A l'heure où l'indiepocalypse rôde (Voir le CPC#326 de mi-Octobre 2015 ou cette émission chez le grand Satan), petit tour chez des indés cachés, qui doivent bien croûter avant de parfois pouvoir réaliser le jeu de leurs rêves, et un phénomène forcément en développement vu l'ampleur de certains projets récents ainsi que les phénomènes économiques actuels.

Un article de Matt Leone pour Polygon (Recherches additionnelles par Yara Elmjouie ).



En Juillet 2015, le développeur Comcept, dirigé par Keiji Inafune, lança une campagne Kickstarter infructueuse pour son jeu Red Ash.
Malgré une levée de fonds supérieure à 500 000 dollars, la campagne n'atteignit pas ses objectifs et des critiques descendirent son approche, en soulignant que Comcept l'avait lancée avant même d'avoir fini sa précédente (Mighty N° 9), qu'un portage console avait été annoncé sans préciser les machines concernées et que le Kickstarter avait continué même après avoir trouvé des financements externes.
Pour le studio de production Hyde, allié avec Comcept pour le développement du jeu, la campagne mit à jour un nouveau problème.

Hyde existe depuis 2002, a travaillé sur plus de 200 jeux dont certaines des plus grosses franchises japonaises, comme Final Fantasy, Persona et Yakuza. L'entreprise ne peut simplement communiquer dessus. L'équipe travaille souvent dans le secret, en faisant son boulot sans apparaître dans les crédits ou sans mentionner publiquement sa participation. Le président d'Hyde, Kenichi Yanagihara, lors d'une conversation avec Polygon, estime qu'il ne sera jamais en mesure de parler d'environ 70% des travaux de la société. Et ça fonctionnait très bien tant qu'Hyde ne demandait pas au public de les soutenir financièrement.


« Il y a définitivement eu un retour de flamme, je pense qu'on peut le dire, avec l'annonce et Hyde, vu que les gens ne savaient pas qui ils étaient » selon l'assistant production de Comcept, Josh Weatherford. Il cite un commentaire Tumblr avertissant les fans d'être prudents parce que, selon ce dernier, Hyde n'avait pas d'expérience avec les jeux d'action. Weatherford déclare qu'avec la position d'arrière-plan d'Hyde, l'équipe n'était pas libre de répondre aux reproches.
 « Je pense que c'est principalement un manque d'informations. Vous ne pouvez en parler et les gens vont donc imaginer le pire. »

Hyde est l'un des nombreux studios travaillant régulièrement dans l'ombre. Certains nomment cette méthode « développement sous label neutre», « développement fantôme » ou « équipe secrète ». Cette pratique existe quasiment depuis le début des JV.

Kickstarter et les médias sociaux ont rendu plus important que jamais les réputations des développeurs. Polygon s'est récemment penché sur quelques unes de ces raisons ainsi que des bénéfices et problèmes inhérents. Yanagihara dit apprécier de travailler en secret, et qu'il est satisfait des avantages et inconvénients de ce système. Pour d'autres ce peut être une source de frustration, un manque de choix ou la seule façon de continuer dans le secteur.


La reconnaissance a longtemps été un sujet sensible dans l'industrie du JV. Des carrières sont affectées. C'est le genre de choses dont les gens se plaignent en soirées. En 2015, un jeu à gros budget peut demander des centaines d'employés et de multiples studios externes pour être réalisé. En gérant un projet de cet ampleur, ou même des plus modestes, des erreurs arrivent, tout comme des désaccords internes. Des gens sont mis de côté. Des gens se disputent leur reconnaissance.

Lorsqu'une équipe entière s'accordent dès le départ pour ne jamais mentionner leur travail cependant, de nombreux développeurs déclarent que ça devient un problème tout à fait différent.
« Ca a généralement tendance à survenir parce que de nombreux studios de développement, et même des éditeurs, ne veulent pas être perçus comme devant compter sur des sociétés externes » commente Alexander Fernandez, le patron du studio Streamline, spécialisé dans la sous-traitance. « Ils ne veulent pas retirer le côté mystérieux de leur travail. Leur but effectif est donc d'essayer de s'assurer que les gens pensent que tout est fait au même endroit. »

Fernandez n'a pas conclu d'accord anonyme ces dernières années et remarque qu'il en voyait plus il y a une dizaine d'années. Il pense que c'est nocif de limiter ce que les développeurs peuvent dire puisque les gens dépendent de leurs CV pour leurs futurs emplois.
« Dans ce métier, en gros c'est ''Vous ne valez que ce que vaut votre dernier projet'' » déclare t il. « Et si vous ne pouvez en parler, c'est extrêmement difficile de le faire ressortir».

