pour punir les vilains humains d’être relous à se faire la guerre tout le temps et à être « faibles », et en profite pour jouer avec notre groupe de héros pour les guider à eux alors qu’ils pourraient les tuer dès le début et éviter ainsi tout problème futur (genre, les voir ruiner au dernier moment tout leur plan. Ah non, ça aussi ça faisait partie du plan… mais on ne sait pas pourquoi  ). Évidemment, presque chaque membre de l’organisation a « comme par hasard » un lien avec chaque personnage de votre équipe, parce que c’est bien sûr la seule façon de construire des antagonistes intéressants ( )
Bref, tout ça fait très cliché « Tales of », on est vraiment dans la même veine, avec les avantages et inconvénients que ça peut avoir. Mais la différence, c’est que tout ça est mieux écrit (encore heureux, car les dialogues représentent presque la moitié du temps de jeu !)

Alors par « bien écrit », j’entends par là que les personnages et le scénario dans son ensemble sont plutôt cohérents. Bon, je rigole un peu parfois des incohérences du genre un ascenseur considéré comme une invention nouvelle et étonnante par les héros, quand des aéronefs de tout genre sillonnent les cieux sans que ça ne surprenne plus personne. Mais ce que je veux dire, c’est que tout dans le scénario à une logique, ou presque. On ne sombre pas trop dans les clichés agaçants ou la facilité d’écriture, même si ça arrive un peu part moment (SPOIL) surtout vers la fin malheureusement… non parce que le coup du « oh non, les héros vont mourir, tout s’effondre autour d’eux – ah non, y’avait un dragon volant qui passait pile à ce moment-là pour les ramasser, quel hasard dit-donc », faut arrêter de le faire hein, personne n’y croit… (FIN SPOIL).
Il y a tout de même quelques scènes que j’ai trouvé un peu inutiles, et notamment tout le chapitre 8 où il faut ENCORE refaire tout le tour de Liberl… Franchement, ils auraient pu nous épargner ça.

Autrement, on peut féliciter Falcom d’avoir poussé le vice jusqu’à inclure des lignes de dialogue voire des scènes spécifiques pour chaque situation en fonction des personnages présents dans votre équipe. Sans oublier les nombreux NPC dont les dialogues changent régulièrement en fonction de l’avancement du scénario… Et comme je le disais, le tout reste globalement de qualité (ce qui n’empêche pas les personnages de dire régulièrement des évidences pour le joueur, du genre « il est fort probable que ce soit machin le coupable » alors qu’il n’y a pas d’autre piste possible, ce qui est un brin agaçant à la longue), et met en avant un peu plus subtilement que d’habitude le caractère de chaque personnage.

Note : j'ai fais le jeu en version japonaise, mais je tiens quand même à souligner les efforts incroyables d'XSeed pour la localisation de cette quantité phénoménale de textes, pour un résultat à priori plus que satisfaisant. Rien que pour leur travail et le fait d'avoir apporté la série et les autres titres Falcom en occident, ils méritent tout notre respect !

Tout ça rend le jeu et les personnages très vivants, mais forcément l’inconvénient est que les dialogues eux-même sont extrêmement longs et bien trop nombreux à mon goût, mais ont au moins le mérite de ne pas être trop répétitifs d’être plaisants à suivre, avec des répliques qui font régulièrement sourire.

J’ai été d’ailleurs content de retrouver le ton léger et frais du FC, au moins en début d’aventure, même si bien sûr le scénario de ce SC est plus « sombre » du fait que l’on explore un peu plus le passé des différents personnages (autant allié qu’ennemis). J’accroche beaucoup à l’univers des Kiseki, qui s’éloigne des habituels setup de fantasy ou de SF en se situant à une époque proche de ce qui pourrait être une révolution industrielle, avec cette ambiance positive et joyeuse qui donne envie de voyager. Une ambiance qui commence déjà à décliner avec le SC, et qui aura vraisemblablement disparu dans le reste de la série pour se concentrer uniquement sur une dramaturgie poussée à l’excès. Si c’est le cas, ce serait vraiment dommage… Enfin, on verra.

J’ai trouvé aussi une certaine intelligence dans le traitement des personnages. Bon, on n’est pas au niveau de ceux d’un FF6-9 ou d’un Xenogears, mais on reste, encore une fois, dans le haut du panier par rapport aux Tales of et consorts, dont les personnages m’ont toujours paru trop caricaturaux pour être pris au sérieux.
J’ai d’ailleurs particulièrement aimé le traitement d’Estelle (qui était déjà mon perso préféré du FC), qui n’est pas juste la fille pleine d’énergie qui fonce sans réfléchir comme elle semble l’être au départ. Elle se donne des airs, doute, se rend compte qu’elle se ment à elle-même, avance tout de même, apprend de ses erreurs, mais reste fidèle à son tempérament et ses convictions… (SPOIL)Une scène qui m’a marqué et qui illustre parfaitement ça, c’est lorsqu’elle se retrouve capturée par l’ennemi et se dit «Je pourrais faire semblant de les rejoindre et obtenir des informations sur eux… mais ce n’est pas mon genre de faire ça ». Je trouve ça intelligent de la faire réagir comme ça, elle se pose des questions mais en même temps reste fidèle à elle-même et ça prouve qu’elle mûrit (FIN SPOIL). Un personnage très humain donc, qui s’éloigne des personnages stéréotypés de ce genre de productions. Après ce n’est pas forcément le cas pour tous, et Renne par exemple m’a paru être un cliché plus agaçant qu’autre chose.



Bref, j’ai été emballé par certaines choses, moins par d’autres, mais dans l’ensemble j’ai plutôt apprécié l’univers et les personnages, un peu moins l’histoire. En tout cas s’il y a une chose qu’on ne peut pas reprocher au jeu, c’est que tout cela est une fois de plus très bien mis en scène (c’était déjà bon dans le FC, ici on est un cran au-dessus) même si on sent que c’est fait avec peu de moyens comme en témoigne quelques aspects toujours un peu cheap, par exemple les vaisseaux parfaitement statiques une fois stabilisés en vol...

Plus qu’à voir comment tout ça va se conclure dans le dernier chapitre, puisque je compte bien sûr aller au bout de la trilogie un jour où l’autre car à défaut d’accrocher vraiment au scénario, j’aime beaucoup l’ambiance des jeux. Pas sûr en revanche d’être très emballé par les volets de la série Trails qui suivent cette trilogie, mais je leur donnerais sûrement une chance, on verra bien.

En attendant, j’ai tout de même passé un très bon moment (je sais, on dirait pas vu tout ce que j’ai critiqué sur le jeu ) et même si je préfère encore le FC, je comprends tout à fait que certains aient été particulièrement marqué par ce volet qui contient quand même pas mal de moments d’émotions forts. Si vous avez eu l’occasion de le faire, n’hésitez pas à dire vous aussi ce que vous en avez pensé ! (mais ne me spoilez pas le dernier chapitre )

Sur ce, je vous tire ma révérence !

Salut Gamekyo !

Je reprend la plume virtuelle pour parler d’un RPG que j’ai fini récemment... Enfin, plus précisément, d’une série de J-RPG, j’ai nommé Summon Night Swordcraft Story.

Spin-off de la série Summon Night (série de Tactical-RPG qui a eu sa popularité au Japon), il s’agit de 3 jeux très chouettes qui reprennent l’univers de la série mais avec leur propre gameplay A-RPG, pour en faire une sorte de mini-série sur GBA. Les trois jeux partagent une structure et un gameplay très proches, mais ont des histoires complètement distinctes (nouvel univers, nouveaux personnages). J’ai pu faire les trois, et je prend justement l’occasion de finir le troisième épisode pour un article découverte regroupant les trois en même temps. C’est ce qui s’appelle faire d’un marteau trois coups !

En soi, je pourrais détailler chaque jeu dans des articles à part, mais je préfère faire un article global car déjà ce serait bien long à écrire et je veux m’épargner cette peine, surtout connaissant la durée moyenne d’attention d’un lecteur de Gamekyo, c’est-à-dire environ une demi-ligne (félicitations d’ailleurs, si vous avez lu jusqu’ici !)
Et ensuite, puisque les jeux se ressemblent beaucoup et présentent assez peu de différences entre eux (ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose, hein), il est plus facile de faire un article global. Surtout que j’imagine que pas grand monde ici ne connaît les jeux, donc autant les présenter tous d’un coup.









Trois jeux donc, sobrement intitulés Summon Night Swordcraft Story (Craftsword Monogatari en japonais… ouais ils sont nuls en anglais), Swordcraft Story 2, et Swordcraft Story 3… Ah, non, le dernier laisse tomber le numéro mais a droit à un sous-titre, « Hajimari no Ishi » (« la pierre du commencement »). Le premier sort en avril 2003 sur notre chère GBA, et les deux autres suivront sur la même console avec environ un an d’intervalle chaque (2004 et 2005, donc).
Certains d’entre vous connaissent peut-être ces jeux puisque les deux premiers ont eu droit à une sortie US (mais pas européenne, snif), le troisième n’ayant mystérieusement pas pu quitter le Japon (m’enfin il doit bien y avoir une fan trad anglaise qui traîne sur le web).

Pour les autres, des explications s’imposent : Malgré son rattachement à la série Summon Night, rassurez-vous, nul besoin de connaître la série tactical d’origine, la série Swordcraft Story ayant finalement très peu de liens avec cette dernière. Seul le principe de base de la série est présent, à savoir l’existence de « summons » et de « summoners » pour les invoquer. Et encore, on ne peut pas dire que ce soit vraiment exploité dans les jeux, à part de manière scénaristique. Pour le reste, tout se déroule dans des univers différents, et d’ailleurs les 3 jeux ne sont pas non plus liés entre eux par un quelconque fil scénaristique, donc vous pouvez les faire dans l’ordre que vous souhaitez (pour ma part, je les ai fait dans l’ordre chronologique).



Alors certes, ça se voit un peu au chara design général, on est plutôt sur des scénarios légers et personnages gentillets dans la veine d’un Tales of (mais quand même moins niais que dans un Tales of), avec moult dialogues et scénettes rigolotes pour les mettre en valeur. Et il faut dire que de ce point de vue, c’est super bien fichu ! Les jeux sont beaux, avec une 2D colorée qui en jette, des animations des personnages nombreuses et adaptées à chaque situation. C’est fluide, ça va vite, les repliques fusent, y’a du peps, bref, les dialogues sont très vivants, et même si on n’accroche pas forcément aux scénars finalement assez bateaux, ça rend la lecture très agréable et les personnages tout aussi attachants. Le tout étant évidemment saupoudré d’une bonne dose d’humour, les personnages n’hésitant pas à se chambrer entre eux.
Les musiques sont aussi très bonnes et très entraînantes, même si on sent malgré tout une faiblesse sonore, chose malheureusement récurrente sur GBA, avec un son presque GBC par moment. C’est très flagrant dans le premier épisode, et ça se sent encore dans les deux autres malgré une hausse de la qualité sonore. Pour ma part, je trouve au contraire que ça fait partie de leur charme

Dans les trois jeux, on suivra l’histoire d’un ou d’une apprenti(e) forgeron qui veut, évidemment, devenir le meilleur forgeron qui soit (enfin c’est surtout vrai dans le premier jeu, dans les autres on part un peu sur autre chose). En effet, on a le choix de l’un ou l’autre en début de partie, ça ne change rien à la trame principale mais peut changer certains dialogues dont bien sûr les discussions nocturnes. Autre grande feature de la série d’origine, on retrouve après chaque grosse étape du scénario (les jeux originaux sont divisés en chapitres, ce n’est pas le cas ici mais c’est tout comme) ces passages où votre héros/héroïne soliloquera au clair de lune, avant d’être rejoint par un personnage secondaire de votre choix, dans le but bien sûr de renforcer ses liens avec lui. Avec en récompense une fin différente par personnage selon celui avec lequel vous aurez gagné le plus d’affinités. Je vous arrête tout de suite, pour une fois il n’y a rien de fripon, on est plutôt sur des discours touchants sur l’amitié profonde. Bon ok, il y a quand même deux-trois dialogues un peu louches quand on a l’esprit mal tourné, preuve en est que les jeux ne sont pas aussi bon enfants qu’ils veulent le laisser paraître...

Deuxième choix qui vous est proposé peu après le début de chaque aventure : le Summon qui vous accompagnera tout le long du jeu et qui sera votre partenaire de forge. Chaque jeu propose ainsi 4 Summons dont la principale différence pour faire votre choix va tenir sur leur design et leur caractère respectif. Éventuellement, les magies (j’en reparlerai plus tard) que vous obtiendrez en prenant des niveaux seront obtenues dans un ordre différent selon le Summon choisi. Mais dans l’absolu, votre choix n’influencera pas la mécanique principale des jeux : la forge d’arme.



Mécanique centrale de chaque titre, on pouvait s’attendre à ce que le système soit assez poussé, et ça tombe bien c’est le cas ! Pour expliquer brièvement le concept, vous pouvez forger cinq types d’armes différentes : épée, hache, lance, poing et… foreuse (bah quoi, c’est une arme comme une autre, hein). Dans Hajimari no Ishi, on a même un sixième type d’arme qui fait son apparition, l’arc. Pour chaque arme que vous voulez créer, il vous faudra un matériau d’origine correspondant au type d’arme voulu, et un minerai que vous allez devoir récolter dans les donjons. Au fur et à mesure de votre progression, vous pourrez ensuite fusionner d’autres matériaux avec vos armes pour améliorer leurs stats ou leur ajouter des effets, ou « dissoudre » une arme et réutiliser son matériau d’origine pour en refaire une nouvelle, mais avec des stats légèrement améliorées.
Sans rentrer dans le détail du fonctionnement, c’est assez complet mais pas complexe, le tout est très accessible et sans prise de tête (oubliez le système de forge ultra-complexe de Legend of Mana…), si bien qu’on prend plaisir à forger et reforger ses armes pour en découvrir de nouvelles. Le gros souci étant que tout cela a un coût, et vous demandera soit de grosses sommes d’argent (que l’on ne peut gagner qu’en revendant objets ou armes, pas sur les ennemis), soit du farm en donjon...
Heureusement, dans les faits, on peut se contenter de fabriquer seulement quelques armes avec les matériaux que l’on trouve en avançant dans le scénario, mais c’est forcément passer à côté d’une partie du fun du jeu. Car si vous voulez vraiment vous amuser avec le système de forge, il y a de quoi faire, avec une quarantaine d’armes par types dont certaines que l’on obtient qu’en réunissant certaines conditions !

Je me rend compte en écrivant cette partie sur le gameplay que tout cela peut faire penser, en terme de découpage et déroulement du jeu, à d’autres jeux du genre comme les Harvest Moon ou même les Atelier, où l’on passe la majeure partie du temps à s’occuper de son métier (la ferme, l’alchimie, comme vous voulez) et à faire marcher son commerce plutôt qu’à explorer le monde. Il n’en est rien avec les Swordcraft Story, il faut vraiment les voir comme des RPG-aventure (on suit un scénario avant tout) avec la forge comme mécanique principale d’évolution (puisqu’on forge nos propres armes), en plus du gain d’xp classique. Au final, s’il est toujours possible (mais pas obligé) de revendre ses armes pour se faire des sous ou d’en réaliser pour quelques quêtes annexes, il n’y a pas ce côté gestion qu’ont les jeux pré-cités.

En revanche, même pour des jeux d’aventure, ils sont assez courts (20h environ en ligne droite pour chaque jeu) avec finalement assez peu d’environnements différents à visiter, une ville centrale (dans le dernier jeu, on en a un peu plus, 4) à partir de laquelle on accède aux donjons (un donjon central pour le premier épisode), avec néanmoins des petites énigmes pour éviter que les donjons ne soient trop barbants. De plus, chaque type d’arme est utilisable durant l’exploration pour récolter certains types de matériaux voire même franchir certains obstacles. A cela s’ajoute un petit nombre de quêtes annexes et mini-jeux sympas histoire de pousser encore un peu plus l’exploration et la collection. Avec en plus un contenu post-game assez conséquent, pour ceux qui aiment pousser l’expérience de jeu à fond avec donjons et boss optionnels. Bref, ça ne révolutionne pas le genre, mais ça reste complet et fun à jouer, et c’est tout ce qu’on demande.



Il en va de même pour les combats, qui s’inspirent de nouveau très fortement des Tales of : on contrôle librement notre personnage sur un plan 2D, avec un bouton d’attaque de base et un bouton pour les magies ou objets, préalablement ajoutés à la barre de raccourci, et la possibilité de switcher à la volée entre 3 armes de votre choix. Bien entendu, chaque type d’arme va avoir son propre gameplay, et là encore comme pour les Tales of, c’est l’épée qui remporte la place de la meilleure maniabilité, ce qui fait qu’il est tentant de n’utiliser que ces dernières au détriment des autres.

Surtout que mine de rien, si les combats peuvent paraître faciles durant les premières heures, les ennemis et surtout les boss commencent à faire très mal à partir de la seconde moitié du jeu, ce qui fait que vous ne pouvez plus seulement vous contenter de marteler la touche d’attaque comme un bourrin (bon OK, des fois ça passe). Les combats manquent tout de même de stratégie, et si vous vous faites rétamer lors d’un combat, cela signifie généralement que vous avez manqué de réflexes ou mal anticipé l’attaque d’un adversaire. Au pire, une petite séance de farm règle le problème. Tout ça pour dire que sans être supers exigeants, les combats ne seront pas non plus une promenade de santé, et je me suis même pris plusieurs game over rageants... car il faut dire que le système est parfois mal fichu, avec le fait qu’on ne touche qu’un seul ennemi si deux se superposent (mais les deux peuvent vous attaquer en même temps, évidemment), qu’on peut perdre bêtement la moitié de sa barre de vie sans pouvoir sortir d’un combo ennemi, ou encore que les ennemis volants sont juste ultra-relous à toucher (encore une fois, l’épée fait un peu mieux le job que les autres armes à mon sens).
Petite note avant d’en finir sur les combats, on est un peu triste dans les deux premiers jeux que le Summon qui nous accompagne ne puisse pas combattre avec nous (il n’intervient que lors des magies), chose corrigée avec le troisième opus, où il peut venir prendre la relève du héros/héroïne pendant un temps limité. Et ça, c’est cool !

D’ailleurs, même si je n’aborderais pas les différences entre les trois jeux parce qu’elles tiennent essentiellement sur des détails et améliorations tant la structure générale est la même sur l’ensemble des jeux, Hajimari no Ishi est sans doute le jeu le plus abouti des trois, avec pas mal de petites nouveautés agréables et une tonne de matériaux à forger pour les fous de la collection. Il n’en reste pas moins que les deux autres valent tout autant le détour si vous accrochez au style ! Pour ma part, j’ai largement apprécié les trois, mais je garde une petite préférence nostalgique pour le tout premier ^^

Voilà, je pense avoir fait le tour de cette « série dans la série » fort sympathique, et je pense que vous aurez compris qu’on a affaire là a de très bons jeux, très représentatifs de la bonne époque GBA et pourtant inconnus dans nos contrées faute de localisation. Si vous ne connaissiez pas les Swordcraft Story, je ne peux que vous conseiller d’y jeter au moins un œil pour vous faire une idée. Il faut bien sûr accrocher à l’univers et à la DA typiquement anime, perso ça ne m’a pas dérangé autant que dans un Tales of tout simplement parce que les jeux ne se prennent pas trop au sérieux. Pour le reste, les jeux sont au top avec une technique impeccable pour la machine, une bande-son entraînante et un gameplay riche mais sans prise de tête. Alors, pourquoi s’en priver ?

Quand aux autres, bien entendu, n’hésitez pas à faire part de vos anecdotes sur le jeu en commentaire !

Sur ce, portez-vous bien, mais n’oubliez jamais les mots de votre maître : « Le marteau, ça ne sert pas seulement à forger une arme… ça forge un homme !! »

Plop les gens,

Le sujet en fera ricaner certains, soupirer d'autres, quand le reste sera sûrement trop occupé par l'E3 pour daigner accorder un regard vu le titre, et je ne leur jette pas la pierre. Mais vu que ça concerne le JV et que visiblement personne n'en a encore parlé, je partage l'info, c'est toujours intéressant à savoir.

Voici donc venu le temps d'une nouvelle récompense, les Pégases, qui va récompenser le Jeu Vidéo français, tout comme les Oscars pour le cinéma !

Le lien source



Personnellement, je ne sais trop quoi en penser, dans l'absolu je trouve que c'est une bonne chose puisque le JV français manque toujours autant de reconnaissance, autant à l'international que dans notre propre pays. Mais en soi, les remises de prix de ce genre m'ont toujours paru être un genre de mascarade...

Et vous, qu'en pensez-vous ?

Hardi compagnons !

Comme d’habitude, je prend la plume (enfin le clavier, quoi, vous m’avez compris) pour raconter mes dernières aventures en matière de RPG. Et justement, cette fois-ci, l’aventure sera le thème central de notre jeu du jour !
Faites vos valises, mettez votre casquette d’explorateur, on décolle sans plus attendre !






Bon, non en fait, ne décollons pas trop vite, il faut avant tout avoir une idée de ce qui nous attends. Parce qu’on ne peut pas dire que ce Nostalgio no Kaze soit particulièrement connu (ouais, j’aime bien faire dans les titres méconnus, vous avez remarqué), surtout en Europe puisque le jeu n’a jamais atterri chez nous.
En fait, je n’en avais moi-même jamais entendu parler, jusqu’à tomber dessus par hasard en fouillant les étagères des Book-Off, emplis à craquer de jeux tous supports confondus et vendus pour quelques poignées de yens. Ouais, le marché de l’occasion est complètement différent là-bas, et ça fait plaisir de voir autant de titres rétro (incluant la PS3, oui oui c’est rétro on vous dit) à des prix extrêmement accessibles (genre un FF6 ou un Chrono Trigger original sur SNES se trouve tranquillou pour 600 ou 900 yens, donc entre 5 à 8 euros, en boîte impec avec manuel, tout ça. Les connaisseurs savent). A se demander comment on a fait pour laisser s’installer la spéculation à outrance et les prix exorbitants chez nous…

Bref, je dis graisse (ou vague, peu importe), toujours est-il que je ne savais pas trop à quoi m’attendre vu que je ne connaissais rien du jeu, avec la jaquette et le titre pour seule inspiration (mais c’est ça qui rigolo, y aller les yeux fermés c’est une aventure en soi), mais ça avait suffit à m’intéresser et à me laisser présager de passer un bon moment. Je m’attendais donc à un petit RPG sympa et chaleureux mais trop bancal pour qu’on veuille se souvenir de lui, comme la DS a su en accueillir plusieurs. J’ai eu la surprise d’apprendre durant ma partie que le jeu avait quand même eu droit à une sortie aux US, sous le nom simplifié de Nostalgia, et qu’il avait même été plutôt bien reçu (mais sans faire de bruit, du coup).
Malheureusement, mon impression de départ s’est tout de même un peu confirmée, mais je reste largement satisfait du voyage !



Le voyage, l’aventure, l’exploration sont donc les thèmes centraux du jeu. Ça se voyait tout de suite sur la jaquette, le chara design et le titre, le « vent de la nostalgie », qui ne laissait plus place au doute : le jeu est sorti en 2008, mais fleure bon les RPG à l’ancienne, et se rapproche même de très très près d’un certain Skies of Arcadia, ou même de Grandia premier du nom.

Nous sommes en pleine période de révolution industrielle, et l’homme peut explorer les cieux à bords d’aéronefs et autres dirigeables et ainsi faire le tour du monde. Et c’est justement ce que le jeu vous propose : avec pour prétexte de départ de retrouver son père, explorateur de renom, qui ne donne plus de nouvelles depuis sa dernière expédition, notre héros Eddie va lui-même partir à la découverte du monde et visiter Londres, Le Caire, Rio de Janeiro, Dehli, la Sibérie ou même Tokyo !
Le jeu se place donc dans notre monde « réel », mais n’oublie pas ses origines nippono-rpgesques (ceci est un vrai terme scientifique, je viens de l’inventer) avec de la magie, des civilisations perdues (avec Atlantis, Mu ou Lemuria, il y avait de quoi faire), et des tablettes mystérieuses dont on imagine qu’elles détiennent le pouvoir de protéger l’humanité ou de la détruire si elles tombent entre de mauvaises mains. Ça tombe bien, il y a justement une organisation mystérieuse et sans scrupules qui pourchasse une jeune fille tout aussi mystérieuse, amnésique, et évidemment seule personne qui détient le pouvoir de manipuler les tablettes... Vous avez dit cliché ?

