Annoncé il y a 2 ans, le nouveau jeu du studio indé Mommy's Best Games sort ce 8 avril sur tous les stores (Steam, Xbox, PS Store, eshop Switch).

ChainStaff est un run'n gun rappelant la série Contra, avec une réalisation graphique unique. En guise d'arme, votre héros insectoïde manie un grappin multi-usages pour affronter des monstres sanguinolents.

Pour ceux qui ne connaissent pas ce studio, ce développeur - un vétéran de la scène indé depuis le Xbox Live de la 360 - a réalisé plusieurs jeux typés arcade dans des genres différents : shoot-them-up (Shoot 1Up), action (Explosionade), run'n gun (Weapon of Choice), ainsi que Serious Sam DD XXL.

A l'occasion de la sortie de ChainStaff, retrouvez l'interview du développeur Nathan Fouts sur gameforever.fr, réalisée en juin 2024 :
=> https://www.gameforever.fr/mommysbestgames.php

Quelques images, ainsi que le trailer :

Nintendo a donc relancé le Virtual Boy le 17/02/2026… et c’est même une première en France ! Le casque rouge sur pattes n’est en effet jamais officiellement sorti en Europe, seule sa réputation de bide commercial ayant atteint nos contrées.

Mais plutôt que de me relancer dans une longue présentation de la console, je préfère vous renvoyer à mon dossier sur le Virtual Boy : https://www.gameforever.fr/virtualboy.php

L’idée même d’acheter un Virtual Boy ne m’a jamais traversé l’esprit : bien que fan de Nintendo, rien ne m’incitait à investir dans cette console sans réel attrait, sans ludothèque fournie, sans réel chef d’œuvre (même si je n’aurais pas dit non au VB Wario Land). La curiosité de pouvoir tester la machine ne s’est toutefois jamais dissipée, comme s’il manquait quelque chose à ma culture vidéoludique.

Aussi, quand Nintendo a annoncé sortir les jeux Virtual Boy sur le Switch Online ainsi qu’une reproduction du casque, j’étais le cœur de cible… et peu importe le prix !

Rien de particulier à dire sur l’unboxing : le casque n’est pas une console, juste un accessoire dans lequel on va insérer une Switch ou une Switch 2. La première découverte est de me rendre compte à quel point le casque est volumineux, voire encombrant. Monté sur son trépied (ou plutôt son bipied), le Virtual Boy Switch prend de la place, mais les amateurs de la console sont formels : il s’agit bien là d’une reproduction à l’identique, et le bipied fourni est parfaitement compatible avec le casque original.
La reproduction est donc extrêmement fidèle en apparence, mais ne contient aucune connectique. Je rappelle là une évidence, mais l’accessoire contient 0 % d’électronique, et quasiment que du plastique.



Mais où vais-je ranger ce casque après utilisation ?

Pour la mise en route, je lance l’appli disponible « gratuitement » avec l’offre Switch Online + Pack additionnel. Et je vais doucher les espoirs de ceux qui souhaitaient jouer aux jeux Virtual Boy sans accessoire : rien n’est prévu pour afficher les jeux en 2D. Sans le casque en plastique ou son modèle en carton, impossible de jouer aux jeux Virtual Boy… sauf si vous avez investi auparavant dans le Nintendo Labo en VR, qui est lui parfaitement compatible ! Si l’accessoire en carton traîne donc dans un coin après l’avoir testé pour Zelda BOTW ou encore Mario Odyssey, vous pourrez donc le ressortir du placard et tester les jeux Virtual Boy !
Les autres accessoires non officiels pourraient eux aussi être compatibles, mais ça demande confirmation.



On peut décrocher la visière rouge, qui ne sert en fait pas à grand chose, pour découvrir que la lunette du casque est la même que pour le Nintendo Labo VR

Mais retour à mon casque : il faut maintenant s’installer pour jouer, et j’ai connu position plus confortable. La première impression est tout de même vraiment bonne, et l’effet 3D stéréoscopique fonctionne très bien. Ceux qui ne perçoivent pas la 3D peuvent également régler l’affichage et profiter quand même des jeux, même en 2D, ce que ne permettait pas la console originale dont l’affichage leur restait définitivement trouble.
La question est de savoir si les sensations originales sont vraiment reproduites, et à ce sujet, Florent Gorges – spécialiste Nintendo renommé qu’on ne présente plus – est formel : l’expérience par rapport à la console originale est quasiment identique.
Pour être parfaitement identique, il aurait fallu proposer également une réédition de la manette Virtual Boy, mais je m’en passerai très bien (quoique…).

Je ne vais pas forcément détailler mon expérience avec les jeux – je réserve ça pour mes avis –, mais je comprends mieux certains choix de Gunpei Yokoi sur le monochrome : l’affichage du fond noir offre un réel effet de profondeur, plus prononcé encore que sur 3DS. Wario Land propose même des graphismes très nets et des effets réellement impressionnants, de quoi confirmer son statut de vitrine de la console.
Reste cette couleur rouge : pas forcément agréable, elle est proposée par défaut, mais une mise à jour prochaine ajoutera d’autres coloris (N&B, jaune, vert).



A l'intérieur du casque.

Bon, et au bout d’une demi-heure d’utilisation, quels sont les symptômes : maux de tête ? Yeux qui piquent ? Eh bien… non ! Et c’est sans doute là qu’on mesure qu’entre le Virtual Boy et la Switch, il s’agit bien de deux technologies complètement différentes. La résolution proposée pour les jeux VB sur Switch 1 et 2 ne semble pas beaucoup plus élevée (vu la taille riquiqui des écrans), mais le rétro-éclairage que ne proposait pas la console originale est sans doute bien moins fatiguant pour les yeux. Pas de maux de tête donc, même si je ressens pendant quelques courtes secondes la sensation de sortir du noir après avoir fini de jouer.

Je l’ai également dit un peu avant, je le répète donc ici : la position pour jouer n’est pas très confortable, et même après avoir trouvé les bons réglages, j’ai ressenti au bout de quelques minutes des fourmis aux mains. Bref, jouer à cette réédition de Virtual Boy n’est pas commode ; le prix à payer pour reproduire l’expérience de jeu originale.
Aucun accessoire n’est également prévu pour fixer le casque sur la tête, mais vu le poids de l’accessoire en plastique avec la Switch 1 ou 2 à l’intérieur (facilement plus d’un kilo, donc plus lourd que le Virtual Boy original qui pèse 750g), il faudrait des attaches solides et bien renforcées pour éviter les douleurs au cou.



Par défaut, le casque Virtual Boy est réglé pour la Switch 2. Si vous jouez sur Switch 1, il faudra juste dévisser l'adaptateur Switch 2 pour visser à la place l'adaptateur Switch 1.

Pour finir, la question qui fâche : le prix. 80€ pour un accessoire en plastique, c’est très cher. Nintendo est évidemment en situation d’imposer le prix qu’il souhaite, donc si vous trouvez que 80€, c’est trop, vous pouvez zapper, ou vous tourner éventuellement sur le Virtual Boy en carton qui ne coûte que 20€. Personnellement, j’ai des doutes sur la fiabilité de l’accessoire low cost – que je ne compte pas tester –, mais il reste la solution la moins onéreuse pour découvrir les jeux Virtual Boy sur Switch : le pack VR Nintendo Labo est en effet plus cher (40 à 50€), tout comme les lunettes VR non officielles pour Switch – et dont la compatibilité n’est pas garantie.

Maintenant, comparé à un Virtual Boy d’occasion (compter 500€) et les jeux (100€ minimum pour les plus répandus), ça reste évidemment bien moins cher, et sans doute bien plus fiable : non seulement la console originale a été un bide, mais elle est aussi très fragile et demande à un moment ou à un autre des réparations. Un Virtual Boy est donc tout sauf un investissement raisonnable.



En plus des 14 jeux initialement présentés, 2 jeux inédits (Zero Racers et D-Hopper) seront proposés.

Je me répète toutefois : il faudra compter sur une mise à jour de l’appli pour que les jeux puissent tourner en 2D sur l’écran de la Switch ou celui de la télé. C’est techniquement possible puisque des émulateurs le font très bien, mais je ne vois pas Nintendo renoncer à vendre des casques en plastique ou en carton juste pour satisfaire des joueurs curieux, d’autant que – argument en faveur de Nintendo – cela reviendrait aussi à ne pas respecter l’expérience de jeu originale (même si la 3D stéréoscopique ne change fondamentalement pas le gameplay de la plupart des jeux).
En l'état, l'appli Virtual Boy ne fonctionne tout simplement pas quand la console est en mode docké, et un message apparaît pour vous demander de retirer la console du dock.



Sans accessoire, voici ce que vous verrez sur l'écran en mode nomade. Bonne chance pour jouer !


Vous vous doutez bien que si j’ai investi dans ce casque en plastique, c’est que mon opinion au sujet des jeux Virtual Boy sur Switch est déjà faite, mais je vous laisse vous faire votre propre avis. J'espère que la présentation de l'accessoire vous aura apporter quelques infos !


A lire également :
- Mon dossier Virtual Boy
- Liste des avis Virtual Boy sur gameforever.fr (appelée à s'étoffer)

L'annulation des Sables du Temps Remake a pris tout le monde de court, alors que la sortie du jeu paraissait imminente.

Ce n'est pourtant pas la première fois qu'un jeu Prince of Persia a été annulé.

Dans son article initialement publié sur gameforever, Romain évoque le projet oublié Redemption, et vient de l'actualiser suite à l'annulation du remake des Sables du Temps.

L'article complet consacré à la série Prince of Persia est à lire sur gameforever : https://www.gameforever.fr/princeofpersia.php


> Le mirage d'un retour

Suite à l'échec du projet cross-media "Les Sables Oubliés" accompagnant un film fraichement accueilli, la franchise sera finalement laissée 10 ans de côté alors qu’elle avait bénéficié depuis 2003 (et Les Sables du Temps) de 4 volets majeurs, et d'une bonne dizaine de productions au total. Qu’a-t-il bien pu se passer ? La raison est simple : certes, Prince of Persia dispose d’une réelle aura, mais parallèlement, la série Assassin’s Creed – propriété entière d’Ubisoft – connaît un succès commercial bien plus important avec son premier volet, et va prendre son envol avec Assassin’s Creed II et les aventures d’Ezio.

