L'annulation des Sables du Temps Remake a pris tout le monde de court, alors que la sortie du jeu paraissait imminente.

Ce n'est pourtant pas la première fois qu'un jeu Prince of Persia a été annulé.

Dans son article initialement publié sur gameforever, Romain évoque le projet oublié Redemption, et vient de l'actualiser suite à l'annulation du remake des Sables du Temps.

L'article complet consacré à la série Prince of Persia est à lire sur gameforever : https://www.gameforever.fr/princeofpersia.php


> Le mirage d'un retour

Suite à l'échec du projet cross-media "Les Sables Oubliés" accompagnant un film fraichement accueilli, la franchise sera finalement laissée 10 ans de côté alors qu’elle avait bénéficié depuis 2003 (et Les Sables du Temps) de 4 volets majeurs, et d'une bonne dizaine de productions au total. Qu’a-t-il bien pu se passer ? La raison est simple : certes, Prince of Persia dispose d’une réelle aura, mais parallèlement, la série Assassin’s Creed – propriété entière d’Ubisoft – connaît un succès commercial bien plus important avec son premier volet, et va prendre son envol avec Assassin’s Creed II et les aventures d’Ezio.

Des projets Prince of Persia ont bien été menés par Ubisoft sans qu’on en connaisse pendant longtemps l’existence : il en est ainsi d'un projet lancé par le studio de Montréal, abandonné dans la plus grande des discrétions en 2011. C’est pourtant en 2020 qu’un trailer, jamais révélé par Ubisoft, a refait surface ! Nommé Prince of Persia Redemption, le jeu semble avoir été prévu sur Xbox 360 et PS3, et présente un concept grandement inspiré d'Uncharted ainsi qu'une réalisation revenue à la tonalité plus sombre de L’Âme du Guerrier, à l’exact opposé du Prince of Persia 2008. Le projet est confirmé par un ancien développeur d’Ubisoft (Jonathan Cooper) pour avoir réellement existé, bien que le gameplay révélé par la vidéo ne soit en fait qu’un montage ; un montage néanmoins si impressionnant qu’il aurait servi de base de travail pour la conception… d’Assassin’s Creed III ! Jonathan Cooper révèle également qu’Ubisoft a souvent été prompt à annuler des jeux Prince of Persia du fait que Jordan Mechner en détient toujours les droits – donc une part des bénéfices.


Image tirée du trailer de Prince of Persia Redemption, où l'on voit le Prince disposer d'une nouvelle maîtrise des pouvoirs du temps

Il faudra attendre l’annonce cette fois bien réelle de la sortie initialement prévue pour début 2021 du remake des Sables du Temps pour voir la franchise renaître. Confié aux studios indiens d’Ubisoft basés à Pune et Bombay, Les Sables du Temps Remake devait être leur première grosse production, mais si l'annonce d'un tel remake fut longtemps espérée, le premier trailer de présentation a douché l’enthousiasme. Le bad buzz provoqué par une réalisation « petit budget » a décidé Ubisoft à reporter le jeu pour 2022, puis d'annoncer le "retour à la maison" du projet avec sa reprise en main par le studio de Montréal, pour une date de sortie cette fois indéterminée.




> Un avenir de nouveau incertain

The Lost Crown a tout de même eu le mérite de sortir la franchise Prince of Persia de l’attende du remake des Sables du Temps, alors qu’Ubisoft Montréal semble finalement avoir fait table rase de la totalité du travail déjà fourni, pour repartir de zéro.

The Rogue Prince of Persia est aussi venu apporter sa pierre à l’édifice, contribuant à actualiser la licence… dans l’attente d'un Sables du Temps Remake qui ne sortira finalement pas.

Supposément sur le point d'être complété, avec même une sortie annoncée pour janvier 2026, le jeu s'est fait étonnamment discret à quelques semaines du lancement et aucun trailer n'a été présenté, ce qui ne laissait pas augurer du meilleur. Dans un communiqué publié peu avant la date de sortie, Ubisoft précise que le remake n'a tout simplement pas atteint le niveau de qualité requis, 5 ans après le redémarrage du projet. Mal embarqué, le jeu fait aussi les frais des difficultés financières d'Ubisoft, et son annulation plonge du même coup la franchise Prince of Persia dans une nouvelle période d'incertitude, malgré l'assurance donnée par l'éditeur de ne pas l'abandonner.


L'article complet revient sur l'ensemble de la série Prince of Persia, du tout premier volet à The Rogue Prince. Si cet extrait vous a plu, n'hésitez pas à le lire !
=> https://www.gameforever.fr/princeofpersia.php

Avec la sortie prochaine (ce 17 février) des jeux Virtual Boy sur Switch et Switch 2 via l'offre Switch Online + Pack additionnel, c'était pour moi l'occasion de rédiger un article sur cette console souvent moquée, considéré comme la pire console de Nintendo.
Et c'est certain, le Virtual Boy est bien le plus gros échec commercial de Big N. Pourtant, alors que personne ne semblait le demander, voilà que le Virtual Boy est de retour, et que de nombreux curieux vont enfin pouvoir découvrir - la console n'étant jamais sortie en France.

L'article complet est à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/virtualboy.php

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait qui revient sur la conception de la console.

Bonne lecture !


L’histoire du jeu vidéo est jalonné d’échecs monumentaux, de projets mal nés, de paris insensés, dont les trajectoires ont invariablement mené leurs constructeurs vers une seule direction : droit dans le mur ! Le milieu des années 90 tout particulièrement, période très intense qui allait redistribuer les cartes parmi les acteurs du jeu vidéo (et l’émergence de Sony avec sa PlayStation), allait être également celle d’une succession de ratages plus ou moins retentissants : CD-i, 32X, Amiga CD32, Jaguar, 3DO, PC-FX, Pippin… et Virtual Boy !

Parmi tous les échecs de son époque, le Virtual Boy est aussi le seul qui n’ait entraîné aucune conséquence pour son constructeur. Entre curiosité distante, moqueries et indifférence, la console est progressivement tombée dans l’oubli… avant de ressurgir par surprise du néant.


Le logo Virtual Boy avec l'affichage caractéristique rouge sur fond noir


> La conception du projet

Nintendo n’est pas devenu par hasard un acteur majeur du jeu vidéo : c’est la recherche constante d’innovations depuis son arrivée dans le domaine des jeux et des jouets qui a placé la firme de Kyoto au sommet du jeu vidéo dans les années 80 ; mais des innovations aux coûts maîtrisés, aux technologies éprouvées, pour être proposées à des prix abordables.
Au sein de Nintendo, un homme incarne cette philosophie : Gunpei Yokoi. Concepteur des Game & Watch et l’un des pères de la Game Boy, le responsable de la division R&D1 commence à ne plus se sentir à sa place dans une entreprise engagée à partir des années 90 dans une course à la puissance. Il réfléchit à un dernier projet, persuadé que les consoles de plus en plus performantes ne s’adressent qu’à un public de plus en plus restreint de joueurs, et que le grand public attend des expériences à la fois plus accessibles et plus amusantes.

Début 1990, la réalité virtuelle émerge et se présente comme la technologie du futur. Sega s’y investit dès 1991 avec son Sega VR – un système qui sera finalement abandonné avant d’aboutir – mais Nintendo n’était pas en reste et y consacrait des investissements. Mais si la réalité virtuelle n’était effectivement plus un fantasme à cette époque, la technologie était toutefois loin d’être au point, et surtout, financièrement abordable pour un large public.


Une image d’un prototype, présentant un dispositif de casque léger

Fidèle à sa « pensée latérale des technologies désuètes » qui a forgé sa carrière au sein de Nintendo, Gunpei Yokoi se tourne en 1991 vers une technologie déjà éprouvée qui retient son attention : Private Eye, développé par la société américaine Reflection Technology. L’entreprise avait échoué à vendre cette technologie à Sega qui redoutait l’effet de mal de crâne qu’elle induit, mais Yokoi se montra quant à lui séduit, notamment par la profondeur de champ permise par l’affichage totalement noir de l’écran LED ; il imaginait déjà les possibilités en matière de 3D stéréoscopique. L’utilisation de diodes rouges pour l’affichage des sprites résulte quant à elle de leur coût peu onéreux comparé aux diodes d’autres couleurs, et surtout, l’affichage de nombreuses couleurs n’offrait pas un rendu satisfaisant.

Lorsque le projet d’abord nommé VR32 est lancé en 1991, l’équipe R&D1 de Yokoi imagine concevoir dans un premier temps un casque léger pouvant être porté sur la tête. Seulement, la machine génère des champs électromagnétiques, et la crainte des effets sur le cerveau, en premier lieu, va contraindre les ingénieurs à alourdir le casque en posant une plaque métallique pour bloquer les ondes. Nintendo craint également que les joueurs se blessent s’ils sont en mouvement avec le casque vissé sur la tête, aussi l’appareil reposera finalement sur un bipied.


Mario's Tennis va être le jeu le plus mis en avant pour la présentation du Virtual Boy

La console ne correspond déjà plus tout à fait à la vision qu’avait Gunpei Yokoi, et l’idée même d’un casque ne faisait plus sens, mais le temps alloué à son développement était écoulé, et Nintendo – pressé par la concurrence de Sony et Sega qui arrivent sur le marché avec la PlayStation et la Saturn – souhaite sortir au plus tôt la nouvelle machine pour occuper l’espace, alors que la remplaçante de la SNES, encore nommée « Project Reality », est loin d’être prête.

Bien que la console n’ait aucun lien avec la Game Boy, elle va être nommée Virtual Boy avant sa première présentation en novembre 1994.

Tout l’enjeu pour Nintendo sera dès lors de faire comprendre le concept, avant de présenter concrètement les jeux. Car de jeux, il n’y en a d’abord que 3 (Teleroboxer, Galactic Pinball et Mario Bros VR), et leur intérêt semble relativement limité, mais le Virtual Boy est d’abord présenté comme une console 32-bits, pour souligner sa puissance.


Je m'arrête ici pour cet extrait, en espérant que ça vous donnera envie d'en lire davantage. La suite de mon article revient sur la commercialisation chaotique de la console, ses jeux (sortis et annulés), ainsi que son retour 30 ans après la fin de sa production.

=> https://www.gameforever.fr/virtualboy.php

Je me suis lancé dans une analyse des jeux vidéo publicitaires (ou advergames), qui ont pu prendre de très nombreuses formes. Loin d'être une catégorie honteuse, on y trouve même des bons jeux (Cool Spot, Zool, McDonald Treasure Land...), quoique les jeux médiocres sont plutôt la norme.

L'article étant plutôt long, je ne propose sur Gamekyo que le début, la suite étant à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/advergames.php

En espérant que cela vous donnera envie de lire la suite ! (garantie sans publicité)

Bonne lecture !


Où que vous alliez, la publicité est partout, vous entoure, vous accompagne et entre dans vos têtes pour ne plus en sortir. Et la pub est vraiment partout, se cachant parfois sournoisement dans vos jeux vidéo.

Les Advergames (advertising games, jeux publicitaires), c’est le concept de la campagne marketing poussée à un niveau plus élevé que l’affichage ou le placement de produit : vous jouez à un jeu qui a été pensé et conçu dans le but de faire connaître un produit, et plus généralement une marque, ou de contribuer à lui donner une image positive.

Alors, vous restera-t-il assez de temps de cerveau disponible pour lire cet article ?


> La gratuité, essence de l’advergame

Par nature, un advergame doit être gratuit, car la publicité a déjà financé ce à quoi vous jouez, en échange de votre attention. Et les origines de l’advergaming sont à chercher bien avant le jeu vidéo : dans un journal, une page de mots-croisés sponsorisée par une marque et avec quelques devinettes cachées (en 8 lettres : "épaisseur triple, pour un toucher plus doux"), c’est évidemment un jeu publicitaire.