Il y a souvent une ligne floue quant à ce que peuvent exprimer les développeurs, même sur les projets non anonymes. Des représentants de plusieurs gros studios de sous-traitance déclarent qu'il est courant d'avoir une clause de promotion dans les contrats limitant leurs expressions par exemple, et ces restrictions disparaissent souvent lorsque le jeu est publié. Mais le client a généralement la liberté de choisir quant est-ce qu'elles sont levées.
Par exemple, Streamline fut l'une des nombreuses équipes qui travaillèrent en externe sur Kinect Star Wars, et bien que le nom du studio apparaisse dans le générique, Fernandez déclare qu'il n'a pas eu l'autorisation de mentionner librement ce travail avant que 8 mois ne se soient écoulés depuis sa sortie.
« C'était juste implicite que personne ne devait commencer à en parler » dit t'il. « Je ne dirais pas que c'était interdit, mais plutôt qu'il était évident que nous ne devions pas en parler ».


L'inverse se produit parfois. Snowed In Studios est une équipe indépendante qui travailla sur la version Director's Cut de Deus Ex : Human Revolution. Le président Jean-Sylvain Sormany déclare qu'il eu tout d'abord l'impression que ce serait un travail anonyme, jusqu'à ce qu'il apprenne un jour que l'éditeur du jeu, Square-Enix, prévoyait d'inclure le nom de son équipe au générique. A partir de cet instant, il sût qu'il pouvait en discuter publiquement.

Les interlocuteurs peuvent aussi être en désaccord quant à la signification d'en « parler publiquement » : parle t'on de discussions entre amis ou en famille, de références dans des réunions d'affaire, sur LinkedIn, de publications de photos et logos sur leurs sites internet ? Ce silence est parfois mentionné noir sur blanc dans le contrat ; dans d'autres cas c'est un accord tacite.

Selon le guide des crédits de l'Association Internationale des Développeurs de Jeux [NdT : IGDA en VO], quiconque travaille un certain montant de temps (30 jours) ou de pourcentage d'un jeu (5%) devrait être mentionné au générique et ainsi être libre de référencer son travail à sa sortie. Mais ce n'est qu'une recommandation. L'AIDJ n'a pas les moyens de faire appliquer quoi que ce soit.
Et lorsqu'un accord demande un silence total, les sociétés impliquées ont tendance à ne pas participer.


Ces 3 derniers mois, Polygon s'est penché sur les travaux anonymes au sein de l'industrie, et l'une des situations rencontrées les plus courantes sont celles de développeurs devant rester silencieux parce qu'ils travaillent avec des sociétés d'autres industries, des sociétés qui ont leur propre règlementations quant aux génériques.

Certains d'entre vous connaissent peut-être Fuel Industries, basée à Ottawa, pour son travail sur le jeu de plateformes Sideway : New York (2011, PC/PSN) ou avec son implication dans l'obtention des droits pour déterrer les cartouches d'E.T. dans le désert d'Alamogordo au Nouveau Mexique (E.U.) [NdT : ils n'ont pas trouvé que ce jeu enterré].


Selon le directeur de production Nick Tremmaglia, qui se décrit comme un « directeur artistique au fait de la réalité », environ 80% des jeux de Fuel sont des travaux anonymes. Ils proviennent souvent de marques grand public extérieures à l'industrie du JV : ces dernières les emploient pour créer des jeux promouvant leurs produits tout en gardant l'attention sur elles-mêmes.
« Habituellement elles essaient de simplifier les choses. Par exemple, la société de jeux de plateau avec laquelle nous travaillons actuellement a des développeurs, qui travaillent sur à peu près une demi-douzaine de produits pour eux. Et je pense qu'afin que les choses restent simples pour l'utilisateur final... Je ne crois pas qu'elle a quoi que ce soit contre nous en tant que développeurs. Je ne crois pas qu'elle essaie de se garder les lauriers. Elle essaie de simplifier les choses pour les gens qui pourraient voir ces marques accolées au jeu. »


Tremmaglia déclare qu'il préfère que le nom de Fuel apparaisse sur ses jeux dès que possible puisque c'est une aide pour la promotion de l'équipe et la négociation des futurs contrats, bien qu'il perçoive aussi des avantages à l'omission du nom de Fuel sur certains produits.

