Nouvel article en ligne sur Game Forever, et cette fois mon sujet est la série Contra !

Les anciens l'ont connue sous le nom de Probotector, les plus anciens encore l'ont découverte sous le nom de Gryzor, et ces changements de nom traduisent bien ce que peut être cette série atypique, longtemps restée fidèle à sa conception jusqu'au-boutiste d'un challenge sans concession ; car la réputation des Contra, c'est d'être des jeux (très) difficiles.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article qui parle du premier volet et de ses adaptations (notamment NES), en espérant que ça vous donnera envie de lire la suite.

L'article complet est disponible sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/contra.php

La rétrospective revient sur absolument tous les épisodes de la série, et j'ai dû payer de ma personne, à la fois en raison de la difficulté de certains épisodes (quitte à utiliser un certain code secret), mais aussi parce que la série compte également quelques épisodes honteux.
Bien évidemment, je propose également un long développement sur le cultissime Contra III, et je n'oublie pas le tout dernier volet, Operation Galuga, sorti en 2024.

Bonne lecture !


Parmi les nombreuses séries qui ont fait la réputation de l’éditeur Konami, Contra est née à une époque où les stars incontestées du cinéma d’action se nommaient Arnold Schwarzenegger et Sylvester Stallone.

C’est aussi une série qui s’est forgée une réputation de jeux à la difficulté implacable et à la nervosité sans pareille : jouer à un Contra, c’est en avoir pour son argent avec des effets spéciaux à outrance, mais c’est aussi mourir encore et encore, pour se relever et continuer le combat. De vrais jeux pour guerriers !

En Europe, la série a d’abord construit sa popularité sous un autre nom, Probotector, où les humains sont remplacés par des robots. Une identité un peu différente pour la série de Konami, ce qui n’a pas empêché ses épisodes cultes de connaître le même succès qu’ailleurs.


> De Contra à Probotector en passant par Gryzor

Lorsque Contra est lancé début 1987 en salles d’arcade, Konami est déjà un éditeur solidement établi, développant pour de nombreux supports et fort de succès comme Gradius en arcade ou Castlevania sur NES. À l’évidence, c’est un classique maison du run’n gun, Green Beret (Rush’n Attack en Occident) qui a servi de modèle à Contra, avec l’idée d’un soldat solidement armé pour se frayer un chemin jusqu’au cœur de la base ennemie.


Un passage classique de Contra, même si c’est davantage la taille de ce système de défense qui impressionne, plus que sa difficulté

Contra dynamite toutefois le déjà vieillissant Rush’n Attack avec une action plus intense et variée entièrement jouable en coopération. À la manière des shoot-them-ups, le joueur peut trouver sur son parcours des power-ups pour bénéficier de nouvelles armes variées et plus puissantes (mitrailleuse, tir laser, tir multiple), mais le jeu n’hésite pas à bousculer le joueur dans son confort, délaissant pour deux niveaux son gameplay en scrolling 2D horizontal pour une progression en vue de dos dans un couloir ; les prémices du TPS !


Dans la base, la vue passe de dos et vous devrez progresser de salle en salle pour arriver jusqu’au boss

Dans Contra, les ennemis peuvent surgir de n’importe où, en grand nombre, et tirer de n’importe quel endroit de l’écran. De votre côté, votre héros peut bien être baraqué, il meurt au premier contact : c’est la dure loi de l’île de Galuga, où vous êtes envoyé en mission pour exterminer la menace extraterrestre. Ce qui fait toute la difficulté de Contra est aussi sa force : devant une action aussi intense, le jeu exige une attention de tous les instants. Échouer, se relever immédiatement, affronter des boss gigantesques… C’est tout ce qui a fait le succès de ce jeu en salles, et qui va naturellement le porter sur de très nombreux supports.

L’éditeur britannique Ocean sent en effet rapidement tout le potentiel du jeu connu dans les salles européennes sous le nom de Gryzor, et lance les adaptations du hit sur les ordinateurs ZX Spectrum et Amstrad CPC, confiées à des petites équipes qui faisaient du bricolage avec des moyens limités. C’est d’ailleurs la version Amstrad tout particulièrement, qui marque pour la qualité de sa conversion et demeure l’un des meilleurs jeux du support. À noter que l’illustration de Gryzor (puis de Contra sur d’autres supports) a clairement recopié les affiches d’un film également sorti en 1987 : Predator ! De ce fait, on croit d’ailleurs – à tort donc – que Predator a inspiré Contra, alors que la version originale arcade est antérieure et ne s’inspire que d’Alien.

Le portage le plus célèbre est néanmoins celui réalisé en interne par Konami pour la NES : sortie début 1988, l’adaptation offre des niveaux plus longs et mieux découpés, ainsi que des boss redesignés. Prouesse supplémentaire pour la console, le jeu en coopération est maintenu sans affecter les performances de la cartouche, ce qui va contribuer au succès du titre auprès du jeune public de la NES. Ça, et un code de triche qui atténue grandement l’immense frustration que peut générer le titre : le très célèbre Konami Code ! Certes apparu pour la première fois avec l’adaptation NES de Gradius, c’est bien Contra qui le popularise, notamment pour donner au joueur un confortable matelas de 30 vies… qui ne garantit pour autant pas d’atteindre la fin du jeu !


Apport de la version NES, le boss du niveau 3 est l’un des plus impressionnants et les plus iconiques de Contra

L'adaptation NES est également connue pour ses nombreuses versions : celle sortie sur Famicom bénéficie d’une puce qui permet d’intégrer une introduction plus complète, d’images supplémentaires, ainsi que l’affichage d’une carte entre chaque niveau à la manière de Ghosts’n Goblins.

C’est toutefois la version européenne qui connaît à sa sortie fin 1990 les changements les plus notables. Contra devient en effet Probotector dans les contrées PAL, et c’est toute son image qui change : les héros Bill et Lance sont ainsi remplacés par deux robots (RD008 et RC011) aux designs inspirés des mangas Macross ou encore Patlabor, qui combattent certes la même menace extraterrestre, mais n’affrontent plus d’ennemis humains ; uniquement des robots. La raison de cette censure vient d’une agence fédérale allemande pour la protection des mineurs face aux médias, dont les prérogatives sont alors suffisamment fortes pour interdire à la vente aux mineurs un jeu vidéo jugé violent ; Doom en fera d’ailleurs longtemps les frais, seulement autorisé en Allemagne depuis 2011. C’est pour éviter tout risque d’interdiction que Probotector s'impose au détriment de Contra, y compris pour les autres marchés européens.


Voilà pour cet extrait ! Je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/contra.php

Comme je l'ai précisé en intro, il reste encore beaucoup à lire, puisque je reviens sur la 15aine de jeux de la série, et même plus en comptant quelques adaptations, jeux sur smartphones et projets annulés.

Wizzy, un pilier de l'équipe de Game Forever, a eu la chance d'interviewer Nathan Fouts. Développeur américain, il est un vétéran de la scène indé, et a fondé son studio Mommy's Best Games en 2008, ayant participé à l'essor du Xbox Live Indie Games.

Wizzy suit son travail depuis un petit moment déjà. Le style du développeur, ce sont des jeux à la patte graphique reconnaissable entre mille, et une action nerveuse quels que soient les nombreux styles de jeux (shmup, run'n gun...) du studio.

Le développeur présente son prochain jeu ChainStaff (prévu pour 2025, 2024 si tout se passe bien), et revient aussi sur l'aventure Mommy's Best Games depuis sa création.

Pour Gamekyo, je vous partage la première partie de cette interview parlant de ChainStaff. La suite revient sur le parcours de Nathan Fouts, les jeux qu'il a développés, et sa vision du jeu vidéo.

Vous pouvez lire dès maintenant l'interview complète sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/mommysbestgames.php

Bonne lecture !


Fondateur de Mommy's Best Games, Nathan Fouts est un vétéran de la scène indé. De jeu en jeu, il a forgé un univers déglingué, où la folie punk et douce pare des gameplays addictifs et des concepts totalement frais à la joute. Les jeux Mommy's Best Games respire l'amusement avec un grand A, un maxi grand et immense A, qu'on recherche tous, manette en mains. L'annonce de son nouveau jeu, mélange de Shadow of the Beast et de Contra, a fait l'effet d'un détonateur sur moi et l'interview, une bombe, est l'occasion de découvrir un véritable "auteur" et une œuvre toute personnelle.

Édité par NULL Games pour une sortie prochaine sur Steam (2024, 2025 ?), ChainStaff nous met dans la peau d'un GI à tête d'insecte sur un planète Terre qui s'est transformé peu à peu en nid grouillant de rampants à dégommer. Notre arme, une lance crochue, est du genre multi-tâche...




> ChainStaff

[GF] : Je dois tout avouer. Je suis un grand fan de Pig Eat Ball et Shoot 1-up et j'ai pu découvrir tous vos jeux par la suite, un peu comme un enfant découvrant un coffre à jouets. Comment pourrait-on définir vos jeux ?

[Nathan Fouts] : J'aime créer des jeux d'action classiques avec une forte originalité dans le gameplay. Je veux m'assurer que chacun de mes jeux ait une "raison d'exister" et que si vous aimez le genre, il vous paraîtra unique.

[GF] : Votre nouveau projet me rappelle les "run and guns" d'antan. Pouvez-vous nous parler de ChainStaff ?

ChainStaff est un jeu d'action-plateforme avec un grappin transformable. Je voulais créer un nouveau jeu avec un grappin. J'adore les jeux avec un grappin ! Mais je trouve que beaucoup de jeux utilisent plutôt une "tyrolienne" que vraiment un grappin. J'aime l'action effrénée de pouvoir se balancer en courant et en tirant. Donc, dans ChainStaff, vous avez un outil très dangereux mais excitant à utiliser. Il est également très important que vous affrontiez des monstres bizarres. Plus ils sont étranges, mieux c'est. J'apprécie les designs de monstres inhabituels. Les zombies et les ogres vont bien pour d'autres jeux, mais je veux des choses vraiment intéressantes à combattre dans mes jeux.



[GF] : Que pouvez-vous nous dire sur la direction artistique ?

J'adore les couvertures de livres de science-fiction et les pochettes d'albums de rock des années 70-80. L'art y est si viscéral. Ce sont souvent de superbes peintures, mais on peut voir les imperfections, la touche humaine. Ils ont aussi des combinaisons de couleurs vives et inhabituelles que j'adore. Si vous êtes fan de l'art de la science-fiction et de la fantasy, vous pouvez probablement deviner certaines de mes inspirations : Frazetta, Boris Valejo, Michael Whelan et Roger Dean, bien sûr. Mais que dire de Bruce Pennington, John Berkey ou Rodney Matthews ? Et n'oublions pas Jeff Easley, Bernie Wrightson ou Patrick Woodruffe ! Il y a tellement d'autres artistes dont j'admire l'art et dont j'apprends beaucoup.

[GF] : Et l'arme énigmatique qui semble être un élément clé du gameplay ?

Le ChainStaff est comme un couteau suisse des jeux, sauf qu'il est 15 fois plus grand. Vous pouvez en faire beaucoup avec : le lancer comme un javelot, vous balancer avec, et le projeter comme un bouclier. Mais vous pouvez aussi l'utiliser pour soulever des objets en l'air ! Et vous pouvez même l'escalader comme un poteau et vous tenir dessus. Mieux encore, la plupart de ces actions se font facilement avec juste un bouton. C'est intuitif : c'est à vous de décider comment l'utiliser dans le jeu.


Ce sera tout pour cet extrait !

Pour lire la suite de l'interview, c'est sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/mommysbestgames.php

Nouvelle mise à jour pour mon article sur les BS F-Zero du Satellaview paru sur gameforever, car une équipe de moddeurs s'est attelée à restaurer les circuits portés disparus de BS F-Zero Grand Prix 2 (réapparus avec des enregistrements VHS postés sur YouTube), et les intégrer dans l'édition ultime de F-Zero, nommée BS F-Zero Deluxe !

Aux 15 circuits du F-Zero original et aux 5 déjà connus de longue date de la ROM Practice de BS F-Zero 2, s'ajoutent donc ces 5 circuits aux environnements inédits (Forest et Metal Fort).

Si vous avez l'impression d'avoir raté quelques chapitres avec ces circuits retrouvés, les ROMs Satellaview, voire le support Satellaview lui-même, je vous invite à lire directement mon article complet sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php

Pour Gamekyo, je vous livre l'extrait de mon article consacré à BS F-Zero Deluxe et son contenu inédit.