Pour ce type de jeux, le paramètre principal reste avant tout la visée publicitaire ; le gameplay n’est qu’accessoire, même s’il est tout de même préférable de proposer un jeu jouable ! La "direction artistique" aurait quant à elle vocation à s’inscrire dans le plan marketing global de la marque ou de la campagne publicitaire en cours, à respecter certains codes graphiques et un état d’esprit. Les innovations de gameplay ne sont donc absolument pas une priorité, et le moyen le plus simple pour vendre une marque ou un produit reste encore de s’appuyer sur un concept qui a déjà fait ses preuves : un clone de Puzzle Bobble pour promouvoir des mouchoirs ; un jeu de gestion à la Theme Park pour une marque de sodas…


Marque mise en avant, charte graphique étudiée, concept de puzzle game repris d’un jeu existant (Puzzle Fighter II)… Trident White Puzzle Smash est typique des advergames, aujourd’hui hors ligne et sauvegardé "miraculeusement" sur un site de jeux gratuits

Aux origines du jeu vidéo publicitaire, on trouve l’Atari 2600. Le parc installé de consoles suscita l’intérêt des marques, mais il fallait un pionnier : cet honneur incombe en 1983 à la société Ralston Purina, spécialisée dans les céréales et l’alimentation pour animaux. Dans le prolongement d’une campagne de réclames télévisuelles où un chien poursuit un chariot ("chuckwagon" en anglais, le terme étant également la marque de la pâtée), Purina commande au développeur SpectraVision un jeu reprenant l’idée de la publicité. Chase the Chuck Wagon s’inspire ainsi des jeux typiques de son époque, comme Pac-Man ou Lady Bug, et doit être commandé auprès de Purina en échange de preuves d’achats.
D’autres jeux du même acabit suivront : Kool-Aid Man (la mascotte de Kool-Aid, un Banga américain) et Tooth Protectors (un jeu à double-visée éducative et promotionnelle, proposé par Johnson & Johnson). Quant à Pepsi Invaders sorti la même année toujours sur Atari 2600, je ne le classe pas dans cette catégorie, le jeu étant uniquement produit pour des salariés de Coca-Cola à des fins de communication interne et de promotion de l’esprit d’entreprise, en dénigrant le rival – quelle belle mentalité !
Ces initiatives ne rencontreront toutefois pas de grands succès, et se heurteront qui plus est à la crise américaine du jeu vidéo en 1983.


Difficile de désigner quel est l’ancêtre des advergames, mais Chase the Chuck Wagon est le meilleur candidat, et en tout cas le plus "connu"

Face à l’échec de la commande par preuves d’achats, l’advergame va alors employer d’autres moyens pour se diffuser : la distribution gratuite d’office ! Proposé en 1996 aux États-Unis dans un CD-ROM offert avec des paquets de céréales de la marque Chex (à l’époque détenue par Ralston Purina, tiens donc), Chex Quest a été distribué à des millions d’exemplaires, le coût de production d’un CD étant relativement dérisoire.
Concrètement, Chex Quest est une conversion de Doom (avec l’accord d’iD Software) en mode "kid-friendly", ayant expurgé la violence et remplacé les monstres par des extraterrestres rigolos. Mais pour de nombreux joueurs, le vénérable Doom restait en 1996 encore une référence, et Chex Quest pouvait faire bonne impression, a fortiori pour un advergame.
Le comble pour ce jeu – qui n’est finalement qu’une copie ne proposant que les 5 premiers niveaux de Doom – est qu’il ait pu acquérir par lui-même une communauté de fans, et qu’une remasterisation HD (!!) est même sortie en 2019.


Chex Quest est un Doom reskinné, le parfait exemple d’un advergame qui a touché sa cible en utilisant un jeu qui a fait ses preuves

Vous avez peut-être vous même souvenir d’un jeu distribué dans un paquet de céréales. Mais c’est aussi bien l’essor du casual gaming popularisé par Wii Sports et les jeux DS que l’augmentation du débit d’internet, qui vont véritablement permettre à l’advergaming de prendre son envol et se retrouver partout. Parfois, directement sur les sites internets des marques, mais très souvent sur Facebook, plateforme idéale pour vous pousser à liker, à partager des expériences ludiques : inviter un ami à jouer pour gagner une partie supplémentaire, vous avez sans doute déjà connu ça, non ? Si en plus, vos amis accrochent et partagent avec vous leurs scores pour comparer, le plan marketing est sur la voie du succès.

Mais Facebook demande à rester devant son écran d’ordinateur. Les pubs, si elles veulent être toujours plus performantes, doivent pouvoir vous suivre où que vous soyez, et c’est ainsi qu’elles vont progressivement abandonner Facebook pour investir massivement les smartphones, en inondant les App Store et Google Play Store d’applis qui n’attendent que de vous divertir durant vos innombrables pauses. Sans surprise, les smartphones sont particulièrement privilégiés pour cibler les enfants et les fidéliser très tôt à une marque. Et si ces jeux peuvent parfois proposer du challenge, l’idée est de rester accessible au plus grand nombre : hors de question de pondre un Dark Souls de l’advergame. Ce serait tout de même un comble si un jeu vidéo publicitaire vous colle la honte en étant trop difficile !


Fanta King of the Park, jeu social pour promouvoir la marque de sodas. Depuis, Fanta a changé de logo, et le jeu frappé d’obsolescence a disparu. Le succès marketing ne va qu’un temps

Difficile pour moi de vous recommander un de ces jeux en particulier : sans être forcément mauvais (parfois réellement amusants), ils sont souvent des copies inférieures de jeux déjà existants, mais plus gênant, lorsque la campagne marketing est achevée et / ou que le succès n’aura pas été au rendez-vous, ces jeux sont généralement retirés des stores ou des réseaux sociaux. La tendance est même au déclin de ce type d’advergames à mesure que des développeurs investissent ces boutiques avec des productions originales et ambitieuses (comme Candy Crush, Angry Birds ou Clash of Clans), quand ce ne sont pas les éditeurs traditionnels du jeu vidéo qui viennent avec des adaptations, voire des volets exclusifs de leurs licences : en termes d’impact, des clones de Mario, Sonic ou Pac-Man sponsorisés par des marques ne peuvent pas lutter contre les originaux.
Le résultat est visible dès la page d’accueil du Google Play Store, et les seuls advergames à pouvoir tenir tête résultent eux-mêmes de licences hyper commerciales (Lego, Disney…) et de concepts forts qui dépassent le gaming (comme le jeu de cartes Uno ou des jeux de société).


Lego est tellement investi dans le jeu vidéo (ici Lego Legacy – Heroes Unboxed sur smartphone) qu’il n’y a plus de frontières avec la publicité

Se pose alors la question de la préservation du jeu vidéo, y compris de ces advergames : méritent-ils d’être oubliés une fois leur raisons d’exister disparues ? Ou doivent-ils être sauvegardés au même titre que des jeux vidéo classiques, comme témoins de l’époque durant laquelle ils ont paru ?
Une réponse à cette question se trouve dans l’affection que des joueurs peuvent avoir pour Chex Quest, mais est également illustrée dans The Awesome Adventures of Captain Spirit, le prologue offert par Dontnod pour promouvoir Life is Strange 2 (tiens, autre sujet d’étude d’ailleurs) : lorsque le jeune Chris joue au mini-advergame fictif Hawt Dawg Man, on peut y voir un clin d’œil à tous ces jeux, mais alors que le gamin s’amuse à battre son record personnel, qui sait s’il ne gardera pas une affection toute particulière pour ce jeu que tout le monde aura peut-être oublié ?


Ce sera tout pour cet extrait, mais si cette lecture vous a intéressé, il y a encore la suite !

=> https://www.gameforever.fr/advergames.php

J'y parle de jeux plus sérieux (promotion de l'armée américaine...), des "advergames" payants, des jeux qui sont devenus publicitaires malgré eux, et j'en finis avec une dernière évolution, les DLC publicitaires (Mario Kart 8...), et même, la plateforme de publicités : Fortnite.

Nouvel article en ligne sur Game Forever, et cette fois mon sujet est la série Contra !

Les anciens l'ont connue sous le nom de Probotector, les plus anciens encore l'ont découverte sous le nom de Gryzor, et ces changements de nom traduisent bien ce que peut être cette série atypique, longtemps restée fidèle à sa conception jusqu'au-boutiste d'un challenge sans concession ; car la réputation des Contra, c'est d'être des jeux (très) difficiles.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article qui parle du premier volet et de ses adaptations (notamment NES), en espérant que ça vous donnera envie de lire la suite.

L'article complet est disponible sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/contra.php

La rétrospective revient sur absolument tous les épisodes de la série, et j'ai dû payer de ma personne, à la fois en raison de la difficulté de certains épisodes (quitte à utiliser un certain code secret), mais aussi parce que la série compte également quelques épisodes honteux.
Bien évidemment, je propose également un long développement sur le cultissime Contra III, et je n'oublie pas le tout dernier volet, Operation Galuga, sorti en 2024.

Bonne lecture !


Parmi les nombreuses séries qui ont fait la réputation de l’éditeur Konami, Contra est née à une époque où les stars incontestées du cinéma d’action se nommaient Arnold Schwarzenegger et Sylvester Stallone.

C’est aussi une série qui s’est forgée une réputation de jeux à la difficulté implacable et à la nervosité sans pareille : jouer à un Contra, c’est en avoir pour son argent avec des effets spéciaux à outrance, mais c’est aussi mourir encore et encore, pour se relever et continuer le combat. De vrais jeux pour guerriers !

En Europe, la série a d’abord construit sa popularité sous un autre nom, Probotector, où les humains sont remplacés par des robots. Une identité un peu différente pour la série de Konami, ce qui n’a pas empêché ses épisodes cultes de connaître le même succès qu’ailleurs.


> De Contra à Probotector en passant par Gryzor

Lorsque Contra est lancé début 1987 en salles d’arcade, Konami est déjà un éditeur solidement établi, développant pour de nombreux supports et fort de succès comme Gradius en arcade ou Castlevania sur NES. À l’évidence, c’est un classique maison du run’n gun, Green Beret (Rush’n Attack en Occident) qui a servi de modèle à Contra, avec l’idée d’un soldat solidement armé pour se frayer un chemin jusqu’au cœur de la base ennemie.


Un passage classique de Contra, même si c’est davantage la taille de ce système de défense qui impressionne, plus que sa difficulté

Contra dynamite toutefois le déjà vieillissant Rush’n Attack avec une action plus intense et variée entièrement jouable en coopération. À la manière des shoot-them-ups, le joueur peut trouver sur son parcours des power-ups pour bénéficier de nouvelles armes variées et plus puissantes (mitrailleuse, tir laser, tir multiple), mais le jeu n’hésite pas à bousculer le joueur dans son confort, délaissant pour deux niveaux son gameplay en scrolling 2D horizontal pour une progression en vue de dos dans un couloir ; les prémices du TPS !


Dans la base, la vue passe de dos et vous devrez progresser de salle en salle pour arriver jusqu’au boss

Dans Contra, les ennemis peuvent surgir de n’importe où, en grand nombre, et tirer de n’importe quel endroit de l’écran. De votre côté, votre héros peut bien être baraqué, il meurt au premier contact : c’est la dure loi de l’île de Galuga, où vous êtes envoyé en mission pour exterminer la menace extraterrestre. Ce qui fait toute la difficulté de Contra est aussi sa force : devant une action aussi intense, le jeu exige une attention de tous les instants. Échouer, se relever immédiatement, affronter des boss gigantesques… C’est tout ce qui a fait le succès de ce jeu en salles, et qui va naturellement le porter sur de très nombreux supports.