Des projets Prince of Persia ont bien été menés par Ubisoft sans qu’on en connaisse pendant longtemps l’existence : il en est ainsi d'un projet lancé par le studio de Montréal, abandonné dans la plus grande des discrétions en 2011. C’est pourtant en 2020 qu’un trailer, jamais révélé par Ubisoft, a refait surface ! Nommé Prince of Persia Redemption, le jeu semble avoir été prévu sur Xbox 360 et PS3, et présente un concept grandement inspiré d'Uncharted ainsi qu'une réalisation revenue à la tonalité plus sombre de L’Âme du Guerrier, à l’exact opposé du Prince of Persia 2008. Le projet est confirmé par un ancien développeur d’Ubisoft (Jonathan Cooper) pour avoir réellement existé, bien que le gameplay révélé par la vidéo ne soit en fait qu’un montage ; un montage néanmoins si impressionnant qu’il aurait servi de base de travail pour la conception… d’Assassin’s Creed III ! Jonathan Cooper révèle également qu’Ubisoft a souvent été prompt à annuler des jeux Prince of Persia du fait que Jordan Mechner en détient toujours les droits – donc une part des bénéfices.


Image tirée du trailer de Prince of Persia Redemption, où l'on voit le Prince disposer d'une nouvelle maîtrise des pouvoirs du temps

Il faudra attendre l’annonce cette fois bien réelle de la sortie initialement prévue pour début 2021 du remake des Sables du Temps pour voir la franchise renaître. Confié aux studios indiens d’Ubisoft basés à Pune et Bombay, Les Sables du Temps Remake devait être leur première grosse production, mais si l'annonce d'un tel remake fut longtemps espérée, le premier trailer de présentation a douché l’enthousiasme. Le bad buzz provoqué par une réalisation « petit budget » a décidé Ubisoft à reporter le jeu pour 2022, puis d'annoncer le "retour à la maison" du projet avec sa reprise en main par le studio de Montréal, pour une date de sortie cette fois indéterminée.




> Un avenir de nouveau incertain

The Lost Crown a tout de même eu le mérite de sortir la franchise Prince of Persia de l’attende du remake des Sables du Temps, alors qu’Ubisoft Montréal semble finalement avoir fait table rase de la totalité du travail déjà fourni, pour repartir de zéro.

The Rogue Prince of Persia est aussi venu apporter sa pierre à l’édifice, contribuant à actualiser la licence… dans l’attente d'un Sables du Temps Remake qui ne sortira finalement pas.

Supposément sur le point d'être complété, avec même une sortie annoncée pour janvier 2026, le jeu s'est fait étonnamment discret à quelques semaines du lancement et aucun trailer n'a été présenté, ce qui ne laissait pas augurer du meilleur. Dans un communiqué publié peu avant la date de sortie, Ubisoft précise que le remake n'a tout simplement pas atteint le niveau de qualité requis, 5 ans après le redémarrage du projet. Mal embarqué, le jeu fait aussi les frais des difficultés financières d'Ubisoft, et son annulation plonge du même coup la franchise Prince of Persia dans une nouvelle période d'incertitude, malgré l'assurance donnée par l'éditeur de ne pas l'abandonner.


L'article complet revient sur l'ensemble de la série Prince of Persia, du tout premier volet à The Rogue Prince. Si cet extrait vous a plu, n'hésitez pas à le lire !
=> https://www.gameforever.fr/princeofpersia.php

Avec la sortie prochaine (ce 17 février) des jeux Virtual Boy sur Switch et Switch 2 via l'offre Switch Online + Pack additionnel, c'était pour moi l'occasion de rédiger un article sur cette console souvent moquée, considéré comme la pire console de Nintendo.
Et c'est certain, le Virtual Boy est bien le plus gros échec commercial de Big N. Pourtant, alors que personne ne semblait le demander, voilà que le Virtual Boy est de retour, et que de nombreux curieux vont enfin pouvoir découvrir - la console n'étant jamais sortie en France.

L'article complet est à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/virtualboy.php

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait qui revient sur la conception de la console.

Bonne lecture !


L’histoire du jeu vidéo est jalonné d’échecs monumentaux, de projets mal nés, de paris insensés, dont les trajectoires ont invariablement mené leurs constructeurs vers une seule direction : droit dans le mur ! Le milieu des années 90 tout particulièrement, période très intense qui allait redistribuer les cartes parmi les acteurs du jeu vidéo (et l’émergence de Sony avec sa PlayStation), allait être également celle d’une succession de ratages plus ou moins retentissants : CD-i, 32X, Amiga CD32, Jaguar, 3DO, PC-FX, Pippin… et Virtual Boy !

Parmi tous les échecs de son époque, le Virtual Boy est aussi le seul qui n’ait entraîné aucune conséquence pour son constructeur. Entre curiosité distante, moqueries et indifférence, la console est progressivement tombée dans l’oubli… avant de ressurgir par surprise du néant.


Le logo Virtual Boy avec l'affichage caractéristique rouge sur fond noir


> La conception du projet

Nintendo n’est pas devenu par hasard un acteur majeur du jeu vidéo : c’est la recherche constante d’innovations depuis son arrivée dans le domaine des jeux et des jouets qui a placé la firme de Kyoto au sommet du jeu vidéo dans les années 80 ; mais des innovations aux coûts maîtrisés, aux technologies éprouvées, pour être proposées à des prix abordables.
Au sein de Nintendo, un homme incarne cette philosophie : Gunpei Yokoi. Concepteur des Game & Watch et l’un des pères de la Game Boy, le responsable de la division R&D1 commence à ne plus se sentir à sa place dans une entreprise engagée à partir des années 90 dans une course à la puissance. Il réfléchit à un dernier projet, persuadé que les consoles de plus en plus performantes ne s’adressent qu’à un public de plus en plus restreint de joueurs, et que le grand public attend des expériences à la fois plus accessibles et plus amusantes.

Début 1990, la réalité virtuelle émerge et se présente comme la technologie du futur. Sega s’y investit dès 1991 avec son Sega VR – un système qui sera finalement abandonné avant d’aboutir – mais Nintendo n’était pas en reste et y consacrait des investissements. Mais si la réalité virtuelle n’était effectivement plus un fantasme à cette époque, la technologie était toutefois loin d’être au point, et surtout, financièrement abordable pour un large public.


Une image d’un prototype, présentant un dispositif de casque léger

Fidèle à sa « pensée latérale des technologies désuètes » qui a forgé sa carrière au sein de Nintendo, Gunpei Yokoi se tourne en 1991 vers une technologie déjà éprouvée qui retient son attention : Private Eye, développé par la société américaine Reflection Technology. L’entreprise avait échoué à vendre cette technologie à Sega qui redoutait l’effet de mal de crâne qu’elle induit, mais Yokoi se montra quant à lui séduit, notamment par la profondeur de champ permise par l’affichage totalement noir de l’écran LED ; il imaginait déjà les possibilités en matière de 3D stéréoscopique. L’utilisation de diodes rouges pour l’affichage des sprites résulte quant à elle de leur coût peu onéreux comparé aux diodes d’autres couleurs, et surtout, l’affichage de nombreuses couleurs n’offrait pas un rendu satisfaisant.

Lorsque le projet d’abord nommé VR32 est lancé en 1991, l’équipe R&D1 de Yokoi imagine concevoir dans un premier temps un casque léger pouvant être porté sur la tête. Seulement, la machine génère des champs électromagnétiques, et la crainte des effets sur le cerveau, en premier lieu, va contraindre les ingénieurs à alourdir le casque en posant une plaque métallique pour bloquer les ondes. Nintendo craint également que les joueurs se blessent s’ils sont en mouvement avec le casque vissé sur la tête, aussi l’appareil reposera finalement sur un bipied.


Mario's Tennis va être le jeu le plus mis en avant pour la présentation du Virtual Boy

La console ne correspond déjà plus tout à fait à la vision qu’avait Gunpei Yokoi, et l’idée même d’un casque ne faisait plus sens, mais le temps alloué à son développement était écoulé, et Nintendo – pressé par la concurrence de Sony et Sega qui arrivent sur le marché avec la PlayStation et la Saturn – souhaite sortir au plus tôt la nouvelle machine pour occuper l’espace, alors que la remplaçante de la SNES, encore nommée « Project Reality », est loin d’être prête.

Bien que la console n’ait aucun lien avec la Game Boy, elle va être nommée Virtual Boy avant sa première présentation en novembre 1994.

Tout l’enjeu pour Nintendo sera dès lors de faire comprendre le concept, avant de présenter concrètement les jeux. Car de jeux, il n’y en a d’abord que 3 (Teleroboxer, Galactic Pinball et Mario Bros VR), et leur intérêt semble relativement limité, mais le Virtual Boy est d’abord présenté comme une console 32-bits, pour souligner sa puissance.


Je m'arrête ici pour cet extrait, en espérant que ça vous donnera envie d'en lire davantage. La suite de mon article revient sur la commercialisation chaotique de la console, ses jeux (sortis et annulés), ainsi que son retour 30 ans après la fin de sa production.

=> https://www.gameforever.fr/virtualboy.php

Mario Kart World, c’est 30 circuits (affichés sur la carte en Courses VS et Contre-la-montre), mais avec toutes les routes intermédiaires, c’est bien plus de tracés : 202 même ! Est-ce la raison même pour laquelle Nintendo estime que le prix de vente est correct ? Eh bien, après m’être littéralement assoupi sur nombre de ces intermissions, je peux affirmer que non !

Les intermissions sont généralement peu intéressantes, et le monde ouvert est vide, ce sont des faits… mais cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas des exceptions : il y a bien des circuits cachés au bout de ces longues routes, et même, des vrais circuits dans le monde ouvert !


Je commence d’abord par les variantes :

En traversant toutes les routes en Grand Prix et en Survie, vous n’avez pas testé la moitié de ces intermissions, et il peut y avoir parfois des passages étonnants, mais le problème de ces routes est qu’elles finissent toujours par être trop longues pour leur propre bien, et pour 10 secondes de fun, il y a une minute de bâillements.

Suivant le point de départ sur la carte, la portion finale n’est cependant pas toujours la même pour le point d’arrivée, avec même quelques secrets que de nombreux joueurs peuvent aisément louper.

Trophéopolis notamment, dispose de plusieurs tracés : sélectionné seul, il mélange deux variantes en un seul tracé ; mais en rallye, il existe 3 variantes, le mode Grand Prix permettant d’en découvrir deux… et l’une demeurant exclusive en Courses VS, à condition de prendre la ligne de départ au nord de Trophéopolis (Stade Peach par exemple).


Le tracé 3 de Trophéopolis pourrait être considéré comme un 31e circuit, mais ce n’est pas le plus exaltant


L’autre cas de figure concerne le controversé Stade Peach : le vrai circuit se situe dans la Coupe Spéciale, mais la variante proposée dans la Coupe carapace est… juste un point d’arrivée. C’est le lieu où se situe l’arène pour le mode Battle, mais c’est complètement raté.