Petit rappel tout de même avant de commencer : BS F-Zero Grand Prix 2 est sorti en 2 versions sur Satellaview. La plus connue jusqu'alors est la ROM dite "Practice", proposant 5 nouveaux circuits et 4 nouveaux bolides ; tandis que les ROMs diffusées en direct de BS F-Zero Grand Prix 2 contenaient encore 5 nouveaux circuits supplémentaires, mais sont portées disparues.


> BS F-Zero Deluxe, un projet non-officiel de restauration

Autour de Guy Perfect, qui s’était déjà attelé à développer un éditeur de circuits pour F-Zero X ainsi qu’un mod de F-Zero – GP Legend (GBA) proposant tous les circuits e-reader exclusifs au Japon, une équipe de moddeurs a analysé les vidéos de BS F-Zero Grand Prix 2 pour reproduire les 5 circuits portés disparus le plus fidèlement possible.
Le résultat proposé est tout simplement impressionnant : les 3 circuits Forest et les 2 circuits Metal Fort sont ainsi reconstitués, avec leurs décors, pour être enfin proposés aux passionnés de F-Zero. La vidéo comparative de présentation du projet montre la qualité de cette reconstitution, mettant en parallèle la vidéo du jeu original avec BS F-Zero Deluxe, et la fidélité semble apparemment quasi-totale : il ne s’agit pas donc d’un essai approximatif, mais bien d’un travail précis de restauration.

C’est d’ailleurs dans cette idée de restauration que les patchs de BS F-Zero Deluxe sont hébergés sur la plateforme Internet Archive. Qu’en pensera Nintendo ? Si la ROM de F-Zero n’y est effectivement pas proposée, ce projet pourrait malgré tout être considéré comme une exploitation sans autorisation de sa licence… mais Internet Archive se défend de toute exploitation commerciale et lutte pour la préservation du patrimoine numérique sous toutes ses formes (notamment avec la Wayback Machine, sauvegardant les pages internet).

Voilà pour l’histoire de ce projet, mais finalement, que valent ces « nouveaux » circuits ? Répartis dans les 2 nouvelles ligues BS-1 et BS-2 avec les 5 autres courses de la ROM « Practice », et dans le même ordre que celui proposé dans la version Soundlink, les 5 tracés ne sont, à dire vrai, pas si mémorables malgré leurs nouveaux environnements.


Forest I, le premier des 5 circuits inédits, propose une piste très large et aucune difficulté majeure


Metal Fort II contient une portion meurtrière, avec un enchaînement de turbos et de tremplins sur une piste resserrée.

Pour être tout à fait honnête, les 3 circuits Forest ne sont pas très exaltants, et seul Metal Fort II ressort pour moi du lot en proposant un réel défi, du niveau des 5 autres courses déjà connues de BS F-Zero Grand Prix 2. Néanmoins, le but de l’équipe des moddeurs n’était pas de corriger ces circuits pour les rendre plus intéressants ou plus techniques, mais les plus fidèles à ce qui est connu du jeu.

Mention « Deluxe » oblige, le travail a aussi visé à améliorer l’expérience du F-Zero original, en proposant – outre 8 bolides et 25 courses (+ 4 alternatives issues de Grand Prix 1) – de concourir sur l’ensemble des courses en Practice, de sauvegarder ses fantômes pour le Contre-la-montre, et même de proposer les ligues telles qu’elles apparaissaient dans BS F-Zero Grand Prix et BS F-Zero Grand Prix 2 « Practice » !
En regroupant tout le contenu du F-Zero original, mais aussi de toutes les versions Satellaview des BS F-Zero Grand Prix, BS F-Zero Deluxe peut ainsi être considéré comme l’édition ultime du classique de la SNES... en attendant peut-être l'ajout de contenus exclusifs à F-Zero 99.


Toutes les coupes proposées dans BS F-Zero Deluxe. En appuyant sur L+R à cet écran, vous pourrez également accéder à l’Ace League de la version Practice, ainsi qu’aux coupes proposées dans BS F-Zero Grand Prix

Pour finir, le lien pour télécharger le patch pour BS F-Zero Deluxe. Il vous faudra trouver la ROM de F-Zero ailleurs. Pour appliquer le patch, je recommande le logiciel Lunar IPS, très simple d'utilisation.
=> https://archive.org/details/bs_f-zero_deluxe_v1.0

Et si vous souhaitez en savoir sur les BS F-Zero sur Satellaview, venez lire mon article complet sur gameforever : https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php

Star Fox a 30 ans ! Sorti le 21/02/1993 au Japon, le jeu de shoot de Nintendo a marqué les joueurs de Super Nintendo pour ses graphismes tout en 3D.

L'histoire de la conception de ce jeu est très intéressante, et pour célébrer cet anniversaire... je n'ai malheureusement pas rédigé d'article sur la série Star Fox. Par contre, j'en ai rédigé un sur la suite longtemps inédite, Star Fox 2, dont l'histoire est toute aussi intéressante !

Pour Gamekyo, je vous livre un extrait de mon article qui revient sur l'annulation de ce jeu en 1995.

Si vous souhaitez lire directement l'article complet, c'est sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/starfox2.php

Bonne lecture !


Pour des raisons complètement différentes, les deux premiers Star Fox sont des jeux mythiques de la SNES : Star Fox (Starwing en Europe), par sa réalisation et son gameplay novateurs en 1993, rencontrera un important succès et marquera les esprits pour son avant-gardisme en matière de jeux en 3D. Le second épisode, attendu fort logiquement après cette première réussite, ne doit en revanche sa réputation qu’à l’histoire de l’annulation pure et simple de sa sortie ; une annulation d’autant plus mystérieuse que Star Fox 2 était réputé être en phase d’achèvement peu avant sa date de sortie programmée pour 1995.
L’histoire aurait pu s’arrêter là, mais Star Fox 2 a continué à hanter les esprits deux décennies durant, jusqu’à une sortie officielle – pensait-on improbable – en 2017 sur la console Mini SNES... 22 ans après la date de sortie initialement prévue ! À jeu légendaire, traitement de faveur : retour donc, sur cette longue attente.


> Une suite logiquement attendue... mais annulée

Dans le sillage du succès du premier Star Fox, Nintendo crut un temps pouvoir miser sur sa "puce" Super FX pour prolonger la durée de sa SNES. Ajouté aux cartouches, le processeur permettait en effet un affichage en 3D polygonal très impressionnant pour l’époque. Si Star Fox s’avéra être le meilleur ambassadeur pour cette puce, les autres jeux en tirant profit n’allaient pas laisser une trace indélébile dans le paysage vidéoludique de la SNES et des prémices de la 3D, à commencer par Vortex et Stunt Race FX, pourtant réalisés par Argonaut Software (le développeur de Star Fox).

Un nouveau processeur prêt dès le début de l’année 1994, le Super FX 2, prendra le relais pour augmenter les capacités d’affichage et d’animation de la 3D polygonale. Selon les plans de Nintendo, cette 3D devait assurer la transition vers une console encore dénommée "Project Reality" vaguement prévue pour fin 1995. Nintendo ne craignait alors pas la concurrence des outsiders (3DO, Jaguar d’Atari, et j’en passe), ni celle pourtant plus préoccupante de son grand rival Sega, qui se fourvoyait avec la 32X (malgré l’excellent Virtua Racing Deluxe) et proposait fin 1994 pour sa Saturn un Virtua Fighter aux graphismes encore très rudimentaires. La firme de Kyoto n’anticipa toutefois pas le succès de la PlayStation du nouveau venu Sony, qui avec des jeux comme Toshinden, Tekken, Ridge Racer ou WipEout au lancement européen de la console en 1995, allait ringardiser les jeux en 3D polygonale de Nintendo et Sega.
La stratégie de Nintendo allait donc changer du tout au tout, et la puce Super FX 2 ne devenait ainsi plus une priorité. Le cultissime Doom allait toutefois en bénéficier pour son adaptation sur la 16-bits de Nintendo (une petite prouesse), mais le meilleur représentant de son utilisation ne sera pas réalisé en 3D, mais un jeu en 2D utilisant des effets uniques que seule la puce pouvait permettre : je parle bien entendu de Yoshi’s Island !


Un écran de test de la première version prototype diffusée de Star Fox 2, vraisemblablement à un stade peu avancé

Bon, et où se situe Star Fox 2 dans toute cette stratégie ? Le succès de Star Fox posa très rapidement la question d’une suite, dont le projet commença dès 1993, peu après la sortie du premier. La puce Super FX 2 devait permettre une réalisation en 3D totale : le processeur, sensiblement plus puissant, offrait une capacité de fluidité des animations accrue, ce qui amena l’équipe à améliorer la gestion de l’espace en 3D libre – ce que n’avait pas vraiment réussi Vortex avec le Super FX 1.

Le développement de Star Fox 2 allait durer près de deux ans, une période plus longue que celle initialement prévue, mais riche de plusieurs tâtonnements dont Internet a conservé des traces miraculeuses. Cependant, ce qui devait s’annoncer comme un jeu novateur allait très rapidement se retrouver en retard technologique face à la concurrence. Alors que Star Fox 2 est terminé et débuggé durant l’été 1995, Shigeru Miyamoto, producteur du jeu, annonça personnellement à l’équipe de développement l’annulation de la sortie.


Un visuel provisoire de la boîte de jeu, largement répandu pour promouvoir les sorties de Nintendo en 1995 sur SNES

La première raison avancée officiellement est que la sortie trop tardive de Star Fox 2 ne pouvait plus cadrer avec le planning prévu pour la sortie de la console que l’on appelait encore Ultra 64. Seulement, la console qui s’appellera finalement Nintendo 64 – et c’est promis, je m’arrêterai là ! – sortira bien plus tardivement qu’initialement prévu, laissant une fenêtre de lancement beaucoup plus vaste à Star Fox 2.
D’autres raisons expliquent donc cette annulation, et les impératifs économiques de Nintendo semblent être une piste des plus sérieuses : les cartouches Star Fox 2, équipées d’un onéreux processeur, seraient chères à produire, et Nintendo craignait peut-être un échec commercial plus coûteux encore, tandis que Sega et Sony allaient proposer en 1995 des jeux visuellement toujours plus spectaculaires (Panzer Dragoon pour la Saturn ; WipEout et Tekken 2 pour la PS1).
Interviewé en 2017, Shigeru Miyamoto confirma lui-même que le coût de production de Star Fox 2 était trop important, et que la SNES n’avait en 1995 plus vocation à proposer des jeux en 3D, pour laisser place à une N64 conçue pour la 3D.


Un type de vaisseau présent dans le premier prototype, non conservé dans la version finale

Pas totalement satisfaisantes, ces explications officielles peuvent légitimement nourrir d’autres raisons officieuses, mais quelles qu’elles furent, impossible de penser à l’incroyable gâchis que représente l’annulation de Star Fox 2. Certes, les 32-bits – surtout la PS1 – prenaient leur envol, mais la SNES certes sur le déclin allait connaître une année 1995 encore pleine de succès : Yoshi’s Island bien sûr, mais aussi Chrono Trigger ou encore Donkey Kong Country 2. Star Fox 2 aurait certainement eu toute sa place dans ce planning, et son succès paraissait quasiment garanti.


> À la recherche de Star Fox 2

La presse de l’époque s’était montrée enthousiaste à propos de Star Fox 2 et son gameplay en 3D libre différent du premier volet (qui est un rail shooter). La présentation au CES de Las Vegas en janvier 1995 suscita immédiatement un grand intérêt de la part de la presse spécialisée, et une sortie en septembre, peut-être même août 1995, est évoquée. Les images diffusées dans les magazines insistent tout particulièrement sur la présence d’un mode 2 joueurs, la diversité des vaisseaux pouvant changer pour des modes terrestres, et une 3D améliorée grâce à la puce Super FX 2.

S’agissant de la presse française, il s’agira toutefois de la seule annonce concrète. Star Fox 2 sera ensuite complètement absent du premier salon de l’E3 en mai 1995, puis sa trace se perd dans le vide spatial. Lorsque Nintendo présente en janvier 1996 les premières images du développement de Star Fox 64 pour la N64, Star Fox 2 appartient déjà au passé, mais son annulation ne sera jamais annoncée, laissant les joueurs dans une certaine incompréhension. Étonnamment, la presse française a également oublié Star Fox 2 pour se focaliser sur le seul Star Fox 64. Eh oui, à cette époque un jeu annulé ne faisait pas tant de bruits ! Si peu de bruits même que dans l’esprit de nombreux joueurs français et amateurs de Star Fox, le développement de ce deuxième volet a certainement été abandonné en cours de route pour aboutir à Star Fox 64... ce qui est en vérité complètement faux, puisque le volet sorti sur N64 a été développé en interne chez Nintendo.
La presse britannique s’inquiétera en revanche davantage de cette disparition des plannings, mais Nintendo ne confirmera jamais vraiment l’annulation de Star Fox 2.