« Je pense que ça nous protège n'est-ce pas ? Lorsque le produit sort et qu'il ne rencontre pas de succès, vous ne subissez pas d'exposition négative non plus. Comme chaque studio, nous avons eu des jeux distribués qui n'étaient pas aussi bons que ce nous pensions lorsque nous avions débuté leur développement, et c'est cool de voir que le nom de Fuel n’apparaît pas lorsque vous faites des recherches dessus. »

Alors que Fuel se définit comme « un studio de divertissement et une agence numérique », travaillant souvent sur des projets à cheval sur le jeu et la communication, la société a aussi réalisé des travaux anonymes pour des entreprises de jeux traditionnelles, telles que E.A. et Zynga, sur des jeux mobiles.

Et Fuel n'est pas la seule société à travailler pour des clients situés dans ou en dehors de l'industrie traditionnelle du JV. Deux studios de développement états-uniens relativement connus pour leurs travaux sur des jeux consoles ont aussi déclaré à Polygon qu'ils leur arrivaient parfois de faire des petits boulots anonymes pour combler les trous entre les projets. Les deux ont demandé à rester anonymes cependant, puisqu'ils veulent que les joueurs et clients potentiels les reconnaissent pour leurs jeux renommés plutôt que leurs projets secondaires.


Parfois l'objectif n'est pas seulement de garder les travaux à l'abri du regard des joueurs mais aussi des investisseurs du client. De nombreux contrats de développement incluent des éléments pour empêcher la sous-traitance directe sans la mentionner préalablement aux investisseurs pour leur validation. Certaines équipes ignorent cependant ces éléments selon Ed Dille, agent de l'industrie, et des projets plus petits ne les intègrent pas.
SuperGenius, basé à Oregon City, est un « studio d'art et une équipe de soutien » selon son directeur Paul Culp. Il fonctionne donc comme une équipe sous-traitante mais travaille de manière plus rapprochée du client. La plupart du temps il aide sur des jeux comme The Walking Dead, Broken Age et la série Skylanders. Mais Culp déclare qu'une ou deux fois par an, SuperCulp a tendance à prendre un travail anonyme, ce qu'il appelle le travail de  « l'équipe secrète ».


Culp déclare que ces boulots n'arrivent pas aussi souvent que prévu, en remarquant qu'ils concernent généralement les premiers jeux mobiles de développeurs ou sociétés plus orientés technologie que jeux vidéo plutôt que les jeux console traditionnels.

Plus particulièrement, il remarque que ça provient souvent d'autres développeurs ayant des investisseurs externes et ne souhaitant pas que ces derniers apprennent qu'ils ont besoin d'aide : « rassurer les investisseurs et faire croire que leurs productions sont meilleures, meilleures que ce qu'elles auraient été si ils avaient garder ça en interne. »
« Je pense que c'est en partie dû aux investisseurs » déclare t'il plus tard. « C'est aussi purement pour l'égo. Les gens croient que faire appel à des entreprises spécialisées pour produire un jeu leur donnera une mauvaise image d'une certaine manière. »

SuperGenius est aussi le seul studio qu'a trouvé Polygon pour cet article facturant plus cher les travaux anonymes que les autres. Culp dit qu'il augmente de 25% la facture pour de tels accords.
« Des studios comme nous, nous dépendons de notre CV pour décrocher plus d'affaires » poursuit t'il. « Et si nous ne pouvons y mentionner quelque chose, cela a un coût. Dans ce cas donc, lorsqu'ils ne veulent pas que les gens en parlent, nous signons simplement un accord supplémentaire, et nous leurs facturons un certain pourcentage additionnel pour cette raison. »


Pour beaucoup d'occidentaux, les travaux anonymes sont quelque chose qu'ils souhaitent éviter mais qu'ils font parce que ça paie bien ou que c'est un porte d'entrée chez certains clients. Pour le président d'Hyde, M. Yanagihara, c'est quelque chose qu'il apprécie. Il aime l'idée d'être un soutien plutôt qu'une personnalité publique : ça lui permet de se concentrer sur le travail.