Bien plus intéressant, les intermissions permettent de faire un tour de piste sur un des tracés de Circuit Mario. En prenant une route par le nord-est, on accède ainsi uniquement au tracé de Circuit Mario 1 en bout de course ; au Circuit Mario 2 par une route venant de l’ouest (Fournaisse osseuse par exemple) ; et au Circuit Mario 3 par une route au sud. Seul Chemin du Chêne permet d’accéder à la piste qui réunit les 3 tracés en un seul (comme en GP).


Amusant, même s’il n’est toujours pas possible de faire du contre-la-montre ou une course en plusieurs tours sur ces circuits Mario séparément.


Suivant certains tracés, il est également possible de terminer par certains circuits en sens inverse, comme Circuit Mario Bros, Désert du Soleil, Alpes DK, Stade Wario, Plage Koopa et Prairie Meuh Meuh.

Le plus étonnant – quasiment un secret du jeu – est d’accéder au Souk Maskass par le nord (points de départ : Bateau volant ou Stade Wario), car on parvient au bout de ces tracés… à un circuit alternatif inédit de Souk Maskass ! On n’emprunte ainsi qu’une courte portion du tracé original – et en sens inverse – pour continuer la course dans le palais. Ce circuit – qu’on pourrait intituler Souk Maskass 2 – n’est pas accessible en course seule, donc il faudra se contenter d’un seul tour de piste.


Un vrai tracé original, construit à partir du monde ouvert


Concernant la balade en monde ouvert :

Ça peut être plaisant de se promener en kart juste pour le plaisir, même s’il faut tout de même remplir quelques défis pour débloquer un mode secret du jeu. Parmi ces défis, il y a ces switchs bleus avec un P, qui ouvrent un challenge. La plupart ne soulèvent pas l’enthousiasme : la collecte des pièces bleues, ça va une fois mais difficilement deux.

Au gré de mes promenades – et de quelques astuces vues ailleurs –, j’ai quand même découvert des défis qui valent la peine d’être tentés, et en voici une petite sélection.

Un challenge amusant, c’est une mini-course en 3 tours à l’intérieur du Cinéma Boo. Un T-Rex se déchaîne, et des bisons courent dans le cinéma, c’est chaotique à souhait !



Autre challenge intéressant : une course, là aussi en 3 tours, autour du Château de Bowser. La piste est moins spectaculaire que le circuit, mais le tracé est tout de même bien relevé.


Certains auront également peut-être parfois remarquer des blocs colorés sur les bords de la route : c’est parce qu’il y a un circuit rétro SNES qui se cache par là !
Il y a en effet des challenges où vous devrez compléter des reprises de courses de Super Mario Kart en 3 tours, et elles sont mêmes assez nombreuses. Certaines de ces courses n’ont même jamais été refaites en 3D depuis Mario Kart DS.


Le challenge Vallée Fantôme 3 rappelle que ce circuit était tout sauf une rigolade dans Super Mario Kart

Parmi ces courses, on trouve donc : Île Choco 1 et 2 ; Plage Koopa 1 ; Vallée Fantôme 1, 2 et 3 ; et Lac Vanille 1. Si on ajoute les 3 Circuit Mario et Plage Koopa 2, on trouve donc dans Mario Kart World 11 des 20 circuits de Super Mario Kart !

Évidemment, impossible de faire des courses sur ces circuits cachés en dehors des challenges proposés en mode Balade…


J’en termine avec un dernier défi très sympa trouvé au bout du Spatioport DK : refaire le tracé à l’envers, là aussi pour un challenge !


La disposition des pièges est différente dans le tracé en sens inverse, et le chrono est très serré pour le challenge à compléter


Non seulement, il y a donc bien plus que les 30 courses de base, mais en plus, le monde ouvert offre de nombreuses possibilités de créations et de défis pouvant être amusants (faire une course en sens inverse, imaginer un tracé…). Hélas, Nintendo ne compte pas laisser les joueurs s’amuser comme ils l’entendent avec son jeu, et ce n’est pas la récente mise à jour qui annonce des corrections qui iraient dans le sens des joueurs.

Allez, promis, j’arrête avec mes articles sur Mario Kart World… et accessoirement je vais un peu passer à autre chose.

J'en termine avec une vidéo présentant les circuits SNES présents dans l'open world.

L’ancienne formule des Mario Kart vous manque un peu (ou beaucoup) ? Voici une sélection de coupes qui pourraient vous intéresser.
Je me suis penché sur les 30 circuits – oui, 30 et pas 32 – car open world oblige, et parce que Nintendo a franchement privilégié la formule de courses type « rallye » avec des – parfois très longues – intermissions, on se retrouve en mode Grand Prix avec une courbe d’apprentissage chaotique, des courses parfois très faciles (Prairie Meuh Meuh) dans des coupes qui devraient pourtant être a priori plus difficiles (la Coupe Éclair) ; un manque de variété au sein d’une même coupe (thématique désert ou hivernale) ; et un bouclage final du circuit d’arrivée en 1 tour, ce qui ne laisse que trop peu de temps pour l’apprécier.

Je vous propose donc une nouvelle sélection de coupes (à faire en Mode Courses VS, forcément) pour retrouver un feeling « Mario Kart » plus traditionnel, avec une courbe de progression plus marquée, et une répartition cloisonnée entre coupes rétro et nouveaux circuits.


Coupe Champignon


1 – Circuit Mario Bros
2 – Trophéopolis
3 – Mont Tchou Tchou
4 – Spatioport DK

Pour commencer… je ne change rien ! La coupe Champignon proposée est en fait très bien comme elle est, avec un bon apprentissage des mécaniques du jeu. Le Circuit Mario Bros est l’une des meilleurs courses novice de la série. Trophéopolis rappelle les circuits issus de Mario Kart Tour. Le Mont Tchou Tchou est une très bonne course pour apprendre à rouler sur les rails ; et le Spatioport DK est un bon final.
Quand c’est bien, il faut le dire aussi !

Coupe Fleur


1 – Pic de l’Observatoire
2 – Cinéma Boo
3 – Savane sauvage
4 – Stade Peach

Ces circuits sont piochés dans différentes coupes. Ils offrent pour certains des cadres inédits pour la série, mais sont globalement relativement faciles. Le Pic de l’Observatoire ne pose pas de difficultés, y compris durant son passage aquatique ; le Cinéma Boo est plus impressionnant visuellement que difficile ; la Savane sauvage offre du changement de décor et un peu plus de techniques de pilotage ; et le Stade Peach – l’avant-dernière course de la véritable coupe Spéciale – me semble davantage à sa place en final de Coupe Fleur.

Coupe Étoile


1 – Cité Fleur de sel
2 – Gouffre Pissenlit
3 – Chutes Cheep Cheep
4 – Fournaise osseuse

On monte en difficulté, avec une bonne part de courses en kart « jet ski ». La Cité Fleur de sel et ses airs de Venise mixe les passages urbains et aquatiques ; le Gouffre Pissenlit offre des situations de courses variées et multiplie les routes ; Chutes Cheep Cheep est un circuit sur l’eau plus nerveux et rapide, relativement corsé ; et en guise de final, la Fournaise osseuse pour faire (sérieusement) monter la température !

Coupe Spéciale


1 – Chemin du Chêne
2 – Bloc ? Antique
3 – Château de Bowser
4 – Route Arc-en-ciel

La vraie coupe spéciale est assez décevante point de vue challenge, mais Chemin du Chêne est une excellente ouverture qui récompense les audacieux ; je la laisse donc à sa juste place comme ouverture de ma coupe spéciale. Bloc ? Antique est sans doute la course la plus technique du jeu, avec des possibilités de raccourcis franchement folles.
Et pour respecter ma logique jusqu’au bout, je finis avec un Château de Bowser pas si difficile mais très rapide (avec certains passages en turbo constant) ; et une Route Arc-en-ciel qui clôt de toute façon ce Mario Kart World en offrant un monde à elle toute seule.


Voilà pour une proposition « traditionnelle » de répartition des 16 nouvelles courses.
Maintenant, place aux… 14 courses rétro seulement, ce qui oblige à les répartir sur 3 coupes, et pour 2 d’entre elles, en revenir au format de Grand Prix exclusif à Super Mario Kart, en 5 courses.

Coupe Carapace


1 – Prairie Meuh Meuh (Wii)
2 – Désert du Soleil (DS)
3 – Plage Koopa (SNES)
4 – Stade Wario (N64)
5 – Usine Toad (Wii)

Prairie Meuh Meuh est vu et revu, mais c’est au moins un bon échauffement. Désert du Soleil est une reprise bien plus facile et fade de l’original sur DS (repris sur Wii) ; donc enchaîner sur la Plage Koopa devrait apporter du tonus ! J’enchaîne avec le Stade Wario, que je trouve être une très bonne reprise du circuit original (bien trop long) sur N64 ; et l’incontournable Usine Toad – fidèle à elle-même – en bouquet final.

Coupe Banane


1 – Circuit Mario (SNES)
2 – Plage Peach (GCN)
3 – Alpes DK (DS)
4 – Souk Maskass (3DS)
5 – Cité Sorbet (SW)

Le Circuit Mario – qui regroupe les 3 tracés des Circuit Mario 1, 2 et 3 de la SNES – permet là aussi de s’échauffer, avant d’attaquer une Plage Peach mi-ancienne, mi-nouvelle course avec sa longue variante urbaine. Alpes DK n’a pas énormément bougé depuis la DS, tout comme Souk Maskass qui m’a semblé un poil plus technique que sur Mario Kart 7. Et la Cité Sorbet en final : le seul circuit repris de 8 Deluxe a été très bien repensé pour World.

Coupe Feuille


1 – Montagne Choco (N64)
2 – Galion de Wario (3DS)
3 – Jungle Dino Dino (GCN)
4 – Bateau volant (DS)

Retour à une formule en 4 courses pour ma dernière coupe rétro. La Montagne Choco ne ressemble plus du tout à l’original, et comporte beaucoup d’aléas. Le Galion de Wario aussi, n’a plus grand-chose à voir avec sa version 3DS du fait du changement de gameplay des phases sur l’eau (et non sous l’eau). La Jungle Dino Dino change surtout en apparence mais reste le même circuit technique issu de Double Dash ; et le Bateau volant est un final spectaculaire, cette fois fidèle à l’original.


Pas de coupe Éclair donc, puisqu’il manque 2 courses rétro pour faire le compte, et que Nintendo ne permet pas de scinder les circuits Mario pour courir sur chacune d’elles, voire de jouer aux circuits rétro SNES pourtant bien présents sur la carte – mais j’y reviendrai une autre fois.


