Les célébrations du 35ème anniversaire de Super Mario Bros sont toujours en cours avec la sortie prochaine de Super Mario 3D World, et c'est pour ça que je me suis décidé à mettre à jour mon article consacré à... Luigi !
La popularité du jeune frère de Mario est désormais indiscutable, mais il n'en a pas toujours été ainsi : avant d'être la vedette de ses propres jeux, Luigi était souvent vu comme un clone de Mario habillé en vert.

Dans cet extrait pour Gamekyo, je reviens justement sur cette période qui s'étend jusqu'à Mario 64. Si vous voulez directement lire l'article complet, qui revient sur l'ensemble de la carrière vidéoludique de Luigi jusqu'à aujourd'hui, c'est par ici : https://www.gameforever.fr/luigi.php

Bonne lecture !


À n’en pas douter, Luigi est l’un des personnages les plus populaires de l’univers Nintendo, de nombreux puristes le préférant même à Mario. Sa présence a pourtant été pendant longtemps très largement occultée par son grand frère à la casquette rouge.

La légende de Luigi n’a rien d’une belle histoire, contrairement à celle de Mario : à l’occasion de la sortie du jeu Mario Bros en Arcade en 1983, il fallait un autre personnage que Mario pour le joueur 2. Compte tenu des limitations techniques de l’époque, il était plus facile de proposer un gugusse ressemblant pixel pour pixel à Mario, qu’un personnage totalement différent. La couleur verte de la salopette de Luigi résulte également de ces limitations ; c'est ainsi en puisant dans la palette de couleurs déjà utilisée pour les tortues qu'il fut décidé d'attribuer la couleur verte au frère de Mario. L’idée du nom de Luigi serait quant à elle venue (d’après une source officielle émanant de Nintendo) d’une pizzeria en face des locaux de Nintendo of America, nommée « Mario & Luigi’s ».
Ainsi est né Luigi, le Mario à la combinaison verte.


> Un personnage en quête d’identité

Luigi a d’abord tenu le rôle du frère « casse-pieds ». Toujours dirigé par le deuxième joueur, Luigi n’a d’autres buts que de battre son grand frère, que ce soit dans Mario Bros ou dans le moins connu Wrecking Crew sorti en 1984.

En 1985, avec Super Mario Bros, nos deux plombiers moustachus changent de statut. La présence de Luigi se justifie alors pour permettre de jouer à deux en alternance, mais si l'on se fie au scénario du jeu, le héros reste bien Mario, accompagné éventuellement de Luigi. Dès lors, la réputation du jeune frère se dessine : peu enclin à l’aventure, il n'intervient qu'en second, après Mario. Luigi ayant une apparence identique sur les illustrations de Mario Bros et ne disposant pas d'illustration officielle pour Super Mario Bros, il reste un Mario en vert et blanc, contrôlé par le 2ème joueur.


Il faut bien l'avouer : contrôler Luigi était vécu comme une punition pour le 2ème joueur, obligé d'attendre la mort de Mario pour enfin commencer

Les sorties des Super Mario Bros 2 (voir dossier Super Mario Bros 2) vont pourtant changer la donne, et forger au jeune frère une identité plus marquée. Dans le Super Mario Bros 2 japonais (Lost Levels dans la compilation Super Mario All-Stars), le jeu propose au départ le choix entre Mario et Luigi. Certes, Luigi n’a pas évolué graphiquement, mais dispose d’une capacité de saut sensiblement supérieure, au prix d’un dérapage nettement moins maîtrisé, ce qui peut corser la difficulté. C'est également à compter de ce jeu que Luigi dispose de sa première illustration officielle, le présentant plus grand et plus mince que Mario, et avec une moustache plus fine.
Nous, c’est plutôt dans notre Super Mario Bros 2 (dit "USA") qu’on a appris à mieux connaître Luigi. Il affiche pour la première fois un design pixellement différent de Mario, conserve une capacité de saut élevée (la meilleure du jeu) illustrée par la loufoquerie du personnage quand il remue ses jambes, mais possède une force moindre ainsi qu'une maniabilité délicate, sa capacité de saut étant très affectée par le port d'objets.
Ces deux jeux forgeront ainsi les éléments primaires de distinctions entre Mario et Luigi, dans leurs caractères comme dans leurs capacités, et chaque fois qu’il sera possible de différencier l’un de l’autre.


Un peu plus difficile à contrôler que les 3 autres personnages de SMB 2 "USA", Luigi se rattrape par son apparence fantasque

Plusieurs séries de dessins animés américains respectèrent scrupuleusement le cahier des charges. Se conformant à l’image que donnait Luigi dans les deux Super Mario Bros, le dessin animé fit de lui un personnage benêt, maladroit et froussard.

On aurait pu croire que cette tendance allait se confirmer, que Luigi afficherait toujours plus de différences… Ce fut tout le contraire ! Certes, on ne pouvait reprocher l’excellence de Super Mario Bros 3, mais Luigi redevient le Mario vert, aux caractéristiques identiques à celles de son frère.


> Un long passage à vide

Mario est au début des années 90 une superstar… Et Luigi est plus que jamais dans son ombre. Chaque nouveau personnage enrichissant le monde de Mario et l’univers Nintendo ne fera qu’éclipser toujours plus Luigi.

Luigi sera pourtant bien présent dans Super Mario World, on compte toujours sur lui pour permettre à un deuxième joueur d’intervenir, mais cette fois, un nouveau personnage, que le joueur contrôle également, fait une première apparition remarquée : il s’agit de Yoshi, le dinosaure vert. On se souvient tous de cette première fois avec Yoshi, la joie immense de partir avec lui chevaucher à travers les Donut Plains, de gober les ennemis... Et Mario avec sa cape jaune ? Ah quel bonheur ! Et Luigi ? Difficile de dire autre chose que : « Ce n’était que le Mario vert ! ».

Lorsque Hollywood s'empare de la licence Mario pour en faire un film... qui est ce qu'il est, Mario (interprété par le regretté Bob Hoskins, bon acteur au demeurant) est grosso modo le Mario attendu, avec sa moustache et son air bonhomme. Mais Luigi (interprété par John Leguizamo, autre bon acteur au demeurant) est nettement plus jeune que Mario, n’a pas de moustache, est volontiers séducteur, tombe amoureux de la princesse (Daisy), n’est pas maladroit et n’a pas froid aux yeux. Seule l'apparence fluette et la salopette verte semblent être les derniers points communs entre ce Luigi, et notre Luigi, le vrai. Le film est donc passé à côté du potentiel davantage comique du jeune frère.


Les mérites de Luigi ne sont pas reconnus dans Super Mario World, il n'y en a que pour Mario !

Si ce Luigi ne ressemble en rien à l'original, c’est aussi parce que le personnage a été laissé progressivement de côté. Tombé en disgrâce suite à Super Mario World, Luigi s’offre malgré tout une apparition dans Super Mario Kart, où il dispose certes d’un dessin différent de Mario, mais ne se distingue toujours pas de son frère. Au milieu des 7 autres participants, Luigi ne ressort pas du lot.

Nintendo, à défaut de soigner la popularité en berne de Luigi, soigne en revanche son apparence à l’occasion de la sortie de Super Mario All-Stars en 1993 sur SNES. Ainsi, dans Mario 1, Lost Levels et Mario 3, Luigi affiche fièrement son air de grand dadet ! Officiellement, Luigi n’est donc plus le Mario vert de service, et pour le plus grand plaisir de ses fans. Dans la compilation Mario All-Stars + Mario World, le design de Luigi dans Mario World sera également retravaillé.


Luigi gagne une apparence différente de Mario dans les remakes de SMB, Lost Levels et SMB 3 inclus dans Super Mario All-Stars

Il paraît alors évident que Miyamoto éprouve une certaine sympathie pour Luigi, mais qu'il ne sait pas quoi en faire. Un jeu avec Luigi pour seul héros, cela va pourtant arriver dans un jeu éducatif fort méconnu, Mario is Missing!, lequel n’est pas signé par Nintendo. Luigi y affiche hélas son apparence de Mario vert de Super Mario World, et en plus le jeu ne porte pas son nom.

La chute se prolongera pour Luigi avec l’apparition d’un nouveau héros en 1994, Donkey Kong, le premier adversaire de Mario. Le jeu Donkey Kong Country réalise un tel carton que Mario lui-même sera provisoirement évincé !
Sans oublier le sympathique Super Mario Land 2 sur Game Boy sorti en 1993. Tout comme dans le premier Super Mario Land, Luigi est absent, mais le plombier à la casquette rouge va se faire un nouveau rival : son double maléfique Wario. Personnage haut en couleurs et tranchant avec l’univers lisse du monde de Mario, Wario va connaître un succès immédiat qui ne se dément toujours pas à l’heure actuelle. Problème : il entre en concurrence avec Luigi, même si ces deux personnages ne se sont jamais directement affrontés dans un jeu.

Le salut de Luigi ne passera même pas par Super Mario World 2 - Yoshi’s Island. Yoshi y gagne ses galons de héros, et transporte sur son dos bébé Mario. Bébé Luigi n'apparaît quant à lui qu’à la toute fin du jeu, mais un détail sera éclairci. On croyait Luigi plus jeune que Mario, on découvre en fait que les deux frères sont jumeaux !

Devenu personnage très secondaire dans l’univers Mario, derrière Donkey Kong, Yoshi, Wario, Bowser ou Peach, la présence de Luigi semble dorénavant superflue. La tendance est amorcée avec Super Mario RPG, le fameux jeu de Square que Nintendo a refusé de sortir en Europe par mesures de représailles envers l’éditeur. Et à l’occasion du phénoménal Super Mario 64, Luigi répondra une nouvelle fois aux abonnés absents.


Bébé Luigi enlevé par les sbires de Kamek dans Yoshi Touch 'n Go sur DS, une reprise de Yoshi's Island


C'est tout pour cet extrait. Mais la suite de l'histoire est évidemment bien plus heureuse pour Luigi, qui va progressivement se faire une place de premier plan dans l'univers Nintendo, au point de devenir un mème. Comment ? La suite sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/luigi.php

Vous avez peut-être eu une nouvelle console de jeux sous le sapin... à moins que vous ne préfériez le retrogaming. Noël était en effet l'occasion d'avoir une PC-Engine mini, voire une authentique PC-Engine pour les puristes !

Concurrente de la NES et la Master System, la PC-Engine reste encore assez méconnue, et ceux qui s'y sont intéressés se sont retrouvés perdus devant la multiplicité des modèles. Ce dossier rédigé par un ancien membre du site et revu par mes soins a pour but d'y voir plus clair, et pourquoi pas de s'intéresser davantage à cette console.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait présentant les différents modèles.

La version complète de l'article est à lire sur Game Forever. : https://www.gameforever.fr/pcengine.php

L'article complet présente également les principaux jeux et livre une analyse de l'échec de cette console hors du Japon.

Bonne lecture !