Basé à Tokyo, Hyde emploie 50 personnes et travaille sur 8 à 10 jeux par an, dans de nombreux domaines (programmation, création artistique, conception du jeu). La société travaille avec de gros éditeurs tel que Konami, Bandai Namco et Square-Enix. Et contrairement à la plupart des studios occidentaux avec qui Polygon s'est entretenu pour cet article, Hyde ne signe généralement pas de clauses limitant sa liberté de communication : elle a simplement un accord verbal avec le client.


Yanagihara déclare que, vu que de nombreux gros éditeurs japonais ont récemment stoppé les embauches ou réduit leurs effectifs, ils ont besoin de pouvoir compter sur des studios comme Hyde pour boucher les trous. Il dit aussi que, particulièrement en ce qui concerne les franchises japonaises de longue durée, ces éditeurs préfèrent garder hors du regard du public les détails quant aux créateurs des jeux.

Pour Yanagihara, ça peut se résumer à ce qui est le plus profitable pour le produit. Il pense que c'est courant pour les joueurs américains d'acheter un jeu parce qu'ils suivent l'équipe de développement dessus, alors qu'au Japon il est plus courant pour les joueurs d'acheter un jeu pour leur familiarité avec l'éditeur.
« Par exemple, avec Call of Duty, beaucoup de personnes [aux E.U.] ne penseront pas : ''Je vais acheter ce jeu parce que c'est d'Activision''. Ils pourront dire ''Je vais acheter ce jeu parce que c'est d'Infinity Ward''... Au Japon, c'est très commun de dire ''Je vais acheter ce jeu parce que ça vient de Square-Enix. Je vais acheter ce jeu parce que ça vient d'Atlus. Je vais acheter ce jeu parce que c'est du Nintendo. »
« Si vous passer à l'étape suivante et déclarez ''Eh bien en fait, c'est créé par cette personne'', ça atténue ensuite l'attente du joueur parce que c'est quelqu'un qu'il ne connaît pas, ou un développeur auquel il ne s'attendait pas. Et il y a toujours un peu de crainte que si vous allez aussi loin et parlez de tout ça, le titre ne se vendra ensuite pas aussi bien et qu'il sera plus dur à commercialiser. »

Il voit de nombreux autres avantages à cette approche aussi.
Sur un plan pratique, ça permet à Hyde de travailler sur deux produits concurrents simultanément. Yanagihara donne un exemple d'il y a quelques années, lorsque Hyde travaillait sur un jeu de foot pour Sega (Sans titre anglais mais qui peut se traduire par « Créons un club de football professionnel ») [NdT : le jeu est sorti en 2006 en Europe] tout en bossant sur un autre jeu de foot qu'il ne peut nommer. En omettant Hyde de l'attention du public, ces éditeurs n'ont pas eu à s'inquiéter de la confusion des joueurs.


« C'est une sorte de stratégie marketing » commente t'il. « Nous ne voulons pas que tout le monde pense : ''Hé, ces gars font tous les jeux de foot. Pourquoi celui-ci est meilleur que celui-là ?''. »
Rester dans l'ombre permet aussi à Hyde de pouvoir travailler sur de grosses franchises, ce qui ne serait pas autant le cas sous d'autres circonstances selon Yanagihara. Il ajoute aussi que cette méthode lui permet d'avoir des retours honnêtes lorsqu'il parle de jeux avec ses amis, ces derniers ne sachant pas qu'Hyde a travaillé sur eux.

Yanagihara croit tellement en l'approche d'Hyde qu'il est parfois hésitant à sortir des noms même lorsqu'il a l'accord du client. Hyde a par exemple dernièrement travaillé sur la programmation d'un jeu Final Fantasy numéroté récent, mais Yanagihara refuse de rentrer plus en détails sur le sujet parce qu'il ne veut pas diluer le message envoyé aux joueurs.
« Je ne peux pas en parler précisément, parce qu'après les gens vont dire : ''Attends, Square-Enix n'a pas fait ça ? Je pensais qu'ils s'en occupaient''. J'ai l'autorisation d'en parler, mais je ne veux empiéter sur les plates-bandes de quiconque. »

Yanagihara dit que les racines de cette approche proviennent de la culture profonde japonaise, dans laquelle de nombreuses personnes ne recherchent pas les projecteurs et où de nombreuses activités traditionnelles fonctionnent ainsi. Il établit un parallèle avec les compagnies automobiles, en déclarant que certaines voitures produites aux Etats-Unis mentionnent l'usine spécifique où elles ont été montées, ce qui n'est pas le cas au Japon. La principale différence avec Hyde est que son travail implique souvent de la créativité, ce qui n'est pas le cas pour une ligne d'assemblage.