L’éditeur britannique Ocean sent en effet rapidement tout le potentiel du jeu connu dans les salles européennes sous le nom de Gryzor, et lance les adaptations du hit sur les ordinateurs ZX Spectrum et Amstrad CPC, confiées à des petites équipes qui faisaient du bricolage avec des moyens limités. C’est d’ailleurs la version Amstrad tout particulièrement, qui marque pour la qualité de sa conversion et demeure l’un des meilleurs jeux du support. À noter que l’illustration de Gryzor (puis de Contra sur d’autres supports) a clairement recopié les affiches d’un film également sorti en 1987 : Predator ! De ce fait, on croit d’ailleurs – à tort donc – que Predator a inspiré Contra, alors que la version originale arcade est antérieure et ne s’inspire que d’Alien.

Le portage le plus célèbre est néanmoins celui réalisé en interne par Konami pour la NES : sortie début 1988, l’adaptation offre des niveaux plus longs et mieux découpés, ainsi que des boss redesignés. Prouesse supplémentaire pour la console, le jeu en coopération est maintenu sans affecter les performances de la cartouche, ce qui va contribuer au succès du titre auprès du jeune public de la NES. Ça, et un code de triche qui atténue grandement l’immense frustration que peut générer le titre : le très célèbre Konami Code ! Certes apparu pour la première fois avec l’adaptation NES de Gradius, c’est bien Contra qui le popularise, notamment pour donner au joueur un confortable matelas de 30 vies… qui ne garantit pour autant pas d’atteindre la fin du jeu !


Apport de la version NES, le boss du niveau 3 est l’un des plus impressionnants et les plus iconiques de Contra

L'adaptation NES est également connue pour ses nombreuses versions : celle sortie sur Famicom bénéficie d’une puce qui permet d’intégrer une introduction plus complète, d’images supplémentaires, ainsi que l’affichage d’une carte entre chaque niveau à la manière de Ghosts’n Goblins.

C’est toutefois la version européenne qui connaît à sa sortie fin 1990 les changements les plus notables. Contra devient en effet Probotector dans les contrées PAL, et c’est toute son image qui change : les héros Bill et Lance sont ainsi remplacés par deux robots (RD008 et RC011) aux designs inspirés des mangas Macross ou encore Patlabor, qui combattent certes la même menace extraterrestre, mais n’affrontent plus d’ennemis humains ; uniquement des robots. La raison de cette censure vient d’une agence fédérale allemande pour la protection des mineurs face aux médias, dont les prérogatives sont alors suffisamment fortes pour interdire à la vente aux mineurs un jeu vidéo jugé violent ; Doom en fera d’ailleurs longtemps les frais, seulement autorisé en Allemagne depuis 2011. C’est pour éviter tout risque d’interdiction que Probotector s'impose au détriment de Contra, y compris pour les autres marchés européens.


Voilà pour cet extrait ! Je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/contra.php

Comme je l'ai précisé en intro, il reste encore beaucoup à lire, puisque je reviens sur la 15aine de jeux de la série, et même plus en comptant quelques adaptations, jeux sur smartphones et projets annulés.

Wizzy, un pilier de l'équipe de Game Forever, a eu la chance d'interviewer Nathan Fouts. Développeur américain, il est un vétéran de la scène indé, et a fondé son studio Mommy's Best Games en 2008, ayant participé à l'essor du Xbox Live Indie Games.

Wizzy suit son travail depuis un petit moment déjà. Le style du développeur, ce sont des jeux à la patte graphique reconnaissable entre mille, et une action nerveuse quels que soient les nombreux styles de jeux (shmup, run'n gun...) du studio.

Le développeur présente son prochain jeu ChainStaff (prévu pour 2025, 2024 si tout se passe bien), et revient aussi sur l'aventure Mommy's Best Games depuis sa création.

Pour Gamekyo, je vous partage la première partie de cette interview parlant de ChainStaff. La suite revient sur le parcours de Nathan Fouts, les jeux qu'il a développés, et sa vision du jeu vidéo.

Vous pouvez lire dès maintenant l'interview complète sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/mommysbestgames.php

Bonne lecture !


Fondateur de Mommy's Best Games, Nathan Fouts est un vétéran de la scène indé. De jeu en jeu, il a forgé un univers déglingué, où la folie punk et douce pare des gameplays addictifs et des concepts totalement frais à la joute. Les jeux Mommy's Best Games respire l'amusement avec un grand A, un maxi grand et immense A, qu'on recherche tous, manette en mains. L'annonce de son nouveau jeu, mélange de Shadow of the Beast et de Contra, a fait l'effet d'un détonateur sur moi et l'interview, une bombe, est l'occasion de découvrir un véritable "auteur" et une œuvre toute personnelle.

Édité par NULL Games pour une sortie prochaine sur Steam (2024, 2025 ?), ChainStaff nous met dans la peau d'un GI à tête d'insecte sur un planète Terre qui s'est transformé peu à peu en nid grouillant de rampants à dégommer. Notre arme, une lance crochue, est du genre multi-tâche...




> ChainStaff

[GF] : Je dois tout avouer. Je suis un grand fan de Pig Eat Ball et Shoot 1-up et j'ai pu découvrir tous vos jeux par la suite, un peu comme un enfant découvrant un coffre à jouets. Comment pourrait-on définir vos jeux ?

[Nathan Fouts] : J'aime créer des jeux d'action classiques avec une forte originalité dans le gameplay. Je veux m'assurer que chacun de mes jeux ait une "raison d'exister" et que si vous aimez le genre, il vous paraîtra unique.

[GF] : Votre nouveau projet me rappelle les "run and guns" d'antan. Pouvez-vous nous parler de ChainStaff ?

ChainStaff est un jeu d'action-plateforme avec un grappin transformable. Je voulais créer un nouveau jeu avec un grappin. J'adore les jeux avec un grappin ! Mais je trouve que beaucoup de jeux utilisent plutôt une "tyrolienne" que vraiment un grappin. J'aime l'action effrénée de pouvoir se balancer en courant et en tirant. Donc, dans ChainStaff, vous avez un outil très dangereux mais excitant à utiliser. Il est également très important que vous affrontiez des monstres bizarres. Plus ils sont étranges, mieux c'est. J'apprécie les designs de monstres inhabituels. Les zombies et les ogres vont bien pour d'autres jeux, mais je veux des choses vraiment intéressantes à combattre dans mes jeux.



[GF] : Que pouvez-vous nous dire sur la direction artistique ?

J'adore les couvertures de livres de science-fiction et les pochettes d'albums de rock des années 70-80. L'art y est si viscéral. Ce sont souvent de superbes peintures, mais on peut voir les imperfections, la touche humaine. Ils ont aussi des combinaisons de couleurs vives et inhabituelles que j'adore. Si vous êtes fan de l'art de la science-fiction et de la fantasy, vous pouvez probablement deviner certaines de mes inspirations : Frazetta, Boris Valejo, Michael Whelan et Roger Dean, bien sûr. Mais que dire de Bruce Pennington, John Berkey ou Rodney Matthews ? Et n'oublions pas Jeff Easley, Bernie Wrightson ou Patrick Woodruffe ! Il y a tellement d'autres artistes dont j'admire l'art et dont j'apprends beaucoup.

[GF] : Et l'arme énigmatique qui semble être un élément clé du gameplay ?

Le ChainStaff est comme un couteau suisse des jeux, sauf qu'il est 15 fois plus grand. Vous pouvez en faire beaucoup avec : le lancer comme un javelot, vous balancer avec, et le projeter comme un bouclier. Mais vous pouvez aussi l'utiliser pour soulever des objets en l'air ! Et vous pouvez même l'escalader comme un poteau et vous tenir dessus. Mieux encore, la plupart de ces actions se font facilement avec juste un bouton. C'est intuitif : c'est à vous de décider comment l'utiliser dans le jeu.


Ce sera tout pour cet extrait !

Pour lire la suite de l'interview, c'est sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/mommysbestgames.php

Nouvelle mise à jour pour mon article sur les BS F-Zero du Satellaview paru sur gameforever, car une équipe de moddeurs s'est attelée à restaurer les circuits portés disparus de BS F-Zero Grand Prix 2 (réapparus avec des enregistrements VHS postés sur YouTube), et les intégrer dans l'édition ultime de F-Zero, nommée BS F-Zero Deluxe !

Aux 15 circuits du F-Zero original et aux 5 déjà connus de longue date de la ROM Practice de BS F-Zero 2, s'ajoutent donc ces 5 circuits aux environnements inédits (Forest et Metal Fort).

Si vous avez l'impression d'avoir raté quelques chapitres avec ces circuits retrouvés, les ROMs Satellaview, voire le support Satellaview lui-même, je vous invite à lire directement mon article complet sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php

Pour Gamekyo, je vous livre l'extrait de mon article consacré à BS F-Zero Deluxe et son contenu inédit.

Petit rappel tout de même avant de commencer : BS F-Zero Grand Prix 2 est sorti en 2 versions sur Satellaview. La plus connue jusqu'alors est la ROM dite "Practice", proposant 5 nouveaux circuits et 4 nouveaux bolides ; tandis que les ROMs diffusées en direct de BS F-Zero Grand Prix 2 contenaient encore 5 nouveaux circuits supplémentaires, mais sont portées disparues.


> BS F-Zero Deluxe, un projet non-officiel de restauration

Autour de Guy Perfect, qui s’était déjà attelé à développer un éditeur de circuits pour F-Zero X ainsi qu’un mod de F-Zero – GP Legend (GBA) proposant tous les circuits e-reader exclusifs au Japon, une équipe de moddeurs a analysé les vidéos de BS F-Zero Grand Prix 2 pour reproduire les 5 circuits portés disparus le plus fidèlement possible.
Le résultat proposé est tout simplement impressionnant : les 3 circuits Forest et les 2 circuits Metal Fort sont ainsi reconstitués, avec leurs décors, pour être enfin proposés aux passionnés de F-Zero. La vidéo comparative de présentation du projet montre la qualité de cette reconstitution, mettant en parallèle la vidéo du jeu original avec BS F-Zero Deluxe, et la fidélité semble apparemment quasi-totale : il ne s’agit pas donc d’un essai approximatif, mais bien d’un travail précis de restauration.

C’est d’ailleurs dans cette idée de restauration que les patchs de BS F-Zero Deluxe sont hébergés sur la plateforme Internet Archive. Qu’en pensera Nintendo ? Si la ROM de F-Zero n’y est effectivement pas proposée, ce projet pourrait malgré tout être considéré comme une exploitation sans autorisation de sa licence… mais Internet Archive se défend de toute exploitation commerciale et lutte pour la préservation du patrimoine numérique sous toutes ses formes (notamment avec la Wayback Machine, sauvegardant les pages internet).

Voilà pour l’histoire de ce projet, mais finalement, que valent ces « nouveaux » circuits ? Répartis dans les 2 nouvelles ligues BS-1 et BS-2 avec les 5 autres courses de la ROM « Practice », et dans le même ordre que celui proposé dans la version Soundlink, les 5 tracés ne sont, à dire vrai, pas si mémorables malgré leurs nouveaux environnements.


Forest I, le premier des 5 circuits inédits, propose une piste très large et aucune difficulté majeure


Metal Fort II contient une portion meurtrière, avec un enchaînement de turbos et de tremplins sur une piste resserrée.

Pour être tout à fait honnête, les 3 circuits Forest ne sont pas très exaltants, et seul Metal Fort II ressort pour moi du lot en proposant un réel défi, du niveau des 5 autres courses déjà connues de BS F-Zero Grand Prix 2. Néanmoins, le but de l’équipe des moddeurs n’était pas de corriger ces circuits pour les rendre plus intéressants ou plus techniques, mais les plus fidèles à ce qui est connu du jeu.

Mention « Deluxe » oblige, le travail a aussi visé à améliorer l’expérience du F-Zero original, en proposant – outre 8 bolides et 25 courses (+ 4 alternatives issues de Grand Prix 1) – de concourir sur l’ensemble des courses en Practice, de sauvegarder ses fantômes pour le Contre-la-montre, et même de proposer les ligues telles qu’elles apparaissaient dans BS F-Zero Grand Prix et BS F-Zero Grand Prix 2 « Practice » !
En regroupant tout le contenu du F-Zero original, mais aussi de toutes les versions Satellaview des BS F-Zero Grand Prix, BS F-Zero Deluxe peut ainsi être considéré comme l’édition ultime du classique de la SNES... en attendant peut-être l'ajout de contenus exclusifs à F-Zero 99.