Le jeu existe pourtant bel et bien, et des rumeurs affirment même qu’il est achevé, ce qui a de quoi étonner. Miyamoto reconnaîtra que Star Fox 64 (alias Lylat Wars en Europe) s’inspire certes en grande partie du premier Star Fox, mais que 30 % reprend des éléments scénaristiques et de gameplay à la suite annulée.


Si vous souhaitez lire la suite, l'article se poursuit sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/starfox2.php

J'analyse les 2 versions prototype connues avant la sortie officielle du jeu, et reviens également sur l'influence que cet épisode a eu sur de nombreux volets de la série.
Une ROM traduite en français et fonctionnelle du prototype quasi-finalisé peut toujours être téléchargée en fin d'article.


L’artwork officiel de Star Fox 2 pour sa sortie en 2017, récompensant une longue attente pour un jeu sortant définitivement de l’oubli

"Rockman", la mascotte de Capcom, fête ses 35 ans ! Le premier volet de la longue série (et même des nombreuses séries) Megaman est sorti au Japon sur Famicom le 17/12/1987. 10 jeux ont officiellement suivi, mais en réalité bien plus : jeux sortis sur Game Boy, compilation-remake sur Mega Drive, épisodes hors-série...

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article rédigé pour Game Forever uniquement consacré à la série classique des Megaman. Je reviens sur la "première trilogie" sur NES, Megaman 1, 2 et 3 donc, considérés comme les volets cultes de la série.

Vous pouvez directement lire l'article complet sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/megaman.php

Bonne lecture !


Au milieu des années 80, Capcom estimait suffisant de mentionner qu'il était numéro 1 des jeux d'arcade pour être identifiable. Et puis Nintendo, en plus de créer une série phare avec Super Mario Bros, fit de son héros Mario une star, lançant la mode des mascottes.
Capcom sera l'un des premiers à lui emboîter le pas en proposant Megaman (Rockman au Japon). Cet essai fut plus que bon, il fut magistral. Créé par Akira Kitamura et Keiji Inafune - game designer qui sera longtemps le producteur attitré de la franchise dans son ensemble - Megaman sera bien plus que la mascotte de Capcom, mais une icône du jeu vidéo.


> La naissance sur NES

La NES est le support idéal pour proposer un jeu novateur. Capcom fait donc le pari Megaman en 1987, un des premiers jeux de l’éditeur à ne pas être une adaptation console d’un jeu d'arcade, et se donne ainsi les moyens de hisser sa production au niveau de celles de Nintendo. Pour l’époque, le pari fut plus que réussi. Megaman bouleverse les habitudes, en permettant au joueur de choisir son niveau parmi 6. Une vraie nouveauté, tant ce choix ne coulait pas de source pour un jeu d'action-plateformes, où les développeurs imposaient l'ordre des niveaux.


Le niveau de Cut Man, et sa musique inoubliable, est généralement le premier choix pour les débutants

L’histoire de ce Megaman sera exposée dans la notice de jeu, et plus tard dans Megaman 3 et 4. Le Dr Light et son assistant le Dr Wily travaillent sur des robots humanoïdes qui seraient capables de remplir des tâches dangereuses à la place des humains. Mais le Dr Wily avait caché son jeu et reprogramma 6 des 8 robots pour en faire des machines de destruction, laissant de côté Rock et Roll, les deux robots domestiques du Dr Light. Mal lui en a pris, car Rock, animé d’un fort sentiment de justice, désira être transformé en robot de combat. Le Dr Light lui ajouta même un programme destiné à absorber les capacités des autres robots. Et c’est là aussi tout le caractère innovant de Megaman : chaque robot vaincu donne à Megaman la faculté d’utiliser son arme, et de la retourner contre les autres robots, sachant qu'ils disposent tous d'une faiblesse à une arme précise. Découvrir ces faiblesses - induisant un certain ordre pour compléter les niveaux - fait donc aussi partie de l'expérience de jeu.
Malgré l’impossibilité de sauvegarder sa progression, une difficulté décourageante et des graphismes sommaires, Megaman sut retenir l'attention des joueurs, mais il fallait encore confirmer avec une suite pour que la série prenne réellement son envol.


Les duels contre les Robot Masters (ici Bomb Man) sont aussi importants que les niveaux dans la réussite du jeu, tant ils allient stratégie et maîtrise

Et quelle suite ! Beau, long, difficile, riche de mille idées et de trouvailles ingénieuses, Megaman 2 a fait date comme étant l’un des jeux NES les plus populaires. Sorti fin 1988, le deuxième opus ne brille pas par son originalité au niveau du scénario, puisque le Dr Wily veut prendre sa revanche, et lance 8 robots qu’il a lui même conçu pour défier Megaman.
C’est parce qu'en fait, Capcom s’est réservé pour le fond du jeu, corrigeant les défauts du premier en proposant des graphismes soignés, des décors variés, des niveaux mieux construits, ainsi qu'un système de mots de passe. Le succès de cet opus se propagea jusque dans les cours de récré, relayé en cela par de nombreuses publicités aux heures de pointe, et des critiques élogieuses. Il était de bon ton d'avoir son Megaman 2 et d'en faire profiter les copains ! En ciblant directement le jeune public qui allait porter ce jeu en triomphe, Capcom décida de le rendre plus accessible pour sa sortie en Occident, avec un mode Normal qui diminue la résistance des ennemis. Le mode Difficile de Megaman 2 correspond ainsi à la difficulté habituelle de la série, et est d'ailleurs la seule proposée dans la version japonaise (Rockman 2).


L'écran de sélection des niveaux de Megaman 2 est un modèle pour les épisodes suivants, et même une marque de fabrique de la série

A noter que c’est à compter de cet épisode que Capcom a organisé des concours de dessins de robots au Japon, sélectionnant généralement ceux qui inspirent l'équipe de développement. Ces concours seront organisés pour chaque Megaman, jusqu’au 8ème. Les remerciements de Capcom sont donc pour une grande part adressés aux participants du concours, qui ont certes attiré l’attention mais qui n’ont hélas pour eux pas été sélectionnés.

En 2 épisodes, la saga Megaman atteint ainsi son apogée, aussi la suite est-elle attendue. Dans le sillage de Megaman 2, Capcom souhaita rapidement profiter de ce succès et lancer un nouvel épisode des aventures de ce robot qui s'est imposé comme sa mascotte.


Tous les niveaux de Megaman 2 sont marquants, mais celui de Wood Man était particulièrement mis en avant pour ses graphismes et ses ennemis

Megaman 3 sort ainsi en 1990 après un développement rapide et un changement d'équipe qui voit Keiji Inafune prendre plus d'importance. Ce volet apporte à Megaman une nouvelle aptitude, la fameuse glissade, bien pratique pour se faufiler dans les recoins et réussir de belles esquives. Megaman 3 voit aussi apparaître le chien Rush, dont les capacités remplacent les options de Megaman 2 (jet et ressort). Des efforts ont été fournis pour que l'histoire ne tourne pas à la revanche de la revanche du Dr Wily. Ainsi, 8 robots défectueux causent des dégâts, et Megaman est dépêché pour les arrêter. Evidemment, il découvre bien assez vite que c’est son vieil ennemi le Dr Wily qui était derrière tout ça, mais il recevra au final l'aide d'un allié inattendu : Proto Man (Blues en VO), le prototype supposément perdu du Dr Light !


Megaman fait une démonstration de sa nouvelle glissade, une aptitude bien moins gadget qu'elle n'y paraît

L'héritage de Megaman 2 s'est avéré compliqué à gérer, mais Megaman 3 a tenté de renouveler la formule, en proposant un challenge encore plus long et plus difficile. Cependant, certains signes ne trompent pas et la magie commence à s'estomper : entre les impressions de déjà-vu (Megaman affronte les Doc Robots qui utilisent les capacités des robots de Megaman 2), des graphismes en deça de la qualité du précédent ainsi que des musiques pas aussi enthousiasmantes, Megaman 3 manque quelque peu de charmes, et s'il rencontre tout de même un joli succès, il n'est toutefois en rien comparable à son prédécesseur direct. Serait-ce là un signal d'alerte ?


Ce sera tout pour cet extrait. S'il vous a donné envie de lire la suite, vous pouvez lire l'article complet sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/megaman.php

Il reste en effet encore beaucoup de contenu à lire : le déclin sur NES ; les passages "controversés" sur SNES et 32-bits ; la renaissance rétro avec Megaman 9 et 10 ; les hors-séries et les hommages ; sans oublier Megaman 11 dont on attend une suite.

Il y a toujours un anniversaire à fêter, et celui-ci est sanglant : le tout premier Mortal Kombat a en effet été lancé en arcade le 08/10/1992 ! Voilà qui ramène ceux qui ont connu cette époque à l'âge d'or des salles enfumées, où le jeu a très vite déchaîné les passions, et concurrencé Street Fighter II.

30 ans plus tard, et malgré quelques bas (parfois très bas) désormais bien oubliés, la série initiée avec ce volet mythique se porte particulièrement bien, au point qu'après un MK11 au succès "kolossal" aussi bien au niveau commercial que sur l'aspect compétitif en e-sport, l'annonce (imminente ?) d'un 12ème volet est désormais très attendue.

Pour célébrer cet anniversaire, je vous propose ici un extrait de mon article rédigé pour gameforever.fr, forcément consacré au tout premier volet.

Pour lire directement l'article complet, c'est sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/mortalkombat.php

Bonne lecture !


Il est difficile maintenant de mesurer l'impact qu'a pu avoir Mortal Kombat à son époque. Pourtant, la franchise est parvenue à se maintenir au fil des années, faisant finalement d'elle l'une des plus rentables et les plus connues des séries des jeux de combat. Souvent copié, rarement égalé dans son domaine, Mortal Kombat représente toute l'essence du jeu de combat à l'américaine : sombre et violent !

> Le phénomène Mortal Kombat

Quand Mortal Kombat sort en 1992 dans les salles d'arcade, le choc est bien réel. Face à Street Fighter II, ce nouveau jeu parvint à se créer un style, une ambiance et des codes bien différents.

Mortal Kombat était pourtant un petit projet, dont les pères, Ed Boon (programmation) et John Tobias (scénario, design des personnages), ne mesuraient pas au départ la portée. L'inspiration essentielle du jeu, nous la devons... à Jean-Claude Van Damme !! Eh oui, avant ses thèses sur les cacahuètes et sur l'air, le plus aware des acteurs était au sommet de son art (Full Contact, Kickboxing... des chefs d'oeuvre !). Le jeu devait à l'origine être centré sur JCVD, reprenant son rôle de Bloodsport, mais le projet ne put se faire faute d'accord. Boon et Tobias continuèrent cependant à développer leurs idées, et ainsi naquit Mortal Kombat : un tournoi shaolin organisé par le maléfique sorcier Shang Tsung pour conquérir la Terre !

Reste à planter le décor, et les combattants. On trouve ainsi les 7 guerriers originaux qui feront ensuite la gloire de la série : Liu Kang, le moine shaolin, héros du jeu et l'hommage de Mortal Kombat à Bruce Lee ; Johnny Cage, l'acteur de cinéma, dont la ressemblance à Jean-Claude Van Damme est revendiquée ; Raiden, inspiré du dieu japonais du Tonnerre ; les deux ninjas, Scorpion et Sub-Zero, dont la rivalité est mise en avant ; Sonya, la touche féminine dans ce monde de brutes ; et enfin, Kano, le brigand sans foi ni loi.


Les 7 "kombattants" originaux de Mortal Kombat : Cage, Kano, Raiden, Liu Kang, Scorpion, Sub-Zero et Sonya

A ces 7 combattants (ou plutôt devrais-je dire "kombattants"), s'ajoutent Goro, le champion en titre du tournoi ; Shang Tsung, l'organisateur de Mortal Kombat et le boss final ; et le ninja Reptile, premier personnage secret dans un jeu de combat, qui cumulait les pouvoirs de Sub-Zero et Scorpion.


