L'article sur la série Metroid que j'ai rédigé pour gameforever.fr ne cesse de s'enrichir à mesure que les volets sortent. Et maintenant que Metroid Dread est sorti depuis quelques mois, il était grand temps pour moi de compléter encore plus mon article.

L'extrait que je vous propose ici est donc ciblé principalement sur le dernier volet en date, mais évoque également les difficultés de Metroid Prime 4, qui finira bien par sortir un jour.

L'article complet, qui revient sur chaque volet de la série Metroid, est à lire sur gameforever : https://www.gameforever.fr/metroid.php

Pour rappel, vous pouvez également télécharger sur gameforever AM2R, le remake amateur de Metroid II, en version française.


> Metroid Dread, un projet revenu de loin

Marquée par deux longues mises en sommeil durant la seconde moitié des années 90 puis la première moitié des années 2010, la série Metroid semble enfin être de nouveau clairement visible dans les écrans radar de Nintendo. Outre la sortie de Samus Returns, l’année 2017 aura également été marquée par l’annonce de Metroid Prime 4, qui a immédiatement suscité de grands espoirs.

Pourtant, fait peu habituel chez Nintendo, la communication autour de Metroid Prime 4 s'avère inquiétante. Sans doute annoncé trop tôt pour rassurer les joueurs alors que le projet n'avait même pas commencé, le jeu connait un développement si chaotique que Nintendo s'est retrouvé contraint d'annoncer son report... pour reprendre le projet du début ! Si cette annonce est effectivement inquiétante et renvoie la sortie de Metroid Prime 4 à une date indéterminée, elle ne l'est pour autant pas sur la conviction que Nintendo a du potentiel de ce jeu et de la série Metroid. Preuve en est : Retro Studios est revenu aux commandes pour reprendre en main ce projet, certes mal embarqué.

Dans cette attente, il revient à autre projet de prendre la lumière ; un vieux projet même, Metroid Dread ! La rumeur du développement de ce jeu, apparue en 2005 et concrétisée avec un message contenu dans Metroid Prime 3 en 2007, était donc bel et bien avérée depuis tout ce temps. Dans un carnet de développeur accompagnant la présentation du jeu à l'E3 2021, le producteur Yoshio Sakamoto y explique que Metroid Dread avait bien été à l'étude en 2005, puis fut relancé en 2008 pour DS, mais que les technologies de l'époque ne permettaient pas de réaliser le jeu tel que son équipe s'en faisait l'idée.
Le projet, également pensé pour un gameplay 2D qui n'était un temps plus en vogue pour la série Metroid, est ainsi abandonné, jusqu'à ce que le remake de Metroid II et la collaboration avec MercurySteam parviennent à convaincre Nintendo et Sakamoto de reprendre (enfin) l'idée d'une suite scénaristique à Metroid Fusion sorti 19 ans auparavant. A peine annoncé, "Metroid 5" sort donc fin 2021 sur Switch !

Pour Sakamoto, Metroid Dread doit conclure un cycle scénaristique autour des métroïdes ainsi que de leurs créateurs. C’est ainsi la première fois que le peuple Chozo – jusqu’alors porté disparu – est bel et bien présent dans une aventure de Samus, explorant (pour une ultime fois ?) les dernières zones d’ombre du passé de la chasseuse de primes. Parmi ces zones d’ombre, se trouve un nouvel antagoniste surpuissant, Bec de Corbeau. A la tête de la faction guerrière des Mawkin, ce général Chozo particulièrement brutal et sans pitié s’oppose à la faction des scientifiques Thoha qui ont élevé Samus.


Personnage digne de rivaliser en puissance maléfique avec un Ganondorf, Bec de Corbeau représente le côté obscur du peuple Chozo

A travers l’exploration de la planète ZDR, les dernières pièces du puzzle vont pouvoir s’assembler. Véritable traquenard tendu à Samus, ce monde hostile regorge de nouvelles menaces, à commencer par les EMMI, des robots patrouilleurs qui traquent Samus sans relâche dans des zones bien délimitées. Ces ennemis poussent ainsi un peu plus le concept du SA-X de Metroid Fusion en usant de stratégies plus variées, et leur échapper ne sera pas une partie facile.

Mais d’autres terribles adversaires attendent également Samus, laquelle redevient une guerrière taiseuse et mortelle. Fusion et tout particulièrement Other M avaient adouci l’image de Samus, révélant ses émotions et ses failles, mais Samus Returns avait déjà amorcé le contre-pied, avec il est vrai un épisode peu scénarisé. Dread tourne donc la page de la Samus trop sensible, qui n’aurait de toute évidence pas cadré avec l’ambiance générale sans concession du jeu. Les seuls mots de la chasseuse seront ainsi prononcés en langue chozo, de quoi faire frissonner les fans, et seule la voix robotique d’Adam - lui aussi de retour après Fusion - vient parfois rompre la solitude de Samus.


Parmi les vieilles retrouvailles, Kraid - boss mythique de Metroid et Super Metroid - revient plus terrifiant que jamais !

Acclamé par la critique, Metroid Dread bénéficie d’un succès immédiat, bien aidé par la campagne publicitaire de la Switch OLED qui se pare de joycons blancs pour mieux mettre en avant le jeu et ses antagonistes robotiques. A peine quelques mois après sa sortie, il bat (déjà) les records du premier Metroid et de Metroid Prime et dépasse ainsi les 3 millions de ventes, seuil qu’aucun épisode de la série n’avait réussi à franchir !
Cela valait bien une mise à jour gratuite, offrant notamment un Boss Rush, ainsi qu’un mode Terreur qui porte bien son nom – Samus mourant au moindre coup.


> L’avenir de la série


Le compte Twitter de Retro Studios affiche en 2022 cette image encore pleine de mystères du projet Metroid Prime 4

Metroid Prime 4 a été un moment le jeu le plus attendu de la série, mais la réussite totale de Metroid Dread a véritablement rebattu les cartes. Nintendo ne devrait évidemment pas en rester là avec les épisodes 2D ainsi que sa collaboration avec MercurySteam.

S’il n’est pas exclu que la série Metroid fasse parler d’elle pour un projet dont on ne saurait encore rien, l’avenir immédiat de la série n’en demeure pas moins Metroid Prime 4. Au moins sait-on que le projet existe bel et bien, et que Nintendo se fera sans aucun doute le devoir qu'il aille à son terme, ne serait-ce parce que la firme de Kyoto ne peut tout simplement plus faire marche arrière sans écorner sa réputation.

Metroid Dread est toutefois venu apporter une preuve rassurante sur l’avenir de ce projet mal né : même après plusieurs abandons et une mise en sommeil d’une dizaine d’années, le succès peut être au rendez-vous si les planètes Zebes, SR388 et maintenant ZDR sont bien alignées !


Voilà pour la partie de mon article sur Metroid Dread ! L'article complet est à lire sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/metroid.php

Sorti en 2014, mais terminé seulement en 2019, le projet Shovel Knight est devenu plus qu'un simple (excellent) jeu indé, mais bien une compilation comprenant des campagnes additionnelles pouvant être considérées comme des jeux à part entière ; sans compter un mode Battle devenu lui aussi bien plus !

En se consacrant pleinement au développement et au soutien de son jeu, Yacht Club Games a fait de Shovel Knight l'une des grandes vedettes de la scène indé !

Il me parait donc normal de consacrer à Shovel Knight un article complet !

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait revenant sur l'avant Shovel Knight (avec WayForward) et la campagne de financement sur Kickstarter.

Le dossier complet est à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/shovelknight.php

Une dernière chose à dire ? Oui : Bonne lecture !


L’essor des plateformes de téléchargement en ligne sur consoles et PC à compter du milieu des années 2000 a vu l’émergence de la scène indé : des petits studios, parfois composés d’une seule personne, ont ainsi accès à une distribution à grande échelle, pour des coûts d’entrée modestes. Avec les premiers succès (Cave Story, World of Goo ou encore Braid), une communauté des studios indé s’est créée. Et comme chacun des grands éditeurs du jeu vidéo disposent de mascottes (Mario, Sonic, Mega Man, Crash Bandicoot, Lara Croft, etc.), la scène indé s’est également trouvée ses fiers représentants.

Parmi tous ces personnages, c’est un chevalier armé d’une pelle qui s’est imposé comme l’une des plus grandes vedettes : Shovel Knight !


> La création de Yacht Club Games

Avant le démarrage du projet Shovel Knight, il y a d’abord WayForward, un studio californien créé en 1990 agissant comme sous-traitant pour de nombreux éditeurs et adaptant de nombreuses licences, notamment pour les consoles portables de Nintendo. Le studio gagne une meilleure reconnaissance avec une production originale, Shantae sur Game Boy Color, et fait du pixel art 2D, des animations détaillées et des graphismes colorés ses marques de fabrique.

Lorsqu’il rejoint WayForward en 2006, Sean Velasco est à bonne école. Le designer et artiste collabore ainsi comme assistant directeur pour Contra 4 sur DS (2007). Mais son premier projet d’envergure pour le studio est le reboot d’A Boy and His Blob sur Wii (2009). Grand amoureux du jeu NES de 1989, Velasco pense que cette licence a toujours du potentiel pour séduire un nouveau public, et peut parfaitement correspondre à la direction artistique du studio.
Outre ce jeu, il collabore à différents postes sur de nombreux projets de WayForward. Les plus notables sont BloodRayne – Betrayal, Mighty Milky Way ou encore Double Dragon Neon, dont il est directeur de développement.


Mêlant des graphismes dessinés main à une licence rétro abandonnée depuis longtemps, A Boy and His Blob sur Wii est représentatif du style WayForward

Sous ses airs de petit studio, WayForward est pourtant au début des années 2010 une entreprise de plutôt grande envergure qui compte plus d’une centaine de salariés, et poursuit principalement le développement de jeux sous licences (Aliens Infestation, DuckTales Remastered…), ses productions propres – certes de qualité – étant peu nombreuses (les séries Shantae et Mighty Switch Force).
Seulement, développer des jeux sous licence n’intéresse plus Sean Velasco, qui veut conduire un nouveau projet en ayant la possibilité d’en maîtriser la direction artistique et même la marque. Estimant qu’il ne pourra s’épanouir au sein de WayForward, Velasco part fonder Yacht Club Games en 2011, emmenant avec lui quelques membres du studio.


> Un chevalier à l’assaut de Kickstarter

Dès la création du studio, l’objectif de la petite équipe de 5 personnes est d’obtenir un financement participatif via la plateforme Kickstarter, afin de garantir son indépendance mais aussi échanger avec sa communauté de backers. Si toutes sortes de projets (livres, films, séries, jeux vidéo, et même une console, la Ouya) ont déjà pu être financés de la sorte, celui de Yacht Club Games pourra alors lui aussi voir le jour, à condition de retenir l’attention.

La base de Shovel Knight réside dans une réalisation typée « rétro 8-bits » rappelant les productions NES dans ses graphismes comme dans ses musiques. Initiée avec Cave Story (2004) ou encore Mega Man 9 (2008 ), la vague du « neo-retrogaming », réhabilitant les réalisations tout en pixels des années 80, s’installe en effet sur la durée et devient un territoire apprécié des studios indé : Super Meat Boy, Fez, la série Bit.Trip ou encore VVVVVV rencontrent de vrais succès critiques et commerciaux. En 2013, un tel pari n’était toutefois pas nouveau et devait se démarquer pour ne pas être qu’une production nostalgique de plus.

L’idée majeure du gameplay consiste en un jeu d’action-plateformes, dans lequel le héros chevalier armé de son épée pourrait attaquer les ennemis en réalisant notamment une attaque basse directement inspirée du classique de la NES, Zelda II. L’idée suit son chemin, et si le héros peut attaquer ainsi ses ennemis, il pourrait également creuser ; il lui faut donc non pas une épée, mais une pelle ! Shovel Knight est né !
Outre Zelda II et aussi DuckTales, Velasco et son équipe brassent des influences NES qui ont souvent bercé leur enfance : le gameplay et le level design rappellent beaucoup Mega Man, alors que l’ambiance gothique de certains niveaux et l’utilisation d’armes secondaires tiennent plutôt de Castlevania, particulièrement la référence Dracula’s Curse.


Une capture écran du jeu encore en développement, pour faire une démonstration du gameplay de Shovel Knight et de son attaque basse

Le projet désormais bien défini, Yacht Club annonce son jeu mi-mars 2013 avec un premier trailer, puis ouvre en même temps sa campagne Kickstarter en présentant l’univers, l’histoire et les premières réalisations en pixel art. L’objectif de financement est de 75 000 $, pour une sortie prévue fin 2013 sur PC, Wii U et 3DS.
L’équipe est en effet convaincue que Shovel Knight, par sa réalisation typée NES et ses inspirations, a vocation à sortir sur les consoles Nintendo du moment, d’autant qu’après ses années passées chez WayForward, Sean Velasco dispose déjà de bons contacts auprès de Nintendo of America.


Un échantillon des nombreuses animations de Shovel Knight, présenté dès l’annonce du projet sur Kickstarter pour rendre compte des ambitions du studio en matière de réalisation

Le pari va être rapidement payant : dès fin mars, le projet est financé, et Shovel Knight devient une réalité. Yacht Club promet alors de nombreux bonus pour glaner encore davantage de financement : 1, puis 2, puis 3 boss jouables ; une édition physique avec boîte et belle notice ; un mode Challenge ; ou encore un mode Bataille jouable à 4 joueurs, permettant même d’y jouer tous les boss.

Fin avril 2013, tous ces objectifs seront dépassés, et Shovel Knight recevra un financement total de 311 502 $… mais la fin de la campagne Kickstarter ne sera en fait qu’un début !