> Le commencement

Nous sommes au milieu des années 80. Nintendo domine le marché des consoles de salon grâce à sa Famicom ; Sega, son seul concurrent sérieux, peine à exister avec sa Mark III (Master System) au Japon. Dans ce contexte, il y a de la place pour un nouvel acteur. Deux compagnies lorgnent ainsi de plus en plus sur ce marché : NEC et Hudson Soft. Ils développent donc en partenariat une console de salon. NEC, fort de ses compétences en électronique grand public ainsi que du succès de ses ordinateurs PC-88 et PC-98, participe à la conception matérielle de la console, tandis qu'Hudson Soft (qui possède aussi une division "puce électronique") s'oriente vers la conception logicielle.

Le 30 Octobre 1987 sort leur bébé : la PC-Engine. Les deux parents espèrent bien mettre à mal la domination écrasante de Nintendo. En effet, la console sort plus tard que ses concurrentes directes et profite des dernières avancées technologiques. Il s'agit d'une console 8-bits, mais avec un processeur graphique 16-bits.
Esthétiquement, la PC-Engine surprend par sa taille : il s’agit d’un petit carré blanc où l'on insère des cartouches de la taille d'une carte téléphonique (très semblables aux cartouches de la Mark III). Le pad est lui similaire à celui de la NES, mais avec des coins moins anguleux.

> Présentation des troupes

La première console produite est donc la PC-Engine décrite ci-dessus. Pour l'instant, ça va. Mais comme la Famicom et la Sega Mark III seront renommées pour leurs sorties occidentales, la PC-Engine change de nom, d'apparence et même de volume pour sa sortie en août 1989 en Amérique du Nord, et devient la TurboGrafx-16, un rectangle noir aux dimensions plus larges. La console est vendue avec un "TurboPad" : si le nom prête à sourire, la manette dispose de boutons glissières activant la fonction Turbo des touches I et II, ce qui est loin d'être inutile pour les nombreux shoot-them-up de la console. Enfin, la PC-Engine japonaise va connaître deux versions actualisées appelées successivement CoreGrafx (fin 1989) et CoreGrafx II (1991) pour accompagner respectivement la SuperGrafx et le Super CD-ROM². Ces modèles sont identiques à l'original mais bénéficient d'une sortie AV au lieu de la prise antenne de la première PC-Engine, ainsi que du TurboPad du modèle nord-américain.


Ce sont des considérations purement marketing qui ont fait de la TurboGrafx-16 un modèle sensiblement plus imposant que la PC-Engine, alors que rien ne diffère au niveau du hardware

Pour faire face à la concurrence de la toute nouvelle Mega Drive de Sega sortie fin 1988 au Japon mais également pour innover, NEC sort en 1989 une extension, le CD-ROM², qui se connecte à la PC-Engine grâce à l'Interface Unit. L'extension CD sort également en Amérique du Nord en 1989, simplement renommée TurboGrafx-CD.


Le CD-ROM² relié à la PC-Engine par l'Interface Unit

Malgré la qualité sonore indéniablement meilleure de ses jeux, le CD-ROM² n'offre toutefois pas le surcroît de puissance espéré et s'avère insuffisant alors que Nintendo prépare la sortie de sa Super Famicom ; ainsi NEC sort la SuperGrafx fin 1989, une PC-Engine améliorée (meilleure résolution, mémoire plus importante, etc.) pour entrer dans la course des consoles 16-bits. Ce modèle "pro" ne se vendra malheureusement quasiment pas, et sa ludothèque spécifique ne se compose que de 5 jeux. La console ne sortira pas aux Etats-Unis, mais sera importée en France avant même la sortie de la Mega Drive.


La SuperGrafx et son design étrange aurait dû prendre la suite de la PC-Engine, mais son échec changera les plans de NEC et Hudson

Actant l'échec de la SuperGrafx, NEC et Hudson décident de continuer à miser sur l'évolution matérielle de la PC-Engine, notamment en sortant une extension CD-ROM cette fois bien plus performante : le Super CD-ROM². Offrant un surcroît sensible de RAM, cette extension prend différentes formes : elle combine d'abord la PC-Engine et le Super CD-ROM² en une même et unique console, la PC-Engine Duo (1991). La même année, NEC propose également une Super System Card pour les possesseurs du CD-ROM², leur permettant d'upgrader leur matériel sans avoir à investir dans le Super CD-ROM². Quant à ceux qui ne possédaient pas le CD-ROM², l'extension Super CD-ROM² est également vendue seule. La PC Engine Duo eut ensuite plusieurs déclinaisons : d'abord le modèle nord-américain, la TurboDuo, sortie en 1992 avec un design cette fois quasi-inchangé ; puis uniquement au Japon, les modèles Duo R et Duo RX, souvent décrits comme « low cost » car faisant intervenir moins de composants, ainsi que des composants à plus faible coût. La Duo RX est en contrepartie vendue avec un pad 6 boutons, qui sera celui de la PC-FX. Ce dernier modèle est par ailleurs sorti en 1994 : en comparaison, la PlayStation et la Saturn, consoles 32-bits, sont sorties en décembre 1994.


La PC-Engine Duo combine la PC-Engine et le Super CD-ROM²

La dernière amélioration technique a été l'Arcade Card, une extension de mémoire vive pour le Super CD-ROM². Les sprites affichés à l’écran peuvent être plus gros, en plus grand nombre ; cela offrit à la petite 8 bits des conversions de hits Neo Geo comme World Heroes II, Art of Fighting, Fatal Fury... Ces conversions étaient très réussies et souvent meilleures que celles développées sur Super Nintendo et Megadrive, sans compter qu'elles étaient lors de leurs sorties financièrement bien plus abordables que les très coûteuses cartouches AES de la Neo Geo.
Mais comme il existe le CD-ROM² et le Super CD-ROM², il existe aussi deux Arcade Card : la Duo pour les PC-Engine Duo et le Super CD-ROM², et la Pro pour les systèmes ne possédant que le simple CD-ROM².

NEC et Hudson Soft se sont aussi aventurés sur le marché des consoles portables. Deux consoles extraordinaires pour leur époque furent conçues : la PC-Engine GT et la PC-Engine LT. Ces consoles étaient de vrais bijoux technologiques. Toutes deux possèdent un écran à matrice active. La PC-Engine GT est sortie fin 1990 au Japon et en Amérique du Nord (où elle est renommée TurboExpress). La qualité de son écran (bien que petit) émerveille toujours, mais le gros problème était l'autonomie (2h avec 6 piles LR6) ; autre problème, après avoir joué sur une GT, il était quasiment impossible de jouer à toute autre console portable de l'époque tant le fossé entre la qualité des écrans Game Boy et Game Gear était en effet bien trop profond. Il était même possible de transformer sa GT en une télévision grâce au Tuner TV vendu comme accessoire, mais la norme NTSC empêche son utilisation en Europe.
Pour la petite histoire, la PC-Engine GT était surnommée la "Rolls Royce" des portables ; une comparaison flatteuse avec la Neo Geo (surnommée quant à elle "Rolls des consoles"), ainsi qu'une référence à son prix très élevé, que ce soit à sa sortie ou sa cotation actuelle.


La PC-Engine GT a fait le choix de la démonstration technologique au détriment de l'autonomie et de l'accessibilité

Sortie fin 1991, la PC-Engine LT présente un écran de même qualité mais plus grand que celui de la GT. Elle intègre un Tuner TV et des connectiques permettant entre autre de connecter un magnétoscope, un lecteur DVD, et même les extensions CD-ROM² et Super CD-ROM² - cette dernière nécessitant toutefois un adaptateur. Déjà très onéreuse à sa sortie (100 000 yen, soit environ 800 € de l'époque), la PC-Engine LT atteint du fait de sa rareté des sommes folles (plus de 3 000 € bien d'aujourd'hui), ce qui peut décourager sérieusement les possibles intéressés.
Bien entendu, ces consoles portables (ou plutôt transportables) ne connurent pas le succès (trop chères et trop « gourmandes » en piles).


La PC-Engine LT, une console transportable et un modèle rare

Même si NEC n'aimait pas la simplicité vu le nombre de déclinaisons de la PC-Engine, chacun de ces modèles - que ce soit la PC-Engine, la portable GT, la SuperGrafx ou la Duo - faisait fonctionner de base les cartouches Hu-cards. Mais comme on l'a vu, ça se complique concernant les jeux spécifiques à chaque modèle.


Voilà pour cet extrait sur les différents modèles de PC-Engine. La suite de l'article offre une vision d'ensemble sur la ludothèque de la console - ou plutôt, comme vous l'avez désormais compris, de la console et de ses différents modèles ou extensions.

Article complet sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/pcengine.php

La PS5 et la Xbox Series tout juste sorties, j'ai décidé de vous parler... d'une vieille console ! D'une très vieille console, même. Et pas la plus connue, en plus : la Videopac. Mais ne partez pas tout de suite ! Cette concurrente de l'Atari 2600 n'a pas eu un grand succès, mais peut-être que les plus anciens s'en souviennent. Quant aux autres (l'écrasante majorité), cet article vous fera découvrir - je l'espère - une console qui n'avait pas beaucoup de moyens, mais des idées.

Pour Gamekyo, je vous propose un extrait de mon article publié sur Game Forever, présentant les jeux de cette console.
Le dossier complet présente les différents modèles de Videopac ainsi que le fonctionnement de la console (et y'a plus d'images !), à lire par ici : https://www.gameforever.fr/videopac.php




L’Odyssey², sortie en Europe sous le nom de Videopac, est une console intéressante à plus d’un titre, l’une des rivales de l’Atari 2600 qui ambitionna de se faire une place dans le marché vidéoludique, mais qui fut bien loin d'y parvenir. La Videopac est cependant un réel témoin d’une époque où le marché du jeu vidéo se cherchait encore ; c’était également une console novatrice pour son époque, mais la réalité a mis à mal les ambitions affichées à son lancement.

> De Magnavox à Philips

Magnavox est une entreprise américaine spécialisée dans les téléviseurs, postes de radio et téléphones. Le jeu vidéo devient logiquement un prolongement évident dans les activités de la société lorsqu'en 1971, Sanders Associates et son ingénieur Ralph Baer ("le père des consoles de jeux") contactent Magnavox pour leur proposer un prototype de console de jeu, la "Brown Box" ; une révolution qui permet de connecter une machine uniquement dédiée au jeu vidéo sur un téléviseur ! Le contrat est signé, et la Magnavox Odyssey, première console de jeu commercialisée de l'histoire, sort en 1972 avec son jeu de tennis qui allait inspirer peu après Pong d'Atari.
D'autres jeux seront proposés sur cette Odyssey, mais également des clones - des consoles à jeu dédié - sorties de 1974 à 1978.


Le premier modèle de Magnavox Odyssey, toute première console de jeu commercialisée

Lorsque la société Magnavox est achetée par le groupe néerlandais Philips, sa division électronique décide de sortir une nouvelle console fin 1978. Aux Etats-Unis, elle prend logiquement le nom « Odyssey² », marquant la volonté de prendre la suite de l'Odyssey, une marque déjà bien implantée dans le marché nord-américain.
"Magnavox" et "Odyssey" sont en revanche des marques inconnues en Europe. Philips s'occupe donc directement de la commercialisation dans le même temps de la console, qui prend officiellement le nom de Videopac.