Les deux boss de Mortal Kombat : l'impressionnant Goro, le monstre à 4 bras ; et le sorcier Shang Tsung, capable de prendre l'apparence de tous les kombattants du jeu

Le rendu graphique de l'ensemble, et surtout des kombattants, fit vraiment une très forte impression à l'époque. A l'opposé du rendu cartoon de Street Fighter II, Mortal Kombat propose des guerriers réalistes, grâce à des images digitalisées, technique déjà employée dans le mauvais Pit Fighter. Mais Mortal Kombat ne serait pas ce qu'il est sans l'excès de violence, qui suscita la polémique. De l'aveu même d'Ed Boon, ce sont les ajouts de sang et du gore qui ont permis à Mortal Kombat de connaître autant de succès.

Il est vrai que le jeu n'est techniquement pas aussi abouti que son concurrent Street Fighter II. De base, les kombattants possèdent tous les mêmes coups, il n'y pas grande différence à manier Sonya ou Raiden. Les apports de Mortal Kombat sont cependant réels : chaque kombattant peut enchaîner des coups de poings rapidement, et effectuer un uppercut particulièrement dévastateur, envoyant l'adversaire valdinguer à l'autre bout de l'écran ! Les seules nettes différences entre chaque kombattant sont les coups spéciaux, une autre marque de fabrique de Mortal Kombat. Le grappin de Scorpion ou la boule de glace de Sub-Zero sont désormais des classiques au même titre que le Hadoken de Ryu !


Un grand classique de la série : le combat entre les rivaux Scorpion et Sub-Zero

Voilà, jusque là, je vous aurai fait patienter, mais il est plus que temps d'attaquer le coeur du sujet. Impossible de ne pas évoquer Mortal Kombat sans parler des fameuses Fatalities ! Le match remporté n'est en effet pas tout à fait fini. La vie du vaincu sera ainsi laissée à la merci du vainqueur, par ces simples mots, "Finish Him !" ("Her" pour Sonya), résonnant encore dans les salles d'arcade enfumées comme un moment de tension extrême. La manipulation réussie, l'écran s'obscurcit, et le verdict sera sans appel : la peine de mort, accompagnée de cris de douleur et parfois de flots d'hémoglobine ! De par leurs barbaries, les fatalities de Mortal Kombat gardent encore aujourd'hui un impact fort : difficile d'oublier les piques fatales en-dessous du célèbre stage The Pit, Sub-Zero arrachant la tête de son adversaire avec la colonne vertébrale (sans doute la plus gore du jeu) ou encore Kano exhibant fièrement le coeur du vaincu...


D'un uppercut rageur, Cage décapite Kano sans autre forme de procès. Fatality !

Au delà des fatalities, Mortal Kombat rencontra un tel succès qu'il sera adapté sur un nombre de supports phénoménal : Super Nintendo et Megadrive pour les plus connues, mais également Game Boy, Game Gear, PC, Mega CD... Le passage sur consoles ne se fit cependant pas sans douleur. Pour des questions de censure, le sang sera ainsi supprimé, et si la version Megadrive pouvait encore proposer un code secret pour le rétablir, la version SNES restera définitivement "sang-surée", la salive remplaçant l'hémoglobine, et les fatalities les plus violentes modifiées.


En 30 ans, comment la série a-t-elle réussi à rester dans le paysage vidéoludique ? Grâce au succès de ce premier volet, ce ne sont pas moins de 10 suites qui sortiront, sans compter les spin-offs pas toujours glorieux.

La rétrospective Mortal Kombat est à lire sur gameforever : https://www.gameforever.fr/mortalkombat.php

N'hésitez pas à partager vos souvenirs du 1er Mortal Kombat, ainsi que tout ce que vous pensez de cette série !

Wizzy, un des membres de l'équipe de Game Forever, livre une rétrospective sur les jeux vidéo de flipper, un genre qui s'est d'abord développé dans l'ombre des véritables flippers, avant de s'en détacher puis d'en conserver le souvenir une fois les flippers en voie de disparition.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait - en accord avec son auteur - revenant sur la préhistoire du genre, jusqu'au début des années 90. La suite de l'article revient sur la période des innovations amenées par les consoles 16-bits, l'intégration de mascottes du jeu vidéo, mais aussi la recherche de l'ultra-réalisme, puis la situation actuelle dominée par un seul acteur, Zen Studios.

=> Article complet, à lire sur gameforever/fr : https://www.gameforever.fr/flipper.php

Bonne lecture !


Qu’il s’agisse de simulations ultra-réalistes ou de flippers fantaisistes, jouer à un jeu vidéo de flipper, c’est la promesse de retrouver les sensations des vrais flippers de café : réalisme des effets physiques avec notamment l’inertie de la bille, possibilité de faire des fourchettes avec les flippers ou même de faire tilter la machine (le tilt est un merveilleux système anti-triche) si on la secoue trop fort... Son histoire est liée à cette quête de réalisme, et en même temps, à un affranchissement. Retour vers le passé…

> La préhistoire

Il faut creuser pour trouver les toutes premières pépites du genre... En 1978, le tout premier jeu de la société Namco (futur papa de Pac-man et quelques décennies plus tard, de Tekken, Ridge Racer et SoulCalibur, excusez du peu) fut Gee Bee, une hybridation étonnante entre le casse-brique, très en vogue à l'époque, et le jeu de flipper. On y retrouve des bumpers et une esthétique propre aux flippers. Les habituels flips en bas de la table sont néanmoins remplacés par deux barres, une en bas et l'autre au milieu de l'écran, que l'on déplace, toutes deux de gauche, à droite. Et on dégomme toujours des briques comme dans Breakout, en plus de faire du score. C'est une pépite mais on ne peut pas encore parler de jeu vidéo de flipper.

En creusant encore, on trouve, un an auparavant, en 1977, une des toutes premières tentatives signés Atari : il s'agit d'un mini-jeu de flipper rudimentaire, intégré à la console "Video Pinball" (c'est bien le nom de la console, et non celui du jeu), et sur laquelle on trouvait deux autres jeux maison : Basket-ball et Breakout.
En 1979, Atari remet le couvert sur borne d'arcade avec une véritable simulation vidéoludique de flipper et provoque la confusion en ré-employant le même nom que sa console de salon : Video Pinball. A cette époque, seuls les flips, la bille et le score sont en pixels, les éléments dessinés du décor, eux, sont reflétés sur l'écran à l'aide d'un "overlay" et d'un miroir en haut de la borne créant l'illusion d'une véritable table.

Ce jeu connaîtra une adaptation en cartouche pour l'Atari 2600 en 1980, avec bien entendu des ajustements graphiques. Video Pinball sur borne comme sur console simule de manière très réaliste la bille. Et même si sur Atari 2600, il s’agit non pas d'une bille mais d’un carré ! Compte tenu des machines et des faibles capacités en terme d’animation de sprites, on peut parler de prouesse. Pour contrôler les flippers sur Atari 2600, c’était encore la préhistoire, il fallait diriger le manche du joystick à droite ou à gauche.



Il existera bien d'autres flippers sur différents supports au tout début des années 80 (citons notamment le sympathique Sega Flipper paru en 1983 sur SG-1000, avec quatre flips sur une même table) mais il faudra attendre 1984 pour avoir le premier hit du genre, le bien nommé Pinball sur NES. Nintendo ajoute au réalisme et à la fluidité de la bille davantage d’éléments (bumpers, cibles...), de couleurs et propose au joueur deux étages (ou sections). C’est à dire, deux tables accolées, la balle passant de l'une à l'autre. Simple, maniable et réaliste, le jeu est un petit succès.



En 1988, toujours sur NES (et aussi sur MSX), c’est au tour de Rollerball de HAL Laboratory de devenir la nouvelle référence du jeu de flipper. Graphiquement clair et bien rond, avec une musique qui donne la pêche, le flipper dispose de trois sections avec notamment un jackpot en plein milieu de la deuxième, et un troisième flip dans la section du bas. Le mouvement de la bille est très réaliste. Ça va vite et les flips sont nerveux. Une référence !



Décidément très à l'aise avec le genre, HAL Laboratory concoctera dès 1989 Pinball - Revenge of the Gator, un des tous premiers jeux à sortir sur Game Boy aux côtés de Tetris et Super Mario Land. Il s'agit d'un jeu de flipper dans la droite lignée de Rollerball avec des alligators égayant l'écran, quatre sections désormais, et surtout trois niveaux bonus.

Sur NES, console de tous les exploits en matière de jeux vidéo de flipper, le développeur Rare va se distinguer avec Pin Bot (1990) et High Speed (1991) en transposant aussi fidèlement que possible de véritables tables de flipper, toutes deux produites par Williams en 1986. Ce sont les premières tentatives vers un réalisme photographique et ces tentatives sont remarquables. Les graphismes, certes en mode 8-bits, sont particulièrement détaillés et colorés, et nous retrouvons même les voix synthétiques d'origine qui ponctuaient les parties.

A cette époque pourtant, le jeu vidéo de flipper reste un sous-genre du jeu vidéo. Il ne constitue pas un achat de premier choix pour le joueur et est donc assez peu prisé par les éditeurs. Cela va changer au début des années 90.


Suite de l'article à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/flipper.php

Et il reste encore pas mal de jeux à évoquer, notamment Devil's Crush, Sonic Spinball, Metroid Prime Pinball, sans oublier les séries Zen Pinball / Pinball FX !

La thématique du western a toujours inspiré le jeu vidéo, et c'est pour ça que je m'y suis intéressé. Comment est-on passé de Wild Gunman et Outlaw à Red Dead Redemption 2 ? Eh bien, ce sera tout l'objet de mon dossier publié sur gameforever !

L'article complet (avec toutes les images) est d'ailleurs à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/western.php

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait qui remonte le temps jusqu'aux premiers jeux, et s'arrête au début des années 2000.

Bonne lecture !


Faisons le tour de tout ce que peut évoquer le western : les cowboys et les indiens, les grands espaces, les jeux de saloon ou les rodéos… Et là, vous vous souvenez qu'étant enfant, vous rêviez d'être cowboy ! Allez, avouez, ce n'est pas la peine de cacher votre saloon Playmobil ou vos Lucky Luke !
Le western propose aussi des thématiques fortes, dépeignant un monde dur et sans concession. Shérif héroïque seul contre tous les brigands, recherchés plutôt morts que vifs ; règlements de compte ou autres duels… Autant d'aventures que peut vous faire vivre un jeu vidéo !


> Règlements de comptes au saloon

La fascination pour le Far West provient indéniablement de la place importante des westerns dans la culture populaire américaine et internationale, véhiculée notamment par les très nombreux films hollywoodiens.

Les plus notables, au départ, sont pour une grande part des jeux japonais. Le premier jeu du genre est Wild Gunman de Nintendo, sorti dans les salles de jeux nippones en 1974. Se présentant comme des séquences de petits films interactifs (différents selon que vous gagnez ou non), le jeu vous oppose à toute une série de brigands à la gâchette rapide. Ai-je besoin de le préciser, il faudra dégainer votre six-coups plus rapidement que vos adversaires, et ne pas les rater.
Wild Gunman allait inspirer plus tard un autre jeu bien connu des habitués des vieilles salles d'arcade, Mad Dog McCree (1992), dont le principe est sensiblement le même, mais mis à jour.

Outlaw d'Atari, sorti en arcade en 1975 et adapté par la suite sur Atari 2600, se présente également comme un jeu de duel au pistolet, dans un style graphique plus proche d'un Pong cette fois.


Outlaw, dans sa version Atari 2600. Notez le splendide cactus au milieu, ça respire l'Arizona !

Toujours dans le thème du gentil héros contre les méchants brigands, Sheriff de Nintendo (1979), vous propose d'incarner… un shérif, devant secourir sa bien-aimée enlevée par des brigands, thème ô combien classique et efficace ! Jeu sympathique, Sheriff se présente graphiquement comme un Space Invaders du Far West, et il faut juste un peu d'imagination pour voir le shérif seul au milieu de la ville attendant de pouvoir flinguer les malandrins retranchés dans les maisons.
A noter d'ailleurs que la seule adaptation connue de Sheriff sur consoles se trouve dans le désopilant WarioWare sur Game Boy Advance, où un Wario tout en pixel noir et blanc prend la vedette.

Sega y est également allé de son jeu de shérif, avec Bank Panic, un jeu d'arcade sorti en 1984 où il faut déjouer les attaques des bandits, tout en évitant de tirer sur les clients innocents.
Le western s'adapte aussi au shmup : si Wild Western de Taito (1982) est le premier à inaugurer le genre, on pense surtout à Gun.Smoke (1985) de Capcom. Là aussi, le même thème du shérif revient, adapté à une autre sauce. Chaque boss est ainsi un brigand recherché, dont la tête est mise à prix en introduction de chaque niveau… et une fois battu, voit son affichette trouée de balles !