Alors je vous répond Skies of Arcadia Franchement, ce perso, c’est Fina tout craché ! Fragile, timide, vaguement mystique... Elle s’appelle même Fiona, c’est vous dire jusqu’où ils ont poussé le vice…
En fait, ils l’ont même poussé très loin : on retrouve la sempiternelle world map, où l’on se déplacera uniquement à bord de notre aéronef que l’on obtient dès le début de l’aventure. Comme Skies of Arcadia. On débloquera au cours du jeu la possibilité de voler à différentes altitudes.
Le jeu propose divers quêtes annexes, dont une qui consiste à chercher les « world treasure », c’est-à-dire les monuments et merveilles du monde, à la manière des « découvertes » de Skies of Arcadia.
Et cerise sur le gâteau, on a droit à des batailles aériennes, dont le gameplay change légèrement par rapport aux combats classiques. Comme Skies of Arcadia, encore.
Bref, je pense que vous avez suivi, difficile de ne pas penser au RPG culte de Sega tant tout a été fait pour lui ressembler. Il ne manquait plus que les contrats de chasse contre les pirates du ciel, et on avait le tableau complet. C’est bien dommage de ne pas avoir quelque chose de similaire ici. Cela dit, loin d’un sentiment de repompe, on retrouve au contraire avec plaisir des idées et des mécaniques qui ont fait leurs preuves, et qui contribuent à créer cette fameuse ambiance d’exploration qui donne envie de partir à l’aventure. En ce sens, le jeu est une réussite.



Malheureusement, on se rend vite compte une fois le jeu en main que le titre manque cruellement de finition et de moyens. Rien que pour la première cinématique du jeu, j’ai été surpris de voir une belle mise en scène chiadée peu habituelle sur la console, mais qui au final manque terriblement d’impact à cause d’effets sonores trop discrets (on les entend à peine) et de l’absence de doublages (ne serait-ce que des interjections de voix comme SoA, ça aurait pu le faire). Et c’est comme ça durant tout le jeu, chacun de ses aspects promettait de le rendre fun et mémorable, mais se retrouve mal exploité ou plombé par un système mal fichu.
Que ce soit les graphismes, corrects mais sans plus ; les musiques, d’abord épiques et enjouées puis discrètes et répétitives ; ou la narration aux dialogues trop simplistes qui empêchent de vraiment accrocher à l’histoire et aux personnages, certes clichés mais pourtant sympathiques et attachants, le jeu se traîne des avaries un peu partout sur sa bicoque et ne parvient jamais vraiment à nous faire décoller.

Même chose niveau gameplay, qui aura le mérite d’être accessible tant il est classique et n’invente rien, mais les quelques bonnes idées sont là aussi gâchées par des mauvais choix de game design : les quêtes de la guilde des aventuriers sont ultra-bateau (ou navire, ou aéronef… hum, bref) et même plutôt lourdingues puisqu’elles obligent le joueur à se retaper les donjons qu’ils vient de faire, en plus de ne pouvoir en accepter qu’une à la fois. Quand aux world treasure, ils sont une plaie à trouver, puisqu’il faut tomber pile-poil sur le bon point de la carte, avec les maigres indices donnés par des PNJ au cours du jeu, sans compter que certains sont mentionnés très tôt mais vous n’y aurez accès que bien plus tard, donc on perd du temps à les chercher pour rien… Au final, vu les récompenses peu motivantes, on a vite fait d’abandonner cet à-côté pourtant très sympathique sur le papier.
Je note tout de même que le jeu s’offre le luxe appréciable d’un paquet de quêtes annexes (les quêtes de personnages, les quêtes des armes ultimes, les donjons optionnels…), un effort que l’on aurait peut-être préféré voir appliqué à la trame principale, car le jeu reste court en ligne droite (j’ai mis une trentaine d’heures pour le finir) et on visite finalement peu d’endroits, beaucoup de villes et continents passant à la trappe. Dommage.



Mais l’aspect du jeu qui m’aura à la fois le plus agacé et déçu sont les combats aériens, dont l’idée de base est sympa (chaque personnage contrôle une arme du vaisseau, qui sera plus efficace selon qu’on attaque de front ou sur les côtés), mais disposent d’une difficulté aberrante en comparaison des combats classiques, presque trop simples. Je ne sais pas trop comment les gars de chez Red Entertainment se sont démerdés, ils ont sans doute voulu limiter la liberté de mouvement du joueur en mettant des monstres puissants si vous sortez des zones où vous devez aller, mais rien ne nous prévient de ça et l’on tombe finalement sur un ennemi impossible à tuer qui nous one shot, alors que l’on n’a pas pensé à sauvegarder, évidemment. Ça t’apprendra à vouloir partir à l’aventure et sortir des sentiers battus, tiens. (Mais je croyais que c’était un jeu où il fallait explorer, moi  )
Même quand on reste dans le parcours imposé par le jeu, les combats aériens sont un enfer, vu le nombre de coups de canon qu’il faut pour se débarrasser des ennemis. Un vrai paradoxe, quand la plupart des boss peuvent se plier en 30 secondes montre en main.
En clair, on ne profite absolument pas du sentiment grisant de voler à travers le globe, on fonce vers notre prochaine destination en priant pour ne pas tomber sur un combat (vers la fin du jeu, j’évitais même de voler en haute altitude tellement les combats étaient durs et longs, alors que c’est le moyen le plus rapide de se déplacer). Triste pour un jeu qui faisait de l’exploration aérienne son argument principal.

Malgré ses défauts, le jeu est une petite bouffée d’air frais pour peu qu’on ne soit pas rebuté par ce genre d’histoire très clichée quoique toujours rafraîchissante. Il n’arrive certainement pas à la cheville de ses modèles, Skies of Arcadia en tête, et on ne peut s’empêcher de trouver dommage que le jeu n’ait pas su dévoiler tout son potentiel avec un tel univers (d’autant que quand on se renseigne un peu, on s’aperçoit que l’équipe derrière a bossé sur pas mal de bons jeux, donc c’est pas le talent qui manque)… Mais il n’en propose pas moins un voyage sympathique dont je garderai certainement un bon souvenir, avec l’espoir de revoir une production japonaise -si possible avec les moyens de réaliser ses ambitions- avec ce genre d’univers et de design qui semble avoir disparu de l’imaginaire vidéoludique nippon. Vu ce qu’on se mange en terme de productions actuelles, l’espoir est sans doute vain...

Au final, si vous êtes comme moi fan de cette ambiance d’aventure et d’exploration, ou juste avide de tester les RPGs oubliés de la DS, nul doute que cette aventure, certes avec un petit a, à défaut de pouvoir l’écrire avec un grand A, saura vous satisfaire. Tant que vous êtes prêt à vous laisser porter par le vent de la nostalgie...



Je veux un nouveau jeu avec cette atmosphère et ce genre d'artwork, bowdel :'(

Yo les amigos !

Comme de coutume, je finis un jeu, je vous en parle !
Et je dois dire que celui-ci m’a retourné comme jamais. La preuve avec ce pavé qui bat probablement tous les records du site...

Le jeu étant propice à divers spoilers, j’ai choisi de répartir l’article en 3 parties :
- La première, qui parle du jeu en globalité pour le faire découvrir à ceux qui ne le connaissent pas, donc spoiler-free. Je n’explique pas le contenu des différents scénarios, car j’estime que l’impact est plus fort si on les découvre pas soi-même !
- La deuxième, qui commence au « mini-spoil », où je détaille pour le coup chaque scénario, en faisant un résumé sur l’histoire (mais sans trop spoiler les moments importants) et le gameplay, avec mes impressions. A lire si vous tenez vraiment à avoir plus d’infos sur le jeu et que vous spoiler un peu ne vous dérange pas.
- La dernière, qui commence au « méga-spoil », où je parle directement de mes impressions sur la fin du jeu en rentrant dans les détails, donc à ne surtout pas lire si vous n’avez pas fini le jeu ! A moins que vous n’ayez jamais l’intention d’y jouer, ce qui serait fort dommage… En revanche, ceux qui ont déjà fini le jeu peuvent se contenter de ne lire que cette troisième partie, vu que tout le reste ne fera que rappeler ce qu’ils connaissent déjà !

Voilà, puisque tout le monde est prêt, on peut commencer !
Du coup, aujourd’hui on va parler de la Vie, ou devrais-je dire de LA vie, on va parler de Live-A-Live...






Partie 1 – Vue d’ensemble du jeu

Live-A-Live. Eh bah punaise, je m’attendais pas à ça… Je m’attendais juste à un bon petit jeu, je me suis pris une claque. Ou peut-être même deux ou trois, j’ai plus trop compté en fait.

Bref, désolé je sais même pas comment commencer, donc je commence au pif : Non, ce n’est pas une tuerie technique et narrative comme The Last of Us ou le dernier God of War. Non, ce n’est pas une mise en scène folle comme FFXV (oui, malgré tous ses défauts). Ce n’est même pas une épopée épique à la Skies of Arcadia. C’est juste un « vieux jeu bizarre » de la SNES. Mais nom d’un pixel, quel jeu…

Pour la plupart d’entre vous, si je dis « Squaresoft », vous devriez avoir les yeux qui brillent. Si j’ajoute « SNES », vous ajoutez la bave aux lèvres. Vous vous rappelez instantanément les cultissimes Final Fantasy de la console, Chrono Trigger, ou encore Secret of Mana et sa suite Seiken Densetsu 3, peut-être même les Romancing SaGa si vous en avez entendu parler, bref, autant de jeux auxquels vous avez sûrement joué (où dont on vous aura rabâché les oreilles depuis 25 ans -à raison, désolé pour vous- ) et qui ont fait l’aura et la notoriété de Square… et qui font d’autant plus mal de s’en rappeler quand on voit ce que la boîte est devenue. Mais ceux qui se sont intéressés à la ludologie de la boîte auront au moins entendu parler d’autres merveilles de la console comme Bahamut Lagoon, Rudra no Hihou (le Trésor des Rudra), et bien sûr Live-A-Live. Ces jeux sont méconnus en Occident et pour cause, ils ne sont jamais sortis du Japon. Bizarrement, Live-A-Live m’a toujours paru être le moins connu de tous. Il est temps de réparer cette erreur.

Live-A-Live débarque au Japon le 2 septembre 1994, sans crier gare. 5 mois avant sortait Final Fantasy 6, et 6 mois après Chrono Trigger, pour vous situer. Peut-être était-ce la comparaison avec ces deux bijoux ou le fait que même pour les japonais de l’époque, le jeu était bien trop bizarre au premier abord pour être apprécié par le commun des mortels, toujours est-il qu’il passe un peu inaperçu, avec « seulement » 320 000 copies vendues (pour rappel, les deux autres se sont vendus tous les deux à 2 millions chacun, rien que sur le sol japonais), et une note de 29/40 dans Famitsu.

En effet, le jeu est bizarre. Il déroute, il casse un peu tout ce que le joueur a appris dans les RPG de la dernière décennie, en particulier ceux de Square. Et pourtant, on y retrouve toute la créativité des jeux de la boîte à l’époque. Tout d’abord, au lieu de suivre une trame scénaristique unique, le jeu commence par un choix entre 7 personnages façon Romancing Saga, mais cette fois il s’agit de 7 histoires différentes, chacune ayant son scénario et son univers bien distinct : période Edo, univers SF, futur proche, tournoi d’art martial, école de kung-fu, préhistoire, et Far West. Chaque scénario a son début et sa fin, ils ne se recoupent pas, et les différents héros ne se croisent donc jamais (sauf…). Il est donc possible de les faire dans l’ordre que l’on souhaite. Outre le changement d’ambiance, chaque scénario propose surtout son propre gameplay ! Vous aurez donc droit à de l’infiltration avec le ninja, l’entraînement de vos disciples avec le maître kung-fu, d’étranges mystères à résoudre dans le silence inquiétant d’une station spatiale dans le scénario SF, ou encore une embuscade à improviser avec les objets trouvés ci et là avec le cow-boy. Même si les mécaniques principales du jeu restent les mêmes d’un scénario à l’autre, chacun va jouer sur un aspect de gameplay ou une spécificité qui va le rendre unique, par exemple à travers l’utilisation de la touche Y, qui servira à trois reprises de « pouvoir spécial ». Je préfère ne pas rentrer dans le détail maintenant, parce que découvrir ce que chaque scénario a à nous offrir renforce définitivement l’effet de surprise et d’émerveillement, et c’est à mon avis la meilleure manière de profiter du jeu. Je détaillerai de toute façon plus bas les différents scénarios, pour ceux qui n’ont pas peur de se spoiler.

Une fois les 7 scénarios terminés, vous aurez droit à une surprise de taille, il est donc important d’aller au bout des 7 histoires pour se rendre compte de la réelle portée du jeu.



Le jeu déroute aussi par son système de combat, qu’on pourrait voir comme un mix étrange de tour-par-tour et de tactical avec son damier disgracieux, mais une fois la manette en main on se rend bien compte que c’est encore différent. En persévérant un peu, on comprend finalement les mécaniques : chaque action (déplacement ou attaque) fait avancer une jauge temporelle invisible, et il faut bien choisir ses actions pour ne pas laisser le temps à l’ennemi de réagir, ou choisir de passer son tour pour prendre le contrôle d’un personnage plus efficace. Il n’y a d’ailleurs pas de commande « attaque » ni « défense » à proprement parler, tout se fait via l’utilisation de techniques propres à chaque personnage et que l’on obtient en gagnant des niveaux. Chaque technique varie par sa puissance, son aire d’effet, et ses effets secondaires (baisse de stats, repousser l’ennemi ou le faire tourner, altérations d’état…), en sachant qu’il n’y a pas de MP ou équivalent, donc vous pouvez utiliser vos meilleures techniques à loisir.
Par conséquent, le placement et la façon dont les personnages et ennemis sont tournés ont aussi leur importance, car si chaque attaque à sa zone d’effet, on comprend vite qu’il faut arriver à se mettre hors de portée des attaques mortelles de l’ennemi tout en se positionnant correctement pour placer les siennes.
Dernière mécanique importante, il n’est pas rare de rencontrer un groupe d’ennemis comportant un « chef de horde », qui n’est pas indiqué comme tel mais que l’on reconnaît par le simple fait qu’il est unique, et s’offre alors au joueurs deux possibilités : abattre tous les ennemis, mais cela est souvent risqué malgré de bonnes récompenses à la clé, ou se faufiler à travers eux et tenter de tuer leur chef, déclenchant alors un « Break Down » qui entraînera la disparition immédiate de tous les autres.
La prise en main des combats n’est clairement pas évidente au début (surtout que rien n’est expliqué évidemment), mais une fois habitué on aperçoit tout l’aspect stratégique des combats, et c’est assez jouissif.
Cela dit, une bonne partie des combats sont relativement faciles, les ennemis étant adaptés à votre niveau. Mais certains combats vous donneront clairement du fil à retordre (avec même quelques Game Over intempestifs…) et vous devrez exploiter au maximum les effets de vos techniques et les mécaniques de jeu pour sortir victorieux. Le jeu opte tout de même pour une solution proche d’un SaGa (vraiment, Live-A-Live reprend beaucoup d’idées de cette série) : si un personnage atteint 0 HP, il est « mort », mais reste sur le terrain et peut être ressuscité avec un objet de soin, à moins que l’ennemi n’ait le temps de le toucher à nouveau auquel cas il disparaît pour le reste du combat. Les HP sont récupérés automatiquement à la fin de chaque combat, mais loin d’être un avantage, ça veut surtout dire qu’il faudra gérer correctement vos objets de soins (assez rares) et les dégâts que vous prenez, certains ennemis pouvant faire très mal...
Heureusement, le jeu vous permet de sauvegarder à tout moment via le menu, donc vous pouvez abuser de cette fonction dans les passages difficiles.

Quand au reste du gameplay, on est en apparence sur du RPG classique, mais on retrouve des mécaniques propres à certains jeux Square de l’époque comme le fait de devoir fouiller un peu partout pour trouver des équipements, ou des choses plus originales comme la fabrique de nouveaux équipements à partir d’objets que vous aurez trouvé, vu qu’il n’y a aucune boutique ni monnaie dans le jeu. Certaines de ces trouvailles de gameplay poussent à la recherche, voire à l’utilisation d’un guide, ce qui ne plaira pas à tout le monde, mais fait pour moi partie de ces choses qui donnent envie de revenir sur le jeu pour tester de nouvelles choses ou voir ce qu’on a loupé. D’une manière générale, on peut reprocher au jeu de parfois lâcher complètement le joueur, qui doit alors se débrouiller pour comprendre où aller ou comment faire pour progresser, sans grande indication. Il faut donc savoir être patient, ou au pire se munir d’une soluce…



Enfin, le jeu déroute par les univers qu’il propose et leurs scénarios respectifs, qui exploreront des aspects que l’on n’avait pas l’habitude de voir dans les RPG jusqu’ici, mais surtout offre des thèmes poignants, tragiques et matures (sans que ça signifie « violence excessive » ou « sexualité affichée », notez bien) sous une forte couche d’humour typiquement nippon. De plus, les dialogues sont certes minimalistes, mais font mouche et comportent un bon nombre de répliques mémorables, certaines étant même devenues cultes au Japon. Des jeux comme FF6 ont su aborder des thèmes complexes et peu courant avec brio, mais ici on est même parfois un degré au-dessus, le jeu poussant même sur certains passages aux réflexions philosophiques, ce qui rend le propos du jeu peu accessible et peut rebuter celui qui pensait n’avoir à faire qu’à un sympathique divertissement. Les différents scénarios sont néanmoins assez courts, et se finissent entre 1 à 2h pour la plupart. Mais si le jeu nous prends aux tripes et marque autant, c’est aussi parce que tout est condensé de cette façon.

Cette diversité d’univers s’explique par une chose (et témoigne de l’ambition d’origine du projet) : Chacun des 7 personnages est dessiné par un mangaka reconnu ! Enfin, au Japon, car chez nous les noms ne parleront à personne si ce n’est Gosho Aoyama, auteur de Détective Conan pour ne citer que son œuvre la plus célèbre. Peut-être connaîtrez-vous aussi Ryōji Minagawa pour son manga « Peacemaker » paru en France, ou Kazuhiko Shimamoto pour ceux qui se sont intéressés de près à l’histoire et les grands noms du manga japonais. En effet, en cherchant un peu, on comprend vite que ce ne sont pas des premiers venus qui ont été choisis, mais bien des auteurs de renom qui ont marqué l’histoire du manga dans leur genre respectif. Et le plus rigolo, c’est que leur travail sur Live-A-Live est souvent en opposition avec leur style habituel, ils sortent donc des sentiers battus et explorent de nouvelles voies avec le titre. Car ils ne se sont pas limités seulement au chara design, chaque auteur s’est personnellement investi dans le développement des personnages et de leurs univers respectifs ! On peut donc presque y voir 7 histoires issues de l’imaginaire des mangakas, adaptées en RPG à la Squaresoft. De bien belles collaborations qui en préfigurent une autre, celle pour Chrono Trigger…

Car en effet, à part son découpage atypique avec des univers qui n’ont à priori aucun rapport entre eux, on a bel et bien là un jeu Square, et cela se sent à différents niveaux. Ce qui saute aux yeux, ce sont les graphismes, très proches d’autres jeux Square comme FF5 ou Romancing Saga 2, en un peu plus beaux, avec de nombreux détails qui rendent chaque univers unique. Malheureusement, FF6 est sorti peu de temps avant et cela a pu donner l’impression d’une régression par rapport à ce dernier, mais on sent tout de même l’excellent travail sur les décors, ces derniers étant très détaillés et variés (aucun décor ne se ressemble entre les scénarios). Les animations des personnages ne sont pas en reste : certes on a une animation basique en trois étapes la plupart du temps, mais il y a un nombre de sprites assez fou pour illustrer la variété des situations, les différentes attaques, etc. On retrouve cette façon de montrer les émotions des personnages par une animation spécifique (au lieu d’une simple icône…), et ça marche vraiment. Et puis il y a ces petits détails de gameplay, des petits trucs anodins auxquels on ne fait pas forcément attention, mais qui rendent la découverte du jeu très fun : les armes qu’on peut récupérer sur les murs, les objets que l’on peut échanger contre d’autres (même si c’est un peu aléatoire), les petites quêtes annexes parfois bien cachées... On retrouve aussi la patte sonore de la boîte, certains bruitages ou effets étant similaires voire identiques à d’autres jeux (j’en ai reconnu beaucoup qui ont été repris ensuite dans Seiken 3).



En parlant de son… Les musiques sont SU-BLIMES !
Nous avons pourtant affaire à l’époque à une illustre inconnue, que Square aura repéré pour son excellent travail sur Street Fighter II et quelques autres jeux, et qui se voit confier d’emblée un projet entier. Loin de se démonter, elle signe sans forcer une OST parmi les meilleures compositions de sa carrière, et se verra confier par la suite des mastodontes comme Super Mario RPG, Legend of Mana, la série Kingdom Hearts, et dernièrement FFXV. Je pense que vous voyez de qui je veux parler ^^
Mais c’est réellement fou de se dire qu’il s’agit là de son premier projet chez Square : les musiques vous prennent aux tripes dès le départ. Aucune faute de composition, même si bien sûr certaines rares pistes seront plus anecdotiques que d’autres. Chaque scénario aura son thème principal, son thème de « worldmap », et même son propre thème de combat. Tous représenteront parfaitement l’ambiance de l’époque concernée, avec un souffle épique, tragique, ou humoristique selon la situation, et l’émotion sera toujours au rendez-vous. Si bien que l’OST s’écoute très bien seule, même si pour en profiter un maximum, il faut la vivre avec le jeu.

Bref, voilà ce qu’est Live-A-Live, un véritable OVNI dans le monde du RPG, une sorte jeu d’auteur(s), qui laissera le grand public dans l’incompréhension mais ravira les amateurs du genre, et les amoureux de Squaresoft. S’il n’arrive pas au niveau des légendes que sont FF6 ou Chrono Trigger, bien plus accessibles et aux thèmes plus universels, il fait réellement partie des meilleures œuvres de feu Squaresoft, et c’est un vrai gâchis qu’il soit si peu connu et même reconnu à sa juste valeur. Il faut avoir la patience de prendre en main ses mécaniques de jeu et son système de combat, et être prêt à déceler les merveilles qui se cachent sous ses vieux pixels, mais si l’aventure vous tente, nul doute que le jeu saura vous marquer à jamais comme il l’a fait avec moi (un jeu d’il y a 25 ans, bordel !). Enfin, si vous avez le courage d’aller jusqu’à la fin du jeu…





Partie 2 – Mini Spoil







Scénario Futur proche
Chara design : Kazuhiko Shimamoto

On commence fort avec ce premier scénario, riche en références et en émotions !

Un résumé simple : Vous vivez l’histoire d’Akira Tadokoro dans une ville un peu futuriste, avec tout de même un ton légèrement post-apo. Le scénario s’ouvre par le meurtre de son père, vous faisant comprendre qu’il est orphelin. Mais surtout, il s’est découvert en grandissant des pouvoirs psychiques, et notamment la capacité de lire les pensées des gens. Élevé dans un orphelinat avec sa sœur et par un loubard au grand cœur nommé Matsu, Akira est lui-même devenu un voyou belliqueux et mal élevé, pour s’endurcir face à cette vie qui ne lui a pas fait de cadeaux. Alors quand le mystérieux gang de motards accusé de divers enlèvements kidnappe un des enfants de l’orphelinat, son sang ne fait qu’un tour !

Quand je dis riche en émotions, je ne plaisante pas : on sent dans les dialogues tout l’amour du character designer pour la passion brûlante, le « nekketsu », dont il s’est fait une spécialité dans ses œuvres. Le scénario commence d’ailleurs d’emblée avec une musique très inspirée des thèmes de super-héros japonais, et le ton volontairement impulsif du héros ira dans ce sens, marqué par les différents événements tragiques qu’il va devoir traverser. En effet, le ton de l’histoire se veut poignant et dur avec des thématiques assez lourdes, et pourtant contrebalancé par une bonne dose d’humour à la japonaise. Le scénario est sérieux, mais ne se prend jamais comme tel : les répliques fusent, les gamins de l’orphelinat se battent pour regarder du catch, l’un d’eux se fait martyriser par Akira pour qu’il vole la culotte de l’unique employée de l’orphelinat et se trompe à chaque fois en ramenant quelque chose de différent, les clients du bar semblent tous sous l’influence d’un drôle de champignon, et bien sûr l’épique robot géant qui dort dans la cave d’une excentrique boutique de bibelots et qui nécessite un rituel parfaitement stupide pour monter dedans…

C’est aussi un peu à cause de cela que ce scénario paraîtra incompréhensible pour un occidental non averti, tant il fait référence à un imaginaire culturel très nippon. Peut-être est-ce une des raisons qui ont rendu impossible la localisation du jeu en occident...

En tant que gameplay, ce chapitre se rapproche plus que les autres d’un RPG classique, en ce sens qu’on explore (il y a même une mini world map de la ville), on parle aux gens pour obtenir des infos (le plus souvent, on avance dans l’histoire en lisant les pensées avec la touche Y), et on combat (les ennemis sont visibles sur la carte, mais vous foncent systématiquement dessus) pour gagner de l’expérience, à ceci près que les ennemis deviennent eux aussi plus fort lorsque vous prenez des niveaux !