Ce sera tout pour cet extrait. J'espère vous avoir donné envie de lire la suite sur gameforever.fr.
Je reviens notamment sur chacun des jeux composant le projet Shovel Knight.

=> Lire l'article complet : https://www.gameforever.fr/shovelknight.php

Mon article sur la série Smash Bros a été mis en ligne en 2019, et a d'ailleurs été partagé ici même par mon camarade @Obi69.

Avec la livraison de Sora mi-octobre, Smash Bros Ultimate est dorénavant terminé, tout comme mon article, auquel j'ai ajouté la touche finale... tout du moins, pour le moment.

Je vous propose donc en extrait pour Gamekyo la partie de mon dossier sur Super Smash Bros Ultimate.
Si vous voulez remonter le temps (et lire l'article complet), c'est sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/smashbros.php.

Bonne lecture !


> Le volet ultime ?

L’annonce du projet "NX" amorce certainement l’arrivée d’un nouveau Smash Bros pour cette future console. Les premières rumeurs font même état d’un développement de nouveau assuré par Bandai Namco, mais aucun détail sur son avancement ne sera communiqué avant l’annonce officielle du jeu. Le projet "Smash Bros NX" a pourtant bel et bien démarré juste après la livraison des derniers DLC pour les Smash 4, marquant une réelle continuité, avec effectivement Bandai Namco et Sakurai aux commandes. Comme le producteur le révélera lors du TGS de 2019, ce projet répond à une « dernière mission » confiée par Satoru Iwata, qui aura été, jusqu’à sa disparition en 2015, impliqué pour cette série Smash Bros.

Alors que le projet NX se concrétise et dévoile la console hybride Switch pour une sortie au premier trimestre 2017, Smash Bros joue pour la première fois les cachottiers. Son logo apparaît alors de façon énigmatique en mars 2018 à la toute fin d’un Nintendo Direct notamment consacré à Splatoon 2… pour révéler que Smash Bros est bien prévu sur Switch, et intègre les Inklings comme nouveaux combattants. Hormis l’apparence de Link reprise du déjà culte Zelda – Breath of the Wild, pas d’autres informations, si ce n’est qu’à peine annoncé, le jeu est programmé pour une sortie fin 2018 !

Les rumeurs vont bon train quant à la nature même de ce Smash Bros, et le premier réflexe est de penser à une version définitive de Smash 4, regroupant le contenu des deux jeux 3DS et Wii U. A l’instar de nombreux jeux sortis sur la console au gamepad, la déception commerciale de Smash 4 Wii U est en effet ressentie comme une forme d’injustice, et la seconde chance offerte à de nombreux titres (Mario Kart 8, Donkey Kong Country – Tropical Freeze…) peut accréditer cette thèse. Toutefois, dans l’esprit de Sakurai, son 5ème Smash Bros est bien un nouveau volet. Lorsque le nom de Super Smash Bros Ultimate est révélé, le jeu va tout simplement bien au-delà d’un simple Smash 4 « Deluxe » : tous les combattants apparus dans la série sont ici réunis, avec le maximum d’arènes reprises des anciens volets !


En intégrant Smash Bros avec les Inklings, une arène dédiée et les musiques qui vont avec, Splatoon est définitivement reconnue comme une série qui compte au sein de Nintendo, après seulement 2 volets

« Ils sont tous de retour ! », tels sont les mots placardés lors de l’annonce détaillée jusqu’à l’extrême d’un Nintendo Direct E3 2018 mémorable – peut-être pas pour de bonnes raisons, d’ailleurs ! Wolf, Link enfant, le Dresseur de pokémons, les Ice Climbers, Pichu ou encore Snake vous manquaient ? Ils répondent présent, avec de nouveaux mouvements. Les derniers arrivés en DLC dans Smash 4 ne se font également pas attendre.

Qu’annoncer de plus alors ? Il y a pourtant bel et bien encore de la place pour de nouveaux personnages, preuve irréfutable que le casting d’un Smash Bros pourrait n’avoir plus aucune limite et piocher ses nouveaux combattants jusque chez la concurrence. Ultimate fait d’abord la part belle aux rivaux : longtemps réclamés, Ridley (l'ennemi de Samus) et King K. Rool (le boss de Donkey Kong Country) intègrent le casting. Des combattants « échos » (pour ne pas dire clones) font également leur apparition : Daisy (de Super Mario Land), Samus Sombre (Metroid Prime), Ken (ami et rival de Ryu) et Chrom (Fire Emblem – Awakening) rejoignent les rangs à moindre frais.

Mais pour les amateurs de jeux vidéo, une grande série manquait toujours à l’appel ; cet oubli sera définitivement réparé avec la venue de Simon Belmont, sans doute le héros le plus célèbre de la série Castlevania ! Équipé de son fouet, il est accompagné de son stage dédié, mais aussi de son descendant Richter (héros de Rondo of Blood) en combattant écho, d’Alucard comme Trophée aide, et même de Dracula comme boss ! Ces deux combattants rejoignent ainsi Snake pour représenter l’écurie Konami, à égalité avec l’écurie Capcom. Car avec Square Enix, Bandai Namco et Sega, les éditeurs tiers s’installent en plus grand nombre ! Parmi les nouveaux Trophées aide, on trouve également Bomberman, l’ancienne mascotte d’Hudson récupérée par Konami ; Akira de Virtua Fighter, avec une apparence toute en 3D cubique issue de Virtua Fighter 1 ; et Shovel Knight pour représenter la scène indé.


Simon a connu différentes apparences dans la série Castlevania, mais Sakurai tenait à présenter l’apparence la plus fidèle au premier Castlevania

Pour les dernières recrues, on se demande encore quelle plante piranha a bien pu mordre Sakurai pour avoir intégré Marie d’Animal Crossing, mais concernant la dernière place, il était acté qu’elle serait réservée à un pokémon issu du volet Soleil / Lune : cette place sera allouée à Félinferno et son profil de catcheur. Le casting est complet ? Ne jamais croire ce farceur de Sakurai, qui confirme bien avoir été mordu par une Plante Piranha, combattant surprise offert aux premiers acquéreurs d’Ultimate. Tant pis pour ceux qui réclamaient Waluigi ! 5 combattants supplémentaires sont également proposés dans un pack de DLC, à commencer par l'inattendu Joker, le protagoniste de Persona 5.

Concernant les stages, là aussi Ultimate joue la carte ultime (ou presque) : 103 arènes sont disponibles, piochées dans tous les Smash précédents. En tant que tel, à l’exclusion des futurs DLC, Ultimate n’offre que 4 arènes totalement nouvelles (Splatoon 2, Castlevania, Breath of the Wild et Mario Odyssey), mais porte en HD celles en provenance de Smash 4 3DS. Le compte a été fait, il manque cependant 15 arènes issues des anciens volets. Le contenu est, il est vrai, d’ores et déjà conséquent, et l’OST continue sans cesse à proposer de nouveaux morceaux s’ajoutant aux anciens. Quel autre jeu peut offrir plus de 30 heures de musiques ?

En termes de techniques de jeux, les ajustements sont très nombreux : les plus avisés auront noté que l’attaque standard Haut + A est plus rapide qu’avant, mais surtout, les Final Smash sont à la fois plus directs mais pas aussi déterminants. Nintendo n’en fait plus mystère, ces ajustements sont destinés à séduire les joueurs pros en proposant un jeu plus nerveux, les inciter à s’investir sur la scène e-sport Ultimate, et peut-être, écarter définitivement le vénérable Melee qui fait depuis tout ce temps de la résistance. Cette conquête de l’e-sport se traduit également par des effets visuels destinés à rendre les combats plus spectaculaires, taillés pour les retransmissions.


Un smash décisif ou un coup surpuissant (comme l’uppercut de Luigi), et l’écran se fige momentanément. Dites adieu à mon pauvre Mii !

L'e-sport est une chose, le jeu entre amis une autre : le mode multijoueur reprend différentes formules, et une nouvelle fois, tout est fait pour proposer de nombreux réglages et ainsi s’amuser en ligne, sur le même écran, ou en wifi avec plusieurs Switch. Mais les modes solo ne sont pas oubliés : le Homerun Contest, les mêlées à 1 contre 100 et le mode Classique sont toujours là.
S'agissant plus particulièrement du mode Classique, des efforts sont à chaque fois fournis pour rendre cette expérience différente à chaque jeu, et Ultimate propose de vivre avec chaque personnage (à l’exception des miis) une progression unique truffée de clins d’œil. Luigi se retrouve ainsi confronté à ses pires cauchemars et doit vaincre Dracula de Castlevania, tandis que Ryu enchaîne des combats en endurance imitant Street Fighter II. Je peux multiplier les exemples, mais si au bout du parcours, on retrouve souvent Créa-Main, voire Dé-Mainiaque, on croise parfois en guise de boss Giga Bowser, Ganon, ou encore un Rathalos échappé de Monster Hunter !


Le combat final du mode Classique impose à Link de revivre son duel contre Ganon d’Ocarina of Time !

Enfin, le dernier gros morceau d’Ultimate est centré sur les "esprits". Remplaçant les trophées pour soigner les problèmes de collectionnite, ces esprits sont au cœur du nouveau mode aventure, La Lueur du Monde. Un manque de Smash 4 est ici comblé, même si les amateurs de L’Émissaire Subspatial de Brawl ne s’y retrouvent pas totalement non plus, faute d'un scénario réellement consistant. La Lueur du Monde se révèle pourtant être un tout nouveau jeu dans le jeu, proposant des centaines de défis. Compléter l’ensemble des cartes de ce mode peut ainsi prendre plusieurs dizaines d’heures, mais les observateurs (et les connaisseurs) noteront qu’aucun de ces défis ne sort de nulle part, chacun pouvant rappeler les nombreuses heures passées sur les jeux dont ils sont inspirés (y compris les moins connus).


Capturer l’esprit de Din (Zelda - Oracle of Seasons) nécessitera de vaincre deux Zelda, avec en prime un sol enflammé !

Sorti en décembre 2018, Super Smash Bros Ultimate est déjà le plus grand succès commercial de la série en à peine un mois, bénéficiant pleinement des excellentes ventes de la Switch, mais aussi des attentes des joueurs. Le contenu de cet épisode est encore appelé à s’enrichir. Le premier pack de DLC intègre outre Joker, le (ou plutôt plusieurs) Héros de la célèbre série de RPG Dragon Quest ; le retour sur une console Nintendo du duo Banjo & Kazooie, emblématique du studio Rare, symbolise quant à lui le relatif rapprochement entre Nintendo et Microsoft ; l’arrivée de Terry Bogard, vedette de la série Fatal Fury, vient enfin représenter la maison SNK ; et Byleth, le protagoniste de Fire Emblem – Three Houses, grossit les rangs particulièrement garnis de la série de Tactical-RPG.

Même si Sakurai a pu déclarer qu’il ne serait pas mécontent de se reposer une bonne dizaine d’années après le développement quasi-continu des Smash 4 et Ultimate, 6 nouveaux combattants ont été annoncés dans un deuxième pack de DLC, prouvant que le développeur n’était pas décidé à terminer si rapidement la dernière mission qu’Iwata lui avait confiée. La saison 2 a ainsi promu Min-Min, personnage populaire du jeu de combats original ARMS, mais invite également Steve et Alex issus du jeu Minecraft (encore une licence Microsoft). Prêt à défier Cloud ainsi que tous les méchants de l'univers Smash Bros, l'antagoniste de Final Fantasy VII, Sephiroth, a également eu droit à une entrée digne de ce nom, un mode temporaire ayant permis aux acquéreurs du Season Pass de le débloquer en avance ! Le duo Pyra / Mythra (quelque peu censurées) marque aussi la montée en puissance de la série de RPG Xenoblade, tandis que - Bandai Namco oblige - Kazuya Mishima, l'anti-héros de la très populaire série Tekken, va venir faire jouer de ses poings d'acier, notamment contre Ryu et Ken déjà rencontrés dans Street Fighter X Tekken.

Pour ajouter le tout dernier combattant de cette saison 2 (et donc du jeu), il aura malgré tout fallu pour Sakurai un soupçon de chance. Le producteur révèle ainsi que Sora de Kingdom Hearts était bien arrivé en tête des demandes des joueurs lors du Smash Bros Fighter Ballot organisé pour Smash 4, mais son intégration relevait d’un casse-tête insoluble, puisqu’il fallait négocier à la fois avec Square-Enix et Disney. Sora n’était ainsi pas initialement prévu pour la saison 2 de DLC. L’opportunité s’est finalement présentée d’elle-même lorsque Sakurai rencontre au détour d’une remise de prix un représentant de Disney, enthousiaste à l’idée d’intégrer Sora dans le jeu. Les négociations entre les 3 parties pouvaient alors commencer et aboutiront avec l’arrivée fin 2021 du personnage et de son stage dédié. Les attentes des fans – tout comme les exigences de Square-Enix et Disney – étaient élevées, mais l’équipe de Sakurai a su évidemment y répondre !


Sora, Sephiroth, Banjo & Kazooie, Terry... Autant de personnages qu'on ne pensait jamais rencontrer dans Smash Bros, et qui sont pourtant bien là !

Après cet ultime défi, quel sera l’avenir de la série ? Avec plus de 25 millions de ventes, multipliant ainsi par 2 le précédent record de Brawl, difficile d’imaginer la série se terminer avec Ultimate, mais il est sans doute encore trop tôt pour ne serait-ce que poser la question.


Envie de remonter le temps, aux origines de la série en passant par Melee, Brawl et Smash 4 ? C'est ce que vous propose l'article complet, à lire sur gameforever.fr ! => https://www.gameforever.fr/smashbros.php

Mon dossier consacré aux adaptations vidéoludiques de BD franco-belges (avec une petite pointe de suisses) a été retravaillé et mis à jour.

