Metroid est sorti il y a tout juste 35 ans sur Famicom Disk System ! Si Nintendo n'a rien prévu de spécifique pour célébrer cet anniversaire, la licence n'est cependant pas au repos, avec la sortie prévue en novembre de Metroid Dread, sans compter un projet Metroid Prime 4 toujours en cours et une compilation Metroid Prime Trilogy qui serait gardée en réserve.

Je me devais de marquer le coup avec une actualisation de mon dossier sur gameforever.fr, qui revient sur tous les épisodes de la série, y compris ceux à venir.

Pour Gamekyo, l'extrait que je vous propose se limite au tout premier Metroid - le sujet du jour - et je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/metroid.php

Bonne lecture !


Arpentant les cavernes sombres remplies des monstres les plus abominables de la galaxie, parcourant les ruines d'un peuple mystérieusement disparu, vous voilà lâché avec très peu d'indices dans une mission assurément dangereuse : traquer les Pirates de l'Espace, trouver les origines d'un mystérieux poison mutagène, explorer une station spatiale abandonnée, répondre à un appel de détresse ou encore exterminer une espèce de créatures particulièrement dangereuse... Telles sont les aventures qui vous attendent en incarnant la belle mais secrète Samus Aran !
Car Metroid n'est pas seulement le nom de la créature éponyme, c'est surtout l'histoire d'une héroïne dont les joueurs ont initialement pensé qu'elle était un homme, voire un robot, avant de progressivement faire plus ample connaissance avec elle.


> Metroid

Le premier épisode de cette saga sort en 1986 sur Famicom Disk System (l'extension de la Famicom uniquement sortie au Japon), puis converti sur les NES occidentales en 1987. Gunpei Yokoi et son équipe, notamment composée de Yoshio Sakamoto (game designer, scénariste et producteur de nombreux jeux de la série), avaient l’idée d’un jeu où le joueur serait laissé à l’abandon dans un labyrinthe. Cette idée avait ainsi pour objectif de proposer un jeu d’action qui puisse se démarquer, et surtout, avoir une identité propre.

Après des premières réunions, cette petite équipe propose un jeu s’inspirant du film Alien, de Ridley Scott. L’idée d’un héros seul, arpentant des couloirs sombres afin de terrasser des aliens, séduit Nintendo. Metroid est lancé ! L’histoire narre l’aventure d’un chasseur de primes, Samus Aran, équipé d’une combinaison de combat sophistiquée tirant des missiles. Suite à un raid des Pirates de l’Espace sur un vaisseau de la Fédération Galactique, ceux-ci s’emparent d’une forme de vie extraterrestre potentiellement dangereuse, les Métroïdes, découverte sur la planète SR-388. Samus Aran est dépêché par la Fédération Galactique sur la planète Zebes, afin de détruire les Métroïdes et le chef des Pirates, Mother Brain.

Là où Metroid va innover, et imposer sa patte, c’est sur le déroulement du jeu. Le joueur est laissé à son seul instinct, à sa seule envie de découvrir le jeu, et non de suivre un couloir sans se poser de questions. Si des passages lui sont inaccessibles, c’est qu’il y a quelque part une capacité, cachée dans un coin du labyrinthe, qui lui permettra de franchir cet obstacle. Sans notice, difficile en revanche de savoir quelles sont ces capacités et comment elles s'activent, mais citons tout de même la célèbre Boule Morphing, qui s’acquiert dès les premières secondes de jeu, et qui permet de transformer Samus en boule (idéal pour se faufiler dans les moindres recoins) ; mais également les missiles, les bombes, le super-saut ou le rayon de glace.
Assez rapidement dans la progression, on comprend - sans aucune explication - que le but ultime est d'accéder à une zone interdite, là où se terrent les métroïdes ainsi que le boss final du jeu, Mother Brain, l'intelligence qui contrôle les Pirates de l'Espace.


L'entrée du repaire de Mother Brain se trouve à proximité du point de départ, mais il faudra d'abord trouver et vaincre 2 boss, Kraid et Ridley, pour débloquer l'accès

Le jeu s’avère relativement court au bout du compte, mais sa difficulté et la sobriété de sa réalisation (des décors noirs et répétitifs) en auront découragé plus d’un. La récompense est cependant digne de l’effort effectué. A condition d’avoir une bonne fin (donc de finir le jeu suffisamment rapidement et de mourir le moins de fois possible), le joueur va découvrir que ce Samus Aran qu'il contrôlait n'est pas un homme baraqué... mais une charmante demoiselle aux cheveux bruns (oui, bruns, et pas blonds) ! Une audace à plus d'un titre : les héroïnes de jeux vidéo étaient très rares en 1986 - Samus étant considérée comme une des pionnières, mais la féminité du personnage (et les stéréotypes qui vont avec) n'est absolument pas mise en avant.
Pourquoi ce choix d'une héroïne ? Non pour imiter Alien, mais apparemment une "décision d'avant-dernière minute", alors que le héros n'affichait initialement pas d'autre apparence que celle d'un androïde. Et le mystère sera bien gardé, Samus ayant longtemps été considérée comme un personnage masculin... jusqu'à la révélation forcément stupéfiante !


De nombreux codes (dont le fameux JUSTIN BAILEY) permettent de démarrer l'aventure avec Samus sans sa combinaison ; la preuve également irréfutable que Samus a toujours été une femme !

Metroid va connaître un joli petit succès, et deviendra un des jeux emblématiques de la NES. Signes de son succès, ce premier volet, en plus de poser les bases de la série, sera porté sans modifications sur de très nombreux supports (Game Boy Advance, Wii, Wii U, Switch, sans oublier la mini NES), en bonne place parmi les classiques de la 8-bits de Nintendo ou en jeu bonus avec d'autres volets de la série (Metroid Prime - sa suite scénaristique directe, ainsi que Metroid Zero Mission - son remake).


35 ans, et forcément il reste beaucoup à lire dans ce dossier qui revient sur les moments forts de la série (Super Metroid, Metroid Prime...) mais aussi les heures sombres (Federation Force...).

A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/metroid.php

En fin d'article, vous pourrez également télécharger AM2R (version 1.5 en français), le remake amateur de Metroid II !

Le tout premier Streets of Rage (Bare Knuckles au Japon) est sorti il y a tout juste 30 ans sur la Megadrive japonaise !
Après un long sommeil, la série se porte toutefois bien grâce à un Streets of Rage 4 enrichi de son tout récent DLC Mr. X Nightmare. De quoi se replonger dans l'univers de la série, avec le dossier de Kim (un membre de gameforever.fr), consacré essentiellement à une analyse de la trilogie Megadrive.

Pour Gamekyo, je vous partage la première partie sur le premier Streets of Rage.
Si vous souhaitez lire l'article complet, je vous invite à aller sur gameforever : https://www.gameforever.fr/streetsofrage.php

Bonne lecture !


"La ville est en ébullition ! Cette ville qui fut autrefois heureuse, paisible, productive et pleine de vie et d'activité est tombée aux mains d'un syndicat secret du crime. Le chef du syndicat a réussi à garder son identité secrète jusqu'à maintenant. L'organisation a pris très rapidement le contrôle du gouvernement de la ville (tout le monde peut être acheté, il suffit d'y mettre le prix). Ils ont même la police métropolitaine dans leur poche. Pillage, violence et destruction sont partout. Il est dangereux de se promener dans les rues, de jour comme de nuit... Tandis que le chaos continue, trois jeunes officiers de police essaient d'établir une unité de combat spéciale. Leurs chefs refusent de les aider, la plupart parce qu'ils ont été achetés par l'organisation et les autres par peur de s'opposer. Un jour, alors qu'ils ne pouvaient plus supporter de se tourner les pouces et de voir leur ville détruite, ils quittèrent la police. Adam Hunter, Axel Stone et Blaze Fielding décidèrent de laisser tomber leur carrière dans la police et de mettre leurs vies en jeu. Ils n'ont pas d'armes, mais chacun possède des techniques de combat à mains nues. Accompagnez-les au coeur de la ville et affrontez les plus dangereux bandits et criminels jamais réunis. Faites de cette ville un endroit où les gens ne craignent pas de sortir dans les rues !"

C'est ainsi que fut décrit le point de départ de Streets of Rage dans le carnet du premier épisode. La ville jouant un rôle important dans cet opus, elle sera l'arène de toute une série d'affrontements, violents et sans relâche...


> Streets of Rage : la noirceur de la ville

Ce qui frappe en premier lieu dans Streets of Rage, c'est que tout se passe la nuit. L'intégralité des huit niveaux n'est éclairée que par des lampadaires et autres néons scintillants. Et pour renforcer cette noirceur, la palette utilisée par la Megadrive est diaboliquement sombre ! Des couleurs tantôt ternes, tantôt à dominante bleu ou vert foncé, ne font qu'appuyer les abîmes des rues malfamées que vous devrez traverser. Dans le premier niveau par exemple, seules des cabines téléphoniques ou autres pommes redonnent un brin de vie avec un semblant de couleurs vives. Tout y est noir à tendance bleu, une longue rue à traverser bordée d'enseignes lumineuses, grouillant de punks et de prostituées à fouets. Le stage est assez répétitif dans son décor, mais le charme y est. Sans pour autant voir le ciel, on sait déjà que la nuit s'abat sur ces ruelles inquiétantes. L'arrière-plan ne diffère qu'une seule fois durant le stage, laissant entrevoir une porte coulissante dans le fond renfermant encore plus d'ennemis.
Vous verrez en cours de route des cabines téléphoniques que vous pourrez détruire pour récupérer des points de vies (pommes ou corned-beefs), des couteaux (l'arme la plus puissante du jeu) ou bien encore des battes de base-ball (ou dans le même genre, des tubes de tuyauterie). A la fin, c'est un homme géant que vous affronterez. Géant, tout comme tous les autres boss de fin. Armé d'un boomerang, assenez-lui coups de poing et chutes de dos pour en venir à bout !


Le premier niveau, tout un symbole !

Les autres niveaux sont moins linéaires et plus variés. Le second offre un prolongement du premier. C'est une rue des bas fonds, désaffectée ; une rue où le vent file droit et soulève poussière, cannettes et journaux. Des posters décollés de starlettes ornent les murs aux vitres cassées. Les grillages du fond nous montrent au loin les quartiers précédemment fouillés. Mais attention, un terrible ennemi aux griffes acérées s'y cache, sans doute le plus dangereux d'entre tous !

Au terme de ce combat, le troisième stage se révèle comme étant le plus ambiancé et ce, grâce à l'apport magique et sonore du maître Yuzo Koshiro. C'est sous une pluie battante que vous évoluerez, sur le sable tout près des vagues déchainées et entre les nombreux palmiers. Tout comme le second niveau, le décor de fond nous dévoile l'endroit que nous venons de visiter. Cette plage, improvisée arène de combat, est ainsi entourée de buildings, et ce système prendra place à chaque nouveau background.
L'innovation vient sans aucun doute des Rounds n°4 et 7. Dans ce premier, des trous au sol vous obligeront à prendre des chemins sinueux, au risque de tomber dans le vide. Et dans le second, vous prenez place dans un ascenseur menant tout droit au repaire de Mr. Big. L'altitude prise vous donnera certaines opportunités, comme projeter vos adversaires par-dessus la rambarde, mais faites attention, c'est aussi valable pour vous ! Après de multiples coups donnés et reçus, dernier étage, vous êtes arrivé, il est temps de pénétrer dans le dernier chapitre sous ce beau panorama de la ville encore sous le choc.


La nuit est tombée sur la ville et le combat fait rage. Remarquez les teintes sombres, vertes et bleues

Sega avait déjà proposé de nombreux beat'em all, notamment Golden Axe, mais Streets of Rage contient son lot de nouveautés. L'intervention de la police est sûrement la plus belle d'entre elles : le bouton A peut être actionné à n'importe quel moment, mais l'utiliser dans des moments critiques convient le mieux (sauf dans l'ultime niveau du jeu, où il vous sera impossible de faire appel à lui, l'action prenant place dans l'enceinte de la propriété du syndicat). Votre ami policier débarque alors avec sa voiture et canarde tous les malfrats présents à l'écran à l'aide de son lance-roquettes (player 1) ou de sa sulfateuse (player 2).

Le style de combat regorge aussi de coups inédits. Du simple enchainement à quatre coups, aux coups arrière frappant l'ennemi alors que vous avez le dos tourné, les attaques à deux demeurent les plus marquantes. Alors qu'il est possible d'approcher et de maintenir vos ennemis, vous pouvez faire de même avec votre compagnon. Une fois en main, il n'y a qu'à le projeter dans les airs pour que celui-ci exécute un saut périlleux des plus dévastateurs !

Enfin, dans le chapitre de l'inattendu, on a le droit à une "Bad Ending" disponible en mode deux joueurs. Une fin qui fera de vous le nouveau maître de la ville ! Lorsque Mr. Big vous demande si vous voulez devenir son bras droit, l'un des deux personnages doit répondre "oui". Un combat entre eux est alors organisé, et si celui qui a répondu "oui" bat son adversaire et le syndicat du crime, la nouvelle fin est activée ! Votre personnage bascule alors du côté obscur et prendr place dans le fauteuil du chef du crime en nous lançant un sourire démoniaque ! Un détail surprenant et jamais repris jusqu'alors, qui rajoute à la noirceur de ce hit qu'est Streets of Rage.


Montage montrant les "Bad Endings" de vos personnages qui sont passés de l'autre côté...