A l'avenir, Yanagihara souhaite qu'Hyde continue à travailler sur des projets anonymes : il déclare que l'équipe retire de la fierté d'être capable de contribuer à de grosses franchises. Il veut aussi faire plus de boulots reconnus, en partie pour que les membres les plus jeunes de l'équipe aient une chance de briller. Hyde est actuellement en train de travailler avec Atlus sur un jeu de rôle original non annoncé et avec Comcept pour réaliser Red Ash, entre autres.


Hyde est loin d'être unique. Il y a de nombreux développeurs travaillant sur de gros jeux consoles au Japon qui n'obtiennent de reconnaissance. Comme toujours, ces situations arrivent au cas par cas.
Matt Smith est un programmeur né en Occident qui travaille pour le studio Friend & Foe, basé à Tokyo. Avant son travail actuel, il faisait partie de l'équipe éditrice chez PopCap Japon [NdT: qui appartient à EA], et travaillait avec des studios locaux pour porter ses franchises sur Nintendo DS. Pour la version DS du jeu de tower defense Plants vs Zombies, il dit que le studio avec lequel il a travaillé ne voulait pas être mentionné bien que ce lui ait été proposé.


« Nous avons présupposé qu'ils voudraient être crédités, et lorsque nous avons commencé à en parler avec eux, ils étaient du genre : ''Non non non, vous ne pouvez pas nous mettre au générique''. Et on était surpris, genre ''Euh.. Ok...''. On en a discuté et j'ai du en parler à mon patron japonais à l'époque [pour comprendre cette réaction] : ces sociétés veulent tout simplement être le plus inexistante possible auprès du public. Vu qu'ils ont de gros clients comme Nintendo ou d'autres entreprises, lorsqu'ils font un jeu au nom de cette société, ils veulent que ce dernier ressemble à un jeu Nintendo, Capcom ou à la société qui publie ce titre. »

Smith déclare qu'il ne voyait pas le moindre avantage à garder hors générique les studios. En poussant la réflexion, il trouvait avantageux le fait d'avoir un partenaire local, étant donné que Popcap pouvait en bénéficier si les clients japonais savaient que le jeu était développé par un studio japonais (Bien qu'au final, le jeu ne fut pas distribué au Japon).
« On a essayé de négocier avec eux. Nous tenions ce type de discours : ''Ok et bien mettons votre équipe au générique. Nous ne mentionnerons pas votre société, mais nous mettrons les noms de vos salariés dedans''. Et ils répondirent du genre : ''Ok, mais toute à la fin''. »

L'exemple de Smith concerne un petit projet mais de nombreuses plus grosses productions sont faites en secret aussi. Le développeur Tose, basé à Kyoto, pourrait bien être le plus gros producteur de travaux anonymes vidéoludiques [mondial], et gère des projets de toutes tailles.


Avec environ 600 employés au Japon et plus ou moins 400 supplémentaires en Chine et aux Philippines, Tose travaille sur 30 à 50 jeux par an, parallèlement à ses autres activités telles que des réfrigérateurs connectés. Elle ne demande presque jamais de reconnaissance à moins qu'un client étranger ne le leur demande (Voir MySims, Disney Planes sur 3DS et plusieurs jeux WWE). Le site officiel de Tose définit la société comme une ''force silencieuse dans les coulisses''.