=> https://www.gameforever.fr/bd.php

Il avait été initialement mis en ligne en 2010 et n'avait plus été retouché depuis, en raison notamment d'une absence d'actualités durant les années 2010. Sous l'impulsion de l'éditeur Microids, ça bouge depuis 2019, pour le meilleur (on l'espère avec Astérix & Obélix - Baffez-les Tous !) et aussi pour le pire (le remaster désastreux de XIII).

Suite au décès de Benoît Sokal en mai 2021, j'ai également développé davantage mon paragraphe consacré à ses productions.

Pour Gamekyo, je vous propose tout simplement un long extrait consacré aux premières adaptations jusqu'aux productions 16-bits des années 90.
Mais il restera encore plus de la moitié de l'article à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bd.php

Bonne lecture !


A l'heure des adaptations innombrables de bandes dessinées en jeux vidéo, difficile d'y voir clair en réalité, car bien souvent, une grande partie de cette production résulte d'un dessin animé ou du film tiré de la bande dessinée. L'ensemble de cette production, adaptations indirectes confondues, n'en demeure pas moins considérable ; aussi, voyez-vous, je sens monter en moi un fort sentiment de fierté bien française, et j'ai envie de vous parler de BD françaises ! Bon allez, trêve de franchouillardises déplacées, car après tout, il n'est pas seulement question que de Français ici : nos amis Suisses et Belges ont aussi toutes leurs places ! Mais si je vous parle de bande-dessinée franco-belge bien de chez nous, ce n'est pas seulement parce que je suis fan de Tintin, c'est aussi parce que le sujet est loin d'être ignoré par le jeu vidéo.


> Les premiers jeux

Les bandes dessinées à succès ont très vite fait l'objet d'adaptations, à commencer par Astérix, mais aussi les Schtroumpfs, popularisés bien au-delà de l'Europe par une adaptation en dessins animés signés des studios Hanna Barbera (Les Pierrafeu, Scoubidou...). C'est d'ailleurs grâce au succès de la série animée, débutée en 1981, que les Schtroumpfs parviendront à percer dans le marché nord-américain, et intéresser ainsi le secteur du jeu vidéo. En 1982, les petits lutins bleus de Peyo seront ainsi les premiers héros de BD franco-belges à être transposés dans l'univers vidéoludique.


Les Schtroumpfs (ici dans la version Colecovision de 1983)

Durant cette période, la licence connaîtra un grand nombre d'adaptations. La première d'entre elle, et la plus notable, est Smurf - Rescue in Gargamel's Castle (Schtroumpf - Au Château de Gargamel), sorti initialement sur Atari 2600 puis sur Colecovision. Le but, très simple, est de contrôler un schtroumpf, parti de son village secourir la schtroumpfette, retenue prisonnière par le méchant Gargamel. Suivront également des jeux éducatifs, comme The Smurfs Save the Day (basé sur la musique), ou Smurf Paint'n Play Workshop.

Je vous parlais aussi d'Astérix, car lui aussi fera l'objet d'une adaptation sur Atari 2600 en 1983. Ce jeu ne sortira qu'en Europe, comme la plupart des jeux adaptés de BD franco-belge, mais sera néanmoins adapté pour le marché nord-américain, en proposant le bien connu Taz, des Looney Tunes. Le jeu connaîtra d'ailleurs une suite sur le même support, Obélix... où l'on contrôle toujours Astérix !


Astérix sur Atari 2600. Oui bon, je sais, on ne sait pas trop ce qu'on voit

Outre ce jeu, de nombreuses autres productions estampillées Astérix sortiront sur des ordinateurs de jeux européens, comme l'Amstrad, le Commodore 64 ou le ZX Spectrum. Mais le public potentiel limité à l'Europe, excluant les marchés nord-américain (à l'exception des Schtroumpfs, bien sûr) et japonais, est évidemment un frein à une expansion considérable de la production vidéoludique adaptée de la bande dessinée européenne.


> Affirmer une identité européenne du jeu vidéo

A quoi reconnaît-on facilement un jeu vidéo américain ou japonais ? Bien souvent, ils sont des adaptations de licences locales : les comics sont adaptés par des développeurs américains, et les mangas par des japonais. Évidemment, à chaque règle son exception, et concernant la BD franco-belge, l'adaptation arcade d'Astérix en 1992 est signée du japonais Konami, dans un beat'em all étonnamment fidèle à l'esprit de la BD. A ce jour, elle reste à mon sens la meilleure adaptation d'Astérix... et on la doit à des Japonais !
Hormis ce jeu ainsi que plus tard, quelques productions Sega sur Master System et Megadrive, ce sont principalement des Européens qui auront l'idée de développer des adaptations de BD en jeux vidéo. A la fin des années 80, les éditeurs européens sont encore discrets dans le monde vidéoludique, et plus spécialement le secteur des consoles. Ubisoft n'est encore qu'un distributeur, et Infogrames un nain à l'échelle du monde du jeu vidéo.


Astérix en arcade, développé par Konami, atteint les qualités ludiques d'un Turtles in Time, en conservant une fidélité absolue à la BD

Avant de lancer leurs séries vedettes Alone in the Dark et V-Rally, les premiers jeux vidéo d'Infogrames sont à chercher du côté de la BD : ainsi la marque au tatou sort sur différents ordinateurs (Atari ST, Commodore 64...) les adaptations de Blueberry en 1988 et des Tuniques Bleues (North & South, en 1989). Les différents ordinateurs de jeux que sont les Amstrad CPC, Commodore 64 ou Atari ST étant durant les années 80 l'apanage des éditeurs européens, il est ainsi normal d'y voir fleurir de nombreuses adaptations de BD (Tintin, Gaston Lagaffe avec le jeu M'Enfin...).


North & South (Les Tuniques Bleues) dans sa version NES, un jeu mêlant stratégie et action

Le succès grandissant des consoles de jeux en Europe (NES et Master System) allait toutefois redistribuer les cartes et forcer les éditeurs à sortir des adaptations vidéoludiques de BD à un rythme plus soutenu. Une adaptation du jeu North & South sortira ainsi sur NES en 1990, mais Sega sera le premier à avoir présenté une adaptation de bande dessinée plus mémorable, avec (toujours) Astérix sur Master System en 1991. Le jeu sera un temps un argument de vente de la Master System en France, signe d'une réelle demande du marché local pour ce type d’adaptations. Pour le vaillant gaulois, ce sera le début d'une longue série, qui fera de la BD Astérix la licence la plus adaptée en jeu vidéo... et de loin !


Sega avait bien compris le potentiel du marché européen, en misant beaucoup sur Astérix pour sa Master System

En effet, en 1993 Infogrames obtient la licence Astérix pour les jeux sur consoles Nintendo, tandis que Sega la conserve pour ses consoles. Dès lors, chaque camp reçoit des jeux Astérix différents. D'un côté, Infogrames développe ses versions d’Astérix sur NES, SNES et Game Boy ; de l'autre, Sega sort Astérix and The Secret Mission sur Master System, puis Astérix and The Great Rescue sur Megadrive, Master System et Game Gear (cette fois développé par le studio britannique Core Design)... et tout ça en 1993 ! La production continue d'ailleurs de plus belle en 1995, avec Astérix & Obélix sur SNES et Game Boy, et Astérix and The Power of Gods sur Megadrive. Ouf !

Les autres grandes bandes dessinées ne seront pas non plus ignorées, même si on retrouve souvent Infogrames. Pas étonnant non plus, l'univers de la BD reste le meilleur moyen de se faire connaître, et outre Astérix, Infogrames s'attaqua notamment aux Schtroumpfs, avec deux jeux : le jeu éponyme sorti en 1994 (notamment sur SNES et Megadrive), puis Les Schtroumpfs autour du Monde, sorti en 1996.


Les Schtroumpfs autour du Monde, version SNES. Graphiquement très joli, mais rien de bien original sur le fond... et même plutôt dur pour le public ciblé

Je sais, depuis le début de cet article, je ne vous parle quasiment que de Schtroumpfs et d'Astérix.

L'une des adaptations de BD les plus remarquées de cette époque a été en fait Tintin au Tibet (sorti en 1994 sur SNES puis sur Megadrive et Game Boy), adapté directement de l'album du même nom, et non du dessin animé diffusé durant la même période – par ailleurs multi-rediffusé encore aujourd’hui. Infogrames avait déjà développé un jeu Tintin sans grand succès, Tintin sur la Lune, un jeu d'action très simple sorti en 1989 sur Amstrad, Amiga ou encore Atari ST. En s'attaquant de nouveau au mythe Tintin, Infogrames devra se montrer cette fois bien plus ambitieux qu'il ne l'a été pour ses versions d'Astérix et des Schtroumpfs, destinés avant tout à un jeune public.

Salué par la presse vidéoludique de l'époque, et tout spécialement pour les qualités techniques du jeu (Tintin pouvant évoluer sur plusieurs plans), Infogrames avait sans doute franchi un pallier : le développeur est bel et bien capable de réaliser des jeux de plus grande envergure. Le résultat ne laissa assurément pas de marbre, avec un jeu de plateformes aux graphismes remarquables, et à l'esprit dans l'ensemble fidèle à la BD. Le succès d'estime de Tintin au Tibet amena la sortie d'une « suite » sortie en 1997 sur SNES puis Game Boy, Le Temple du Soleil, adaptation du double album Les Sept Boules de Cristal et Le Temple du Soleil.

Techniquement, Tintin au Tibet est alors la production vidéoludique adaptée de BD la plus impressionnante du moment, même si l'intérêt du jeu est parfois franchement étrange (éviter des femmes de ménage passant l'aspirateur dans un hôtel suisse n'a jamais été aussi dangereux !).


Infogrames a su adapter graphiquement la bande dessinée Tintin au Tibet - ainsi que le prologue issu du Lotus Bleu - mais le jeu est difficilement jouable

La même remarque peut d'ailleurs être formulée pour l'adaptation de Spirou en 1995, sorti sur SNES, Megadrive et Game Boy. Toujours développée par Infogrames afin d'accompagner une série animée, on y retrouve les mêmes défauts que pour Tintin, à savoir des pièges ridicules et extrêmement frustrants. La sauce ne prendra en revanche pas du tout cette fois. La pourtant célèbre série créée par Rob-Vel et popularisée entre autres par Franquin (plus de 50 albums tous auteurs confondus) n'aura pas connu de nombreuses adaptations vidéoludiques. En effet, Spirou ne sera pas repris par la suite par Infogrames, et ne sera suivi que d'un seul jeu, La Panique Mécanique, sorti en 2000 sur Game Boy et édité par Ubisoft.


Exemple de level design mal pensé : Spirou grimpe sur les toits, risque sa vie en s'accrochant à un câble électrique... parce qu'il ne pouvait pas contourner un taxi garé au bas de la rue !

Pour finir, Sega a également sorti en 1995 un Marsupilami sur Megadrive, dont on se demande si l'univers de la BD a bien été compris. Il manquait aussi un autre célèbre héros : Lucky Luke. L'homme qui tire plus vite que son ombre aura lui-aussi son jeu, sorti très tardivement (en 1998 ) sur SNES.

Les licences de bandes dessinées n'auront globalement pas produit des jeux d'une extraordinaire variété : de la plateformes, un peu d'action... Du très classique, et peu de prises de risques.


Ce sera tout pour cet extrait. Je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bd.php
Je reviens notamment sur XIII, Astérix & Obélix XXL, Paradise de Benoît Sokal, ainsi que la reprise des adaptations par Microids.

La série de Konami fête ce 26/09/2021 ses 35 ans - comme beaucoup de grandes séries nées sur NES d'ailleurs ! A défaut de nouvel épisode - je vais éviter le jeu sur smartphone Grimoire of Souls - Konami continue de sortir des compilations rétro, notamment l'Advance Collection.

Je profite donc de cet événement pour partager mon article consacré à la série. Pour Gamekyo, je vous livre un extrait revenant sur les premiers épisodes.

L'article complet est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/castlevania.php


Castlevania dispose d’une aura bien particulière dans le monde du jeu vidéo. La saga de Konami fait en effet partie des grandes séries du jeu vidéo, de celles qui proposent un ou plusieurs jeux à avoir marqué pour longtemps la vie d'un joueur. Bien connue des passionnés, elle l’est cependant moins du grand public, se forgeant ainsi une image élitiste.

Des premiers volets d'action-plateforme à la difficulté exigeante, Castlevania a emprunté différentes voies pour se renouveler, certaines d'entre elles ayant mené à des impasses, tandis que d'autres ont été des réussites telles qu'elles ont défini de nouveaux standards.


> Les premiers Castlevania

Créée par Hitoshi Akamatsu, un passionné de cinéma, la série voit le jour en 1986 sur MSX (Vampire Killer) et Famicom Disk System, l’extension de la Famicom (NES japonaise). Les joueurs allaient se mesurer à l’un des jeux d’action les plus difficiles qui soient, Akumajo Dracula (Le Château du maléfique Dracula), mais aussi l'un des plus captivants de l’époque.

Castlevania repose sur un mélange d'action et de plateformes. Equipé du Tueur de Vampires, un fouet légendaire appartenant depuis des générations à sa famille, Simon Belmont doit ainsi traverser les 6 niveaux d'un château en déjouant tous les pièges et en affrontant des monstres légendaires, comme la Méduse, la momie, le monstre de Frankenstein, la Mort, et pour finir, le méchant le plus cauchemardesque qui soit, Dracula, véritable incarnation du Mal !