Peut-on dire que le jeu est réaliste ? A mon sens, oui. A ceci près qu'il faut avoir des ressources inhumaines pour combattre aussi longtemps, SoR ne présente aucun super pouvoir mais des coups des plus basiques. Le genre policier, tel que l'aurait fait un film, est très présent que ce soit dans le scénario de base que dans le courant de l'action. Graphismes obscurs, impacts des bruitages, musiques métalliques et énigmatiques, personnages violents et décidés, tous les critères soutiennent le mystérieux. Une pointe de réel que va complètement délaisser le second opus au profit d'une fantaisie complètement assumée !


Ce sera tout pour ce long extrait. La suite de l'article de Kim traite des opus 2 et 3, et évoque également les principaux projets amateur (notamment Streets of Rage Remake, avec un lien en fin de dossier pour télécharger le jeu) ainsi que Streets of Rage 4.
A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/streetsofrage.php

Donkey Kong a 40 ans ce 09/07/2021 ! Et je fête ça en partageant un extrait de mon dossier consacré à ce vilain gorille devenu héros, et qui revient sur sa naissance avec le jeu éponyme de 1981, puis sa renaissance avec Donkey Kong Country en 1994.

L'article complet est à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/donkeykong.php

Je parle notamment de la suite de la carrière du gorille encore pleine de succès, et livre une analyse sur le personnage – notamment cette question existentielle : y-a-t-il un seul Donkey Kong ?

Bonne lecture !

PS : Mais... au fait, ne serait-ce pas également le 40ème anniversaire de quelqu'un d'autre ?


Donkey Kong est certainement l’un des personnages les plus connus du jeu vidéo, juste derrière Mario. Le grand singe, avec une cravate rouge pour seul costume, a pourtant eu un parcours pour le moins atypique, puisque de statut de méchant à sa création, il est passé à celui de héros à la suite d'un jeu, Donkey Kong Country, qui a contribué à sa popularité. L’histoire du personnage de Donkey Kong est donc avant tout celle d’une renaissance.


> Donkey Kong et Jumpman

Nous étions en 1981, Nintendo sort un jeu d’arcade culte à plus d’un titre : je parle bien sûr de Donkey Kong ! Ce jeu, conçu par Shigeru Miyamoto voit en effet les naissances de deux stars du jeu vidéo : Mario et Donkey Kong. Tout comme Mario a sa légende, le gorille n’est pas né sans qu’il n’y ait d’anecdotes à son sujet.


Le premier niveau légendaire de Donkey Kong, dans lequel le gorille fait rouler des tonneaux

La première d’entre elles, et non des moindres, est que ce n’est pas Donkey Kong qui aurait dû tenir la vedette : dans les premiers stades de sa conception, le jeu devait en effet être une adaptation du dessin animé Popeye. Nintendo ne cachait pas son intérêt pour cette série de cartoons américains et souhaitait en acquérir la licence.
Le célèbre marin mangeur d’épinards devait donc tenir le rôle du héros, partant secourir sa fiancée Olive enlevée par l’infâme Brutus. Seulement, faute d’accord avec le détenteur de la licence Popeye, Miyamoto trouva une solution de rechange. On devine aisément qui remplacera Brutus dans le rôle du méchant lanceur de tonneaux : un gorille qui prendra le nom de Donkey Kong… ou bien serait-ce « Monkey » Kong ? Popeye sera quant à lui remplacé par un charpentier, Jumpman, et Olive par une dénommée Lady.

Le concept du jeu définitivement arrêté, Nintendo et Miyamoto ne cachent pas s’être clairement inspirés du personnage King Kong, et les bénéfices engrangés ont suscité les convoitises. Aussi, quand bien même le gameplay diabolique de Donkey Kong est l’œuvre unique de Nintendo, Universal Studios intenta un procès en plagiat au début des années 80 contre Nintendo et toutes les sociétés ayant adapté le jeu pour différents supports. Alors que la plupart des sociétés acceptent de payer les royalties à Universal (dont Coleco, qui a adapté Donkey Kong sur Colecovision et Atari 2600), Nintendo défend son jeu, et son avocat – un dénommé John Kirby – fait valoir avec succès que la licence King Kong étant tombé dans le domaine public, elle était ainsi libre de droit. Nintendo remporte ainsi son procès, et pourra continuer à utiliser son personnage Donkey Kong.

Nintendo en profitera pour établir le parallèle avec le modèle King Kong, jusqu’au point d’inverser les rôles dans la suite, baptisée Donkey Kong Jr. Le fils de notre gorille part secourir son papa du méchant Jumpman qui l’a enfermé dans une cage. À noter que ce sera la seule fois où Mario jouera le mauvais rôle !


Chaque personnage fait des écarts dans la vie, Mario fut donc le temps du jeu Donkey Kong Jr. un vilain tortionnaire !

Le premier rival de Mario est ainsi plus bête que méchant (d’où le nom « donkey » qui signifierait idiot), et après un Donkey Kong 3 anecdotique, le personnage sera longtemps laissé à l’abandon. Durant cette mise à l’écart, Jumpman (rapidement baptisé Mario) verra sa popularité atteindre rapidement des sommets, passant du rang de simple héros anonyme à celui de star, au point de délaisser Lady (renommée Pauline) pour une princesse, vivre des aventures dans un royaume fantastique regorgeant de champignons magiques, et affronter un nouvel ennemi, Bowser, qui se présente comme un vrai méchant patenté !

La place de vilain n’est donc plus libre pour le gorille ; Donkey Kong est mis à la retraite.


> La renaissance de Donkey Kong

1994 est à plus d’un titre une renaissance pour le grand singe. Nintendo n’a en effet jamais oublié que le jeu Donkey Kong est une pierre fondatrice de son empire vidéoludique, et se décide à remettre son classique au goût du jour. Le gorille reprend ainsi du service pour Donkey Kong sur Game Boy, et redevient alors le méchant qu’il a été, affrontant toutefois un Mario bien plus fort et agile qu’avant. Qu’à cela ne tienne, Donkey Kong mettra aussi beaucoup plus de temps à s’avouer vaincu, dans ce jeu mêlant action et réflexion comptant approximativement 20 fois plus de niveaux que le jeu de 1981 !


Donkey Kong "94" (ici avec ses couleurs Super Game Boy) a connu son petit succès et a initié la série des Mario Vs Donkey Kong

Mais la véritable renaissance du gorille se fera dans les locaux de Rare, un développeur anglais à qui Nintendo confie la licence Donkey Kong. Rare va faire du singe le héros de son jeu, et créer autour de lui un univers, une famille, des ennemis, les kremlings (des crocos vraiment pas sympas), et un méchant à affronter, King K. Rool.

Le résultat, on le connaît tous, il s’agit de Donkey Kong Country, l’un des jeux les plus marquants de la Super Nintendo. Techniquement, le jeu reste superbe, même à l’heure actuelle, et sa réussite parvient à éclipser Mario. Quelle belle revanche du gorille contre son rival de toujours ! Pourtant, Shigeru Miyamoto n’apprécia d’abord pas le travail effectué, estimant que la forme avait pris le dessus sur le fond du jeu, pour se raviser ensuite devant le succès du jeu.


Donkey Kong Country aura été une des plus grandes réussites du studio Rare, et aura contribué à sa renommée

Le design de Donkey Kong aura également subi un sérieux lifting après le passage chez Rare, et le singe ne connaîtra d’ailleurs plus de changements notables à partir de cette époque.

Le succès de Donkey Kong sera tel qu'en France, la chaîne de télé France 2 obtiendra l'exploitation de la licence pour ses émissions jeunesse (La Planète de Donkey Kong, puis DKTV.cool) de 1996 à 2001.

Paradoxalement, son plus grand rival ne sera pas le crocodile King K. Rool, le big boss du jeu, mais bien son acolyte, Diddy Kong ! Créé afin de permettre à un deuxième joueur de participer à l’aventure, Diddy ne va finalement pas devenir le Luigi de service, et fera équipe avec Donkey Kong, y compris pour le mode 1 joueur où l’on pourra intervertir les héros en cours de partie.

Éclipsé par son copain Diddy suite à un sondage effectué par Nintendo auprès des joueurs nippons, Donkey Kong sera ainsi enlevé dans Donkey Kong Country 2 - Diddy's Kong Quest, et le sera à nouveau pour Donkey Kong Country 3, cette fois en compagnie de Diddy. Donkey Kong n'apparaissant ainsi comme jouable que dans un seul volet de la trilogie SNES, ne sera donc pas le personnage principal de sa propre série Donkey Kong Country, ce qui est tout de même un comble.


Donkey Kong enlevé et déjà mis au placard dès le second volet, remplacé par la charmante Dixie

Drôle de renaissance donc, puisque l’histoire semble bégayer avec ce pauvre singe. Malgré tout, la cote de popularité de DK n’aura cette fois pas été affectée, puisqu’on le retrouvera rapidement prendre sa place aux côtés de Mario dans Mario Kart 64 !


C'est tout pour cet extrait, je vous invite à lire, si vous le souhaitez, la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/donkeykong.php

Il y a encore beaucoup de choses à dire sur Donkey Kong, en espérant que les rumeurs sur un nouveau jeu DK ne soient pas aussi fumeuses que celles concernant la Switch Pro 4K !

Mon dossier consacré à ce mythique studio est en ligne depuis maintenant un peu plus de 10 ans sur gameforever.fr. S'il a déjà été mis à jour par petites touches, je devais faire une révision plus générale, et surtout, l'actualiser avec les dernières infos.
J'attendais donc de l'E3 2021 un peu de nouvelles du studio (notamment concernant Everwild), mais il n'y en a pas vraiment eu, ou tout du moins, pas de bonnes nouvelles.

Le dossier revient sur l'ensemble de la production du studio anglais, d'Ultimate Play the Game à l'ère Microsoft.
Et pour Gamekyo, je vous propose un extrait justement consacré aux années 2010-2020 ; pas forcément les années les plus fastes du studio !

Si vous souhaitez lire l'article complet (et du début), je vous invite à aller directement sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/rare.php

Bonne lecture !


> Une composante de Microsoft Studios

Tous les joueurs savent-ils que derrière Kinect Sports se cache en réalité le studio anglais ? Suite aux déceptions commerciales de Viva Piñata et de Banjo-Kazooie – Nuts & Bolts, Rare s'est essentiellement consacré entre 2010 et 2015 aux projets Kinect de Microsoft, en témoignent les sorties de 3 Kinect Sports. Les avatars de la Xbox 360 (rappelant les Miis de la Wii) ont également été conçus par Rare. Bref, toute l’organisation du développeur anglais semble rappeler Nintendo. Cela dit, si le concurrent de Wii Sports est bien sorti, Rare n’a jamais proposé un jeu de la trempe de Mario Galaxy.


La division "casual" de Rare a tenté de reproduire pour Microsoft le succès rencontré par Nintendo avec Wii Sports

Après quelques années à désespérer d’une moindre annonce de licence "gamer" de la part du développeur, le 3ème Killer Instinct – longtemps attendu – sort sur Xbox One « à compter » de 2013, presque 20 ans après la sortie du premier. Passée l’annonce fracassante, le jeu n’a en fait pas été développé en interne par Rare, mais par deux autres studios, Double Helix Games puis Iron Galaxy (qui a largement complété le jeu jusqu’en 2017). Le logo du développeur britannique est tout simplement absent du jeu, remplacé par celui de Microsoft Studios, et seule la présence inattendue de Rash (Battletoads) en combattant invité rappelle aux plus nostalgiques que Killer Instinct était initialement une licence de Rare.


Symbole de l’intégration de Rare dans Microsoft Studios, Killer Instinct "2013" a été développé par des studios tiers

Alors que le désaveu de Kinect par Microsoft ainsi que l’échec commercial de Kinect Sport Rivals sur Xbox One ont plongé Rare dans un marasme inquiétant sur fond de licenciements, 2015 marque pourtant le retour du studio, avec Rare Replay, une compilation de 30 de ses titres (hors licences James Bond, Disney ou Nintendo), de Slalom (1986) à Banjo-Kazooie – Nuts & Bolts (2008 ), ainsi qu’une sélection des meilleurs titres d’Ultimate (Jetpac, Sabre Wulf...). Ce bout d’histoire, même amputé d’un certain nombre de ses légendes, suffit à rappeler que le développeur a compté. Mais ça, les connaisseurs le savaient déjà !

Ce qui importe, c’est que Rare puisse proposer une nouvelle production ambitieuse, à la fois créative et solide en terme d’expérience de jeu. Aussi, quand Sea of Thieves fut annoncé en 2015, promettant d’embarquer les joueurs dans un monde de pirates (avec îles aux trésors et batailles navales), l’enthousiasme baissa certes d’un cran devant un concept vaporeux, mais la curiosité fut néanmoins entretenue.
Initialement prévu pour 2016, le jeu sort finalement en 2018 sur Xbox One et PC après un développement plutôt laborieux. La direction artistique est saluée, mais le jeu en lui-même ne s’est toutefois pas départi de son concept bancal, presque inclassable ; une aventure à vivre en communauté, mais qui n’est pas un MMO. La critique a été tiède, mais le public répond présent, bien aidé par l’intégration du jeu dans le « Game Pass », l’offre d’abonnement de Microsoft. Rare continue ainsi à être mobilisé sur ce projet, à travers deux extensions ouvrant de nouveaux horizons.