Si la stratégie nord-américaine de la filiale Magnavox est claire et repose sur la seule marque "Odyssey²", le groupe Philips adopte pour l'Europe une toute autre stratégie - celle qui sera également appliquée pour son format de cassettes Video 2000 (concurrent de la VHS) au début des années 80 : faire de la Videopac un standard dans le domaine des jeux vidéo, lequel pourra être décliné en plusieurs modèles, voire plusieurs clones. La Videopac sortira ainsi sous plusieurs marques différentes (Schneider, Radiola, Siera...), et le groupe néerlandais va également passer un accord avec le groupe français Thomson, qui pourra ainsi développer sa propre console compatible avec le standard Videopac : ce sera la JOPAC.

> Les jeux

L’ambition affichée de la console était véritablement de devenir un « ordinateur de jeux ». Le jeu vidéo restait évidemment son credo principal, mais il était prévu de proposer de nombreux programmes permettant de transformer la Videopac en ordinateur moderne, d'où la nécessité du clavier. L'aspect éducatif était bien mis en avant pour convaincre les parents d'acheter cette console plutôt qu'une Atari 2600 exclusivement dédiée aux jeux. Allons cependant au-delà de la publicité - et Philips ne lésina pas sur les moyens à l‘époque : la Videopac n'avait absolument pas la puissance d'un ordinateur, comme elle n'était d'ailleurs pas la plus puissante des consoles de sa génération, et elle ne pouvait fonctionner sans cartouche.

L’ensemble de la gamme Videopac compte en fait officiellement 66 jeux, quand sa concurrente, l’Atari 2600, en a proposé bien plus de 1 000 (même si la qualité laissait souvent à désirer). La liste des jeux est disponible sur Wikipedia. La ludothèque était relativement variée, et proposait aussi bien des jeux de sports (basket, foot...) que des jeux d’action et de réflexion.

Le plus connu des jeux Videopac est ni plus ni moins que l’adaptation maison de Pacman, KC Munchkin (Glouton et Voraces en français). Le but du jeu était sensiblement le même que le légendaire Pacman, à la différence que le glouton disposait d’antennes (le détail qui tue !). Le petit glouton deviendra ainsi la mascotte officieuse de la Vidéopac ! Aux Etats-Unis, Philips dut retirer de la vente KC Munchkin suite à un procès intenté par Atari et Midway, qui avaient obtenu les droits de Pacman sur le marché nord-américain. Loin de se laisser démonter, Magnavox / Philips sortent un nouveau jeu avec le Munchkin pour héros, Crazy Chase, au principe similaire à Centipede.


Glouton et Voraces, un meilleur clone de Pacman que l'adaptation officielle sortie sur Atari 2600

Certains jeux se seront également révélés particulièrement originaux, et ont de quoi faire sourire, comme le jeu de morse… le langage codé hein ? Ce type de jeux faisait bien évidemment partie de l'aspect éducatif mis en avant, même si en 1980, apprendre le morse en jeu vidéo n'était pas très avant-gardiste.
Autre preuve que les prémices du logiciel éducatif annonçaient sans doute l'échec de ce genre de jeux sur consoles : Programmation, proposant de faire... de la programmation, dans le but affiché de faire de la Videopac un véritable ordinateur ; ce qui se sera révélé être une odieuse arnaque, car le logiciel en question n'est qu'un simple assembleur, de la pseudo-programmation sans intérêt. Un logiciel éducatif d'initiation au piano était également proposé, mais on peut douter de la méthode.

Plus ambitieux, trois jeux de plateau étaient également sortis sur la console : The Quest for the Rings (aux airs de Seigneur des Anneaux), Conquest of the World et The Great Wall Street Fortune Hunt. Ces jeux utilisent la console comme support complémentaire pour certaines actions (combats, déplacements...) ; une idée intéressante qui fut saluée à l'époque comme une innovation.


La boîte de Quest for the Rings, comprenant en plus de la cartouche, un plateau, des pions, une carte à placer sur le clavier de la console, et le livre du maître du jeu

Les jeux étaient développés par les équipes internes de Philips / Magnavox pour leur très grande majorité. On dénombre ainsi 60 jeux Vidéopac officiels - les jeux maison étaient tous numérotés. Les autres jeux numérotés au-delà ne sont jamais sortis ou peuvent être des homebrews (des jeux développés par des amateurs). Parmi les jeux Videopac, 12 disposent d'une version optimisée pour Videopac +, et seulement 3 jeux seront exclusifs à cette dernière.
Seulement deux éditeurs-tiers (Parker et Imagic) se sont risqués sur la Videopac, la plupart des éditeurs du début des années 80 préférant sortir leurs jeux sur les machines concurrentes, Atari 2600 (largement) en tête. On dénombre ainsi seulement 6 jeux d‘éditeurs tiers, dont les adaptations des classiques de l'arcade Q*Bert et Frogger.



Si les jeux étaient graphiquement limités, l’emballage était en revanche réussi : avec ses boîtes en plastique solides et ses belles illustrations, la Videopac offre une leçon de packaging quand on compare ces boîtes à celles des machines concurrentes, et même des consoles des générations postérieures, comme la NES et ses boîtiers cartons fragiles, ou comme celles de la Master System et de la Turbografx-16 (la PC Engine américaine) avec leurs illustrations souvent risibles. Les cartouches de jeu Videopac destinées au marché français étaient même produites en France !
A ces jeux, il faut également ajouter 2 modules additionnels : le C7010 pour jouer aux échecs ; et le C7420 exclusif Videopac +, pour faire de la programmation en BASIC permettant de créer de vrais jeux.




C'est tout pour cet extrait.

L'article complet sur Game Forever présente les différents modèles de consoles - car déjà à cette époque, il y avait un modèle Pro ! - et revient aussi sur l'échec de cette console ainsi que de son (maigre) héritage : la Philips CD-i !

=> https://www.gameforever.fr/videopac.php

Nouvel article mis à jour sur gameforever.fr, celui sur ROB, l'accessoire original de la NES qui est devenu un personnage de jeu vidéo bien connu des amateurs de la série Smash Bros.

Pour Gamekyo, je vous propose comme d'habitude un extrait de mon article, qui se concentre sur l'accessoire et les 2 jeux qui nécessitent son utilisation.
L'article complet revient également sur les apparitions vidéoludiques de ROB, et est à lire sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/rob.php

Bonne lecture !


Parmi les nombreux accessoires créés par Nintendo, ROB est sans doute le plus fascinant. Non pour sa technologie, certes audacieuse pour l'époque dans un jeu vidéo, mais pour son histoire. Le robot de la NES est devenu une icône nostalgique cultivée par Nintendo au travers de ses nombreuses productions, au point de faire de lui un personnage à part entière de son univers virtuel.

> Un accessoire original de la NES

La NES comptait de très nombreux accessoires. Le Zapper figure parmi les plus répandus, le pistolet ayant été un temps vendu avec la console, mais il existait également plusieurs tapis, utilisés soit pour des jeux de course à pied (comme Family Trainer), soit pour des jeux de musique... Sans oublier d'autres plus ou moins utiles, comme le Power Glove (un gant faisant office de manette détectant les mouvements).

Le cas de ROB est différent : c'est un accessoire unique en son genre !

Robotic Operating Buddy (ROB pour les intimes, et Famicom Robot pour les Japonais) est, comme son nom complet l'indique, un "ami" qui va vous aider dans la progression de vos jeux. Fonctionnant avec des piles, ROB est avant tout une alternative à la traditionnelle manette, qui offre une approche différente dans la manière de jouer et de progresser dans un jeu vidéo. Placé sur son plateau, différent selon le jeu auquel vous jouez, ROB va attraper des objets et les reposer à un autre endroit.

L'idée est ainsi de pousser encore plus loin l'interaction avec le jeu, et de faire vivre au joueur des expériences d'un nouveau genre. Concrètement, le robot ne sait tout de même pas faire grand chose, et le fait très lentement. Tout juste tourner légèrement, se baisser un peu pour prendre les objets et les lâcher à un autre endroit. Ne lui demandez donc pas d'engager des conversations avec vous, ni même d'aller ramasser la toupie qu'il a fait tomber une énième fois !

En dépit de la complexité de son utilisation, ROB sera un des fers de lance de Nintendo, à travers de nombreuses publicités (magazines et spots télé) soulignant le caractère futuriste de la console.

> Les jeux utilisant ROB

Lors de la première année de commercialisation de la NES aux Etats-Unis puis en Europe, ROB était proposé dans un Deluxe Set, en plus de la console, du Zapper et de deux jeux (Duck Hunt et Gyromite).

Le robot était également proposé séparément, vendu avec Gyromite (ou Robot Gyro), un jeu de plate-formes / stratégie dans lequel le joueur dirige le professeur Hector dans un ensemble de courts tableaux remplis de pièges et de méchants monstres. Dans chaque niveau, le joueur doit récupérer des dynamites avant la fin du temps imparti, tout en évitant de se faire tuer.


ROB sur son plateau de jeu de Gyromite. Un mécanisme complexe permettant au joueur d'appuyer par l'intermédiaire de ROB... sur les boutons de la 2ème manette

Des colonnes bleues ou rouges vous barrent toutefois la route… et c’est là qu’intervient ROB ! D'un simple flash d'appareil photo du professeur (actionné par le bouton Start de la manette), ROB se met en route !

Il appartiendra alors au joueur de contrôler lui-même les mouvements de ROB et actionner les boutons en utilisant les toupies. Disposées sur le plateau, il faudra les saisir, leur donner de la vitesse en les insérant dans un boitier, les reprendre pour enfin les placer sur un des deux socles, reliés aux boutons de la seconde manette (ouf !), que vous aurez bien pris soin d’insérer à l’endroit spécialement prévu pour elle (naturellement). Dans le mode B, vous contrôlerez uniquement ROB, et devrez aider Hector - somnambule - à éviter les pièges.


40 tableaux vous attendent dans le mode A de Gyromite... si vous ne cassez pas ROB avant !

Hélas, la qualité pour le moins discutable de Gyromite ainsi que l'attrait ludique relatif de ROB ne contribuèrent pas au succès de l'accessoire. En effet, comme je l’ai précisé plus haut, les actions de ROB appuient en fait sur les boutons de la 2ème manette… et devant la lenteur des actions de ROB (chaque flash n'envoyant qu'une seule commande), il sera ainsi tentant d’appuyer sur les boutons de la manette en question à la place du robot.

Stack-Up (ou Robot Block) est quant à lui un jeu de puzzle plutôt original. Doté cette fois d’un équipement plus léger que pour Gyromite, ROB aura à sa disposition plusieurs blocs de couleur qu’il faudra lui faire disposer sur son petit plateau de jeu comme indiqué à l’écran.


ROB équipé pour le jeu Stack-Up

Le joueur dirige quant à lui de nouveau le professeur Hector, et doit actionner les différentes commandes à l'écran (Haut, Bas, gauche, droite, saisir et lâcher). Evidemment, des affreux petits monstres vont s’évertuer à enrayer la mécanique dans le mode Bingo, alors que les modes Direct et Memory consistent simplement à réussir les combinaisons demandées à l'écran.
Stack-Up dispose même d’un mode 2 joueurs, où chacun se dispute le contrôle de ROB.


Dans le mode Bingo jouable à 2, il faut activer toutes les dalles d'une rangée pour actionner la commande correspondante de ROB

A la différence de Gyromite qui peut être jouable sans ROB - même si l'intérêt paraît du même coup très relatif en l'absence des contraintes de gameplay liées au robot -, Stack-Up demande impérativement l'utilisation de ROB avec tous ses accessoires pour être joué. La précision a son importance, car sans tout cet attirail, le jeu seul n'est tout simplement pas jouable.