Mario Kart World permet toujours de constituer des coupes comme on l’entend en mode Courses VS, jusqu’à 32 courses, et reste également le seul moyen de découvrir certains tracés intermédiaires – parfois dignes d’intérêt – absents du mode GP ou du mode Survie.
Ma proposition répond toutefois à des attentes que pourraient avoir certains de retrouver un Mario Kart « traditionnel » pour s’amuser seul ou avec des amis.

Le développeur espagnol Locomalito revient avec un jeu… pas si nouveau : Gaurodan !

Qui est Locomalito ? J’ai déjà pu présenter à plusieurs reprises sur mon blog ce développeur amateur, mais un rappel ne peut pas faire de mal. L’Espagnol peut vraiment être considéré comme un développeur atypique : réalisant des jeux pour le plaisir, il n’en est pas moins attaché à proposer une finition exemplaire, ainsi qu’un challenge exigeant mais jamais injuste.
Sa particularité, c’est qu’il reste attaché à son statut de développeur amateur : par principe, il ne commercialise donc pas les jeux qu’il réalise, alors même que le travail réalisé est digne d’un studio indé – voire supérieur. Tous ses jeux sont donc proposés gratuitement sur son site, jouables sur PC sans besoin de la moindre configuration.
L’autre caractéristique de Locomalito, c’est un goût certain pour le rétro : toutes ses productions puisent leurs inspirations dans des classiques arcade ou 8-bits des années 80, allant même jusqu’à reproduire des affichages qu’on croirait d’époque.

Les productions les plus connues de Locomalito sont toutefois celles qui ont connu des éditions spéciales payantes : Maldita Castilla EX et Super Hydorah ont ainsi été commercialisés sur de nombreux supports, avec du contenu supplémentaire par rapport à leurs éditions originales – restées quant à elles gratuites.

Gaurodan est un cas un peu à part dans le catalogue de Locomalito, puisque ce jeu est initialement sorti en 2013 sur une console désormais complètement tombée dans l’oubli – mais dont la simple évocation ravive les souvenirs de nombreuses moqueries : la Ouya ! Le développeur s’est finalement décidé à revoir de fond en comble son jeu, pour le proposer en 2025 sur PC dans une version remasterisée, intégrant des options d’affichage apportées avec sa précédente production, Toxic Tomb.

Si vous voulez directement voir le site du développeur, c’est par ici : https://locomalito.com/

L’article a été initialement publié sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/forum/test-gaurodan-locomalito-les-jeux-amateurs-t2078.php


Le test

Si on pense d’abord à Godzilla en découvrant Gaurodan et ses monstres gigantesques sortis des entrailles de la Terre, l’inspiration première de Locomalito vient de mythes des Îles Canaries – lesquelles servent d'ailleurs de cadre à l’action. Gaurodan est donc une créature semblable à un dragon, qui s’échappe de son œuf pour détruire tout obstacle sur son passage. Son seul objectif : éliminer la créature démoniaque Guayota. Voilà pour le scénario, qui tient certes sur un timbre-poste, mais qui traduit l’intérêt de Locomalito pour les légendes et contes de la culture ibérique, après Maldita Castilla.

Le jeu, lui, semble surgir d’une salle d’arcade du milieu des années 80. Gaurodan se rapproche en effet du gameplay d’un Choplifter, où le but n’est toutefois pas de secourir des innocents, mais de ravager les villes. C’est donc un shoot-them-up, mais dans un style bien différent de Hydorah (qui s’inspirait lui de Gradius).
On note d’ailleurs le soin apporté par Locomalito pour reproduire les effets d’une borne d’arcade authentique, à la manière de ce que Capcom avait déjà proposé pour Capcom Arcade Stadium : par défaut, le jeu opte ainsi pour un filtre CRT, des reflets sur l’écran de jeu simulant les néons de la salle d’arcade, et même des rayures sur la borne. Tous ces effets peuvent être désactivés, mais les filtres graphiques sont très sympathiques, et témoignent aussi de l’amour de son développeur pour l’ambiance des salles de jeux des années 80. On n’en attendait finalement pas moins de Locomalito.



Votre dragon Gaurodan à l'assaut des forces armées. Notez le soin apporté à l'affichage de l'écran, comme si vous étiez dans une salle d'arcade !


S’agissant des autres réglages, Gaurodan offre également tout le confort des compilations rétro sur le paramétrage des manettes (pads Xbox conseillés car reconnus par défaut)… mais pas plus : si vous voulez des fonctions « save states » ou « rewind », ce n’est pas la philosophie de la maison, et j’y reviendrai.

Le but du jeu semble simple et efficace, mais concrètement, comment ça se joue ? Tout aussi simplement : croix ou stick de direction (suivant vos préférences), et 2 boutons : un pour le tir horizontal, et un pour le tir vers le bas en diagonal. La particularité de votre dragon est qu’il avance constamment et ne reste donc jamais en position stationnaire si vous lâchez la manette : ça n’a l’air de rien, mais cela vous demandera de diriger constamment votre monstre ailé.

Si vous ne comprenez pas encore tout, ce n’est pas grave : Gaurodan propose un premier niveau très didactique, où vous contrôlez d’abord… un œuf ! Quelques démolitions de maisons suffiront à ce que votre bébé dragon brise la coquille et s’envole pour finir de ravager le secteur. Pour passer au niveau suivant, il faut en effet démolir l’ensemble des constructions du tableau, certaines offrant des bonus temporaires (comme une invincibilité qui dure 5 secondes, et pas une de plus) ou un cœur pour recharger un peu de votre énergie.
Le véritable jeu commence au second niveau, où votre dragon a désormais sa taille adulte et sa puissance à 100 %… de quoi laisser exprimer toute votre fureur ! Les hélicos et chars d’assaut qui ont l’audace de vous défier en auront certes pour leurs frais, mais leur harcèlement n’en sera pas moins constant.



Le premier niveau avec votre tout jeune Gaurodan vous permettra d'apprendre en douceur les subtilités du gameplay.


Très appliqué, Locomalito – level designer confirmé – propose une difficulté progressive, introduisant à chaque niveau une nouvelle menace (aéronefs plus résistants et rapides, chars mieux armés, artillerie…) qui vient s’ajouter à d’autres. En cela, son jeu typé arcade est bien mieux paramétré que nombre de productions des années 80 parfois injustes : maniabilité jamais prise à défaut, précision impeccable, visibilité irréprochable des tirs ennemis… Tout est fait pour vous offrir une réelle courbe d’apprentissage sans jamais donner l’impression que Gaurodan se montre impossible à terminer, et sans balancer des règles sorties de nulle part pour vous tuer en un coup.
Son système de scoring est également très bien pensé, avec de nombreux bonus cachés (notamment des bananes qu’il faudra toutes dénicher pour débloquer une fin spéciale). Détail amusant : ne pas détruire les arbres vous octroie en fin de tableau des points supplémentaires !

Le jeu ne triche pas : il est difficile, mais il ne vous prend jamais en traître. Mais qu’il est radin ! Une vie, c’est tout ce vous aurez pour terminer ce jeu. Inutile de quémander un 1-Up, même en passant 100 000 points, vous n’aurez rien. Et attention aussi à votre barre d’énergie : un coup reçu, c’est un point de vie en moins, mais chaque niveau ne vous permet de ne recharger au maximum que 2 points de vie. Ne comptez donc pas sur la chance (et sur une fonction « save state » absente) pour vous tirer d’un mauvais pas : les règles de Gaurodan sont gravées dans le marbre, et le Game Over est sans appel.

Comme je l’ai dit plus haut, c’est la philosophie de Locomalito, mais des vies supplémentaires n’auraient pas été de refus : le jeu est certes assez court avec 11 tableaux, la sanction n’en demeure pas moins rude, surtout lorsqu’on échoue face à un boss bien énervé. Il faut chaque fois tout recommencer, retourner dans son œuf, et repartir à l’assaut. En cela, Locomalito reste sans concession.


Le premier boss spectaculaire surgit dans le 5e niveau.


Pour la partie sons et musiques, c’est le comparse de toujours de Locomalito, Gryzor87, qui officie. Ceux qui connaissent Maldita Castilla retrouveront un style d’autant plus similaire que les deux jeux ont été pensés pour reproduire le style des jeux arcade des années 80. Il fallait bien des musiques aux sonorités rétro pour que l’illusion soit parfaite !

En guise de conclusion sur ce jeu à la difficulté exigeante mais accrocheuse, un petit mot sur la version de 2013, que Locomalito propose également sur son site : graphiquement plus austère et globalement plus difficile (avec moins de niveaux mais des défis qui traînent un peu trop en longueur), elle permet d’apprécier la qualité du remastered de 2025 ; dur en effet de revenir après à une version originale moins aboutie, mais intéressante à découvrir tout de même.


Pour l'installation :
Le programme exe se lance sans aucun problème sur PC. Locomalito a désormais acquis une solide réputation dans la scène amateur, en proposant une finition impeccable digne d’un produit parfaitement commercialisable.

Comme toujours avec les jeux Locomalito, il ne faut pas être effrayé par les productions au parfum rétro pour se lancer dans Gaurodan. Il ne faut pas non plus être effrayé par sa difficulté : comparé à ses modèles des salles des années 80, le jeu est bien plus accessible ; mais comparé aux compilations rétro dont Locomalito s’inspire pour la forme, il manque sans doute quelques fonctions basiques d’émulateur pour être accessibles à un plus grand nombre.

Télécharger le jeu sur le site de Locomalito

A lire également :
- Les avis sur gameforever.fr pour Cursed Castilla EX (Maldita Castilla)
- Mon test de Darkula, du même développeur.
- Mon test de The Curse of Issyos, toujours de Locomalito.
- Mon test de Toxic Tomb, de Locomalito, encore lui.

Je me suis lancé dans une analyse des jeux vidéo publicitaires (ou advergames), qui ont pu prendre de très nombreuses formes. Loin d'être une catégorie honteuse, on y trouve même des bons jeux (Cool Spot, Zool, McDonald Treasure Land...), quoique les jeux médiocres sont plutôt la norme.

L'article étant plutôt long, je ne propose sur Gamekyo que le début, la suite étant à lire sur gameforever.fr :
=> https://www.gameforever.fr/advergames.php

En espérant que cela vous donnera envie de lire la suite ! (garantie sans publicité)

Bonne lecture !


Où que vous alliez, la publicité est partout, vous entoure, vous accompagne et entre dans vos têtes pour ne plus en sortir. Et la pub est vraiment partout, se cachant parfois sournoisement dans vos jeux vidéo.