Simon s'apprête à entrer dans le Château de Dracula, décidé à en finir avec le maître des lieux ainsi que ses sbires

Outre une action intense, la réussite de Castlevania tient beaucoup à l'ambiance des décors et les musiques immédiatement marquantes, dont le thème principal (Vampire Killer) très présent dans l'ensemble de la série. L'inspiration du jeu vient quant à elle du vieux cinéma d'épouvante des années 50 (avec Christopher Bee dans le rôle de Dracula), ce qui explique la présence de monstres d'origines et d'époques si différentes dans un jeu censé se dérouler à la fin du XVIIème siècle. Le nom original du héros (Belmondo) est lui emprunté à un célèbre acteur français, Jean-Paul de son prénom.

Cette référence aux vieux films d’horreur est plus saisissante encore dans Haunted Castle, un Castlevania méconnu sorti en 1988 en arcade, avec des décors "façon carton pâte" saisissants et des effets sanguinolents évidemment impossibles à présenter sur une console Nintendo. Et je passerai sous silence la qualité du jeu !

Mais avant Haunted Castle, Akamatsu a opéré à des changements assez importants et surprenants pour Castlevania II - Simon's Quest sorti en 1987. Si l'histoire s'inspire cette fois du mythe de la malédiction du héros, cette suite s'oriente vers le jeu d'aventure, à la manière de Zelda II, Faxanadu ou encore Metroid. Pour briser la malédiction que Dracula lui a lancée avant d'être terrassé, Simon devra ainsi parcourir la Transylvanie à la recherche des 5 reliques du vampire. Outre un déroulement non linéaire, des villages à traverser et des objets importants à acquérir pour progresser, le joueur devra également composer avec les jours qui passent : la nuit, les villageois se cachent et les monstres sont plus puissants.


Le périple en Transylvanie est accompagné d'une autre musique mémorable de la série, Bloody Tears

Simon's Quest suscite immédiatement des retours contrastés de la part des joueurs, et Konami souhaite un retour à la formule classique du premier épisode. C'est dans cet esprit qu'est d'abord développé en 1989 Castlevania - The Adventure, un des premiers jeux ambitieux de la Game Boy proposant d'incarner Christopher (un ancêtre de Simon), mais qui ne va pas respecter certains des codes établis de la série, ce qui en fait un épisode peu apprécié.

L'équipe de Hitoshi Akamatsu développe quant à elle sur NES une autre préquelle sortie fin 1989, Castlevania III - Dracula's Curse, qui fait vivre la quête de Trevor, le premier membre de la famille Belmont à avoir terrassé Dracula, 200 ans avant les aventures de Simon. Effectivement revenu au classicisme du premier Castlevania dans son déroulement linéaire comme dans son gameplay, Dracula's Curse conserve toutefois l'esprit "exploration" de Simon's Quest : le joueur, amené à choisir différentes routes dans son aventure, traverse ainsi un village à l’abandon, une forêt, des marécages, une caverne lugubre, explore un bateau fantôme avant d’arriver dans le château de Dracula. Pour découvrir tous les niveaux, il sera nécessaire de terminer le jeu plusieurs fois pour emprunter tous les embranchements. L'autre nouveauté de cet épisode est de permettre à Trevor d'obtenir l'aide d'un compagnon de route parmi 3 (Grant l'acrobate, Sypha la magicienne, ainsi que le vampire Alucard - dont il s'agit de la première apparition).


Trevor se lance seul pour combattre Dracula, mais quelle route choisira-t-il, et acceptera-t-il en chemin l'aide d'un autre personnage ?


Ce sera tout pour cet extrait ! La suite de l'article revient sur tous les volets de la série : l'âge d'or des "classicvania" avec Super Castlevania IV et Rondo of Blood ; l'incontournable Symphony of the Night ; le difficile passage en 3D ; les épisodes GBA et DS ; ou encore Lords of Shadow, sans oublier la série Bloodstained.

C'est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/castlevania.php

Metroid est sorti il y a tout juste 35 ans sur Famicom Disk System ! Si Nintendo n'a rien prévu de spécifique pour célébrer cet anniversaire, la licence n'est cependant pas au repos, avec la sortie prévue en novembre de Metroid Dread, sans compter un projet Metroid Prime 4 toujours en cours et une compilation Metroid Prime Trilogy qui serait gardée en réserve.

Je me devais de marquer le coup avec une actualisation de mon dossier sur gameforever.fr, qui revient sur tous les épisodes de la série, y compris ceux à venir.

Pour Gamekyo, l'extrait que je vous propose se limite au tout premier Metroid - le sujet du jour - et je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/metroid.php

Bonne lecture !


Arpentant les cavernes sombres remplies des monstres les plus abominables de la galaxie, parcourant les ruines d'un peuple mystérieusement disparu, vous voilà lâché avec très peu d'indices dans une mission assurément dangereuse : traquer les Pirates de l'Espace, trouver les origines d'un mystérieux poison mutagène, explorer une station spatiale abandonnée, répondre à un appel de détresse ou encore exterminer une espèce de créatures particulièrement dangereuse... Telles sont les aventures qui vous attendent en incarnant la belle mais secrète Samus Aran !
Car Metroid n'est pas seulement le nom de la créature éponyme, c'est surtout l'histoire d'une héroïne dont les joueurs ont initialement pensé qu'elle était un homme, voire un robot, avant de progressivement faire plus ample connaissance avec elle.


> Metroid

Le premier épisode de cette saga sort en 1986 sur Famicom Disk System (l'extension de la Famicom uniquement sortie au Japon), puis converti sur les NES occidentales en 1987. Gunpei Yokoi et son équipe, notamment composée de Yoshio Sakamoto (game designer, scénariste et producteur de nombreux jeux de la série), avaient l’idée d’un jeu où le joueur serait laissé à l’abandon dans un labyrinthe. Cette idée avait ainsi pour objectif de proposer un jeu d’action qui puisse se démarquer, et surtout, avoir une identité propre.

Après des premières réunions, cette petite équipe propose un jeu s’inspirant du film Alien, de Ridley Scott. L’idée d’un héros seul, arpentant des couloirs sombres afin de terrasser des aliens, séduit Nintendo. Metroid est lancé ! L’histoire narre l’aventure d’un chasseur de primes, Samus Aran, équipé d’une combinaison de combat sophistiquée tirant des missiles. Suite à un raid des Pirates de l’Espace sur un vaisseau de la Fédération Galactique, ceux-ci s’emparent d’une forme de vie extraterrestre potentiellement dangereuse, les Métroïdes, découverte sur la planète SR-388. Samus Aran est dépêché par la Fédération Galactique sur la planète Zebes, afin de détruire les Métroïdes et le chef des Pirates, Mother Brain.

Là où Metroid va innover, et imposer sa patte, c’est sur le déroulement du jeu. Le joueur est laissé à son seul instinct, à sa seule envie de découvrir le jeu, et non de suivre un couloir sans se poser de questions. Si des passages lui sont inaccessibles, c’est qu’il y a quelque part une capacité, cachée dans un coin du labyrinthe, qui lui permettra de franchir cet obstacle. Sans notice, difficile en revanche de savoir quelles sont ces capacités et comment elles s'activent, mais citons tout de même la célèbre Boule Morphing, qui s’acquiert dès les premières secondes de jeu, et qui permet de transformer Samus en boule (idéal pour se faufiler dans les moindres recoins) ; mais également les missiles, les bombes, le super-saut ou le rayon de glace.
Assez rapidement dans la progression, on comprend - sans aucune explication - que le but ultime est d'accéder à une zone interdite, là où se terrent les métroïdes ainsi que le boss final du jeu, Mother Brain, l'intelligence qui contrôle les Pirates de l'Espace.


L'entrée du repaire de Mother Brain se trouve à proximité du point de départ, mais il faudra d'abord trouver et vaincre 2 boss, Kraid et Ridley, pour débloquer l'accès

Le jeu s’avère relativement court au bout du compte, mais sa difficulté et la sobriété de sa réalisation (des décors noirs et répétitifs) en auront découragé plus d’un. La récompense est cependant digne de l’effort effectué. A condition d’avoir une bonne fin (donc de finir le jeu suffisamment rapidement et de mourir le moins de fois possible), le joueur va découvrir que ce Samus Aran qu'il contrôlait n'est pas un homme baraqué... mais une charmante demoiselle aux cheveux bruns (oui, bruns, et pas blonds) ! Une audace à plus d'un titre : les héroïnes de jeux vidéo étaient très rares en 1986 - Samus étant considérée comme une des pionnières, mais la féminité du personnage (et les stéréotypes qui vont avec) n'est absolument pas mise en avant.
Pourquoi ce choix d'une héroïne ? Non pour imiter Alien, mais apparemment une "décision d'avant-dernière minute", alors que le héros n'affichait initialement pas d'autre apparence que celle d'un androïde. Et le mystère sera bien gardé, Samus ayant longtemps été considérée comme un personnage masculin... jusqu'à la révélation forcément stupéfiante !


De nombreux codes (dont le fameux JUSTIN BAILEY) permettent de démarrer l'aventure avec Samus sans sa combinaison ; la preuve également irréfutable que Samus a toujours été une femme !

Metroid va connaître un joli petit succès, et deviendra un des jeux emblématiques de la NES. Signes de son succès, ce premier volet, en plus de poser les bases de la série, sera porté sans modifications sur de très nombreux supports (Game Boy Advance, Wii, Wii U, Switch, sans oublier la mini NES), en bonne place parmi les classiques de la 8-bits de Nintendo ou en jeu bonus avec d'autres volets de la série (Metroid Prime - sa suite scénaristique directe, ainsi que Metroid Zero Mission - son remake).


35 ans, et forcément il reste beaucoup à lire dans ce dossier qui revient sur les moments forts de la série (Super Metroid, Metroid Prime...) mais aussi les heures sombres (Federation Force...).

A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/metroid.php

En fin d'article, vous pourrez également télécharger AM2R (version 1.5 en français), le remake amateur de Metroid II !

Le tout premier Streets of Rage (Bare Knuckles au Japon) est sorti il y a tout juste 30 ans sur la Megadrive japonaise !
Après un long sommeil, la série se porte toutefois bien grâce à un Streets of Rage 4 enrichi de son tout récent DLC Mr. X Nightmare. De quoi se replonger dans l'univers de la série, avec le dossier de Kim (un membre de gameforever.fr), consacré essentiellement à une analyse de la trilogie Megadrive.

Pour Gamekyo, je vous partage la première partie sur le premier Streets of Rage.
Si vous souhaitez lire l'article complet, je vous invite à aller sur gameforever : https://www.gameforever.fr/streetsofrage.php

Bonne lecture !


"La ville est en ébullition ! Cette ville qui fut autrefois heureuse, paisible, productive et pleine de vie et d'activité est tombée aux mains d'un syndicat secret du crime. Le chef du syndicat a réussi à garder son identité secrète jusqu'à maintenant. L'organisation a pris très rapidement le contrôle du gouvernement de la ville (tout le monde peut être acheté, il suffit d'y mettre le prix). Ils ont même la police métropolitaine dans leur poche. Pillage, violence et destruction sont partout. Il est dangereux de se promener dans les rues, de jour comme de nuit... Tandis que le chaos continue, trois jeunes officiers de police essaient d'établir une unité de combat spéciale. Leurs chefs refusent de les aider, la plupart parce qu'ils ont été achetés par l'organisation et les autres par peur de s'opposer. Un jour, alors qu'ils ne pouvaient plus supporter de se tourner les pouces et de voir leur ville détruite, ils quittèrent la police. Adam Hunter, Axel Stone et Blaze Fielding décidèrent de laisser tomber leur carrière dans la police et de mettre leurs vies en jeu. Ils n'ont pas d'armes, mais chacun possède des techniques de combat à mains nues. Accompagnez-les au coeur de la ville et affrontez les plus dangereux bandits et criminels jamais réunis. Faites de cette ville un endroit où les gens ne craignent pas de sortir dans les rues !"

C'est ainsi que fut décrit le point de départ de Streets of Rage dans le carnet du premier épisode. La ville jouant un rôle important dans cet opus, elle sera l'arène de toute une série d'affrontements, violents et sans relâche...


> Streets of Rage : la noirceur de la ville

Ce qui frappe en premier lieu dans Streets of Rage, c'est que tout se passe la nuit. L'intégralité des huit niveaux n'est éclairée que par des lampadaires et autres néons scintillants. Et pour renforcer cette noirceur, la palette utilisée par la Megadrive est diaboliquement sombre ! Des couleurs tantôt ternes, tantôt à dominante bleu ou vert foncé, ne font qu'appuyer les abîmes des rues malfamées que vous devrez traverser. Dans le premier niveau par exemple, seules des cabines téléphoniques ou autres pommes redonnent un brin de vie avec un semblant de couleurs vives. Tout y est noir à tendance bleu, une longue rue à traverser bordée d'enseignes lumineuses, grouillant de punks et de prostituées à fouets. Le stage est assez répétitif dans son décor, mais le charme y est. Sans pour autant voir le ciel, on sait déjà que la nuit s'abat sur ces ruelles inquiétantes. L'arrière-plan ne diffère qu'une seule fois durant le stage, laissant entrevoir une porte coulissante dans le fond renfermant encore plus d'ennemis.
Vous verrez en cours de route des cabines téléphoniques que vous pourrez détruire pour récupérer des points de vies (pommes ou corned-beefs), des couteaux (l'arme la plus puissante du jeu) ou bien encore des battes de base-ball (ou dans le même genre, des tubes de tuyauterie). A la fin, c'est un homme géant que vous affronterez. Géant, tout comme tous les autres boss de fin. Armé d'un boomerang, assenez-lui coups de poing et chutes de dos pour en venir à bout !