Voilà pour la partie consacrée aux jeux utilisant ROB. La suite de l'article analyse l'échec de l'accessoire, mais revient aussi sur la renaissance virtuelle de ROB.
A lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/rob.php

Pour les 30 ans de la série Fire Emblem, Nintendo sort aujourd'hui le tout premier volet sorti sur NES sur l'eshop de la Switch... au prix de 5,99 €. Mais le jeu original n'était jamais sorti par chez nous, et n'avait jamais été officiellement traduit non plus.
L'anniversaire est bien moins spectaculaire que pour les 35 ans de Super Mario Bros, mais ça me donne tout de même l'occasion de célébrer cet anniversaire avec la mise à jour de mon dossier consacré à Fire Emblem

Article à lire en version complète sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/fireemblem.php

L'article revient sur tous les épisodes de la série, jusqu'au récent Three Houses, et sans oublier l'influence déterminante de Super Smash Bros sur le succès tardif de la série de tactical-RPG.

Pour Gamekyo, je vous propose en extrait le début de l'article, où je parle bien évidemment des 2 épisodes sortis sur Famicom. Et si vous avez envie d'en apprendre plus sur la série (ou de redécouvrir ses épisodes), je vous invite à lire la suite sur Game Forever.

Bonne lecture !


Série considérée comme fondatrice du genre Tactical-RPG, Fire Emblem a toujours été une institution pour ceux qui la connaissent... c’est-à-dire quasiment personne en dehors du Japon ! Tout du moins, cela a été longtemps le cas ; 13 ans, pour être précis, avec la sortie du 7ème volet en occident. Pour quelles raisons obscures Nintendo n’a pas jugé bon de faire connaître Fire Emblem dans le monde jusqu’alors, et de ne la cantonner qu’au Japon ? Cette question mérite d’autant plus d’être posée que la série a aujourd’hui gagné la reconnaissance qu’elle aurait longtemps méritée. Parmi les réponses à apporter, impossible de passer sous silence une autre franchise incontournable de Nintendo, Super Smash Bros, à qui Fire Emblem doit énormément.

> Naissance d’une série et d’un genre

En 1990 sort sur Famicom le premier Fire Emblem, créé par Shouzou Kaga et son équipe d’Intelligent Systems, un studio appartenant à Nintendo et sous la houlette de Gunpei Yokoi. Chargé habituellement du hardware au sein de la firme de Kyoto, Intelligent Systems a tout de même développé en 1988 un jeu de stratégie militaire, Famicom Wars (premier volet d’une série dont nous connaissons davantage les Advance Wars). Ce jeu servira d’inspiration pour l’aspect stratégique, auquel seront ajoutés des éléments de RPG (pour le gain en expérience des unités) ainsi qu’un univers heroic fantasy inspirés de Dragon Quest.


Le premier chapitre de Fire Emblem, une entrée en matière tout de même très austère

Le premier volet sous-titré Ankoku Ryu to Hikari no Tsurugi (en anglais, Shadow Dragon and The Blade of Light) se passe ainsi dans le continent d'Arkaneia, une contrée où magie et dragons font évidemment partie du décor. Le joueur suit les (més)aventures de Marth, prince déchu du royaume d’Altea, engagé dans la reconquête de son pays, puis la libération du monde tombé sous le joug de Medeus, l’incarnation du dragon des Ténèbres. Si vous avez bien suivi, il manque donc encore deux éléments pour parfaire la mythologie Fire Emblem – ainsi que les raisons d’un titre aussi long : le Sceau du Feu peut prendre plusieurs formes, mais est ici un bouclier sacré qui doit libérer le potentiel de son détenteur ; tandis que l’Épée de lumière, Falchion, peut vaincre le dragon. Toute cette mythologie ne saurait enfin être complète sans le célèbre thème principal de Fire Emblem, qui s’immisce dans absolument tous les volets de la série.

Dès ce premier Fire Emblem, on retrouve à l’état brut les fondements de la série. Vos unités se déplacent par cases sur une carte, et affrontent les ennemis, pour remplir un objectif principal : vaincre un boss et prendre son bastion. L’aspect stratégique prend toutefois une dimension particulière et tendue, puisque Fire Emblem instaure une quasi-règle d’or qui fait la marque de fabrique de la série : la mort permanente des alliés tombés sur le champ de bataille. À l’exception de Marth, dont la mort entraîne le Game Over, une unité perdue l’est pour de bon et ne reviendra pas (sauf exception) à la mission suivante. Les victoires à la Pyrrhus ne vous emmèneront donc pas bien loin ! D’ailleurs, petit aparté sur l’expression « Victoire à la Pyrrhus », souvent employée à tort et à travers, mais qui trouve ici parfaitement sa signification première puisque... Hé, mais non, ne partez pas, l’article n’est pas encore fini ! Bon, promis, je ne recommencerai plus ! Alors, oui, en sachant que vos unités perdues ne reviendront plus, vous devez les gérer au mieux et éviter les stratégies hasardeuses, d’autant que – et c’est une constante dans la série – l’ennemi ne manquera pas de s’acharner sur vos unités les plus faibles ou les plus isolées, et le jeu vous placera même parfois dans des situations de sacrifices nécessaires.


Malgré la réalisation très minimaliste, on reconnaît tout de même ici parfaitement l’articulation classique d’un combat dans Fire Emblem

Comme si ce n’était pas suffisant, vos armes ont – sauf exception, là-aussi – une durée limitée, et il faudra gérer au mieux votre trésor de guerre pour acheter de bonnes armes ou les remplacer. Heureusement, votre avancée vous mènera à rencontrer sur votre route des alliés prêts à vous offrir leurs talents (archers, mages, guérisseurs ou encore dragons), à condition de les convaincre de rejoindre votre camp.

Premier volet forcément mythique, ce Fire Emblem a rencontré un succès surprise au Japon.

Le deuxième volet, Fire Emblem Gaiden, sort en 1991 dans le sillage du succès du premier volet, avec une formule légèrement remaniée, et un univers différent. Scénaristiquement, il ne s’agit donc pas d’une suite, mais d’une nouvelle histoire – d’où le terme « Gaiden ». Si le fond de jeu n’évolue pas fondamentalement, cet épisode tente des expérimentations qui ne seront parfois reprises que bien plus tard dans la série. Outre le fait que l’on contrôle cette fois deux armées et deux héros à leurs têtes (Alm et Celica), on se déplace sur une carte entre chaque mission, et on explore des cavernes ou des donjons - une particularité de cet épisode qui ne sera pas reprise dans les autres volets.
Pour chaque mission de combat en revanche, le principe reste identique au premier volet.


Dans Fire Emblem Gaiden, vous pouvez diriger vos unités vers leurs prochains défis, en les déplaçant sur une carte à la Mario 3

Il n’est évidemment pas difficile d’expliquer pourquoi ces deux jeux ne sont pas arrivés jusqu’à nous au début des années 90. Leurs sorties sont relativement tardives sur Famicom, mais de nombreuses productions japonaises datant de cette période ont pu malgré tout arriver en Occident. Le genre du tactical-RPG, évidemment tout nouveau, ne fut pas jugé commercialement envisageable, ce d’autant plus que les jeux nécessitent une traduction intégrale bien plus importante que bon nombre de productions 8-bits : il était évidemment plus facile de localiser un jeu d’action avec peu de dialogues qu’un jeu d’aventure, et compte tenu du délai de traduction conséquent, de nombreux RPG de l’époque (Final Fantasy II et III notamment) n’avaient d’ailleurs pas fait le voyage.

Des traductions amateur ont depuis été proposées pour permettre de découvrir ces jeux, même s’ils se réservent avant tout aux puristes tant ils sont difficiles d’accès. Aidé toutefois par la popularité actuelle de la série, le premier volet bénéficie en 2020 pour ses 30 ans d'une sortie officielle en Occident sur Switch, avec quelques ajustements (sauvegarde en cours de bataille, accélération de la vitesse du jeu et version anglaise) destinés à rendre l'expérience plus accessible.


La suite de l'article à lire sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/fireemblem.php

Le dossier revient entre autres sur les 2 remakes du premier Fire Emblem (Mystery of the Emblem sur SNES et Shadow Dragon sur DS).

La série Soulcalibur n'est pas morte, et si le succès de Soulcalibur VI n'est pas phénoménal, il permet néanmoins au jeu de poursuivre son petit bonhomme de chemin, à la fois sur la scène de l'e-sport et dans ses mises à jour - le dernier personnage du season pass 2, Hwang, sera disponible ce mercredi 02/12 (trailer en fin de dossier). Bandai Namco reste encore évasif sur un season pass 3 ou un portage sur PS5 et Xbox Series, mais rien n'est à exclure.

Ce n'est toutefois pas pour cette occasion que j'ai mis à jour mon dossier Soulcalibur, mais pour ajouter des anecdotes. Saviez-vous par exemple que Cloud de Final Fantasy VII était envisagé pour Soulcalibur II ? Que l'emblématique Mitsurugi devait initialement céder sa place dans ce même jeu ?

L'article complet est à lire sur Game Forever : => https://www.gameforever.fr/soulcalibur.php

Pour en revenir à Soulcalibur VI, je vous propose ici de lire le paragraphe que j'ai consacré à ce jeu - autrement dit, la fin de l'article ! 6 ans après le controversé Soulcalibur V, la série de Namco était mal en point.
Si cela vous donne envie de lire tout le début (soit 6 épisodes sortis avant !), allez directement sur Game Forever !

Bonne lecture !


> Retrouver le goût du succès

Après la déception Soulcalibur V et le naufrage de Lost Swords (le volet free to play lancé en 2014), Namco a dû se rendre à l’évidence : au lieu d’un nouvel élan escompté avec le renouvellement, la série s’est retrouvée au bord du gouffre.
Lorsqu’un sondage de popularité est lancé pour savoir quels sont les combattants préférés des amateurs de la série, et ainsi déterminer quel sera le futur de la série, les membres de Project Soul furent surpris de l’impopularité des nouveaux personnages de Soulcalibur V. Symbole de cette désaffection, le protagoniste Patroklos, pourtant mis en avant, se traîne ainsi tout en bas de classement (derrière même des personnages délaissés comme Li Long), alors qu’à l’opposé Sophitia, Taki ou encore Nightmare sont toujours plébiscités.

De ce constat, Project Soul en tire la conclusion que la direction prise mène à une impasse, et que les fans de la série veulent retrouver leurs personnages préférés. Bandai Namco a toutefois prévenu : le prochain épisode sera le dernier si les ventes s’avèrent aussi décevantes que celles de Soulcalibur V. Plus de droit à l’erreur, donc. Il aura ainsi fallu attendre 6 ans (2018 ) pour que Soulcalibur VI sorte enfin sur PC, Xbox One et PS4 ; un délai particulièrement long pour une série aussi estimée, mais devenue secondaire pour Bandaï Namco.