Sea of Thieves ne renouera sans doute pas avec l’âge d’or de Rare, mais témoigne d’une patte artistique toujours unique du studio

Si 2020 marque le retour - pas vraiment mémorable - de Battletoads avec une réalisation cartoon et dans un nouveau mélange de différents genres (beat them all, shoot them up, mini-jeux...), cela n'annonce pour autant pas le retour de Rare en tant que studio capable de produire 2 jeux par an, comme du temps de la N64. Plus de 25 ans après le dernier épisode de la série des batraciens, Rare n'a pas développé le jeu mais s'est contenté de le superviser. Il en sera d'ailleurs de même avec le futur Perfect Dark, annoncé sur Xbox Series, et dont le développement est confié à un nouveau studio, The Initiative.

Outre les mises à jour régulières de Sea of Thieves, le seul projet d'envergure en production au sein du studio est Everwild, un jeu présenté en 2019 dont on ne sait pour le moment que bien peu de choses, à part des trailers séduisants... et un développement bien mal engagé, qui aurait même complètement repris depuis le début. De quoi s'inquiéter pour l'avenir de ce projet.


Everwild, une toute nouvelle création de Rare encore pleine de mystères


> Un nom en danger de disparition ?

Y-a-t-il donc quelque chose à attendre du studio anglais ? Manifestement, beaucoup se sont résignés. Pourtant, la renommée de Rare laisse des traces indélébiles dans le monde du jeu vidéo, en atteste le fort potentiel nostalgique que dégage la compilation Rare Replay. Après une longue période de sommeil créatif ayant duré près de 7 ans, Rare est revenu sous les projecteurs.
Rare, un nom qui compte encore, mais pour combien de temps ? De nombreux signes ont de quoi inquiéter : si des licences estampillées Rare sont revenues, comme Killer Instinct, Battletoads ou encore Perfect Dark, elles se font toutefois sans le studio ! Il faut désormais bien intégrer l’idée que les licences de Rare ont été récupérées par Microsoft, et ne sont plus forcément attachées au studio britannique.

Signe du déclin manifeste du studio, parler de Rare au temps présent est devenu incongru. La tendance pourra-t-elle s’inverser ?


Si vous souhaitez remonter le temps et revenir sur les débuts du studio, la période NES et l'âge d'or de Rare, vous pouvez lire l'article complet sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/rare.php

Si Intellivision et Atari ont été ressortis du placard aux souvenirs avec des nouvelles consoles (enfin, il paraît !), un autre acteur du marché vidéoludique américain du début des années 80 est tombé dans l'oubli : Coleco !
Sa principale contribution au jeu vidéo fut la Colecovision, une console qui ambitionna de concurrencer l'Atari 2600.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article publié sur gameforever.fr, avec le lancement de la console ainsi qu'une vue d'ensemble sur ses jeux. L'article complet est à lire par ici : https://www.gameforever.fr/colecovision.php

Bonne lecture !


Quand Atari lance avec succès l'Atari 2600, le marché du jeu vidéo prend véritablement son envol dans les pays occidentaux. En ces temps anciens, Coleco était l'une des premières compagnies à avoir su se détacher du reste d'une importante concurrence, et se présenter ainsi comme l'un des challengers d'Atari. La compagnie américaine fondée en 1932, dont le nom d'origine est "Connecticut Leather Company", avait pour première activité la fabrication de chaussures en cuir (laquelle fut revendue par la suite) puis celle de matières plastiques, avant de se lancer dans l'électronique... et pour ce qui nous concerne, dans le jeu vidéo et la Colecovision.


> Les débuts de Coleco dans l'électronique

La compagnie se lance dans le jeu vidéo en 1976, avec sa toute première console Telstar. Ce clone de console "Pong" propose ainsi différents jeux copiant... euh, inspirés du mythique jeu de tennis de la Magnavox Odyssey - tout comme Pong d'Atari. C'est donc en opportuniste que Coleco se lance sur le marché (mais après tout, il en faut bien !), espérant surfer sur la vague "Pong".

Coleco produira en tout 14 modèles de Telstar, la plupart proposant des variantes de jeux Pong, avec quelques améliorations : La Telstar Ranger ajoute ainsi des jeux de tir, ainsi qu'un revolver ; le modèle Colormatic propose de la couleur, ainsi que des pads séparés de la console (ce qui n'est pas le cas dans le premier modèle Telstar) ; La Telstar Combat! propose quant à elle différentes variations du jeu d'arcade Tank ; ou encore la Telstar Gemini, proposant des jeux de flipper.


La Coleco Telstar, premier modèle d'une longue série

Ce marché des consoles à jeu dédié (principalement Pong) arrivera cependant rapidement à saturation, et fut dépassé par la sortie de l'Atari 2600 en 1977. Néanmoins, Coleco réussit à se maintenir sur le marché de l'électronique. Plutôt que de suivre Atari sur ce marché de consoles "next gen" initié avec l'Atari 2600, Coleco opta finalement pour les jeux électroniques, suite aux succès de Mattel en la matière. Elle se distingue par des séries "Head to Head", ainsi que des séries basées sur des licences de jeux d'arcade, comme Ms Pac-Man ou Donkey Kong.

Ce n'est finalement qu'en 1982 que Coleco, fort de son expérience dans le jeu électronique, revient sur le marché des consoles de jeux, avec la Colecovision.


> Le lancement de la Colecovision

Proposer une concurrente de l'Atari 2600 en 1977 était vain : Coleco n'avait qu'une seule année d'expérience avec ses consoles Telstar, et ne chercha pas à rentrer dans cette première bataille. La prochaine, en revanche, sera la leur. L'Atari 2600 ne sera pas éternelle, et il faut pouvoir proposer aux consommateurs une console plus performante, qui prendra le relais.

La stratégie de Coleco était de vendre une console ne proposant quasiment aucun jeu exclusif, mais des adaptations de qualité des hits d'arcade de l'époque. Elle arrive à une période où de (trop) nombreuses compagnies se disputent un marché archi-dominé par l'Atari 2600 et sa ludothèque dépassant les 1000 jeux.


La console ne paye pas de mine, mais elle était la plus puissante de sa génération

Mais Atari s'est reposé sur ses lauriers, et n'a pas fourni de réels efforts depuis bien longtemps pour proposer une offre de qualité sur sa console vieillissante. Une place est donc à prendre, et Coleco décide de se lancer avec une stratégie marketing nouvelle mais efficace : proposer un pack "console + jeux" qui donne envie d'acheter ! L'expérience de Coleco en matière de consoles se révèle plutôt limitée, mais c'est surtout grâce aux succès obtenus par ses jeux électroniques que le constructeur effectue son retour avec confiance sur le territoire d'Atari. Exploiter des licences est essentiel ; en réussir l'adaptation est un atout ; en obtenir l'exclusivité - ne serait-ce que temporaire - est un avantage.

A l'été 1982, la Colecovision fait donc une entrée convaincante sur le marché américain, avec comme jeu de lancement ni plus ni moins que le célèbre Donkey Kong de Nintendo. Bien plus qu'un atout de poids, le jeu sera l'argument de vente, d'autant que sa qualité approche celle de la version arcade.


L'adaptation de Donkey Kong fut un atout de poids pour la Colecovision à son lancement, malgré quelques petites digressions à l’œuvre originale

Coleco a dû débourser 250 000 $ (en plus de récolter un procès d'Universal qui estimait faire valoir ses droits pour la licence King Kong) pour acquérir le droit d'exploiter en premier la licence Donkey Kong sur consoles de salon ; une somme considérable qui fut cependant un risque très bien calculé. Grâce à Donkey Kong, la Colecovision allait se faire une place de choix dans la nouvelle génération de consoles, et parvient même à éclipser la sortie de la nouvelle Atari 5200 fin 1982, laquelle souffrait de sévères handicaps (ludothèque peu fournie, et pas de rétrocompatibilité avec l'Atari 2600).
Début 1983, profitant d'un Noël 1982 particulièrement faste, la Colecovision atteindra le million d'exemplaires vendus.

La console sera également distribuée en Europe à compter de l'été 1983 par le groupe CBS Electronics – d'où le nom, dans nos contrées, de CBS Colecovision.


> La ludothèque : une stratégie d'adaptations de qualité

La ludothèque de la Colecovision ne verse aucunement dans l'originalité. Coleco ne prend que très peu de risques, et souhaite avant tout vendre des jeux qui ne lui seront pas retournés pour mauvaise qualité ou mévente, comme ce fut le cas du désastreux ET sorti sur Atari 2600. L'exemple de la Videopac / Odyssey ², basée quasi exclusivement sur des productions maison, n'a également pas fait ses preuves. Ce qu'il faut, ce sont des jeux connus, faits par des éditeurs reconnus. A l'image du soutien de Namco pour Atari, Coleco passera ainsi des accords avec Sega, Konami ou Nintendo pour obtenir de tous ces mastodontes de l'arcade des licences d'exploitation permettant d'adapter leurs hits pour la Colecovision. Une sélection judicieuse, ce d'autant plus que la puissance de la console confère à Coleco un train d'avance sur Atari.

Outre Donkey Kong et sa suite Donkey Kong Jr., la Colecovision accueille ainsi les adaptations de Zaxxon, Lady Bug, Centipede, Defender, Dig Dug, Frogger, Galaxian, Burger Time, Star Wars ou Pac-Man, pour ne citer que les plus connus.


Lady Bug, un clone de Pacman porté sur les légumes et les insectes


Une autre licence forte, avec Zaxxon de Sega

Dans le lot, très peu de jeux seront des productions originales pour la Colecovision, comme les Schtroumpfs ou Rocky Super-Action Boxing.


Le très connu Pitfall!. Graphiquement, l'écart avec l'Atari 2600 est perceptible


Rocky Super-Action Boxing, un des quelques jeux maison de Coleco, basé sur le film Rocky 3

La liste des jeux de la Colecovision illustre donc parfaitement la stratégie de Coleco : proposer un catalogue fourni en licences connues. Globalement, les adaptations seront réputées bonnes, confirmant que l'ambition de Coleco de proposer l'arcade à la maison n'était pas mensonger.

Au total, environ 170 jeux sortiront sur Colecovision entre 1982 et 1984.


Ce sera tout pour cet extrait, qui vous donnera l'envie d'en lire plus :
=> https://www.gameforever.fr/colecovision.php

La suite de l'article présente les différents modules d'extension, dont celui permettant de faire fonctionner les jeux de la concurrente (l'Atari 2600), ainsi que l'Adam, un ordinateur basé sur la Colecovision ; sans oublier l'histoire rocambolesque de la Coleco Chameleon, un projet de console pour le moins fumeux !

Dossier complet sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/wonderswan.php

Alors que la Neo Geo Pocket Color ressort (un peu) de l'ombre avec une compilation, une autre console portable contemporaine attend toujours son heure. Sorties uniquement au Japon, les WonderSwan N&B et Color partent il est vrai avec un certain handicap.
Mais si vous souhaitez découvrir cette portable, Romain a rédigé un dossier présentant les différents modèles ainsi que les principaux jeux.

Je vous propose ici un extrait sur la conception et les débuts de la portable. L'article complet est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/wonderswan.php

Bonne lecture !


Sur le marché des consoles portables des années 90, la Game Boy a régné de manière incontestée. Elle a eu même un tel succès que l'expression "Game Boy" fut utilisée pour désigner n'importe quelle console portable. Dans ce dossier, je vais pourtant vous parler d'une autre console portable pas très connue par chez nous, mais qui a quand même réussi à faire un peu trembler la portable de Nintendo : il s'agit de la Game Boy de Bandaï, enfin je voulais dire la WonderSwan !


> La naissance de la WonderSwan

Nombreux sont les constructeurs à avoir voulu faire de la concurrence à Nintendo en sortant leur propre console portable sans réel succès : à l'époque des débuts de la Game Boy, Sega avec sa Game Gear ainsi qu'Atari avec sa Lynx avaient fait le pari de proposer des consoles plus performantes avec des écrans couleurs, mais qui se sont révélées plus coûteuses et particulièrement voraces en piles. Bien plus tard, SNK faisait un autre pari avec sa Neo Geo Pocket, dont l'écran du premier modèle est monochrome avant un passage à la couleur pour la Neo Geo Pocket Color... Mais en 1999, une console arrive sur le marché avec de plus sérieux atouts pour concurrencer Nintendo sur son terrain : il s'agit de la WonderSwan, une console pas comme les autres puisque l'homme qui est à l'origine de celle-ci n'est autre que Gunpei Yokoi, un des pères de la Game Boy - parfois considéré un peu abusivement comme son créateur.

On peut alors se demander pourquoi Gunpei Yokoi avait voulu faire de la concurrence à une console qu'il a lui même contribuée à créer. En 1996, Gunpei Yokoi démissionne de Nintendo, et on a longtemps pensé que la raison principale de ce départ était la conséquence directe de l'échec commercial de la Virtual Boy - le plus important même de Nintendo. Pourtant, il a quitté la firme de Kyoto pour qui il a tant contribué (les Game & Watch, c'était également lui) après la sortie en 1996 de la Game Boy Pocket. En réalité, cette décision s'explique par son désir de prendre son indépendance et de s'atteler à des projets plus modestes qui lui tiennent à coeur : il crée ainsi sa propre société, Koto Laboratory !

Parmi ces projets, l'idée de créer une nouvelle console portable, l'objectif n'étant pas de produire une machine puissante mais une console qui permettrait d'apporter de l'innovation dans la manière de jouer. Malheureusement, en 1997, Gunpei Yokoi décède lors d'un accident de voiture, et c'est Yoshihiro Taki - un autre membre de l'équipe de concepteurs de la Game Boy - qui prend alors la direction de Koto Laboratory. Celui-ci décide de conserver les exigences de Gunpei Yokoi concernant la conception et le design de la console. Après plusieurs mois de travail, la WonderSwan est enfin créée !