Le principal reproche que je pourrais lui faire est qu’on est vite lâché dans ce scénario sans trop savoir où aller/quoi faire ensuite, et il faut savoir où chercher et utiliser tous les éléments à notre disposition pour avancer. Il n’en reste pas moins un très bon scénario bourré de détails cachés et de clins d’œil, et parfait pour commencer et se donner une idée de ce qu’est cette curiosité qu’est Live-A-Live.




Scénario Bakumatsu (fin du shogunat)
Chara design : Gosho Aoyama

Le scénario du ninja, qui correspondra parfaitement au personnage : un seigneur féodal fou menace de faire sombrer le « pays du soleil levant » dans le chaos. Votre clan envoie Oboromaru, le meilleur ninja disponible, pour infiltrer le château, arrêter le shogun infernal et au passage libérer un prisonnier important qui sera capable de remettre le Japon dans le bon chemin.

On apprendra après la bataille finale que le samourai que vous avez secouru n’est autre que Ryoma Sakamoto, nom qui ne parlera qu’à ceux ayant étudié un peu l’histoire du Japon, mais que tout japonais connaît pour être un important samourai qui aura aidé le pays vers la transition vers l’ère Meiji et la modernité. Une référence typiquement japonaise de plus, donc.

Le thème de ce chapitre est donc l’infiltration. Et pour éviter de vous faire repérer, vous devrez déployer toute votre panoplie de ninja : ramper sous les combles, emprunter des portes secrètes dérobées, courir sur les toits, faire des ponts de corde, nager sous l’eau avec un bambou comme tuba, ou mémoriser le code secret pour passer sous le nez des gardes, mais attention, il change après un certain temps ! Et le gong qui sonne à intervalles régulier est là pour vous rappeler que le temps vous est compté…
Samourais et yojimbô, visibles sur la carte, fonceront vers vous et vous attaqueront s’ils vous voient, mais vous avez moyen de les esquiver grâce à la commande du bouton Y, qui vous permet de vous fondre instantanément dans le décor et devenir invisible. Mais ce ne seront pas les seuls à vous barrer la route, les fantômes et autres revenants seront aussi de la partie...

Le scénario joue vraiment la carte infiltration à fond, et vous suggère même au moment de commencer que vous pouvez atteindre votre objectif en tuant tous les gardes, ou en n’en tuant aucun. Cela n’a pas d’incidence réelle sur le scénario, mais octroie des récompenses sympas si vous y parvenez, et le moins qu’on puisse dire, c’est que ce n’est pas le scénario le plus facile (c’est encore pire si vous tentez l’un des deux défis). En effet, le château est labyrinthique, et il vous faudra du temps pour comprendre sa structure et où vous devez vous diriger, avec de nombreux détours pour trouver la clé d’une porte fermée ou accéder à un bâtiment dont l’entrée est cachée. Les premiers ennemis sont relativement simples, mais en avançant un peu ils deviennent vite plus retors, et on peut finir bêtement sur un game over en étant mal préparé. Les demi-boss sont aussi très coriaces, et vous allez devoir user au mieux de vos techniques ninpô et de leurs effets pour vous en sortir. Malgré cela, c’est sans doute l’un des scénario les plus fun à jouer, ne serait-ce que pour la variété de situations mises en place, mais surtout pour sa grande liberté d’action, car il y a différentes façons d’arriver à votre objectif.
C’est un des scénarios qui, comme le précédent, fourmille de petits détails et de bonnes idées, parfois farfelues certes, mais toujours surprenantes. Et c’est grâce à cela qu’on a envie de refaire ce chapitre, voire le jeu complet, car à chaque run on découvre un détail ou une scène qui nous a échappé. Et ça, peu de jeux savent le faire...




Scénario Kung-fu
Chara design : Yoshihide Fujiwara

Un de mes scénarios préférés malgré sa simplicité : vous incarnez un grand maître de kung-fu, qui se fait bien vieux et se dit qu’il est temps de trouver des disciples pour transmettre son art. Vous commencerez donc par explorer les alentours (villages, forêt de bambou…) pour trouver trois jeunes recrues prometteuses et mettre en déroute les voyous de l’école d’arts martiaux voisine, qui se servent de leur force pour martyriser le peuple.
Viens ensuite l’entraînement de vos recrues, et il faut admettre que cette partie est plutôt répétitive, puisque que vous affrontez un à un vos élèves pour leur mettre une raclée… je veux dire, leur enseigner les bases de votre art ! Il y a quatre entraînements, chacun portant sur une stat à faire augmenter, et chaque entraînement comprend quatre rounds, donc à vous de les répartir entre vos trois élèves selon vos envies. Un conseil : choisissez-vous un chouchou et faites tous les entraînements contre lui ! Car la dernière partie du scénario risque de vous surprendre…

Bref, en dehors de son idée de départ que je trouve très sympa (entraîner ses élèves comme on le souhaite), on a une belle ambiance « film de kung-fu » avec des animations des attaques très réussies, et un propos philosophique sur l’utilité de la force assez subtil.




Scénario SF
Chara design : Yumi Tamura

Vous voici cette fois au commande d’un petit robot rond, appelé ironiquement « Cube » par son créateur. Ce dernier vous considère comme le nouveau membre d’équipage de la station spatiale, qui viendra apporter son aide et soutien aux autres membres. Vous les rencontrez alors qu’ils sortent progressivement de leur sommeil cryogénique, car le retour vers la Terre se fait proche.

On tranche de nouveau avec les précédents scénario, avec un détail qui surprend tout de suite : il n’y a aucune musique (tout au plus entend-on au loin la borne d’arcade située dans la salle de repos, qui témoigne des très bons choix de sound design du jeu), juste le silence de la station spatiale qui fait écho à celui de l’espace. Et loin de donner une sensation de tranquillité, cela vient instaurer une certaine angoisse. Angoisse qui se confirme lorsque d’étranges évènements se produisent à bord de la station… Progressivement, tout bascule, et ce qui devait être une mission de routine tourne au cauchemar.
Je ne rentre pas dans le détail, mais si l’univers fait largement penser à des classiques de la SF que sont Star Trek et Alien, le scénario lui-même lorgne carrément vers du 2001 L’Odyssée de l’espace.

Autre aspect étonnant de ce scénario : à l’exception du boss de fin, il n’y a aucun combat ! Et vous vous rendrez vite compte que cela participera paradoxalement à rendre l’ambiance de la station spatiale encore plus oppressante. Il n’y a du coup pas de spécificité de gameplay à proprement parler, si ce n’est l’importance du nom que vous donnez au robot (vous en aurez besoin pour ouvrir certaines portes du vaisseau) et la présence d’une borne d’arcade qui fait office de mini-jeu, et qui aura un rôle plus important qu’on ne pourrait le penser.

Un très bon scénario, donc, et probablement le plus déroutant de tous.




Scénario Monde contemporain
Chara design : Ryōji Minagawa

Un scénario extrêmement simple qui en décevra peut-être certain, mais pas moi, car il s’agit tout simplement d’une parodie des jeux de baston !
Vous incarnez Masaru Takahara, qui souhaite devenir l’homme le plus fort du Japon, tout simplement. Il participe alors à un tournoi et affrontera les meilleurs combattants du monde. Rien de plus !
Cette fois, c’est tout l’inverse du chapitre précédent : ici, pas d’exploration, mais une succession de combats, avec un écran de sélection de votre adversaire qui fera inévitablement penser à Street Fighter ou encore Megaman !
Il n’y a que 6 combattants et ils sont coriaces. Vous êtes libre de choisir l’ordre dans lequel les battre, mais il y a une astuce : votre héros peut assimiler certaines techniques adverses lorsqu’il les subit, un peu à la manière d’un mage bleu dans les FF. Il y a deux techniques à apprendre pour chaque combattant, donc il faudra ruser un peu pour les pousser à utiliser telle ou telle technique et faire en sorte de ne pas les mettre K.O trop vite. Et évidemment, certaines techniques seront plus efficaces sur certains adversaires que sur d’autres...
Pour pousser la parodie jusqu’au bout, on a même droit à un portrait amoché du combattant adverse après chaque victoire… comme Street Fighter, donc.

Un scénario somme toute assez difficile, avec un boss de fin particulièrement cruel. Sans être le plus marquant, il mérite quand même largement sa place dans toute cette bizarrerie qu’est Live-A-Live.




Scénario FarWest
Chara design : Osamu Ishiwata

Le scénario reprend les clichés de ce genre cinématographique, que ce soit la musique à la Enio Morricone ou le héros, hors-la-loi taciturne mais avec un bon fond, recherché par le chasseur de primes Mad Dog. Les deux cow-boy devront finalement mettre leur rivalité de côté pour sauver une ville qui subit les attaques incessantes des renégats de la 7ème cavalerie et de leur chef sadique. Regards noirs au saloon, mariachis mexicains, duels au revolver, ambiance western, tout est là.

L’originalité ici sera la façon de lutter contre les bandits : dans un premier temps, vous avez un temps limité pour fouiller les différents bâtiments de la ville et récupérer tous les éléments que vous pouvez trouver, et tenter de fabriquer des pièges avec. Dans un deuxième temps, vous devrez désigner différents habitants, en fonction de leur vitesse supposée et de leur motivation (comprendre : s’ils n’ont pas trop la trouille) pour qu’ils aillent poser les pièges pendant que vous vous préparez à la confrontation finale. De la façon dont vous gérez ces deux aspects dépendra l’efficacité de vos pièges, et réduira en fonction le nombre de renégats que vous affronterez dans le combat final. Forcément, plus il y en a, plus ce sera compliqué… mais pas impossible. Gare tout de même au boss et à sa gatling capable de vous transformer en gruyère, ce qui équivaut à une mort immédiate…

Un scénario très sympa à suivre, autant pour son héros classe que pour le soin apportés aux personnages secondaires, avec une fois de plus une idée de gameplay originale.




Scénario Préhistoire
Chara design : Yoshinori Kobayashi

Celui-ci se passe à l’époque des hommes préhistoriques, donc l’originalité du scénario est… qu’il n’y pas de dialogues ! (normal, le langage n’existait pas…) Les personnages ne communiquent donc que par grognements et bulles contenants des dessins...
Loin d’être un problème, on arrive très bien à suivre l’histoire simplement avec la mise en scène et les mimiques des personnages. C’est là où on voit toute l’ingéniosité de Squaresoft pour arriver à donner vie à de simples sprites 2D. Les animations sont très détaillées et variées (comme dans les autres scénarios, mais particulièrement celui-là), rendant le tout très vivant. Quand on se dit qu’en 2018, Lost Sphear n’arrive même pas à faire ça ! (en tout cas, pas à la hauteur d’un jeu sorti 24 ans plus tôt…)

La particularité de gameplay de ce scénario est « le flair » : en appuyant sur Y, le héros peut renifler les environs, ce qui fait apparaître des odeurs (sous forme de nuage), au contact desquelles on peut deviner à qui elle appartient (le plus souvent, à du gibier que l’on peut du coup chasser… enfin combattre). Une fois de plus, il faudra en faire bon usage pour comprendre comment avancer à certains moments de l’histoire.
Une histoire là encore très simple, à base de demoiselle qui va être offerte en sacrifice mais parvient à s’échapper, et c’est bien sûr notre héros qui va la retrouver et tenter de la protéger.
C’est un des scénarios qui, malgré son pitch dramatique, joue le plus la carte de l’humour en profitant du manque d’intellect supposé des hommes de Cro-Magnon, ce qui permet aux développeurs de jouer à fond la carte de l’humour pipi-caca typiquement japonais : entre les attaques à base de pets et le « rival » du héros qui cache sa quéquette avec un lézard (qui lui sert d’arme !), on est servis…
Cela reste un des meilleurs scénarios du jeu, autant en terme de mise en scène que de gameplay.




Scénario Moyen-Âge
Chara design : Non spécifié (interne à Squaresoft)

Le scénario caché, qui se débloque après avoir terminé les 7 autres. On revient vers un univers de fantasy classique, et d’ailleurs le sprite du héros n’est pas sans rappeler celui du « chevalier » dans la plupart des anciens FF… Coïncidence ? J’en doute !
En soi, c’est le scénario avec le déroulement le plus « banal », disons qu’on a soudainement l’impression de jouer à un RPG classique (autant que le jeu peut l’être en tout cas), car il n’y a pas cette fois de particularité de gameplay. Mais ce n’est que pour mieux surprendre le joueur vers la fin du scénario...
De base, l’histoire se rapproche d’un Dragon Quest : la princesse du royaume se fait enlever par le roi démon (juste après vous être marié avec, c’est ballot), et vous, Oersted, partez donc éradiquer le mal et sauver votre dulcinée. Au passage, vous devrez convaincre l’ancien héros de se bouger les fesses et l’enjoindre à se battre à vos côtés. La bataille contre le roi démon s’annonce épique. Malheureusement, tout ne se passera pas comme prévu...

Si on reste dans les vieux clichés du genre, certaines remarques des personnages nous rappelant une fois de plus que les dévs ne se prennent pas entièrement au sérieux, la deuxième moitié du scénario (toujours aussi court, mais probablement le plus long de tous quand même) prend le joueur à contre-pied pour un dénouement parfaitement inattendu, qui relève presque du génie !






Partie 3 – MEGA Spoil – Je dévoile la fin du jeu !








BON. On va pas se mentir, le jeu est très chouette, mais ce n’est clairement qu’à la toute fin du 8ème scénario qu’il part en live (c’est le cas de le dire !) et retourne sa veste, nous ayant fait croire jusqu’ici n’être qu’un « jeu cool mais un peu étrange » pour se révéler être un véritable diamant brut, une œuvre maîtresse dans le catalogue de Square et dans l’univers du J-RPG en général. On peut dire qu’il cachait bien son jeu ! Chance pour moi, je n’avais jusqu’ici jamais accordé assez d’importance au titre pour m’informer dessus, j’y suis donc allé les yeux bandés. J’ai été ravi de retrouver l’ambiance des jeux Square, et en même temps de voir quelque chose de si original, avec des univers et des thèmes peu commun. Mais punaise, ce final, je m’en remets pas. Il y avait bien déjà certains scénarios (celui d’Akira, de Cube le robot, ou du maître Kung-Fu) qui laissait entrevoir des idées scénaristiques surprenantes, mais dans le fond ça n’allait pas plus loin. Du coup, le retournement final du dernier scénario a particulièrement été efficace sur moi, puisqu’on ne m’avait pas préparé à un tel renversement.
Pour rappel : Oersted tue le roi démon, qui s’avère être un faux, l’ancien héros Harsh meurt de ses blessures et l’ami d’enfance et rival d’Oersted disparaît alors que l’antre du roi démon s’effondre sur lui. De retour au château, Oersted subit l’illusion du roi démon et tue le roi, il est alors accusé d’être lui-même le roi démon et exilé du château, puis finalement capturé et mis en prison. Alors que l’ancien compagnon du héros lui redonne courage et foi dans la seule personne en qui il peut avoir confiance - la princesse Alicia -, il repart à l’assaut de l’antre du mal, et se rend compte finalement de la supercherie : son ami d’enfance s’est fait passer pour mort dans le but de sauver seul la princesse, et l’a poussé à tuer le roi via une illusion pour le faire accuser, envahi par la jalousie et la haine envers Oersted qu’il n’a jamais pu surpasser. Oersted se retrouve à tuer lui-même son vieil ami devenu roi démon... et coup de grâce, la princesse, au-lieu de le remercier, l’accuse à son tour de ne pas avoir compris la tourmente de son ami, de ne pas avoir été la sauver alors que lui l’a fait, et finalement se suicide pour le rejoindre dans la mort. BAM. Sombrant dans le désespoir, perdant le peu de foi qu’il lui restait envers les hommes, Oersted cède à son tour face à la haine et devient le roi démon pour se venger des hommes. C’est donc lui, sous le nom d’Odio, qui est à l’origine des différentes formes du mal affrontées par les 7 autres héros à différentes époques… Et d’un seul coup, les 7 scénarios ne font qu’un.
En bref, c’était lui le méchant. Le jeu pousse même le vice à proposer un ultime scénario, où les héros devront s’unir pour le vaincre. Et cerise sur le gâteau, le jeu nous permet même de choisir Oersted dans cet ultime chapitre, et l’on assiste alors à son déferlement de haine en revivant les 7 combats de boss des autres scénario, mais cette fois du côté des « méchants » ! Il ne nous reste alors plus qu’à massacrer un à un les héros du jeu et leurs compagnons, puis annihiler les humains… Du pur génie machiavélique (mais un peu flippant tout de même).

Je ne suis évidemment pas le seul à avoir été marqué par ce final dantesque, mais j’en suis d’autant plus surpris moi-même qu’en soit, « ce n’est pas si exceptionnel ». J’ai fait un paquet de J-RPG, j’ai vu un paquet de fins, et elles sont souvent très similaires, avec un individu quelconque qui acquiert des pouvoirs divins ou démoniaques et sous le coup de la haine ou de la folie décide d’anéantir l’humanité. Parfois même, je me suis retrouvé à trouver très cliché des fins de jeu que beaucoup de joueurs ont trouvées géniales (comme la fin de Xenoblade 1). Mais là, je me la suis prise de plein fouet.
Et après réflexion, ça tient à une chose subtile : On nous mets dans la peau d’Oersted.
On démarre le 8ème chapitre avec une banale histoire de princesse à sauver, pas grave se dit-on, ça fait un final un peu épique face au roi démon, et même si le personnage ne parle pas (il ne prend la parole qu’après avoir sombré du côté obscur), on a le temps de s’attacher à lui et à ses questionnements, qui font écho à ceux de l’ancien héros, à savoir « pour qui se bat-on si l’on ne peut plus avoir foi envers les hommes ». On sait QUI il est, parce qu’on l’a vécu à travers lui. Bref, on a eu le temps de s’attacher à lui, de se l’approprier, voire de s’y identifier.
Cela rend sa chute pour devenir le roi démon d’autant plus forte, d’autant plus poignante qu’on sait qu’on va devoir ensuite l’arrêter avec les autres héros. Tout en se disant que les choses auraient pu se passer autrement, qu’il y avait sûrement moyen de trouver une meilleure solution au problème. Mais il n’y en a pas...
C’est quelque chose que les autres RPGs ne font pas. Et pour moi, ça prouve tout le génie du jeu. Les autres en font souvent des tonnes en essayant de cacher une révélation qui du coup devient trop prévisible, ou en forçant le pathos sur le « méchant » pour provoquer l’émotion du joueur, quitte à étouffer toute forme de subtilité. Parfois ça arrive comme un cheveu sur la soupe ( Attention spoil de The Last Story : je pense à Dagran qui nous accompagne tout le long du jeu mais retourne sa veste à la toute fin, et le jeu nous dit soudainement qu’il veut le pouvoir pour assouvir sa haine sans vraiment comprendre d’où elle vient. Fin Spoil), et la sauce ne prend pas non plus. Dans un cas ou dans l’autre, le jeu a beau essayer de nous faire comprendre, en montrant le désarroi des héros, que le « méchant » n’est pas si méchant et que ce n’est qu’un humain qui a succombé à ses faiblesses, pour le joueur ça ne reste que « l’ennemi à abattre », parce qu’au fond de nous on sait qu’on ne peut pas être tolérant et pardonner un type qui essaye de raser l’humanité.
Mais là, un jeu d’il y a 25 ans avec quelques pixels animés et des dialogues minimalistes a réussi à faire ce que des RPGs en 3D full doublage et cutscenes de folie n’auront jamais pu me procurer (à quelques exceptions près) : Me faire ressentir de l’empathie pour le méchant. Dans vos faces.

Le chapitre final lui-même est aussi une idée de génie. Bien sûr, tout est fait pour nous faire croire que les héros vivent des histoires complètement différentes et ne vont jamais se rencontrer, quand bien même quelques indices nous indiquent que tout ça est un peu lié (le nom de chaque boss basé sur une variante orthographique du mot « Odio », notamment). Même si on s’attend un peu à une confrontation finale avec tous les persos, on ne l’attend pas sous cette forme. Car on se retrouve avec un chapitre final qui devient paradoxalement un RPG classique dans son déroulement alors que tous les autres s’obstinaient à casser les codes du genre. Et qui se permet de durer pratiquement une moitié du jeu lui-même, ou l’on peut recruter les héros de son choix (voire aucun, et cette liberté de choix fait vraiment plaisir) avec moult secrets à la clé, notamment les 7 donjons optionnels pour chaque héros, afin de récupérer leur arme ultime. Le tout saupoudré d’idées de game design que je trouve, personnellement, géniales. Quelque chose d’assez proche du World of Ruin de FF6 finalement, mais qui n’a plus jamais été fait ensuite. Pouvoir retrouver la même chose ici, c’était un réel plaisir pour moi.

Concernant le reste du jeu, je l’ai déjà évoqué dans les parties précédentes, mais j’ai été émerveillé par toutes les trouvailles de gameplay, que ce soit chaque scénario ayant sa spécificité propre ou même des détails amusants comme les « jeux dans le jeu » (les échanges d’objets improbables, la borne d’arcade, la vente de taiyaki qu’on peut marchander...) ou les secrets bien cachés. Le système de combat aussi, quoique décidément pas facile à prendre en main, est vraiment intéressant car il pousse vraiment à utiliser intelligemment les techniques de ses personnages pour s’en sortir. Le jeu est peut-être un peu frustrant puisqu’il n’y a pas réellement de montée en puissance des héros, mais c’est rattrapé dans le chapitre ultime avec les 7 donjons et les boss (très) bien cachés (je kiffe tellement ce genre de détails !).

Je suis aussi fan des détails « à la con » du genre :
- Notre élève de kung-fu qui prend la suite de son maître et devient jouable dans le scénario final. Selon l’élève héritier, d’ailleurs, les dialogues seront évidemment différents dans les cutscenes, et même la façon de les recruter dans le scénario final change.
- l’espèce de belle-mère dans le scénario « Bakumatsu » que vous pouvez tuer, mais si vous le faites son « fantôme » vous hantera, c’est-à-dire vous collera aux basques dans toutes les salles que vous visiterez ensuite (avec le risque de la combattre à nouveau si vous lui parlez par mégarde)
- Cette salle dans le scénario « Préhistoire » où en parlant à un PNJ, il en invoque un autre, et à chaque fois que vous parlez à l’un d’eux, un nouveau arrive… On fini avec une salle remplie de bonhommes qui courent dans tous les sens ! Ça n’a strictement aucun intérêt, mais j’aime bien cette façon qu’on les développeurs de jouer avec les éléments de programmation !
- Les objets qui n’en sont pas : on peut ainsi obtenir le « Kyoko no Punch » après s’être pris une claque de la part de la concernée, et cela devient un équipement pour Akira… Excellent, d’autant plus que cela sert à un jeu de mots stupide avec « Kyoko no Pantsu » (la culotte de Kyoko) !
- Dans le chapitre final, il faut obtenir un objet pour activer Cube et faire en sorte qu’il rejoigne votre équipe. En fonction de quel personnage vous avez pris pour le chapitre, le nom de l’objet lorsque vous le ramassez change : pour Akira (futur proche, donc il voit ce que c’est), c’est une « batterie », pour Masaru c’est un « composant » (il voit que c’est pour une machine, mais sans comprendre), pour les autres c’est une « boîte en fer », et pour Pogo c’est juste ??? (c’est un homme des cavernes, il ne comprend pas ce que c’est). Typiquement un détail un peu inutile, et pourtant crédible du point de vue des personnages. Je trouve ça fou qu’ils aient pensé à ça, en sachant que la plupart des joueurs n’y feront même pas attention, puisqu’il faudrait pour ça faire le chapitre final avec chaque perso.

Je donne ces exemples un peu au pif mais il y en a des tas d’autres.

Tous ces détails peuvent paraître inutiles voire agaçants, mais pour moi ils témoignent d’une énorme inventivité des développeurs, qui savaient jouer avec leurs outils de programmations pour créer des situations étonnantes ou rigolotes. Une sensation que l’on retrouvait un peu dans les vieux FF et Romancing SaGa, et qui ont disparu depuis…

Bref, j’ai réellement adoré le jeu, avec un Squaresoft qui fait montre d’une inventivité incroyable de game design et parvient une fois de plus (encore une fois, FF6, Chrono Trigger, Secret of Mana… y parvenaient aussi) à réaliser la prouesse de nous immerger dans des histoires, de nous faire ressentir les émotions des personnages et même de nous pousser à la réflexion, le tout avec les moyens rudimentaires de l’époque. Et ce sans même avoir besoin d’une technique impeccable, puisque qu’il reste inférieur sur ce plan par rapport à d’autres jeux sortant à la même période.
Définitivement, je ne pourrais m’empêcher de préférer ce genre de jeux « d’avant », car j’ai l’impression que les japonais n’ont plus autant d’audace avec leurs jeux actuels, trop occupés à faire du jeu grand public un peu aseptisé (comme tout le monde dans l’industrie du JV, je leur jette pas la pierre là-dessus), ou à l’inverse des jeux pour un public spécifique de niche, où l’on va parler de « créativité » quand on nous ressasse les mêmes clichés agaçants sous diverses formes... Quand il ne sont pas carrément en train d’essayer de « copier » le passé dans l’espoir, sans doute vain, de retrouver leur gloire d’antan (parce que désolé, Octopath Traveler est très bon, mais Live-A-Live, dont le concept est très proche, lui est supérieur sur tous les plans, si l’on excepte les graphismes et la musique. Et encore.)
J’aurais sans doute du mal à y rejouer plus tard car il n’est pas aussi accessible que les FF, Chrono Trigger, Secret of Mana... C’est malheureusement sa faiblesse, mais pour moi il est à ranger aux côtés des œuvres cultes de Squaresoft, tant il aura su marquer les joueurs (principalement japonais certes) et influencer le monde du RPG japonais.