Les Advergames (advertising games, jeux publicitaires), c’est le concept de la campagne marketing poussée à un niveau plus élevé que l’affichage ou le placement de produit : vous jouez à un jeu qui a été pensé et conçu dans le but de faire connaître un produit, et plus généralement une marque, ou de contribuer à lui donner une image positive.

Alors, vous restera-t-il assez de temps de cerveau disponible pour lire cet article ?


> La gratuité, essence de l’advergame

Par nature, un advergame doit être gratuit, car la publicité a déjà financé ce à quoi vous jouez, en échange de votre attention. Et les origines de l’advergaming sont à chercher bien avant le jeu vidéo : dans un journal, une page de mots-croisés sponsorisée par une marque et avec quelques devinettes cachées (en 8 lettres : "épaisseur triple, pour un toucher plus doux"), c’est évidemment un jeu publicitaire.

Pour ce type de jeux, le paramètre principal reste avant tout la visée publicitaire ; le gameplay n’est qu’accessoire, même s’il est tout de même préférable de proposer un jeu jouable ! La "direction artistique" aurait quant à elle vocation à s’inscrire dans le plan marketing global de la marque ou de la campagne publicitaire en cours, à respecter certains codes graphiques et un état d’esprit. Les innovations de gameplay ne sont donc absolument pas une priorité, et le moyen le plus simple pour vendre une marque ou un produit reste encore de s’appuyer sur un concept qui a déjà fait ses preuves : un clone de Puzzle Bobble pour promouvoir des mouchoirs ; un jeu de gestion à la Theme Park pour une marque de sodas…


Marque mise en avant, charte graphique étudiée, concept de puzzle game repris d’un jeu existant (Puzzle Fighter II)… Trident White Puzzle Smash est typique des advergames, aujourd’hui hors ligne et sauvegardé "miraculeusement" sur un site de jeux gratuits

Aux origines du jeu vidéo publicitaire, on trouve l’Atari 2600. Le parc installé de consoles suscita l’intérêt des marques, mais il fallait un pionnier : cet honneur incombe en 1983 à la société Ralston Purina, spécialisée dans les céréales et l’alimentation pour animaux. Dans le prolongement d’une campagne de réclames télévisuelles où un chien poursuit un chariot ("chuckwagon" en anglais, le terme étant également la marque de la pâtée), Purina commande au développeur SpectraVision un jeu reprenant l’idée de la publicité. Chase the Chuck Wagon s’inspire ainsi des jeux typiques de son époque, comme Pac-Man ou Lady Bug, et doit être commandé auprès de Purina en échange de preuves d’achats.
D’autres jeux du même acabit suivront : Kool-Aid Man (la mascotte de Kool-Aid, un Banga américain) et Tooth Protectors (un jeu à double-visée éducative et promotionnelle, proposé par Johnson & Johnson). Quant à Pepsi Invaders sorti la même année toujours sur Atari 2600, je ne le classe pas dans cette catégorie, le jeu étant uniquement produit pour des salariés de Coca-Cola à des fins de communication interne et de promotion de l’esprit d’entreprise, en dénigrant le rival – quelle belle mentalité !
Ces initiatives ne rencontreront toutefois pas de grands succès, et se heurteront qui plus est à la crise américaine du jeu vidéo en 1983.


Difficile de désigner quel est l’ancêtre des advergames, mais Chase the Chuck Wagon est le meilleur candidat, et en tout cas le plus "connu"

Face à l’échec de la commande par preuves d’achats, l’advergame va alors employer d’autres moyens pour se diffuser : la distribution gratuite d’office ! Proposé en 1996 aux États-Unis dans un CD-ROM offert avec des paquets de céréales de la marque Chex (à l’époque détenue par Ralston Purina, tiens donc), Chex Quest a été distribué à des millions d’exemplaires, le coût de production d’un CD étant relativement dérisoire.
Concrètement, Chex Quest est une conversion de Doom (avec l’accord d’iD Software) en mode "kid-friendly", ayant expurgé la violence et remplacé les monstres par des extraterrestres rigolos. Mais pour de nombreux joueurs, le vénérable Doom restait en 1996 encore une référence, et Chex Quest pouvait faire bonne impression, a fortiori pour un advergame.
Le comble pour ce jeu – qui n’est finalement qu’une copie ne proposant que les 5 premiers niveaux de Doom – est qu’il ait pu acquérir par lui-même une communauté de fans, et qu’une remasterisation HD (!!) est même sortie en 2019.


Chex Quest est un Doom reskinné, le parfait exemple d’un advergame qui a touché sa cible en utilisant un jeu qui a fait ses preuves

Vous avez peut-être vous même souvenir d’un jeu distribué dans un paquet de céréales. Mais c’est aussi bien l’essor du casual gaming popularisé par Wii Sports et les jeux DS que l’augmentation du débit d’internet, qui vont véritablement permettre à l’advergaming de prendre son envol et se retrouver partout. Parfois, directement sur les sites internets des marques, mais très souvent sur Facebook, plateforme idéale pour vous pousser à liker, à partager des expériences ludiques : inviter un ami à jouer pour gagner une partie supplémentaire, vous avez sans doute déjà connu ça, non ? Si en plus, vos amis accrochent et partagent avec vous leurs scores pour comparer, le plan marketing est sur la voie du succès.

Mais Facebook demande à rester devant son écran d’ordinateur. Les pubs, si elles veulent être toujours plus performantes, doivent pouvoir vous suivre où que vous soyez, et c’est ainsi qu’elles vont progressivement abandonner Facebook pour investir massivement les smartphones, en inondant les App Store et Google Play Store d’applis qui n’attendent que de vous divertir durant vos innombrables pauses. Sans surprise, les smartphones sont particulièrement privilégiés pour cibler les enfants et les fidéliser très tôt à une marque. Et si ces jeux peuvent parfois proposer du challenge, l’idée est de rester accessible au plus grand nombre : hors de question de pondre un Dark Souls de l’advergame. Ce serait tout de même un comble si un jeu vidéo publicitaire vous colle la honte en étant trop difficile !


Fanta King of the Park, jeu social pour promouvoir la marque de sodas. Depuis, Fanta a changé de logo, et le jeu frappé d’obsolescence a disparu. Le succès marketing ne va qu’un temps

Difficile pour moi de vous recommander un de ces jeux en particulier : sans être forcément mauvais (parfois réellement amusants), ils sont souvent des copies inférieures de jeux déjà existants, mais plus gênant, lorsque la campagne marketing est achevée et / ou que le succès n’aura pas été au rendez-vous, ces jeux sont généralement retirés des stores ou des réseaux sociaux. La tendance est même au déclin de ce type d’advergames à mesure que des développeurs investissent ces boutiques avec des productions originales et ambitieuses (comme Candy Crush, Angry Birds ou Clash of Clans), quand ce ne sont pas les éditeurs traditionnels du jeu vidéo qui viennent avec des adaptations, voire des volets exclusifs de leurs licences : en termes d’impact, des clones de Mario, Sonic ou Pac-Man sponsorisés par des marques ne peuvent pas lutter contre les originaux.
Le résultat est visible dès la page d’accueil du Google Play Store, et les seuls advergames à pouvoir tenir tête résultent eux-mêmes de licences hyper commerciales (Lego, Disney…) et de concepts forts qui dépassent le gaming (comme le jeu de cartes Uno ou des jeux de société).


Lego est tellement investi dans le jeu vidéo (ici Lego Legacy – Heroes Unboxed sur smartphone) qu’il n’y a plus de frontières avec la publicité

Se pose alors la question de la préservation du jeu vidéo, y compris de ces advergames : méritent-ils d’être oubliés une fois leur raisons d’exister disparues ? Ou doivent-ils être sauvegardés au même titre que des jeux vidéo classiques, comme témoins de l’époque durant laquelle ils ont paru ?
Une réponse à cette question se trouve dans l’affection que des joueurs peuvent avoir pour Chex Quest, mais est également illustrée dans The Awesome Adventures of Captain Spirit, le prologue offert par Dontnod pour promouvoir Life is Strange 2 (tiens, autre sujet d’étude d’ailleurs) : lorsque le jeune Chris joue au mini-advergame fictif Hawt Dawg Man, on peut y voir un clin d’œil à tous ces jeux, mais alors que le gamin s’amuse à battre son record personnel, qui sait s’il ne gardera pas une affection toute particulière pour ce jeu que tout le monde aura peut-être oublié ?


Ce sera tout pour cet extrait, mais si cette lecture vous a intéressé, il y a encore la suite !

=> https://www.gameforever.fr/advergames.php

J'y parle de jeux plus sérieux (promotion de l'armée américaine...), des "advergames" payants, des jeux qui sont devenus publicitaires malgré eux, et j'en finis avec une dernière évolution, les DLC publicitaires (Mario Kart 8...), et même, la plateforme de publicités : Fortnite.

Nouvel article en ligne sur Game Forever, et cette fois mon sujet est la série Contra !

Les anciens l'ont connue sous le nom de Probotector, les plus anciens encore l'ont découverte sous le nom de Gryzor, et ces changements de nom traduisent bien ce que peut être cette série atypique, longtemps restée fidèle à sa conception jusqu'au-boutiste d'un challenge sans concession ; car la réputation des Contra, c'est d'être des jeux (très) difficiles.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article qui parle du premier volet et de ses adaptations (notamment NES), en espérant que ça vous donnera envie de lire la suite.

L'article complet est disponible sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/contra.php

La rétrospective revient sur absolument tous les épisodes de la série, et j'ai dû payer de ma personne, à la fois en raison de la difficulté de certains épisodes (quitte à utiliser un certain code secret), mais aussi parce que la série compte également quelques épisodes honteux.
Bien évidemment, je propose également un long développement sur le cultissime Contra III, et je n'oublie pas le tout dernier volet, Operation Galuga, sorti en 2024.

Bonne lecture !


Parmi les nombreuses séries qui ont fait la réputation de l’éditeur Konami, Contra est née à une époque où les stars incontestées du cinéma d’action se nommaient Arnold Schwarzenegger et Sylvester Stallone.

C’est aussi une série qui s’est forgée une réputation de jeux à la difficulté implacable et à la nervosité sans pareille : jouer à un Contra, c’est en avoir pour son argent avec des effets spéciaux à outrance, mais c’est aussi mourir encore et encore, pour se relever et continuer le combat. De vrais jeux pour guerriers !

En Europe, la série a d’abord construit sa popularité sous un autre nom, Probotector, où les humains sont remplacés par des robots. Une identité un peu différente pour la série de Konami, ce qui n’a pas empêché ses épisodes cultes de connaître le même succès qu’ailleurs.