La WonderSwan rencontre immédiatement un bon accueil au Japon

Une console originale, puisqu'elle peut se tenir aussi bien horizontalement que verticalement. Son écran est également un des plus grands de l'époque (6,3 cm de diagonale et une résolution de 224x114 pixels). Autres atouts : la WonderSwan est très légère (93 grammes) et bénéficie d'une très grande autonomie, puisqu'elle est capable de tenir une trentaine d'heures avec une seule pile LR6 ! Le seul inconvénient de la console sera son écran en noir et blanc, alors que Nintendo a déjà commencé à commercialiser sa Game Boy Color... Mais rappelons que l'objectif n'était pas de créer une console plus "puissante" que les autres, mais plus innovante.


> Koto Laboratory rejoint Bandai

Afin de distribuer au maximum sa WonderSwan, Koto Laboratory s'associe avec Bandai (un des plus gros fabricants de jouets au Japon) qui avait justement l'intention de rentrer sur le marché des consoles portables. En étant distribuée par Bandai, la WonderSwan bénéficie alors d'énormes avantages, notamment grâce à toutes les licences que possède la société (comme Dragon Ball, Saint Seya, Gundam et beaucoup d'autres). De plus, beaucoup de studios tombent sous le charme de la WonderSwan : on peut citer Konami, Capcom, Namco, Koei, Taito, mais aussi SquareSoft, en froid avec Nintendo depuis que la firme de Kyoto a décidé de nombreuses mesures de représailles à la suite du développement de Final Fantasy VII sur PlayStation.
Avec tous ces avantages en poche, la petite console de Bandai est prête à faire face à la Game Boy, d'autant plus qu'à son lancement, la WonderSwan est distribuée à un prix très bas : 4800 yens soit environ 35 euros. La Game Boy n'a qu'à bien se tenir !


Gunpey - dont le titre rend hommage à Gunpei Yokoi - est le puzzle game maison de Koto Laboratory, et un des jeux qui permet de jouer en tenant la WonderSwan verticalement

La WonderSwan est commercialisée le 4 Mars 1999, et en une semaine, ce ne sont pas moins de 200 000 consoles qui sont écoulées. Des consoles portables "non Nintendo", seule la PSP à sa sortie parviendra à réussir un tel exploit ! A son lancement, la portable dispose déjà de nombreux jeux, dont Digimon Adventure, une licence créée par Bandai pour concurrencer Pokémon. Et la liste des jeux sortant sur cette portable s'allonge très rapidement, la dotant d'une ludothèque confortable : en moins de 2 ans, la WonderSwan accueille 109 jeux, dans des genres variés et avec plusieurs licences connues.


Makaimura for Wonderswan est un épisode de la série Ghosts 'n Goblins spécialement développé pour la portable de Bandai

La WonderSwan rencontre donc un joli petit succès, et Nintendo, qui n'aime pas trop qu'on lui fasse de la concurrence sur le domaine des consoles portables, ne va pas tarder à réagir.


C'est tout pour cet extrait, mais l'histoire de la WonderSwan n'est pas finie, et la suite est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/wonderswan.php
L'article revient en effet sur la WonderSwan Color et ses jeux.

Je poursuis ma (re)découverte des jeux Satellaview les plus connus, et après mon article sur BS Zelda, au tour de BS F-Zero 2, une fausse suite du F-Zero original qui n'a pourtant pas encore livré tous ses secrets !

Pour Gamekyo, je vous propose une présentation de la ROM la plus connue de BS F-Zero 2, la version "Practice", accessible et immédiatement jouable sur émulateur.
L'article complet ainsi qu'une ROM de BS F-Zero 2 (compatible mini SNES, pour ceux que ça intéresse), c'est sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php


F-Zero, sorti au lancement de la Super Nintendo, a popularisé les jeux de course futuristes, avec ses graphismes en mode 7, son ambiance, ses musiques marquantes ainsi que l’emblématique Captain Falcon, qui est finalement davantage connu pour sa présence continue dans la série Super Smash Bros. Sur SNES, ce jeu mythique laissa ensuite la place à Super Mario Kart, mais la série n’allait pas s’éteindre : en 1997, un épisode en 3D est effectivement en cours de développement sur Nintendo 64, mais avant même d’avoir droit aux premières présentations de ce jeu, les joueurs nippons ont eu le privilège de jouer en 1997 à plusieurs F-Zero sur un support exclusif au Japon : le Satellaview !


> Le Satellaview en bref

Sorti en 1995, le Satellaview est une extension de la Super Famicom, fruit d’un partenariat entre Nintendo et la société St. GIGA, une entreprise japonaise de radio par satellite. Il s’agit simplement d’un modem logé sous la console, qui capte donc les émissions diffusées pour cette extension par satellite (ce qui supposait d’avoir l’installation adéquate), la programmation étant communiquée via des magazines.

Il faut distinguer les jeux réguliers, qui étaient accessibles aux joueurs lors de vastes plages de diffusion ; et les jeux « Soundlink », qui étaient diffusés une heure par jour et à raison d’un jeu à la fois, selon une certaine programmation (comme les BS Zelda). La plage horaire « Soundlink » signifiait que le jeu diffusé n’était accessible qu’à ce moment-là, la transmission des musiques remixées ainsi que des voix se faisant en direct et n’étant pas sauvegardées dans la cartouche BS-X, contrairement aux données de jeu.

Le Satellaview a accueilli non pas un, ni deux, mais trois F-Zero ! Ou plutôt, 3 variantes du F-Zero original. Car quelles que soient les ROMs en question, il ne s’agit pas de vraies suites à F-Zero, mais plutôt d’extensions. On retrouve en effet les mêmes graphismes en mode 7 et la même maniabilité, mais pas les mêmes véhicules.

BS F-Zero Grand Prix (version Satellaview du F-Zero original) et BS F-Zero Grand Prix 2 (avec des nouveaux circuits) seront donc proposés sur la plage horaire Soundlink, tandis qu’une version Practice de BS F-Zero Grand Prix 2 pouvait être jouée durant la plage horaire régulière.




> BS F-Zero Grand Prix 2 « Practice », la ROM la plus courante

Le plus simple pour parler de ces BS F-Zero est de commencer par la version « Practice » de BS F-Zero Grand Prix 2 – communément appelée tout simplement BS F-Zero 2 – diffusée en juin 1997 : la ROM la plus connue, la plus accessible, ainsi que celle qui apporte des nouveautés sur un plateau. Si elle a pu fonctionner aussi bien (et aussi rapidement), c’est parce qu’il s’agit d’une ROM BS de type « regular », diffusée sur la plage horaire la plus longue et accessible sans attendre une quelconque programmation.
L’arrêt des diffusions de jeux Satellaview en 1999 aurait dû entraîner la perte de toutes les données des jeux BS, mais ces derniers étaient en fait téléchargés et stockés dans la cartouche BS-X. Dans le cas des jeux « regular », qui ne disposaient pas de données additionnelles comme des musiques ou des voix, l’extraction des données a permis de les récupérer aisément.

Le jeu nous arrive donc dans une forme similaire à sa diffusion initiale sur Satellaview, avec tout d’abord ses nouveaux bolides, qui remplacent les 4 du F-Zero original. Une petite présentation de ces véhicules s’impose

- Blue Thunder : Une bonne accélération, une excellente vitesse de pointe, une maniabilité idéale et une bonne solidité, ce bolide est de loin le plus complet. S’il avait des boosters plus puissants, ce serait même le bolide ultime !
- Luna Bomber : Le plus rapide et disposant des boosters les plus puissants, ce véhicule très lourd est toutefois dur à piloter, et fragile au surplus. Pour les experts et les chronos sur les circuits de vitesse.
- Green Amazone : Très léger mais très solide, ce bolide est une vraie savonnette. Son accélération tonitruante permet toutes les fantaisies en course, effets garantis sur les pistes à faible adhérence !
- Fire Scorpion : Ce bolide lourd et solide présente les caractéristiques les moins intéressantes, avec une vitesse de pointe assez bonne, mais une accélération médiocre et une maniabilité moyenne.



Évidemment, dommage de ne pas retrouver les Blue Falcon et autres dans ce jeu, d’autant qu’il propose 5 nouveaux circuits regroupés dans une Ace League. Cette nouvelle coupe propose en effet des courses intéressantes, alliant vitesse et technicité.


Mute City IV
Une nouvelle variante du tracé original de Mute City, avec une piste truffée de turbos. Très rapide, donc forcément spectaculaire. Gare à la sortie de piste !


Big Blue II
Une variante du tracé Big Blue original, avec une piste plus étroite et davantage de surfaces glissantes.


Sand Storm I
Court mais intense, ce circuit aux virages serrés vous propose une piste truffée de mines et de surfaces électrifiées.


Silence II
Une variante du tracé Silence, remplaçant certains rebords du circuit par des tremplins, ce qui offre des possibilités audacieuses de raccourcis !


Sand Storm II
Variante encore plus intense du premier tracé, avec de nouveaux pièges et un vent violent qui gêne votre conduite.

Même s’il s’agit d’un plaisir de courte durée, ce BS F-Zero Grand Prix 2 complète utilement F-Zero, qui ne disposait que de 15 circuits. Si seulement on pouvait participer à cette Ace Cup avec les véhicules originaux… Et si seulement on pouvait même regrouper tout le contenu de ce BS F-Zero Grand Prix 2 dans F-Zero pour en faire une version ultime…
Eh bien certains bidouilleurs se sont aussi posés ces questions et proposent de nombreux patchs pour tous les motivés qui aiment trafiquer des fichiers. On trouve donc toutes sortes de hacks, dont un patch pour mettre les bolides du F-Zero original dans BS F-Zero Grand Prix 2, mais aussi le mod ultime, F-Zero Final, qui intègre tout le contenu : 8 véhicules et 20 circuits en tout !


C'est tout pour cet extrait, mais c'est une présentation complète de BS F-Zero Grand Prix 2... Enfin, d'une des variantes de BS F-Zero Grand Prix ! Il en reste encore deux à découvrir dans l'article complet, et l'une demeure d'ailleurs introuvable à l'heure actuelle. La belle affaire ? Si seulement elle ne comportait pas 5 circuits complètement inédits !

C'est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php


Le dernier circuit inédit Metal Fort II démarrait sur Jump de Van Halen ! (capture écran YouTube)

Suite de mon article consacré à BS Zelda, avec un volet épisodique encore plus méconnu : Ancient Stone Tablets.
Le dossier complet et les jeux à télécharger sont sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bszelda.php


Début 1997, un certain Zelda 64 focalisait l’attention et en aurait encore pour quelques temps avant de sortir sur N64. En Occident, la SNES faisait alors déjà partie du passé, mais au Japon, les joueurs restaient attachés à leur Super Famicom, et quelques jeux sont encore sortis sur le tard. Sur Satellaview, ils ont même pu patienter avec un autre BS Zelda plus méconnu encore, cette fois basé sur A Link to the Past. BS Zelda no Densetsu – Inishie no Sekiban est ainsi diffusé pour la première fois en mars 1997, toujours morcelé en 4 parties étalées sur 4 semaines.

Pour la petite histoire (car cette fois, il y en a une), le jeu se déroule 6 ans après A Link to the Past, dans un royaume en paix. La princesse Zelda pressent toutefois une menace planer sur Hyrule. Link parti vers d’autres aventures, il revient à un nouveau héros ou une nouvelle héroïne venu(e) d’une ville lointaine de prendre sa suite, en récupérant les 8 tablettes de pierre. Mais il ou elle ne pourra venir en Hyrule qu’une fois par semaine, pendant une heure.
Voilà comment le système de diffusion du Satellaview s’intègre dans l’histoire, ce qui devait sûrement être très immersif pour l’époque, d’autant que la partie était accompagnée des voix des acteurs encore mieux intégrées au jeu – car plus dynamiques.


Durant chaque chapitre, vous devrez récupérer 2 de ces tablettes, après avoir vaincu un boss repris d’A Link to the Past

Contrairement aux précédents BS Zelda, cet Ancient Stone Tablets est resté divisé en 4 ROMs après son extraction et l’application des patchs pour le rendre jouable, pour la simple et bonne raison que son format épisodique est l’essence même de ce jeu. Chaque chapitre d’Ancient Stone Tablets démarre en effet à un point différent de la carte d’A Link to the Past, et se conclut par ailleurs par une accroche destinée à faire patienter pour le prochain épisode, jusqu’à l’épisode final.
Mais ce format très inhabituel pour l’époque est désormais courant depuis la popularisation des jeux au format épisodique par Telltale (Walking Dead, The Wolf Among us…), aussi je ne doute pas que même les fans de Zelda sauront s’adapter ! Rien n’est également perdu en débutant un nouveau chapitre, puisque la sauvegarde du précédent épisode vous permettra de récupérer tous les objets, tablettes et cœurs récoltés durant l’aventure ; cela devait se faire automatiquement lors de la diffusion du jeu sur Satellaview, mais avec ces ROMs patchées, il faut le faire manuellement en renommant le fichier de sauvegarde .srm.