Toutes les coupes proposées dans BS F-Zero Deluxe. En appuyant sur L+R à cet écran, vous pourrez également accéder à l’Ace League de la version Practice, ainsi qu’aux coupes proposées dans BS F-Zero Grand Prix

Pour finir, le lien pour télécharger le patch pour BS F-Zero Deluxe. Il vous faudra trouver la ROM de F-Zero ailleurs. Pour appliquer le patch, je recommande le logiciel Lunar IPS, très simple d'utilisation.
=> https://archive.org/details/bs_f-zero_deluxe_v1.0

Et si vous souhaitez en savoir sur les BS F-Zero sur Satellaview, venez lire mon article complet sur gameforever : https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php

Le 17/12/1993 sortait au Japon un jeu qui allait relancer la mascotte de Capcom après 6 volets NES qui ne parvenaient alors plus à se renouveler.
Pour l'arrivée sur SNES de Megaman, Capcom avait choisi de proposer un nouveau départ, ou plutôt une suite se situant très longtemps après la série dite classique - laquelle recevra quand même son 7ème volet en 1995.

A sa sortie, Megaman X, avec son ambiance science-fiction plus affirmée, va acquérir un statut de hit immédiat ; 30 ans plus tard, c'est un indiscutable jeu culte de la SNES !

Pour célébrer ce 30ème anniversaire, je vous propose un extrait de l'article consacré spécifiquement au premier Megaman X, et publié sur Game Forever.

L'article complet signé Enker se trouve par ici :
=> https://www.gameforever.fr/megamanx.php

Bonne lecture !


Il est des fois où les séries de jeu vidéo se doivent d’évoluer. Mario a quitté le charmant monde de la 2D pour évoluer dans un monde tout en 3D. Castlevania a abandonné ses origines de plates-formes pour épouser une carrière de jeu d’aventures à la Metroid ; série qui a quant à elle quitté ses phases d’aventure pour s’orienter vers un FPS grandeur nature. Et bien d’autres titres connus ont un jour choisi d’effectuer un virage décisif pour évoluer et continuer à exister.
Mais bien avant celles qui ont été citées, l’une des séries phares de Capcom a connu ce fameux lifting qui se devait de lui donner une nouvelle jeunesse et un bon coup d’accélérateur. C’est ainsi que Megaman vit débarquer son cousin, Megaman X.


> I’m blue, da ba dee

Première chose à savoir, X –car c’est son nom– n’est pas Megaman et n’a pas grand chose à voir avec lui sur le principe : ils évoluent tous deux dans deux époques différentes et à plus d’un siècle d’intervalle. Tout ce que l’on sait et qui lie ces deux personnages est qu’ils sont issus de la même main, à savoir celle du professeur Thomas Light, ce qui constitue donc le premier lien entre les deux séries. Il y en a d’autres, mais nous y reviendrons un peu plus loin.
Deuxième élément notable, X évolue dans un univers légèrement différent à celui de Megaman. Si ce dernier proposait des niveaux de plate-formes assez linéaires, il n’en est pas de même pour la nouvelle série. Les niveaux sont donc un peu plus vastes et des objets importants peuvent y être cachés, ainsi que des pièces d’armure permettant même d’améliorer considérablement les performances du robot. Et c’est là que la boucle est bouclée puisque celles-ci sont données par Thomas Light, le père créateur.


Le premier épisode nous offrait une analyse détaillée du robot bleu. La classe !

Troisième point important, la série des Megaman X propose un scénario. Mais attention, pas un scénario gentillet du type « Dr X. !! Why !? » (avis aux amateurs), mais bien une véritable histoire sur fond de guerre robotique. Ca ressemblerait presque à du Asimov, sauf que cette fameuse histoire garde pas mal de zones d’ombre qui laissent une grande place à la libre interprétation des fans. Et c’est à partir du premier épisode que Capcom a pensé à lancer ce long scénario... à l’intérieur de la notice du jeu.


> La vie sous 16 bits, acte 1

Après avoir eu une belle vie sur NES, c’est en toute logique que le robot bleu a continué son petit chemin chez Nintendo, mais en passant cette fois à l’étage supérieur sur Super Nintendo. Sa première aventure voit donc le jour en décembre 1993 et porte le doux nom de Megaman X (à ne pas confondre avec le 10 romain).
De suite, les joueurs peuvent constater la différence : X ne ressemble que de loin à Megaman puisqu’ils partagent la même couleur, le bleu. Mais si l’on regarde plus en détail, on peut rapidement voir que l’armure du premier est bien plus stylisée que celle de son aîné : les pièces sont plus détaillées, les protections plus volumineuses. De même, si Megaman se limitait à sauter / tirer / glisser, X peut grimper aux murs et offre ainsi une nouvelle dimension au jeu qui pourra à présent se dérouler dans un sens vertical ! Sans oublier bien sûr cette vitesse diabolique de X qui va à 100 à l’heure. Vraiment, tout oppose ces deux séries...


X déploie ses compétences d'escalade ainsi que sa puissance de feu dans le niveau de Boomer Kuwanger

L’histoire de ce premier opus est également bien plus construite. Le professeur Cain est un scientifique qui, cent ans après les évènements de la première série, découvre les ruines du laboratoire du Dr.Light et en même temps une capsule contenant un robot de toute nouvelle génération : X. A partir de celui-ci, Cain va générer une nouvelle série de robots, les Réploïdes, capables de penser et d’agir de leur propre chef. Hélas, certains de ces Réploïdes vont connaître des dysfonctionnements et adopter un comportement agressif vis-à-vis des humains, et seront rapidement connus sous le nom de Mavericks.
Afin de lutter face à cette nouvelle menace, le Dr.Cain créa un corps de défense composé de Réploïdes, les Maverick Hunters, et plaça à leur tête Sigma, sa création la plus aboutie. Hélas, deux mois plus tard, Sigma succomba lui aussi au mal mystérieux et rejoint le rang des Mavericks. Face à cette nouvelle menace, le poste de leader échoua à Zero, un Reploïde mystérieux, tandis que X se décida à rejoindre les rangs des Maverick Hunters bien qu’il ne dispose pas de la puissance nécessaire.

Et c’est ainsi que débute le jeu, dans un niveau d’introduction obligatoire où X va connaître une défaite cuisante face à Vile, un Maverick Hunter ayant mal tourné, avant d’être sauvé in extremis par Zero. La suite est en revanche bien plus connue puisque le joueur se retrouve face au traditionnel écran de sélection des boss ! Huit nouveaux noms sont à retenir, mais plus de robots « humains » comme dans la série des Megaman (Ice Man, Cut Man, Top Man, etc...) mais des humanoïdes issus tout droit du règne animal (puis plus tard du végétal) aux appellations plus libres : Chill Penguin, Storm Eagle, Sting Chameleon, etc...


Sauvé par Zero face à l'invincible Vile dans le niveau prologue, le joueur incarnant X mesure que son héros est encore faible

Les noms de ces boss sont une composition entre le nom de l’animal représenté associé à sa particularité ou de son élément. Cependant, il peut être intéressant de souligner qu’il s’agit là des noms occidentaux des Mavericks, puisque les noms originaux sont souvent bien plus obscurs : Icy Penguino pour Chill Penguin, Burnin’ Noumander pour Flame Mammoth, ou encore Armor Armarge pour Armored Armadillo. Il en va de même pour tous les épisodes de la série, même si certaines appellations sont passées au travers des mailles du filet. Pour exemple, Boomer Kuwanger a conservé son nom original, ce qui n’a aucun sens vu que ce nom n’a aucune signification en anglais.


L'écran de sélection des boss du premier épisode est un modèle du genre ! Il est possible de voir les positions des Mavericks, un aperçu de leurs niveaux et même une fiche descriptive de chacun d'entre eux

La suite du jeu est quant à elle plus classique. Pour chaque boss vaincu, X récupèrera une arme qui sera efficace sur l’un des autres adversaires, ce qui constitue un schéma très connu pour qui a déjà joué à un Megaman. Une fois les huit boss détruits, l’accès à la forteresse de Sigma sera ouvert et les derniers niveaux pourront être dévoilés. Mais pour se préparer à cela, il sera préférable de trouver les différents upgrades de X disséminés dans les huit niveaux : il sera possible de gonfler la barre de vie (avec huit fragments), d’obtenir des réservoirs d’énergie (quatre) mais également quatre pièces d’armure améliorant directement les performances du robot, comme un boost pour la glissade ou un buster plus puissant. Ceci sera un élément majeur de la série puisque ces pièces d’armure seront à chercher dans chaque épisode. De même, il existe des interactions entre les niveaux une fois ceux-ci terminés : par exemple, la lave de l’usine de Flame Mammoth sera gelée une fois Chill Penguin vaincu.

Dès le premier épisode, les fondements de la série sont posés et celle-ci prend un bon rythme de croisière. Mieux encore, Megaman X est souvent considéré comme étant l’un des meilleurs (le meilleur ?) de la série. Son aspect plus mature et plus complet aura séduit d’emblée le public et aura offert un succès mérité à ce titre qui s’achève sur la victoire de X sur Sigma après avoir vu le sacrifice de Zero face à Vile. Le leader des Mavericks détruit, X aurait pu s’arrêter là. Mais Capcom avait déjà de la suite dans les idées, en atteste les propos de Sigma en toute fin de jeu : il sera bientôt de retour, et certainement plus rapidement qu’on ne pourrait le croire...


Voilà pour cet extrait !
La suite sur Game Forever : => https://www.gameforever.fr/megamanx.php

La série Megaman X compte 8 épisodes principaux et quelques spin-offs, et si vous voulez en découvrir plus ou vous rafraichir la mémoire sur cette série, je vous invite à lire l'article complet signé Enker (un membre de l'équipe de Game Forever). Il revient sur les hauts, mais aussi les bas qui ont vraiment creusé très profondément (Megaman X7, aïe aïe aïe !).

Nouvel article en ligne sur le site Game Forever, et il arrive juste après la sortie de F-Zero 99 !

J'avais en fait terminé la rédaction de mon article fin août, et la mise en page était même achevée avant que des rumeurs insistantes fassent état d'un nouveau F-Zero pour le Nintendo Direct.
Du même coup, j'ai attendu la sortie de F-Zero 99 pour que mon article soit raccord avec l'actualité.

Comme je le fais habituellement sur Gamekyo, je vous livre ici un extrait de mon article sur le premier volet, F-Zero sur SNES.

L'article complet est disponible sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/fzero.php

Je reviens sur tous les épisodes de la série, y compris les volets méconnus (comme Climax) ou jamais sortis (Zero Racers sur Virtual Boy), ainsi que F-Zero X Expansion Kit sur 64DD. Sans oublier Smash Bros, Mario Kart, et les jeux qui se réclament de l'héritage de F-Zero.

Le gros morceau est évidemment consacré à F-Zero GX : même si je me suis tenu à un travail de synthèse, on pourrait aisément écrire tout un ouvrage sur ce jeu hors normes !

Bonne lecture !


Bolides futuristes dépassant les 1000 km/h ; circuits sinueux multipliant les loopings et défiant les lois de la gravité ; cadres exotiques et variés, avec des mégalopoles, une planète-océan, des déserts balayés par des vents violents ou encore des zones volcaniques ; des dizaines de pilotes, des plus fantasques aux plus dangereux criminels… L’univers de F-Zero est un mélange de diverses inspirations de science-fiction, qui s’accordent dans un futur "rétro" particulièrement haut en couleurs.

A travers ses quelques épisodes, F-Zero est aussi une série pionnière qui s’est imposée comme une référence majeure des jeux de course futuristes. Elle est également représentée par un personnage emblématique : le célèbre Captain Falcon !