Le premier niveau, tout un symbole !

Les autres niveaux sont moins linéaires et plus variés. Le second offre un prolongement du premier. C'est une rue des bas fonds, désaffectée ; une rue où le vent file droit et soulève poussière, cannettes et journaux. Des posters décollés de starlettes ornent les murs aux vitres cassées. Les grillages du fond nous montrent au loin les quartiers précédemment fouillés. Mais attention, un terrible ennemi aux griffes acérées s'y cache, sans doute le plus dangereux d'entre tous !

Au terme de ce combat, le troisième stage se révèle comme étant le plus ambiancé et ce, grâce à l'apport magique et sonore du maître Yuzo Koshiro. C'est sous une pluie battante que vous évoluerez, sur le sable tout près des vagues déchainées et entre les nombreux palmiers. Tout comme le second niveau, le décor de fond nous dévoile l'endroit que nous venons de visiter. Cette plage, improvisée arène de combat, est ainsi entourée de buildings, et ce système prendra place à chaque nouveau background.
L'innovation vient sans aucun doute des Rounds n°4 et 7. Dans ce premier, des trous au sol vous obligeront à prendre des chemins sinueux, au risque de tomber dans le vide. Et dans le second, vous prenez place dans un ascenseur menant tout droit au repaire de Mr. Big. L'altitude prise vous donnera certaines opportunités, comme projeter vos adversaires par-dessus la rambarde, mais faites attention, c'est aussi valable pour vous ! Après de multiples coups donnés et reçus, dernier étage, vous êtes arrivé, il est temps de pénétrer dans le dernier chapitre sous ce beau panorama de la ville encore sous le choc.


La nuit est tombée sur la ville et le combat fait rage. Remarquez les teintes sombres, vertes et bleues

Sega avait déjà proposé de nombreux beat'em all, notamment Golden Axe, mais Streets of Rage contient son lot de nouveautés. L'intervention de la police est sûrement la plus belle d'entre elles : le bouton A peut être actionné à n'importe quel moment, mais l'utiliser dans des moments critiques convient le mieux (sauf dans l'ultime niveau du jeu, où il vous sera impossible de faire appel à lui, l'action prenant place dans l'enceinte de la propriété du syndicat). Votre ami policier débarque alors avec sa voiture et canarde tous les malfrats présents à l'écran à l'aide de son lance-roquettes (player 1) ou de sa sulfateuse (player 2).

Le style de combat regorge aussi de coups inédits. Du simple enchainement à quatre coups, aux coups arrière frappant l'ennemi alors que vous avez le dos tourné, les attaques à deux demeurent les plus marquantes. Alors qu'il est possible d'approcher et de maintenir vos ennemis, vous pouvez faire de même avec votre compagnon. Une fois en main, il n'y a qu'à le projeter dans les airs pour que celui-ci exécute un saut périlleux des plus dévastateurs !

Enfin, dans le chapitre de l'inattendu, on a le droit à une "Bad Ending" disponible en mode deux joueurs. Une fin qui fera de vous le nouveau maître de la ville ! Lorsque Mr. Big vous demande si vous voulez devenir son bras droit, l'un des deux personnages doit répondre "oui". Un combat entre eux est alors organisé, et si celui qui a répondu "oui" bat son adversaire et le syndicat du crime, la nouvelle fin est activée ! Votre personnage bascule alors du côté obscur et prendr place dans le fauteuil du chef du crime en nous lançant un sourire démoniaque ! Un détail surprenant et jamais repris jusqu'alors, qui rajoute à la noirceur de ce hit qu'est Streets of Rage.


Montage montrant les "Bad Endings" de vos personnages qui sont passés de l'autre côté...

Peut-on dire que le jeu est réaliste ? A mon sens, oui. A ceci près qu'il faut avoir des ressources inhumaines pour combattre aussi longtemps, SoR ne présente aucun super pouvoir mais des coups des plus basiques. Le genre policier, tel que l'aurait fait un film, est très présent que ce soit dans le scénario de base que dans le courant de l'action. Graphismes obscurs, impacts des bruitages, musiques métalliques et énigmatiques, personnages violents et décidés, tous les critères soutiennent le mystérieux. Une pointe de réel que va complètement délaisser le second opus au profit d'une fantaisie complètement assumée !


Ce sera tout pour ce long extrait. La suite de l'article de Kim traite des opus 2 et 3, et évoque également les principaux projets amateur (notamment Streets of Rage Remake, avec un lien en fin de dossier pour télécharger le jeu) ainsi que Streets of Rage 4.
A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/streetsofrage.php

Donkey Kong a 40 ans ce 09/07/2021 ! Et je fête ça en partageant un extrait de mon dossier consacré à ce vilain gorille devenu héros, et qui revient sur sa naissance avec le jeu éponyme de 1981, puis sa renaissance avec Donkey Kong Country en 1994.

L'article complet est à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/donkeykong.php

Je parle notamment de la suite de la carrière du gorille encore pleine de succès, et livre une analyse sur le personnage – notamment cette question existentielle : y-a-t-il un seul Donkey Kong ?

Bonne lecture !

PS : Mais... au fait, ne serait-ce pas également le 40ème anniversaire de quelqu'un d'autre ?


Donkey Kong est certainement l’un des personnages les plus connus du jeu vidéo, juste derrière Mario. Le grand singe, avec une cravate rouge pour seul costume, a pourtant eu un parcours pour le moins atypique, puisque de statut de méchant à sa création, il est passé à celui de héros à la suite d'un jeu, Donkey Kong Country, qui a contribué à sa popularité. L’histoire du personnage de Donkey Kong est donc avant tout celle d’une renaissance.


> Donkey Kong et Jumpman

Nous étions en 1981, Nintendo sort un jeu d’arcade culte à plus d’un titre : je parle bien sûr de Donkey Kong ! Ce jeu, conçu par Shigeru Miyamoto voit en effet les naissances de deux stars du jeu vidéo : Mario et Donkey Kong. Tout comme Mario a sa légende, le gorille n’est pas né sans qu’il n’y ait d’anecdotes à son sujet.


Le premier niveau légendaire de Donkey Kong, dans lequel le gorille fait rouler des tonneaux

La première d’entre elles, et non des moindres, est que ce n’est pas Donkey Kong qui aurait dû tenir la vedette : dans les premiers stades de sa conception, le jeu devait en effet être une adaptation du dessin animé Popeye. Nintendo ne cachait pas son intérêt pour cette série de cartoons américains et souhaitait en acquérir la licence.
Le célèbre marin mangeur d’épinards devait donc tenir le rôle du héros, partant secourir sa fiancée Olive enlevée par l’infâme Brutus. Seulement, faute d’accord avec le détenteur de la licence Popeye, Miyamoto trouva une solution de rechange. On devine aisément qui remplacera Brutus dans le rôle du méchant lanceur de tonneaux : un gorille qui prendra le nom de Donkey Kong… ou bien serait-ce « Monkey » Kong ? Popeye sera quant à lui remplacé par un charpentier, Jumpman, et Olive par une dénommée Lady.

Le concept du jeu définitivement arrêté, Nintendo et Miyamoto ne cachent pas s’être clairement inspirés du personnage King Kong, et les bénéfices engrangés ont suscité les convoitises. Aussi, quand bien même le gameplay diabolique de Donkey Kong est l’œuvre unique de Nintendo, Universal Studios intenta un procès en plagiat au début des années 80 contre Nintendo et toutes les sociétés ayant adapté le jeu pour différents supports. Alors que la plupart des sociétés acceptent de payer les royalties à Universal (dont Coleco, qui a adapté Donkey Kong sur Colecovision et Atari 2600), Nintendo défend son jeu, et son avocat – un dénommé John Kirby – fait valoir avec succès que la licence King Kong étant tombé dans le domaine public, elle était ainsi libre de droit. Nintendo remporte ainsi son procès, et pourra continuer à utiliser son personnage Donkey Kong.

Nintendo en profitera pour établir le parallèle avec le modèle King Kong, jusqu’au point d’inverser les rôles dans la suite, baptisée Donkey Kong Jr. Le fils de notre gorille part secourir son papa du méchant Jumpman qui l’a enfermé dans une cage. À noter que ce sera la seule fois où Mario jouera le mauvais rôle !


Chaque personnage fait des écarts dans la vie, Mario fut donc le temps du jeu Donkey Kong Jr. un vilain tortionnaire !

Le premier rival de Mario est ainsi plus bête que méchant (d’où le nom « donkey » qui signifierait idiot), et après un Donkey Kong 3 anecdotique, le personnage sera longtemps laissé à l’abandon. Durant cette mise à l’écart, Jumpman (rapidement baptisé Mario) verra sa popularité atteindre rapidement des sommets, passant du rang de simple héros anonyme à celui de star, au point de délaisser Lady (renommée Pauline) pour une princesse, vivre des aventures dans un royaume fantastique regorgeant de champignons magiques, et affronter un nouvel ennemi, Bowser, qui se présente comme un vrai méchant patenté !

La place de vilain n’est donc plus libre pour le gorille ; Donkey Kong est mis à la retraite.


> La renaissance de Donkey Kong

1994 est à plus d’un titre une renaissance pour le grand singe. Nintendo n’a en effet jamais oublié que le jeu Donkey Kong est une pierre fondatrice de son empire vidéoludique, et se décide à remettre son classique au goût du jour. Le gorille reprend ainsi du service pour Donkey Kong sur Game Boy, et redevient alors le méchant qu’il a été, affrontant toutefois un Mario bien plus fort et agile qu’avant. Qu’à cela ne tienne, Donkey Kong mettra aussi beaucoup plus de temps à s’avouer vaincu, dans ce jeu mêlant action et réflexion comptant approximativement 20 fois plus de niveaux que le jeu de 1981 !


Donkey Kong "94" (ici avec ses couleurs Super Game Boy) a connu son petit succès et a initié la série des Mario Vs Donkey Kong

Mais la véritable renaissance du gorille se fera dans les locaux de Rare, un développeur anglais à qui Nintendo confie la licence Donkey Kong. Rare va faire du singe le héros de son jeu, et créer autour de lui un univers, une famille, des ennemis, les kremlings (des crocos vraiment pas sympas), et un méchant à affronter, King K. Rool.

Le résultat, on le connaît tous, il s’agit de Donkey Kong Country, l’un des jeux les plus marquants de la Super Nintendo. Techniquement, le jeu reste superbe, même à l’heure actuelle, et sa réussite parvient à éclipser Mario. Quelle belle revanche du gorille contre son rival de toujours ! Pourtant, Shigeru Miyamoto n’apprécia d’abord pas le travail effectué, estimant que la forme avait pris le dessus sur le fond du jeu, pour se raviser ensuite devant le succès du jeu.


Donkey Kong Country aura été une des plus grandes réussites du studio Rare, et aura contribué à sa renommée

Le design de Donkey Kong aura également subi un sérieux lifting après le passage chez Rare, et le singe ne connaîtra d’ailleurs plus de changements notables à partir de cette époque.

Le succès de Donkey Kong sera tel qu'en France, la chaîne de télé France 2 obtiendra l'exploitation de la licence pour ses émissions jeunesse (La Planète de Donkey Kong, puis DKTV.cool) de 1996 à 2001.

Paradoxalement, son plus grand rival ne sera pas le crocodile King K. Rool, le big boss du jeu, mais bien son acolyte, Diddy Kong ! Créé afin de permettre à un deuxième joueur de participer à l’aventure, Diddy ne va finalement pas devenir le Luigi de service, et fera équipe avec Donkey Kong, y compris pour le mode 1 joueur où l’on pourra intervertir les héros en cours de partie.

Éclipsé par son copain Diddy suite à un sondage effectué par Nintendo auprès des joueurs nippons, Donkey Kong sera ainsi enlevé dans Donkey Kong Country 2 - Diddy's Kong Quest, et le sera à nouveau pour Donkey Kong Country 3, cette fois en compagnie de Diddy. Donkey Kong n'apparaissant ainsi comme jouable que dans un seul volet de la trilogie SNES, ne sera donc pas le personnage principal de sa propre série Donkey Kong Country, ce qui est tout de même un comble.


Donkey Kong enlevé et déjà mis au placard dès le second volet, remplacé par la charmante Dixie

Drôle de renaissance donc, puisque l’histoire semble bégayer avec ce pauvre singe. Malgré tout, la cote de popularité de DK n’aura cette fois pas été affectée, puisqu’on le retrouvera rapidement prendre sa place aux côtés de Mario dans Mario Kart 64 !


C'est tout pour cet extrait, je vous invite à lire, si vous le souhaitez, la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/donkeykong.php

Il y a encore beaucoup de choses à dire sur Donkey Kong, en espérant que les rumeurs sur un nouveau jeu DK ne soient pas aussi fumeuses que celles concernant la Switch Pro 4K !

Mon dossier consacré à ce mythique studio est en ligne depuis maintenant un peu plus de 10 ans sur gameforever.fr. S'il a déjà été mis à jour par petites touches, je devais faire une révision plus générale, et surtout, l'actualiser avec les dernières infos.
J'attendais donc de l'E3 2021 un peu de nouvelles du studio (notamment concernant Everwild), mais il n'y en a pas vraiment eu, ou tout du moins, pas de bonnes nouvelles.

Le dossier revient sur l'ensemble de la production du studio anglais, d'Ultimate Play the Game à l'ère Microsoft.
Et pour Gamekyo, je vous propose un extrait justement consacré aux années 2010-2020 ; pas forcément les années les plus fastes du studio !

Si vous souhaitez lire l'article complet (et du début), je vous invite à aller directement sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/rare.php

Bonne lecture !