Le village de Cocorico plongé dans la brume, un événement provoqué par l’horloge du jeu

Pour ce qui est du jeu en lui-même, on retrouve tout simplement la réalisation d’A Link to the Past, sans effets ajoutés. Durant chaque chapitre (ou semaine), vous devez récolter 2 tablettes dans 2 donjons, gardés par des boss d’ALTTP. La carte étant réduite, et les tablettes y étant de plus indiquées, l’exploration ne prendra pas forcément beaucoup de temps, a fortiori si vous connaissez déjà A Link to the Past.
La difficulté est donc assez modérée comparée au légendaire Zelda de la SNES, d’autant que différents bonus s’activent en cours de jeu en fonction de l’horloge : bombes infinies, fées, invincibilité, pouvoir magique sorti de nulle part… Là aussi, les voix japonaises prévenaient ces différents événements, et elles sont remplacées dans les ROMs hackées par du texte qui défile assez souvent en bas de l’écran. Si on se demande au départ quand cesse ce blabla intempestif, il est malgré tout utile de le lire pour être tenu au courant des informations importantes, et aussi pour rester fidèle à l’expérience originale.


Vous pouvez jouer à des nouveaux mini-jeux qui ne sont pas dans ALTTP

Chaque chapitre dure environ 50 minutes, et cette limite vous incitera à presser le pas ! Pas de panique cependant, les 2 donjons de chaque chapitre ne sont pas aussi longs et retors que ceux d’ALTTP, et vous devriez même avoir le temps de vous promener un peu après en attendant la fin du chrono, faire des mini-jeux, rechercher des secrets, louer une pelle pour creuser des trous, ou retrouver une taupe qui peut vous faire gagner plein de rubis. Car oui, ça peut surprendre, mais il faut vraiment attendre le temps imparti pour voir la fin du chapitre et passer au suivant.
De plus, un système de score comptabilise vos résultats à la fin de chaque chapitre, et était d’autant plus important lors de la diffusion originale du jeu que St. GIGA pouvait faire gagner de nombreux lots aux joueurs réalisant les meilleurs scores !

Ancient Stone Tablets a été diffusé à plusieurs reprises sur le réseau de St. GIGA, et fut même le tout dernier jeu diffusé en 1999 sur Satellaview à la fin des relations entre Nintendo et St. GIGA.


La ROM - ou plutôt les ROMs - de BS Zelda Ancient Stone Tablets se trouvent sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bszelda.php

Ces ROMs ont été patchées et fonctionneront sur un grand nombre d'émulateurs, mais n'oubliez pas de lire les instructions pour comprendre comment faire correctement fonctionner ce jeu en 4 chapitres.

Pour les 35 ans de The Legend of Zelda, c'est l'occasion idéale de proposer un article sur des volets inédits et méconnus de la série : les BS Zelda sortis sur Satellaview ! Et il y en a 3 (ou plutôt 2 et demi) : BS Zelda Map 1 & 2 (basés sur Zelda 1), et BS Zelda - Ancient Stone Tablets, un volet épisodique basé sur A Link to the Past.

Je vous présente tout d'abord BS Zelda ainsi que le Satellaview. Pour lire l'article complet mais aussi télécharger les jeux, vous pouvez directement aller sur gameforever : https://www.gameforever.fr/bszelda.php

Bonne lecture !


Lorsqu’on parle de jeux Zelda oubliés, on a un peu trop tendance à ne penser qu'aux épisodes développés pour la CDi de Philips – une trilogie de la souffrance que je ne recommanderais même pas à mon pire ennemi – en oubliant des épisodes uniquement sortis, ou plutôt diffusés au Japon sur un support méconnu : le Satellaview.
Ces jeux pourtant développés par Nintendo n’ont jamais fait l’objet de rééditions ou de ressorties quelconques ; leur mode de diffusion atypique et le fait qu’ils n’ont pas été édités par Nintendo sont autant de freins pour espérer y jouer de manière tout à fait officielle sur une console Nintendo.

Et là, je me rends compte que j’en ai déjà perdu quelques-uns avec cette histoire de Satellaview ! Des explications s’imposent donc.


> Le Satellaview en bref

Vous n’êtes pas ici pour qu’on disserte sur un support uniquement sorti au Japon. Non, vous voulez les jeux, c’est ça ? Il va d’abord falloir comprendre un peu comment ils ont fonctionné à l’origine !
Sorti en 1995, le Satellaview est une extension de la Super Famicom, fruit d’un partenariat entre Nintendo et la société St. GIGA, une entreprise japonaise de radio par satellite. Il s’agit simplement d’un modem logé sous la console, qui capte donc les émissions diffusées pour cette extension par satellite (ce qui supposait d'avoir l'installation adéquate), avec une programmation prévue à l’avance. Une cartouche « BS-X » enregistrait les données téléchargées par satellite. L’abonnement au service de St. GIGA peut donc être considéré comme l’ancêtre du jeu vidéo en streaming et des services Game Pass !

Les plages horaires pour jouer aux jeux BS (pour « Broadcast Satellite ») spécifiquement développés pour le Satellaview (dont BS F-Zero Grand Prix 2, BS Fire Emblem Akaneia Senki ou encore BS Super Mario USA Power Challenge) étaient réduites à une heure par jour, et un seul jeu à la fois en fonction des mois. Pour jouer et poursuivre ses aventures de BS Zelda, il ne fallait pas rater leurs rares diffusions, manquer un épisode rendant la suite injouable ! Qui plus est, les jeux BS en question étaient diffusés avec des bandes sonores de bien meilleure qualité, et même des voix d’acteurs pour les BS Zelda.
Le reste du temps, St. GIGA pouvait proposer des émissions radio ou des plages horaires plus longues pour jouer à une sélection de jeux réguliers, dont une adaptation d'A Link to the Past ou encore le visual novel Radical Dreamers, un spin-off de Chrono Trigger.

L’accord entre Nintendo et St. GIGA prit fin début 1999, ce qui entraîna la cessation des diffusions des jeux sur Satellaview.


Le Satellaview branché sous la Super Famicom, avec la cartouche BS-X contenant l’interface ainsi que les sauvegardes de données


> BS Zelda

Diffusé pour la première fois en août 1995, BS Zelda no Densetsu est sans doute le jeu qui a mis en lumière le Satellaview, même jusque dans nos contrées occidentales. Après le succès de Super Mario All-Stars (qu’on ne présente plus), les joueurs avaient espéré un Zelda All-Stars, et les Japonais ont eu droit – via le Satellaview – à ce remake attendu du premier volet. Enfin, pas tout à fait… Si les images et les sons donnent l’illusion d’un remake, il n’en s’agit toutefois pas exactement d’un.

Initialement, le héros n’est d’ailleurs pas Link, mais un garçon ou une fille que vous aurez choisi dans le portail du Satellaview. Les ROM patchées ont souvent ajouté Link pour remplacer le personnage du Satellaview. De plus, comme je l’ai précisé, la diffusion du jeu était étalée sur 4 semaines : vous n’étiez donc pas en mesure de terminer BS Zelda d'une traite, car certaines zones ne sont tout simplement pas accessibles en début voire en milieu de partie. Par exemple, des tornades vous empêchent d’accéder à un certain endroit durant la première semaine, avant de se dissiper en 2ème semaine pour vous laisser explorer une nouvelle zone. Il en va de même pour certains objets, comme des cœurs et même l’accès à des donjons, parfois disponibles quelques minutes en cours de partie avant de disparaître. Comment le savoir ? Lors de la diffusion originale sur Satellaview, ces événements étaient annoncés par les voix enregistrées, et qui ont forcément disparu.
D’ailleurs, le jeu original dispose d’une horloge, et à chaque minute, un événement peut se déclencher pour une durée limitée : bombes infinies, boomerang magique, ou encore ennemis plus agressifs, etc. Chaque fois qu'un message livrant un indice ou narrant l'histoire était diffusé, le jeu était mis en pause.


Dans le jeu d’origine, prendre l’épée permettait de récupérer la sauvegarde de la semaine précédente

Dès lors, compléter BS Zelda s’avérait être impossible sans le travail des patcheurs, qui ont pu proposer différentes solutions, toutes jouables. L’expérience la plus proche de l'originale consiste à jouer avec les 4 ROM séparées, le jeu s’arrêtant au bout de 57 minutes ; une autre ROM a assemblé les 4 parties mais a conservé l’horloge pour déclencher certains événements ; enfin, la ROM que je vous propose en bas de page, a retiré cette horloge, les événements se déclenchant en fonction du nombre de fragments de Triforce collectés. Cette solution, si elle trahit en quelque sorte BS Zelda tel qu’il était diffusé à l’origine, propose en revanche une expérience libérée des contraintes de temps, mais également plus fidèle au premier Zelda.

La Third Quest, telle qu’elle est officieusement dénommée, commence donc comme le premier volet, mais s’avère être une aventure sensiblement plus courte : une simple comparaison avec la carte du premier Zelda permet de comprendre que celle de BS Zelda est réduite de moitié (un carré de 8x8 cases). C’est donc un Hyrule condensé sur une carte plus petite qu’il va falloir explorer, et forcément la recherche des donjons prendra moins de temps.

Pas de changements par contre dans la mécanique de ces nouveaux donjons : les énigmes de Zelda 1 étaient sommaires et consistaient souvent à trouver des clés, un objet important, puis affronter un boss avant d’attraper un fragment de Triforce ; BS Zelda ne change en rien cette mécanique, fidélité oblige à son modèle.
Conséquence du morcellement du jeu en 4 semaines de diffusion : en posant de nombreuses barrières pour vous empêcher d’explorer trop rapidement Hyrule, la progression est ici très guidée, là où Zelda 1 vous lâchait au contraire dans Hyrule sans vous souffler la moindre direction. Cumulé avec un monde plus petit, BS Zelda s’avère donc nettement moins difficile.


Les graphismes de BS Zelda ne sont pas aussi jolis qu'espéré

Par ailleurs, la réalisation graphique est loin d’être renversante : ceux qui espéraient quelque chose du niveau d’A Link to the Past peuvent se montrer déçus par ce BS Zelda, qui demeure assez austère pour un jeu SNES. Les musiques quant à elle sont de simples remix des thèmes entendus dans Zelda 1 : toujours aussi entêtantes et efficaces, mais également peu variées et répétitives.
Cela étant dit, quelque soit votre profil de joueur, BS Zelda est tout de même susceptible de vous intéresser : un passionné de Zelda pourra parcourir ce jeu en mode détente, tandis qu’un novice n’ayant jamais touché au premier Zelda découvrira une version simplifiée et – concernant la ROM proposée sur le site – plus accessible.


L'article n'est pas encore fini, mais cet extrait s'arrête ici. Retrouvez immédiatement la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bszelda.php
Vous pourrez également y télécharger toutes les ROMs BS Zelda en fin d'article.

Petit voyage dans le passé, en 1993 pour être précis, avec la Jaguar d'Atari ; une console aujourd'hui largement moquée. Et pourtant, des passionnés existent !
En fin connaisseur de la "64 bits" d'Atari, Wizzy (un membre de l'équipe gameforever.fr) revient sur cette console à l'histoire singulière : de son échec inéluctable à sa contribution à l'émergence d'une scène homebrew productive, ce dossier vous fera peut-être changer de regard sur la Jaguar !

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait sur les débuts de la console et l'arrivée des premiers jeux. La suite de l'histoire est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/jaguar.php

Bonne lecture !


La Jaguar est née du désir d’Atari de rester dans la course des consoles familiales. En effet, après s’être fait une place au soleil dans le monde de la micro avec l’Atari ST, Atari a l’appétit du géant qu’il était au début des années 80. La société vient de lancer la Lynx, une console portable en avance sur son temps, et compte tout naturellement avoir sa console de salon.

Le projet Panther est ainsi lancé en 1989. La console basée sur un processeur Motorola MC68000 (le même que la Megadrive) et un co-processeur permettant d’afficher des milliers de couleurs doit ainsi concurrencer sans problème les 16 bits de Sega et de Nintendo.

La folie des grandeurs n’a pas encore touché Atari à cette époque-là.

C’est en 1991 qu’un autre projet, proposé par Flare Technology, prendra le pas sur celui de la Panther. Un projet alléchant qui permettra aux vues des capacités du hardware d’avoir 10 ans d’avance sur tout le monde et écraser sans souci toute concurrence. Il s’agit non plus d’une 16 bits ou même d’une 32 bits, mais d’une 64 bits ! Une 64 bits !! Une 64 bits avec de la 3D magique, insoupçonnable en 1991, avec non plus des milliers mais des millions de couleurs affichables. Ce projet renversant pour l’époque mettra deux années à se concrétiser.

Et en 1993, la Jaguar est enfin annoncé officiellement. Dans le même temps, deux autres consoles américaines sont présentées à grands renforts de chiffres spectaculaires : la 3DO de Trip Hawkins et l’Amiga CD32 de Commodore. Mais aucune aux vues des chiffres ne pourra concurrencer la puissante Jaguar. Avec cette annonce délirante, Atari a fait très fort et a touché en plein cœur l’imaginaire des joueurs avec des chiffres magiques : 64 bits !!!

Beaucoup croit d’ailleurs à un canular de la part d’Atari et malheureusement, la suite ne leur donnera pas tort.

> Noël 93 et puis plus rien

Pour devancer tout le monde, Sam Tramiel, le papa d’Atari annonce un peu vite qu’il vendra des Jaguars le Noël de la même année. Seulement, sans le soutien d’éditeurs japonais, les professionnels ne croient pas en l’avenir de la machine, et les éditeurs-tiers, pas très confiants, ne se bousculent pas au portillon.
De plus la 64 bits n’en est pas réellement une, puisque c’est un gros mélange de la Panther avec le processeur Motorola (qui tourne sur la Megadrive !!) et une foire-fouille de processeurs "32/64 bits/on-sait-pas-trop" qui génère des sprites ou des animations. On s’en doute un peu, la console est une horreur à programmer, avec une interface bourrée de bugs et un service « après-vente » d’Atari déplorable de l’aveu même des programmeurs.