> 1990, le futur en Mode 7

F-Zero est produit par Shigeru Miyamoto, pour qui le jeu doit bénéficier de toutes les innovations de la Super Nintendo afin de marquer une différence aussi bien technique que graphique avec la NES. Et cela se fera avec le tout nouveau Mode 7 de la console, employé également pour Pilotwings et dans une moindre mesure Super Mario World – les autres jeux de lancement de la SNES fin 1990.


La compétition démarre avec le mythique circuit de Mute City I, gravé dans la mémoire de nombreux joueurs

Grâce à ce mode, il devient alors possible de manipuler une image 2D, d’effectuer des zooms ou des rotations à 360°. Du temps de la NES et même de nombreux jeux arcade contemporains, cette innovation ne coulait pas de source, avec un défilement en pur 2D. Certes, le Mode 7 n’est pas de la 3D : l’image du circuit à plat se retrouve inclinée pour donner l’impression d’un horizon, et défile à mesure que le véhicule "avance" – alors qu’il reste en réalité immobile – pour simuler une 3D. Tout n’est qu’illusion, mais en jeu la magie fonctionne.

Lorsqu’elle conçoit le jeu, l’équipe de développement a d’abord comme modèle de travail Famicom Grand Prix: F1 Race, un jeu de course en vue du dessus sorti sur Famicom Disk System en 1987. Mais les contraintes techniques rencontrées avec un prototype pour les animations des roues incitent l’équipe à remplacer les F1 par des aéroglisseurs : l’idée d’un jeu de course futuriste est née !

Il faut alors concevoir tout un univers pour accompagner cette idée, et ce travail revient en grande partie à Takaya Imamura, un artiste et level designer qui disposa d’une grande liberté pour imaginer l’histoire située au 26e siècle, les personnages, les décors (comme Mute City, Big Blue, Sand Ocean ou le circuit final Fire Field), ainsi que les courses futuristes sur des pistes à 100 mètres du sol… que l’équipe conçoit pourtant à l’ancienne, sur papier !
En jeu, seuls les bolides sont pourtant présentés, et chaque joueur aura sans doute son préféré, entre l’équilibré Blue Falcon, le nerveux mais fragile Golden Fox, le tank Wild Goose ou le lourd mais très rapide Fire Stingray. Mais en ces temps où on savait faire de belles notices, Imamura réalise la courte bande-dessinée de 8 pages intitulée « L’Histoire de Captain Falcon ». Eh oui, si les 3 autres pilotes sont bien présentés avec leurs bolides, la vedette est Captain Falcon : conçu initialement par Imamura dans l’idée d’en faire la mascotte de la 16-bits, le personnage est reconverti comme pilote pour F-Zero, avec le succès qu’on lui connaît !


Les 4 pilotes de F-Zero (Samurai Goroh, Dr. Stuart – puis Stewart, Pico et Captain Falcon) sont tous déterminés à remporter la compétition

Les règles de F-Zero sont quant à elles simples : 15 circuits répartis en 3 coupes ; 4 niveaux de difficulté ; 5 tours à boucler pour chaque circuit ; un turbo gagné par tour pour foncer à vive allure en ligne droite ou prendre des raccourcis, afin d’éviter l’élimination et terminer la course dans les 3 premiers pour passer à la suivante. Un fonctionnement très arcade, idéal pour des parties immédiates, et qui s’accorde avec l’ambiance futuriste du jeu.


Big Blue, autre circuit mythique de F-Zero, offre les premières difficultés techniques en matière de pilotage

La BO culte de F-Zero (dont le fameux thème de Mute City) est pour sa part principalement l’œuvre de Kumiko Kanki, une compositrice qui réalise ici un coup de maître pour son unique réalisation majeure dans le jeu vidéo – seul le tout aussi mythique thème de Big Blue est composé par un autre musicien, Naoto Ishida, qui travaillera plus tard sur la BO de Maximum Velocity.

En tant que jeu de lancement de la SNES, F-Zero bénéficie naturellement d’un très bon accueil, avec 2,85 millions de ventes, même si des premières critiques pointent une difficulté trop faible (quoique, en Master…) et quelques oublis étonnants, comme l’impossibilité de réaliser des contre-la-montre sur l’ensemble des circuits (seulement 7 d’entre eux étant accessibles en Practice).
Le principal reproche concerne toutefois bien l’absence préjudiciable d’un mode 2 joueurs ; une critique que Nintendo entend et compte bien remédier dans un prochain jeu de courses qui deviendra… Super Mario Kart !


Port Town II est un circuit technique qui va dangereusement diminuer la barre d’énergie. La bande de recharge à droite n’est pas un luxe


Ce sera tout pour cet extrait. Je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/fzero.php

Il reste encore beaucoup à lire : F-Zero X, F-Zero GX, les opus GBA... ainsi que F-Zero 99 !

Pour rappel, j'ai également rédigé un article sur BS F-Zero Grand Prix 2 : https://www.gameforever.fr/bsfzero2.php

Star Fox a 30 ans ! Sorti le 21/02/1993 au Japon, le jeu de shoot de Nintendo a marqué les joueurs de Super Nintendo pour ses graphismes tout en 3D.

L'histoire de la conception de ce jeu est très intéressante, et pour célébrer cet anniversaire... je n'ai malheureusement pas rédigé d'article sur la série Star Fox. Par contre, j'en ai rédigé un sur la suite longtemps inédite, Star Fox 2, dont l'histoire est toute aussi intéressante !

Pour Gamekyo, je vous livre un extrait de mon article qui revient sur l'annulation de ce jeu en 1995.

Si vous souhaitez lire directement l'article complet, c'est sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/starfox2.php

Bonne lecture !


Pour des raisons complètement différentes, les deux premiers Star Fox sont des jeux mythiques de la SNES : Star Fox (Starwing en Europe), par sa réalisation et son gameplay novateurs en 1993, rencontrera un important succès et marquera les esprits pour son avant-gardisme en matière de jeux en 3D. Le second épisode, attendu fort logiquement après cette première réussite, ne doit en revanche sa réputation qu’à l’histoire de l’annulation pure et simple de sa sortie ; une annulation d’autant plus mystérieuse que Star Fox 2 était réputé être en phase d’achèvement peu avant sa date de sortie programmée pour 1995.
L’histoire aurait pu s’arrêter là, mais Star Fox 2 a continué à hanter les esprits deux décennies durant, jusqu’à une sortie officielle – pensait-on improbable – en 2017 sur la console Mini SNES... 22 ans après la date de sortie initialement prévue ! À jeu légendaire, traitement de faveur : retour donc, sur cette longue attente.


> Une suite logiquement attendue... mais annulée

Dans le sillage du succès du premier Star Fox, Nintendo crut un temps pouvoir miser sur sa "puce" Super FX pour prolonger la durée de sa SNES. Ajouté aux cartouches, le processeur permettait en effet un affichage en 3D polygonal très impressionnant pour l’époque. Si Star Fox s’avéra être le meilleur ambassadeur pour cette puce, les autres jeux en tirant profit n’allaient pas laisser une trace indélébile dans le paysage vidéoludique de la SNES et des prémices de la 3D, à commencer par Vortex et Stunt Race FX, pourtant réalisés par Argonaut Software (le développeur de Star Fox).

Un nouveau processeur prêt dès le début de l’année 1994, le Super FX 2, prendra le relais pour augmenter les capacités d’affichage et d’animation de la 3D polygonale. Selon les plans de Nintendo, cette 3D devait assurer la transition vers une console encore dénommée "Project Reality" vaguement prévue pour fin 1995. Nintendo ne craignait alors pas la concurrence des outsiders (3DO, Jaguar d’Atari, et j’en passe), ni celle pourtant plus préoccupante de son grand rival Sega, qui se fourvoyait avec la 32X (malgré l’excellent Virtua Racing Deluxe) et proposait fin 1994 pour sa Saturn un Virtua Fighter aux graphismes encore très rudimentaires. La firme de Kyoto n’anticipa toutefois pas le succès de la PlayStation du nouveau venu Sony, qui avec des jeux comme Toshinden, Tekken, Ridge Racer ou WipEout au lancement européen de la console en 1995, allait ringardiser les jeux en 3D polygonale de Nintendo et Sega.
La stratégie de Nintendo allait donc changer du tout au tout, et la puce Super FX 2 ne devenait ainsi plus une priorité. Le cultissime Doom allait toutefois en bénéficier pour son adaptation sur la 16-bits de Nintendo (une petite prouesse), mais le meilleur représentant de son utilisation ne sera pas réalisé en 3D, mais un jeu en 2D utilisant des effets uniques que seule la puce pouvait permettre : je parle bien entendu de Yoshi’s Island !


Un écran de test de la première version prototype diffusée de Star Fox 2, vraisemblablement à un stade peu avancé

Bon, et où se situe Star Fox 2 dans toute cette stratégie ? Le succès de Star Fox posa très rapidement la question d’une suite, dont le projet commença dès 1993, peu après la sortie du premier. La puce Super FX 2 devait permettre une réalisation en 3D totale : le processeur, sensiblement plus puissant, offrait une capacité de fluidité des animations accrue, ce qui amena l’équipe à améliorer la gestion de l’espace en 3D libre – ce que n’avait pas vraiment réussi Vortex avec le Super FX 1.

Le développement de Star Fox 2 allait durer près de deux ans, une période plus longue que celle initialement prévue, mais riche de plusieurs tâtonnements dont Internet a conservé des traces miraculeuses. Cependant, ce qui devait s’annoncer comme un jeu novateur allait très rapidement se retrouver en retard technologique face à la concurrence. Alors que Star Fox 2 est terminé et débuggé durant l’été 1995, Shigeru Miyamoto, producteur du jeu, annonça personnellement à l’équipe de développement l’annulation de la sortie.


Un visuel provisoire de la boîte de jeu, largement répandu pour promouvoir les sorties de Nintendo en 1995 sur SNES

La première raison avancée officiellement est que la sortie trop tardive de Star Fox 2 ne pouvait plus cadrer avec le planning prévu pour la sortie de la console que l’on appelait encore Ultra 64. Seulement, la console qui s’appellera finalement Nintendo 64 – et c’est promis, je m’arrêterai là ! – sortira bien plus tardivement qu’initialement prévu, laissant une fenêtre de lancement beaucoup plus vaste à Star Fox 2.
D’autres raisons expliquent donc cette annulation, et les impératifs économiques de Nintendo semblent être une piste des plus sérieuses : les cartouches Star Fox 2, équipées d’un onéreux processeur, seraient chères à produire, et Nintendo craignait peut-être un échec commercial plus coûteux encore, tandis que Sega et Sony allaient proposer en 1995 des jeux visuellement toujours plus spectaculaires (Panzer Dragoon pour la Saturn ; WipEout et Tekken 2 pour la PS1).
Interviewé en 2017, Shigeru Miyamoto confirma lui-même que le coût de production de Star Fox 2 était trop important, et que la SNES n’avait en 1995 plus vocation à proposer des jeux en 3D, pour laisser place à une N64 conçue pour la 3D.


Un type de vaisseau présent dans le premier prototype, non conservé dans la version finale

Pas totalement satisfaisantes, ces explications officielles peuvent légitimement nourrir d’autres raisons officieuses, mais quelles qu’elles furent, impossible de penser à l’incroyable gâchis que représente l’annulation de Star Fox 2. Certes, les 32-bits – surtout la PS1 – prenaient leur envol, mais la SNES certes sur le déclin allait connaître une année 1995 encore pleine de succès : Yoshi’s Island bien sûr, mais aussi Chrono Trigger ou encore Donkey Kong Country 2. Star Fox 2 aurait certainement eu toute sa place dans ce planning, et son succès paraissait quasiment garanti.