Puisque la prise de risques est à proscrire, il faut en revenir aux fondations du succès, et partir sur une « relecture des événements du premier Soulcalibur » ; autrement dit, on riboute ! Ce n’est pas une garantie de succès, mais cela permet surtout de rajeunir les troupes qui prenaient progressivement de la bouteille (ou pas), et de rappeler des combattants laissés de côté. Les premières présentations montrant Mitsurugi et Sophitia rajeunis ne laissaient pas de doutes quant à cette main tendue vers les fans, et le reste du casting confirme que Project Soul a rappelé une très grande part des personnages populaires de la série, occultant volontairement Soulcalibur V.


En revenant à la base du succès, Project Soul en profite pour redonner une nouvelle jeunesse à ses personnages emblématiques

Peu de nouveaux : Groh est présenté comme le rival de Kilik et est fortement impliqué dans la nouvelle trame scénaristique, tandis qu’Azwel remplace Algol dans le rôle de l’antagoniste surpuissant. Enfin, signe que la série trouve toujours à s’accorder avec les licences du moment, c’est au tour de Geralt de Riv, le protagoniste de The Witcher, d’avoir les honneurs d’une invitation et d’une mise en avant sur la jaquette du jeu.
Pointé par les amateurs de la série comme une cause potentielle de déception, le manque de personnages féminins est toutefois compensé par des saisons de DLC, imitant Tekken 7, Dragon Ball FighterZ ou encore Street Fighter V. La première vague propose ainsi Tira, Amy et Cassandra, tandis que 2B de Nier Automata – particulièrement réclamée – s’intègre bien dans Soulcalibur malgré l’univers futuriste dont le personnage est tiré.


La nouvelle technique risquée et controversée "Reversal Edge", visuellement spectaculaire, consiste à attaquer ou contrer l'adversaire, en laissant une bonne part de hasard décider de l'issue

Le jeu ayant rencontré un succès suffisant aux yeux de Bandai Namco, une seconde saison de DLC a été lancée, rappelant des personnages très demandés (Hilde de Soulcalibur IV et Setsuka de Soulcalibur III) et offrant un retour remarqué pour le vétéran Hwang, disposant d'un nouveau style de combat et d'un design très inspiré du chasseur de Bloodborne. L’intégration de Haohmaru, le samouraï emblématique de Samuraï Shodown est également annoncée. Pas tout à fait une surprise, puisque SNK loue facilement ses personnages vedettes à d’autres séries de jeux de combats (Mai pour Dead or Alive 5, Geese pour Tekken 7, Terry pour Super Smash Bros Ultimate), mais un crossover intéressant entre Soulcalibur et Samuraï Shodown, même si Haohmaru et Mitsurugi ne doivent pas leurs ressemblances au hasard, les deux personnages étant inspirés d’un personnage japonais historique, Miyamoto Musashi.


En invitant Haohmaru de Samurai Shodown dans Soulcalibur, il paraissait évident de le mettre en rivalité avec Mitsurugi

Quant aux modes de jeux, Soulcalibur VI ne renie pas son mode online et ses ambitions de compter sur la scène de l’e-sport, mais a également longuement présenté ses modes solo – délaissés dans les IV et V – pour renouer avec la richesse des modes aventures des volets II et III ; un atout qui pourrait faire (re)venir les joueurs occasionnels qui avaient fini par délaisser la série.

Séduire tous les publics, c'est ainsi un grand écart particulièrement périlleux qu'effectue Project Soul avec son Soulcalibur VI, alors que plane au-dessus de la licence une menaçante « Soul Edge » – pour ne pas dire épée de Damoclès. Malgré des ventes satisfaisantes mais loin d'égaler les meilleurs chiffres de la série, le pari semble toutefois payant, grâce à une équipe de développement à l'écoute de ses fans toujours fidèles.



L'article complet est à lire sur Game Forever, où je parle de tous les volets de la série, y compris les moins connus : https://www.gameforever.fr/soulcalibur.php

En complément de l'article d'@Obi69 célébrant les 30 ans de F-Zero, je vous propose une vidéo de gameplay sur les 4 coupes de F-Zero X... revues avec l'Expansion Kit !

J'avais déjà réalisé une vidéo sur les 2 coupes exclusives de l'Expansion Kit, l'extension de F-Zero X sortie sur le 64DD. Cette fois, je me mesure simplement aux coupes déjà présentes dans le jeu de base, ce qui permet toutefois d'apprécier quelques petites différences.
Support oblige - l'Expansion Kit étant proposée sur disquette - F-Zero X bénéficie de musiques de meilleure qualité, au son stéréo. Dans le jeu N64, la qualité de son était en effet déplorable (seulement en mono), Nintendo ayant tout misé sur la fluidité en 60FPS.
Certaines musiques ont également été revues : Red Canyon et White Land bénéficient de nouvelles versions, et la Rainbow Road a quant à elle droit à un remix de la musique issue de Mario Kart 64 (à 51:15 pour les pressés).

Pas de changements en course, si ce n'est de piloter de nouvelles machines. Pour la vidéo, j'ai ainsi testé les 3 super bolides de l'Expansion Kit, ainsi qu'un bolide tout juste créé avec le créateur de machines.

Bon visionnage !



Et les 2 coupes additionnelles DD1 & DD2 Cup :


Précision : Conditions de jeux réalisées avec une ROM hackée traduite en anglais et fonctionnant avec l'émulateur Project 64 2.3.2.

Je me devais de fêter les 35 ans de Super Mario Bros, et c'est pour cette raison que j'ai revu la rédaction d'un vieil article que j'avais consacré aux Super Mario Bros 2. => https://www.gameforever.fr/supermario2.php

L'histoire est maintenant bien connue : le vrai SMB 2 était longtemps resté au Japon, tandis que notre SMB 2 (péjorativement dénommé "le faux", plus officiellement "USA") est adapté d'un tout autre jeu, Yume Koujou - Doki Doki Panic. Dans mon article, je me livre à une analyse complète de ces 3 jeux, sans oublier toutes les adaptations connues (All-Stars, remake GBA, Virtual Console...) ainsi que les hommages.

Pour Gamekyo, je vous propose la 1ère partie de l'article consacrée au Super Mario Bros 2 original, "Lost Levels". L'occasion est belle en effet, car ceux qui ont fait l'acquisition d'une Game & Watch spéciale Super Mario Bros auront sans doute la surprise (ou pas) d'y trouver également ce jeu à l'histoire singulière.

Bonne lecture !


Rien de nouveau en apparence dans le "vrai" Super Mario Bros 2, si ce n'est une nouvelle réalisation graphique

Super Mario Bros est un succès phénoménal, mais là je ne vous apprends rien. Nintendo décide donc d’une suite très rapidement, Super Mario Bros 2. Le jeu sort en 1986, et est avec The Legend of Zelda parmi les premiers jeux lancés sur la toute nouvelle extension de la Famicom. Cette extension, qui prend le nom de Famicom Disk System, permet de lire des disquettes aux capacités de stockage plus importantes que les cartouches de l’époque. Les disquettes réinscriptibles offrent également la possibilité de sauvegarder sa partie. Cette extension ne sortira jamais en Amérique ou en Europe, puisque Nintendo proposa ensuite des cartouches plus performantes, plus sûres et économiquement plus rentables.

Mis à part le lancement du jeu différent (format oblige), SMB 2 est très similaire à son prédécesseur. Rarement Nintendo n’aura pondu de suite aussi peu innovante sur la forme que celle-ci, tant est si bien que ce Mario mérite véritablement son nom de "Lost Levels" dans la compilation Super Mario All-Stars. Graphiquement, quelques différences apparaissent, avec des décors plus fins mais pas forcément plus jolis. Les musiques par contre sont identiques, et d’ailleurs, la succession des niveaux suit la même logique que pour le premier : dans chaque monde, le premier niveau est une mise en jambe ; le second constitue généralement le niveau sous-terrain (dans l’obscurité de la caverne ou la dangerosité du lac) ; le troisième propose des phases de plateformes plus techniques ; et le dernier se situe dans le château de Bowser, où il faudra vaincre le Roi des Koopas.
Pas de mode 2 joueurs en revanche, mais le choix déterminant entre "Mario Game" et "Luigi Game" : si le contrôle de Mario n'est pas modifié, celui de Luigi s'avère différent, le jeune frère sautant sensiblement plus haut mais en contrepartie, met également plus de temps pour s'arrêter. Un détail anodin ? Eh bien, essayez, et revenez m'en parler après !


Gare aux dérapages ! La distance de freinage importante de Luigi le rend difficile à manier, et sa capacité de saut supérieure n'est pas un avantage si déterminant

Pourtant, dès son niveau 1-1, SMB 2 part du principe que vous avez déjà joué au précédent volet. Pas forcément difficile, ce premier niveau sonne pourtant tout du long de son déroulement comme une mise en garde : attraper ne serait-ce que le premier champignon demande un peu d'effort ; le joueur découvre ensuite le champignon vénéneux (qui n'est vraiment pas bon), ainsi qu'un level design (déjà) plus tortueux. SMB 2 apporte ainsi plus de défis, plus de niveaux aussi (12 mondes, plus un secret), et demande davantage de maîtrise des commandes ainsi que d'astuce pour franchir certains obstacles.
Une fois la difficulté assimilée, il faut également accepter les règles d'un jeu assez vicieux, qui place des ennemis inattendus sur votre route (comme les bloups qui ne sont normalement que dans l'eau), vous fait parfois décoller hors de l'écran (avec des ressorts plus puissants), et pire encore, peut vous faire emprunter des warp zones punitives qui vous renvoient plusieurs mondes en arrière ! Mais SMB 2 comporte également de nombreux challenges motivants, comme finir tous les niveaux à la suite sans emprunter de raccourcis pour débloquer le monde 9, ainsi que terminer le jeu 8 fois pour jouer aux 4 mondes additionnels A à D.

Nintendo ne s'en est par ailleurs jamais caché et l'indique clairement sur la pochette du jeu FDS : ce Super Mario Bros est "For the Super Players". Conçu comme une extension du premier, le jeu a ainsi répondu à un besoin des joueurs nippons pour des challenges plus ardus, et il s'agit même d'une des très rares productions Nintendo à avoir été conçue dans un esprit aussi peu amical envers les joueurs.


A la difficulté viennent se greffer les bizarreries, comme ce bloups "flottant" dans les airs !

Un Mario 2 est pourtant bien sorti en Occident, mais alors on nous aurait menti ? Ce n’est désormais plus un secret pour personne, notre Mario 2 est un faux Mario. Pourquoi ce mensonge ? Pourquoi n'avons-nous pas eu droit au véritable jeu ?
Alors d’abord je ne m'inscris pas du tout dans cette ancienne vague de protestation, car les fusils ont longtemps été braqués sur ce Mario 2 - notamment par la presse spécialisée de l'époque - en occultant injustement ses qualités. Sous couvert de dénoncer le mensonge de Nintendo, de nombreux journalistes ont considéré ce volet comme un sous-Mario, bref un jeu inintéressant.