Koji Morosawa est le responsable du bureau de marketing international de Tose. Quotidiennement, son travaille consiste à faire connaître la compagnie auprès de potentiel clients internationaux. Il ajoute que c'est un défi vu le modus operandi de la société.
« C'est très difficile de se faire connaître puisque les gens veulent toujours savoir ce que nous avons fait, quelles sont nos expériences passées. Et vous [le] savez, ça complique tout » déclare Morosawa. « Ils veulent voir des titres. Des listes. Des démos. Mais nous sommes contractuellement interdits de le faire... »

« Ce que j'essaye de faire en tout cas, c'est de les inviter au Japon, dans nos locaux. Nous avons une bibliothèque de jeux non complète mais comprenant une bonne partie des titres sur lesquels nous avons travaillé. Je ne sais pas si je peux en dire plus. Et bien nous faisons ça : nous les invitons à notre bureau de Kyoto, dans notre réserve. On fait style de regarder ailleurs et les laissons regarder ce qu'il s'y trouve. Ils ne peuvent pas prendre la moindre photo. Nous ne pouvons pas en parler. Mais ils voient à peu près ce sur quoi nous avons travaillé. Ca leur donne une idée de notre histoire et de sa profondeur. »


Morosawa, comme Yanagihara d'Hyde, voit aussi certains des mêmes bons côtés au travail anonyme, mais à plus grande échelle. Il dit qu'avec la réputation et la taille de Tose, la société peut travailler avec de nombreuses sociétés concurrentes à tout moment, ce qui lui donne une connaissance privilégiée de la direction que prend l'industrie. Tose peut ensuite utiliser ce savoir pour façonner ses plans d'entreprise et de production.
Bien qu'il reconnaisse qu'une certaine facette de la culture japonaise favorise le travail anonyme, il souligne l'emplacement des locaux principaux de Tose à Kyoto comme un facteur plus déterminant.
« C'est sans aucun doute la culture de Kyoto. Les sociétés de Kyoto, pas uniquement celles du JV, sont connus pour leur travail et rôle de soutien. »


Dans certains cas, les développeurs acceptent du travail anonyme uniquement parce que c'est le seul qu'ils peuvent obtenir.

Un développeur en Iran, qui a accepté de s'entretenir avec Polygon à la condition que nous ne révélions pas son nom ou celui de son entreprise afin que son équipe ne soit privée de futurs contrats, travaille actuellement sur un jeu mobile pour une marque grand public populaire sous un accord de confidentialité. Il déclare que son équipe accepte le boulot parce qu'elle n'a pas d'autres choix.

Avec un petit marché iranien, et vu que son équipe n'est pas en mesure de vendre ses jeux à l'international, développer des titres originaux est risqué. Son équipe accepte des travaux anonymes parce que ça lui permet d'obtenir de l'argent d'avance et ainsi pouvoir utiliser une partie de ces fonds pour financer une partie de ses jeux originaux.

Son équipe travaille souvent avec un intermédiaire qui se fait passer pour un studio de développement auprès de clients potentiels. Ce dernier leur sous-traite ensuite le travail au fur et à mesure des contrats décrochés, sans indiquer à ses clients que les jeux sont réalisés en externe.

« Ce n'est pas question d'être en accord avec cette pratique mais plutôt de se faire de l'argent » poursuit il. « C'est évident que ça me pose problème, étant donné que c'est mon produit, qu'il va être acclamé dans des cérémonies de remises de prix et que notre studio ne va pas être mentionné. Et tous nos efforts ne l'auront été que pour des raisons financières. »
Il ajoute que les deux tiers des jeux du studio sont anonymes, et qu'il ne voit pas le moindre avantage à ces travaux si ce n'est le paiement en avance et le peu de risques.
« En fin de compte, en tant que studio, nous essayons de réduire le nombre de projets commandités autant que possible afin de se concentrer sur les nôtres. Mais en ce moment, vu que nous avons besoin de l'argent, nous les acceptons. »

A Buenos Aires, une société appelée ZenStation Studio joue à l'intermédiaire bien particulier, en reliant les développeurs latino-américains avec les clients occidentaux.

Co-fondateur et directeur commercial, Mauricio Morea dirigeait précédemment l'un des plus gros studios de développement en Argentine, Games & Web. Après l'avoir revendu il décida qu'il ne voulait plus gérer au même niveau de supervision. Il lança donc ZenStation, en partenariat avec un associé aux E.U. ayant des contacts dans diverses agences de divertissement. Ensemble, ils signent régulièrement avec des clients américains recherchant du travail à bas prix sur de petits jeux mobile et internet franchisés, pour des marques comme Ben 10 et Scooby-Doo.