> À la recherche de Star Fox 2

La presse de l’époque s’était montrée enthousiaste à propos de Star Fox 2 et son gameplay en 3D libre différent du premier volet (qui est un rail shooter). La présentation au CES de Las Vegas en janvier 1995 suscita immédiatement un grand intérêt de la part de la presse spécialisée, et une sortie en septembre, peut-être même août 1995, est évoquée. Les images diffusées dans les magazines insistent tout particulièrement sur la présence d’un mode 2 joueurs, la diversité des vaisseaux pouvant changer pour des modes terrestres, et une 3D améliorée grâce à la puce Super FX 2.

S’agissant de la presse française, il s’agira toutefois de la seule annonce concrète. Star Fox 2 sera ensuite complètement absent du premier salon de l’E3 en mai 1995, puis sa trace se perd dans le vide spatial. Lorsque Nintendo présente en janvier 1996 les premières images du développement de Star Fox 64 pour la N64, Star Fox 2 appartient déjà au passé, mais son annulation ne sera jamais annoncée, laissant les joueurs dans une certaine incompréhension. Étonnamment, la presse française a également oublié Star Fox 2 pour se focaliser sur le seul Star Fox 64. Eh oui, à cette époque un jeu annulé ne faisait pas tant de bruits ! Si peu de bruits même que dans l’esprit de nombreux joueurs français et amateurs de Star Fox, le développement de ce deuxième volet a certainement été abandonné en cours de route pour aboutir à Star Fox 64... ce qui est en vérité complètement faux, puisque le volet sorti sur N64 a été développé en interne chez Nintendo.
La presse britannique s’inquiétera en revanche davantage de cette disparition des plannings, mais Nintendo ne confirmera jamais vraiment l’annulation de Star Fox 2.

Le jeu existe pourtant bel et bien, et des rumeurs affirment même qu’il est achevé, ce qui a de quoi étonner. Miyamoto reconnaîtra que Star Fox 64 (alias Lylat Wars en Europe) s’inspire certes en grande partie du premier Star Fox, mais que 30 % reprend des éléments scénaristiques et de gameplay à la suite annulée.


Si vous souhaitez lire la suite, l'article se poursuit sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/starfox2.php

J'analyse les 2 versions prototype connues avant la sortie officielle du jeu, et reviens également sur l'influence que cet épisode a eu sur de nombreux volets de la série.
Une ROM traduite en français et fonctionnelle du prototype quasi-finalisé peut toujours être téléchargée en fin d'article.


L’artwork officiel de Star Fox 2 pour sa sortie en 2017, récompensant une longue attente pour un jeu sortant définitivement de l’oubli

La nouvelle a été relayée ici même : Earthworm Jim 4 aurait été annulé. Même si l'annonce n'a pas été officialisée, on peut dire que c'est tout comme vu l'avancement, ou plutôt l'absence d'avancement du projet.

Après un peu de recherche, la situation est même plus ubuesque encore... à l'image du ver de terre peut-être, mais surtout celle de Tommy Tallarico, compositeur des musiques des 2 premiers volets, mais aussi à l'origine du projet Intellivision Amico, et accessoirement président de son propre fan club.

J'ai donc mis à jour mon article publié sur gameforever.fr consacré à Earthworm Jim.
Pour Gamekyo, je vous propose le dernier paragraphe de mon article.

Si vous souhaitez directement lire l'article complet, c'est sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/earthwormjim.php

Bonne lecture !


> Earthworm Jim 4, ou l'espoir déçu d'un retour

Résumé du paragraphe précédent : A la fin des années 2010, le constat est amer pour le lombric de l'espace : le remake du premier volet prévu sur PSP a été annulé dans l'indifférence générale, et le remake Earthworm Jim HD, signé Gameloft et sorti en 2010, a été retiré des stores en ligne en 2018 (officiellement impossible à acheter légalement donc) lorsque le studio en a perdu la licence.


Earthworm Jim PSP n'a jamais rien présenté d'autres que ce remake du premier niveau du premier volet

Les droits sur le ver de terre sont ainsi revenus à Interplay, et coïncidence sans doute pas fortuite, Doug TenNapel (le dessinateur du personnage) a pu financer avec succès une BD Earthworm Jim ("Launch the Cow") en 2019. Dans le même temps, le tant attendu Earthworm Jim 4 est annoncé en exclusivité pour une nouvelle console, l’Amico d’Intellivision.

L’Amico ? Forcément, on se demande pourquoi une telle licence atterrit sur une console prévue pour fin 2020, et pour ainsi dire surgie d’un passé plus lointain encore que le ver de terre – l’Intellivision originale étant une console du début des années 80 qui tenta de concurrencer l’Atari 2600.
Mais pourquoi donc l’Amico ? Oui, eh bien j'y viens : simplement parce que la marque Intellivision a été relancée à l’initiative d’un groupement mené par Tommy Tallarico, lequel était le compositeur attitré du studio Shiny, ayant notamment travaillé sur Earthworm Jim 1 et 2. David Perry l’ayant rejoint dans cette aventure, on comprend donc rapidement pourquoi Earthworm Jim 4 devient l’un des fers de lance de cette Amico.

La console, conçue pour la famille avec des jeux simples et des remakes de classiques de l’ère Atari 2600, peine toutefois à faire parler d’elle, et son jeu-vedette n'a finalement été révélé que courant 2020, pour une date de sortie encore indéterminée. Ce premier trailer semblait toutefois promettre le démarrage effectif du projet, dont le style graphique porte clairement la signature de Doug TenNapel.
On pouvait raisonnablement attendre de futures annonces concernant ce jeu, mais la conduite même du projet Amico laisse véritablement plus qu'à désirer : portée par un Tommy Tallarico recroquevillé sur une petite communauté de fans et manifestement déconnecté aussi bien des réalités du marché que des attentes des joueurs, la console n'a toujours rien de concret à montrer fin 2022, à part quelques vidéos de présentation de jeux qui ne soulèvent guère l'enthousiasme.


L'Intellivision Amico, une console pleine de fausses promesses

Comment réellement attendre un jeu vaporeux sur une console aussi fumeuse ? La seule nouvelle a concerné l'éviction de Doug TenNapel, Interplay ne souhaitant pas que l'image d'Earthworm Jim soit associée aux opinions ultra-conservatrices maintes fois exprimées par l'auteur, notamment pour ne pas compromettre la réalisation d'une série animée annoncée en 2021.


Image tirée du trailer de la première présentation d'Earthworm Jim 4, seule preuve de l'existence d'un projet qui n'a peut-être jamais vraiment démarré

En réalité, le projet "Earthworm Jim 4" n'a pas pris l'eau avec cette éviction, puisqu'il n'aurait même jamais démarré ! Alors que Tommy Tallarico prétendait que l'équipe originale était réunie autour de ce projet, David Perry a simplement déclaré ne pas y être impliqué, tandis que Nick Jones, un ancien de Shiny, a révélé que les retrouvailles de l'équipe en 2019 n'étaient justement qu'une simple réunion d'anciens collègues, que Tallarico a ensuite montée en épingle durant un live stream.
Comme si la blague n'était pas suffisamment mauvaise, Intellivision (donc Tallarico) n'aurait en fait jamais conclu d'accord avec Interplay pour obtenir les droits d'exploitation d'Earthworm Jim, et a préféré cacher ce projet sous le tapis en espérant que tout le monde l'oublie.
Dans le même temps, la série animée pourtant lancée officiellement par Interplay ne donne plus aucun signe de vie.

Alors fin de partie pour Jim après cette succession malheureuse de projets foireux ? Oui et non ! Sa place est peut-être de rester définitivement dans les années 90, une époque où il était si "groovy", mais le retrogaming est aussi plus vivant que jamais, et l'aura de ses deux premières aventures demeure intacte.


Si après cette lecture, vous avez envie de vous replonger dans les souvenirs (y compris les mauvais) de la série, je vous invite à lire tout le début de mon article sur gameforever. J'évoque plus en détails les premiers volets cultes, mais aussi Earthworm Jim 3D.

=> A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/earthwormjim.php

"Rockman", la mascotte de Capcom, fête ses 35 ans ! Le premier volet de la longue série (et même des nombreuses séries) Megaman est sorti au Japon sur Famicom le 17/12/1987. 10 jeux ont officiellement suivi, mais en réalité bien plus : jeux sortis sur Game Boy, compilation-remake sur Mega Drive, épisodes hors-série...

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article rédigé pour Game Forever uniquement consacré à la série classique des Megaman. Je reviens sur la "première trilogie" sur NES, Megaman 1, 2 et 3 donc, considérés comme les volets cultes de la série.

Vous pouvez directement lire l'article complet sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/megaman.php

Bonne lecture !


Au milieu des années 80, Capcom estimait suffisant de mentionner qu'il était numéro 1 des jeux d'arcade pour être identifiable. Et puis Nintendo, en plus de créer une série phare avec Super Mario Bros, fit de son héros Mario une star, lançant la mode des mascottes.
Capcom sera l'un des premiers à lui emboîter le pas en proposant Megaman (Rockman au Japon). Cet essai fut plus que bon, il fut magistral. Créé par Akira Kitamura et Keiji Inafune - game designer qui sera longtemps le producteur attitré de la franchise dans son ensemble - Megaman sera bien plus que la mascotte de Capcom, mais une icône du jeu vidéo.


> La naissance sur NES

La NES est le support idéal pour proposer un jeu novateur. Capcom fait donc le pari Megaman en 1987, un des premiers jeux de l’éditeur à ne pas être une adaptation console d’un jeu d'arcade, et se donne ainsi les moyens de hisser sa production au niveau de celles de Nintendo. Pour l’époque, le pari fut plus que réussi. Megaman bouleverse les habitudes, en permettant au joueur de choisir son niveau parmi 6. Une vraie nouveauté, tant ce choix ne coulait pas de source pour un jeu d'action-plateformes, où les développeurs imposaient l'ordre des niveaux.


Le niveau de Cut Man, et sa musique inoubliable, est généralement le premier choix pour les débutants

L’histoire de ce Megaman sera exposée dans la notice de jeu, et plus tard dans Megaman 3 et 4. Le Dr Light et son assistant le Dr Wily travaillent sur des robots humanoïdes qui seraient capables de remplir des tâches dangereuses à la place des humains. Mais le Dr Wily avait caché son jeu et reprogramma 6 des 8 robots pour en faire des machines de destruction, laissant de côté Rock et Roll, les deux robots domestiques du Dr Light. Mal lui en a pris, car Rock, animé d’un fort sentiment de justice, désira être transformé en robot de combat. Le Dr Light lui ajouta même un programme destiné à absorber les capacités des autres robots. Et c’est là aussi tout le caractère innovant de Megaman : chaque robot vaincu donne à Megaman la faculté d’utiliser son arme, et de la retourner contre les autres robots, sachant qu'ils disposent tous d'une faiblesse à une arme précise. Découvrir ces faiblesses - induisant un certain ordre pour compléter les niveaux - fait donc aussi partie de l'expérience de jeu.
Malgré l’impossibilité de sauvegarder sa progression, une difficulté décourageante et des graphismes sommaires, Megaman sut retenir l'attention des joueurs, mais il fallait encore confirmer avec une suite pour que la série prenne réellement son envol.


Les duels contre les Robot Masters (ici Bomb Man) sont aussi importants que les niveaux dans la réussite du jeu, tant ils allient stratégie et maîtrise

Et quelle suite ! Beau, long, difficile, riche de mille idées et de trouvailles ingénieuses, Megaman 2 a fait date comme étant l’un des jeux NES les plus populaires. Sorti fin 1988, le deuxième opus ne brille pas par son originalité au niveau du scénario, puisque le Dr Wily veut prendre sa revanche, et lance 8 robots qu’il a lui même conçu pour défier Megaman.
C’est parce qu'en fait, Capcom s’est réservé pour le fond du jeu, corrigeant les défauts du premier en proposant des graphismes soignés, des décors variés, des niveaux mieux construits, ainsi qu'un système de mots de passe. Le succès de cet opus se propagea jusque dans les cours de récré, relayé en cela par de nombreuses publicités aux heures de pointe, et des critiques élogieuses. Il était de bon ton d'avoir son Megaman 2 et d'en faire profiter les copains ! En ciblant directement le jeune public qui allait porter ce jeu en triomphe, Capcom décida de le rendre plus accessible pour sa sortie en Occident, avec un mode Normal qui diminue la résistance des ennemis. Le mode Difficile de Megaman 2 correspond ainsi à la difficulté habituelle de la série, et est d'ailleurs la seule proposée dans la version japonaise (Rockman 2).