Et vous, amis rpgistes, si vous l’avez fini, qu’en avez-vous pensé ? (n’oubliez pas de signaler vos spoils si vous en faites, ce serait vraiment gâcher l’expérience pour les autres si vous l’oubliez ^^’)

Ohé Gamekyo !

Allez aujourd’hui, moi aussi je lance ma rubrique jeux rétro pour concurrencer Retro Gamekyo, on va voir qui récolte le plus de comms (bon en vrai, je me fais aucune d’illusion à ce sujet… pis je veux participer au concours, nomdidiou ! )
N’empêche, jusqu’ici je parlais surtout de jeux auxquels je n’avais jamais joué ou que je n’avais pas encore fini (comme Grandia), mais comme tout le monde ici, il y a une pléthore de jeux pas forcément extraordinaires mais qui ont marqué mon enfance et dont j’avais envie de parler depuis longtemps. C’est l’objectif de cette rubrique : se rappeler autant d’un jeu que des souvenirs qui l’entourent, avec peut-être quelques anecdotes à la clé, et voir si la nostalgie est toujours là, si le jeu vaut le coup d’être joué encore aujourd’hui. Donc oui, désolé, je risque de raconter ma vie encore un peu plus que d’habitude… En bref, ça ne sera pas un test comme on l’entend, mais si l’idée vous plaît, je vous laisse lire l’article !





Bomberman Quest (ou BBQ pour les intimes ) fait partie de mes vieux amours vidéoludiques. Pourtant, le jeu paraîtra moyen pour le quidam lambda (et je ne peux vraiment pas lui donner tord ). Pour un gamin qui n’avait pas encore des masses de jeux à son palmarès, en revanche, ça suffisait pour vivre une aventure palpitante. L’aventure, justement, c’était mon kiff à l’époque : je suis tombé dedans avec Secret of Mana, puis Mystic Quest, Link’s Awakening, les FF et autres RPGs… jusqu’à Pokémon. BBQ (désolé, ça m’amuse ) n’aura pas l’envergure de ces jeux devenus cultes, mais le souvenir qu’il me laissera sera tout aussi impérissable, tout comme quelques autres sur la portable multichrome (si, si, ce mot existe, je viens de l'inventer ) de Nintendo.
Le jeu est sorti en 1999 chez nous, mais il aura fallu près de deux ans et l’achat d’une GameBoy Color (le jeu est aussi compatible avec les gameboy classiques mais dispose d’une vraie palette de couleur sur GBColor : les fameuses cartouches noires !) pour tomber dessus en magasin et finir part l’acheter. ...Enfin, me le faire acheter, à l’époque j’avais rarement l’argent de poche nécessaire pour me payer mes jeux, même d’occaz. Je n’avais joué qu’à un ou deux jeux Bomberman avant donc je n’étais pas forcément adorateur de la série (j'étais quand même plutôt fan du personnage), mais quand j’ai vu le bomberman à mi-chemin entre super-héros et chevalier sur la jaquette, ça a suffit pour me convaincre que l’aventure s’annonçait fun et épique.

Bomberman Quest, comme son nom l’indique plus ou moins, est un jeu d’aventure, donc. Après le succès fulgurant de sa mascotte fin 80/début 90 et avoir exploité le concept sur plusieurs supports (les Super Bomberman sur SNES, les semi-portages Gameboy, les épisodes sur Megadrive, Saturn, ou Playstation, et bien entendu ceux sur PC-Engine), les gars de chez Hudson se disent qu’il est temps de varier un peu l’univers de son héros et de proposer d’autres types de gameplay. Après un étrange mais sympathique Pocket Bomberman lui aussi sur GBC, la team abandonne le gameplay classique par niveau pour proposer cette fois un gameplay qui lorgne vers le Zelda-like, tout en gardant le concept de base : poser des bombes. Et le pire, c’est que ça marche. (En plus Link était déjà un peu un bomberman, les bombes faisant partie de sont attirail de base… comment ça, « c’est pas pareil »? )



Évidemment, il ne faut pas s’attendre à une quête aussi complexe qu’un Final Fantasy, ou même qu’un Zelda. L’univers des jeux Bomberman a toujours été simpliste, et cet épisode ne déroge pas à la règle, en témoigne le scénario digne d’un jeu Mario : Bomberman retourne tranquillement vers la planète Bomber avec les monstres qu’il a capturé d’on-ne-sait-quelle-aventure-précédente (ce qui est déjà étonnant en soi car je doute que la série dispose d’une quelconque timeline), quand il subit soudainement l’attaque de 4 lueurs mystérieuses qui lui dérobent les 4 réacteurs de son vaisseau (c’est fou, ils étaient pile-poil le nombre qu’il fallait, quelle coïncidence quand même). Sans réacteurs, le crash est donc inévitable, et les monstres libérés sèment la pagaille. Notre héros prend donc ses responsabilités et part à la recherche des réacteurs tout en recapturant les monstres au passage. C’EST TOUT. Et bah c’est drôle mais ça suffisait pour me donner envie de partir à l’aventure. Ouais, il me fallait pas grand-chose, à l’époque…

Le jeu en lui-même est tout aussi simpliste : 4 zones (plaines, forêt, plage, désert) qui sont agencées aux quatre coins de la map, et une ville centrale où l’on trouve le vaisseau crashé bien sûr, mais aussi une fabrique à bombes (qui servira autant à fabriquer de nouvelles bombes qu’à améliorer celles qu’on a déjà), une bibliothèque (pour apprendre les bases du jeu), quelques PNJ, et un lapinou mignon comme point de sauvegarde. On obtient dès le début du jeu l’ocarina qui permet de se téléporter devant la navette de Bomberman, et donc sauvegarder. Dommage que ce soit le seul point de sauvegarde du jeu : cela oblige d’y retourner régulièrement pour ne pas perdre sa progression, car si Game Over il y a, c’est retour direct à l’écran titre, donc la progression est perdue.

Ça n'empêche pas le jeu d'être globalement assez facile, même si les mouvements erratiques de certains ennemis et la lenteur de Bomberman rendent certains combats compliqués. Néanmoins, une fois la bombe à tête chercheuse obtenue, vers la moitié du jeu au mieux, les combats deviennent pour la plupart un jeu d’enfant (le combo gant/kick + tête chercheuse permet de toucher n’importe quel ennemi presque à coup sûr).

Oui, de base, Bomberman se traîne comme une momie asthmatique, l’astuce est donc de récupérer les bottes de courses au plus vite dans le jeu pour s’épargner des crises de nerfs. L’inconvénient est qu’il faudra constamment passer par le menu pour les déséquiper en fonction de la situation, car il n’y a que deux slots de commande (armes et objets) pour les boutons A et B, et un slot d’équipement (effet permanent tant que équipé) que l’on peut associer à Bomberman. Les allers-retours dans le menu sont donc très fréquents, mais heureusement, ça va assez vite.
Le jeu est aussi très court, car les 4 zones ne sont pas si vastes et que l’on peut finir le jeu avec seulement quelques objets, mais si l’on vise le 100 % (capturer tous les monstres et obtenir tous les objets), ça permet au jeu d’avoir une durée de vie correcte (le temps d’une grosse après-midi, quoi… Hé, tout le monde ne peut pas s’appeler Zelda ou Pokémon ! ). Et c’est justement un vrai plaisir que de partir à la chasse aux objets et voir la montée en puissance progressive de notre héros, qui devient un vrai couteau-suisse surarmé au fur et à mesure que le jeu avance : bottes de course, de saut, ceinture pour foncer dans le tas, maillet, yo-yo, bracelet de force, loupe révélatrice, bouteille d’oxygène pour plonger, casque de protection, sandales lestées… (non il n'y a pas de lance-flammes, dommage)
Et bien sûr tout un arsenal de bombes avec des effets différents pour pallier aux différentes situations, que ce soit les classiques comme la bombe caoutchouc ou les mines, ou des nouveautés comme les bombes légères (lancées ou poussées, elles parcourent une plus grande distance) ou les bombes anti-air. Forcément, il y a dans le tas des objets assez inutiles (qui a besoin d’une bombe qui tourne vers la gauche ou la droite quand on la lance, sincèrement ? ), et d’autres que vous n’utiliserez que deux ou trois fois avant d’obtenir largement mieux.

Mais c’est cet aspect collection que l’on retient du titre finalement. Parce qu’avec 28 armes/objets, 16 équipements, plus les objets clés et consommables, il y a de quoi faire ! La plupart des objets s’obtiennent via les coffres éparpillés un peu partout ou via des actions spéciales, le reste se ramasse en « capturant » chaque monstre (en les tuant, en fait… bon, on va dire qu’une fois vaincus, ils se téléportent miraculeusement dans leur cage. Ta gueule c’est magique, en gros ).
Car, et c’est là le deuxième aspect fun du titre, chaque monstre n’existe qu’en un seul exemplaire, et il faudra comprendre leur pattern et avoir sur vous les objets adéquats pour espérer les neutraliser. Il n’est donc pas rare de rencontrer un monstre que vous ne pouvez pas battre sur le moment, et où vous devrez revenir plus tard après avoir récolté de nouveaux objets. Et de nouveau, avec 12 monstres par zone et 4 boss, plus le boss final (+ 3 boss cachés, qui ne donnent pas d’objet mais un carré de vie supplémentaire), on a de quoi s’occuper, malgré la taille des zones relativement petites.

Rassurez-vous, ces dernières ne se traversent pas trop vite.
Le level design oblige lui aussi, à la façon d’un Zelda ou d’un Metroid, à obtenir le bon objet pour surmonter certains obstacles, que ce soit pour progresser ou obtenir de nouveaux objets optionnels. On touche là à un dernier point fort du jeu : bien qu’il reste linéaire (on est obligé de parcourir les 4 zones dans l’ordre… enfin, sauf si vous maîtrisez l’art du glitch ), le jeu offre une certaine liberté, puisqu’on a en quelque sorte le choix de ne finir le jeu qu’avec quelques objets. Selon la façon dont on joue, on n’obtient pas forcément les objets dans le même ordre. En ce sens, on peut dire que le level design est fichtrement bien fichu, puisque cela laisse pas mal de possibilités différentes pour terminer le jeu. Bon en vrai, on est surtout tenté de viser le 100 % parce que c’est plus fun, mais il manque une vraie récompense à la clé : si la capture de tous les monstres débloque la séquence avec le boss final (sinon, on obtient une « mauvaise » fin), l’obtention de tous les objets débloque... rien du tout. Tristitude absolue.
Le boss final caché est bien casse-bombe (huhu) d’ailleurs, en tout cas sa première forme qui constitue l’un des combats les plus durs du jeu, car môsieur se téléporte quand vous lui lancez une bombe et fait apparaître mystiquement les siennes un peu partout, avec un temps d’explosion très court pour que vous ayez bien du mal à les esquiver. Mais au moins, sa musique pète la classe.



Et justement (notez bien cette extrême fluidité dans mes transitions !), les musiques du jeu sont très réussies et funky à souhait, elles restent dans la tête mais sans que ce soit désagréable (pas comme la musique de Tetris, quoi… Mouahaha trop tard, vous l’avez en tête maintenant ). Toutes les pistes ne se valent pas, mais pour peu qu’on ne soit pas réfractaire au son 8-bit, l’OST est définitivement un plaisir à écouter. J’ai retenu tout particulièrement le thème de la forêt, étrangement mélancolique, ou sa version « en combat », définitivement très cool. Mais j’aurais pu citer le thème des nuages bien catchy, ou la base des commanders avec sa mélodie lourde et entêtante qui vous fait bien comprendre où vous mettez les pieds (oui, c’est souvent « dans la gueule », je sais...).
Bref, les musiques sont top, et ont largement contribué à rendre pour moi le jeu mémorable.

Pour terminer sur le dernier point encore non évoqué, le jeu tient parfaitement la route graphiquement. Il ne paye pas de mine mais reste dans les standards du genre sur la console, et on apprécie certains détails, comme les animations des personnages lorsqu’ils subissent un coup, ou de voir la tête des personnages durant les dialogues. Et justement, chaque confrontation avec un nouveau monstre donne lieu à un dialogue rigolo, qui sont certes loin d’être exceptionnels (ah, c’est pas du Audiard, c’est sûr !) mais contribuent aussi au charme du jeu. Et le tout dans la langue de Molière, je vous prie !

Voilà, tout ça contribue à faire de ce BBQ (je ne m’en lasserai pas) une aventure fort sympathique, à même de satisfaire l’enfant que j’étais, malgré ses défauts évidents (que je ne voyais pas de toute façon). Et pourtant, arrivé à la fin du jeu, quelque chose me chagrine… Il est passé où, le Bomberman classe de la jaquette ? Et les autres, comme le slime ou celui avec une flamme sur la tête ? Car contrairement à ce que le laissait supposer l’artwork, pas une seule fois Bomberman ne se transforme ou change de costume... Bon en vrai, leur utilité est marquée dans la notice du jeu, et je vais donc devoir aborder l’aspect du jeu le plus anecdotique : le mode multi. Oui, oui, il y en a bien un, c’est un jeu Bomberman après tout ! Mais on est sur Gameboy, et il faut donc un câble link, et autant de cartouches que de consoles, c’est-à-dire… 2. Ouais bon, c’est juste un mode 2 joueurs en fait. Tristitude, le retour.

Sur le principe, il se joue comme n’importe quel mode bataille d’un Bomberman : une arène, et des joueurs qui posent des bombes et évitent les pièges du décor pour tenter d’atomiser les autres (enfin ici, l’autre tout seul). La particularité cette fois, c’est que l’on peut équiper son Bomberman au début et entre chaque manche avec les objets que l’on a récupéré dans le mode solo, suivant le même principe, à savoir deux objets pour les boutons A et B, et un équipement. Très sympa sur le papier, l’idée reste néanmoins peu intéressante par le fait que beaucoup d’objets sont inutiles (encore qu’on peut volontairement prendre des objets nuls pour le fun), et surtout, bah ça dépend de la progression dans le mode solo, donc un joueur qui a bien avancé dans le jeu sera forcément avantagé en termes d’objets disponibles par rapport à quelqu’un qui vient de commencer. Quand aux différentes apparences de Bomberman visibles sur la jaquette, eh bien il ne s’agit ni plus ni moins qu’un grade donné en fonction du nombre de victoires obtenues ou de défaites subies dans ce mode. Ce fut, je crois, ma première déception vidéoludique... (et non pas mon premier mauvais jeu, qui sera Dragon Ball Final Bout. mais ceci est une autre histoire !)



Alors, au-delà de l’aspect nostalgique, vaut-il encore le coup aujourd’hui ? Forcément, le jeu n’a pas fait l’effet d’une bombe (lol xd ptdr ) dans le paysage vidéoludique, ni même dans sa propre série, même si la structure du solo deviendra récurrente dans certains épisodes suivants, comme Bomberman Tournament. Mais il aura marqué ceux qui l’auront eu entre les mains par son univers chouette, ses musiques entêtantes et son gameplay intuitif et accrocheur. C’est un petit jeu sans prétention, et il n’a jamais cherché a en avoir, mais il suffit pour passer un bon moment et se créer de bons souvenirs. Évidemment on retient surtout le mode aventure à la Zelda, mais le mode 2 joueurs est un plus appréciable, pour qui saura trouver un partenaire avec qui déconner.
Je constate en tout cas pour moi que le plaisir est toujours là, et que le temps n’a pas entaché les souvenirs que j’avais du jeu, comme on est surpris et touché de retrouver un vieux copain. D’une certaine façon, on peut dire qu’il a bien vieilli, car le fun et le feeling sont toujours là, même après 20 ans. Si un jour vous avez envie d’un petit jeu pour vous tenir compagnie quelques jours ou quelques heures, ce BBQ pourrait bien tomber à point nommé ! (barbecue, à point… vous l’avez ? Ahlàlà, mais quel humour explosif, les amis ! C’est l’éclate ! Bon ok, j’arrête, je sens que vous êtes sur le point… d’exploser ! )

Bonus : Une très bonne cover sur guitare acoustique du thème du Chaos Bomber.

Amis gamers, bonsoir !

Je pense que le titre de l’article est plutôt éloquent, j’ai pu acheter Destiny Connect à sa sortie japonaise le 14 mars dernier (pour rappel : un RPG en 3D tout mignon de chez Nippon Ichi Software, qui tranche complètement avec leurs productions habituelles et se rapproche plus d’une ambiance à la Layton, les énigmes en moins) que j’étais curieux de tester, sans m’attendre à un grand jeu vu que la com’ timide autour du titre et les quelques trailers laissaient présager un jeu banal mais potentiellement sympathique. A dire vrai, je pensais y jouer tranquillement et proposer un premier avis au bout d’environ 20h de jeu pour les trois du fond qui auraient été éventuellement intéressés, mais le jeu a été bien plus court que prévu et c’est précisément le temps que j’ai mis pour le finir… Donc autant faire un avis complet dessus. (et à mon avis, le jeu en ligne droite peut se plier en 15h facile)

Bon, pas besoin de faire du suspense, le jeu est loin d’être fou. J’ai tout de même apprécié l’ambiance et surtout de voir NIS sortir de ses productions habituelles. J’étais très curieux de voir ce que donnait une production plus « classique » de leur part. Malheureusement, on ne peut pas dire que le résultat ait été à la hauteur... Mais s’il n’est ni exceptionnel ni original, Destiny Connect fait du bien dans le paysage vidéoludique japonais actuel.

Comme indiqué dans le titre, j’ai pris la version Switch, et uniquement en mode portable (je suis en voyage). Mais pas sûr que ça change grand-chose sur PS4.

Au premier contact, le jeu fait horriblement daté. La technique est très bancale, sans être moche (faut accrocher à la DA) le jeu ne fait pas de miracles. Les décors du jeu sont dans un flou constant, et dans certaines cinématiques, les personnages aussi. Difficile de comprendre comment ils ont pu rater cet aspect-là, vu que graphiquement le jeu est tout sauf une tuerie technique. A cela s’ajoutent les micro-lags et autre chargements récurrents, alors que le jeu est loin d’exploiter les capacités maximales de la console. Même constat pour les animations des personnages, certaines sont très réussies et témoignent d’une vraie volonté de bien faire (il y a eu de la motion capture, apparemment), mais d’autres font très mécaniques et cassent complètement l’immersion tellement les personnages ont l’air de robots.
Immersion d’ailleurs déjà mise à mal avec les visages et poses figées des personnages lors des scènes de discussion l’absence totale de voix (d’habitude je me fiche complètement des voix dans les jeux vu que je m’attache tout autant aux personnages quitte à faire marcher un peu mon imagination, mais là il faut admettre que ça fait vraiment bizarre) ou même d’un quelconque mouvement de lèvres lors des dialogues. On sent que la team a trop l’habitude des scènes de narration façon visual novel (les personnages qui se font face avec un simple arrière-plan) et n’a pas pu s’empêcher d’en mettre ici, mais ce qui passe en 2D ne marche pas en 3D, et voir des modèles 3D animés se faire face de façon statique fait vraiment bizarre. D’autres scènes de dialogues utilisent activement la caméra, pourquoi ne pas avoir fait ça pour tout le jeu ?
Caméra qui, d’ailleurs, nous rappellera parfois tristement les heures sombres des débuts de la 3D, tant elle est capable de faire n’importe quoi si votre personnage se trouve trop près d’autres éléments de décors (murs…). Heureusement on peut désactiver la caméra auto et la faire bouger manuellement avec le stick droit pour limiter la casse.

Pour terminer, j’ai même pu noter au moins deux bugs sonores : la musique de victoire en deux parties, la deuxième partie coupant la première trop tôt (vers la fin du jeu, la deuxième partie ne se jouait même plus…) ; Un bug incompréhensible lors du combat final qui coupe complètement la musique… Paye ton last boss sans musique, ça plombe complètement l’ambiance ! Heureusement, j’ai fini par régler le problème sans trop savoir comment en mettant le jeu en veille puis en le rallumant. N’empêche, ça fait tâche.



Je ne sais pas trop ce qui explique ces lacunes techniques : manque de savoir faire des équipes de NIS concernant la 3D, eux qui ont toujours été habitués à la 2D ? Manque de temps, de moyen ? Ou d’ambition, tout simplement ? Le jeu donne réellement l’impression d’une volonté de changer qui aurait convaincu les têtes pensantes de la boites pour donner naissance à quelque chose de nouveau dans leurs productions, puis aura été reléguée au second plan vu le peu d’intérêt qu’il aura suscité à son annonce (et de fait, je suis pas bien sûr que le jeu se soit vendu). A croire que la team s’est donnée à fond sur certains trucs, et à complètement lâché prise sur le reste.

Pourtant, en dehors de ça, le jeu garde un univers chouette et mignon tout plein (et une OST très réussie, pour le coup !), et quelques bonnes idées de gameplay qui permettent de ne pas s’endormir (trop souvent) sur sa manette. Je pense en particulier à la customisation des personnages : si les personnages humains évoluent de façon très classiques (il suffit d’acheter à chaque fois les équipements les plus récents), Isaac (le robot) possède plusieurs formes qui se débloqueront au fur et à mesure du jeu, et lui donneront accès à des skills différentes selon la forme choisie. De plus, chaque forme possède son arbre de talent (façon sphérier de FFX en ultra-simplifié), et on doit débloquer les différents boosts de stats et compétences spéciales avec des rouages bronze, argent ou or. Evidemment, un rouage bronze donne un boost léger, et un rouage or un boost plus important. Bref, sans rentrer à fond dans le détail, le système est simple et pas super original, mais rajoute une composante amusante au leveling des persos. Dommage, en revanche, que le niveau max soit cappé à 50, sans vraie raison… (je l’ai atteint au bout de 15h, je me suis donc fait les 5h restantes a gagner de l’xp dans le vide, pourquoi ne pas avoir laissé une limite à 99 ?)

Il n’y a malheureusement pas grande chose de plus, car le reste du jeu est très banal, voire pauvre : tout le jeu se déroule dans l’unique ville de Clocknee, dont on visitera a répétition les différents quartiers envahis par des robots hors de contrôle, et en de rares occasions des souterrains ou des chemins en bordure de la ville. En clair, il n’y a pas des masses d’environnements à voir, bien peu de personnages avec qui discuter, et toutes les rues se ressemblent, à peu de choses près. Les ennemis sont visibles sur la carte et peuvent donc être esquivés facilement, avec deux bémols tout de même : ils repop au bout de quelques secondes une fois vaincus, et surtout, ils sont très nombreux… Ce qui rend l’exploration assez pénible. Exploration qui se limite de toute façon à aller chercher les trop rares coffres (souvent très éloignés du chemin principal), et à ramasser éventuellement les perles d’eau, qui font office d’unique quête secondaire du jeu, et servent seulement à débloquer de nouvelles tenues pour Shelly (l’héroïne). Ces perles sont une plaie à trouver, car il faut repérer un petit scintillement bleu difficile à percevoir, et aucun détecteur ou indice ne permet de deviner où elles sont cachées : on se retrouve donc à poireauter plusieurs secondes dans les endroits qu’on trouve suspicieux juste pour voir si on ne voit pas le scintillement, donnant vraiment l’impression de chercher une aiguille dans une botte de foin…

Quand aux combats, on revient vers du tour-par-tour classique mais efficace, chaque personnage agissant en fonction de sa vitesse. Pas de MP mais une jauge de SP qui se remplit au fur et à mesure des actions (dégâts infligés ou reçus, etc.) et des skills qui utiliseront 100, 200 ou 300 % de la jauge. La jauge se remplissant assez vite, on peut lancer régulièrement des skills à 100 ou 200 %, ou économiser un peu pour lancer les skills à 300 %. On peut rajouter le sempiternel système de faiblesses élémentaires histoire d’avoir un poil de stratégie en combat, mais dans l’absolu les combats restent faciles, y compris les boss. Attention tout de même, Isaac est obligatoire dans votre équipe et s’il se retrouve à 0 HP, c’est le game over direct (si les autres persos sont KO, il suffit de les ressusciter). Une attaque sur point faible ou un coup critique imprévu pouvant vite arriver lors de certains boss, il faut tout de même sauvegarder régulièrement. Sauvegarde qui, heureusement, peut se faire à tout moment.