> Une composante de Microsoft Studios

Tous les joueurs savent-ils que derrière Kinect Sports se cache en réalité le studio anglais ? Suite aux déceptions commerciales de Viva Piñata et de Banjo-Kazooie – Nuts & Bolts, Rare s'est essentiellement consacré entre 2010 et 2015 aux projets Kinect de Microsoft, en témoignent les sorties de 3 Kinect Sports. Les avatars de la Xbox 360 (rappelant les Miis de la Wii) ont également été conçus par Rare. Bref, toute l’organisation du développeur anglais semble rappeler Nintendo. Cela dit, si le concurrent de Wii Sports est bien sorti, Rare n’a jamais proposé un jeu de la trempe de Mario Galaxy.


La division "casual" de Rare a tenté de reproduire pour Microsoft le succès rencontré par Nintendo avec Wii Sports

Après quelques années à désespérer d’une moindre annonce de licence "gamer" de la part du développeur, le 3ème Killer Instinct – longtemps attendu – sort sur Xbox One « à compter » de 2013, presque 20 ans après la sortie du premier. Passée l’annonce fracassante, le jeu n’a en fait pas été développé en interne par Rare, mais par deux autres studios, Double Helix Games puis Iron Galaxy (qui a largement complété le jeu jusqu’en 2017). Le logo du développeur britannique est tout simplement absent du jeu, remplacé par celui de Microsoft Studios, et seule la présence inattendue de Rash (Battletoads) en combattant invité rappelle aux plus nostalgiques que Killer Instinct était initialement une licence de Rare.


Symbole de l’intégration de Rare dans Microsoft Studios, Killer Instinct "2013" a été développé par des studios tiers

Alors que le désaveu de Kinect par Microsoft ainsi que l’échec commercial de Kinect Sport Rivals sur Xbox One ont plongé Rare dans un marasme inquiétant sur fond de licenciements, 2015 marque pourtant le retour du studio, avec Rare Replay, une compilation de 30 de ses titres (hors licences James Bond, Disney ou Nintendo), de Slalom (1986) à Banjo-Kazooie – Nuts & Bolts (2008 ), ainsi qu’une sélection des meilleurs titres d’Ultimate (Jetpac, Sabre Wulf...). Ce bout d’histoire, même amputé d’un certain nombre de ses légendes, suffit à rappeler que le développeur a compté. Mais ça, les connaisseurs le savaient déjà !

Ce qui importe, c’est que Rare puisse proposer une nouvelle production ambitieuse, à la fois créative et solide en terme d’expérience de jeu. Aussi, quand Sea of Thieves fut annoncé en 2015, promettant d’embarquer les joueurs dans un monde de pirates (avec îles aux trésors et batailles navales), l’enthousiasme baissa certes d’un cran devant un concept vaporeux, mais la curiosité fut néanmoins entretenue.
Initialement prévu pour 2016, le jeu sort finalement en 2018 sur Xbox One et PC après un développement plutôt laborieux. La direction artistique est saluée, mais le jeu en lui-même ne s’est toutefois pas départi de son concept bancal, presque inclassable ; une aventure à vivre en communauté, mais qui n’est pas un MMO. La critique a été tiède, mais le public répond présent, bien aidé par l’intégration du jeu dans le « Game Pass », l’offre d’abonnement de Microsoft. Rare continue ainsi à être mobilisé sur ce projet, à travers deux extensions ouvrant de nouveaux horizons.


Sea of Thieves ne renouera sans doute pas avec l’âge d’or de Rare, mais témoigne d’une patte artistique toujours unique du studio

Si 2020 marque le retour - pas vraiment mémorable - de Battletoads avec une réalisation cartoon et dans un nouveau mélange de différents genres (beat them all, shoot them up, mini-jeux...), cela n'annonce pour autant pas le retour de Rare en tant que studio capable de produire 2 jeux par an, comme du temps de la N64. Plus de 25 ans après le dernier épisode de la série des batraciens, Rare n'a pas développé le jeu mais s'est contenté de le superviser. Il en sera d'ailleurs de même avec le futur Perfect Dark, annoncé sur Xbox Series, et dont le développement est confié à un nouveau studio, The Initiative.

Outre les mises à jour régulières de Sea of Thieves, le seul projet d'envergure en production au sein du studio est Everwild, un jeu présenté en 2019 dont on ne sait pour le moment que bien peu de choses, à part des trailers séduisants... et un développement bien mal engagé, qui aurait même complètement repris depuis le début. De quoi s'inquiéter pour l'avenir de ce projet.


Everwild, une toute nouvelle création de Rare encore pleine de mystères


> Un nom en danger de disparition ?

Y-a-t-il donc quelque chose à attendre du studio anglais ? Manifestement, beaucoup se sont résignés. Pourtant, la renommée de Rare laisse des traces indélébiles dans le monde du jeu vidéo, en atteste le fort potentiel nostalgique que dégage la compilation Rare Replay. Après une longue période de sommeil créatif ayant duré près de 7 ans, Rare est revenu sous les projecteurs.
Rare, un nom qui compte encore, mais pour combien de temps ? De nombreux signes ont de quoi inquiéter : si des licences estampillées Rare sont revenues, comme Killer Instinct, Battletoads ou encore Perfect Dark, elles se font toutefois sans le studio ! Il faut désormais bien intégrer l’idée que les licences de Rare ont été récupérées par Microsoft, et ne sont plus forcément attachées au studio britannique.

Signe du déclin manifeste du studio, parler de Rare au temps présent est devenu incongru. La tendance pourra-t-elle s’inverser ?


Si vous souhaitez remonter le temps et revenir sur les débuts du studio, la période NES et l'âge d'or de Rare, vous pouvez lire l'article complet sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/rare.php

Si Intellivision et Atari ont été ressortis du placard aux souvenirs avec des nouvelles consoles (enfin, il paraît !), un autre acteur du marché vidéoludique américain du début des années 80 est tombé dans l'oubli : Coleco !
Sa principale contribution au jeu vidéo fut la Colecovision, une console qui ambitionna de concurrencer l'Atari 2600.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article publié sur gameforever.fr, avec le lancement de la console ainsi qu'une vue d'ensemble sur ses jeux. L'article complet est à lire par ici : https://www.gameforever.fr/colecovision.php

Bonne lecture !


Quand Atari lance avec succès l'Atari 2600, le marché du jeu vidéo prend véritablement son envol dans les pays occidentaux. En ces temps anciens, Coleco était l'une des premières compagnies à avoir su se détacher du reste d'une importante concurrence, et se présenter ainsi comme l'un des challengers d'Atari. La compagnie américaine fondée en 1932, dont le nom d'origine est "Connecticut Leather Company", avait pour première activité la fabrication de chaussures en cuir (laquelle fut revendue par la suite) puis celle de matières plastiques, avant de se lancer dans l'électronique... et pour ce qui nous concerne, dans le jeu vidéo et la Colecovision.


> Les débuts de Coleco dans l'électronique

La compagnie se lance dans le jeu vidéo en 1976, avec sa toute première console Telstar. Ce clone de console "Pong" propose ainsi différents jeux copiant... euh, inspirés du mythique jeu de tennis de la Magnavox Odyssey - tout comme Pong d'Atari. C'est donc en opportuniste que Coleco se lance sur le marché (mais après tout, il en faut bien !), espérant surfer sur la vague "Pong".

Coleco produira en tout 14 modèles de Telstar, la plupart proposant des variantes de jeux Pong, avec quelques améliorations : La Telstar Ranger ajoute ainsi des jeux de tir, ainsi qu'un revolver ; le modèle Colormatic propose de la couleur, ainsi que des pads séparés de la console (ce qui n'est pas le cas dans le premier modèle Telstar) ; La Telstar Combat! propose quant à elle différentes variations du jeu d'arcade Tank ; ou encore la Telstar Gemini, proposant des jeux de flipper.


La Coleco Telstar, premier modèle d'une longue série

Ce marché des consoles à jeu dédié (principalement Pong) arrivera cependant rapidement à saturation, et fut dépassé par la sortie de l'Atari 2600 en 1977. Néanmoins, Coleco réussit à se maintenir sur le marché de l'électronique. Plutôt que de suivre Atari sur ce marché de consoles "next gen" initié avec l'Atari 2600, Coleco opta finalement pour les jeux électroniques, suite aux succès de Mattel en la matière. Elle se distingue par des séries "Head to Head", ainsi que des séries basées sur des licences de jeux d'arcade, comme Ms Pac-Man ou Donkey Kong.

Ce n'est finalement qu'en 1982 que Coleco, fort de son expérience dans le jeu électronique, revient sur le marché des consoles de jeux, avec la Colecovision.


> Le lancement de la Colecovision

Proposer une concurrente de l'Atari 2600 en 1977 était vain : Coleco n'avait qu'une seule année d'expérience avec ses consoles Telstar, et ne chercha pas à rentrer dans cette première bataille. La prochaine, en revanche, sera la leur. L'Atari 2600 ne sera pas éternelle, et il faut pouvoir proposer aux consommateurs une console plus performante, qui prendra le relais.

La stratégie de Coleco était de vendre une console ne proposant quasiment aucun jeu exclusif, mais des adaptations de qualité des hits d'arcade de l'époque. Elle arrive à une période où de (trop) nombreuses compagnies se disputent un marché archi-dominé par l'Atari 2600 et sa ludothèque dépassant les 1000 jeux.


La console ne paye pas de mine, mais elle était la plus puissante de sa génération

Mais Atari s'est reposé sur ses lauriers, et n'a pas fourni de réels efforts depuis bien longtemps pour proposer une offre de qualité sur sa console vieillissante. Une place est donc à prendre, et Coleco décide de se lancer avec une stratégie marketing nouvelle mais efficace : proposer un pack "console + jeux" qui donne envie d'acheter ! L'expérience de Coleco en matière de consoles se révèle plutôt limitée, mais c'est surtout grâce aux succès obtenus par ses jeux électroniques que le constructeur effectue son retour avec confiance sur le territoire d'Atari. Exploiter des licences est essentiel ; en réussir l'adaptation est un atout ; en obtenir l'exclusivité - ne serait-ce que temporaire - est un avantage.

A l'été 1982, la Colecovision fait donc une entrée convaincante sur le marché américain, avec comme jeu de lancement ni plus ni moins que le célèbre Donkey Kong de Nintendo. Bien plus qu'un atout de poids, le jeu sera l'argument de vente, d'autant que sa qualité approche celle de la version arcade.


L'adaptation de Donkey Kong fut un atout de poids pour la Colecovision à son lancement, malgré quelques petites digressions à l’œuvre originale

Coleco a dû débourser 250 000 $ (en plus de récolter un procès d'Universal qui estimait faire valoir ses droits pour la licence King Kong) pour acquérir le droit d'exploiter en premier la licence Donkey Kong sur consoles de salon ; une somme considérable qui fut cependant un risque très bien calculé. Grâce à Donkey Kong, la Colecovision allait se faire une place de choix dans la nouvelle génération de consoles, et parvient même à éclipser la sortie de la nouvelle Atari 5200 fin 1982, laquelle souffrait de sévères handicaps (ludothèque peu fournie, et pas de rétrocompatibilité avec l'Atari 2600).
Début 1983, profitant d'un Noël 1982 particulièrement faste, la Colecovision atteindra le million d'exemplaires vendus.

La console sera également distribuée en Europe à compter de l'été 1983 par le groupe CBS Electronics – d'où le nom, dans nos contrées, de CBS Colecovision.


> La ludothèque : une stratégie d'adaptations de qualité

La ludothèque de la Colecovision ne verse aucunement dans l'originalité. Coleco ne prend que très peu de risques, et souhaite avant tout vendre des jeux qui ne lui seront pas retournés pour mauvaise qualité ou mévente, comme ce fut le cas du désastreux ET sorti sur Atari 2600. L'exemple de la Videopac / Odyssey ², basée quasi exclusivement sur des productions maison, n'a également pas fait ses preuves. Ce qu'il faut, ce sont des jeux connus, faits par des éditeurs reconnus. A l'image du soutien de Namco pour Atari, Coleco passera ainsi des accords avec Sega, Konami ou Nintendo pour obtenir de tous ces mastodontes de l'arcade des licences d'exploitation permettant d'adapter leurs hits pour la Colecovision. Une sélection judicieuse, ce d'autant plus que la puissance de la console confère à Coleco un train d'avance sur Atari.

Outre Donkey Kong et sa suite Donkey Kong Jr., la Colecovision accueille ainsi les adaptations de Zaxxon, Lady Bug, Centipede, Defender, Dig Dug, Frogger, Galaxian, Burger Time, Star Wars ou Pac-Man, pour ne citer que les plus connus.


Lady Bug, un clone de Pacman porté sur les légumes et les insectes


Une autre licence forte, avec Zaxxon de Sega

Dans le lot, très peu de jeux seront des productions originales pour la Colecovision, comme les Schtroumpfs ou Rocky Super-Action Boxing.


Le très connu Pitfall!. Graphiquement, l'écart avec l'Atari 2600 est perceptible


Rocky Super-Action Boxing, un des quelques jeux maison de Coleco, basé sur le film Rocky 3

La liste des jeux de la Colecovision illustre donc parfaitement la stratégie de Coleco : proposer un catalogue fourni en licences connues. Globalement, les adaptations seront réputées bonnes, confirmant que l'ambition de Coleco de proposer l'arcade à la maison n'était pas mensonger.

Au total, environ 170 jeux sortiront sur Colecovision entre 1982 et 1984.