Gun.Smoke, ici dans sa version arcade de 1985, retranscrit bien l'ambiance du justicier seul contre tous... et cela se ressent dans sa difficulté extrême !

Tirs, mais également action au menu d'un autre jeu populaire dans son genre, Sunset Riders de Konami (1991). Run 'n gun efficace et jouable à quatre, il comporte tous les clichés du western, des graphismes aux musiques en passant par les niveaux (ranch, attaque du train…).

Au final, même si on peut considérer les jeux évoqués comme des classiques, ce ne sont en aucun cas des chefs d'œuvre, mais des titres tout de même sympathiques, par ailleurs tous adaptés sur consoles : la NES pour Wild Gunman, Gun.Smoke (également sur Commodore 64) ; Master System pour Bank Panic ; PC ou Philipps CD-i pour Mad Dog McCree et sa suite ; Super Nintendo et Megadrive pour Sunset Riders…

Ces adaptations n'ont pas forcément permis à ces jeux de connaître le succès ou une nouvelle jeunesse, l'essence même des originaux étant finalement d'être des jeux de salles d'arcade, ces saloons des temps modernes !


Wild Gunman sur NES est très différent de son modèle, mais en conserve l'esprit


> Grands espaces et hors-la-loi

Usure du genre, effet de mode ou panne d'inspiration, le thème du western sera plus ou moins laissé à l'abandon du milieu des années 90 au milieu des années 2000.
A dire vrai, on ne dénombre qu'une poignée de jeux, tous supports confondus (y compris le PC) durant cette période, à commencer par Wild Guns, un jeu de tir sur Super Nintendo mêlant western et robots, sans oublier les adaptations plus ou moins bonnes de Lucky Luke sur consoles, qui doivent plus leur raison d'être au succès de la BD.

Les studios japonais, qui étaient les premiers et les plus nombreux à s'intéresser au genre du western, avaient en effet progressivement abandonné ce terrain, que les studios américains mirent du temps à se (ré)approprier.

C'est également durant cette période que naquit la série de RPG Wild Arms, initiée sur PS, et qui compte 5 volets (le dernier datant de 2006). L'inspiration western y est évidente, bien qu'elle soit mélangée à de la science-fiction (planète extra-terrestre, méchants aliens...), du fantastique (le premier épisode étant comparé en son temps à Final Fantasy VII) et de la culture manga.

Mais si l'on devait se limiter au western pur et dur, et non à la fantaisie, les jeux mémorables ne se comptent même pas sur les doigts d’une main. C'est ainsi en pleine mode des FMV (Full Motion Video) que Dust - A Tale of the Wired West se présente en 1995 comme un point'n click tout à fait honnête agrémenté de scènes filmées (très) petit budget.
En 1997, Outlaws de Lucasarts pouvait se targuer d'être le premier FPS ayant pour thème le western, et qui plus est plutôt réussi. Hélas, en l'absence de suite, Outlaws s'est fait un peu oublier, si ce n'est de quelques fans qui réclament son retour.


Outlaws est le premier western-FPS. Le moteur graphique utilisé est celui de Star Wars - Dark Forces, qui avait fait ses preuves 2 ans avant

Dans un tout autre genre, Desperados – Wanted Dead or Alive du studio allemand Spellbound Software renoue en 2001 avec le western teuton des années 60 (Winnetou, toute une époque!) et propose sur PC un jeu de tactique mêlant infiltration et fusillade.

Il faudra attendre l'arrivée de consoles plus performantes et d'une montée en puissance des studios américains pour revoir le thème du western repris dans la production vidéoludique.


La lecture se poursuit sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/western.php

Le milieu des années 2000 marque un essor des jeux vidéo de western, et voit la naissance d'une série, avec Red Dead Revolver.
La suite de l'article ne pourra ainsi contourner la série western par excellence, à savoir Red Dead Redemption ! Mais j'en profite également pour évoquer les références au western dans d'autres jeux vidéo, notamment... Zelda - Twilight Princess !

Mon nouvel article livre une analyse sur les liens entre sport et jeux vidéo. Et forcément, je vais remonter jusqu'aux origines !
Après la période des progrès techniques à l'ère de la 2D, les jeux vidéo de sport se sont engagés dans une course au réalisme, d'abord avec l'acquisition de licences ou de parrainages, puis avec les possibilités offertes par la 3D.
Jeux de gestion, de simulation ou arcade ; simulations ou jeux familiaux (comme Wii Sports)... Tout passe en revue ou presque - dur d'être exhaustif avec un tel sujet.

=> Lecture complète sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/sport.php

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait sur les débuts des jeux vidéo de sport jusqu'au milieu des années 90... en espérant que cela vous donnera envie de poursuivre la lecture sur gameforever !

Bonne lecture !


La relation entre sport et jeu vidéo ne se discute pas ; elle relève de l’évidence tant le sport n’est lui même rien de plus qu’un jeu ! Se renvoyer la balle, compter les points… Pong le permet déjà en 1972, c’est la base sur laquelle s’appuiera toute la production vidéoludique de jeux de sport.
Certains aiment pour autant à rappeler que non, le sport, c’est plus qu’un jeu, c’est du sérieux, et quand il y a de l’argent au milieu, bien d’autres paramètres entrent en compte… à commencer par la course au réalisme qui constitue le moteur principal de l’évolution du jeu vidéo de sport.


> Le sport, aux origines du jeu vidéo

Avec l’invention de l’informatique, se pose la question chez certains ingénieurs – en dehors de tous les programmes bien sérieux sur lesquels ils doivent travailler – de concevoir des jeux, avec des diodes qui s’allument, ou un affichage rudimentaire, comme un écran d’oscilloscope. Un des tous premiers jeux vidéo est ainsi un jeu de sport, Tennis for Two : la machine, conçue en 1958 pour apporter une animation ludique lors de journées portes ouvertes d’un laboratoire aux États-Unis, rencontra son petit succès local tant le jeu s’avéra réellement amusant. Mais c’est bien la première console de jeux commercialisée en 1972, la Magnavox Odyssey, qui popularise le jeu vidéo, proposant notamment en jeu principal Table Tennis, qui inspira ensuite Atari pour son fameux Pong.

Les graphismes rudimentaires sont d’abord en noir et blanc ; les règles réduites aux plus élémentaires ; et l’intelligence artificielle relève de la science-fiction. Sur Odyssey, il fallait user d’artifices, comme poser un calque sur l’écran du téléviseur, pour donner l’illusion de jouer à un autre jeu, comme le hockey, le ski ou le volley-ball.
Les premiers jeux arcade Taito de 1973 sont eux aussi des dérivés de Pong, mais innovent en remplaçant les raquettes par des joueurs, et en simulant une zone délimitée pour marquer des points. Compte tenu des moyens limités de l’époque, les ajouts comme des buts ou des paniers représentaient des avancées considérables. Par quelques astuces, les développeurs arrivaient ainsi à proposer plusieurs sports différents, bien reconnaissables.


Malgré un gameplay encore proche de Pong, Basketball de Taito marque une évolution graphique en 1974

Le jeu vidéo de sport devient ainsi un indicateur des progrès accomplis par les différentes générations de machines, et à la fin des années 70, apparaissent sur les jeux d’arcade, les Atari 2600, Intellivision ou encore Videopac / Odyssey² de la couleur, des terrains bien reconnaissables et des formes approximativement humaines se déplacer ; un choc réel alors que les clones de Pong – avec des joueurs représentés par des carrés ou des raquettes – s’étaient multipliés au milieu des années 70.


Golf sur Videopac était déjà un jeu plus exigeant que les graphismes le laissent paraître


> Le progrès technique à l’ère de la 2D

Les nouveaux graphismes proposés à chaque nouvelle génération s’accompagnent aussi de possibilités sans cesse croissantes, et le passage de l’Atari 2600 à la NES ou au Commodore 64 se voit, tout autant qu’il s’apprécie manette ou joystick en main, avec des jeux plus rapides et plus fluides. En arcade, la différence est plus considérable encore !

Les jeux de sport des années 80 commencent aussi à incorporer de nombreuses règles plus complexes, même si ce sont les sports individuels, le tennis en tête, qui prennent techniquement de l’avance sur les sports collectifs. Constatant aussi que des règles simples peuvent rapidement être transposées en jeux de sport, les simulations d’athlétisme voient le jour, et se paient le luxe de proposer plusieurs jeux en un : 100 mètres, 110 mètres haie, natation, saut en longueur, lancer de javelot… peuvent ainsi être proposés sans que les règles de ces sports ne soient transgressées.


Le gameplay de Track & Field (NES - 1985) revient à briser la manette… si on ne se brise pas les mains avant !

En matière de sport collectif en revanche, l’évolution des jeux durant les années 80 tenait plus à l’ajout de règles "comme dans la réalité". Ainsi, la jaquette de Soccer (NES - 1985) affichait fièrement un discours du type : « On peut tirer des coups-francs, des penalties, faire des touches, et même être sifflé pour hors-jeu !! ». Pour les fautes et les cartons, c’est déjà une autre histoire, alors je ne vous parle pas de formations tactiques.
Le même phénomène a été constaté dans les jeux de courses automobiles, qui ont incorporé des nombres de tours, une ligne d’arrivée, un classement, des réglages, des qualifications et des passages au stand. Cette exigence de règles et de sérieux est cependant essentielle pour des sports comme la F1 ou le rallye, puisque le genre des courses automobiles a pris des orientations très diverses et pas forcément sportives.


Power Spikes sur Neo Geo (1991) affiche une vue originale 2D pour du volley, afin de privilégier les combinaisons et le dynamisme

Il en est de même pour les sports de combat, pas si confidentiels dans les années 80, mais qui vont grandement souffrir par la suite de l’essor des jeux de baston avec Street Fighter II. La boxe est parvenue tout de même à se démarquer avec des jeux plus sérieux.

Les sports collectifs – encore eux – posent aussi une difficulté technique plus grande encore en gérant une équipe entière ! Il vous revient donc de mener seul les attaques et construire votre défense, mais pendant que vous dirigez un joueur, que font les autres ? Contrôlés par l’ordinateur, ils se replacent comme ils peuvent, et tout le défi est qu’ils soient là où vous en avez besoin, en respectant qui plus est les règles du jeu.


Pour un jeu sorti en 1990, Final Match Tennis (PC Engine) impressionne toujours par la précision et la justesse de son gameplay

Toute cette progression aboutit à ce qu’au début des années 90, les simulations de sports (de manière générale) peuvent gérer l’ensemble des règles. S’il faut reconnaître que les jeux de golf et de tennis proposent déjà des simulations abouties, à l’image de l’exigeant Final Match Tennis sur PC-Engine, les jeux de sports collectifs offrent en revanche bien moins de possibilités techniques (gestes des sportifs) et/ou tactiques (formations…). Mais cette promesse de jeux axés simulation se précise, et dans cette course au réalisme, au-delà des aspects techniques, se pose un autre détail plus que non négligeable : la bataille des licences !


Et c'est sur cette accroche que je vous invite à lire mon article complet sur gameforever.fr ! Il reste encore beaucoup à lire, et sur des thèmes différents : les licences donc, mais aussi la course au réalisme, les jeux de gestion, les jeux "arcade" et enfin les apports de la reconnaissance de mouvements.

=> A lire sur gameforever : https://www.gameforever.fr/sport.php

Sorti en 2014, mais terminé seulement en 2019, le projet Shovel Knight est devenu plus qu'un simple (excellent) jeu indé, mais bien une compilation comprenant des campagnes additionnelles pouvant être considérées comme des jeux à part entière ; sans compter un mode Battle devenu lui aussi bien plus !

En se consacrant pleinement au développement et au soutien de son jeu, Yacht Club Games a fait de Shovel Knight l'une des grandes vedettes de la scène indé !

Il me parait donc normal de consacrer à Shovel Knight un article complet !

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait revenant sur l'avant Shovel Knight (avec WayForward) et la campagne de financement sur Kickstarter.

Le dossier complet est à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/shovelknight.php

Une dernière chose à dire ? Oui : Bonne lecture !


L’essor des plateformes de téléchargement en ligne sur consoles et PC à compter du milieu des années 2000 a vu l’émergence de la scène indé : des petits studios, parfois composés d’une seule personne, ont ainsi accès à une distribution à grande échelle, pour des coûts d’entrée modestes. Avec les premiers succès (Cave Story, World of Goo ou encore Braid), une communauté des studios indé s’est créée. Et comme chacun des grands éditeurs du jeu vidéo disposent de mascottes (Mario, Sonic, Mega Man, Crash Bandicoot, Lara Croft, etc.), la scène indé s’est également trouvée ses fiers représentants.