L'écran de sélection des niveaux de Megaman 2 est un modèle pour les épisodes suivants, et même une marque de fabrique de la série

A noter que c’est à compter de cet épisode que Capcom a organisé des concours de dessins de robots au Japon, sélectionnant généralement ceux qui inspirent l'équipe de développement. Ces concours seront organisés pour chaque Megaman, jusqu’au 8ème. Les remerciements de Capcom sont donc pour une grande part adressés aux participants du concours, qui ont certes attiré l’attention mais qui n’ont hélas pour eux pas été sélectionnés.

En 2 épisodes, la saga Megaman atteint ainsi son apogée, aussi la suite est-elle attendue. Dans le sillage de Megaman 2, Capcom souhaita rapidement profiter de ce succès et lancer un nouvel épisode des aventures de ce robot qui s'est imposé comme sa mascotte.


Tous les niveaux de Megaman 2 sont marquants, mais celui de Wood Man était particulièrement mis en avant pour ses graphismes et ses ennemis

Megaman 3 sort ainsi en 1990 après un développement rapide et un changement d'équipe qui voit Keiji Inafune prendre plus d'importance. Ce volet apporte à Megaman une nouvelle aptitude, la fameuse glissade, bien pratique pour se faufiler dans les recoins et réussir de belles esquives. Megaman 3 voit aussi apparaître le chien Rush, dont les capacités remplacent les options de Megaman 2 (jet et ressort). Des efforts ont été fournis pour que l'histoire ne tourne pas à la revanche de la revanche du Dr Wily. Ainsi, 8 robots défectueux causent des dégâts, et Megaman est dépêché pour les arrêter. Evidemment, il découvre bien assez vite que c’est son vieil ennemi le Dr Wily qui était derrière tout ça, mais il recevra au final l'aide d'un allié inattendu : Proto Man (Blues en VO), le prototype supposément perdu du Dr Light !


Megaman fait une démonstration de sa nouvelle glissade, une aptitude bien moins gadget qu'elle n'y paraît

L'héritage de Megaman 2 s'est avéré compliqué à gérer, mais Megaman 3 a tenté de renouveler la formule, en proposant un challenge encore plus long et plus difficile. Cependant, certains signes ne trompent pas et la magie commence à s'estomper : entre les impressions de déjà-vu (Megaman affronte les Doc Robots qui utilisent les capacités des robots de Megaman 2), des graphismes en deça de la qualité du précédent ainsi que des musiques pas aussi enthousiasmantes, Megaman 3 manque quelque peu de charmes, et s'il rencontre tout de même un joli succès, il n'est toutefois en rien comparable à son prédécesseur direct. Serait-ce là un signal d'alerte ?


Ce sera tout pour cet extrait. S'il vous a donné envie de lire la suite, vous pouvez lire l'article complet sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/megaman.php

Il reste en effet encore beaucoup de contenu à lire : le déclin sur NES ; les passages "controversés" sur SNES et 32-bits ; la renaissance rétro avec Megaman 9 et 10 ; les hors-séries et les hommages ; sans oublier Megaman 11 dont on attend une suite.

Il y a toujours un anniversaire à fêter, et celui-ci est sanglant : le tout premier Mortal Kombat a en effet été lancé en arcade le 08/10/1992 ! Voilà qui ramène ceux qui ont connu cette époque à l'âge d'or des salles enfumées, où le jeu a très vite déchaîné les passions, et concurrencé Street Fighter II.

30 ans plus tard, et malgré quelques bas (parfois très bas) désormais bien oubliés, la série initiée avec ce volet mythique se porte particulièrement bien, au point qu'après un MK11 au succès "kolossal" aussi bien au niveau commercial que sur l'aspect compétitif en e-sport, l'annonce (imminente ?) d'un 12ème volet est désormais très attendue.

Pour célébrer cet anniversaire, je vous propose ici un extrait de mon article rédigé pour gameforever.fr, forcément consacré au tout premier volet.

Pour lire directement l'article complet, c'est sur gameforever :
=> https://www.gameforever.fr/mortalkombat.php

Bonne lecture !


Il est difficile maintenant de mesurer l'impact qu'a pu avoir Mortal Kombat à son époque. Pourtant, la franchise est parvenue à se maintenir au fil des années, faisant finalement d'elle l'une des plus rentables et les plus connues des séries des jeux de combat. Souvent copié, rarement égalé dans son domaine, Mortal Kombat représente toute l'essence du jeu de combat à l'américaine : sombre et violent !

> Le phénomène Mortal Kombat

Quand Mortal Kombat sort en 1992 dans les salles d'arcade, le choc est bien réel. Face à Street Fighter II, ce nouveau jeu parvint à se créer un style, une ambiance et des codes bien différents.

Mortal Kombat était pourtant un petit projet, dont les pères, Ed Boon (programmation) et John Tobias (scénario, design des personnages), ne mesuraient pas au départ la portée. L'inspiration essentielle du jeu, nous la devons... à Jean-Claude Van Damme !! Eh oui, avant ses thèses sur les cacahuètes et sur l'air, le plus aware des acteurs était au sommet de son art (Full Contact, Kickboxing... des chefs d'oeuvre !). Le jeu devait à l'origine être centré sur JCVD, reprenant son rôle de Bloodsport, mais le projet ne put se faire faute d'accord. Boon et Tobias continuèrent cependant à développer leurs idées, et ainsi naquit Mortal Kombat : un tournoi shaolin organisé par le maléfique sorcier Shang Tsung pour conquérir la Terre !

Reste à planter le décor, et les combattants. On trouve ainsi les 7 guerriers originaux qui feront ensuite la gloire de la série : Liu Kang, le moine shaolin, héros du jeu et l'hommage de Mortal Kombat à Bruce Lee ; Johnny Cage, l'acteur de cinéma, dont la ressemblance à Jean-Claude Van Damme est revendiquée ; Raiden, inspiré du dieu japonais du Tonnerre ; les deux ninjas, Scorpion et Sub-Zero, dont la rivalité est mise en avant ; Sonya, la touche féminine dans ce monde de brutes ; et enfin, Kano, le brigand sans foi ni loi.


Les 7 "kombattants" originaux de Mortal Kombat : Cage, Kano, Raiden, Liu Kang, Scorpion, Sub-Zero et Sonya

A ces 7 combattants (ou plutôt devrais-je dire "kombattants"), s'ajoutent Goro, le champion en titre du tournoi ; Shang Tsung, l'organisateur de Mortal Kombat et le boss final ; et le ninja Reptile, premier personnage secret dans un jeu de combat, qui cumulait les pouvoirs de Sub-Zero et Scorpion.


Les deux boss de Mortal Kombat : l'impressionnant Goro, le monstre à 4 bras ; et le sorcier Shang Tsung, capable de prendre l'apparence de tous les kombattants du jeu

Le rendu graphique de l'ensemble, et surtout des kombattants, fit vraiment une très forte impression à l'époque. A l'opposé du rendu cartoon de Street Fighter II, Mortal Kombat propose des guerriers réalistes, grâce à des images digitalisées, technique déjà employée dans le mauvais Pit Fighter. Mais Mortal Kombat ne serait pas ce qu'il est sans l'excès de violence, qui suscita la polémique. De l'aveu même d'Ed Boon, ce sont les ajouts de sang et du gore qui ont permis à Mortal Kombat de connaître autant de succès.

Il est vrai que le jeu n'est techniquement pas aussi abouti que son concurrent Street Fighter II. De base, les kombattants possèdent tous les mêmes coups, il n'y pas grande différence à manier Sonya ou Raiden. Les apports de Mortal Kombat sont cependant réels : chaque kombattant peut enchaîner des coups de poings rapidement, et effectuer un uppercut particulièrement dévastateur, envoyant l'adversaire valdinguer à l'autre bout de l'écran ! Les seules nettes différences entre chaque kombattant sont les coups spéciaux, une autre marque de fabrique de Mortal Kombat. Le grappin de Scorpion ou la boule de glace de Sub-Zero sont désormais des classiques au même titre que le Hadoken de Ryu !


Un grand classique de la série : le combat entre les rivaux Scorpion et Sub-Zero

Voilà, jusque là, je vous aurai fait patienter, mais il est plus que temps d'attaquer le coeur du sujet. Impossible de ne pas évoquer Mortal Kombat sans parler des fameuses Fatalities ! Le match remporté n'est en effet pas tout à fait fini. La vie du vaincu sera ainsi laissée à la merci du vainqueur, par ces simples mots, "Finish Him !" ("Her" pour Sonya), résonnant encore dans les salles d'arcade enfumées comme un moment de tension extrême. La manipulation réussie, l'écran s'obscurcit, et le verdict sera sans appel : la peine de mort, accompagnée de cris de douleur et parfois de flots d'hémoglobine ! De par leurs barbaries, les fatalities de Mortal Kombat gardent encore aujourd'hui un impact fort : difficile d'oublier les piques fatales en-dessous du célèbre stage The Pit, Sub-Zero arrachant la tête de son adversaire avec la colonne vertébrale (sans doute la plus gore du jeu) ou encore Kano exhibant fièrement le coeur du vaincu...


D'un uppercut rageur, Cage décapite Kano sans autre forme de procès. Fatality !

Au delà des fatalities, Mortal Kombat rencontra un tel succès qu'il sera adapté sur un nombre de supports phénoménal : Super Nintendo et Megadrive pour les plus connues, mais également Game Boy, Game Gear, PC, Mega CD... Le passage sur consoles ne se fit cependant pas sans douleur. Pour des questions de censure, le sang sera ainsi supprimé, et si la version Megadrive pouvait encore proposer un code secret pour le rétablir, la version SNES restera définitivement "sang-surée", la salive remplaçant l'hémoglobine, et les fatalities les plus violentes modifiées.


En 30 ans, comment la série a-t-elle réussi à rester dans le paysage vidéoludique ? Grâce au succès de ce premier volet, ce ne sont pas moins de 10 suites qui sortiront, sans compter les spin-offs pas toujours glorieux.

La rétrospective Mortal Kombat est à lire sur gameforever : https://www.gameforever.fr/mortalkombat.php

N'hésitez pas à partager vos souvenirs du 1er Mortal Kombat, ainsi que tout ce que vous pensez de cette série !

Wizzy, un des membres de l'équipe de Game Forever, livre une rétrospective sur les jeux vidéo de flipper, un genre qui s'est d'abord développé dans l'ombre des véritables flippers, avant de s'en détacher puis d'en conserver le souvenir une fois les flippers en voie de disparition.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait - en accord avec son auteur - revenant sur la préhistoire du genre, jusqu'au début des années 90. La suite de l'article revient sur la période des innovations amenées par les consoles 16-bits, l'intégration de mascottes du jeu vidéo, mais aussi la recherche de l'ultra-réalisme, puis la situation actuelle dominée par un seul acteur, Zen Studios.

=> Article complet, à lire sur gameforever/fr : https://www.gameforever.fr/flipper.php

Bonne lecture !