A dire vrai, si techniquement, ce jeu n’est pas la vraie suite de Mario 1, il n’en va pas de même d’un point de vue commercial. En effet, la NES est arrivée en 1985 aux USA (et en 1987 en France). Évidemment, Super Mario Bros y connut un succès tout aussi énorme qu’au Japon, aussi Nintendo of America (NOA) désira sortir sans trop attendre la suite. Mais la branche américaine n'est pas du tout convaincue par Super Mario Bros 2 : cette suite pour experts ne correspond pas du tout à la cible familiale visée. Or, NOA veut fidéliser un public jeune avec une suite toujours accessible, et non avec un jeu difficile destiné à des joueurs capables de finir les doigts dans le nez le 8ème monde de Mario 1.
NOA demande donc un autre Mario 2.


J'espère vous avoir donné envie de lire la suite !
=> https://www.gameforever.fr/supermario2.php

A la fin de l'article, vous pourrez également télécharger un pack de ROMs comprenant Yume Koujou - Doki Doki Panic (introuvable légalement), ainsi qu'une ROM de Lost Levels parfaitement fonctionnelle pour une mini NES hackée (ça, par contre, ça reste entre nous !).

A lire également : Tous les avis pour Super Mario Bros - The Lost Levels, sur gameforever.fr

Gargoyle's Quest a 30 ans ! Pour tous ceux qui se souviennent des débuts de la Game Boy, le jeu d'action-aventure de Capcom était l'un des meilleurs titres - et figure toujours parmi les classiques de la portable.
Avec un peu de retard (puisque le jeu est sorti au Japon en mai 1990), j'ai revu mon article consacré à son personnage principal, Firebrand... lequel a également 30 ans. La gargouille est un peu oubliée de nos jours, mais fait encore quelques apparitions, dernièrement dans Marvel vs Capcom Infinite.

Je vous propose ici le début de l'article, avec en introduction les apparitions des Red Arremers dans la série Ghouls 'n Ghosts, et la première partie sur Gargoyle's Quest.
La suite, à lire sur gameforever.fr, présente l'histoire de Firebrand dans Gargoyle's Quest II et Demon's Crest, avec une petite analyse du personnage, et revient également sur sa présence dans 3 jeux de baston (SNK vs Capcom, Ultimate Marvel vs Capcom 3 et Marvel vs Capcom Infinite).

Article complet sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/firebrand.php

Bonne lecture !





Il n'est pas si rare qu'un héros de jeu vidéo ait officié d'abord comme rival ou ennemi du héros avant de se voir ensuite proposer la gratifiante promotion d'être la tête d'affiche de son propre jeu, voire de sa propre série ; c'est le cas de la gargouille Firebrand, emblématique adversaire d'Arthur dans la série Ghouls'n Ghosts de Capcom, devenu héros de sa propre série, Gargoyle's Quest.
Personnage ambigu dont le quasi-mutisme masque parfaitement les motivations troubles, Firebrand est assez peu connu du grand public mais est véritablement adulé par une communauté de fans, aussi effrayés à l'idée de l'affronter qu'enthousiasmés à la perspective de l'incarner.


> Les Red Arremers, des ennemis redoutables

La première apparition de la gargouille dans un jeu vidéo remonte au mythique Ghosts 'n Goblins, sorti en Arcade en 1985 puis sur NES en 1986. Enfin, pas tout à fait, puisqu'il ne s'agit pas exactement du héros Firebrand, mais de ses congénères nommés Red Arremer, des ennemis apparaissant au cours du jeu. Arthur, le héros de cette série, aura souvent fort à faire contre ces démons coriaces, pas tout à fait des boss, mais parfois plus retors ! Leur rapidité, leur faculté de voler, de cracher du feu, en font des adversaires redoutables. Chacune de leurs apparitions dans les différents jeux de la série est crainte par le joueur, les gargouilles intervenant bien souvent à des endroits stratégiques leur conférant souvent un statut officieux de boss de mi-parcours ; ces apparitions étaient également attendues, tant combattre ces adversaires redoutables et imprévisibles constitue un challenge excitant !

Les Red Arremers existent en plusieurs catégories : ceux de classe normale vus dans Ghosts 'n Goblins sont pour ainsi dire nus ; ceux de Ghouls 'n Ghosts (sorti en arcade en 1988 ) sont nommés Red Arremer King et sont dotés d’armures ; les Red Arremers Ace (dont fait partie Firebrand sous sa forme initiale) sont plus grands, plus forts et plus résistants, et apparaissent dans Super Ghouls 'n Ghosts (sorti en 1991 sur SNES) ; enfin, la réédition de Super Ghouls 'n Ghosts sortie en 2002 sur Game Boy Advance présente un nouveau boss, Red Arremer Joker, plus imposant et capable d'invoquer des Red Arremers Ace en combat. Bref, le plus puissant de son espèce, exception faite de la transformation ultime de Firebrand.
Un Red Arremer (ou tout du moins, un ennemi y ressemblant très fortement) apparaît également comme boss dans le jeu d'arcade Black Tiger, et comme boss final dans le méconnu Higemaru Makaijima - Nanatsu no Shima Daiboken, un jeu d'aventure inspiré de Zelda et sorti en 1987 sur Famicom.


Le premier Red Arremer que vous affronterez dans Ghosts 'n Goblins constitue également la première difficulté à passer


> Firebrand héros ?

Les gargouilles étant devenues aussi populaires que le héros Arthur, Capcom décida de faire de l’un de ces Red Arremers le héros de son nouveau jeu : il sera nommé Firebrand ! Sorti sur Game Boy en 1990, Gargoyle's Quest dispose d'une réalisation supérieure à bien d'autres jeux sortis aux débuts de la portable noir et blanc de Nintendo, et rencontre un succès immédiat.


Dès le premier niveau, les capacités de Firebrand devront être rapidement mises à rude épreuve !

Si au niveau du gameplay, Capcom s’était fortement inspiré de Zelda II sur NES (preuve s'il n'en fallait qu'une que ce dernier eut de l’influence en son temps), l’éditeur n'avait pas manqué d'audace scénaristique, faisant des démons - les méchants de la série Ghouls ‘n Ghosts - une « gentille » peuplade menacée par des monstres plus méchants encore : les Destructeurs ! Car si les démons veulent conquérir le royaume des humains, les destructeurs veulent tout raser pour leur bon plaisir. Malheureusement pour nos pauvres démons, ce sont eux les premières victimes. Le roi Darkoan est emprisonné dans son château, et ses différents seigneurs ont soit perdu leurs pouvoirs, soit rallié l’ennemi.

Firebrand est quant à lui le gardien de la porte dimensionnelle reliant le monde des humains à celui du monde des démons. Lorsqu'un zombie court à sa rencontre, la situation est déjà désespérée : les Destructeurs ont tout envahi, et Firebrand doit partir. Pour lui débute une aventure où de fil en aiguille, il apprendra qu’il n’est pas qu’une simple gargouille comme les autres, mais qu’il est le descendant du légendaire Red Blaze (la Flamme Rouge) qui sauva jadis le royaume des démons de ces Destructeurs. Le destin de Firebrand est donc de stopper l’armée des Destructeurs.


Les boss de Gargoyle's Quest constituent des challenges difficiles


Voilà pour l'extrait sur Gargoyle's Quest !

Article complet sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/firebrand.php

A lire également : Les avis sur Gargoyle's Quest

Avec la sortie prochaine de la Game & Watch spéciale Super Mario Bros, le dossier consacré aux Game & Watch sur gameforever.fr et rédigé par Jumpman (un membre de notre équipe) vient d'être mis à jour.

Je vous propose ici des extraits consacrés aux éditions spéciales de Game & Watch.

L'article complet est à lire sur Game Forever : https://www.gameforever.fr/gamewatch.php
Vous y trouverez une liste complète de toutes les G&W pour les différentes gammes.
Bonne lecture !


Vermin (07/1980)

Ah, les "Game&Watch"... Que de souvenirs avec ces petits jeux électroniques ! Toutes les personnes de ma génération (années 80-90) ont joué ou possédé des G&W... Ces petits jeux de poche made in Nintendo furent un terrible phénomène de mode dont je vais vous conter l'histoire.

Les G&W ont vu le jour le 28 avril 1980 avec le premier titre : Ball. C’est un succès immédiat pour ce petit jeu de poche ! Nintendo décide alors de continuer l’aventure et d’y intégrer les "héros maison" comme Donkey Kong, Mario, Zelda, etc. Les G&W vont sévir jusqu’en 1991 ! En onze ans, les G&W ont connu différentes versions avec plus ou moins de succès et d’innovations. Il existe en tout 60 G&W différents répartis en 10 modèles.
Il est bon de savoir que le G&W a été conçu par Mr Gunpei Yokoi, qui n'est ni plus ni moins que le créateur de la Game-Boy ! Cette dernière va malheureusement mettre fin au succès des G&W. En effet, alors que sur Game-Boy on pouvait changer de jeu en changeant de cartouche, les systèmes G&W n’était eux dédiés qu’à un seul jeu. Leurs écrans LCD possédaient leurs propres décors imprimés, s’illuminant en fonction de l’évolution du jeu (cela est valable pour une grande partie des modèles G&W, mais pas toutes...). Impossible donc de jouer à d’autres jeux avec une même "console". A noter que les G&W pouvaient aussi donner l’heure et servir de réveil-matin à l’occasion.

Certains furieux les collectionnent alors que d’autres s’en procurent par simple fièvre nostalgique, mais une chose est sûre, les G&W ne sont pas mortes !! Les prix de ces machines, de nos jours, vont du très abordable jusqu'à atteindre des sommes mirobolantes ! Tout dépend de la rareté de la bête, mais également de son état (boite, cache-piles, rayures, etc.).

Ainsi, le Mario the Juggler, en boite complet et en bon état, peut aisément dépasser les 1000 €, ce parce qu’il s’agit du dernier G&W sorti et tiré à peu d’exemplaires ! Pire, une G&W peut atteindre 5000 € : un modèle Multi Screen (Green House) tiré à une petite centaine d'exemplaires, vendu hors commerce, et spécialement conçu pour fêter la 20.000.000ème G&W vendue !! Il y a aussi le 60ème G&W, un Super Mario Bros, qui était à gagner dans un concours Nintendo... Là encore, un objet au prix prohibitif...


La fameuse G&W spéciale 20 000 000ème ! Ca laisse rêveur...

Et puis, il y a aussi, cette histoire (cette rumeur pour certains...) au sujet de cette fameuse G&W "fantôme". En fait, il s’agit du Game & Watch Tetris, jamais vendu, ni même produit (en tout cas selon Nintendo). Pourtant, une photo a circulé sur le Net... et personne n’a su dire s'il s’agissait d’un fake ou non... En fait, c’est un indice troublant qui sème le doute parmi les collectionneurs : au dos du catalogue G&W de l’époque figurait une image représentant une G&W Multi Screen marqué d’un joli "Coming Soon". Beaucoup pensent que Nintendo s’apprêtait à sortir Tetris sous cette forme avant de se rétracter au profit d’une version Game-Boy, qui serait plus rentable et aiderait par là même sa nouvelle console.



En 2010, Ball est réédité pour les 30 ans de sa sortie, proposé comme cadeau dans le Club Nintendo. Le G&W fourni avec boîte et notice est une reproduction très fidèle à l’original, mais étant moins recherché par les collectionneurs, est également financièrement bien plus abordable.