Parmi tous ces personnages, c’est un chevalier armé d’une pelle qui s’est imposé comme l’une des plus grandes vedettes : Shovel Knight !


> La création de Yacht Club Games

Avant le démarrage du projet Shovel Knight, il y a d’abord WayForward, un studio californien créé en 1990 agissant comme sous-traitant pour de nombreux éditeurs et adaptant de nombreuses licences, notamment pour les consoles portables de Nintendo. Le studio gagne une meilleure reconnaissance avec une production originale, Shantae sur Game Boy Color, et fait du pixel art 2D, des animations détaillées et des graphismes colorés ses marques de fabrique.

Lorsqu’il rejoint WayForward en 2006, Sean Velasco est à bonne école. Le designer et artiste collabore ainsi comme assistant directeur pour Contra 4 sur DS (2007). Mais son premier projet d’envergure pour le studio est le reboot d’A Boy and His Blob sur Wii (2009). Grand amoureux du jeu NES de 1989, Velasco pense que cette licence a toujours du potentiel pour séduire un nouveau public, et peut parfaitement correspondre à la direction artistique du studio.
Outre ce jeu, il collabore à différents postes sur de nombreux projets de WayForward. Les plus notables sont BloodRayne – Betrayal, Mighty Milky Way ou encore Double Dragon Neon, dont il est directeur de développement.


Mêlant des graphismes dessinés main à une licence rétro abandonnée depuis longtemps, A Boy and His Blob sur Wii est représentatif du style WayForward

Sous ses airs de petit studio, WayForward est pourtant au début des années 2010 une entreprise de plutôt grande envergure qui compte plus d’une centaine de salariés, et poursuit principalement le développement de jeux sous licences (Aliens Infestation, DuckTales Remastered…), ses productions propres – certes de qualité – étant peu nombreuses (les séries Shantae et Mighty Switch Force).
Seulement, développer des jeux sous licence n’intéresse plus Sean Velasco, qui veut conduire un nouveau projet en ayant la possibilité d’en maîtriser la direction artistique et même la marque. Estimant qu’il ne pourra s’épanouir au sein de WayForward, Velasco part fonder Yacht Club Games en 2011, emmenant avec lui quelques membres du studio.


> Un chevalier à l’assaut de Kickstarter

Dès la création du studio, l’objectif de la petite équipe de 5 personnes est d’obtenir un financement participatif via la plateforme Kickstarter, afin de garantir son indépendance mais aussi échanger avec sa communauté de backers. Si toutes sortes de projets (livres, films, séries, jeux vidéo, et même une console, la Ouya) ont déjà pu être financés de la sorte, celui de Yacht Club Games pourra alors lui aussi voir le jour, à condition de retenir l’attention.

La base de Shovel Knight réside dans une réalisation typée « rétro 8-bits » rappelant les productions NES dans ses graphismes comme dans ses musiques. Initiée avec Cave Story (2004) ou encore Mega Man 9 (2008 ), la vague du « neo-retrogaming », réhabilitant les réalisations tout en pixels des années 80, s’installe en effet sur la durée et devient un territoire apprécié des studios indé : Super Meat Boy, Fez, la série Bit.Trip ou encore VVVVVV rencontrent de vrais succès critiques et commerciaux. En 2013, un tel pari n’était toutefois pas nouveau et devait se démarquer pour ne pas être qu’une production nostalgique de plus.

L’idée majeure du gameplay consiste en un jeu d’action-plateformes, dans lequel le héros chevalier armé de son épée pourrait attaquer les ennemis en réalisant notamment une attaque basse directement inspirée du classique de la NES, Zelda II. L’idée suit son chemin, et si le héros peut attaquer ainsi ses ennemis, il pourrait également creuser ; il lui faut donc non pas une épée, mais une pelle ! Shovel Knight est né !
Outre Zelda II et aussi DuckTales, Velasco et son équipe brassent des influences NES qui ont souvent bercé leur enfance : le gameplay et le level design rappellent beaucoup Mega Man, alors que l’ambiance gothique de certains niveaux et l’utilisation d’armes secondaires tiennent plutôt de Castlevania, particulièrement la référence Dracula’s Curse.


Une capture écran du jeu encore en développement, pour faire une démonstration du gameplay de Shovel Knight et de son attaque basse

Le projet désormais bien défini, Yacht Club annonce son jeu mi-mars 2013 avec un premier trailer, puis ouvre en même temps sa campagne Kickstarter en présentant l’univers, l’histoire et les premières réalisations en pixel art. L’objectif de financement est de 75 000 $, pour une sortie prévue fin 2013 sur PC, Wii U et 3DS.
L’équipe est en effet convaincue que Shovel Knight, par sa réalisation typée NES et ses inspirations, a vocation à sortir sur les consoles Nintendo du moment, d’autant qu’après ses années passées chez WayForward, Sean Velasco dispose déjà de bons contacts auprès de Nintendo of America.


Un échantillon des nombreuses animations de Shovel Knight, présenté dès l’annonce du projet sur Kickstarter pour rendre compte des ambitions du studio en matière de réalisation

Le pari va être rapidement payant : dès fin mars, le projet est financé, et Shovel Knight devient une réalité. Yacht Club promet alors de nombreux bonus pour glaner encore davantage de financement : 1, puis 2, puis 3 boss jouables ; une édition physique avec boîte et belle notice ; un mode Challenge ; ou encore un mode Bataille jouable à 4 joueurs, permettant même d’y jouer tous les boss.

Fin avril 2013, tous ces objectifs seront dépassés, et Shovel Knight recevra un financement total de 311 502 $… mais la fin de la campagne Kickstarter ne sera en fait qu’un début !


Ce sera tout pour cet extrait. J'espère vous avoir donné envie de lire la suite sur gameforever.fr.
Je reviens notamment sur chacun des jeux composant le projet Shovel Knight.

=> Lire l'article complet : https://www.gameforever.fr/shovelknight.php

Mon dossier consacré aux adaptations vidéoludiques de BD franco-belges (avec une petite pointe de suisses) a été retravaillé et mis à jour.

=> https://www.gameforever.fr/bd.php

Il avait été initialement mis en ligne en 2010 et n'avait plus été retouché depuis, en raison notamment d'une absence d'actualités durant les années 2010. Sous l'impulsion de l'éditeur Microids, ça bouge depuis 2019, pour le meilleur (on l'espère avec Astérix & Obélix - Baffez-les Tous !) et aussi pour le pire (le remaster désastreux de XIII).

Suite au décès de Benoît Sokal en mai 2021, j'ai également développé davantage mon paragraphe consacré à ses productions.

Pour Gamekyo, je vous propose tout simplement un long extrait consacré aux premières adaptations jusqu'aux productions 16-bits des années 90.
Mais il restera encore plus de la moitié de l'article à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bd.php

Bonne lecture !


A l'heure des adaptations innombrables de bandes dessinées en jeux vidéo, difficile d'y voir clair en réalité, car bien souvent, une grande partie de cette production résulte d'un dessin animé ou du film tiré de la bande dessinée. L'ensemble de cette production, adaptations indirectes confondues, n'en demeure pas moins considérable ; aussi, voyez-vous, je sens monter en moi un fort sentiment de fierté bien française, et j'ai envie de vous parler de BD françaises ! Bon allez, trêve de franchouillardises déplacées, car après tout, il n'est pas seulement question que de Français ici : nos amis Suisses et Belges ont aussi toutes leurs places ! Mais si je vous parle de bande-dessinée franco-belge bien de chez nous, ce n'est pas seulement parce que je suis fan de Tintin, c'est aussi parce que le sujet est loin d'être ignoré par le jeu vidéo.


> Les premiers jeux

Les bandes dessinées à succès ont très vite fait l'objet d'adaptations, à commencer par Astérix, mais aussi les Schtroumpfs, popularisés bien au-delà de l'Europe par une adaptation en dessins animés signés des studios Hanna Barbera (Les Pierrafeu, Scoubidou...). C'est d'ailleurs grâce au succès de la série animée, débutée en 1981, que les Schtroumpfs parviendront à percer dans le marché nord-américain, et intéresser ainsi le secteur du jeu vidéo. En 1982, les petits lutins bleus de Peyo seront ainsi les premiers héros de BD franco-belges à être transposés dans l'univers vidéoludique.


Les Schtroumpfs (ici dans la version Colecovision de 1983)

Durant cette période, la licence connaîtra un grand nombre d'adaptations. La première d'entre elle, et la plus notable, est Smurf - Rescue in Gargamel's Castle (Schtroumpf - Au Château de Gargamel), sorti initialement sur Atari 2600 puis sur Colecovision. Le but, très simple, est de contrôler un schtroumpf, parti de son village secourir la schtroumpfette, retenue prisonnière par le méchant Gargamel. Suivront également des jeux éducatifs, comme The Smurfs Save the Day (basé sur la musique), ou Smurf Paint'n Play Workshop.

Je vous parlais aussi d'Astérix, car lui aussi fera l'objet d'une adaptation sur Atari 2600 en 1983. Ce jeu ne sortira qu'en Europe, comme la plupart des jeux adaptés de BD franco-belge, mais sera néanmoins adapté pour le marché nord-américain, en proposant le bien connu Taz, des Looney Tunes. Le jeu connaîtra d'ailleurs une suite sur le même support, Obélix... où l'on contrôle toujours Astérix !


Astérix sur Atari 2600. Oui bon, je sais, on ne sait pas trop ce qu'on voit

Outre ce jeu, de nombreuses autres productions estampillées Astérix sortiront sur des ordinateurs de jeux européens, comme l'Amstrad, le Commodore 64 ou le ZX Spectrum. Mais le public potentiel limité à l'Europe, excluant les marchés nord-américain (à l'exception des Schtroumpfs, bien sûr) et japonais, est évidemment un frein à une expansion considérable de la production vidéoludique adaptée de la bande dessinée européenne.


> Affirmer une identité européenne du jeu vidéo

A quoi reconnaît-on facilement un jeu vidéo américain ou japonais ? Bien souvent, ils sont des adaptations de licences locales : les comics sont adaptés par des développeurs américains, et les mangas par des japonais. Évidemment, à chaque règle son exception, et concernant la BD franco-belge, l'adaptation arcade d'Astérix en 1992 est signée du japonais Konami, dans un beat'em all étonnamment fidèle à l'esprit de la BD. A ce jour, elle reste à mon sens la meilleure adaptation d'Astérix... et on la doit à des Japonais !
Hormis ce jeu ainsi que plus tard, quelques productions Sega sur Master System et Megadrive, ce sont principalement des Européens qui auront l'idée de développer des adaptations de BD en jeux vidéo. A la fin des années 80, les éditeurs européens sont encore discrets dans le monde vidéoludique, et plus spécialement le secteur des consoles. Ubisoft n'est encore qu'un distributeur, et Infogrames un nain à l'échelle du monde du jeu vidéo.


Astérix en arcade, développé par Konami, atteint les qualités ludiques d'un Turtles in Time, en conservant une fidélité absolue à la BD

Avant de lancer leurs séries vedettes Alone in the Dark et V-Rally, les premiers jeux vidéo d'Infogrames sont à chercher du côté de la BD : ainsi la marque au tatou sort sur différents ordinateurs (Atari ST, Commodore 64...) les adaptations de Blueberry en 1988 et des Tuniques Bleues (North & South, en 1989). Les différents ordinateurs de jeux que sont les Amstrad CPC, Commodore 64 ou Atari ST étant durant les années 80 l'apanage des éditeurs européens, il est ainsi normal d'y voir fleurir de nombreuses adaptations de BD (Tintin, Gaston Lagaffe avec le jeu M'Enfin...).


North & South (Les Tuniques Bleues) dans sa version NES, un jeu mêlant stratégie et action

Le succès grandissant des consoles de jeux en Europe (NES et Master System) allait toutefois redistribuer les cartes et forcer les éditeurs à sortir des adaptations vidéoludiques de BD à un rythme plus soutenu. Une adaptation du jeu North & South sortira ainsi sur NES en 1990, mais Sega sera le premier à avoir présenté une adaptation de bande dessinée plus mémorable, avec (toujours) Astérix sur Master System en 1991. Le jeu sera un temps un argument de vente de la Master System en France, signe d'une réelle demande du marché local pour ce type d’adaptations. Pour le vaillant gaulois, ce sera le début d'une longue série, qui fera de la BD Astérix la licence la plus adaptée en jeu vidéo... et de loin !