Ce sera tout pour cet extrait, qui vous donnera l'envie d'en lire plus :
=> https://www.gameforever.fr/colecovision.php

La suite de l'article présente les différents modules d'extension, dont celui permettant de faire fonctionner les jeux de la concurrente (l'Atari 2600), ainsi que l'Adam, un ordinateur basé sur la Colecovision ; sans oublier l'histoire rocambolesque de la Coleco Chameleon, un projet de console pour le moins fumeux !

Dossier complet sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/wonderswan.php

Alors que la Neo Geo Pocket Color ressort (un peu) de l'ombre avec une compilation, une autre console portable contemporaine attend toujours son heure. Sorties uniquement au Japon, les WonderSwan N&B et Color partent il est vrai avec un certain handicap.
Mais si vous souhaitez découvrir cette portable, Romain a rédigé un dossier présentant les différents modèles ainsi que les principaux jeux.

Je vous propose ici un extrait sur la conception et les débuts de la portable. L'article complet est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/wonderswan.php

Bonne lecture !


Sur le marché des consoles portables des années 90, la Game Boy a régné de manière incontestée. Elle a eu même un tel succès que l'expression "Game Boy" fut utilisée pour désigner n'importe quelle console portable. Dans ce dossier, je vais pourtant vous parler d'une autre console portable pas très connue par chez nous, mais qui a quand même réussi à faire un peu trembler la portable de Nintendo : il s'agit de la Game Boy de Bandaï, enfin je voulais dire la WonderSwan !


> La naissance de la WonderSwan

Nombreux sont les constructeurs à avoir voulu faire de la concurrence à Nintendo en sortant leur propre console portable sans réel succès : à l'époque des débuts de la Game Boy, Sega avec sa Game Gear ainsi qu'Atari avec sa Lynx avaient fait le pari de proposer des consoles plus performantes avec des écrans couleurs, mais qui se sont révélées plus coûteuses et particulièrement voraces en piles. Bien plus tard, SNK faisait un autre pari avec sa Neo Geo Pocket, dont l'écran du premier modèle est monochrome avant un passage à la couleur pour la Neo Geo Pocket Color... Mais en 1999, une console arrive sur le marché avec de plus sérieux atouts pour concurrencer Nintendo sur son terrain : il s'agit de la WonderSwan, une console pas comme les autres puisque l'homme qui est à l'origine de celle-ci n'est autre que Gunpei Yokoi, un des pères de la Game Boy - parfois considéré un peu abusivement comme son créateur.

On peut alors se demander pourquoi Gunpei Yokoi avait voulu faire de la concurrence à une console qu'il a lui même contribuée à créer. En 1996, Gunpei Yokoi démissionne de Nintendo, et on a longtemps pensé que la raison principale de ce départ était la conséquence directe de l'échec commercial de la Virtual Boy - le plus important même de Nintendo. Pourtant, il a quitté la firme de Kyoto pour qui il a tant contribué (les Game & Watch, c'était également lui) après la sortie en 1996 de la Game Boy Pocket. En réalité, cette décision s'explique par son désir de prendre son indépendance et de s'atteler à des projets plus modestes qui lui tiennent à coeur : il crée ainsi sa propre société, Koto Laboratory !

Parmi ces projets, l'idée de créer une nouvelle console portable, l'objectif n'étant pas de produire une machine puissante mais une console qui permettrait d'apporter de l'innovation dans la manière de jouer. Malheureusement, en 1997, Gunpei Yokoi décède lors d'un accident de voiture, et c'est Yoshihiro Taki - un autre membre de l'équipe de concepteurs de la Game Boy - qui prend alors la direction de Koto Laboratory. Celui-ci décide de conserver les exigences de Gunpei Yokoi concernant la conception et le design de la console. Après plusieurs mois de travail, la WonderSwan est enfin créée !


La WonderSwan rencontre immédiatement un bon accueil au Japon

Une console originale, puisqu'elle peut se tenir aussi bien horizontalement que verticalement. Son écran est également un des plus grands de l'époque (6,3 cm de diagonale et une résolution de 224x114 pixels). Autres atouts : la WonderSwan est très légère (93 grammes) et bénéficie d'une très grande autonomie, puisqu'elle est capable de tenir une trentaine d'heures avec une seule pile LR6 ! Le seul inconvénient de la console sera son écran en noir et blanc, alors que Nintendo a déjà commencé à commercialiser sa Game Boy Color... Mais rappelons que l'objectif n'était pas de créer une console plus "puissante" que les autres, mais plus innovante.


> Koto Laboratory rejoint Bandai

Afin de distribuer au maximum sa WonderSwan, Koto Laboratory s'associe avec Bandai (un des plus gros fabricants de jouets au Japon) qui avait justement l'intention de rentrer sur le marché des consoles portables. En étant distribuée par Bandai, la WonderSwan bénéficie alors d'énormes avantages, notamment grâce à toutes les licences que possède la société (comme Dragon Ball, Saint Seya, Gundam et beaucoup d'autres). De plus, beaucoup de studios tombent sous le charme de la WonderSwan : on peut citer Konami, Capcom, Namco, Koei, Taito, mais aussi SquareSoft, en froid avec Nintendo depuis que la firme de Kyoto a décidé de nombreuses mesures de représailles à la suite du développement de Final Fantasy VII sur PlayStation.
Avec tous ces avantages en poche, la petite console de Bandai est prête à faire face à la Game Boy, d'autant plus qu'à son lancement, la WonderSwan est distribuée à un prix très bas : 4800 yens soit environ 35 euros. La Game Boy n'a qu'à bien se tenir !


Gunpey - dont le titre rend hommage à Gunpei Yokoi - est le puzzle game maison de Koto Laboratory, et un des jeux qui permet de jouer en tenant la WonderSwan verticalement

La WonderSwan est commercialisée le 4 Mars 1999, et en une semaine, ce ne sont pas moins de 200 000 consoles qui sont écoulées. Des consoles portables "non Nintendo", seule la PSP à sa sortie parviendra à réussir un tel exploit ! A son lancement, la portable dispose déjà de nombreux jeux, dont Digimon Adventure, une licence créée par Bandai pour concurrencer Pokémon. Et la liste des jeux sortant sur cette portable s'allonge très rapidement, la dotant d'une ludothèque confortable : en moins de 2 ans, la WonderSwan accueille 109 jeux, dans des genres variés et avec plusieurs licences connues.


Makaimura for Wonderswan est un épisode de la série Ghosts 'n Goblins spécialement développé pour la portable de Bandai

La WonderSwan rencontre donc un joli petit succès, et Nintendo, qui n'aime pas trop qu'on lui fasse de la concurrence sur le domaine des consoles portables, ne va pas tarder à réagir.


C'est tout pour cet extrait, mais l'histoire de la WonderSwan n'est pas finie, et la suite est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/wonderswan.php
L'article revient en effet sur la WonderSwan Color et ses jeux.

Je poursuis ma (re)découverte des jeux Satellaview les plus connus, et après mon article sur BS Zelda, au tour de BS F-Zero 2, une fausse suite du F-Zero original qui n'a pourtant pas encore livré tous ses secrets !

Pour Gamekyo, je vous propose une présentation de la ROM la plus connue de BS F-Zero 2, la version "Practice", accessible et immédiatement jouable sur émulateur.
L'article complet ainsi qu'une ROM de BS F-Zero 2 (compatible mini SNES, pour ceux que ça intéresse), c'est sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php


F-Zero, sorti au lancement de la Super Nintendo, a popularisé les jeux de course futuristes, avec ses graphismes en mode 7, son ambiance, ses musiques marquantes ainsi que l’emblématique Captain Falcon, qui est finalement davantage connu pour sa présence continue dans la série Super Smash Bros. Sur SNES, ce jeu mythique laissa ensuite la place à Super Mario Kart, mais la série n’allait pas s’éteindre : en 1997, un épisode en 3D est effectivement en cours de développement sur Nintendo 64, mais avant même d’avoir droit aux premières présentations de ce jeu, les joueurs nippons ont eu le privilège de jouer en 1997 à plusieurs F-Zero sur un support exclusif au Japon : le Satellaview !


> Le Satellaview en bref

Sorti en 1995, le Satellaview est une extension de la Super Famicom, fruit d’un partenariat entre Nintendo et la société St. GIGA, une entreprise japonaise de radio par satellite. Il s’agit simplement d’un modem logé sous la console, qui capte donc les émissions diffusées pour cette extension par satellite (ce qui supposait d’avoir l’installation adéquate), la programmation étant communiquée via des magazines.

Il faut distinguer les jeux réguliers, qui étaient accessibles aux joueurs lors de vastes plages de diffusion ; et les jeux « Soundlink », qui étaient diffusés une heure par jour et à raison d’un jeu à la fois, selon une certaine programmation (comme les BS Zelda). La plage horaire « Soundlink » signifiait que le jeu diffusé n’était accessible qu’à ce moment-là, la transmission des musiques remixées ainsi que des voix se faisant en direct et n’étant pas sauvegardées dans la cartouche BS-X, contrairement aux données de jeu.

Le Satellaview a accueilli non pas un, ni deux, mais trois F-Zero ! Ou plutôt, 3 variantes du F-Zero original. Car quelles que soient les ROMs en question, il ne s’agit pas de vraies suites à F-Zero, mais plutôt d’extensions. On retrouve en effet les mêmes graphismes en mode 7 et la même maniabilité, mais pas les mêmes véhicules.

BS F-Zero Grand Prix (version Satellaview du F-Zero original) et BS F-Zero Grand Prix 2 (avec des nouveaux circuits) seront donc proposés sur la plage horaire Soundlink, tandis qu’une version Practice de BS F-Zero Grand Prix 2 pouvait être jouée durant la plage horaire régulière.




> BS F-Zero Grand Prix 2 « Practice », la ROM la plus courante

Le plus simple pour parler de ces BS F-Zero est de commencer par la version « Practice » de BS F-Zero Grand Prix 2 – communément appelée tout simplement BS F-Zero 2 – diffusée en juin 1997 : la ROM la plus connue, la plus accessible, ainsi que celle qui apporte des nouveautés sur un plateau. Si elle a pu fonctionner aussi bien (et aussi rapidement), c’est parce qu’il s’agit d’une ROM BS de type « regular », diffusée sur la plage horaire la plus longue et accessible sans attendre une quelconque programmation.
L’arrêt des diffusions de jeux Satellaview en 1999 aurait dû entraîner la perte de toutes les données des jeux BS, mais ces derniers étaient en fait téléchargés et stockés dans la cartouche BS-X. Dans le cas des jeux « regular », qui ne disposaient pas de données additionnelles comme des musiques ou des voix, l’extraction des données a permis de les récupérer aisément.

Le jeu nous arrive donc dans une forme similaire à sa diffusion initiale sur Satellaview, avec tout d’abord ses nouveaux bolides, qui remplacent les 4 du F-Zero original. Une petite présentation de ces véhicules s’impose

- Blue Thunder : Une bonne accélération, une excellente vitesse de pointe, une maniabilité idéale et une bonne solidité, ce bolide est de loin le plus complet. S’il avait des boosters plus puissants, ce serait même le bolide ultime !
- Luna Bomber : Le plus rapide et disposant des boosters les plus puissants, ce véhicule très lourd est toutefois dur à piloter, et fragile au surplus. Pour les experts et les chronos sur les circuits de vitesse.
- Green Amazone : Très léger mais très solide, ce bolide est une vraie savonnette. Son accélération tonitruante permet toutes les fantaisies en course, effets garantis sur les pistes à faible adhérence !
- Fire Scorpion : Ce bolide lourd et solide présente les caractéristiques les moins intéressantes, avec une vitesse de pointe assez bonne, mais une accélération médiocre et une maniabilité moyenne.



Évidemment, dommage de ne pas retrouver les Blue Falcon et autres dans ce jeu, d’autant qu’il propose 5 nouveaux circuits regroupés dans une Ace League. Cette nouvelle coupe propose en effet des courses intéressantes, alliant vitesse et technicité.


Mute City IV
Une nouvelle variante du tracé original de Mute City, avec une piste truffée de turbos. Très rapide, donc forcément spectaculaire. Gare à la sortie de piste !


Big Blue II
Une variante du tracé Big Blue original, avec une piste plus étroite et davantage de surfaces glissantes.


Sand Storm I
Court mais intense, ce circuit aux virages serrés vous propose une piste truffée de mines et de surfaces électrifiées.


Silence II
Une variante du tracé Silence, remplaçant certains rebords du circuit par des tremplins, ce qui offre des possibilités audacieuses de raccourcis !


Sand Storm II
Variante encore plus intense du premier tracé, avec de nouveaux pièges et un vent violent qui gêne votre conduite.

Même s’il s’agit d’un plaisir de courte durée, ce BS F-Zero Grand Prix 2 complète utilement F-Zero, qui ne disposait que de 15 circuits. Si seulement on pouvait participer à cette Ace Cup avec les véhicules originaux… Et si seulement on pouvait même regrouper tout le contenu de ce BS F-Zero Grand Prix 2 dans F-Zero pour en faire une version ultime…
Eh bien certains bidouilleurs se sont aussi posés ces questions et proposent de nombreux patchs pour tous les motivés qui aiment trafiquer des fichiers. On trouve donc toutes sortes de hacks, dont un patch pour mettre les bolides du F-Zero original dans BS F-Zero Grand Prix 2, mais aussi le mod ultime, F-Zero Final, qui intègre tout le contenu : 8 véhicules et 20 circuits en tout !


C'est tout pour cet extrait, mais c'est une présentation complète de BS F-Zero Grand Prix 2... Enfin, d'une des variantes de BS F-Zero Grand Prix ! Il en reste encore deux à découvrir dans l'article complet, et l'une demeure d'ailleurs introuvable à l'heure actuelle. La belle affaire ? Si seulement elle ne comportait pas 5 circuits complètement inédits !