Vu qu’il ne reste pas beaucoup de temps avant Noël, et histoire de proposer quand même des jeux avec sa 64 bits, Atari annonce quelques jeux prévus initialement sur Panther (Raiden, Dino Dudes, Trevor Mc Fur in the Crescent Galaxie, Cybermorph). Des jeux 16-bit qui proposent des graphismes en 2D. Seul Cybermorph sort du lot avec un univers 3D en ombrages de Gouraud.


Cybermorph, un jeu de shoot fourni avec la console

Heureusement, des photos d’Alien Vs Predator, un doom-like ambitieux de Rebellion et d’Atari, paraissent dans la presse et augmentent d’un coup l’attente des joueurs. Entres autres anecdotes, Atari s’associe avec le géant de l’informatique IBM pour la fabrication des consoles avec un contrat mirobolant et déraisonnable de 500 millions de dollars.
Du coup, lorsque Noël 93 arrive, la Jaguar sort bien à la date prévue avec Cybermorph et une grosse manette qui ressemble à un téléphone (avec plein de touches pour y placer des overlays à l’ancienne), le tout vendu au prix attractif de 250 dollars. Attractif surtout comparé à celui de la 3DO, console a priori moins puissante et qui dépassait les 600 dollars.


La Jaguar dans sa boîte, avec sa manette improbable


> Les jeux arrivent enfin !

Les commandes de consoles affluent de toutes parts dans un premier temps, mais faute d'un stock conséquent, Atari ne parvient pas à répondre à la demande. La sortie officielle de la Jaguar en 1993 ne concerne ainsi que 2 villes des Etats-Unis : New-York et San Francisco, la Jaguar étant introuvable ailleurs ! Pire, après 6 mois de commercialisation, on ne compte que 5 jeux disponibles. Difficile de s'imaginer qu'une console puisse s'imposer avec un catalogue de jeux aussi peu fourni.

Et si les jeux débarquent en nombre à partir d'août 1994, ce sont surtout des adaptations de jeux 16 bits, faciles et pas chères à réaliser (avec le fameux processeur Motorola), avec des graphismes améliorés (Cannon Fodder, Dragon, Flashback, Pinball Fantasies…). Des jeux sympathiques mais décevants pour des joueurs qui se prenaient à rêver devant les chiffres magiques d’Atari. La presse spécialisée se désintéresse d'ailleurs rapidement de la machine, ne rapportant qu'au compte-gouttes les sorties des jeux (déjà peu nombreux), avec un traitement qui plus est désinvolte. Les "64 bits" et le fameux "Do the Math" qui s'affiche dans les publicités américaines font l'objet de toutes les moqueries.

Après ce démarrage plus que poussif, des titres sortent quand même. Certains d’entre eux profitent en partie des capacités survendues de la console, redonnant un infime espoir aux joueurs :
- Tempest 2000, le shoot mythique du « Yak », j’ai nommé Jeff Minter. Un jeu pas très grand public avec des graphismes abstraits, mais un grand jeu assurément.
- Alien Vs Predator, un FPS de très haute tenue qui sera noté 95% par le magazine Consoles+. Dixit les testeurs de l’époque : « le meilleur jeu d’action toutes consoles confondues ». Il est plaisant de noter que certains des concepteurs de ce jeu se retrouveront quelques années plus tard sur GoldenEye, une autre référence du FPS.
- Wolfenstein 3D et Doom, deux FPS de légende signé Id software.
- Iron Soldier, un jeu de méchas géants assez complet et novateur dans le genre.


Alien Vs Predator sorti en 1994, était le jeu phare de la Jaguar

En revanche, d’autres jeux renforcent cette impression d’arnaque sur les prétendues 64 bits de la Jaguar :
- Checkered Flag, un clone de Virtua Racing en 3D flat à la jouabilité plus qu’incertaine. Il est amusant de constater que ce jeu est sorti le même jour que Ridge Racer sur Playstation au Japon.
- Kasumi Ninja, le Mortal Kombat du pauvre d’Atari, avec un bandana « Ninja » offert dans la boîte de jeu !
- Club Drive, un jeu de voitures en 3D flat tout honteux.
- Double Dragon V, un jeu de baston IGNOBLISSIME !


En bonne place parmi les jeux de la honte sur Jaguar : Kasumi Ninja et son célèbre coup du kilt !

Fin 1994, Sony et Sega ont déjà lancé en orbite leur 32 bits, avec des titres autrement plus affriolants que ces quelques jeux en 2D ou en 3D bien vilaines. La Jaguar semble déjà à bout de souffle un an à peine après sa sortie.


Ce sera tout pour cet extrait, mais je vous invite naturellement à lire la suite de l'article sur gameforever.fr. => https://www.gameforever.fr/jaguar.php

Wizzy y parle du Jaguar CD (oui, ça existe !), d'autres jeux de la console (dont Rayman), de la fin de sa commercialisation et de sa renaissance avec la scène homebrew.

A voir également, l'intégrale des avis pour la Jaguar et le Jaguar CD.

Les célébrations du 35ème anniversaire de Super Mario Bros sont toujours en cours avec la sortie prochaine de Super Mario 3D World, et c'est pour ça que je me suis décidé à mettre à jour mon article consacré à... Luigi !
La popularité du jeune frère de Mario est désormais indiscutable, mais il n'en a pas toujours été ainsi : avant d'être la vedette de ses propres jeux, Luigi était souvent vu comme un clone de Mario habillé en vert.

Dans cet extrait pour Gamekyo, je reviens justement sur cette période qui s'étend jusqu'à Mario 64. Si vous voulez directement lire l'article complet, qui revient sur l'ensemble de la carrière vidéoludique de Luigi jusqu'à aujourd'hui, c'est par ici : https://www.gameforever.fr/luigi.php

Bonne lecture !


À n’en pas douter, Luigi est l’un des personnages les plus populaires de l’univers Nintendo, de nombreux puristes le préférant même à Mario. Sa présence a pourtant été pendant longtemps très largement occultée par son grand frère à la casquette rouge.

La légende de Luigi n’a rien d’une belle histoire, contrairement à celle de Mario : à l’occasion de la sortie du jeu Mario Bros en Arcade en 1983, il fallait un autre personnage que Mario pour le joueur 2. Compte tenu des limitations techniques de l’époque, il était plus facile de proposer un gugusse ressemblant pixel pour pixel à Mario, qu’un personnage totalement différent. La couleur verte de la salopette de Luigi résulte également de ces limitations ; c'est ainsi en puisant dans la palette de couleurs déjà utilisée pour les tortues qu'il fut décidé d'attribuer la couleur verte au frère de Mario. L’idée du nom de Luigi serait quant à elle venue (d’après une source officielle émanant de Nintendo) d’une pizzeria en face des locaux de Nintendo of America, nommée « Mario & Luigi’s ».
Ainsi est né Luigi, le Mario à la combinaison verte.


> Un personnage en quête d’identité

Luigi a d’abord tenu le rôle du frère « casse-pieds ». Toujours dirigé par le deuxième joueur, Luigi n’a d’autres buts que de battre son grand frère, que ce soit dans Mario Bros ou dans le moins connu Wrecking Crew sorti en 1984.

En 1985, avec Super Mario Bros, nos deux plombiers moustachus changent de statut. La présence de Luigi se justifie alors pour permettre de jouer à deux en alternance, mais si l'on se fie au scénario du jeu, le héros reste bien Mario, accompagné éventuellement de Luigi. Dès lors, la réputation du jeune frère se dessine : peu enclin à l’aventure, il n'intervient qu'en second, après Mario. Luigi ayant une apparence identique sur les illustrations de Mario Bros et ne disposant pas d'illustration officielle pour Super Mario Bros, il reste un Mario en vert et blanc, contrôlé par le 2ème joueur.


Il faut bien l'avouer : contrôler Luigi était vécu comme une punition pour le 2ème joueur, obligé d'attendre la mort de Mario pour enfin commencer

Les sorties des Super Mario Bros 2 (voir dossier Super Mario Bros 2) vont pourtant changer la donne, et forger au jeune frère une identité plus marquée. Dans le Super Mario Bros 2 japonais (Lost Levels dans la compilation Super Mario All-Stars), le jeu propose au départ le choix entre Mario et Luigi. Certes, Luigi n’a pas évolué graphiquement, mais dispose d’une capacité de saut sensiblement supérieure, au prix d’un dérapage nettement moins maîtrisé, ce qui peut corser la difficulté. C'est également à compter de ce jeu que Luigi dispose de sa première illustration officielle, le présentant plus grand et plus mince que Mario, et avec une moustache plus fine.
Nous, c’est plutôt dans notre Super Mario Bros 2 (dit "USA") qu’on a appris à mieux connaître Luigi. Il affiche pour la première fois un design pixellement différent de Mario, conserve une capacité de saut élevée (la meilleure du jeu) illustrée par la loufoquerie du personnage quand il remue ses jambes, mais possède une force moindre ainsi qu'une maniabilité délicate, sa capacité de saut étant très affectée par le port d'objets.
Ces deux jeux forgeront ainsi les éléments primaires de distinctions entre Mario et Luigi, dans leurs caractères comme dans leurs capacités, et chaque fois qu’il sera possible de différencier l’un de l’autre.


Un peu plus difficile à contrôler que les 3 autres personnages de SMB 2 "USA", Luigi se rattrape par son apparence fantasque

Plusieurs séries de dessins animés américains respectèrent scrupuleusement le cahier des charges. Se conformant à l’image que donnait Luigi dans les deux Super Mario Bros, le dessin animé fit de lui un personnage benêt, maladroit et froussard.

On aurait pu croire que cette tendance allait se confirmer, que Luigi afficherait toujours plus de différences… Ce fut tout le contraire ! Certes, on ne pouvait reprocher l’excellence de Super Mario Bros 3, mais Luigi redevient le Mario vert, aux caractéristiques identiques à celles de son frère.


> Un long passage à vide

Mario est au début des années 90 une superstar… Et Luigi est plus que jamais dans son ombre. Chaque nouveau personnage enrichissant le monde de Mario et l’univers Nintendo ne fera qu’éclipser toujours plus Luigi.

Luigi sera pourtant bien présent dans Super Mario World, on compte toujours sur lui pour permettre à un deuxième joueur d’intervenir, mais cette fois, un nouveau personnage, que le joueur contrôle également, fait une première apparition remarquée : il s’agit de Yoshi, le dinosaure vert. On se souvient tous de cette première fois avec Yoshi, la joie immense de partir avec lui chevaucher à travers les Donut Plains, de gober les ennemis... Et Mario avec sa cape jaune ? Ah quel bonheur ! Et Luigi ? Difficile de dire autre chose que : « Ce n’était que le Mario vert ! ».

Lorsque Hollywood s'empare de la licence Mario pour en faire un film... qui est ce qu'il est, Mario (interprété par le regretté Bob Hoskins, bon acteur au demeurant) est grosso modo le Mario attendu, avec sa moustache et son air bonhomme. Mais Luigi (interprété par John Leguizamo, autre bon acteur au demeurant) est nettement plus jeune que Mario, n’a pas de moustache, est volontiers séducteur, tombe amoureux de la princesse (Daisy), n’est pas maladroit et n’a pas froid aux yeux. Seule l'apparence fluette et la salopette verte semblent être les derniers points communs entre ce Luigi, et notre Luigi, le vrai. Le film est donc passé à côté du potentiel davantage comique du jeune frère.


Les mérites de Luigi ne sont pas reconnus dans Super Mario World, il n'y en a que pour Mario !

Si ce Luigi ne ressemble en rien à l'original, c’est aussi parce que le personnage a été laissé progressivement de côté. Tombé en disgrâce suite à Super Mario World, Luigi s’offre malgré tout une apparition dans Super Mario Kart, où il dispose certes d’un dessin différent de Mario, mais ne se distingue toujours pas de son frère. Au milieu des 7 autres participants, Luigi ne ressort pas du lot.

Nintendo, à défaut de soigner la popularité en berne de Luigi, soigne en revanche son apparence à l’occasion de la sortie de Super Mario All-Stars en 1993 sur SNES. Ainsi, dans Mario 1, Lost Levels et Mario 3, Luigi affiche fièrement son air de grand dadet ! Officiellement, Luigi n’est donc plus le Mario vert de service, et pour le plus grand plaisir de ses fans. Dans la compilation Mario All-Stars + Mario World, le design de Luigi dans Mario World sera également retravaillé.


Luigi gagne une apparence différente de Mario dans les remakes de SMB, Lost Levels et SMB 3 inclus dans Super Mario All-Stars

Il paraît alors évident que Miyamoto éprouve une certaine sympathie pour Luigi, mais qu'il ne sait pas quoi en faire. Un jeu avec Luigi pour seul héros, cela va pourtant arriver dans un jeu éducatif fort méconnu, Mario is Missing!, lequel n’est pas signé par Nintendo. Luigi y affiche hélas son apparence de Mario vert de Super Mario World, et en plus le jeu ne porte pas son nom.

La chute se prolongera pour Luigi avec l’apparition d’un nouveau héros en 1994, Donkey Kong, le premier adversaire de Mario. Le jeu Donkey Kong Country réalise un tel carton que Mario lui-même sera provisoirement évincé !
Sans oublier le sympathique Super Mario Land 2 sur Game Boy sorti en 1993. Tout comme dans le premier Super Mario Land, Luigi est absent, mais le plombier à la casquette rouge va se faire un nouveau rival : son double maléfique Wario. Personnage haut en couleurs et tranchant avec l’univers lisse du monde de Mario, Wario va connaître un succès immédiat qui ne se dément toujours pas à l’heure actuelle. Problème : il entre en concurrence avec Luigi, même si ces deux personnages ne se sont jamais directement affrontés dans un jeu.