Les combats sont évidemment la seule façon de gagner XP et argent, ainsi que les composants pour Isaac et les potions de skill servant à améliorer les skills de chaque perso, donc il ne faut pas hésiter à en faire souvent pour se maintenir à un niveau correct.
C’est là où je trouve que le principe des ennemis visibles sur la carte mal exploité, car on serait tenté d’éviter un maximum de combats vu le temps que ça prend, mais dans les faits si on fait ça on se retrouve complètement en sous-level, donc on se retrouve à devoir faire volontairement des combats pour XP…
Certains jeux arrivent à trouver un certain équilibre entre faire des combats et pouvoir les esquiver, mais pas dans Destiny Connect qui se révèle très frustrant de ce côté (mais bon, ce n’est pas le seul).

Concernant le scénar, il ne casse pas non plus trois boulons à un robot, mais a le mérite de se suivre et de rester cohérent avec lui-même, à défaut d’être cohérent avec le principe du voyage dans le temps. Sans spoiler, disons que Destiny Connect se fiche pas mal des paradoxes temporels, et préfère centrer son histoire sur le « destin » de ses protagonistes (principalement la famille de Shelly) à travers le passé, le présent et le futur, en les faisant interagir entre eux à différents âges de leur vie, quitte à créer certains incohérences temporelles, donc.
Le principe du voyage temporel aurait pu être exploité façon Chrono Trigger pour voyager entre les époques (plus ou moins) librement et proposer une aventure à grande échelle, mais ici vous n’avez aucune maîtrise de la trame du jeu, qui vous emmènera quand elle le voudra dans une époque ou une autre, pour un résultat forcément très linéaire, mais après tout pourquoi pas. Le scénario est plutôt enfantin (les dialogues n’aident pas), mais se suis sans déplaisir, malgré un démarrage assez long.
Je suis plus mitigé sur le caractère des personnages en revanche, ils sont attachants mais quand même très clichés.



En bref, Destiny Connect est loin d’être complètement mauvais et apporte un petit vent de fraîcheur appréciable (si on adhère à l’univers et la DA, évidemment), mais il m’est clairement difficile de le conseiller à cause de ses trop nombreux défauts et manquements qui plombent l’expérience et l’immersion. Le jeu se parcourt sans prise de tête avec des chouettes musiques et un scénario sympa, mais ne mérite malheureusement pas son prix relativement élevé (plus de 6000 Y au Japon, donc je le vois bien à 60€ -au mieux 50- quand il sortira en France) vu que tout le reste est à la ramasse. J’aurais vraiment souhaité que NIS croie un peu plus en son projet et se donne les moyens d’en faire un bon jeu, à défaut d’en faire un jeu marquant. Le fait que le jeu s’adresse principalement aux enfants n’excuse pas toutes ces lacunes.
Si vous vous sentez de lui donner sa chance, faites-le, vous apprécierez sans doute le voyage. Mais il faudra fermer les yeux sur tous les défauts techniques et le contenu faiblard. A vous de voir, pour ma part je ne regrette pas mon achat, qui servira je l’espère à soutenir plus d’initiatives de ce genre (si possible, en plus abouti...).

Résumé pour les flemmards des yeux :
Bien :
- L’ambiance vaguement steampunk
- l’OST réussie
- Un gameplay sans prise de tête, avec deux-trois éléments stratégiques pour éviter la lassitude
- La customisation et les formes d’Isaac, même si pas très original en soit
- Un peu de vent frais dans le JRPG d’aujourd’hui, autant que dans les productions NIS

Pas bien :
- Techniquement à la ramasse (décors flous, micro-lags et chargements longs...)
- Bugs de caméra, de son
- Des animations tantôt classes, tantôt robotiques
- Peu d’environnements à visiter, les décors sont corrects mais pas marquants
- Combats trop nombreux, et pourtant « obligatoires » pour monter ses persos
- Le setup de voyage temporel ne sert que le scénario, pas le gameplay, dommage
- Trop court (15h en ligne droite), quasi aucune quête annexe, et aucun new game +
- C’est tout à fait personnel, mais j’ai vraiment trouvé la fin très bateau ^^’ D’une manière générale, le scénar se suit sans grosse surprise.
- La sensation générale que le jeu a été lâché en plein développement, et vendu quand même plein pot.

Si vous avez pu tester le jeu et que vous voulez en discuter/donner votre avis, profitez-en dans les commentaires !

Salut la commu ^^ (devrais-je dire la Kyo-mu ? hanlàlà cette trouvaille incroyable, j'en reviens pas moi-même)

Je suis tombé sur cet article un peu par hasard relatant du salaire moyen, nombre d'heures de travail en moyenne etc. des salariés chez Nintendo Japan (à Kyoto principalement, mais il y a aussi une branche à Tokyo). Et le constat est plutôt positif, en faisant une des entreprises de JV les plus agréable à vivre. J'en profite donc pour partager simplement l'info puisque ça doit sans doute intéresser certains d'entre vous :

Cliquez ici (ou pas, c'est votre problème)

En revanche, désolé pour les non-anglophones, l'article est bien sûr en anglais...

Mais pour résumer, en gros :
Nombre d'employés actuellement chez Nintendo Japan : 2271
Moyenne d'âge : 38,6
Durée d'emploi moyen au sein de l'entreprise : 13,5 ans
Temps de travail moyen : 7h45 (au Japon comme en France, légalement c'est 8h de travail par jour, le souci vient avec les heures supp qui sont plus mal légiférées qu'en France - le Japon autorise jusqu'à 8h d'heures supplémentaires par jour...)
Salaire moyen : 80000$ (c'est pas précisé, mais je suppose que c'est à l'année, évidemment), avec en prime indemnisation des frais de transport, primes deux fois par an, et augmentation annuelle du salaire.

On est donc assez éloigné des équipes de dévs qui cumulent temps de travail à rallonge, crunch interminables, stress, etc... Comme ça arrive malheureusement dans de nombreuses autres boîtes de JV ^^'
En revanche, on se doute que pour la sélection des candidatures, ils sont ultra-carrés...

P.S : Ceci n'est pas un article N-sex troll pour dire que Nintendo est meilleur que les autres (sincèrement, je m'en fiche). Mais ça peut aider ceux qui s'imaginent que Nintendo ne fonctionne encore qu'avec 100 employés.... ^^

Ohayo Gamekyo ! Et bonne année à tous et toutes, avec un léger retard XD
Je suis de retour pour vous casser les orteils avec mes RPG sortis de nulle part, pour votre plus grand plaisir (et le mien, je l’admets) ! Et cette année, il s’avère que je suis au Japon pour quelques temps… il me paraît donc avisé de tester exclusivement des jeux typiques du pays, et qui vous seront très vraisemblablement inconnus, car ils n’auront jamais pu faire le trajet jusqu’à chez nous ! Et concernant les RPG rétro, vous n’imaginez pas la quantité folle de jeux du genre qui ont pu sortir là-bas... On peut s’estimer heureux d’avoir vu arriver au moins en version US les meilleurs d’entre eux (excepté le pauvre Seiken Densetsu 3 refoulé à la frontière sans véritable raison, et pourtant devenu presque aussi culte que son grand-frère), mais il en existe une foultitude d’autres plus ou moins mémorables mais tous avec leurs spécificités qui valent largement qu’on leur prête attention. Bon d’accord, pas toujours...

Bref, ce voyage était pour moi l’occasion de faire des jeux uniquement disponibles en japonais (hors traductions non-officielles sur le net) que j’étais curieux de faire, ou dont j’avais entendu parler dans une autre vie sans avoir vraiment pris le temps de les parcourir de fond en comble. Et en ce début de voyage, mon choix s’est porté sur un jeu obscur de la Playstation, qui m’avait intrigué à une époque où je télécharg… où j’étais curieux et avide de tester tout un tas de jeux sur la petite première de Sony. Je me suis donc dit que c’était le moment de voir exactement de quoi il retourne, et de vous le faire découvrir par la même occasion. Alors, perle oubliée ou jeu à oublier ?

P.S : Je m’aperçois que je me suis un peu lâché sur mon pavé, si vous n’avez pas le courage de tout lire (mais ce serait fort dommage), vous avez le droit de ne voir que la conclusion ^^



Première chose que vous aurez remarqué si vous venez de lire le descriptif ci-dessus, le jeu est tout de même arrivé en 2001, soit en toute fin de vie de la console, alors que la Playstation venait fraîchement de débarquer un peu partout dans le monde. Vous aurez aussi remarqué que bien qu’édité par Atlus, il est développé par TamTam, une petite équipe qui n’a malheureusement pas eu l’occasion de sortir de titre vraiment marquant, et dont ce fut apparemment le dernier jeu. Pour l’occasion, ils mettent petits plats dans les grands : les personnages seront doublés par quelques personnalités de l’époque (Yuji Ueda, Yuka Imai, Sakiko Tamagawa ou même Fumihiko Tachiki), et leur design sera signé par la célèbre Aoi Nanase… bon certes, célèbre uniquement au Japon, dans le milieu fermé des otakus. On voit bien d’ailleurs que le design fleure bon les productions type visual novel de l’époque.

Et c’est justement quelque chose qui se ressent sur tout l’univers du jeu : Divisée en chapitres, l’histoire, certes clichée, sera centrée sur des lycéens normaux subitement projetés dans un autre monde forcément typé fantasy auxquels ils sont parfaitement étrangers, et chercheront un moyen de retrouver leur monde. Le héros, Shô, archétype du bon gars toujours sympa malgré un look plus proche d’un membre de groupe J-Pop que d’un lycéen normal, trouvera par hasard une sorte de canon qui s’attachera à son bras, qu’il ne pourra plus enlever, et qui semble être la clé de l’énigme. Ils seront accueilli à leur arrivée par une jeune fille très court-vêtue (mais c’est une tenue normale dans leur monde, on vous dit !), Ruh, qui leur expliquera que ce monde est en proie au conflit entre deux clans, celui de la lumière lunaire et celui des dragons de feu, ce dernier ayant pris la vilaine habitude d’aspirer l’énergie des arbres de vie pour accroître son pouvoir et avoir accès à une technologie avancée. Bref, le monde est en danger, et c’est sans doute pour régler tout ça que vous y avez été emmené.

Les personnages ne sont pas en reste avec des caractères assez stéréotypés : Yuka la tsundere impétueuse, Hikaru la fille timide et docile, Akiho la prof élégante qui sait garder la tête froide et calmer le groupe, Hitoshi le copain joyeux et rigolo et Manabu le binoclard chétif fan de technologie… Tout ceci largement mis en scène dans de nombreux dialogues, presque tous doublés ! (Sauf durant les combats, étrangement) Le jeu tient d’ailleurs sur 2 CDs pour faire tenir la quantité assez folle de fichiers audios pour l’époque. Et c’est sans compter les artworks aux multiples expressions des personnages mis en avant lors des discussions, typiques de ce type de productions.

Enfin, l’aspect romance y est plus poussé que dans les RPG classiques (on verra ce détail plus loin), avec différentes fins disponibles en fonction du personnage féminin avec lequel vous aurez le plus d’affinités, mais ne rêvez pas, bande de petits polissons-chenapans, vous ne verrez aucun contenu érotique ici, le jeu se voulant globalement tout public. Bref, on a là tous les éléments de ce qui aurait pu faire un visual novel dans les règles de l’art, mais le jeu s’en démarque pourtant en proposant un véritable game system à côté.



Pour le reste, c’est le savoir-faire des développeurs de TamTam qui est à l’œuvre : le jeu est en 2D, dans des décors en pré-calculé, comme c’était souvent le cas à l’époque sur la console. Et il faut admettre que c’est plutôt joli et agréable à l’œil. Certes, le design des ennemis est un peu étrange, mais dans l’ensemble, les sprites sont superbes et bien joliment détaillés, se payant même le luxe d’avoir quelques animations très réussies pour des situations qui n’arriveront pourtant qu’une fois ou deux dans le jeu, comme lorsque Yuka frappe un arbre en espérant frapper un décor en carton-pâte et ressent la douleur après coup, ou quand Hikaru fait les gros yeux lors de retrouvailles inattendues.

Concernant le game system en lui-même, le jeu est plutôt classique dans son fonctionnement, mais va se démarquer sur son système de combat : toujours au tour-par-tour, vous devrez ici gérer l’orientation et la formation de vos personnages pour qu’ils soient faces à l’ennemi. Ceux-ci peuvent se déplacer autour de vous (votre groupe est placé au centre de la zone de combat), et vous devrez faire de même si vous voulez les toucher et éviter qu’ils puissent vous attaquer dans votre angle mort.

En effet, selon la formation que vous employez, vos personnages sont protégés par une barrière magique de taille variée : si un ennemi vous attaque alors que la barrière se tient entre vous et lui, les dégâts seront réduits, mais s’il attaque sur un côté où vous n’êtes pas protégé, les dégâts sont revus à la hausse. De plus, la puissance de cette barrière dépend d’un paramètre appelé LAV, qui correspond en gros au degré d’affinité entre les héros et les autres personnages (la prononciation japonaise du mot est proche de « Love », et je suppose que ce n’est pas un hasard). Pas besoin de faire un dessin : plus votre affinité sera haute, plus la barrière sera efficace. Il est donc de bon ton de vous entendre avec à peu près tout le monde, et le jeu prévoit régulièrement des scénettes où chaque membre féminin du groupe interpellera le héros, qui devra lui répondre positivement pour augmenter son affection envers vous, et donc, son degré de LAV.



De plus, toujours concernant les combats, la plupart des personnages attaquent à distance (à l’exception de Yuka et Imuru, qui se battent à coups de griffes ou épées), et le jeu fait de nouveau dans l’original en proposant des munitions étonnantes et variées : les ennemis vous lâcheront des TIP, sorte de petites boules d’énergie qui peuvent être à certains endroits du jeu échangées contre des CAN, qui eux font office de monnaie (et que vous gagnez aussi en combat). Il existe aussi des TIP plus puissants mais forcément plus rares, généralement lâchés par les boss, et vers la fin de la première moitié du jeu vous pourrez même créer vos propres munitions, avec divers effets : attaque élémentale, augmentation de stat alliée, soin généralisé… Le tout en combinant des Arthia, sortes d’artefacts-pendentifs que vous collecterez au fur et à mesure de l’histoire. Tout cela contribue à créer un système de combat pour le moins original à une époque où chaque série se devait encore de proposer ses propres idées de gameplay pour se démarquer de la concurrence, ce qui participait aussi grandement à leur charme.




« Waw, mais c’est une vrai perle, ce jeu ! Pourquoi il est jamais sorti en Occident ? :’( »

Alors, hum, en fait… Bon, inutile de faire semblant et de cacher plus longtemps la vérité, le jeu est resté méconnu malgré l’intérêt qu’il a suscité à sa sortie au Japon, et ce n’est pas pour rien.

Reprenons. Certes, on sent que les dévs ont voulu mettre les moyens pour livrer un dernier jeu qui soit marquant, mais malheureusement n’est pas Squaresoft qui veut : ici, le jeu transpire l’amateurisme, et les quelques détails amusants et bien fichus sont noyés sous la masse de trucs qui plombent l’expérience.

Je pense que vous l’avez vu avec les vignettes de l’article : sans être moches, les décors sont ternes, et les musiques fades n’arrangent rien. Elles ne sont pas désagréables hein, mais plates, redondantes (le thème de combat paraît sympa au début mais vous verrez vite qu’il tourne en rond… et le thème des boss est encore pire avec une boucle qui ne dure QUE 15 secondes !) et tellement discrètes, on a l’impression que le compositeur lui-même avait peur qu’on les entende dans le jeu. Toujours niveau sonore, le sound design est lui aussi à la ramasse avec des SFX pas toujours appropriés (les bruits de pas durant certaines conversations...), et le boulot des doubleurs est gentiment massacré par la mauvaise compression des voix.

Parlons-en, tiens, du travail des doubleurs : Si je n’avais pas lu sur le net qu’il s’agissait de pointures, j’aurais vraiment cru avoir affaire à des débutants. Ce qui ne m’aurait pas étonné vu le type de produit (et débuter est loin d’être une mauvaise chose), mais du coup le résultat est assez décevant. Bon, la plupart des doubleurs font leur boulot et doublent correctement les personnages, mais il arrive régulièrement que d’une ligne de dialogue à l’autre, le ton employé par le personnage change complètement sans raison, comme si les doubleurs n’avaient pas eu le jeu sous les yeux pour se mettre dans le contexte ou avaient du doubler les répliques dans le désordre. Et honnêtement, ça casse complètement l’immersion par rapport à ce qu’il se passe, si tant est qu’on arrive à s’y intéresser au départ, on y reviendra.

Quand aux autres, généralement pour les personnages secondaires, on a le cas du doubleur qui a l’air de s’ennuyer ferme sur son texte, et le cas de celui qui au contraire en fait beaucoup trop. Le personnage de la « prêtresse » dans le premier village est d’ailleurs particulièrement agaçant à ce sujet. Ainsi que l’horripilante sorcière gamine dans les derniers chapitres...



Je ne m’étendrais pas plus que ça sur le design des personnages et en particulier des héros, disons que je les ai trouvé certes étonnants mais complètement à côté de la plaque par rapport à l’univers proposé. Mais bon, on va dire que c’est mes goûts.

Malheureusement, tout ceci contribue à rendre le monde d’Eithea assez fade et peu engageant, ne donnant pas vraiment envie de s’attacher à cet univers.

Sinon, le rythme du jeu est lui aussi très redondant, vu que chaque chapitre est découpé de la même façon : discussion en ville, achats en boutique, donjon (généralement sur 5 écrans) puis boss, encore du blabla, et fin du chapitre. Forcément l’aspect couloir se fait sentir, mais on va dire que les donjons ont suffisamment d’embranchements pour ne pas trop donner l’impression d’aller tout droit, avec quelques gimmicks histoire de dire qu’on ne fait pas que se balader. Et il y a pas mal d’objets à ramasser en chemin, même si ça se résume souvent à des potions. En revanche, et les collectionneurs vont sûrement râler, les points de non-retour sont systématiques ! Le jeu vous fait changer de zone après chaque événement, et il vous sera généralement impossible de revenir dans la zone précédente si vous avez loupé quelque chose.

Le jeu est globalement très court, mais vous verrez que c’est plus une qualité qu’un défaut : seulement dix chapitres (dont le premier presque intégralement constitués de dialogues, il y a des combats mais vous n’aurez pas le contrôle dessus), 3 villes, et assez peu d’environnements à traverser, vu qu’il n’y a pas de world map, et qu’on vous fait avancer automatiquement. Pour ma part, j’en ai vu le bout après une vingtaine d’heures (pour une des fins seulement, bien sûr).

Un autre truc qui vous plombera l’expérience : les latences. Le jeu est horriblement LENT. Pour entrer des commandes, pour passer les dialogues, ou même valider une réplique, durant les changements d’écrans, et surtout, durant les combats. Vous n’aimiez pas le tour-par-tour parce qu’il faut attendre entre chaque commande ? Jouez à Eithea, et vous verrez que le moindre Dragon Quest vous paraîtra soudainement être un modèle de dynamisme et de vivacité… (perso, je jouais à un autre jeu sur ma DS pour rendre l’attente des combats plus supportable, et surtout, plus utile)
Coup de bol, on échappe aux temps de chargements infernaux qui accompagnaient généralement les jeux de cette chère Playstation, ici ils se cantonnent à l’écran tire et au chargement de la partie. Mais du coup, on se retrouve avec des micro-chargements à chaque action sur le jeu, je ne sais pas si on y a vraiment gagné au change.

Le pire, c’est que le jeu ne se rattrape absolument pas sur son game system, qui est probablement le truc le plus raté du jeu. Ça aurait pu passer pour des bonnes idées sur le papier, mais une fois mis en pratique, on s’aperçoit vite que ça n’a rien d’amusant.

Et justement, le système de combat à base de formations est l’une des pires idées de game design que j’ai pu voir… On aurait pu croire que l’importance des formations en combat rajouterai un élément tactique intéressant, mais dans les faits, c’est juste un boulet pour le joueur.

Imaginez un peu : Pour donner tout son sens à l’utilisation de formations, le jeu place vos héros au centre de l’arène, et les monstres quelque part autour, devant, sur les côtés ou derrière (c’est complètement aléatoire, rien à voir avec des attaques en tenailles ou quoi). Chaque héros possède une portée plus ou moins grande, mais toujours dans la direction où il regarde. Les développeurs ont d’ailleurs eu la bonne idée de donner une portée très réduite aux deux archères, ce qui les rend assez inefficaces.

Si un ennemi se trouve dans votre dos, il faudra donc faire tourner vos héros dans la bonne direction. Il n’est pas possible de déplacer individuellement vos héros, juste de les faire tourner tous d’un bloc ou de changer de formation, ce qui dans les deux cas vous coûtera un tour complet sans qu’aucun de vos héros ne puisse jouer !
Le problème, c’est que les ennemis, eux, peuvent bouger… où ils veulent. Et vous allez vous arracher les cheveux à les voir se déplacer hors de votre portée juste avant l’attaque de vos héros, qui du coup ne pourront toucher personne.

C’est évidemment pire quand il y a plusieurs ennemis, qui peuvent se disposer aux quatre coins de l’arène, et vous vous retrouvez à chercher la formation adaptée quitte à perdre un tour, pour qu’au tour suivant un ennemi bouge hors de votre portée, laissant ses copains vous maraver pendant que vous ragez dans votre coin. On se retrouve donc souvent à tuer les ennemis un par un, puis à changer de formation/direction pour toucher l’ennemi suivant, en prenant les dégâts à chaque fois. Et comme je l’ai dit plus haut, les animations d’attaques et de dégâts sont longues, très longues…

Comme si ça ne suffisait pas, le jeu enregistre la dernière formation utilisée, et il est impossible d’en changer entre deux combats. Il n’est donc pas rare de commencer un combat avec des ennemis dans votre angle mort, vous obligeant à perdre un tour pour changer de formation. Visiblement, les dévs n’ont pas pensé que l’onglet « Formations » dans le menu Pause pouvait être vraiment utile et ne pas juste servir à consulter les formations apprises par le héros…



Un système donc qui transforme les combats en véritable calvaire. Cependant, heureux hasard ou miséricorde des développeurs, le jeu reste relativement facile, tout du moins si l’on prend le temps, comme pour n’importe quel RPG, de prendre de l’XP avec les combats (quand bien même on préférerait les fuir...) et de s’équiper au plus vite des meilleurs équipements disponibles, ainsi que de faire le stock de potions de soins et résurrection. Car oui, les ennemis ont tendance à attaquer le personnage qui se trouve devant eux, et dans les cas où c’est le même personnage qui se fait attaquer, il sera mis KO avant que vous ayez eu le temps de faire quoique soit.

Et attendez, ce n’est pas fini !! Car il y a bien quelques boss dans le jeu, et ceux-là sont capable d’attaquer trois fois d’affilée… Ils peuvent donc occasionner de fort dégâts tout en se mettant hors de portée de votre équipe, en choisissant une de leur action pour se déplacer. On se retrouve à devoir choisir entre soigner un des membres de son groupe, mais ne pas pouvoir attaquer le boss pendant que celui-ci attaque de nouveau au tour suivant, ou faire bouger la formation au risque de perdre un personnage, à moins que le boss ne bouge encore ensuite, et que ça n’ait servi à rien… en plus de vous attaquer quand même au passage. Bref, une horreur.

Mais restons positifs. Comme je le disais, le jeu se montre assez facile quand on prend le temps de bien faire les choses, et une fois bien équipé, abuser de la fonction AUTO des combats ne sera pas de trop, quand bien même ce n’est pas la plus pratique non plus (elle s’arrête automatiquement si aucun ennemi n’est dans votre ligne de mire pour vous laisser choisir une formation).

Quand aux potentielles autres bonnes idées, elles ne sont pas non plus exploitées correctement : Les munitions par exemple. La logique aurait voulu que certaines soient plus efficaces que d’autres en fonction des situations, mais impossible de le vérifier : le jeu n’indique pas les dégâts infligés, seulement la vie perdue par les ennemis, dont on connaît les PV. Et honnêtement, même en testant différentes munitions, les différences de dégâts sur la barre de vie sont assez imperceptibles. Une fois de plus, c’est pire face au boss, dont les PV sont cachés, et qui ont forcément plus de résistance que les autres. Au final, on se retrouve à utiliser les munitions de base contre 90 % des ennemis, et éventuellement les autres sur les boss, et ça fonctionne très bien.



Seul truc sympa, il faut le reconnaître : la combinaison des Arthia qui peuvent donner un sacré paquet de munitions différentes. Les Arthia sont ramassés au cours du scénario du jeu, nul besoin de les chercher. Et il va sans dire que plus on avance dans le jeu, plus les effets lors de la fusion sont intéressants. Sur ce point là, c’est plutôt cool. Mais il faut pouvoir allonger la monnaie pour chaque fusion, ce qui peut exiger un peu de farm… Sinon, on peut juste se contenter d’acheter le meilleur équipement.