Qu’il s’agisse de simulations ultra-réalistes ou de flippers fantaisistes, jouer à un jeu vidéo de flipper, c’est la promesse de retrouver les sensations des vrais flippers de café : réalisme des effets physiques avec notamment l’inertie de la bille, possibilité de faire des fourchettes avec les flippers ou même de faire tilter la machine (le tilt est un merveilleux système anti-triche) si on la secoue trop fort... Son histoire est liée à cette quête de réalisme, et en même temps, à un affranchissement. Retour vers le passé…

> La préhistoire

Il faut creuser pour trouver les toutes premières pépites du genre... En 1978, le tout premier jeu de la société Namco (futur papa de Pac-man et quelques décennies plus tard, de Tekken, Ridge Racer et SoulCalibur, excusez du peu) fut Gee Bee, une hybridation étonnante entre le casse-brique, très en vogue à l'époque, et le jeu de flipper. On y retrouve des bumpers et une esthétique propre aux flippers. Les habituels flips en bas de la table sont néanmoins remplacés par deux barres, une en bas et l'autre au milieu de l'écran, que l'on déplace, toutes deux de gauche, à droite. Et on dégomme toujours des briques comme dans Breakout, en plus de faire du score. C'est une pépite mais on ne peut pas encore parler de jeu vidéo de flipper.

En creusant encore, on trouve, un an auparavant, en 1977, une des toutes premières tentatives signés Atari : il s'agit d'un mini-jeu de flipper rudimentaire, intégré à la console "Video Pinball" (c'est bien le nom de la console, et non celui du jeu), et sur laquelle on trouvait deux autres jeux maison : Basket-ball et Breakout.
En 1979, Atari remet le couvert sur borne d'arcade avec une véritable simulation vidéoludique de flipper et provoque la confusion en ré-employant le même nom que sa console de salon : Video Pinball. A cette époque, seuls les flips, la bille et le score sont en pixels, les éléments dessinés du décor, eux, sont reflétés sur l'écran à l'aide d'un "overlay" et d'un miroir en haut de la borne créant l'illusion d'une véritable table.

Ce jeu connaîtra une adaptation en cartouche pour l'Atari 2600 en 1980, avec bien entendu des ajustements graphiques. Video Pinball sur borne comme sur console simule de manière très réaliste la bille. Et même si sur Atari 2600, il s’agit non pas d'une bille mais d’un carré ! Compte tenu des machines et des faibles capacités en terme d’animation de sprites, on peut parler de prouesse. Pour contrôler les flippers sur Atari 2600, c’était encore la préhistoire, il fallait diriger le manche du joystick à droite ou à gauche.



Il existera bien d'autres flippers sur différents supports au tout début des années 80 (citons notamment le sympathique Sega Flipper paru en 1983 sur SG-1000, avec quatre flips sur une même table) mais il faudra attendre 1984 pour avoir le premier hit du genre, le bien nommé Pinball sur NES. Nintendo ajoute au réalisme et à la fluidité de la bille davantage d’éléments (bumpers, cibles...), de couleurs et propose au joueur deux étages (ou sections). C’est à dire, deux tables accolées, la balle passant de l'une à l'autre. Simple, maniable et réaliste, le jeu est un petit succès.



En 1988, toujours sur NES (et aussi sur MSX), c’est au tour de Rollerball de HAL Laboratory de devenir la nouvelle référence du jeu de flipper. Graphiquement clair et bien rond, avec une musique qui donne la pêche, le flipper dispose de trois sections avec notamment un jackpot en plein milieu de la deuxième, et un troisième flip dans la section du bas. Le mouvement de la bille est très réaliste. Ça va vite et les flips sont nerveux. Une référence !



Décidément très à l'aise avec le genre, HAL Laboratory concoctera dès 1989 Pinball - Revenge of the Gator, un des tous premiers jeux à sortir sur Game Boy aux côtés de Tetris et Super Mario Land. Il s'agit d'un jeu de flipper dans la droite lignée de Rollerball avec des alligators égayant l'écran, quatre sections désormais, et surtout trois niveaux bonus.

Sur NES, console de tous les exploits en matière de jeux vidéo de flipper, le développeur Rare va se distinguer avec Pin Bot (1990) et High Speed (1991) en transposant aussi fidèlement que possible de véritables tables de flipper, toutes deux produites par Williams en 1986. Ce sont les premières tentatives vers un réalisme photographique et ces tentatives sont remarquables. Les graphismes, certes en mode 8-bits, sont particulièrement détaillés et colorés, et nous retrouvons même les voix synthétiques d'origine qui ponctuaient les parties.

A cette époque pourtant, le jeu vidéo de flipper reste un sous-genre du jeu vidéo. Il ne constitue pas un achat de premier choix pour le joueur et est donc assez peu prisé par les éditeurs. Cela va changer au début des années 90.


Suite de l'article à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/flipper.php

Et il reste encore pas mal de jeux à évoquer, notamment Devil's Crush, Sonic Spinball, Metroid Prime Pinball, sans oublier les séries Zen Pinball / Pinball FX !

La thématique du western a toujours inspiré le jeu vidéo, et c'est pour ça que je m'y suis intéressé. Comment est-on passé de Wild Gunman et Outlaw à Red Dead Redemption 2 ? Eh bien, ce sera tout l'objet de mon dossier publié sur gameforever !

L'article complet (avec toutes les images) est d'ailleurs à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/western.php

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait qui remonte le temps jusqu'aux premiers jeux, et s'arrête au début des années 2000.

Bonne lecture !


Faisons le tour de tout ce que peut évoquer le western : les cowboys et les indiens, les grands espaces, les jeux de saloon ou les rodéos… Et là, vous vous souvenez qu'étant enfant, vous rêviez d'être cowboy ! Allez, avouez, ce n'est pas la peine de cacher votre saloon Playmobil ou vos Lucky Luke !
Le western propose aussi des thématiques fortes, dépeignant un monde dur et sans concession. Shérif héroïque seul contre tous les brigands, recherchés plutôt morts que vifs ; règlements de compte ou autres duels… Autant d'aventures que peut vous faire vivre un jeu vidéo !


> Règlements de comptes au saloon

La fascination pour le Far West provient indéniablement de la place importante des westerns dans la culture populaire américaine et internationale, véhiculée notamment par les très nombreux films hollywoodiens.

Les plus notables, au départ, sont pour une grande part des jeux japonais. Le premier jeu du genre est Wild Gunman de Nintendo, sorti dans les salles de jeux nippones en 1974. Se présentant comme des séquences de petits films interactifs (différents selon que vous gagnez ou non), le jeu vous oppose à toute une série de brigands à la gâchette rapide. Ai-je besoin de le préciser, il faudra dégainer votre six-coups plus rapidement que vos adversaires, et ne pas les rater.
Wild Gunman allait inspirer plus tard un autre jeu bien connu des habitués des vieilles salles d'arcade, Mad Dog McCree (1992), dont le principe est sensiblement le même, mais mis à jour.

Outlaw d'Atari, sorti en arcade en 1975 et adapté par la suite sur Atari 2600, se présente également comme un jeu de duel au pistolet, dans un style graphique plus proche d'un Pong cette fois.


Outlaw, dans sa version Atari 2600. Notez le splendide cactus au milieu, ça respire l'Arizona !

Toujours dans le thème du gentil héros contre les méchants brigands, Sheriff de Nintendo (1979), vous propose d'incarner… un shérif, devant secourir sa bien-aimée enlevée par des brigands, thème ô combien classique et efficace ! Jeu sympathique, Sheriff se présente graphiquement comme un Space Invaders du Far West, et il faut juste un peu d'imagination pour voir le shérif seul au milieu de la ville attendant de pouvoir flinguer les malandrins retranchés dans les maisons.
A noter d'ailleurs que la seule adaptation connue de Sheriff sur consoles se trouve dans le désopilant WarioWare sur Game Boy Advance, où un Wario tout en pixel noir et blanc prend la vedette.

Sega y est également allé de son jeu de shérif, avec Bank Panic, un jeu d'arcade sorti en 1984 où il faut déjouer les attaques des bandits, tout en évitant de tirer sur les clients innocents.
Le western s'adapte aussi au shmup : si Wild Western de Taito (1982) est le premier à inaugurer le genre, on pense surtout à Gun.Smoke (1985) de Capcom. Là aussi, le même thème du shérif revient, adapté à une autre sauce. Chaque boss est ainsi un brigand recherché, dont la tête est mise à prix en introduction de chaque niveau… et une fois battu, voit son affichette trouée de balles !


Gun.Smoke, ici dans sa version arcade de 1985, retranscrit bien l'ambiance du justicier seul contre tous... et cela se ressent dans sa difficulté extrême !

Tirs, mais également action au menu d'un autre jeu populaire dans son genre, Sunset Riders de Konami (1991). Run 'n gun efficace et jouable à quatre, il comporte tous les clichés du western, des graphismes aux musiques en passant par les niveaux (ranch, attaque du train…).

Au final, même si on peut considérer les jeux évoqués comme des classiques, ce ne sont en aucun cas des chefs d'œuvre, mais des titres tout de même sympathiques, par ailleurs tous adaptés sur consoles : la NES pour Wild Gunman, Gun.Smoke (également sur Commodore 64) ; Master System pour Bank Panic ; PC ou Philipps CD-i pour Mad Dog McCree et sa suite ; Super Nintendo et Megadrive pour Sunset Riders…

Ces adaptations n'ont pas forcément permis à ces jeux de connaître le succès ou une nouvelle jeunesse, l'essence même des originaux étant finalement d'être des jeux de salles d'arcade, ces saloons des temps modernes !


Wild Gunman sur NES est très différent de son modèle, mais en conserve l'esprit


> Grands espaces et hors-la-loi

Usure du genre, effet de mode ou panne d'inspiration, le thème du western sera plus ou moins laissé à l'abandon du milieu des années 90 au milieu des années 2000.
A dire vrai, on ne dénombre qu'une poignée de jeux, tous supports confondus (y compris le PC) durant cette période, à commencer par Wild Guns, un jeu de tir sur Super Nintendo mêlant western et robots, sans oublier les adaptations plus ou moins bonnes de Lucky Luke sur consoles, qui doivent plus leur raison d'être au succès de la BD.

Les studios japonais, qui étaient les premiers et les plus nombreux à s'intéresser au genre du western, avaient en effet progressivement abandonné ce terrain, que les studios américains mirent du temps à se (ré)approprier.

C'est également durant cette période que naquit la série de RPG Wild Arms, initiée sur PS, et qui compte 5 volets (le dernier datant de 2006). L'inspiration western y est évidente, bien qu'elle soit mélangée à de la science-fiction (planète extra-terrestre, méchants aliens...), du fantastique (le premier épisode étant comparé en son temps à Final Fantasy VII) et de la culture manga.

Mais si l'on devait se limiter au western pur et dur, et non à la fantaisie, les jeux mémorables ne se comptent même pas sur les doigts d’une main. C'est ainsi en pleine mode des FMV (Full Motion Video) que Dust - A Tale of the Wired West se présente en 1995 comme un point'n click tout à fait honnête agrémenté de scènes filmées (très) petit budget.
En 1997, Outlaws de Lucasarts pouvait se targuer d'être le premier FPS ayant pour thème le western, et qui plus est plutôt réussi. Hélas, en l'absence de suite, Outlaws s'est fait un peu oublier, si ce n'est de quelques fans qui réclament son retour.


Outlaws est le premier western-FPS. Le moteur graphique utilisé est celui de Star Wars - Dark Forces, qui avait fait ses preuves 2 ans avant

Dans un tout autre genre, Desperados – Wanted Dead or Alive du studio allemand Spellbound Software renoue en 2001 avec le western teuton des années 60 (Winnetou, toute une époque!) et propose sur PC un jeu de tactique mêlant infiltration et fusillade.

Il faudra attendre l'arrivée de consoles plus performantes et d'une montée en puissance des studios américains pour revoir le thème du western repris dans la production vidéoludique.


La lecture se poursuit sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/western.php

Le milieu des années 2000 marque un essor des jeux vidéo de western, et voit la naissance d'une série, avec Red Dead Revolver.
La suite de l'article ne pourra ainsi contourner la série western par excellence, à savoir Red Dead Redemption ! Mais j'en profite également pour évoquer les références au western dans d'autres jeux vidéo, notamment... Zelda - Twilight Princess !