Le salut de Luigi ne passera même pas par Super Mario World 2 - Yoshi’s Island. Yoshi y gagne ses galons de héros, et transporte sur son dos bébé Mario. Bébé Luigi n'apparaît quant à lui qu’à la toute fin du jeu, mais un détail sera éclairci. On croyait Luigi plus jeune que Mario, on découvre en fait que les deux frères sont jumeaux !

Devenu personnage très secondaire dans l’univers Mario, derrière Donkey Kong, Yoshi, Wario, Bowser ou Peach, la présence de Luigi semble dorénavant superflue. La tendance est amorcée avec Super Mario RPG, le fameux jeu de Square que Nintendo a refusé de sortir en Europe par mesures de représailles envers l’éditeur. Et à l’occasion du phénoménal Super Mario 64, Luigi répondra une nouvelle fois aux abonnés absents.


Bébé Luigi enlevé par les sbires de Kamek dans Yoshi Touch 'n Go sur DS, une reprise de Yoshi's Island


C'est tout pour cet extrait. Mais la suite de l'histoire est évidemment bien plus heureuse pour Luigi, qui va progressivement se faire une place de premier plan dans l'univers Nintendo, au point de devenir un mème. Comment ? La suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/luigi.php

Vous avez peut-être eu une nouvelle console de jeux sous le sapin... à moins que vous ne préfériez le retrogaming. Noël était en effet l'occasion d'avoir une PC-Engine mini, voire une authentique PC-Engine pour les puristes !

Concurrente de la NES et la Master System, la PC-Engine reste encore assez méconnue, et ceux qui s'y sont intéressés se sont retrouvés perdus devant la multiplicité des modèles. Ce dossier rédigé par un ancien membre du site et revu par mes soins a pour but d'y voir plus clair, et pourquoi pas de s'intéresser davantage à cette console.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait présentant les différents modèles.

La version complète de l'article est à lire sur Game Forever. : https://www.gameforever.fr/pcengine.php

L'article complet présente également les principaux jeux et livre une analyse de l'échec de cette console hors du Japon.

Bonne lecture !


> Le commencement

Nous sommes au milieu des années 80. Nintendo domine le marché des consoles de salon grâce à sa Famicom ; Sega, son seul concurrent sérieux, peine à exister avec sa Mark III (Master System) au Japon. Dans ce contexte, il y a de la place pour un nouvel acteur. Deux compagnies lorgnent ainsi de plus en plus sur ce marché : NEC et Hudson Soft. Ils développent donc en partenariat une console de salon. NEC, fort de ses compétences en électronique grand public ainsi que du succès de ses ordinateurs PC-88 et PC-98, participe à la conception matérielle de la console, tandis qu'Hudson Soft (qui possède aussi une division "puce électronique") s'oriente vers la conception logicielle.

Le 30 Octobre 1987 sort leur bébé : la PC-Engine. Les deux parents espèrent bien mettre à mal la domination écrasante de Nintendo. En effet, la console sort plus tard que ses concurrentes directes et profite des dernières avancées technologiques. Il s'agit d'une console 8-bits, mais avec un processeur graphique 16-bits.
Esthétiquement, la PC-Engine surprend par sa taille : il s’agit d’un petit carré blanc où l'on insère des cartouches de la taille d'une carte téléphonique (très semblables aux cartouches de la Mark III). Le pad est lui similaire à celui de la NES, mais avec des coins moins anguleux.

> Présentation des troupes

La première console produite est donc la PC-Engine décrite ci-dessus. Pour l'instant, ça va. Mais comme la Famicom et la Sega Mark III seront renommées pour leurs sorties occidentales, la PC-Engine change de nom, d'apparence et même de volume pour sa sortie en août 1989 en Amérique du Nord, et devient la TurboGrafx-16, un rectangle noir aux dimensions plus larges. La console est vendue avec un "TurboPad" : si le nom prête à sourire, la manette dispose de boutons glissières activant la fonction Turbo des touches I et II, ce qui est loin d'être inutile pour les nombreux shoot-them-up de la console. Enfin, la PC-Engine japonaise va connaître deux versions actualisées appelées successivement CoreGrafx (fin 1989) et CoreGrafx II (1991) pour accompagner respectivement la SuperGrafx et le Super CD-ROM². Ces modèles sont identiques à l'original mais bénéficient d'une sortie AV au lieu de la prise antenne de la première PC-Engine, ainsi que du TurboPad du modèle nord-américain.


Ce sont des considérations purement marketing qui ont fait de la TurboGrafx-16 un modèle sensiblement plus imposant que la PC-Engine, alors que rien ne diffère au niveau du hardware

Pour faire face à la concurrence de la toute nouvelle Mega Drive de Sega sortie fin 1988 au Japon mais également pour innover, NEC sort en 1989 une extension, le CD-ROM², qui se connecte à la PC-Engine grâce à l'Interface Unit. L'extension CD sort également en Amérique du Nord en 1989, simplement renommée TurboGrafx-CD.


Le CD-ROM² relié à la PC-Engine par l'Interface Unit

Malgré la qualité sonore indéniablement meilleure de ses jeux, le CD-ROM² n'offre toutefois pas le surcroît de puissance espéré et s'avère insuffisant alors que Nintendo prépare la sortie de sa Super Famicom ; ainsi NEC sort la SuperGrafx fin 1989, une PC-Engine améliorée (meilleure résolution, mémoire plus importante, etc.) pour entrer dans la course des consoles 16-bits. Ce modèle "pro" ne se vendra malheureusement quasiment pas, et sa ludothèque spécifique ne se compose que de 5 jeux. La console ne sortira pas aux Etats-Unis, mais sera importée en France avant même la sortie de la Mega Drive.


La SuperGrafx et son design étrange aurait dû prendre la suite de la PC-Engine, mais son échec changera les plans de NEC et Hudson

Actant l'échec de la SuperGrafx, NEC et Hudson décident de continuer à miser sur l'évolution matérielle de la PC-Engine, notamment en sortant une extension CD-ROM cette fois bien plus performante : le Super CD-ROM². Offrant un surcroît sensible de RAM, cette extension prend différentes formes : elle combine d'abord la PC-Engine et le Super CD-ROM² en une même et unique console, la PC-Engine Duo (1991). La même année, NEC propose également une Super System Card pour les possesseurs du CD-ROM², leur permettant d'upgrader leur matériel sans avoir à investir dans le Super CD-ROM². Quant à ceux qui ne possédaient pas le CD-ROM², l'extension Super CD-ROM² est également vendue seule. La PC Engine Duo eut ensuite plusieurs déclinaisons : d'abord le modèle nord-américain, la TurboDuo, sortie en 1992 avec un design cette fois quasi-inchangé ; puis uniquement au Japon, les modèles Duo R et Duo RX, souvent décrits comme « low cost » car faisant intervenir moins de composants, ainsi que des composants à plus faible coût. La Duo RX est en contrepartie vendue avec un pad 6 boutons, qui sera celui de la PC-FX. Ce dernier modèle est par ailleurs sorti en 1994 : en comparaison, la PlayStation et la Saturn, consoles 32-bits, sont sorties en décembre 1994.


La PC-Engine Duo combine la PC-Engine et le Super CD-ROM²

La dernière amélioration technique a été l'Arcade Card, une extension de mémoire vive pour le Super CD-ROM². Les sprites affichés à l’écran peuvent être plus gros, en plus grand nombre ; cela offrit à la petite 8 bits des conversions de hits Neo Geo comme World Heroes II, Art of Fighting, Fatal Fury... Ces conversions étaient très réussies et souvent meilleures que celles développées sur Super Nintendo et Megadrive, sans compter qu'elles étaient lors de leurs sorties financièrement bien plus abordables que les très coûteuses cartouches AES de la Neo Geo.
Mais comme il existe le CD-ROM² et le Super CD-ROM², il existe aussi deux Arcade Card : la Duo pour les PC-Engine Duo et le Super CD-ROM², et la Pro pour les systèmes ne possédant que le simple CD-ROM².

NEC et Hudson Soft se sont aussi aventurés sur le marché des consoles portables. Deux consoles extraordinaires pour leur époque furent conçues : la PC-Engine GT et la PC-Engine LT. Ces consoles étaient de vrais bijoux technologiques. Toutes deux possèdent un écran à matrice active. La PC-Engine GT est sortie fin 1990 au Japon et en Amérique du Nord (où elle est renommée TurboExpress). La qualité de son écran (bien que petit) émerveille toujours, mais le gros problème était l'autonomie (2h avec 6 piles LR6) ; autre problème, après avoir joué sur une GT, il était quasiment impossible de jouer à toute autre console portable de l'époque tant le fossé entre la qualité des écrans Game Boy et Game Gear était en effet bien trop profond. Il était même possible de transformer sa GT en une télévision grâce au Tuner TV vendu comme accessoire, mais la norme NTSC empêche son utilisation en Europe.
Pour la petite histoire, la PC-Engine GT était surnommée la "Rolls Royce" des portables ; une comparaison flatteuse avec la Neo Geo (surnommée quant à elle "Rolls des consoles"), ainsi qu'une référence à son prix très élevé, que ce soit à sa sortie ou sa cotation actuelle.


La PC-Engine GT a fait le choix de la démonstration technologique au détriment de l'autonomie et de l'accessibilité

Sortie fin 1991, la PC-Engine LT présente un écran de même qualité mais plus grand que celui de la GT. Elle intègre un Tuner TV et des connectiques permettant entre autre de connecter un magnétoscope, un lecteur DVD, et même les extensions CD-ROM² et Super CD-ROM² - cette dernière nécessitant toutefois un adaptateur. Déjà très onéreuse à sa sortie (100 000 yen, soit environ 800 € de l'époque), la PC-Engine LT atteint du fait de sa rareté des sommes folles (plus de 3 000 € bien d'aujourd'hui), ce qui peut décourager sérieusement les possibles intéressés.
Bien entendu, ces consoles portables (ou plutôt transportables) ne connurent pas le succès (trop chères et trop « gourmandes » en piles).


La PC-Engine LT, une console transportable et un modèle rare

Même si NEC n'aimait pas la simplicité vu le nombre de déclinaisons de la PC-Engine, chacun de ces modèles - que ce soit la PC-Engine, la portable GT, la SuperGrafx ou la Duo - faisait fonctionner de base les cartouches Hu-cards. Mais comme on l'a vu, ça se complique concernant les jeux spécifiques à chaque modèle.


Voilà pour cet extrait sur les différents modèles de PC-Engine. La suite de l'article offre une vision d'ensemble sur la ludothèque de la console - ou plutôt, comme vous l'avez désormais compris, de la console et de ses différents modèles ou extensions.

Article complet sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/pcengine.php

La PS5 et la Xbox Series tout juste sorties, j'ai décidé de vous parler... d'une vieille console ! D'une très vieille console, même. Et pas la plus connue, en plus : la Videopac. Mais ne partez pas tout de suite ! Cette concurrente de l'Atari 2600 n'a pas eu un grand succès, mais peut-être que les plus anciens s'en souviennent. Quant aux autres (l'écrasante majorité), cet article vous fera découvrir - je l'espère - une console qui n'avait pas beaucoup de moyens, mais des idées.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article publié sur Game Forever, présentant les jeux de cette console.
Le dossier complet présente les différents modèles de Videopac ainsi que le fonctionnement de la console (et y'a plus d'images !), à lire par ici : https://www.gameforever.fr/videopac.php




L’Odyssey², sortie en Europe sous le nom de Videopac, est une console intéressante à plus d’un titre, l’une des rivales de l’Atari 2600 qui ambitionna de se faire une place dans le marché vidéoludique, mais qui fut bien loin d'y parvenir. La Videopac est cependant un réel témoin d’une époque où le marché du jeu vidéo se cherchait encore ; c’était également une console novatrice pour son époque, mais la réalité a mis à mal les ambitions affichées à son lancement.

> De Magnavox à Philips

Magnavox est une entreprise américaine spécialisée dans les téléviseurs, postes de radio et téléphones. Le jeu vidéo devient logiquement un prolongement évident dans les activités de la société lorsqu'en 1971, Sanders Associates et son ingénieur Ralph Baer ("le père des consoles de jeux") contactent Magnavox pour leur proposer un prototype de console de jeu, la "Brown Box" ; une révolution qui permet de connecter une machine uniquement dédiée au jeu vidéo sur un téléviseur ! Le contrat est signé, et la Magnavox Odyssey, première console de jeu commercialisée de l'histoire, sort en 1972 avec son jeu de tennis qui allait inspirer peu après Pong d'Atari.
D'autres jeux seront proposés sur cette Odyssey, mais également des clones - des consoles à jeu dédié - sorties de 1974 à 1978.


Le premier modèle de Magnavox Odyssey, toute première console de jeu commercialisée

Lorsque la société Magnavox est achetée par le groupe néerlandais Philips, sa division électronique décide de sortir une nouvelle console fin 1978. Aux Etats-Unis, elle prend logiquement le nom « Odyssey² », marquant la volonté de prendre la suite de l'Odyssey, une marque déjà bien implantée dans le marché nord-américain.
"Magnavox" et "Odyssey" sont en revanche des marques inconnues en Europe. Philips s'occupe donc directement de la commercialisation dans le même temps de la console, qui prend officiellement le nom de Videopac.