Sega avait bien compris le potentiel du marché européen, en misant beaucoup sur Astérix pour sa Master System

En effet, en 1993 Infogrames obtient la licence Astérix pour les jeux sur consoles Nintendo, tandis que Sega la conserve pour ses consoles. Dès lors, chaque camp reçoit des jeux Astérix différents. D'un côté, Infogrames développe ses versions d’Astérix sur NES, SNES et Game Boy ; de l'autre, Sega sort Astérix and The Secret Mission sur Master System, puis Astérix and The Great Rescue sur Megadrive, Master System et Game Gear (cette fois développé par le studio britannique Core Design)... et tout ça en 1993 ! La production continue d'ailleurs de plus belle en 1995, avec Astérix & Obélix sur SNES et Game Boy, et Astérix and The Power of Gods sur Megadrive. Ouf !

Les autres grandes bandes dessinées ne seront pas non plus ignorées, même si on retrouve souvent Infogrames. Pas étonnant non plus, l'univers de la BD reste le meilleur moyen de se faire connaître, et outre Astérix, Infogrames s'attaqua notamment aux Schtroumpfs, avec deux jeux : le jeu éponyme sorti en 1994 (notamment sur SNES et Megadrive), puis Les Schtroumpfs autour du Monde, sorti en 1996.


Les Schtroumpfs autour du Monde, version SNES. Graphiquement très joli, mais rien de bien original sur le fond... et même plutôt dur pour le public ciblé

Je sais, depuis le début de cet article, je ne vous parle quasiment que de Schtroumpfs et d'Astérix.

L'une des adaptations de BD les plus remarquées de cette époque a été en fait Tintin au Tibet (sorti en 1994 sur SNES puis sur Megadrive et Game Boy), adapté directement de l'album du même nom, et non du dessin animé diffusé durant la même période – par ailleurs multi-rediffusé encore aujourd’hui. Infogrames avait déjà développé un jeu Tintin sans grand succès, Tintin sur la Lune, un jeu d'action très simple sorti en 1989 sur Amstrad, Amiga ou encore Atari ST. En s'attaquant de nouveau au mythe Tintin, Infogrames devra se montrer cette fois bien plus ambitieux qu'il ne l'a été pour ses versions d'Astérix et des Schtroumpfs, destinés avant tout à un jeune public.

Salué par la presse vidéoludique de l'époque, et tout spécialement pour les qualités techniques du jeu (Tintin pouvant évoluer sur plusieurs plans), Infogrames avait sans doute franchi un pallier : le développeur est bel et bien capable de réaliser des jeux de plus grande envergure. Le résultat ne laissa assurément pas de marbre, avec un jeu de plateformes aux graphismes remarquables, et à l'esprit dans l'ensemble fidèle à la BD. Le succès d'estime de Tintin au Tibet amena la sortie d'une « suite » sortie en 1997 sur SNES puis Game Boy, Le Temple du Soleil, adaptation du double album Les Sept Boules de Cristal et Le Temple du Soleil.

Techniquement, Tintin au Tibet est alors la production vidéoludique adaptée de BD la plus impressionnante du moment, même si l'intérêt du jeu est parfois franchement étrange (éviter des femmes de ménage passant l'aspirateur dans un hôtel suisse n'a jamais été aussi dangereux !).


Infogrames a su adapter graphiquement la bande dessinée Tintin au Tibet - ainsi que le prologue issu du Lotus Bleu - mais le jeu est difficilement jouable

La même remarque peut d'ailleurs être formulée pour l'adaptation de Spirou en 1995, sorti sur SNES, Megadrive et Game Boy. Toujours développée par Infogrames afin d'accompagner une série animée, on y retrouve les mêmes défauts que pour Tintin, à savoir des pièges ridicules et extrêmement frustrants. La sauce ne prendra en revanche pas du tout cette fois. La pourtant célèbre série créée par Rob-Vel et popularisée entre autres par Franquin (plus de 50 albums tous auteurs confondus) n'aura pas connu de nombreuses adaptations vidéoludiques. En effet, Spirou ne sera pas repris par la suite par Infogrames, et ne sera suivi que d'un seul jeu, La Panique Mécanique, sorti en 2000 sur Game Boy et édité par Ubisoft.


Exemple de level design mal pensé : Spirou grimpe sur les toits, risque sa vie en s'accrochant à un câble électrique... parce qu'il ne pouvait pas contourner un taxi garé au bas de la rue !

Pour finir, Sega a également sorti en 1995 un Marsupilami sur Megadrive, dont on se demande si l'univers de la BD a bien été compris. Il manquait aussi un autre célèbre héros : Lucky Luke. L'homme qui tire plus vite que son ombre aura lui-aussi son jeu, sorti très tardivement (en 1998 ) sur SNES.

Les licences de bandes dessinées n'auront globalement pas produit des jeux d'une extraordinaire variété : de la plateformes, un peu d'action... Du très classique, et peu de prises de risques.


Ce sera tout pour cet extrait. Je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/bd.php
Je reviens notamment sur XIII, Astérix & Obélix XXL, Paradise de Benoît Sokal, ainsi que la reprise des adaptations par Microids.

La série de Konami fête ce 26/09/2021 ses 35 ans - comme beaucoup de grandes séries nées sur NES d'ailleurs ! A défaut de nouvel épisode - je vais éviter le jeu sur smartphone Grimoire of Souls - Konami continue de sortir des compilations rétro, notamment l'Advance Collection.

Je profite donc de cet événement pour partager mon article consacré à la série. Pour Gamekyo, je vous livre un extrait revenant sur les premiers épisodes.

L'article complet est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/castlevania.php


Castlevania dispose d’une aura bien particulière dans le monde du jeu vidéo. La saga de Konami fait en effet partie des grandes séries du jeu vidéo, de celles qui proposent un ou plusieurs jeux à avoir marqué pour longtemps la vie d'un joueur. Bien connue des passionnés, elle l’est cependant moins du grand public, se forgeant ainsi une image élitiste.

Des premiers volets d'action-plateforme à la difficulté exigeante, Castlevania a emprunté différentes voies pour se renouveler, certaines d'entre elles ayant mené à des impasses, tandis que d'autres ont été des réussites telles qu'elles ont défini de nouveaux standards.


> Les premiers Castlevania

Créée par Hitoshi Akamatsu, un passionné de cinéma, la série voit le jour en 1986 sur MSX (Vampire Killer) et Famicom Disk System, l’extension de la Famicom (NES japonaise). Les joueurs allaient se mesurer à l’un des jeux d’action les plus difficiles qui soient, Akumajo Dracula (Le Château du maléfique Dracula), mais aussi l'un des plus captivants de l’époque.

Castlevania repose sur un mélange d'action et de plateformes. Equipé du Tueur de Vampires, un fouet légendaire appartenant depuis des générations à sa famille, Simon Belmont doit ainsi traverser les 6 niveaux d'un château en déjouant tous les pièges et en affrontant des monstres légendaires, comme la Méduse, la momie, le monstre de Frankenstein, la Mort, et pour finir, le méchant le plus cauchemardesque qui soit, Dracula, véritable incarnation du Mal !


Simon s'apprête à entrer dans le Château de Dracula, décidé à en finir avec le maître des lieux ainsi que ses sbires

Outre une action intense, la réussite de Castlevania tient beaucoup à l'ambiance des décors et les musiques immédiatement marquantes, dont le thème principal (Vampire Killer) très présent dans l'ensemble de la série. L'inspiration du jeu vient quant à elle du vieux cinéma d'épouvante des années 50 (avec Christopher Bee dans le rôle de Dracula), ce qui explique la présence de monstres d'origines et d'époques si différentes dans un jeu censé se dérouler à la fin du XVIIème siècle. Le nom original du héros (Belmondo) est lui emprunté à un célèbre acteur français, Jean-Paul de son prénom.

Cette référence aux vieux films d’horreur est plus saisissante encore dans Haunted Castle, un Castlevania méconnu sorti en 1988 en arcade, avec des décors "façon carton pâte" saisissants et des effets sanguinolents évidemment impossibles à présenter sur une console Nintendo. Et je passerai sous silence la qualité du jeu !

Mais avant Haunted Castle, Akamatsu a opéré à des changements assez importants et surprenants pour Castlevania II - Simon's Quest sorti en 1987. Si l'histoire s'inspire cette fois du mythe de la malédiction du héros, cette suite s'oriente vers le jeu d'aventure, à la manière de Zelda II, Faxanadu ou encore Metroid. Pour briser la malédiction que Dracula lui a lancée avant d'être terrassé, Simon devra ainsi parcourir la Transylvanie à la recherche des 5 reliques du vampire. Outre un déroulement non linéaire, des villages à traverser et des objets importants à acquérir pour progresser, le joueur devra également composer avec les jours qui passent : la nuit, les villageois se cachent et les monstres sont plus puissants.


Le périple en Transylvanie est accompagné d'une autre musique mémorable de la série, Bloody Tears

Simon's Quest suscite immédiatement des retours contrastés de la part des joueurs, et Konami souhaite un retour à la formule classique du premier épisode. C'est dans cet esprit qu'est d'abord développé en 1989 Castlevania - The Adventure, un des premiers jeux ambitieux de la Game Boy proposant d'incarner Christopher (un ancêtre de Simon), mais qui ne va pas respecter certains des codes établis de la série, ce qui en fait un épisode peu apprécié.

L'équipe de Hitoshi Akamatsu développe quant à elle sur NES une autre préquelle sortie fin 1989, Castlevania III - Dracula's Curse, qui fait vivre la quête de Trevor, le premier membre de la famille Belmont à avoir terrassé Dracula, 200 ans avant les aventures de Simon. Effectivement revenu au classicisme du premier Castlevania dans son déroulement linéaire comme dans son gameplay, Dracula's Curse conserve toutefois l'esprit "exploration" de Simon's Quest : le joueur, amené à choisir différentes routes dans son aventure, traverse ainsi un village à l’abandon, une forêt, des marécages, une caverne lugubre, explore un bateau fantôme avant d’arriver dans le château de Dracula. Pour découvrir tous les niveaux, il sera nécessaire de terminer le jeu plusieurs fois pour emprunter tous les embranchements. L'autre nouveauté de cet épisode est de permettre à Trevor d'obtenir l'aide d'un compagnon de route parmi 3 (Grant l'acrobate, Sypha la magicienne, ainsi que le vampire Alucard - dont il s'agit de la première apparition).


Trevor se lance seul pour combattre Dracula, mais quelle route choisira-t-il, et acceptera-t-il en chemin l'aide d'un autre personnage ?


Ce sera tout pour cet extrait ! La suite de l'article revient sur tous les volets de la série : l'âge d'or des "classicvania" avec Super Castlevania IV et Rondo of Blood ; l'incontournable Symphony of the Night ; le difficile passage en 3D ; les épisodes GBA et DS ; ou encore Lords of Shadow, sans oublier la série Bloodstained.

C'est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/castlevania.php

Metroid est sorti il y a tout juste 35 ans sur Famicom Disk System ! Si Nintendo n'a rien prévu de spécifique pour célébrer cet anniversaire, la licence n'est cependant pas au repos, avec la sortie prévue en novembre de Metroid Dread, sans compter un projet Metroid Prime 4 toujours en cours et une compilation Metroid Prime Trilogy qui serait gardée en réserve.

Je me devais de marquer le coup avec une actualisation de mon dossier sur gameforever.fr, qui revient sur tous les épisodes de la série, y compris ceux à venir.

Pour Gamekyo, l'extrait que je vous propose se limite au tout premier Metroid - le sujet du jour - et je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/metroid.php

Bonne lecture !


Arpentant les cavernes sombres remplies des monstres les plus abominables de la galaxie, parcourant les ruines d'un peuple mystérieusement disparu, vous voilà lâché avec très peu d'indices dans une mission assurément dangereuse : traquer les Pirates de l'Espace, trouver les origines d'un mystérieux poison mutagène, explorer une station spatiale abandonnée, répondre à un appel de détresse ou encore exterminer une espèce de créatures particulièrement dangereuse... Telles sont les aventures qui vous attendent en incarnant la belle mais secrète Samus Aran !
Car Metroid n'est pas seulement le nom de la créature éponyme, c'est surtout l'histoire d'une héroïne dont les joueurs ont initialement pensé qu'elle était un homme, voire un robot, avant de progressivement faire plus ample connaissance avec elle.


> Metroid

Le premier épisode de cette saga sort en 1986 sur Famicom Disk System (l'extension de la Famicom uniquement sortie au Japon), puis converti sur les NES occidentales en 1987. Gunpei Yokoi et son équipe, notamment composée de Yoshio Sakamoto (game designer, scénariste et producteur de nombreux jeux de la série), avaient l’idée d’un jeu où le joueur serait laissé à l’abandon dans un labyrinthe. Cette idée avait ainsi pour objectif de proposer un jeu d’action qui puisse se démarquer, et surtout, avoir une identité propre.