C'est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php


Le dernier circuit inédit Metal Fort II démarrait sur Jump de Van Halen ! (capture écran YouTube)

Suite de mon article consacré à BS Zelda, avec un volet épisodique encore plus méconnu : Ancient Stone Tablets.
Le dossier complet et les jeux à télécharger sont sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bszelda.php


Début 1997, un certain Zelda 64 focalisait l’attention et en aurait encore pour quelques temps avant de sortir sur N64. En Occident, la SNES faisait alors déjà partie du passé, mais au Japon, les joueurs restaient attachés à leur Super Famicom, et quelques jeux sont encore sortis sur le tard. Sur Satellaview, ils ont même pu patienter avec un autre BS Zelda plus méconnu encore, cette fois basé sur A Link to the Past. BS Zelda no Densetsu – Inishie no Sekiban est ainsi diffusé pour la première fois en mars 1997, toujours morcelé en 4 parties étalées sur 4 semaines.

Pour la petite histoire (car cette fois, il y en a une), le jeu se déroule 6 ans après A Link to the Past, dans un royaume en paix. La princesse Zelda pressent toutefois une menace planer sur Hyrule. Link parti vers d’autres aventures, il revient à un nouveau héros ou une nouvelle héroïne venu(e) d’une ville lointaine de prendre sa suite, en récupérant les 8 tablettes de pierre. Mais il ou elle ne pourra venir en Hyrule qu’une fois par semaine, pendant une heure.
Voilà comment le système de diffusion du Satellaview s’intègre dans l’histoire, ce qui devait sûrement être très immersif pour l’époque, d’autant que la partie était accompagnée des voix des acteurs encore mieux intégrées au jeu – car plus dynamiques.


Durant chaque chapitre, vous devrez récupérer 2 de ces tablettes, après avoir vaincu un boss repris d’A Link to the Past

Contrairement aux précédents BS Zelda, cet Ancient Stone Tablets est resté divisé en 4 ROMs après son extraction et l’application des patchs pour le rendre jouable, pour la simple et bonne raison que son format épisodique est l’essence même de ce jeu. Chaque chapitre d’Ancient Stone Tablets démarre en effet à un point différent de la carte d’A Link to the Past, et se conclut par ailleurs par une accroche destinée à faire patienter pour le prochain épisode, jusqu’à l’épisode final.
Mais ce format très inhabituel pour l’époque est désormais courant depuis la popularisation des jeux au format épisodique par Telltale (Walking Dead, The Wolf Among us…), aussi je ne doute pas que même les fans de Zelda sauront s’adapter ! Rien n’est également perdu en débutant un nouveau chapitre, puisque la sauvegarde du précédent épisode vous permettra de récupérer tous les objets, tablettes et cœurs récoltés durant l’aventure ; cela devait se faire automatiquement lors de la diffusion du jeu sur Satellaview, mais avec ces ROMs patchées, il faut le faire manuellement en renommant le fichier de sauvegarde .srm.


Le village de Cocorico plongé dans la brume, un événement provoqué par l’horloge du jeu

Pour ce qui est du jeu en lui-même, on retrouve tout simplement la réalisation d’A Link to the Past, sans effets ajoutés. Durant chaque chapitre (ou semaine), vous devez récolter 2 tablettes dans 2 donjons, gardés par des boss d’ALTTP. La carte étant réduite, et les tablettes y étant de plus indiquées, l’exploration ne prendra pas forcément beaucoup de temps, a fortiori si vous connaissez déjà A Link to the Past.
La difficulté est donc assez modérée comparée au légendaire Zelda de la SNES, d’autant que différents bonus s’activent en cours de jeu en fonction de l’horloge : bombes infinies, fées, invincibilité, pouvoir magique sorti de nulle part… Là aussi, les voix japonaises prévenaient ces différents événements, et elles sont remplacées dans les ROMs hackées par du texte qui défile assez souvent en bas de l’écran. Si on se demande au départ quand cesse ce blabla intempestif, il est malgré tout utile de le lire pour être tenu au courant des informations importantes, et aussi pour rester fidèle à l’expérience originale.


Vous pouvez jouer à des nouveaux mini-jeux qui ne sont pas dans ALTTP

Chaque chapitre dure environ 50 minutes, et cette limite vous incitera à presser le pas ! Pas de panique cependant, les 2 donjons de chaque chapitre ne sont pas aussi longs et retors que ceux d’ALTTP, et vous devriez même avoir le temps de vous promener un peu après en attendant la fin du chrono, faire des mini-jeux, rechercher des secrets, louer une pelle pour creuser des trous, ou retrouver une taupe qui peut vous faire gagner plein de rubis. Car oui, ça peut surprendre, mais il faut vraiment attendre le temps imparti pour voir la fin du chapitre et passer au suivant.
De plus, un système de score comptabilise vos résultats à la fin de chaque chapitre, et était d’autant plus important lors de la diffusion originale du jeu que St. GIGA pouvait faire gagner de nombreux lots aux joueurs réalisant les meilleurs scores !

Ancient Stone Tablets a été diffusé à plusieurs reprises sur le réseau de St. GIGA, et fut même le tout dernier jeu diffusé en 1999 sur Satellaview à la fin des relations entre Nintendo et St. GIGA.


La ROM - ou plutôt les ROMs - de BS Zelda Ancient Stone Tablets se trouvent sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bszelda.php

Ces ROMs ont été patchées et fonctionneront sur un grand nombre d'émulateurs, mais n'oubliez pas de lire les instructions pour comprendre comment faire correctement fonctionner ce jeu en 4 chapitres.

Pour les 35 ans de The Legend of Zelda, c'est l'occasion idéale de proposer un article sur des volets inédits et méconnus de la série : les BS Zelda sortis sur Satellaview ! Et il y en a 3 (ou plutôt 2 et demi) : BS Zelda Map 1 & 2 (basés sur Zelda 1), et BS Zelda - Ancient Stone Tablets, un volet épisodique basé sur A Link to the Past.

Je vous présente tout d'abord BS Zelda ainsi que le Satellaview. Pour lire l'article complet mais aussi télécharger les jeux, vous pouvez directement aller sur gameforever : https://www.gameforever.fr/bszelda.php

Bonne lecture !


Lorsqu’on parle de jeux Zelda oubliés, on a un peu trop tendance à ne penser qu'aux épisodes développés pour la CDi de Philips – une trilogie de la souffrance que je ne recommanderais même pas à mon pire ennemi – en oubliant des épisodes uniquement sortis, ou plutôt diffusés au Japon sur un support méconnu : le Satellaview.
Ces jeux pourtant développés par Nintendo n’ont jamais fait l’objet de rééditions ou de ressorties quelconques ; leur mode de diffusion atypique et le fait qu’ils n’ont pas été édités par Nintendo sont autant de freins pour espérer y jouer de manière tout à fait officielle sur une console Nintendo.

Et là, je me rends compte que j’en ai déjà perdu quelques-uns avec cette histoire de Satellaview ! Des explications s’imposent donc.


> Le Satellaview en bref

Vous n’êtes pas ici pour qu’on disserte sur un support uniquement sorti au Japon. Non, vous voulez les jeux, c’est ça ? Il va d’abord falloir comprendre un peu comment ils ont fonctionné à l’origine !
Sorti en 1995, le Satellaview est une extension de la Super Famicom, fruit d’un partenariat entre Nintendo et la société St. GIGA, une entreprise japonaise de radio par satellite. Il s’agit simplement d’un modem logé sous la console, qui capte donc les émissions diffusées pour cette extension par satellite (ce qui supposait d'avoir l'installation adéquate), avec une programmation prévue à l’avance. Une cartouche « BS-X » enregistrait les données téléchargées par satellite. L’abonnement au service de St. GIGA peut donc être considéré comme l’ancêtre du jeu vidéo en streaming et des services Game Pass !

Les plages horaires pour jouer aux jeux BS (pour « Broadcast Satellite ») spécifiquement développés pour le Satellaview (dont BS F-Zero Grand Prix 2, BS Fire Emblem Akaneia Senki ou encore BS Super Mario USA Power Challenge) étaient réduites à une heure par jour, et un seul jeu à la fois en fonction des mois. Pour jouer et poursuivre ses aventures de BS Zelda, il ne fallait pas rater leurs rares diffusions, manquer un épisode rendant la suite injouable ! Qui plus est, les jeux BS en question étaient diffusés avec des bandes sonores de bien meilleure qualité, et même des voix d’acteurs pour les BS Zelda.
Le reste du temps, St. GIGA pouvait proposer des émissions radio ou des plages horaires plus longues pour jouer à une sélection de jeux réguliers, dont une adaptation d'A Link to the Past ou encore le visual novel Radical Dreamers, un spin-off de Chrono Trigger.

L’accord entre Nintendo et St. GIGA prit fin début 1999, ce qui entraîna la cessation des diffusions des jeux sur Satellaview.


Le Satellaview branché sous la Super Famicom, avec la cartouche BS-X contenant l’interface ainsi que les sauvegardes de données


> BS Zelda

Diffusé pour la première fois en août 1995, BS Zelda no Densetsu est sans doute le jeu qui a mis en lumière le Satellaview, même jusque dans nos contrées occidentales. Après le succès de Super Mario All-Stars (qu’on ne présente plus), les joueurs avaient espéré un Zelda All-Stars, et les Japonais ont eu droit – via le Satellaview – à ce remake attendu du premier volet. Enfin, pas tout à fait… Si les images et les sons donnent l’illusion d’un remake, il n’en s’agit toutefois pas exactement d’un.

Initialement, le héros n’est d’ailleurs pas Link, mais un garçon ou une fille que vous aurez choisi dans le portail du Satellaview. Les ROM patchées ont souvent ajouté Link pour remplacer le personnage du Satellaview. De plus, comme je l’ai précisé, la diffusion du jeu était étalée sur 4 semaines : vous n’étiez donc pas en mesure de terminer BS Zelda d'une traite, car certaines zones ne sont tout simplement pas accessibles en début voire en milieu de partie. Par exemple, des tornades vous empêchent d’accéder à un certain endroit durant la première semaine, avant de se dissiper en 2ème semaine pour vous laisser explorer une nouvelle zone. Il en va de même pour certains objets, comme des cœurs et même l’accès à des donjons, parfois disponibles quelques minutes en cours de partie avant de disparaître. Comment le savoir ? Lors de la diffusion originale sur Satellaview, ces événements étaient annoncés par les voix enregistrées, et qui ont forcément disparu.
D’ailleurs, le jeu original dispose d’une horloge, et à chaque minute, un événement peut se déclencher pour une durée limitée : bombes infinies, boomerang magique, ou encore ennemis plus agressifs, etc. Chaque fois qu'un message livrant un indice ou narrant l'histoire était diffusé, le jeu était mis en pause.


Dans le jeu d’origine, prendre l’épée permettait de récupérer la sauvegarde de la semaine précédente

Dès lors, compléter BS Zelda s’avérait être impossible sans le travail des patcheurs, qui ont pu proposer différentes solutions, toutes jouables. L’expérience la plus proche de l'originale consiste à jouer avec les 4 ROM séparées, le jeu s’arrêtant au bout de 57 minutes ; une autre ROM a assemblé les 4 parties mais a conservé l’horloge pour déclencher certains événements ; enfin, la ROM que je vous propose en bas de page, a retiré cette horloge, les événements se déclenchant en fonction du nombre de fragments de Triforce collectés. Cette solution, si elle trahit en quelque sorte BS Zelda tel qu’il était diffusé à l’origine, propose en revanche une expérience libérée des contraintes de temps, mais également plus fidèle au premier Zelda.

La Third Quest, telle qu’elle est officieusement dénommée, commence donc comme le premier volet, mais s’avère être une aventure sensiblement plus courte : une simple comparaison avec la carte du premier Zelda permet de comprendre que celle de BS Zelda est réduite de moitié (un carré de 8x8 cases). C’est donc un Hyrule condensé sur une carte plus petite qu’il va falloir explorer, et forcément la recherche des donjons prendra moins de temps.

Pas de changements par contre dans la mécanique de ces nouveaux donjons : les énigmes de Zelda 1 étaient sommaires et consistaient souvent à trouver des clés, un objet important, puis affronter un boss avant d’attraper un fragment de Triforce ; BS Zelda ne change en rien cette mécanique, fidélité oblige à son modèle.
Conséquence du morcellement du jeu en 4 semaines de diffusion : en posant de nombreuses barrières pour vous empêcher d’explorer trop rapidement Hyrule, la progression est ici très guidée, là où Zelda 1 vous lâchait au contraire dans Hyrule sans vous souffler la moindre direction. Cumulé avec un monde plus petit, BS Zelda s’avère donc nettement moins difficile.


Les graphismes de BS Zelda ne sont pas aussi jolis qu'espéré

Par ailleurs, la réalisation graphique est loin d’être renversante : ceux qui espéraient quelque chose du niveau d’A Link to the Past peuvent se montrer déçus par ce BS Zelda, qui demeure assez austère pour un jeu SNES. Les musiques quant à elle sont de simples remix des thèmes entendus dans Zelda 1 : toujours aussi entêtantes et efficaces, mais également peu variées et répétitives.
Cela étant dit, quelque soit votre profil de joueur, BS Zelda est tout de même susceptible de vous intéresser : un passionné de Zelda pourra parcourir ce jeu en mode détente, tandis qu’un novice n’ayant jamais touché au premier Zelda découvrira une version simplifiée et – concernant la ROM proposée sur le site – plus accessible.


L'article n'est pas encore fini, mais cet extrait s'arrête ici. Retrouvez immédiatement la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bszelda.php
Vous pourrez également y télécharger toutes les ROMs BS Zelda en fin d'article.