> De Contra à Probotector en passant par Gryzor

Lorsque Contra est lancé début 1987 en salles d’arcade, Konami est déjà un éditeur solidement établi, développant pour de nombreux supports et fort de succès comme Gradius en arcade ou Castlevania sur NES. À l’évidence, c’est un classique maison du run’n gun, Green Beret (Rush’n Attack en Occident) qui a servi de modèle à Contra, avec l’idée d’un soldat solidement armé pour se frayer un chemin jusqu’au cœur de la base ennemie.


Un passage classique de Contra, même si c’est davantage la taille de ce système de défense qui impressionne, plus que sa difficulté

Contra dynamite toutefois le déjà vieillissant Rush’n Attack avec une action plus intense et variée entièrement jouable en coopération. À la manière des shoot-them-ups, le joueur peut trouver sur son parcours des power-ups pour bénéficier de nouvelles armes variées et plus puissantes (mitrailleuse, tir laser, tir multiple), mais le jeu n’hésite pas à bousculer le joueur dans son confort, délaissant pour deux niveaux son gameplay en scrolling 2D horizontal pour une progression en vue de dos dans un couloir ; les prémices du TPS !


Dans la base, la vue passe de dos et vous devrez progresser de salle en salle pour arriver jusqu’au boss

Dans Contra, les ennemis peuvent surgir de n’importe où, en grand nombre, et tirer de n’importe quel endroit de l’écran. De votre côté, votre héros peut bien être baraqué, il meurt au premier contact : c’est la dure loi de l’île de Galuga, où vous êtes envoyé en mission pour exterminer la menace extraterrestre. Ce qui fait toute la difficulté de Contra est aussi sa force : devant une action aussi intense, le jeu exige une attention de tous les instants. Échouer, se relever immédiatement, affronter des boss gigantesques… C’est tout ce qui a fait le succès de ce jeu en salles, et qui va naturellement le porter sur de très nombreux supports.

L’éditeur britannique Ocean sent en effet rapidement tout le potentiel du jeu connu dans les salles européennes sous le nom de Gryzor, et lance les adaptations du hit sur les ordinateurs ZX Spectrum et Amstrad CPC, confiées à des petites équipes qui faisaient du bricolage avec des moyens limités. C’est d’ailleurs la version Amstrad tout particulièrement, qui marque pour la qualité de sa conversion et demeure l’un des meilleurs jeux du support. À noter que l’illustration de Gryzor (puis de Contra sur d’autres supports) a clairement recopié les affiches d’un film également sorti en 1987 : Predator ! De ce fait, on croit d’ailleurs – à tort donc – que Predator a inspiré Contra, alors que la version originale arcade est antérieure et ne s’inspire que d’Alien.

Le portage le plus célèbre est néanmoins celui réalisé en interne par Konami pour la NES : sortie début 1988, l’adaptation offre des niveaux plus longs et mieux découpés, ainsi que des boss redesignés. Prouesse supplémentaire pour la console, le jeu en coopération est maintenu sans affecter les performances de la cartouche, ce qui va contribuer au succès du titre auprès du jeune public de la NES. Ça, et un code de triche qui atténue grandement l’immense frustration que peut générer le titre : le très célèbre Konami Code ! Certes apparu pour la première fois avec l’adaptation NES de Gradius, c’est bien Contra qui le popularise, notamment pour donner au joueur un confortable matelas de 30 vies… qui ne garantit pour autant pas d’atteindre la fin du jeu !


Apport de la version NES, le boss du niveau 3 est l’un des plus impressionnants et les plus iconiques de Contra

L'adaptation NES est également connue pour ses nombreuses versions : celle sortie sur Famicom bénéficie d’une puce qui permet d’intégrer une introduction plus complète, d’images supplémentaires, ainsi que l’affichage d’une carte entre chaque niveau à la manière de Ghosts’n Goblins.

C’est toutefois la version européenne qui connaît à sa sortie fin 1990 les changements les plus notables. Contra devient en effet Probotector dans les contrées PAL, et c’est toute son image qui change : les héros Bill et Lance sont ainsi remplacés par deux robots (RD008 et RC011) aux designs inspirés des mangas Macross ou encore Patlabor, qui combattent certes la même menace extraterrestre, mais n’affrontent plus d’ennemis humains ; uniquement des robots. La raison de cette censure vient d’une agence fédérale allemande pour la protection des mineurs face aux médias, dont les prérogatives sont alors suffisamment fortes pour interdire à la vente aux mineurs un jeu vidéo jugé violent ; Doom en fera d’ailleurs longtemps les frais, seulement autorisé en Allemagne depuis 2011. C’est pour éviter tout risque d’interdiction que Probotector s'impose au détriment de Contra, y compris pour les autres marchés européens.


Voilà pour cet extrait ! Je vous invite à lire la suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/contra.php

Comme je l'ai précisé en intro, il reste encore beaucoup à lire, puisque je reviens sur la 15aine de jeux de la série, et même plus en comptant quelques adaptations, jeux sur smartphones et projets annulés.

Les fans de F-Zero vivent une période un peu étrange où la licence semble à la fois rangée au placard… et prête à en sortir. Le meilleur exemple est la sortie de F-Zero 99, un « pas tout à fait » nouvel épisode basé sur le jeu original, en mode Battle royale.

Signes toutefois que la licence fascine toujours autant, plusieurs projets indé ont rendu hommage – plus ou moins ouvertement – à F-Zero. Radial-G reprend ainsi le concept des courses en cylindre, tandis que le plus connu FAST RMX du studio allemand Shin’en a même embauché l’annonceur de F-Zero GX, tout en présentant son propre style de course.

Le dernier projet en date se nomme Aero GPX, et il commence à gagner sa petite réputation. Le projet est porté par un développeur américain, Aaron McDevitt, qui s’est lancé en 2019 dans son premier jeu complet après quelques années passées à réaliser des mods ou des mini-jeux. En 2022, il décide de passer par Kickstarter pour financer son projet. Avec un objectif initial de 72 000 $, son projet Aero GPX finit par récolter au terme de sa campagne 118 000 $, glanant au passage quelques objectifs secondaires. En prime, le jeu reçoit de nombreuses précommandes sur Steam.

Il faut dire qu’Aaron « Aaronmac » McDevitt a visé juste en présentant une réalisation sobre en cel-shading, rendant hommage à la réalisation graphique épurée – et autrefois décriée – de F-Zero X. Son jeu a en effet été immédiatement remarqué par les nombreux fans de F-Zero pour sa réalisation, mais aussi pour son gameplay basé sur la vitesse pure… ainsi que des phases de course très aériennes ; d’où le titre Aero GPX !



Assisté de Myrone pour une OST aux airs de F-Zero X (et aussi Megaman X, je trouve), ainsi que du dessinateur écossais Norrie pour les illustrations, Aaron McDevitt présente le 06/08/2024 son jeu en early access sur Steam ! Et c’est évidemment l’occasion de savoir ce que son Aero GPX a dans le ventre.


F-Zero X HD ?

Je ne parle bien sûr que de F-Zero X tant Aero GPX s’en inspire, mais en termes de gameplay pur, le feeling de F-Zero GX est encore plus présent, mettant notamment en avant la technique du slide. S’il n’est pas cité, Mario Kart 7 (et ses sections de vol en deltaplane) me semble avoir eu ici pas mal d’influence.

Le jeu propose actuellement 15 bolides et 15 circuits, mais le projet initial de financement prévoit un total de 30 courses, 30 bolides, un éditeur de circuits, et avec les objectifs secondaires, 5 courses et 5 bolides supplémentaires.
En l’état, Aero GPX présente tout de même une expérience assez complète, avec 3 coupes et quelques défis. Le mode principal est d’ailleurs le mode Carreer : relativement court, il peut être entièrement parcouru à la difficulté Standard pour découvrir les différents circuits, réaliser des défis pour le moment peu variés (1 contre 1, chrono, course simple), débloquer les 10 bolides restants, et finalement concourir dans un Grand Prix de 5 courses.
Une fois les 3 divisions bouclées en Standard, vous aurez a priori débloquer tout le contenu (provisoire) d’Aero GPX, sans avoir à vous risquer aux difficultés Ace et Expert… mais Aaronmac prévoit de nombreux bonus et extras à débloquer dans la version définitive, et nul doute qu’il faudra en passer par ces deux niveaux de difficulté qui augmentent l’agressivité et la vélocité des IA adverses.



S’agissant des courses, les joueurs rompus aux F-Zero ne manqueront cependant pas de remarquer les similitudes un peu trop prononcées de quelques circuits parmi ceux de la première coupe : c’est pardonnable pour le tout premier tracé, didactique avant tout – et qui offre d’ailleurs une petite section de vol ; un peu moins pour 2 autres qui sont des copiés-collés jusque dans les décors de Silence 1 (pour la longue ligne droite en vitesse pure avec des dalles de turbos) et Big Blue 1 (pour la course en cylindre, les graphismes et même la musique) de F-Zero X.

A ce moment, la crainte de ne jouer qu’à un F-Zero X HD (et indé) fait baisser quelque peu l’enthousiasme pour cet Aero GPX… mais le jeu ne tarde pas à dévoiler quelques-uns de ses atouts.


La propre touche d’Aero GPX

La 3e course de la première coupe Neutron présente en effet un gameplay plus spécifique d’Aero GPX, bien plus aérien. C’est pour ainsi dire la première réelle difficulté du jeu, tout comme son premier vrai test : chaque bolide dispose en effet d’une stat « Flight », et c’est durant cette phase précise qu’on mesure son importance. Les portions aériennes étant assez longues, les risques de crash sont assez importants, et suivre le guide n’est pas un luxe. Avec davantage de maîtrise, il est toutefois possible de réaliser des vols spectaculaires et gagner énormément de vitesse ; ce sera même indispensable à la difficulté maximale Expert.



Sans doute pour éviter une saturation de ce type de courses aériennes, il n’y en aura toutefois qu’une par coupe, même si la course en half pipe de la coupe Carbon récompense les audacieux du vol plané par des raccourcis et des gains de vitesse conséquents.
Il faudra toutefois attendre la 3e – et pour le moment dernière – coupe pour voir Aero GPX se distinguer davantage de ses modèles et proposer des circuits qui lui sont propres, ce qui laisse présager qu’Aaron McDevitt va davantage se lâcher avec les 15 à 20 courses restantes.