Après des premières réunions, cette petite équipe propose un jeu s’inspirant du film Alien, de Ridley Scott. L’idée d’un héros seul, arpentant des couloirs sombres afin de terrasser des aliens, séduit Nintendo. Metroid est lancé ! L’histoire narre l’aventure d’un chasseur de primes, Samus Aran, équipé d’une combinaison de combat sophistiquée tirant des missiles. Suite à un raid des Pirates de l’Espace sur un vaisseau de la Fédération Galactique, ceux-ci s’emparent d’une forme de vie extraterrestre potentiellement dangereuse, les Métroïdes, découverte sur la planète SR-388. Samus Aran est dépêché par la Fédération Galactique sur la planète Zebes, afin de détruire les Métroïdes et le chef des Pirates, Mother Brain.

Là où Metroid va innover, et imposer sa patte, c’est sur le déroulement du jeu. Le joueur est laissé à son seul instinct, à sa seule envie de découvrir le jeu, et non de suivre un couloir sans se poser de questions. Si des passages lui sont inaccessibles, c’est qu’il y a quelque part une capacité, cachée dans un coin du labyrinthe, qui lui permettra de franchir cet obstacle. Sans notice, difficile en revanche de savoir quelles sont ces capacités et comment elles s'activent, mais citons tout de même la célèbre Boule Morphing, qui s’acquiert dès les premières secondes de jeu, et qui permet de transformer Samus en boule (idéal pour se faufiler dans les moindres recoins) ; mais également les missiles, les bombes, le super-saut ou le rayon de glace.
Assez rapidement dans la progression, on comprend - sans aucune explication - que le but ultime est d'accéder à une zone interdite, là où se terrent les métroïdes ainsi que le boss final du jeu, Mother Brain, l'intelligence qui contrôle les Pirates de l'Espace.


L'entrée du repaire de Mother Brain se trouve à proximité du point de départ, mais il faudra d'abord trouver et vaincre 2 boss, Kraid et Ridley, pour débloquer l'accès

Le jeu s’avère relativement court au bout du compte, mais sa difficulté et la sobriété de sa réalisation (des décors noirs et répétitifs) en auront découragé plus d’un. La récompense est cependant digne de l’effort effectué. A condition d’avoir une bonne fin (donc de finir le jeu suffisamment rapidement et de mourir le moins de fois possible), le joueur va découvrir que ce Samus Aran qu'il contrôlait n'est pas un homme baraqué... mais une charmante demoiselle aux cheveux bruns (oui, bruns, et pas blonds) ! Une audace à plus d'un titre : les héroïnes de jeux vidéo étaient très rares en 1986 - Samus étant considérée comme une des pionnières, mais la féminité du personnage (et les stéréotypes qui vont avec) n'est absolument pas mise en avant.
Pourquoi ce choix d'une héroïne ? Non pour imiter Alien, mais apparemment une "décision d'avant-dernière minute", alors que le héros n'affichait initialement pas d'autre apparence que celle d'un androïde. Et le mystère sera bien gardé, Samus ayant longtemps été considérée comme un personnage masculin... jusqu'à la révélation forcément stupéfiante !


De nombreux codes (dont le fameux JUSTIN BAILEY) permettent de démarrer l'aventure avec Samus sans sa combinaison ; la preuve également irréfutable que Samus a toujours été une femme !

Metroid va connaître un joli petit succès, et deviendra un des jeux emblématiques de la NES. Signes de son succès, ce premier volet, en plus de poser les bases de la série, sera porté sans modifications sur de très nombreux supports (Game Boy Advance, Wii, Wii U, Switch, sans oublier la mini NES), en bonne place parmi les classiques de la 8-bits de Nintendo ou en jeu bonus avec d'autres volets de la série (Metroid Prime - sa suite scénaristique directe, ainsi que Metroid Zero Mission - son remake).


35 ans, et forcément il reste beaucoup à lire dans ce dossier qui revient sur les moments forts de la série (Super Metroid, Metroid Prime...) mais aussi les heures sombres (Federation Force...).

A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/metroid.php

En fin d'article, vous pourrez également télécharger AM2R (version 1.5 en français), le remake amateur de Metroid II !

Le tout premier Streets of Rage (Bare Knuckles au Japon) est sorti il y a tout juste 30 ans sur la Megadrive japonaise !
Après un long sommeil, la série se porte toutefois bien grâce à un Streets of Rage 4 enrichi de son tout récent DLC Mr. X Nightmare. De quoi se replonger dans l'univers de la série, avec le dossier de Kim (un membre de gameforever.fr), consacré essentiellement à une analyse de la trilogie Megadrive.

Pour Gamekyo, je vous partage la première partie sur le premier Streets of Rage.
Si vous souhaitez lire l'article complet, je vous invite à aller sur gameforever : https://www.gameforever.fr/streetsofrage.php

Bonne lecture !


"La ville est en ébullition ! Cette ville qui fut autrefois heureuse, paisible, productive et pleine de vie et d'activité est tombée aux mains d'un syndicat secret du crime. Le chef du syndicat a réussi à garder son identité secrète jusqu'à maintenant. L'organisation a pris très rapidement le contrôle du gouvernement de la ville (tout le monde peut être acheté, il suffit d'y mettre le prix). Ils ont même la police métropolitaine dans leur poche. Pillage, violence et destruction sont partout. Il est dangereux de se promener dans les rues, de jour comme de nuit... Tandis que le chaos continue, trois jeunes officiers de police essaient d'établir une unité de combat spéciale. Leurs chefs refusent de les aider, la plupart parce qu'ils ont été achetés par l'organisation et les autres par peur de s'opposer. Un jour, alors qu'ils ne pouvaient plus supporter de se tourner les pouces et de voir leur ville détruite, ils quittèrent la police. Adam Hunter, Axel Stone et Blaze Fielding décidèrent de laisser tomber leur carrière dans la police et de mettre leurs vies en jeu. Ils n'ont pas d'armes, mais chacun possède des techniques de combat à mains nues. Accompagnez-les au coeur de la ville et affrontez les plus dangereux bandits et criminels jamais réunis. Faites de cette ville un endroit où les gens ne craignent pas de sortir dans les rues !"

C'est ainsi que fut décrit le point de départ de Streets of Rage dans le carnet du premier épisode. La ville jouant un rôle important dans cet opus, elle sera l'arène de toute une série d'affrontements, violents et sans relâche...


> Streets of Rage : la noirceur de la ville

Ce qui frappe en premier lieu dans Streets of Rage, c'est que tout se passe la nuit. L'intégralité des huit niveaux n'est éclairée que par des lampadaires et autres néons scintillants. Et pour renforcer cette noirceur, la palette utilisée par la Megadrive est diaboliquement sombre ! Des couleurs tantôt ternes, tantôt à dominante bleu ou vert foncé, ne font qu'appuyer les abîmes des rues malfamées que vous devrez traverser. Dans le premier niveau par exemple, seules des cabines téléphoniques ou autres pommes redonnent un brin de vie avec un semblant de couleurs vives. Tout y est noir à tendance bleu, une longue rue à traverser bordée d'enseignes lumineuses, grouillant de punks et de prostituées à fouets. Le stage est assez répétitif dans son décor, mais le charme y est. Sans pour autant voir le ciel, on sait déjà que la nuit s'abat sur ces ruelles inquiétantes. L'arrière-plan ne diffère qu'une seule fois durant le stage, laissant entrevoir une porte coulissante dans le fond renfermant encore plus d'ennemis.
Vous verrez en cours de route des cabines téléphoniques que vous pourrez détruire pour récupérer des points de vies (pommes ou corned-beefs), des couteaux (l'arme la plus puissante du jeu) ou bien encore des battes de base-ball (ou dans le même genre, des tubes de tuyauterie). A la fin, c'est un homme géant que vous affronterez. Géant, tout comme tous les autres boss de fin. Armé d'un boomerang, assenez-lui coups de poing et chutes de dos pour en venir à bout !


Le premier niveau, tout un symbole !

Les autres niveaux sont moins linéaires et plus variés. Le second offre un prolongement du premier. C'est une rue des bas fonds, désaffectée ; une rue où le vent file droit et soulève poussière, cannettes et journaux. Des posters décollés de starlettes ornent les murs aux vitres cassées. Les grillages du fond nous montrent au loin les quartiers précédemment fouillés. Mais attention, un terrible ennemi aux griffes acérées s'y cache, sans doute le plus dangereux d'entre tous !

Au terme de ce combat, le troisième stage se révèle comme étant le plus ambiancé et ce, grâce à l'apport magique et sonore du maître Yuzo Koshiro. C'est sous une pluie battante que vous évoluerez, sur le sable tout près des vagues déchainées et entre les nombreux palmiers. Tout comme le second niveau, le décor de fond nous dévoile l'endroit que nous venons de visiter. Cette plage, improvisée arène de combat, est ainsi entourée de buildings, et ce système prendra place à chaque nouveau background.
L'innovation vient sans aucun doute des Rounds n°4 et 7. Dans ce premier, des trous au sol vous obligeront à prendre des chemins sinueux, au risque de tomber dans le vide. Et dans le second, vous prenez place dans un ascenseur menant tout droit au repaire de Mr. Big. L'altitude prise vous donnera certaines opportunités, comme projeter vos adversaires par-dessus la rambarde, mais faites attention, c'est aussi valable pour vous ! Après de multiples coups donnés et reçus, dernier étage, vous êtes arrivé, il est temps de pénétrer dans le dernier chapitre sous ce beau panorama de la ville encore sous le choc.


La nuit est tombée sur la ville et le combat fait rage. Remarquez les teintes sombres, vertes et bleues

Sega avait déjà proposé de nombreux beat'em all, notamment Golden Axe, mais Streets of Rage contient son lot de nouveautés. L'intervention de la police est sûrement la plus belle d'entre elles : le bouton A peut être actionné à n'importe quel moment, mais l'utiliser dans des moments critiques convient le mieux (sauf dans l'ultime niveau du jeu, où il vous sera impossible de faire appel à lui, l'action prenant place dans l'enceinte de la propriété du syndicat). Votre ami policier débarque alors avec sa voiture et canarde tous les malfrats présents à l'écran à l'aide de son lance-roquettes (player 1) ou de sa sulfateuse (player 2).

Le style de combat regorge aussi de coups inédits. Du simple enchainement à quatre coups, aux coups arrière frappant l'ennemi alors que vous avez le dos tourné, les attaques à deux demeurent les plus marquantes. Alors qu'il est possible d'approcher et de maintenir vos ennemis, vous pouvez faire de même avec votre compagnon. Une fois en main, il n'y a qu'à le projeter dans les airs pour que celui-ci exécute un saut périlleux des plus dévastateurs !

Enfin, dans le chapitre de l'inattendu, on a le droit à une "Bad Ending" disponible en mode deux joueurs. Une fin qui fera de vous le nouveau maître de la ville ! Lorsque Mr. Big vous demande si vous voulez devenir son bras droit, l'un des deux personnages doit répondre "oui". Un combat entre eux est alors organisé, et si celui qui a répondu "oui" bat son adversaire et le syndicat du crime, la nouvelle fin est activée ! Votre personnage bascule alors du côté obscur et prendr place dans le fauteuil du chef du crime en nous lançant un sourire démoniaque ! Un détail surprenant et jamais repris jusqu'alors, qui rajoute à la noirceur de ce hit qu'est Streets of Rage.


Montage montrant les "Bad Endings" de vos personnages qui sont passés de l'autre côté...

Peut-on dire que le jeu est réaliste ? A mon sens, oui. A ceci près qu'il faut avoir des ressources inhumaines pour combattre aussi longtemps, SoR ne présente aucun super pouvoir mais des coups des plus basiques. Le genre policier, tel que l'aurait fait un film, est très présent que ce soit dans le scénario de base que dans le courant de l'action. Graphismes obscurs, impacts des bruitages, musiques métalliques et énigmatiques, personnages violents et décidés, tous les critères soutiennent le mystérieux. Une pointe de réel que va complètement délaisser le second opus au profit d'une fantaisie complètement assumée !


Ce sera tout pour ce long extrait. La suite de l'article de Kim traite des opus 2 et 3, et évoque également les principaux projets amateur (notamment Streets of Rage Remake, avec un lien en fin de dossier pour télécharger le jeu) ainsi que Streets of Rage 4.
A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/streetsofrage.php