Enfin, à l’occasion des 35 ans de Super Mario Bros, une toute nouvelle G&W sort en 2020. Techniquement, elle n’a évidemment rien à voir avec les vieux LCD, mais l’esprit « Game & Watch » est présent malgré tout. Incluant en plus de SMB, Lost Levels (alias le vrai Mario 2) ainsi qu’un remake de Ball avec Mario, la machine comprend également un mode Horloge, forcément indispensable !
Peut-être le début d’une nouvelle gamme de G&W, qui sait ?

Voilà, j'espère que ça vous donnera envie d'en savoir un peu plus sur les G&W !

L'article complet, à lire sur gameforever.fr, présente toutes les gammes de G&W avec la liste des jeux, ainsi que les déclinaisons en jeux vidéo sorties notamment sur GBA et DS.
=> https://www.gameforever.fr/gamewatch.php


La G&W spécialement sortie pour les 35 ans de Super Mario Bros

Pour ses 60 ans, SEGA fait des cadeaux aux joueurs sur Steam via sa campagne GO SEGA. Et parmi ces cadeaux, un prototype qui fait sensation : celui d'un Golden Axe en 2,5D !

Si on se fie à la présentation du jeu sur Steam, Golden "Axed" (faisant référence au fait que le jeu a été coupé au montage) faisait partie d'un projet de reboots de franchises de SEGA (dont Streets of Rage, Altered Beast et Shinobi) que devait conduire Sega Studios Australia.
Le projet réalisé en 2 semaines devait démontrer la faisabilité du jeu, mais le studio ayant fermé ses portes à la suite du remake de Castle of Illusion (2013), il a été abandonné en l'état.

Même si le résumé parle également "d'un aperçu rare de ce qui se passe en coulisses dans le monde parfois tumultueux du développement de jeux vidéo", la vérité est moins réjouissante. Tim Dawson et Sanatana Mishra, les principaux créateurs de ce projet, découvrent en effet la sortie du prototype, qui leur rappelle de bien mauvais souvenirs. Réalisé dans des conditions de crunch en 2012 (14h par jour pendant 2 semaines), le prototype est par ailleurs soumis aux changements de cap de son producteur qui souhaiterait plutôt un Streets of Rage. Dawson rapporte qu'il n'a reçu aucun soutien de sa direction lors du développement de ce prototype, et s'étonne que SEGA affirme avoir contacté des anciens membres du studio pour actualiser le prototype et le rendre jouable... puisqu'à sa connaissance, aucun ancien du studio n'était au courant de ce projet.

On s'était donc pris à rêver d'une belle histoire de prototype retrouvé dans un placard, sauf que non !

Mais trêve de bavardages, et place au jeu !


Installation

Il faudra récupérer le prototype sur Steam avant le 19/10 au soir, alors dépêchez-vous ! ... même si je ne doute pas que des malins récupèrent ce prototype pour le diffuser.
La configuration minimale requise sur Steam mentionne une carte graphique Nvidia GTX 960 ou AMD R9 380, et de préférence GTX 2060. Ah oui, quand même ! Gourmande la démo ! Sauf que mon vieil ordi, avec sa carte GTX 650 minable, a fait tourner le jeu sans aucun problème. Curieux... Bon, après tout, ça marche, pourquoi se plaindre ?


Test

Et ça va aller vite, en fait. Montre en main, cette démo se finit en 5 minutes grand max. On cogne pas mal de soldats à coups d'épée, avec un coup faible, un coup fort, une attaque arrière, un saut... Le gameplay renvoie au Golden Axe original de 1989, c'est très basique et ça n'innove en rien, MAIS il s'agit d'un prototype réalisé en 2 semaines, il ne faut évidemment pas s'attendre à ce que Golden Axed révolutionne quoi que ce soit.
Cela dit, on ne peut incarner que le barbare, et on ne cogne donc que 2 types d'ennemis : les soldats faibles, et les soldats un peu plus forts, et puis c'est tout. Death Adder ne fera que vous regarder trucider ses troufions, mais n'interviendra pas. Tant pis pour le combat final... On peut quand même profiter de cette courte démo à 2 joueurs, histoire d'aller encore plus vite !



Alors qu'en retenir ? Très vite joué, le prototype n'est pas désagréable à l’œil, même si la direction artistique est discutable. Il faut dire qu'à cette époque, la licence Golden Axe est devenue très bof après un Beast Rider plus que médiocre sorti en 2008 sur PS360, mais on est loin de l'heroic fantasy de l'opus original, et encore plus loin de l'excellentissime Revenge of Death Adder (le chef d’œuvre de la série sorti en 1992 uniquement en arcade).

Encore une fois, il ne s'agit que d'un prototype, mais à mon sens, il partait déjà dans la mauvaise direction. Rien ne dit cependant que le projet aurait conservé cette voie, s'il avait pu bénéficier d'une réelle validation. Mais le chemin pour arriver à Streets of Rage 4 a finalement commencé là : pour réinventer le beat them all / up (moi je dis "all"), la simple 2,5D ne suffit pas, il faut un gameplay qui se renouvèle, et une vraie direction artistique qui donne envie aux joueurs. Ce n'était pas le cas de ce Golden Axe, puisque son producteur n'avait apparemment pas une réelle vision sur ce qu'il souhaitait pour un reboot de la licence.


Verdict

Essayez-le, faites-vous votre opinion, honnêtement ce n'est pas non plus une perte de temps, mais malgré tout, on peut quand même remercier SEGA de nous avoir fait découvrir ce projet. Rien ne les y obligeait, ils s'exposent maintenant à une critique sans doute justifiée, mais le résultat est là.

Quant à moi, je ne peux que conclure cet article en vous recommandant chaudement de découvrir The Revenge of Death Adder. Le jeu sera pour la première fois réédité sur la prochaine Astro City mini... ce qui veut dire que ce bijou n'a jamais été proposé légalement auparavant !

- A lire : Tous les avis pour la série Golden Axe sur Game Forever

- Télécharger Golden Axed : Voir sur le forum de Game Forever

Salut tout le monde !
C'est Blondex du site gameforever.fr - que vous commencez peut-être à connaître un peu !

La sortie prochaine de Prince of Persia - Les Sables du Temps Remake (oui, c'est son titre) a été l'occasion pour moi de mettre à jour le dossier rédigé initialement par @Puissancepixel. Outre ce remake donc, il fallait également parler du projet annulé en 2011 (Prince of Persia Redemption), dont un trailer a refait surface récemment.

Plutôt que de commencer par le début de l'article, je poste ici 2 extraits, consacrés aux Sables du Temps, ainsi qu'au remake et à Redemption.

J'espère qu'ils vous donneront envie de lire l'article complet sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/princeofpersia.php

Le dossier complet revient sur tous les volets de la célèbre série créée par Jordan Mechner, sans exception : le premier volet mythique et toutes ses multiples adaptations ; le second volet ; le mal-aimé Prince of Persia 3D ; la trilogie des Sables du Temps ; le volet 2008 ; ainsi que le film et Les Sables Oubliés. Bref, un sacré programme !

En fin d'article, je laisse également une vidéo vers Prince of Persia Redemption.

Bonne lecture !




> Les Sables du Temps, le volet culte

En 2001, la section divertissements et jeux [de The Learning Company et Broderbund] sera rachetée par Ubisoft, qui récupère du même coup plusieurs licences, parmi lesquelles Myst et Prince of Persia. Malgré un troisième épisode très médiocre, Ubisoft va tout de même se lancer dans le projet d’une nouvelle aventure rapidement après l’acquisition de la licence. L’équipe de développement va vouloir garder ce qui avait fait le succès du premier épisode, à savoir des combats très dynamiques, des niveaux bien construits et surtout une animation très fluide. Composée seulement de 7 personnes autour du producteur Yannis Mallat, l’équipe de développement va rapidement augmenter, notamment lorsque Jordan Mechner verra les premières maquettes – réutilisant le Jade Engine de Beyond Good and Evil – qui lui plairont immédiatement, et le convaincront de s’impliquer dans ce nouveau volet qui s’intitulera Les Sables du Temps (The Sands of Time). Dès lors, se construisent autour de ce projet un scénario que va signer Jordan Mechner, ainsi qu’une direction artistique confiée à Patrice Désilets – qui sera plus tard le créateur de la série Assassin’s Creed.

Le concept initial du Prince devant sauver la Princesse du Vizir est dépoussiéré… avec du sable ! Si le Vizir reste cantonné à son rôle de méchant dévorant d’ambition et de fourberie, le Prince n’a pour objectif principal que de l'affronter, et non de sauver la Princesse (rôle tenu par Farah, la fille d’un maharaja), laquelle ne demande par ailleurs pas à être secourue. L’histoire commence lorsqu’au cours d’une bataille opposant le Roi de Perse au Maharaja, le Prince part explorer le palais de ce dernier pour dérober un trésor précieux : la Dague du Temps. Inconscient des pouvoirs de cette dague, le Prince revient aux côtés de son père victorieux et du Vizir. Tous font halte au palais du Sultan d’Azad, où le Roi offre à son hôte le Sablier du Temps dérobé au Maharaja. Sur les conseils malintentionnés du Vizir, le Prince libère alors les Sables du Temps avec sa dague, qui transforment alors les soldats du palais ainsi que le propre père du Prince en monstres de sables, que contrôle le Vizir. Pour réparer son erreur et refermer le sablier, il devra compter sur l’aide de Farah, la princesse capturée par le Roi.


Durant l'histoire tout comme dans la progression du jeu, le Prince forme un duo avec Farah

Ubisoft réussit ainsi là où Broderbund avait échoué : réaliser une aventure convaincante toute en 3D de Prince of Persia. Le nouveau Prince est composé de 750 animations, qui lui permettront de courir sur les murs et réaliser tout un tas d’autres mouvements acrobatiques dans un univers des Milles et Une Nuits très bien retranscrit. Le tour de force des Sables du Temps est en effet d’intégrer parfaitement le level design dans le décor du palais, laissant le joueur deviner par lui-même quel est le parcours à prendre sans qu’il n’ait l’impression de suivre un chemin balisé par des flèches. En cela, l'esprit du jeu original est parfaitement respecté.
Mais la grande nouveauté est la possibilité de pouvoir contrôler le temps grâce à la fameuse dague : le Prince peut ainsi faire un retour en arrière de quelques secondes s’il se fait battre par un ennemi ou tombe dans le vide, ou bien encore le ralentir pour pouvoir passer plus facilement les nombreux pièges du jeu ou éliminer rapidement ses adversaires. Mais pour utiliser tous ses pouvoirs, la dague devra être suffisamment chargée en sable.


Le parcours est semé d'embûches et d'énigmes, et "rembobiner" permet d'expérimenter une solution

Sorti en 2003 sur Game Cube, PlayStation 2, Xbox et PC, le jeu a également droit à une version portable sur Game Boy Advance, moins réussie que les versions consoles de salon. Bref, ce Prince of Persia – Les Sables du Temps sera un très grand succès, qui décide évidemment Ubisoft à sortir une suite. Son statut de jeu culte de l’ère PS2 / Xbox / GameCube a également permis à la série d’acquérir une reconnaissance plus grande encore que le tout premier volet.