Dernière idée qui ne tient pas ses promesses, le système de barrière liée au LAV : là non plus, rien n’indique si la barrière est efficace ou non, donc difficile de savoir ce que ça change réellement. En réalité, j’ai surtout fait le jeu s’en trop m’en soucier, il arrivait parfois que certains ennemis fassent pas mal de dégâts, mais c’était souvent réglé avec un meilleur équipement, vu que mon taux de LAV était toujours élevé avec tout le monde.
Je n’ai senti une différence que vers la fin du jeu, où une nouvelle fille rejoint votre groupe, mais avec un taux de LAV plutôt bas, et peu d’occasions de le faire remonter. Résultat, le moindre coup lui faisait perdre, au mieux, une demi-barre de vie ! Et vu que je devais passer mon temps à la ressusciter, autant dire qu’elle n’a pas été très utile durant les combats…

Et c’est là où on s’interroge de l’intérêt de ce système : Pourquoi laisser le choix d’augmenter ou non le taux de LAV de chaque personnage, si le fait d’en négliger un seul vous plombe votre équipe ? Le pire étant que ça va à l’encontre du principe de « drague » chers aux visuals novels, puisqu’ici il vaut mieux être gentil avec tout le monde pour s’assurer une team solide, même si vous n’étiez intéressé que par une fille en particulier.

De toute façon, il faut le dire, les interactions qui font augmenter votre taux de LAV avec les filles du groupe sont limitées : lorsqu’une des filles du groupe souhaite discuter avec vous (et le meilleur endroit pour ça, c’est de le faire aléatoirement en plein DONJON n’est-ce pas, quoi de mieux pour briser le rythme de l’exploration), ce sera simplement pour vous poser une question très simple, et les choix que vous devrez faire seront plus qu’évident (en gros, vous avez le choix entre lui dire ce qu’elle veut entendre, ou la rembarrer méchamment).

Et si vraiment vous avez un doute, il vous suffira dans 95 % de choisir la réponse du haut pour obtenir une réaction positive de la demoiselle. Ce n’est même pas une blague. Il y a peut-être deux fois dans le jeu où la réponse était moins évidente et où j’ai obtenu une réaction négative, c’est tout (pour une bonne trentaine de « discussions », hein). Notez que vous avez même le choix de refuser une discussion, ce qui sera peut-être pratique pour favoriser les relations avec une autre fille qui vous intéresse, mais sacrifiera à coup sûr votre taux de LAV.



A noter que la seule façon d’obtenir la fin de la fille que vous souhaitez est d’attendre qu’elle vous déclare sa flamme au cours du jeu, et bien sûr, d’y répondre positivement. Et rien n’indique quand cet évènement aura lieu...

Résumons : le système de formation est bidon, les munitions sont inutiles, et le système de LAV mal fichu. Tout avait l’air sympa sur le papier, comment ont-ils réussi à tout foirer en même temps ? Le jeu se fait, mais au prix d’un agacement et d’un ennui considérable pour le joueur.




« Ouais, mais tout ce qui compte dans ce genre de jeu c’est pas le gameplay et les graphismes, c’est l’histoire et les personnages... »

Bon déjà, je ne suis pas vraiment d’accord, puisque s’il n’y avait que les personnages et le scénar d’important, il n’y avait aucun intérêt à en faire un RPG, ça aurait très bien pu marcher en visual novel pur et simple.
Ensuite, j’ai bien peur que cet aspect du jeu ne soit de toute façon guère plus à la hauteur de vos attentes. Comme je le disais au départ, le scénario du jeu se veut très classique, et il n’y a pas besoin d’aller jusqu’au bout pour voir que le dénouement ne surprendra personne.

Personnellement ce genre de scénario simple ne me dérange pas (du moment qu’on ne me le vend pas comme un scénario génial), mais ce n’est pas là-dessus qu’il faut s’attendre à de l’originalité :
Des lycéens transportés dans un autre monde, le héros qui s’avère être une sorte d’élu puisqu’il a été choisi par l’arme trouvée complètement par hasard en début d’aventure (et qui, sans que ce soit vraiment logique, deviendra le preneur de décisions du groupe, même la prof pourtant plus « sage » s’en remet à lui pour avancer), les clans en guerre avec un clan gentil qui aime la nature et les arbres, et un autre méchant qui se sert de l’énergie du monde pour créer la technologie, le tout sur fond de guerre antique opposant deux déesses, dont évidemment la mauvaise qui va revenir se venger ( Spoiler :
). Rien que du très classique, mais au moins, on évite le scénario surcompliqué, en évitant les grosses incohérences que ça peut engendrer. Le jeu étant assez court, difficile de faire plus élaboré de toute façon.



Le reste du temps, le jeu essaye surtout de mettre en avant les personnalités des personnages et leurs relations, mais… Autant j’ai lu des avis de gens convaincus par les personnages, autant pour ma part, je les ai trouvés aussi mal fichus que le reste. Pas seulement à cause de leurs personnalités très clichées, comme je l’ai évoqué plus haut, mais même le traitement de ces personnalités me paraît mal géré. Il y a pourtant plusieurs moments qui servent à mettre en avant les relations des personnages entre eux, mais elles sont au mieux mal écrites, au pire illogiques.
(spoil) A l’image de cette scène ou Hikaru se fait tirer par le bras par un inconnu un peu playboy qui veut la forcer à « se reposer » dans un bar, et vu qu’elle panique et crie, le héros vient à son secours et colle un pain au playboy… jusqu’à ce que Hikaru reprenne ses esprits et dise « Ah non, j’avais peur à cause d’autres hommes qui sont venus m’embêter, mais c’est lui (le playboy) qui m’a sauvé »… Mais pourquoi tu pleurais encore, alors ? « J’étais encore sous le choc... » Sérieux, ils avaient rien trouvé de mieux comme excuse ? (/spoil)

De la même façon, à chaque nouveau personnage rencontré, il y aura forcément une fille de votre groupe pour vous dire « tu le trouves pas louche, lui/elle ? », sentiment qui va soudainement disparaître au bout de quelques heures (ou se confirmer, dans certains cas) vu qu’il était fondé sur RIEN (mais vu que vous êtes gentil et que vous voulez maxer votre taux de LAV, vous avez quand même répondu « oui » ).

D’une manière générale, j’ai trouvé la plupart des filles du groupe agaçantes, entre Yuka qui s’énerve ou se met à pleurer de façon exagérée (particulièrement quand elle s’énerve contre Hikaru qui s’est perdue en ville - cf. l’histoire du playboy – et se réconcilie dans la minute avec elle en pleurant), Hikaru qui ne cesse de répéter qu’elle est un boulet alors qu’on lui dit le contraire, Ruh qui méprise plus ou moins toutes les autres filles du groupe (et Shô aussi au départ, mais elle va quand même en tomber amoureuse au bout de 2h de jeu), et bien sûr Harmy l’irritante gamine kawaii de 10 ans qui finit toutes ses phrases par « nano ». J’avais de la sympathie pour Akiho (la prof) qui tenait bien son rôle jusque là, jusqu’à ce que Harmy lui dise « tu es amoureuse de Shô », et qu’elle se rende compte que c’est effectivement le cas, quand strictement rien ne le laissait paraître depuis le début (même si bon, dans un jeu harem, c’était louche, faut l’avouer). Ça donne un peu l’impression qu’elle tombe amoureuse du héros parce qu’on lui a dit qu’elle devait l’être, et du coup c’est un peu agaçant.



En dehors des héroïnes et de quelques exceptions (Albaijan, reste le perso le mieux écrit du jeu, sans être hyper réussi non plus), la plupart des autres personnages sont parfaitement inutiles : Shay, l’amie d’enfance de Ruh, qui est en froid avec elle. On pourrait croire lorsqu’on lui parle les premières fois qu’elle a son importance ou que l’on peut aider Ruh à se réconcilier avec elle, il n’en est rien. On n’en entendra plus parler au bout de 3 chapitres, et il faudra attendre le dernier chapitre pour qu’elles se réconcilient miraculeusement, sans que l’on sache comment ni pourquoi.

Si Imuru (le playboy dont j’ai parlé plus haut) aura droit à quelques lignes de texte pour mieux cerner le personnage, sa sœur, la princesse Namuria n’est absolument pas mise en avant, quand bien même elle est présentée comme un personnage important dans l'univers du jeu.

Il y a d’autres personnages inutiles (le prince/leader de la résistance qui se fait trahir et tuer par sa comparse, il est sorti de nulle part lors d’un chapitre et on a rien su de lui jusqu’à sa mort au chapitre suivant), mais la palme est décernée à Hitoshi et Manabu, les deux autres garçons de la classe que l’on voit pourtant au tout début du jeu, mais qui ne seront jamais dans votre groupe. Ils vous rejoignent à certains moments du scénario, mais ne peuvent ni se battre ni proposer de scène particulière avec le héros ou les filles du groupe, si bien qu’on se demande sincèrement ce qu’ils font dans le jeu. Et jusqu’au bout, ils ne resterons pas plus développés que ça, quand bien même ils arrivent à finir tous les deux par trouver l’amour.



Et bien sûr, ce n’est pas non plus les conversations inopinées avec le héros ou l’aspect romance qui va arranger le tout, car les conversations en donjon initiées par les filles du groupe se résument à quelques phrases hyper triviales : « Dis Shô, tu ne trouves pas que cette fille est habillée trop sexy ? » « Dis Shô, il fait un peu sombre, non ? » « Dis Shô, cet endroit est dangereux, reste sur tes gardes (forcément, au milieu d’un donjon...) »…
Il y a bien parfois des scènes avec des dialogues plus travaillés (généralement accompagnées d’un artwork fixe en fond), mais tout de même bien trop légers pour vraiment donner de la profondeur aux personnages, alors que c’était justement ce qui aurait dû servir à ça. Et il faut le dire, ces évènements sont assez peu nombreux, et surtout aléatoires (la plupart se déclenchent un peu au hasard durant la nuit).

TamTam ayant vu les choses en grand pour leur projet, il existe un Drama CD, un roman, et un guidebook qui paraît-il décrivent un peu mieux les personnages et l’univers d’Eithea. Mais si ce qui est devrait être du bonus devient indispensable pour profiter du titre, c’est qu’il y a un problème… Non ?

Conclusion : Je pense que vous avez compris pourquoi Eithea est resté dans l’ombre (et qu’il ferait mieux d’y rester). Le jeu est triste, chiant, et globalement trop mal fichu dans sa progression comme dans ses relations entre personnages, pourtant primordiales, pour que l’expérience soit un minimum satisfaisante. Pour autant, le jeu se fait, et je ne suis pas mécontent d’avoir pu le découvrir, même si je reconnais ma déception.
Si vous êtes fan du style d’Aoi Nanase ou des doubleurs, ou que le jeu vous intrigue d’une quelconque façon, vous pouvez toujours lui donner une chance, vu que le jeu reste globalement court et facile. Autrement, vous ne perdez rien à l’ignorer.

En attendant, rendez-vous bientôt pour d’autres titres méconnus du Japon, et rassurez-vous, les prochains seront quand même meilleurs !

Dewa, ogenki de !

Bonjour Gamekyo !
Aujourd’hui c’est Noël (bon, pas tout à fait, mais faites un effort quoi), et me revoici avec non pas un, mais deux « tests » découverte de RPG que j’ai fini récemment ! Et les deux jeux ne sont pas sans liens, car il s’agit de deux des premiers jeux d’aventure de la Megadrive, et dont une partie du staff s’est partagé entre les deux jeux, à savoir Climax qui a été le principal développeur de Shining in the Darkness puis a très vite volé de ses propres ailes pour proposer divers jeux dont Landstalker dont je vais parler ensuite, qui lui-même donnera naissance à Alundra quelques années plus tard. Le reste du staff a quand à lui fondé Camelot Software, qui sous la houlette de Sega sera responsable de la pérennisation de la série Shining avec les Shining Force (que je compte bien faire un jour), mais plus tard passera sous le commandement de Nintendo qui les feront bosser sur Mario Tennis, et surtout Golden Sun (ce n’est pas sans lien, vous allez voir !). Je n’ai pas eu le courage ni le temps de me renseigner plus en détail sur toute cette période et sur les différents staffs des jeux, mais je sais que quelques membres ici connaissent ça sur le bout des doigts et se feront un plaisir d’en parler ^^

Bon forcément, deux articles découverte à la suite ça risque d’être assez long, donc rien ne vous empêche de lire en diagonale, ou juste un article sur les deux (ou aucun article du tout, mais je sais pas pourquoi vous venez alors )
Mais commençons tout d’abord par...



Nous voici donc avec le tout premier épisode de la série Shining. Je dois vous avouer que jusqu’ici, je n’avais jamais touché au moindre épisode de la série, pas même les récents opus (pour une raison simple : j’aime pas le design de Tony Taka XD), À UNE EXCEPTION PRÈS car j’ai profité d’un long voyage au Japon en 2010 pour doser longuement Shining Force Cross, un jeu sorti uniquement en arcade là-bas. Et autant dire qu’à part l’univers de la série, il n’a pas grand-chose à voir avec les autres jeux. Bref, ça compte pas vraiment. Il était chouette cela-dit, mais si vous voulez vraiment mon avis dessus, j’en parlerai en commentaire. Ah, si, j’ai pas mal joué à Shining Soul II aussi (là aussi plutôt différent) à l’époque de sa sortie en France, sans jamais le finir (j’ai dû m’arrêter à la zone 4 ou 5). Mais j’en parlerai une autre fois.

En tout cas, je ne sais plus trop pourquoi il m’est venu à l’idée de commencer par Shining in the Darkness plutôt que par Shining Force 2 par exemple, bien plus connu. Mais je peux dire que le jeu m’a interpellé tout de suite par son aspect graphique, et j’avoue que retrouver un jeu à l’ancienne avec la progression et la difficulté propre à ces jeux me tentait bien. Le fait qu’il s’agisse d’un Dungeon RPG assez difficile ne m’a pas fait peur le moins du monde (j’ai dévoré Etrian Odyssey V à la même période, pensez-vous !). Dans tous les cas, je peux dire que j’ai été bien inspiré, tant l’aventure a été un plaisir de (presque) tous les instants !

Premier point que j’ai adoré : Même si, on le verra, le jeu est globalement très classique, il ne manque pas d’originalité dans son habillage et sa narration. Déjà, le menu du jeu n’est pas comme on aurait pu s’y attendre avec un écran titre et un choix simple de commencer une nouvelle aventure ou d’en continuer une. Ici, c’est un grand-père barbu qui nous accueille avec le sourire, prêt à nous raconter une histoire, comme pour nous immerger dans un conte de fées. L’histoire est celle du royaume de Thornwood, un de ces royaumes plongés dans le désarroi depuis que la princesse Jessa a disparu. Votre père a été envoyé dans le labyrinthe antique près du royaume pour la retrouver, mais ne donnant plus de nouvelles lui non plus, c’est à vous, jeune chevalier du royaume, de réussir cette périlleuse mission. Il va sans dire qu’un grand méchant démoniaque est derrière tout ça, et vous le découvrirez bien assez tôt. Bon, difficile de faire plus cliché, on est d’accord. Cela dit, le jeu dispose d’une narration assez intéressante pour l’époque, avec même deux ou trois surprises pour le joueur. Certes, rien d’original quand on a fait beaucoup de jeux et que l’on est rodé à ce genre d’histoire, mais ça suffit à donner une cohérence à l’univers et à s’attacher un peu aux personnages.
Pour ce qui concerne le reste de la narration, j’apprécie comment le jeu insère de temps en temps des petites cutscenes pour mettre en scène les personnages, tout en étant pas envahissantes pour laisser la place eu jeu et à l’exploration (mais quelques cutscenes en plus n’auraient pas été de trop !). On en apprend aussi pas mal sur les relations entre les personnages en parlant aux soutiens du roi dans la salle du trône ou aux villageois dans la taverne, à chaque étape de la progression du jeu. Le tout est souvent fait avec beaucoup d’humour, avec des mimiques de personnages très travaillés malgré les limitations sur l’animation des sprites de l’époque, pourtant très grands. J’adore tout particulièrement la scène où Pyra la magicienne nous rejoint, et ne peux pas s’empêcher de lancer un sort de Lenteur au mercenaire reptilien qui part pour le labyrinthe en nous provoquant d’un air condescendant... bien fait !



Au début cependant, vous êtes seul, et vous devrez parcourir le premier étage du labyrinthe sans soutien avant de battre votre premier boss, pour ensuite pouvoir recruter vos deux amis d’enfance Pyra et Milo, qui agiront donc comme magicienne et soigneur, votre héros ne pouvant pas lancer de sort, et qui constitueront votre équipe pour le reste de l’aventure. On retrouve donc toutes les dispositions de ce type de jeu, où vous devrez, avec le petit pactole de départ que vous donne le roi, bien choisir vos premiers équipements et objets à emporter, et ne pas hésiter à utiliser une Angel Feather pour sortir du labyrinthe si vous voyez que les choses se gâtent. Il faut donc comme d’habitude bien se préparer avant chaque exploration du labyrinthe, sous peine d’y laisser la peau.

Précautions prises, je n’ai pas trouvé le jeu si difficile, le début se fait même très facilement, j’ai pu très vite rouler sur les trois premiers étages avec la plupart des monstres qui ne me faisaient qu’1 PV de dégâts. Bien sûr, les choses se gâtent par la suite, mais j’y reviendrais.

Pour ceux qui n’auraient jamais touché à un dungeon crawler de leur vie, résumons le gameplay : vous évoluez dans un labyrinthe entièrement fermé (si on excepte le château et la ville), avançant case par case dans des couloirs avec le risque de tomber sur un combat aléatoire à chaque pas (et même, à chaque fois que vous tournez sur vous-même !! Visiblement, ça compte comme un pas...). Le labyrinthe est composé de 9 « étages , en réalité 4 étages supérieurs qui ne seront accessibles qu’après avoir terminé quatre étages « épreuves », à tout cela s’ajoute le RDC bien sûr. Malheureusement, votre seul moyen de vous repérer est l’utilisation d’un objet ou d’un sort spécifique, qui ne vous indique que les alentours de l’endroit où vous êtes... Autant dire qu’avoir une carte sous les yeux est indispensable pour ne pas finir fou à tourner en rond, car les étages sont très grands et tous les décors se ressemblent ! Vous n’aurez que très peu d’éléments de décors pour vous aider à vous repérer. De mon point de vue, il est bien plus fun de tracer sa propre carte sur papier pendant le jeu, ce que j’ai fait au départ, mais je me suis résigné à utiliser des cartes sur le net pour gagner du temps vers la moitié du jeu, sans ça je risquais de ne pas finir le jeu à temps... ^^’
De plus, il vous faudra attendre vers la moitié du jeu avant de pouvoir vous téléporter aux étages supérieurs du donjon, et encore pas de façon aussi simple que ce qu’on peut voir dans les jeux récents : vous obtiendrez un médaillon en deux parties, et il faudra d’abord jeter l’une des parties dans une fontaine dorée (généralement située à la fin d’un étage) pour que vous puissiez vous y téléporter grâce à l’autre partie du médaillon. Vous voyez le piège ? Si vous voulez aller activer la fontaine de l’étage supérieur, il faudra récupérer votre morceau de médaillon dans la fontaine précédente, et avancer à vos risques et périls, car si vous devez mourir ou revenir en ville avant d’avoir atteint la fontaine suivante, vous ne pourrez pas vous téléporter et serez obligé de vous retaper tout le labyrinthe... Quand on vous dit qu’il faut être bien préparé !



Vous passerez donc le plus clair de votre temps à tracer votre chemin dans le labyrinthe, ramasser objets et équipements dans les trop rares coffres que vous pourrez trouver, et surtout, combattre des monstres à la chaîne. Eh oui, on est dans un jeu d’époque, le taux de combats aléatoires est donc aussi d’époque, et vous pourrez aussi bien faire à peine un pas avant de tomber sur un nouveau combat que marcher 30 pas étrangement sans vous faire agresser. A noter qu’EN PLUS des combats aléatoires, à peu près tout ce qui se trouve dans le labyrinthe essaiera de vous tuer : les coffres bien sûr, les flaques d’eau, les briques des murs voire les murs eux-mêmes, les statues, les squelettes qui sortent du sol, les brigands qui descendent du plafond... J’admire d’ailleurs l’ingéniosité des développeurs de tirer ainsi parti du lore du jeu pour nous prendre par surprise avec des ennemis coriaces, à défaut d’être inventifs. Le tout avec à chaque fois une petite mise en scène histoire de rajouter un peu d’immersion.
Les combats eux-mêmes sont très classiques, et très similaires à ceux d’un Dragon Quest : en vue de face, au tour par tour, les ennemis étant divisés en groupes du même type (avec parfois des combats contre 8 ennemis en même temps !! L’horreur...) que vous pourrez attaquer d’un bloc avec des sorts ou certaines armes. Vos actions seront les plus courantes : attaque, défense, objets, fuite et magie. Ces dernières sont regroupées en 8 catégories pour chacun des deux mages du groupe, avec des petites icônes illustrant chaque magie. Au fur et à mesure des niveaux gagnés, les magies peuvent elles aussi augmenter de niveau, et donc augmenter de puissance, passer de cible unique à cibles multiples, etc. L’inconvénient malheureusement est qu’un sort de plus haut niveau remplacera le niveau précédent ! Or les sorts de hauts niveaux demandent aussi plus de MP, parfois même le triple du niveau précédent, et on aurait aimé pouvoir profiter du sort bas niveau encore quelque temps. C’est surtout valable pour le sort de soin, qui au niveau 3 coûte 10 MP et au niveau 4 coûte 50 MP ! Certes, il peut maintenant full heal tout le groupe, mais on aurait apprécié avoir une alternative moins coûteuse quand on a besoin de ne soigner qu’un seul membre du groupe. Heureusement, Pyra possède aussi le sort, qu’elle ne pourra monter qu’au niveau 3. Mais il y a tout de même un petit moment dans le jeu où c’est handicapant, surtout qu’il n’y a quasiment aucun objet pour regagner des MP en début d’aventure, et vous serez à chaque fois obligé de revenir à l’auberge.
Tant que je suis sur les sorts, les autres sorts ne sont pas franchement utiles au début, car Milo et Pyra ont une force de frappe correcte et que les MP sont limités (donc autant les garder pour le soin), mais deviendront progressivement utiles voire indispensables après. Et pensez à baissez les yeux aussi, car presque toutes les animations de sorts s’accompagnent de flashs à l’écran, et franchement ça pique... Ouais, c’était pas très épileptique-friendly à l’époque...



Si les combats représentent la principale menace que vous allez rencontrer, vous aurez aussi droit de temps en temps à quelques pièges, dont une espèce de « mousse » au sol qui vous draine vos MP, des trappes qui s’ouvrent pour vous faire tomber à l’étage inférieur, ou des tourniquets dont il va falloir comprendre le fonctionnement si vous ne voulez pas vous perdre rapidement. Il n’y a aucun piège mortel dans le lot, c’est aussi en cela que le jeu reste accessible et fun à jouer. Au pire, vous ne ferez que perdre du temps ou tomber sur un nouveau combat (urgh). D’ailleurs, même si votre équipe se fait décimer en combat, vous serez ramené illico presto au temple de la ville avec pour punition de perdre la moitié de votre argent, mais vous gardez vos objets et votre expérience/niveau acquis dans le labyrinthe. Façon Dragon Quest encore une fois donc.

Côté bestiaire, les monstres sont aussi très variés et au design souvent très réussi, avec un look carton médiéval à l’image des personnages du jeu, tout en restant menaçants. On n’échappe bien sûr pas à la technique du swap color pour en augmenter facilement le nombre. Si au début ils sont très basiques et se contentent d’attaquer, ils commenceront vite à vous enquiquiner avec des sorts, et deviendront vraiment coriaces une fois les étages 1 et 2 atteints (après avoir fait les 4 épreuves, donc), certains pouvant vous tuer un perso en un coup, exigeant un retour en ville précoce. Étrangement, ceux des étages 3 et 4 m’ont paru moins problématiques, quand bien même ils font énormément de dégâts.