Concernant la maniabilité, l’erreur est de conserver tous les réflexes acquis avec la série de Nintendo. Outre le pilotage plus aérien sur 5 (voire 6) courses sur les 15, Aero GPX distingue le turbo (qui a sa propre barre) de l’énergie, et cela facilite forcément les choses : plus de remords à épuiser le turbo sans risquer la destruction de son bolide… même si un nombre conséquent de courses pose le dilemme de recharger soit le turbo, soit l’énergie.
En prime, les courses dans le cadre « Fire Field » peuvent proposer des portions ou des dalles turbo enflammées qui provoqueront une surchauffe du moteur : plus de vitesse dans un temps limité, mais une barre d’énergie qui se décharge progressivement.



Hormis la gestion plus poussée des phases de vol, celle des dérapages est directement reprise de F-Zero GX, donc on revient en terre connue. Idem pour les attaques. Reste la gestion des vols et des atterrissages, une bonne manœuvre en tournoyant vous récompensant d’un « smooth » synonyme de léger gain de vitesse ; un petit emprunt cette fois à la série WipEout !


Premières impressions positives

Sur Steam, les premiers retours sont très enthousiastes, ce qui devrait inciter Aaron McDevitt à peaufiner son projet, et pourquoi pas, réaliser quelques-uns des objectifs secondaires non atteints durant la campagne Kickstarter.
Un mode multi en local reste également à livrer, mais pour les modes en ligne en revanche, il faudra sans doute faire une croix dessus, le développeur reconnaissant ne pas savoir comment s’y prendre. A moins, bien sûr, qu’il se laisse convaincre par une aide extérieure… ainsi que par l’éventuel succès commercial de son jeu !

Le jeu n’est également prévu que sur PC (et sur Steam) pour une date encore indéterminée. Même si Aaron McDevitt estime que la place naturelle d’Aero GPX est sur Switch, aucune version console n’est envisagée (y compris sur PS4/PS4 et Xbox One/Xbox Series). Petite consolation, il est possible de jouer avec les manettes PlayStation, Switch et évidemment Xbox, toutes reconnues.



Pour ma part, j’attendais d’Aero GPX un gameplay et une réalisation actualisés de F-Zero X, et de ce côté, je suis assez satisfait. Les phases de courses aériennes offrent un gros potentiel dans la maîtrise spécifique du pilotage ; la vitesse est toujours démentielle, et la maniabilité est quasi-irréprochable. Du très bon travail !
Pour autant, c’est aussi précisément parce que j’ai déjà joué à F-Zero X que j’attendais de l’originalité sur chacune des courses, et donc, de ne pas retrouver 5 ou 6 circuits un peu trop sagement recopiés de F-Zero X. Sur les 15 tracés proposés, ça fait forcément beaucoup, mais comme je l’ai dit, on peut attendre des 15 à 20 courses en attente de livraison plus d’audaces et de surprises.

Aero GPX est donc à suivre, et s’agissant plus spécifiquement des fans de F-Zero, à soutenir dès maintenant !

A lire également : le dossier sur la série F-Zero sur gameforever où j’évoque Aero GPX comme l’un des héritiers.

Après une mise à jour qui a complètement remodelé les bases spatiales, encore une mise à jour très conséquente pour No Man's Sky, au point même de modifier complètement certains paysages, la faune, la flore et les minéraux d'un grand nombre de planètes.

Comme de nombreux joueurs qui ont fini par laisser de côté No Man's Sky - après quand même une bonne centaine d'heures pour ma part, j'ai donc relancé ma partie pour voir ce que Hello Games a proposé.

Pour montrer le changement graphique spectaculaire du jeu, je ne me suis pas promené bien loin : en restant tout simplement sur ma planète de départ - celle où j'ai commencé mon aventure et décidé d'y installer ma principale base - et qui n'est plus tout à fait la même ! Le ciel auparavant bleu est désormais jaune, et même la flore a complètement changé. Je ne reconnais plus mon chez moi virtuel !

Photos de ma planète avant :


Ma base, qui en était aux débuts de sa construction


La surface, en pleine journée. Ciel bleu, champignons géants, sol boueux


Et au crépuscule


Photos de ma planète après la mise à jour 5 Worlds :


Ma base s'est certes bien développée, mais on pourrait croire que je suis sur une nouvelle planète


Après la mise à jour, le ciel est devenu jaune en plein jour, la végétation a complètement changé, et le sol est devenu sec. Ça ne se voit pas trop sur cette image, mais les nuages sont aussi beaucoup plus nombreux


Au crépuscule, le ciel redevient bleu sur ma planète


Toutes les planètes de mon système solaire de départ n'ont pas connu autant de bouleversements. La planète enneigée a été peu modifiée par la màj mais il me reste à y vérifier l'évolution dans les fonds marins ; alors qu'une autre planète de type radioactive a elle aussi été complètement remodelée.

Qui d'autres a relancé No Man's Sky après la mise à jour Worlds ?
Hâte de voir ce que réserve Hello Games pour la 2e partie de cette mise à jour !

Wizzy, un pilier de l'équipe de Game Forever, a eu la chance d'interviewer Nathan Fouts. Développeur américain, il est un vétéran de la scène indé, et a fondé son studio Mommy's Best Games en 2008, ayant participé à l'essor du Xbox Live Indie Games.

Wizzy suit son travail depuis un petit moment déjà. Le style du développeur, ce sont des jeux à la patte graphique reconnaissable entre mille, et une action nerveuse quels que soient les nombreux styles de jeux (shmup, run'n gun...) du studio.

Le développeur présente son prochain jeu ChainStaff (prévu pour 2025, 2024 si tout se passe bien), et revient aussi sur l'aventure Mommy's Best Games depuis sa création.

Pour Gamekyo, je vous partage la première partie de cette interview parlant de ChainStaff. La suite revient sur le parcours de Nathan Fouts, les jeux qu'il a développés, et sa vision du jeu vidéo.

Vous pouvez lire dès maintenant l'interview complète sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/mommysbestgames.php

Bonne lecture !


Fondateur de Mommy's Best Games, Nathan Fouts est un vétéran de la scène indé. De jeu en jeu, il a forgé un univers déglingué, où la folie punk et douce pare des gameplays addictifs et des concepts totalement frais à la joute. Les jeux Mommy's Best Games respire l'amusement avec un grand A, un maxi grand et immense A, qu'on recherche tous, manette en mains. L'annonce de son nouveau jeu, mélange de Shadow of the Beast et de Contra, a fait l'effet d'un détonateur sur moi et l'interview, une bombe, est l'occasion de découvrir un véritable "auteur" et une œuvre toute personnelle.

Édité par NULL Games pour une sortie prochaine sur Steam (2024, 2025 ?), ChainStaff nous met dans la peau d'un GI à tête d'insecte sur un planète Terre qui s'est transformé peu à peu en nid grouillant de rampants à dégommer. Notre arme, une lance crochue, est du genre multi-tâche...




> ChainStaff

[GF] : Je dois tout avouer. Je suis un grand fan de Pig Eat Ball et Shoot 1-up et j'ai pu découvrir tous vos jeux par la suite, un peu comme un enfant découvrant un coffre à jouets. Comment pourrait-on définir vos jeux ?

[Nathan Fouts] : J'aime créer des jeux d'action classiques avec une forte originalité dans le gameplay. Je veux m'assurer que chacun de mes jeux ait une "raison d'exister" et que si vous aimez le genre, il vous paraîtra unique.

[GF] : Votre nouveau projet me rappelle les "run and guns" d'antan. Pouvez-vous nous parler de ChainStaff ?

ChainStaff est un jeu d'action-plateforme avec un grappin transformable. Je voulais créer un nouveau jeu avec un grappin. J'adore les jeux avec un grappin ! Mais je trouve que beaucoup de jeux utilisent plutôt une "tyrolienne" que vraiment un grappin. J'aime l'action effrénée de pouvoir se balancer en courant et en tirant. Donc, dans ChainStaff, vous avez un outil très dangereux mais excitant à utiliser. Il est également très important que vous affrontiez des monstres bizarres. Plus ils sont étranges, mieux c'est. J'apprécie les designs de monstres inhabituels. Les zombies et les ogres vont bien pour d'autres jeux, mais je veux des choses vraiment intéressantes à combattre dans mes jeux.



[GF] : Que pouvez-vous nous dire sur la direction artistique ?

J'adore les couvertures de livres de science-fiction et les pochettes d'albums de rock des années 70-80. L'art y est si viscéral. Ce sont souvent de superbes peintures, mais on peut voir les imperfections, la touche humaine. Ils ont aussi des combinaisons de couleurs vives et inhabituelles que j'adore. Si vous êtes fan de l'art de la science-fiction et de la fantasy, vous pouvez probablement deviner certaines de mes inspirations : Frazetta, Boris Valejo, Michael Whelan et Roger Dean, bien sûr. Mais que dire de Bruce Pennington, John Berkey ou Rodney Matthews ? Et n'oublions pas Jeff Easley, Bernie Wrightson ou Patrick Woodruffe ! Il y a tellement d'autres artistes dont j'admire l'art et dont j'apprends beaucoup.

[GF] : Et l'arme énigmatique qui semble être un élément clé du gameplay ?

Le ChainStaff est comme un couteau suisse des jeux, sauf qu'il est 15 fois plus grand. Vous pouvez en faire beaucoup avec : le lancer comme un javelot, vous balancer avec, et le projeter comme un bouclier. Mais vous pouvez aussi l'utiliser pour soulever des objets en l'air ! Et vous pouvez même l'escalader comme un poteau et vous tenir dessus. Mieux encore, la plupart de ces actions se font facilement avec juste un bouton. C'est intuitif : c'est à vous de décider comment l'utiliser dans le jeu.


Ce sera tout pour cet extrait !

Pour lire la suite de l'interview, c'est sur Game Forever :
=> https://www.gameforever.fr/mommysbestgames.php

Mon camarade @Obi69 est retenu au Royaume des Ombres, mais il me transmet quand même sa vidéo de découverte du DLC Shadow of the Erdtree d'Elden Ring !

Il s'agit d'une vidéo-découverte commentée de la première heure du DLC, de quoi avoir un bon aperçu du nouveau monde qui s'ouvre à vous... ainsi que de la difficulté qui s'annonce très (très) rude !

Bon visionnage !

Il s’est écoulé 9 ans depuis l’annonce de Bloodstained – Ritual of the Night, et le jeu vient aussi de fêter son 5ème anniversaire. Et Koji « IGA » Igarashi peut être fier du chemin parcouru : avec désormais 3 jeux, il a ressuscité Castlevania, lui qui en fut le gardien jusqu’à 2010.