> Un remake au bout de la traversée du désert

[Depuis 2010], la franchise sera finalement laissée 10 ans de côté alors qu’elle avait bénéficié depuis 2003 (et Les Sables du Temps) de 4 volets majeurs, et d'une bonne dizaine de productions au total. Qu’a-t-il bien pu se passer ? La raison est simple : certes, Prince of Persia dispose d’une réelle aura, mais parallèlement, la série Assassin’s Creed – propriété entière d’Ubisoft – connaît un succès commercial bien plus important avec son premier volet, et va prendre son envol avec Assassin’s Creed II et les aventures d’Ezio.

Des projets Prince of Persia ont bien été menés par Ubisoft sans qu’on en connaisse pendant longtemps l’existence : il en est ainsi d'un projet mené par le studio de Montréal, abandonné dans la plus grande des discrétions en 2011. C’est pourtant en 2020 qu’un trailer, jamais révélé par Ubisoft, a refait surface… alors qu’il avait fuité sur Youtube dès 2012 ! Nommé Prince of Persia Redemption, le jeu semble avoir été prévu sur Xbox 360 et PS3, et présente un concept grandement inspiré d'Uncharted ainsi qu'une réalisation revenue à la tonalité plus sombre de L’Âme du Guerrier, à l’exact opposé du Prince of Persia 2008. Le projet est confirmé par un ancien développeur d’Ubisoft (Jonathan Cooper) pour avoir réellement existé, bien que le gameplay révélé par la vidéo ne soit en fait qu’un montage ; un montage néanmoins si impressionnant qu’il aurait servi de base de travail pour la conception… d’Assassin’s Creed III ! Jonathan Cooper révèle également qu’Ubisoft a souvent été prompt à annuler des jeux Prince of Persia du fait que Jordan Mechner en détient toujours les droits – donc une part des bénéfices.


Image tirée du trailer de Prince of Persia Redemption, où l'on voit le Prince disposer d'une nouvelle maîtrise des pouvoirs du temps

Il faudra attendre l’annonce cette fois bien réelle de la sortie début 2021 du remake des Sables du Temps pour voir la franchise terminer officiellement sa traversée du désert. Développé par le studio d’Ubisoft Pune en Inde (dont il s’agit de la première production majeure), Les Sables du Temps Remake débarque sur PS4, Xbox One et PC, mais si son annonce fut longtemps espérée, le premier trailer de présentation a douché l’enthousiasme. Malgré le bad buzz provoqué par une réalisation « petit budget », l’avenir de la licence pourrait toutefois dépendre de la réussite commerciale du remake du volet le plus acclamé de la série.


Voilà pour les extraits de l'article. Le dossier complet est à lire sur gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/princeofpersia.php

A lire également : Tous les avis pour la série Prince of Persia sur gameforever.fr

Et pour finir, le trailer de Prince of Persia Redemption :

Bonjour tout le monde !
Je me présente, je suis Blondex du site gameforever.fr, auquel participent également @Obi69 et @ludens23.
Je viens souvent en visiteur sur Gamekyo, mais j'ai encore peu participé.

Je vous propose un dossier consacré au ver de terre le plus connu de l'univers : Earthworm Jim ! J'avais rédigé une première mouture il y a longtemps, et j'ai décidé de passer la super combinaison de Jim au pressing (bref, j'ai revu la rédaction de l'article), d'autant qu'après une longue pause, le lombric revient avec un 4ème volet sur... Intellivision Amico.

Comme le faisait @Obi69 pour le partage de contenus de Game Forever, je poste ici la première partie de l'article, consacrée au premier volet culte.

L'article complet est à lire sur le site gameforever.fr : https://www.gameforever.fr/earthwormjim.php

J'y parle de tous les volets : le 2 toujours apprécié ; le volet 3D toujours... en 3D ; l'épisode annulé sur PSP ainsi que le remake HD de 2010. Sans oublier un bref paragraphe sur Earthworm Jim 4.

Bonne lecture !


Quelle est la recette qui a fait de Jim le ver de terre un héros remarqué de jeux vidéo ? Une combinaison spatiale surpuissante et un pistolet dévastateur ? Ça aide, mais il n’est pas le seul à avoir un tel équipement. Un univers loufoque rempli d’ennemis aussi menaçants qu’improbables ? Voilà qui plante le décor, en effet ! Mais Earthworm Jim ne dépareille pas dans cet univers : conçu comme un personnage de cartoon, avec ses très nombreuses poses amusantes, son obsession pour les vaches et sa hantise des corbeaux, le lombric a gagné sa popularité dès son premier jeu culte.

Une popularité, cela doit en revanche bien s’entretenir, et la chute n’est jamais loin lorsque l’on tombe entre de mauvaises mains.


La création d'un univers loufoque

Earthworm Jim est le premier jeu développé par le studio Shiny, fondé en 1993 avec à sa tête David Perry. Il ne s’agit toutefois pas du premier fait de gloire de l’équipe de Perry, qui cumule alors plusieurs productions remarquables : Cool Spot, la mascotte américaine de la boisson gazeuse 7 Up (oui, je fais de la pub, et je ne m’en cache pas, parce que le site en a besoin !) ; et surtout l’incontournable Aladdin sur Megadrive, aux animations particulièrement bien travaillées.
Le jeu répondait à une commande de Playmate Toys, une compagnie de jouets désireuse de s’implanter dans le jeu vidéo avec une mascotte aussi identifiable que Mario et Sonic. Conçu par le dessinateur et animateur Doug TenNapel, Earthworm Jim séduit David Perry (programmeur) et son compère Nick Bruty (game designer et directeur artistique) qui acceptent de développer un jeu avec ce héros.

Clairement inspiré des cartoons, l’univers de Jim brasse tout un ensemble de décors et ennemis particulièrement hétéroclites, ce qui a fait dire qu’au-delà de la difficulté globale des jeux estampillés Earthworm Jim, la marque de la série est l’absence volontaire d’une quelconque cohérence dans le déroulement des jeux.



L’histoire est finalement plus celle de la super combinaison, une merveille de technologie qui change n’importe qui en super héros. Inventée par le professeur Tête-de-Singe, elle sera perdue dans l’espace au cours d’un bête accident, et atterrira par hasard sur Terre, plus précisément sur Jim qui va ainsi enfiler la combinaison et devenir Earthworm Jim ! Outre la Reine des Termites, qui engage le chasseur de primes Psy-Crow pour retrouver la combinaison, d’autres sinistres personnages la convoitent, mais Earthworm Jim n’est pas sans défense. En plus de ses différents flingues (du standard à celui qui "casse la baraque", en passant par le pistolet à bulles), la combinaison peut se servir de Jim comme d’un fouet.

Jim côtoie ainsi des rivaux particulièrement farfelus, en tête desquels on trouve bien sûr le rival, Psy-Crow, corbeau chasseur de primes. Citons également Evil le chat et son armée de conseillers juridiques ; Bob le poisson-rouge démoniaque, et son acolyte le chat-drone N°4 ; Peter le gentil chiot, qui se transforme en horrible monstre lorsqu’il est contrarié ; Professeur Tête-de-Singe ; Chuck le gros-qui-pue et son "chien" Fifi ; le major Mucus, qui défie Jim dans une séquence de saut à la corde culte ; et la Reine des termites, une monstruosité de la nature !
À ces ennemis, viennent également s’ajouter la princesse Machin-chouette, qu’il faudra sauver dans les 2 premiers Earthworm Jim ; les vaches, évidemment ; ainsi qu’Earthworm Kim, l’alter-ego féminin de Jim dans le 3ème opus.




Un premier volet culte et multi-adapté

Le jeu sort d’abord sur Megadrive puis sur Super Nintendo. Suivront également des versions PC, Game Gear et Game Boy pour les plus répandues. Quelques points particuliers distinguent les deux versions "rivales". Si la version SNES dispose d’une réalisation d’ensemble graphiquement plus aboutie (effets de lumière, couleurs plus variées…), la version MD propose quant à elle un niveau supplémentaire (Intestinal Distress), développé en toute hâte par Shiny à la demande de Sega en échange d’une réduction des coûts des cartouches – ou comment monnayer du contenu exclusif. Les jeux communs entre SNES et Megadrive n’étant pas si courants, Earthworm Jim est aujourd’hui encore un symbole de la rivalité entre ségalopins et nintendomaniaques, qui se sont disputés pour savoir laquelle des 2 versions était la meilleure. Je ne rentrerai pas dans ce vieux débat : de toute façon, la meilleure, c’est la version … (complétez la phrase selon votre convenance !).



Quelle que soit la version, Earthworm Jim a été un succès immédiat, faisant de son héros une star du jeu vidéo des années 90 ! Le jeu arrive en terrain conquis sur Megadrive, tandis que sur SNES, il parvient à marquer les esprits malgré la concurrence du phénoménal Donkey Kong Country à la même époque.
Les raisons de ce succès sont multiples. Outre l’animation époustouflante des personnages, et plus encore celle de Jim, ultra-fluide et très détaillée, c’est l’ambiance générale du jeu qui a retenu l’attention. Jusque-là, le burlesque et les blagues grasses dans le jeu vidéo étaient très peu représentés, le seul jeu me venant à l’esprit à cette époque est le moyen Boogerman, dont le héros pète et rote à tout-va.
De ce point de vue, Earthworm Jim place la barre très nettement au-dessus. Ce ne sont pas quelques pets égarés par-ci par-là, c’est un tourbillon de toutes sortes d’humour. Les plaisanteries grasses sont évidemment de la partie avec des rots, la cuvette de WC qui fait office de Warp zone (un subtil clin d’œil aux tuyaux de Super Mario Bros)… Mais Earthworm Jim n’est pas non plus avare en absurdités de tous genres, à commencer par le lancer de vache totalement gratuit, la présence d’un bonhomme de neige en enfer, tout comme les dangereux conseillers juridiques sortant de leurs mallettes de douloureuses déclarations, les courses à dos de hamsters ou encore le court niveau bonus dans le noir le plus complet, en hommage aux cartoons… sans oublier, cela va de soi, les animations hilarantes de Jim laissé à lui-même : citons entre autres celle où la super combinaison se sert de Jim comme corde à sauter, ou le fameux caleçon à poids lorsque notre héros prend la pose.



Autre témoin de ce mélange absurde, la musique signée par le compositeur Tommy Tallarico est également un élément clé du jeu : de la country, de la musique symphonique ou techno… Tout se mélange allègrement dans la bonne humeur !
Traversant un dépotoir à ciel ouvert, Jim voyage à travers la galaxie pour s’arrêter dans des niveaux aussi variés qu’une planète infernale, un repère sous-marin, pour ensuite aller promener un chiot au milieu d’une chute de météorites. Chaque niveau est donc un nouveau défi qui pousse toujours plus loin dans l’absurdité… ou le mauvais goût (le niveau exclusif de la Megadrive justement, faisant progresser son héros dans des intestins).
Face à ce succès, un deuxième volet était inévitable, sans oublier une édition spéciale d’Earthworm Jim sur Mega-CD sortie en 1995 (et adaptée sur PC), comportant un niveau supplémentaire et un son qualité CD.


Le niveau "Big Bruty" de la Special Edition est nommé d'après cette bestiole dangereuse (ainsi que le DA Nick Bruty) qui est à la fois votre ennemie et le seul moyen de progresser


Voilà pour la partie consacrée au premier Earthworm Jim.

La suite de l'article à lire sur gameforever.fr : http://www.gameforever.fr/earthwormjim.php