Dans tous les cas, vous devrez votre survie à la bonne gestion de vos objets et de vos sorts, à l’achat d’équipement en boutique, et au leveling. Ce dernier se fait en douceur : à partir du moment où vous tentez d’explorer un maximum et que vous évitez autant que possible de fuir les combats (et que vous retournez en ville pour éviter de mourir), il n’y a pas besoin de séance de leveling forcé. C’est assez rare à l’époque pour être signalé.
Quant aux équipements, ils sont indispensables pour progresser puisque c’est eux qui vont réellement booster vos statistiques. C’est d’ailleurs aussi quelque chose que j’apprécie dans les vieux RPG, il y a certes moins d’équipements, mais on sent la montée de puissance à chaque fois que l’on en acquiert un nouveau, avec parfois le double de dégâts infligés ou réduits avec une nouvelle arme/armure en poche. Et d’un seul coup, les ennemis qui nous donnaient du fil à retordre deviennent moins dangereux.
Autrement, on reste sur du classique aussi, mais avec une subtilité : les objets rares ! En effet, si les marchands vous proposent leur étal classique, vous pouvez aussi consulter les offres spéciales, où vous trouverez au fil de l’aventure des armes uniques, plus fortes mais aussi plus chères, et parfois avec des effets bonus. Deuxième subtilité, un nouveau marchand ouvrira vers la moitié du jeu, et vous proposera, en plus d’équipements encore plus puissants, la possibilité de forger une nouvelle arme à partir d’un matériau que vous aurez récupéré dans le labyrinthe, mithril ou matière noire. Le premier permet d’obtenir les meilleures armes/armures pour les magiciens (le héros a l’équipement de la lumière, of course), le second de créer des objets maudits, encore plus efficaces mais avec des effets secondaires très handicapants. Le tout moyennant bien sûr une forte somme d’argent et un délai d’attente avant de récupérer l’objet. Mais dites... ça ne vous rappelle rien, tout ça ? Eh oui, il s’agit en réalité du même système (les armes rares et les matériaux à « convertir » en équipements rares) que l’on retrouvera des années plus tard, dans Golden Sun sur GBA, ainsi que ses suites !
Ce n’est pas la seule similitude d’ailleurs : jetez un coup d’œil aux icônes dans les menus, ou même les petites icônes animées qui apparaissent lorsqu’on demande l’avis du joueur, vous verrez vite qu’elles ont servi d’inspiration pour les menus de Golden Sun. Forcément, puisque ce sont les mêmes développeurs, mais j’ai trouvé génial de retrouver cette « patte » ici, dans un jeu pourtant sorti dix ans avant.

Le jeu se paie aussi le luxe de cacher quelques « secrets », avec par exemple la fontaine sacrée que l’on ne peut activer qu’une fois les quatre équipements de la lumière en main ainsi que la larme de la princesse, cette fontaine vous permettra alors de vous soigner intégralement, ce qui vous sera sûrement providentiel vu que le boss de fin vous attend quelques couloirs plus loin... Il y a aussi quelques quêtes annexes tout à fait dispensables, mais qui sont l’occasion de voir des sympathiques cutscenes en plus.



Avant de finir, il me reste à vous parler des musiques ! Elles sont malheureusement peu nombreuses et vite répétitives (forcément, le thème de combat est le même durant tout le jeu, à l’exception du boss final et du combat contre le Dark Knight...) mais d’une qualité certaine en terme de composition. Que ce soit les marches épiques lors de l’exploration du labyrinthe, le thème de combat stressant et stimulant, ou la musique festive du village, qui se fait discrète quand on arrive mais plus forte dès qu’on se rapproche de l’auberge, comme si elle en provenait directement... Entraînantes, agréables, mélodieuses, c’est un véritable plaisir à écouter. Les capacités sonores de la Megadrive sont utilisées à merveille et subliment presque les compositions, malgré leur côté symphonique pas si facile à retranscrire sur la console. Ces petites perles constitueront les premiers travaux de Masahiko Yoshimura, qui n’aura pourtant pas une grande carrière par la suite. Dommage.

Il est temps d’arriver à la fin de notre histoire, j’espère que tout cela vous aura donné envie d’en savoir plus sur le jeu et la série, à défaut de vous lancer directement dedans. Il est vrai que je ne peux le conseiller à tout le monde : difficile quoique jamais injuste, le jeu reste austère dans son gameplay et son scénario, et un joueur d’aujourd’hui aura peine à prendre plaisir à y jouer. Mais si vous avez un tant soit peu la fibre rétro, il vaut le détour pour tous les petits détails qui le rendent attachant, et pour le fait qu’il pose les prémices de ce que seront les prochaines productions du studio, que ce soit Shining Force, Landstalker, ou même Golden Sun. Tout simplement.



Contrairement à Shining in the Darkness sur lequel je me suis lancé un peu par hasard (quand j’ai découvert le lien entre les teams de développement des anciens Shining et de Landstalker, en fait), cela faisait bien longtemps que je connaissais Landstalker et qu’il me faisait envie. Je suis tombé dessus chez un ami lointain (je n’avais pas la Megadrive, donc je ne pouvais profiter de ses jeux que chez des amis), et il avait tout pour me plaire : de l’aventure, des trésors, de l’exploration, ces décors colorés et mystérieux, et cette vue isométrique qui lui donnait un charme fou. Le héros était classe aussi, même si je me fiais déjà plus au sprite tout en pixels du jeu qu’au Peter Pan bodybuildé sur la jaquette occidentale
Mais le drame, c’est que cet ami n’avait qu’une seule manette « fonctionnelle », et qu’elle ne marchait déjà plus très bien puisque les diagonales ne fonctionnaient plus... Dans un jeu intégralement fait en 3D isométrique, ça le fait mal ! J’ai dû galérer 10 minutes pour arriver seulement à passer la toute première salle du jeu... Dégoûté, j’ai vite abandonné.
J’ai redonné sa chance au jeu plus tard sur émulateur, mais je ne sais pas trop pourquoi cette fois je n’ai pas continué plus que ça. D’autres jeux à finir, peut-être

Bref, nostalgie mise à part, vous avez sûrement entendu parler de ce Landstalker... ou pas.
Il faut dire que ce titre se retrouve dans une position étrange, où il est souvent cité parmi les meilleurs jeux de la Megadrive par ceux qui y ont joué, mais semble en même temps peu connu au point d’être tout aussi souvent cité dans les perles méconnues de la console. Une chose est sûre, il n’a pas volé sa réputation : c’est un pur chef d’œuvre.

Bon d’accord, peut-être pas tant que ça si on le compare à sa première source d’inspiration, à savoir les jeux Zelda, ces derniers ayant toujours été un exemple de maniabilité, d’accessibilité et de level-design. Landstalker copie son aîné avec brio, mais en même temps avec suffisamment de soucis par-ci par-là pour rebuter le joueur peu persévérant.
Pour résumer le gameplay du jeu, imaginez un jeu d’action-aventure assez proche de Zelda, Ys et quelques autres, à ceci près, comme je l’ai dit plus haut que le jeu est en vue isométrique, donnant plus de profondeur aux zones qui auraient autrement été assez petites. On avance de zone en zone, on a un bouton pour taper les ennemis à l’épée, on visite des villages pour parler aux NPCs et trouver des infos, la santé du héros est symbolisée par des cœurs, le bouton pause affiche l’inventaire avec les objets de soin et les autres objets plus ou moins utiles pour l’aventure... Bref, tout pareil que les autres. Une différence de taille tout de même : le héros, Ryle (ou Lyle, ou Nigel, ou Niels, selon la version à laquelle vous jouez...) peut sauter. Et ce n’est pas là pour faire joli, car si Zelda proposait déjà son lot d’énigmes à base d’interrupteurs, de blocs à pousser, et d’objets à utiliser à bon escient, Landstalker va rajouter un aspect plateforme qui change complètement la donne.



Et les développeurs vont plus que tirer parti de cette astuce de gameplay, ils vont la sublimer avec des zones et des donjons finement agencés et ciselés pour briser la monotonie du joueur, chaque salle ne ressemblant à aucune autre et proposant toujours une nouvelle énigme à résoudre. Là où Zelda 3 nous donnera des leçons d’ingéniosité avec les différents mécanismes et objets pour résoudre les énigmes, les développeurs de chez Climax savent qu’ils ne peuvent rivaliser sur cet aspect, mais vont alors proposer des donjons tortueux mais cohérents, avec moult plate-formes et précipices à éviter grâce à des sauts millimétrés, des caisses à soulever pour servir de marchepied, des pots à lancer pour activer des interrupteurs lointains et capricieux. Ils vont complètement maîtriser la physique de leur jeu pour proposer des pièges retors et machiavéliques : Oui, vous devez mettre ces quatre interrupteurs les uns sur les autres pour qu’ils s’activent eux-même, et en même temps les disposer en escalier pour pouvoir activer le dernier en montant dessus. Oui, vous devez lancer ce pot en sautant mais sans avancer, avec seulement le talon de vos chaussures touchant encore le sol, pour qu’il atteigne l’interrupteur au loin sans se briser. Oui, vous devez poser ce pot sur cette plate-forme mouvante pour qu’il vous serve de marchepied pour la plate-forme suivante, en sachant qu’étrangement Ryle doit se déplacer tout en étant sur le pot car le jeu ne le reconnait pas comme une plateforme mouvante normale...
Certaines choses à faire peuvent parfois paraître contre-intuitives, et c’est probablement ce qui va décourager une partie des joueurs, qui trouveront cela injuste. Pourtant, le jeu est loin d’être injuste, ni même difficile : vous trouverez régulièrement des réserves de vie pour augmenter votre santé, qui peut aller jusqu’à 99 (en vérité, il y a je crois 75 réserves cachées dans le jeu, mais un magasin à la fin du jeu vous permet d’en acheter à l’infini), ainsi que des herbes EkeEke que vous pouvez soit utiliser pour un soin immédiat, soit garder en stock jusqu’à ce que vous mourriez, auquel cas c’est Friday, l’espèce de fée (une succube en fait, paraît-il) qui accompagne le héros, qui se chargera de le ressusciter automatiquement.
De toute façon, rater la résolution d’un piège ou d’une énigme n’est jamais sanctionné d’une punition sévère, ce sera soit une perte de temps (faire un détour pour retenter le piège) soit quelques dégâts ou des monstres à tuer.



En parlant de monstres, le bestiaire est classique mais reste réussi, quoique cette fois la variété n’est pas vraiment au rendez-vous, vu qu’on retrouve souvent les mêmes ennemis. De plus, beaucoup d’ennemis sont très vaches et possèdent une hitbox large et des coups rapides pour vous frapper en traître, là où le coup d’épée de Ryle est parfois difficile à placer. C’est encore pire dans un couloir étroit, car la hitbox mal fichue pense que l’épée touche un mur, et donc le coup ne part pas... Bref, il faut un temps d’adaptation pour comprendre le fonctionnement de la hitbox des coups, ce qui peut donner quelques accès de rage contre certains ennemis, mais on s’y fait. A noter que s’il est vite usant de se battre contre des vagues d’ennemis assez fourbes, les boss sont pour la plupart simples comme bonjour, une quinzaine de coups d’épée suffisant à en voir le bout. Y compris le boss de fin ultra-classe, ce qui est bien dommage.

Les donjons et les pièges constituent le cœur du jeu bien sûr, mais n’oublions pas que Landstalker reste un jeu d’exploration avec quelques éléments RPG. Les zones entre chaque ville seront moins stressantes puisque moins propices aux passages typés plate-forme (il y en a quand même, mais généralement pour récupérer une réserve de vie ou un objet bonus sympathique, donc tout à fait optionnels), mais là encore les développeurs s’amuseront avec la vue isométrique pour cacher coffres, escaliers ou autres passages secrets derrière le décor ! Le jeu n’est pas avare en secrets, d’ailleurs : outre les réserves de vie, et les objets optionnels plutôt bien cachés comme la cloche qui tinte dès qu’on entre dans une zone où se cache une réserve de vie, le jeu propose quelques quêtes annexes là aussi bien planquées, tellement d’ailleurs que je les ai presque toutes loupées (je n’en ai appris l’existence qu’à la fin du jeu en regardant les soluces ). Le fait qu’elles ne soient pas indiquées sera un défaut pour certains, mais personnellement j’aime l’idée d’avoir dans un jeu des secrets bien cachés qui récompensent la recherche et l’exploration approfondie, et qui me donneront envie de refaire le jeu si je les ai loupé. De la même façon, certains objets ou lieux n’ont à priori aucune utilité, et ont dû donner lieu aux rumeurs les plus folles à l’époque... Ne vous faites pas avoir comme moi, le village natal de Friday a beau être bien caché, il ne sert malheureusement à rien !



En plus des secrets, Ryle peut aussi trouver 4 nouveaux types d’armure (qui, en toute logique, amélioreront sa défense), 4 types d’anneaux (généralement immunité au poison, à la confusion...), 4 types de bottes (pour être immunisés aux pics, à la lave, aux sols gelés...) et 4 types d’épées en plus de celle de base. Une fois une de ces épées acquises, la jauge en haut à gauche de l’écran qui jusqu’ici ne servait pas à grand-chose commence enfin à se remplir, et une fois pleine, un coup d’épée déclenche un pouvoir spécial en fonction de l’arme, allant de l’attaque enflammée au tremblement de terre qui touche tous les ennemis à l’écran. Je n’ai en revanche pas bien compris ce qui augmentait les dégâts de Ryle, qui semble faire plus de dégâts après avoir récolté un certain nombre de réserves de vie qu’après avoir acquis une nouvelle épée.
C’est d’ailleurs un autre inconvénient du jeu, toujours représentatif de l’époque : peu d’indications sont données sur l’utilité des objets ou sur les autres éléments de gameplay, donc c’est de nouveau au joueur de faire marcher sa jugeote pour comprendre à quoi sert quoi.

L’histoire principale est en revanche suffisamment bien balisée pour qu’on ne se perde pas trop. Le jeu jouit d’une mise en scène sympathique (la cinématique d’intro met complètement dans l’ambiance !) mais forcément limitée techniquement, à l’image de celle de Shining in the Darkness cité plus haut. Mais au moins, contrairement à la série Zelda qui a toujours mis l’accent sur le gameplay plus que sur son scénario, on sent ici déjà une volonté de montrer les liens entre les différents protagonistes, et leur caractère bien trempés. Même si on n’échappe pas à quelques clichés, les personnages n’en restent pas moins attachants. Certains de ces personnages referont une apparition dans d’autres jeux de Climax, notamment Ryle et Friday. Le jeu ne se prend pas non plus trop au sérieux, en témoigne les dialogues comme celui du méchant qui menace la princesse (oui, encore une princesse à sauver !! désolé, c’était l’époque...) de lui glisser une grenouille dans sa robe pour qu’elle chante. Ou encore Kayla et ses deux sbires, la rivale du héros, qui essaye toujours de devancer Ryle mais se retrouve à chaque fois sur le carreau. Un personnage dont je n’ai pas trop compris l’utilité, malheureusement, vu qu’on en entend plus parler après la première moitié du jeu... ^^’



Malheureusement, d’une manière générale la traduction française ne rend pas vraiment honneur aux dialogues, entre les textes raccourcis à la serpe pour rentrer dans la limitation de caractères et les lettres qui se chevauchent ou se coupent en deux pour rentrer dans la fenêtre de dialogue... La traduction US est de meilleure facture, de ce que j’ai pu voir. Dans les deux-cas, les puristes anti-censure râleront sûrement à l’idée que toutes les blagues friponnes de la version japonaise ont disparu des versions occidentales... rien d’étonnant, au final (peut-être que le cas de la grenouille était une censure, d’ailleurs ? À vérifier...). Plus étrange, la fin diffère entre les deux versions, puisque Ryle récupère le trésor dans les versions occidentales, mais pas dans la version japonaise. C’est peut-être la cupidité qui parle, mais je préfère la version US du coup

De quoi puis-je encore vous parler, avant de conclure ? Graphiquement, le jeu est top, malgré un manque de diversité dans les décors. Ryle dispose de jolies animations travaillées, mais c’est moins vrai pour les autres personnages. Il reste que le jeu est suffisamment agréable pour vouloir aller jusqu’au bout du jeu et s’immerger dans cet univers d’aventurier chasseur de trésors très inspiré des univers de fantasy japonaise de l’époque, eux-mêmes alors assez inspirés des univers de fantasy amé-ricaine, quand aujourd’hui ils s’en sont bien éloignés.

À cela s’ajoute les incroyables musiques pour renforcer encore plus l’immersion et insuffler un véri-table souffle épique qui donne envie de partir à l’aventure ! Assez proches musicalement de ce qui a été fait pour Shining in the Darkness, avec un côté orchestral mélodieux très prononcé, il ne s’agit pourtant pas du même compositeur, puisque nous avons affaire ici au talentueux Motoaki Takenouchi, à un point où il volera la vedette de Yoshimura puisque c’est lui qui officiera ensuite sur les Shining, plus précisément Shining force II et Shining Force CD. Quoiqu’il en soit, cette OST fait certainement partie des meilleures entendues sur Megadrive, et définitivement une de mes préférées. Comme d’habitude, dommage que les pistes soient peu nombreuses et forcément répétitives, même si c’est tout de même moins que pour l’autre jeu (dont j’ai déjà cité bien trop souvent le nom depuis le début de l’article XD).



En bref, je pense que vous l’aurez compris, Landstalker fait partie de mes gros coup de cœur, à un point tel que je m’attriste de ne plus voir ce genre de jeu de nos jours. J’ai adoré l’ambiance fantasy à l’ancienne vraiment centrée sur l’aventure et la découverte du trésor, l’ingéniosité déployée pour le level design malgré finalement le peu d’actions possibles pour le héros, cette difficulté qui pousse à comprendre la logique du jeu avec acuité sans jamais vraiment punir le joueur, le laissant libre de prendre son temps. Ce sont malheureusement des aspects du jeu qui ne conviendront pas à tout le monde, j’en conviens, et probablement ce qui fait qu’il a moins marqué que d’autres jeux du genre. Sans compter qu’aujourd’hui, il a un peu vieilli, et souffre encore de la comparaison avec son modèle qu’est la série Zelda. Mais si l’envie vous prend de l’essayer, il y a peu de chances que vous le regrettiez.

Et voilà, c’était les deux derniers « tests » découverte de l’année, j’espère que la lecture n’a pas été trop longue Je risque de prendre une pause pendant un long moment puisque je pars au Japon quelques mois, mais j’ai bien l’intention de tester quelques jeux une fois sur place donc ce n’est pas dit que je ne balance pas un nouvel article découverte bientôt.
Sur ce les gamers, bon jeu, et Joyeux Noël/Bonne année !

Bonjour Gamekyo !
J’espérais bien reprendre la plume (virtuelle) avant la fin de ce mois d’octobre, c’est donc chose faite ! Allez, on va dire que je posterais un test découverte de RPG par mois jusqu’à la fin de l’année (en vrai, je ne suis même pas sûr d’y arriver... ne rêvons donc pas trop).

Aujourd’hui, c’est au tour d’un RPG que je connais depuis longtemps, mais que je ne me suis réellement décidé à terminer que cet été, il s’agit donc de Rhapsody : A musical Adventure. Un jeu qui fait définitivement partie de mes coups de cœur, je me devais donc d’en parler un jour ou l’autre. Certains le connaissent peut-être, soit parce qu’en tant qu’amateur d’import, vous avez sans doute dû entendre parler de lui parmi tous les J-RPGs atypiques qui foisonnaient sur PS1, soit parce que vous avez eu la curiosité de toucher à son portage amélioré sur DS, permettant au jeu d’être enfin disponible en France.

Pour ma part, j’ai joué à la version américaine sur Playstation, c’est donc principalement d’elle dont je vais vous parler.
Pour ceux qui ne connaissent pas, résumons l’univers et l’intrigue du soft : vous suivez donc les aventures de Cornet, une jeune fille qui ne rêve que d’une chose : rencontrer son prince charmant... attendez ne partez pas !! Rassurez-vous, le jeu est un peu plus sympathique qu’il n’en a l’air.
L’univers du jeu est effectivement très porté sur les contes de fées, et les couleurs vives et chatoyantes des décors le rappellent bien. A cela s’ajoute le fait que Cornet possède la capacité de parler aux poupées, et notamment à Kururu qui chambrera Cornet à la moindre occasion... je veux dire, jouera le rôle de présence bienveillante durant toute l’aventure (heureusement, les gens se sont habitués depuis le temps à cette pauvre fille un peu timbrée qui parle à ses poupées, vous ne choquerez donc pas grand monde). Mais la grande originalité du titre, et qui prouve définitivement que le soft est très inspiré des productions Disney, sera qu’à diverses occasions, les personnages pousseront la chansonnette, façon comédie musicale. Vous voici prévenus. (Et au passage, les voix japonaises comme les voix anglaises sont très chouettes lors des passages chantés !)



Bref, on pourrait croire au premier abord que ce jeu coloré et mignon tout plein s’adresse aux enfants. Il n’en est rien (enfin si un peu quand même, mais faites un effort quoi !), et ce serait oublier trop vite que l’équipe derrière le jeu est celle de Nippon Ichi Software à ses débuts. Au final, on comprend très vite que le soft ne se prend pas au sérieux, et que l’univers est un prétexte à tout un tas de situations plus farfelues les unes que les autres. On retrouve donc parfaitement l’humour typique de Nippon Ichi, qui sera sublimé ensuite dans des jeux comme Disgaea : Cornet qui doit passer le concours pour être la prétendante du prince dans un costume ridicule, Marjoly qui se fait vanner par ses sbires sur son âge et échoue ses sorts (on n’échappe pas non plus aux blagues sur son physique sulfureux...), les super attaques basées sur les gâteaux, Etoile qui se bat à coup de fusils et mitraillettes en totale contradiction avec son image de fille de bonne famille, et Cornet elle-même qui se bat à coup de trompette…
Cerise sur le cheesecake, on sent même que les traducteurs US ne se sont pas pris au sérieux non plus et ont profité de l’autodérision du soft pour placer quelques passages qui brisent allègrement le quatrième mur La traduction est d’ailleurs globalement de bonne qualité.

Bref, le mélange entre « univers enchanteur de conte de fée » et « humour absurde » prend bien, et, il faut le dire, représente à lui seul la moitié de l’intérêt du jeu. Mais l’équipe de NIS a su aussi proposer des personnages bien campés et attachants, avec des moments très touchants durant l’histoire, en prenant systématiquement à contre-pied les clichés banals des contes de fées à la Disney, quitte à tomber dans d’autres clichés plus propres aux productions otaku... je pense par exemple à Etoile, qui incarne parfaitement le stéréotype de la rivale autoproclamée de l’héroïne (qui généralement ne la considère même pas comme une rivale) issue d’une famille riche et qui a tellement de fierté qu’elle n’ose pas admettre qu’elle se soucie de l’héroïne, mais agit tout de même dans ce sens…



Pour finir sur l’ambiance du titre, si le jeu se défend bien graphiquement, avec de jolis décors pastels et de nombreuses animations pour les sprites (mais bon rien d’extraordinaire, surtout que le titre est sorti vers la toute fin des années 90), le tout est parfaitement soutenu par les musiques féériques -mais peu nombreuses- de Tenpei Sato, compositeur attitré du studio. Bien sûr, tout n’est pas parfait, et certaines musiques ou certains décors ne vous marqueront pas (les donjons en premier lieu), mais dans l’ensemble, le jeu en vaut la chandelle pour son univers attachant et son humour. Peut-être moins pour le reste, malheureusement.

Premier point noir, le jeu est très court ! J’ai mis moins d’une douzaine d’heure pour le finir, en prenant le temps de fouiller un peu. Il existe certes quelques quêtes annexes, peu nombreuses et évidemment signalées nulle part, qui vous permettront surtout de recruter des poupées optionnelles sympas mais dispensables. Dans l’absolu, le monde est suffisamment vaste pour un petit RPG de l’époque, mais la petitesse des villes et des donjons joue en sa défaveur, ce qui fait que les environnements se parcourent très vite (sauf pour les donjons, où toutes les salles se ressemblent ou presque, et vous n’avez aucune carte dans le jeu pour vous repérer !). D’autant que le jeu est aussi très facile, la montée de niveau se faisant très vite, le but étant sûrement de pouvoir changer souvent et facilement son équipe (les personnages en retraits ne gagnent pas d’xp, évidemmment) sans être pénalisé. Quelques combats suffisent pour amener à un niveau raisonnable un personnage qui vient d’être recruté. Mais de toute façon, ni les monstres de base, ni les rares boss ne vous opposeront une grande résistance, à moins que vous ne jouiez vraiment comme un manche (désolé pour vous...)

Si je parlais de recruter des poupées, c’est parce que Cornet a la capacité d’animer les poupées grâce à sa trompette et de les faire combattre à ses côtés (en gros, ce sont les autres personnages à jouer en combat, Cornet étant majoritairement seule durant l’aventure). Vous rencontrerez quelques poupées directement sur votre route, et le jeu est tellement facile que vous pourrez très bien vous contenter de celles-ci pour venir à bout de l’aventure. Les autres poupées, comme je le disais, nécessiteront de fouiller un peu plus les donjons et de faire les quêtes annexes.
Occasionnellement, il est aussi possible de recruter certains monstres en fin de combat, et de les équiper/faire monter de niveau comme n’importe quel autre personnage. Cela dit, ils sont généralement moins intéressants que les poupées, et disparaissent définitivement s’ils sont mis K.O.
En combat, Cornet possède 5 attaques spéciales dévastatrices qu’elle peut charger à chaque combat en jouant de la trompette (les fameuses attaques à base de gâteaux...). Toutes sont disponibles dès le début du jeu, donc Cornet n’a pas vraiment d’évolution, et elle reste surpuissante tout le long du jeu…
Trois slots d’équipements sont disponibles, mais seulement pour des accessoires, qui augmenteront les stats ou auront quelques effets spéciaux bien craqués (réduction de dégâts de moitié, etc.).