Certes, sa série s’appelle Bloodstained, mais hormis 2 séries sur Netflix et un crossover avec Dead Cells, qu’a fait Konami de sa licence culte depuis, hormis des compilations rétro ? Bloodstained a donc occupé un espace laissé vacant.
IGA a toutefois ramené le Castlevania qu’il a toujours connu, sans grande innovation, mais avec l’envie de satisfaire les fans. Après un mode Classic offert - que j'ai testé, il finit donc par livrer au bout de 5 ans tout ce que la campagne Kickstarter avait promis, notamment un mode Chaos gratuit où on livre une série de défis, ainsi qu’un mode Versus jouable en ligne.

Avant de se tourner définitivement vers « Bloodstained 2 », IGA a cependant une dernière surprise à livrer : un DLC « Classic II » sorti le 11/06/2024. Non prévu dans la campagne Kickstarter, ce qui justifie qu’il soit payant, le DLC a été confié au studio WayForward, qu’on ne présente plus, et qui avait déjà prêté main forte au développement de Ritual of the Night.
L’idée, après un Bloodstained Classic, est cette fois de proposer une réinterprétation de Castlevania II – Simon’s Quest, sorti sur NES en 1987 ; un jeu d’action-aventure dont la construction en fait un ancêtre des metroidvania.


Etant un DLC, la réalisation graphique repose sur celle du jeu principal. Pas toujours très beau, donc


Bloodstained - Classic II, dans l’esprit de Simon’s Quest

IGA a sans doute souhaité que WayForward propose une aventure et un gameplay fidèles à Simon’s Quest – jusque dans certains de ses défauts. De nombreux joueurs gardent en effet de mauvais souvenirs de Castlevania II, mais Koji Igarashi n’est pas de ceux-là, et il l’a déjà prouvé de longue date lorsqu’il a fait du premier Castlevania qu’il a produit – Harmony of Dissonance sur GBA – une suite chronologique de Simon’s Quest ; son héros Juste faisant référence à la quête de son grand-père Simon.

Sur quelle base construire toutefois ce Classic II ? L’aventure de Miriam, l’héroïne de Ritual of the Night, est en effet bouclée, mais le destin de sa rivale Dominique, projetée dans les Limbes, pourrait ne pas avoir été définitivement scellé, et à l’instar de Simon Belmont pour Castlevania II, elle devra guérir de la malédiction dont elle est affligée. Dominique’s Curse se situe donc dans le prolongement scénaristique de Ritual of the Night.


Se retrouver piégée dans les Limbes, on peut l'avoir mauvaise !

Le démarrage ne fait en tout cas aucun doute : le joueur se retrouve en effet directement projeté dans un jeu au gameplay calqué sur le jeu de 1987, avec une jouabilité bien rigide, des chutes mortelles, une difficulté prenant immédiatement à la gorge, des villageois qui livrent volontairement des faux indices, certes en français (le jeu étant intégralement traduit)… Et cette fois, pas de mode Facile qui tienne, il vous faudra surmonter la difficulté de base.
Contrairement à son apparition dans Curse of the Moon 2, Dominique ne manie pas une lance et ne dispose pas de pouvoirs magiques de guérison : son gameplay est ici calqué sur celui de Simon Belmont, et elle manie une sorte de fouet, ne disposant dans un premier temps que d’une portée et d’une puissance très faibles. Bref, les Limbes portent bien leur nom : c’est l’Enfer ! Vous voilà donc prévenus, c’est un jeu au feeling très rétro.


Un remake qui n’en est finalement pas un

Dominique’s Curse démarre comme Simon’s Quest, et en reprend le cycle jour / nuit qui est l’une des principales caractéristiques du classique de la NES. Dans les Limbes, il n’y a toutefois pas de jour ; le cycle fera donc intervenir deux phases de la Lune. La Lune croissante, où le ciel est rouge, fait ainsi figure de jour, durant lequel vous pourrez glaner des informations auprès des villageois ; tandis que la Lune morte et son ciel vert rend fous les villageois qui vous attaquent, et renforce les ennemis. En contrepartie, certains ennemis très puissants ne se trouvent que la « nuit » et vous offrent des récompenses très importantes une fois vaincus.

Pour combattre sa malédiction, Dominique devra terrasser 4 boss, tous repris de Ritual of the Night, présents dans 4 manoirs, avant de débloquer l’accès au dernier manoir et son boss final. Une progression très classique pour un metroidvania, mais si le level design des villages et des campagnes environnantes est effectivement très inspiré de Simon’s Quest, la progression dans les manoirs revient à du « classicvania », avec une construction similaire à Castlevania III – Dracula’s Curse. L’exploration y laisse donc place à un jeu d’action-plateformes classique, et si le premier manoir propose une difficulté très surmontable, le second corse drastiquement le challenge, et les morts vont se multiplier.


La structure des manoirs est une progression classique jusqu'au boss. On reconnaît ici le level design de Castlevania III

Mourir, cela arrive fréquemment dans Dominique’s Curse, et souvent très vite avec les pièges mortels, mais le jeu est toutefois loin d’être punitif. Vous ne disposez certes que de 3 vies, mais un Game Over ne vous renverra pas au village de départ ; simplement au dernier checkpoint, délesté toutefois de quelques pièces de monnaie… ce qui peut tout de même être pénalisant, surtout si vous enchaînez les morts.
Dans les Limbes, les démons aiment en effet les pièces sonnantes et trébuchantes, et tous les upgrades pour le fouet ou pour votre héroïne coûtent cher. D’autres PNJ – les gardiens des manoirs – acceptent toutefois une autre monnaie, les restes des monstres, et peuvent convertir ces restes en pièces. On retrouve donc là un défaut de vieillesse emprunté à Simon’s Quest : le farming. Si vous voulez acheter les upgrades, mais aussi les potions de vie, certaines armes secondaires, les pièces pour se téléporter d’un point à un autre de la carte ou pour changer de phase lunaire, il faudra en passer par là.

Je l’ai toutefois dit avec la progression dans les manoirs, ce Bloodstained Classic II va s’écarter de Simon’s Quest au fil de votre avancée. Même si l’aptitude ne se débloque qu’à la moitié du jeu, vous gagnerez la possibilité d’effectuer un double saut qui va considérablement vous simplifier la tâche. Parmi les autres aptitudes inédites par rapport à Simon’s Quest : la capacité à aller dans l’eau – ce qui ouvre quelques nouvelles zones – tout comme celles reprises de Ritual of the Night de créer une plateforme temporaire ou de se téléporter de quelques mètres dans n’importe quelle direction. Les ennemis vont donc se faire plus coriaces dans les dernières zones, mais la difficulté se fera tout de même moins pénible qu’au démarrage… jusqu’au dernier manoir qui va proposer un dernier pic de difficulté !


Avec les bons upgrades et des potions en stock, les boss ne devraient pas poser trop de problèmes

Je l’ai précisé pour les boss, mais les ennemis sont tous recyclés du jeu principal, même si leur variété est ici moindre. Pas de tête de chien géante – ou alors je ne l’ai pas trouvée – ni de Shovel Knight d’ailleurs.
WayForward a cependant dû travailler avec les assets de Ritual of the Night pour développer ce DLC, et ne peut donc pas faire de miracle : le jeu principal n’est pas toujours beau – et même parfois assez vilain – et ce mode Classic II propose des choix de couleurs criardes qui ne vont pas flatter votre rétine. Pour faire court, c’est souvent moche, avec des textures assez grossières, et seuls les manoirs présentent une réalisation convenable, sans être ébouriffante.
L’OST quant à elle, propose des sonorités 8-bits, avec des compositions originales non reprises du jeu principal. On s’y habitue, certains thèmes rappelant dans leur tempo Simon’s Quest, mais aucun n’atteint toutefois l’excellence de Bloody Tears, morceau culte souvent repris dans la série Castlevania.

Pour terminer sur ce tour d’horizon de Dominique’s Curse, de nombreux secrets sont cachés dans le jeu, et une aptitude vous permettra même de déceler les murs à détruire… comme elle peut révéler les mensonges des villageois qui vous livrent de faux indices ; un clin d’œil à un défaut souvent reproché à Simon’s Quest, que ce DLC corrige ici avec malice !
Le jeu dispose de plusieurs fins, et jusqu’à présent, j’ai pu en voir 2 : sur une vidéo que j’ai regardée, le youtubeur a atteint la mauvaise fin ; quant à moi, j’ai pu obtenir une fin « amère », qui n’en reste pas moins mauvaise. Il me reste donc à obtenir mieux, même si je ne connais pas les critères exacts, la rapidité ou le 100 % me semblant être de bonnes pistes.


La destination finale se trouve ici, et il faudra terrasser les 4 boss pour débloque l'accès au dernier manoir


Verdict : « Oui, mais... »

Si le mode Classic II était offert – comme l’avait été le mode Classic I, je vous l’aurais évidemment conseillé sans réserves, peu importe ses défauts. Seulement, le DLC est proposé au tarif de 9,99 €, soit autant que le premier Curse of the Moon au gameplay bien mieux calibré, à la durée de vie équivalente (5 heures environ) et à la rejouabilité meilleure. Je compare certes un jeu réalisé en 3D avec un jeu réalisé en 2D 8-bits, mais compte tenu des défauts listés pour ce Dominique’s Curse, l’addition pourrait vous rester quelque peu en travers de la gorge, surtout après une énième mort pour un saut mal négocié… ou plutôt, mal appréhendé à cause d’une délimitation pas toujours très nette des plateformes.

Si Ritual of the Night vous a plu, il n’est également pas dit que ce DLC vous plaise. Bien qu’étant tous deux des metroidvania, Symphony of the Night et Simon’s Quest ont peu en commun, et il en va de même avec le jeu principal et ce Dominique’s Curse, dont les gameplays sont très différents. Le mode Classic II reste un « classicvania » dans l’âme, et s’adresse donc aux vieux fans de Castlevania, prêts à surmonter une jouabilité rigide.

Dominique’s Curse reste donc un hommage – certes moins punitif et moins difficile – à un jeu aujourd’hui encore controversé. C’est de ce point de vue qu’il faut en tout cas l’aborder : si vous êtes prêts à surmonter les défauts de ce mode ou si vous voulez jouer à l’expérience la plus complète de Bloodstained, le défi proposé ici vaudra tout de même son prix.


Pour compléter ce test :
- Avis pour le DLC. N’hésitez pas à laisser le vôtre sur gameforever.fr si vous y avez joué !
- Mon test du premier mode Classic de Bloodstained
- Les avis sur Game Forever sur la série Bloodstained
- Le dossier sur la série Castlevania, disponible sur le site gameforever, et qui parle aussi de Bloodstained.