Si la stratégie nord-américaine de la filiale Magnavox est claire et repose sur la seule marque "Odyssey²", le groupe Philips adopte pour l'Europe une toute autre stratégie - celle qui sera également appliquée pour son format de cassettes Video 2000 (concurrent de la VHS) au début des années 80 : faire de la Videopac un standard dans le domaine des jeux vidéo, lequel pourra être décliné en plusieurs modèles, voire plusieurs clones. La Videopac sortira ainsi sous plusieurs marques différentes (Schneider, Radiola, Siera...), et le groupe néerlandais va également passer un accord avec le groupe français Thomson, qui pourra ainsi développer sa propre console compatible avec le standard Videopac : ce sera la JOPAC.

> Les jeux

L’ambition affichée de la console était véritablement de devenir un « ordinateur de jeux ». Le jeu vidéo restait évidemment son credo principal, mais il était prévu de proposer de nombreux programmes permettant de transformer la Videopac en ordinateur moderne, d'où la nécessité du clavier. L'aspect éducatif était bien mis en avant pour convaincre les parents d'acheter cette console plutôt qu'une Atari 2600 exclusivement dédiée aux jeux. Allons cependant au-delà de la publicité - et Philips ne lésina pas sur les moyens à l‘époque : la Videopac n'avait absolument pas la puissance d'un ordinateur, comme elle n'était d'ailleurs pas la plus puissante des consoles de sa génération, et elle ne pouvait fonctionner sans cartouche.

L’ensemble de la gamme Videopac compte en fait officiellement 66 jeux, quand sa concurrente, l’Atari 2600, en a proposé bien plus de 1 000 (même si la qualité laissait souvent à désirer). La liste des jeux est disponible sur Wikipedia. La ludothèque était relativement variée, et proposait aussi bien des jeux de sports (basket, foot...) que des jeux d’action et de réflexion.

Le plus connu des jeux Videopac est ni plus ni moins que l’adaptation maison de Pacman, KC Munchkin (Glouton et Voraces en français). Le but du jeu était sensiblement le même que le légendaire Pacman, à la différence que le glouton disposait d’antennes (le détail qui tue !). Le petit glouton deviendra ainsi la mascotte officieuse de la Vidéopac ! Aux Etats-Unis, Philips dut retirer de la vente KC Munchkin suite à un procès intenté par Atari et Midway, qui avaient obtenu les droits de Pacman sur le marché nord-américain. Loin de se laisser démonter, Magnavox / Philips sortent un nouveau jeu avec le Munchkin pour héros, Crazy Chase, au principe similaire à Centipede.


Glouton et Voraces, un meilleur clone de Pacman que l'adaptation officielle sortie sur Atari 2600

Certains jeux se seront également révélés particulièrement originaux, et ont de quoi faire sourire, comme le jeu de morse… le langage codé hein ? Ce type de jeux faisait bien évidemment partie de l'aspect éducatif mis en avant, même si en 1980, apprendre le morse en jeu vidéo n'était pas très avant-gardiste.
Autre preuve que les prémices du logiciel éducatif annonçaient sans doute l'échec de ce genre de jeux sur consoles : Programmation, proposant de faire... de la programmation, dans le but affiché de faire de la Videopac un véritable ordinateur ; ce qui se sera révélé être une odieuse arnaque, car le logiciel en question n'est qu'un simple assembleur, de la pseudo-programmation sans intérêt. Un logiciel éducatif d'initiation au piano était également proposé, mais on peut douter de la méthode.

Plus ambitieux, trois jeux de plateau étaient également sortis sur la console : The Quest for the Rings (aux airs de Seigneur des Anneaux), Conquest of the World et The Great Wall Street Fortune Hunt. Ces jeux utilisent la console comme support complémentaire pour certaines actions (combats, déplacements...) ; une idée intéressante qui fut saluée à l'époque comme une innovation.


La boîte de Quest for the Rings, comprenant en plus de la cartouche, un plateau, des pions, une carte à placer sur le clavier de la console, et le livre du maître du jeu

Les jeux étaient développés par les équipes internes de Philips / Magnavox pour leur très grande majorité. On dénombre ainsi 60 jeux Vidéopac officiels - les jeux maison étaient tous numérotés. Les autres jeux numérotés au-delà ne sont jamais sortis ou peuvent être des homebrews (des jeux développés par des amateurs). Parmi les jeux Videopac, 12 disposent d'une version optimisée pour Videopac +, et seulement 3 jeux seront exclusifs à cette dernière.
Seulement deux éditeurs-tiers (Parker et Imagic) se sont risqués sur la Videopac, la plupart des éditeurs du début des années 80 préférant sortir leurs jeux sur les machines concurrentes, Atari 2600 (largement) en tête. On dénombre ainsi seulement 6 jeux d‘éditeurs tiers, dont les adaptations des classiques de l'arcade Q*Bert et Frogger.



Si les jeux étaient graphiquement limités, l’emballage était en revanche réussi : avec ses boîtes en plastique solides et ses belles illustrations, la Videopac offre une leçon de packaging quand on compare ces boîtes à celles des machines concurrentes, et même des consoles des générations postérieures, comme la NES et ses boîtiers cartons fragiles, ou comme celles de la Master System et de la Turbografx-16 (la PC Engine américaine) avec leurs illustrations souvent risibles. Les cartouches de jeu Videopac destinées au marché français étaient même produites en France !
A ces jeux, il faut également ajouter 2 modules additionnels : le C7010 pour jouer aux échecs ; et le C7420 exclusif Videopac +, pour faire de la programmation en BASIC permettant de créer de vrais jeux.




C'est tout pour cet extrait.

L'article complet sur Game Forever présente les différents modèles de consoles - car déjà à cette époque, il y avait un modèle Pro ! - et revient aussi sur l'échec de cette console ainsi que de son (maigre) héritage : la Philips CD-i !

=> https://www.gameforever.fr/videopac.php

Pour les 30 ans de la série Fire Emblem, Nintendo sort aujourd'hui le tout premier volet sorti sur NES sur l'eshop de la Switch... au prix de 5,99 €. Mais le jeu original n'était jamais sorti par chez nous, et n'avait jamais été officiellement traduit non plus.
L'anniversaire est bien moins spectaculaire que pour les 35 ans de Super Mario Bros, mais ça me donne tout de même l'occasion de célébrer cet anniversaire avec la mise à jour de mon dossier consacré à Fire Emblem

Article à lire en version complète sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/fireemblem.php

L'article revient sur tous les épisodes de la série, jusqu'au récent Three Houses, et sans oublier l'influence déterminante de Super Smash Bros sur le succès tardif de la série de tactical-RPG.

Pour Gamekyo, je vous propose en extrait le début de l'article, où je parle bien évidemment des 2 épisodes sortis sur Famicom. Et si vous avez envie d'en apprendre plus sur la série (ou de redécouvrir ses épisodes), je vous invite à lire la suite sur Game Forever.

Bonne lecture !


Série considérée comme fondatrice du genre Tactical-RPG, Fire Emblem a toujours été une institution pour ceux qui la connaissent... c’est-à-dire quasiment personne en dehors du Japon ! Tout du moins, cela a été longtemps le cas ; 13 ans, pour être précis, avec la sortie du 7ème volet en occident. Pour quelles raisons obscures Nintendo n’a pas jugé bon de faire connaître Fire Emblem dans le monde jusqu’alors, et de ne la cantonner qu’au Japon ? Cette question mérite d’autant plus d’être posée que la série a aujourd’hui gagné la reconnaissance qu’elle aurait longtemps méritée. Parmi les réponses à apporter, impossible de passer sous silence une autre franchise incontournable de Nintendo, Super Smash Bros, à qui Fire Emblem doit énormément.

> Naissance d’une série et d’un genre

En 1990 sort sur Famicom le premier Fire Emblem, créé par Shouzou Kaga et son équipe d’Intelligent Systems, un studio appartenant à Nintendo et sous la houlette de Gunpei Yokoi. Chargé habituellement du hardware au sein de la firme de Kyoto, Intelligent Systems a tout de même développé en 1988 un jeu de stratégie militaire, Famicom Wars (premier volet d’une série dont nous connaissons davantage les Advance Wars). Ce jeu servira d’inspiration pour l’aspect stratégique, auquel seront ajoutés des éléments de RPG (pour le gain en expérience des unités) ainsi qu’un univers heroic fantasy inspirés de Dragon Quest.


Le premier chapitre de Fire Emblem, une entrée en matière tout de même très austère

Le premier volet sous-titré Ankoku Ryu to Hikari no Tsurugi (en anglais, Shadow Dragon and The Blade of Light) se passe ainsi dans le continent d'Arkaneia, une contrée où magie et dragons font évidemment partie du décor. Le joueur suit les (més)aventures de Marth, prince déchu du royaume d’Altea, engagé dans la reconquête de son pays, puis la libération du monde tombé sous le joug de Medeus, l’incarnation du dragon des Ténèbres. Si vous avez bien suivi, il manque donc encore deux éléments pour parfaire la mythologie Fire Emblem – ainsi que les raisons d’un titre aussi long : le Sceau du Feu peut prendre plusieurs formes, mais est ici un bouclier sacré qui doit libérer le potentiel de son détenteur ; tandis que l’Épée de lumière, Falchion, peut vaincre le dragon. Toute cette mythologie ne saurait enfin être complète sans le célèbre thème principal de Fire Emblem, qui s’immisce dans absolument tous les volets de la série.

Dès ce premier Fire Emblem, on retrouve à l’état brut les fondements de la série. Vos unités se déplacent par cases sur une carte, et affrontent les ennemis, pour remplir un objectif principal : vaincre un boss et prendre son bastion. L’aspect stratégique prend toutefois une dimension particulière et tendue, puisque Fire Emblem instaure une quasi-règle d’or qui fait la marque de fabrique de la série : la mort permanente des alliés tombés sur le champ de bataille. À l’exception de Marth, dont la mort entraîne le Game Over, une unité perdue l’est pour de bon et ne reviendra pas (sauf exception) à la mission suivante. Les victoires à la Pyrrhus ne vous emmèneront donc pas bien loin ! D’ailleurs, petit aparté sur l’expression « Victoire à la Pyrrhus », souvent employée à tort et à travers, mais qui trouve ici parfaitement sa signification première puisque... Hé, mais non, ne partez pas, l’article n’est pas encore fini ! Bon, promis, je ne recommencerai plus ! Alors, oui, en sachant que vos unités perdues ne reviendront plus, vous devez les gérer au mieux et éviter les stratégies hasardeuses, d’autant que – et c’est une constante dans la série – l’ennemi ne manquera pas de s’acharner sur vos unités les plus faibles ou les plus isolées, et le jeu vous placera même parfois dans des situations de sacrifices nécessaires.


Malgré la réalisation très minimaliste, on reconnaît tout de même ici parfaitement l’articulation classique d’un combat dans Fire Emblem

Comme si ce n’était pas suffisant, vos armes ont – sauf exception, là-aussi – une durée limitée, et il faudra gérer au mieux votre trésor de guerre pour acheter de bonnes armes ou les remplacer. Heureusement, votre avancée vous mènera à rencontrer sur votre route des alliés prêts à vous offrir leurs talents (archers, mages, guérisseurs ou encore dragons), à condition de les convaincre de rejoindre votre camp.

Premier volet forcément mythique, ce Fire Emblem a rencontré un succès surprise au Japon.

Le deuxième volet, Fire Emblem Gaiden, sort en 1991 dans le sillage du succès du premier volet, avec une formule légèrement remaniée, et un univers différent. Scénaristiquement, il ne s’agit donc pas d’une suite, mais d’une nouvelle histoire – d’où le terme « Gaiden ». Si le fond de jeu n’évolue pas fondamentalement, cet épisode tente des expérimentations qui ne seront parfois reprises que bien plus tard dans la série. Outre le fait que l’on contrôle cette fois deux armées et deux héros à leurs têtes (Alm et Celica), on se déplace sur une carte entre chaque mission, et on explore des cavernes ou des donjons - une particularité de cet épisode qui ne sera pas reprise dans les autres volets.
Pour chaque mission de combat en revanche, le principe reste identique au premier volet.


Dans Fire Emblem Gaiden, vous pouvez diriger vos unités vers leurs prochains défis, en les déplaçant sur une carte à la Mario 3

Il n’est évidemment pas difficile d’expliquer pourquoi ces deux jeux ne sont pas arrivés jusqu’à nous au début des années 90. Leurs sorties sont relativement tardives sur Famicom, mais de nombreuses productions japonaises datant de cette période ont pu malgré tout arriver en Occident. Le genre du tactical-RPG, évidemment tout nouveau, ne fut pas jugé commercialement envisageable, ce d’autant plus que les jeux nécessitent une traduction intégrale bien plus importante que bon nombre de productions 8-bits : il était évidemment plus facile de localiser un jeu d’action avec peu de dialogues qu’un jeu d’aventure, et compte tenu du délai de traduction conséquent, de nombreux RPG de l’époque (Final Fantasy II et III notamment) n’avaient d’ailleurs pas fait le voyage.

Des traductions amateur ont depuis été proposées pour permettre de découvrir ces jeux, même s’ils se réservent avant tout aux puristes tant ils sont difficiles d’accès. Aidé toutefois par la popularité actuelle de la série, le premier volet bénéficie en 2020 pour ses 30 ans d'une sortie officielle en Occident sur Switch, avec quelques ajustements (sauvegarde en cours de bataille, accélération de la vitesse du jeu et version anglaise) destinés à rendre l'expérience plus accessible.


La suite de l'article à lire sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/fireemblem.php

Le dossier revient entre autres sur les 2 remakes du premier Fire Emblem (Mystery of the Emblem sur SNES et Shadow Dragon sur DS).