Le jeu fait aussi étrangement le choix de déplacement en cases façon tactical pour les combats, sans que le côté tactique ne soit vraiment justifié : il faut juste faire attention au placement de ses personnages pour être sûr de pouvoir toucher l’ennemi avec vos attaques de zones, mais il n’y a pas de gestion du terrain ou autre fantaisie de ce genre. Cela dit on s’y fait, et on a presque la sensation de jouer un jeu au tour par tour classique ensuite. A noter que le système de combat sera modifié sur la version DS du jeu pour revenir à un système tour-par-tour classique, sans les déplacements façon tactical. Comme quoi...

En bref, le jeu ne brille pas par son gameplay très simple. Mais personnellement, ça ne m’a pas dérangé, puisque cela permet aussi de profiter de l’univers du titre sans se prendre la tête, et peut être parfait pour se détendre entre deux gros jeux. En revanche, il ne faut clairement pas mettre plus de 20€ si vous comptez l’acheter... L’autre point noir étant que même pour un jeu sorti aussi tard sur la console, il est très faible sur le plan technique (transitions d’écrans très rustiques, peu d’effets sonores différents, effets spéciaux lors des combats limités…) et donne vraiment plus l’impression d’un petit jeu fait par une équipe débutante qu’une grosse production qui doit en mettre plein la vue. N’attendez donc pas un jeu de l’ampleur d’un Final Fantasy. Il garde néanmoins un charme fou si l’on ferme les yeux sur sa facilité et ses défauts techniques, et peut même être une porte d’entrée parfaite pour toute personne qui souhaite s’initier au genre. Bonus : la version DS se permet même de corriger quelques défauts -quitte à rendre le jeu encore plus facile- en ajoutant par exemple une carte pour les donjons, et proposant surtout une traduction française !

Voili voilou, si vous n’avez pas eu l’occasion d’y toucher, je ne peux que vous conseiller chaudement de faire ce titre, si tant est que l’ambiance vous attire et que vous avez un minimum de temps à y consacrer. Quant à celles et ceux qui l’ont fait, j’espère que ça vous aura ravivé quelques souvenirs

Sur ce, je vous laisse avec une sélection de mes musiques préférées du jeu !

Rhapsody Afar
Little Love
The Wanderer
Let's Go On (Contest Version)

Salut Gamekyo !

Je continue sur ma lancée en vous proposant des "tests" (je ne mets pas de note mais plutôt un ressenti, le but est surtout de faire découvrir un jeu avec ses bons et ses mauvais côtés, donc ce n'est pas vraiment un test) des jeux que j'ai fini récemment. Et ça tombe bien, c'était les vacances, et j'ai donc pu en faire quelques-uns ^^

Les vacances, c’est l’occasion de se détendre, mais aussi de faire le point, c’est l’occasion d’une introspection sur soi, sur son passé, un instant propice... à la nostalgie ! Souvenez-vous, en 2003, alors que vous gambadiez gaiement dans le jardin de la maison de votre grande tante habitant un humble hameau de Charente-Maritime, vous vous remettiez à peine du choc de deux générations de Pokémon qu’une troisième pointait le bout de son nez sur une certaine Gameboy Advance... Cette console, vous aviez tanné vos parents pour l’avoir à Noël (quand vous n’aviez pas directement liquidé tout votre argent de poche durement gagné pour l’acheter, en prétextant aux parents qu’un ami vous l’avais prêté, craignant leur courroux lorsqu’ils sauront que vos maigres économies sont parties dans une de ces nouvelles machines dont vous étiez « accro »... Hein ? non, je ne parle pas du tout de mon cas, voyons), et dans la foulée, vous aviez demandé Wario Land 4, Advance Wars, F-Zero Maximum Velocity ou Castlevania Circle of the Moon. Mais votre genre favori, c’était les RPGs, et après avoir dévoré les deux incroyables Golden Sun, vous revoilà sur votre faim, le genre étant encore assez peu présent sur la console. C’est alors que débarque un certain Lufia Ruins of Lore... Ah flûte, non, ça colle pas, il est sorti qu’au Japon et Etats-Unis :/ Comme tout le reste de la série d’ailleurs. Pff, et voilà, encore une intro gâchée pour rien...

Lufia, ça ne vous dit rien ? Vous êtes sûrs ? Mais siiii, ces deux RPG classiques de la SNES, avec ses personnages hauts en couleurs, ses puzzles et énigmes retors, ses combats avec des ennemis faussement statiques et le menu en croix... La quête d’un héros aux cheveux rouges pour sauver le monde et les générations futures... Bon d’accord, ça ressemble à n’importe quel autre RPG, et ce n’est pas sorti en France, normal que ça ne parle à personne. L’épisode 2 avait tout de même eu un petit succès d’estime au Japon et aux US. Mais chez nous, à part les quelques amateurs d’import, c’est le néant.

Lufia, donc (Estpolis Denki chez les japonais). Le premier épisode était sympathique, le second encore plus, et furent suivis par un épisode GBC, et un GBA dont il est question ici. Malheureusement cela n’a pas suffi à en faire une série qui a perduré dans le temps (malgré un remake étrange sur DS de l’épisode 2). Si vous en avez la curiosité, les deux premiers valent le coup. Je n’ai pas touché à l’épisode Gameboy Color. Quand à cet épisode GBA... nous allons voir ça. Je précise tout de même que je risque de spoiler un peu certains passages, mais ça reste très léger, pas de grosses révélations en vue. Mais vous êtes prévenus.

Fallait pas te regarder dans un miroir, aussi...

L’intrigue se situe plusieurs années après les évènements du 2, mais dans l’absolu, l’histoire n’a aucun lien avec les épisodes précédents. Hormis quelques noms de ville (Parcelyte, Gruberik...) et la présence de Dekar en tant que guest, le jeu ne partage pratiquement aucun lien avec les épisodes précédents. On peut donc y jouer sans craindre de ne pas comprendre le scénario. Enfin cela dit, le jeu se chargera lui-même de rendre son intrigue brouillonne à souhait et fort peu accrocheuse par manque de mise en scène.

Pour résumer l’histoire simplement : vous êtes Eldin, un jeune garçon -support GBA oblige, le héros est encore plus jeune que d’habitude- en apparence classique (courageux mais muet, donc), et c’est justement le jour où vous pourrez enfin devenir un Hunter comme votre père, grâce à la bénédiction du roi. Votre première destination est Gruberik, pour partir à l’assaut de l’Ancient Cave (on y reviendra), et c’est là-bas que vous ferez la rencontre de Rubius, qui a besoin de vous pour inspecter une tour antique menant aux terres sacrées. De fil en aiguille, vous devrez partir à la recherche de pierres et fragments magiques pour lever le secret de cette tour avec l’aide de vos amis d’enfance Torma et Rami (rejoints ensuite par Bau et Dekar), et contrer les plans de l’empire maléfique de l’empire Gratze, et de son dirigeant démoniaque Ragule.

L’histoire est simple et clichée, mais ça ne devrait pas être un problème dans la mesure où d’autres jeux ont pu se baser sur des ficelles similaires et réussir à créer un scénario accrocheur (au hasard : Secret of Mana). Pour ma part, j’avoue que ce genre de scénario ne me pose aucun problème, mais j’ai tout de même été surpris de mon manque d’empathie envers les différents personnages, tellement ceux-ci sont mal mis en avant. Rubius notamment, m’a donné l’impression d’être un personnage secondaire juste là pour faire avancer le début de l’aventure, et je pensais qu’elle partirait assez vite de l’équipe. Mais en réalité, elle est un des personnages centraux de l’histoire, et il va sans dire qu’elle a son importance jusqu’à la toute fin du jeu. Côté antagonistes, Ragule tombe comme un cheveu sur la soupe : on entend vaguement parler de lui à un moment donné, et malgré plusieurs confrontations face à l’empire de Gratze (contre des ennemis random, même pas un général ou autre soldat important pour étoffer un peu le background des méchants), on ne le verra qu’une fois l’accès vers les terres sacrées révélé, donc à la fin du jeu. Et très honnêtement, je crois que c’est le méchant le plus moche que j’ai pu voir dans un J-RPG...

Now I'M SCARED (devant tant de mocheté)

Bon, l’histoire et l’ambiance globales ne sont pas folichonnes, mais à la rigueur, on peut passer outre (et puis on a vu pire). Le déroulement de l’aventure se fait de façon classique, on assiste aux cutscenes en ville, puis on va sur la carte pour sélectionner sa destination (eh non, pas de world map où l’on peut se balader, comme pour les épisodes précédents...). Malheureusement, les objectifs sont parfois assez flous, et il arrive qu’on tourne un peu en rond avant de comprendre ce qu’il faut faire. De plus, le jeu peut se montrer particulièrement difficile : passé quelques heures de jeu, les routes et donjons deviennent très longs. Et bien que vous voyiez les ennemis sur la carte, vous laissant croire que vous pouvez les esquiver, ceux-ci font tout pour venir à votre rencontre, si possible en vous prenant par surprise (attaque sur le côté ou derrière), ce qui équivaut à un tour gratuit pour eux. On passe donc son temps à soigner ses persos après chaque combat, jusqu’à être obligé de retourner en ville car l’un d’eux est mort par manque de potions/MP. Les potions de vie sont assez rares, et vous n’avez aucun sort de résurrection pendant une bonne partie du jeu (et même quand vous en avez un, il coûte un bras en MP). Vous me direz que c’était la même chose dans les Dragon Quest, mais croyez-moi ici on est un cran au-dessus. Ajoutez à ça un leveling très lent, peu de nouvelles armes/armures pour booster vos persos, et la sauvegarde possible uniquement si vous rentrez en ville (les boss arrivent en plus sans prévenir), et vous verrez que vos chances de survie ne tiennent qu’à une bonne gestion de votre jauge de vie et des combats. Ah, et les ennemis repop à chaque changement de tableau, aussi...

Comme si cette difficulté dans les donjons ne les rendait pas déjà agaçants, votre progression sera régulièrement barrée par des « puzzles », ou disons des obstacles qui vous demanderons multiples détours pour être surmontés. Il ne s’agit plus ici de puzzles qui feront travailler vos méninges comme dans les épisodes précédents, mais de sempiternels blocs à pousser/leviers à activer/clés à trouver, en bref on sait assez rapidement ce qu’il faut faire, mais cela prend quand même du temps. Heureusement, les mécaniques utilisées sont suffisamment variées entre chaque donjon pour éviter une trop grande redondance. Il faudra aussi tirer parti des quatre capacités de chaque héros (l’épée pour couper l’herbe, la chaîne pour franchir des précipices, le briquet pour allumer et brûler, le marteau pour casser des murs), en sachant qu’il n’est pas toujours clair quand on doit les utiliser... Bref, ce qui pourrait s’avérer être un point fort en cassant la monotonie de la progression se retourne contre nous en rendant notre avancée plus pénible encore.

Euh, no, no, your flowers are beautiful, et Bryan is in the kitchen. Promis.

Que reste-t-il alors pour nous tenir en haleine alors ? Eh bien, le jeu a encore quelques atouts sympathiques, comme le retour de l’Ancient Cave (long donjon généré aléatoirement où l’on doit récupérer progressivement de l’équipement) si cher à la série, auquel j’ai à peine touché tellement ça demande d’investissement (et ce n’est paraît-il pas le meilleur de la série) ; le système de classe que j’ai à peine évoqué : assez tôt dans le jeu, vous pourrez attribuer une classe à chacun des trois héros (Bau et Dekar ne peuvent pas changer de classe) en parlant à des PNJ qui jouent le rôle de professeur. Vous gagnerez ainsi des compétences propres à chaque classe au bout d’un certain nombre de combat. Mais pourquoi diantre ont-ils autant abusés sur le nombre de combats à faire pour les classes de heal et mages (les plus importantes donc) quand à côté on plie la classe du moine et sa version supérieure en tout juste trente combats ?! Mystère...
Reste donc le principe des Disc Monsters, ayant un peu évolué depuis Lufia 2. Ici, on capture directement les monstres en combat via des « disques » (cela se fait relativement facilement, même pour des monstres de hauts niveaux), il faut ensuite les associer à un personnage et ils pourront alors se battre à ses côtés en combat. Mais là encore, le système a été mal équilibré, et les monstres, quels qu’ils soient, ratent la moitié de leurs attaques, où alors font trop peu de dégâts... Leur seul intérêt se situe dans le fait de pouvoir fusionner avec le monstre lorsque la barre d’IP est pleine, le personnage est alors invincible pendant 3 tours et lance une attaque qui, là encore selon les cas, sera efficace ou non. Amusant sur le principe mais trop peu utile au regard de la difficulté des combats, on aura vite fait de laisser les monstres sur le banc de touche une fois qu’on aura recruté Dekar et Bau, bien plus efficaces.

Que dire de plus ? Le jeu avait tout pour plaire, mais chaque aspect qui aurait pu être intéressant est gâché par ses défauts, et tout paraît en demi-teinte. Il en va de même des graphismes, tout juste corrects pour la console, ou des musiques sympas mais tout de même peu inspirées. À la rigueur, ils ont eu la bonne idée de reprendre le très chouette thème des combats de Lufia II... On aurait envie de se dire que l’équipe des dévs a fait au mieux avec ce qu’ils avaient, mais le jeu se permet aussi d’accueillir quelques bugs, heureusement peu gênants pour la plupart : les persos qui traversent les décors à certains endroits, la musique qui change sans raison après un changement de classe, ou plus drôle, mes attaques avec Eldin ont fait 999 de dégâts contre le boss final, sans que je puisse l’expliquer. Notez que ça ne l’a pas empêché de me pulvériser... Je n’ai plus eu les 999 de dégâts lors de ma deuxième tentative :’(
Le plus grand signe que le jeu a été fini à l’arrache ? Il n’y a pas de générique de fin. Tout simplement.

La fusion de monstre était cool sur le papier. Dommage que ce soit si peu efficace en combat.

Bon, au final, que penser de ce Lufia : Ruins of Lore ? Vaut-il le coup d’être joué ? Aussi étrange que ça puisse paraître après tout ce que je viens de reprocher au jeu, j’ai tout de même apprécié ma partie, probablement plus pour le plaisir de retrouver un univers et un gameplay classique que pour les réelles qualités du jeu. Si celui-ci vous tente, parce que vous êtes fan de rétro ou êtes curieux de connaître les épisodes méconnus des Lufia, vous passerez sûrement un bon moment, même si ce dernier ne sera pas inoubliable. Pour les autres, il vaut probablement mieux (re)jouer aux épisodes SNES !

Mon ressenti final : Sympa, mais bien content de le finir !

À bientôt pour une autre découverte RPGesque !

Salut Gamekyo !

Aujourd'hui, vous vous en doutez, on va parler nostalgie. En effet, après avoir laissé ma sauvegarde en plan pendant près de 17 ans (!!!), j'ai enfin fini ce petit bijou de la PS1. Le temps de retrouver mes marques (et surtout, de lire une soluce pour essayer de me retrouver dans la timeline du jeu...) pour constater que j'en étais un peu après le début du CD2, il m'aura fallu 40h de plus au 50h déjà notées au compteur quand j'ai repris ma sauvegarde pour finir le jeu, les trois donjons optionnels compris.

Bon, je ne vais pas vous faire l'affront de vous expliquer que le jeu était bien, je pense que tout le monde ici est au courant, et à peu près n'importe quel test trouvé sur le net ira dans ce sens.

(Allez hop, coup de nostalgie, bim !!! http://www.youtube.com/watch?v=rMz-beUghuU)

Non, je vais plutôt parler de ces petits détails qui m'ont frappés durant cette replongée 17 ans après dans un jeu qui m'avait émerveillé à l'époque, en me faisant dire que finalement, on était beaucoup plus indulgents sur certaines choses. (Et je vais spoiler, mais pas beaucoup, donc vous ne devriez pas craindre grand chose même si vous n'avez pas fait le jeu)



Alors oui, il y avait toutes ces choses qui faisaient le charme du jeu, et qui ont été un vrai plaisir à retrouver : les dialogues enjoués, les mimiques super-expressives des personnages, tous très attachants, les scénettes où les persos discutent entre eux autour du repas, les musiques sublimes, le système de combat bien sûr et notamment la possibilité d'augmenter les niveaux des armes et magies jusqu'au niveau 99 (bon, en fait j'ai à peine atteint le niveau 50 XD il y a bien une magie de Feena qui se débloque au niveau 99 pour les magies d'eau et de vent, mais je n'ai pas été assez patient pour farmer jusque là...), la vastitude relative des environnements et donjons. Et surtout, cette ambiance d'aventure qui vous transporte et marque toute la première partie du jeu, mais qui passe malheureusement au second plan dans la deuxième, puisque le ton devient plus sérieux pour finir par sauver le monde (classique).

J'ai d'ailleurs eu le sentiment que cette deuxième partie a été un peu expédiée niveau scénario (comme souvent pour les fins de jeu), je me serais attendu à plus de révélations, notamment sur Alent et la civilisation Angelou. Mais il se passe pas mal de trucs épiques quand même, qui m'auront bien plus fait rêver que ce qui est proposé dans beaucoup de RPG récents. Il y a deux-trois grosses facilités scénaristiques aussi...
(Spoiler :
)

Pourtant dans l'ensemble, il y a pas mal de défauts qui n'auraient sans doute pas été pardonnés si le jeu était sorti de nos jours (sous la forme d'un remake basique, par exemple). En tout cas, quand je lis certaines critiques sur ce site, je pense que certains auraient mal digérés un jeu avec ces aspects problématiques.

En vrac :
- les combats passablement longs et fréquents (et c'est encore pire quand on veut prendre le temps de grinder les armes et magies), même si on peut voir les ennemis sur la carte et essayer de les éviter.
- Les boss posés en plein donjon qui vous attendent sagement... ça fait bizarre (d'autant qu'il n'y a ni cinématique, ni dialogue avant de les affronter).
- pas de carte en donjon, juste des "points de vue" qui lorsqu'on se pose dessus permettent d'avoir une vue en hauteur des environs (même pas du donjon entier !), seule la boussole indique la direction de l'endroit à atteindre, sans pour autant que le bon chemin pour y aller soit dans cette direction. Les donjons ne sont pourtant pas très grands, mais entre le fait de se perdre et les combats nombreux, on peut vite y passer des heures.
- Ce qui me fait dire qu'une partie de la durée du vie du jeu est très artificielle, car aux donjons s'ajoutent quelques passages scénaristiques parfaitement inutiles dans l'avancée de l'histoire. Ça arrive peu souvent cela dit, au regard de tout ce que l'histoire nous propose et nous fait découvrir.
- le système relou de gestion des objets (et passer par un menu chaque fois qu'on en ramasse un pour savoir à quel perso le donner...)
- les musiques, sublimes dans l'OST, sont réduites à de simples boucles dans le jeu, ne rendant pas honneur aux morceaux. La plupart des donjons n'ont qu'une simple musique d'ambiance, voire pas de musique du tout...
- Certains personnages vite expédiés (Milda, Guido...), d'autant qu'ils ne restent pas dans l'équipe très longtemps. De même, les scénettes où les persos discutent autour de la table se font assez rare dans la seconde moitié de jeu, alors que c'était justement le meilleur moyen de les développer.
- Le scénario très cliché gnan-gnan (mais je les aime bien les clichés gnan-gnan, moi ). J'ai aussi été un chouilla déçu du traitement de Feena, qui est passé "d'aventurière badass" en début de jeu à "frêle jeune fille aux pouvoirs mystiques dépendante du héros" sur la fin.
- D'une manière générale, le déroulement du jeu est assez redondant, en alternant simplement entre villes pour faire avancer l'histoire et papoter, et donjons remplis de monstres, qui constituent la majeure partie du temps de jeu du joueur. Très peu de mini-jeux, aucune quête annexe, hormis les trois donjons optionnels bien durs (mais pas insurmontables, ils peuvent d'ailleurs se faire dès que vous tombez dessus, sans attendre la fin du jeu). Pas grand chose pour donner de la variété au jeu en somme.
- Graphiquement, le jeu a pris un coup de vieux, mais là j'apprend rien à personne.
- Et bien entendu, il y n'a aucun new game +, donc zéro replay value.
- Concernant la traduction française (donc ce n'est pas vraiment inhérent au jeu) : Les dialogues sont vivants et c'est cool, mais on sent aussi certaines facilités d'écriture probablement dues à la limitation des textes pour les traducteurs. Du coup, certains dialogues ou certaines façon de parler en deviennent bizarres... Sans compter les traductions trop littérales d'onomatopées et de ponctuations, conduisant à des phrases sans aucun sens. Mais le plus fort restera le passage en cours de jeu des doublages anglais (durant les dialogues avec texte) aux doublages français (durant les cinématiques sans texte), parfois même durant la même cinématique... Ah, et ils s'embêtent même plus à la fin, les voix françaises sont doublées par dessus les voix anglaises, donc on entend les deux à la fois ^^ Personne n'oserait faire ça de nos jours XD



Un a un, ces "défauts" ne rendent pas un jeu mauvais, mais pris ensemble, ils créent un déroulement de jeu un peu lourd qui ne sera pas apprécié de tous. En fait, je suis sûr que je pourrais les appliquer individuellement à d'autres j-rpg récents, ces jeux se seraient fait sacquer par la presse et bouder par les joueurs, pour ces raisons-là. Dis autrement, si un jeu était sorti de nos jours sous un autre nom, avec cette même construction et ces mêmes défauts, il aurait été au mieux qualifié de "bon petit jeu sympa sans plus". Pourtant Grandia a marqué les joueurs à son époque, et on en parle encore comme un des meilleurs RPG qui soit.

Alors pourquoi ? Étions-nous plus indulgents face à ce genre de défauts avant, ou est-ce que cela nous gênait moins car nous n'avions pas encore un véritable esprit critique ? Sommes nous devenus trop critiques envers les jeux aujourd'hui ? Ou encore est-ce que, comme le diront ironiquement certains, "ce n'était pas mieux avant" ?

Pour ma part, contrairement à ce qu'on pourrait penser après m'avoir vu détailler tous ces défauts, j'ai vraiment pris mon pied dans cette deuxième moitié de jeu et retrouvé toutes les sensations que j'aimais dans les jeux d'avant. Et si j'ai pris plaisir à suivre les aventures de Justin et ses amis, c'est principalement grâce à l'ambiance qui se dégage du titre et au caractère bien trempé des personnages. C'est aussi grâce à la variété des environnements et situations, qui donnent tout leur sens à l'esprit de grande Aventure (avec un grand A, donc) que veut faire partager le titre. Dans le fond, le gameplay, la maniabilité, la cohérence du scénario et globalement la plupart des défauts évoqués ont été assez secondaires.
Malheureusement pour moi, cette façon de raconter des histoires a changé, à la fois parce que les goûts ont évolués vers d'autres choses et que les moyens techniques, s'ils permettent de montrer des choses bien plus belles et avec plus d'impact, font aussi qu'on ne peut plus proposer autant de choses à voir avec un rythme soutenu sans perdre 10 ans à développer un jeu.



Alors face au "c'était pas mieux avant", je dirais simplement que ce n'était ni mieux ni moins bien (ça tiens surtout du ressenti de chacun), mais différent. Il n'y avait pas les mêmes objectifs lors de la création d'un jeu, et pas les mêmes contraintes. Pas les mêmes moyens. L'ambiance de créativité de l'époque n'était pas la même non plus. L'histoire d'un gamin qui rêve d'être aventurier et parcourt le monde, c'était intéressant à raconter à l'époque, ce n'est peut-être plus le cas aujourd'hui (moi je trouve ça triste, j'ai l'impression qu'on a perdu notre âme d'enfant, sacrifiée sur l'autel du "toujours plus sombre, toujours plus mature").

Je regretterai toujours que les créatifs japonais se soient lancés dans la vague du "moé", où le design et le caractère d'un personnage, généralement basé sur des stéréotypes, passent au premier plan pour créer de l'attachement de la part du joueur/spectateur, souvent au détriment du fond.
Mais dans l'absolu, il n'est pas étonnant que l'on ne revoie plus de jeux de la même trempe que Grandia de nos jours.

N'empêche, je me dis que nous gagnerions peut-être a prendre un peu plus de recul sur nos jeux (récents comme anciens) et les jugements que nous portons sur eux, pour mieux les apprécier

Et vous, quels sont vos souvenirs sur le jeu ? Que pensez-vous du jeu maintenant ?

Merci d'avoir lu jusqu'au bout !

P.S : Je cherche encore a quel endroit du jeu on entend cette musique XD : http://www.youtube.com/watch?v=A21n0UAy478
Il me semble pourtant avoir parcouru toutes les zones du jeu, mais je n'ai pas le souvenir de l'avoir entendu. Si vous avez une idée...