Morea déclare qu'en termes pratiques, c'est logique de décrire ZenStation comme un agent ou un courtier, mais qu'il voit ça comme un studio de développement puisqu'il travaille de manière rapprochée avec les studios qu'il emploie, à l'instar de sa façon de travailler chez Games & Web. Il ajoute qu'il établit des accords anonymes avec ces studios parce qu'il ne veut pas embrouiller les clients avec la présence de multiples noms.
« Le client pourrait dire : ''Eh mais attendez. Qui travaille avec moi ?'' … C'est plus compliqué pour le client et c'est moins sérieux. Ils sont déroutés si ils vous voient puis [apprennent] qu'une autre équipe a réalisé le jeu : ils voient le jeu dans un magasine qui ne mentionne pas ZenStation et [ils disent] ''Et mec, tu m'avais dit que t'étais le patron et je parle avec toi, et pourtant d'autres gars récoltent la reconnaissance''. C'est bizarre. »

La plupart du temps, Morea indique que ses clients ne se soucient pas des véritables développeurs du jeu et sont simplement plus intéressés par une liste de ses précédents travaux.
« Si quelqu'un vient et me dit ''Hey c'est quoi ta stratégie ? Comment tu gères les contrats ? Qui contactes tu ? Avec qui travailles tu ?'', [je réponds] ''Et mec, attends une minute. Je fais ça depuis 10 ans. Je vais pas te donner la recette.'' » poursuit il en riant. « Parce que c'est cool de partager et tout ça, mais les barrières à l'entrée ne sont pas très hautes. Ce n'est pas non plus comme si c'était un gros mystère de faire des affaires. C'est en gros aller taper aux portes et dire ''Hé, on fait ça...'' ».

« Je ne cache pas l'information mais je ne la donne pas tout le temps... »

« Si [un client] se fait vraiment du souci quant à l'identité de l'équipe, je deviens suspicieux. Parce que vous me faites confiance [étant donné] que vous travaillez avec moi. Je suis l'interlocuteur. Je signe les contrats. Pourquoi donc voudriez vous [savoir qui est l'équipe] ? Vous voulez des références ? Vous voulez des CV ? Pas de souci. Voilà un dossier des expériences passées. Voilà leur références. Voilà tout. Mais si [vous] souhaitez leur numéro de téléphone, c'est plutôt bizarre. »

Morea admet qu'une partie de la raison de cette discrétion est qu'il ne veut pas que ZenStation soit mis hors jeu si un client choisit de travailler en direct avec un développeur.
« Ca pourrait arriver, c'est sûr. C'est évident que ça coûte moins cher. Si ils travaillent directement avec une équipe, notre marge disparaît. Mais je ne veux même pas y penser. »

Morea poursuit en déclarant que ZenStation offre aussi à ses clients occidentaux des avantages que les équipes de développement individuelles d'Amérique du Sud ne sont pas capable de fournir : avoir du personnel sur le même fuseau horaire, des anglophones dont c'est la langue maternelle, des devises correspondants au pays du donneur d'ordres, des contrats standardisés, des avocats locaux, une communication cohérente. Ces éléments inspirent la confiance aux clients, facilitent leur travail et sont des raisons [valables] pour garder l'intermédiaire déclare t'il.
Selon Morea, ZenStation est aussi souple avec certaines de ces pratiques, et dès qu'il connaît bien un client, il lui mentionnera parfois les développeurs impliqués. Il déclare aussi qu'en de nombreux cas, le client ne veut pas que les jeux fassent apparaître le nom de ZenStation non plus.


En 2015, des studios de jeux se font et se défont sur leur réputation publique.
Les équipes embauchent des personnes pour gérer leur image. Des accords peuvent dépendre de la popularité d'un développeur. Et les références sont l'un des outils marketing les plus courants pour une campagne de relation publique ou de financement participatif.

Cette approche n'est pas partagée par tous les développeurs, et pour de nombreux présents dans cet article, ce type de marketing est une préoccupation secondaire. Mais pour certains dans l'industrie, le travail anonyme est une sorte de trou noir aspirant la reconnaissance, ce qui rend la recherche des futurs travaux plus difficile. Et pour de nombreux joueurs, le nom d'un développeur peut être une sorte de coup de pouce les aidant à se décider si ils apprécient un jeu ou non. Comme pour les films ou la musique, c'est parfois difficile de séparer l'artiste de l'art.

Le travail anonyme est synonyme de défis pour les studios essayant de se construire une réputation ainsi que pour les joueurs essayant de suivre les développeurs qu'ils aiment et de trouver des jeux qu'ils apprécient. Pourtant, vu l'absence de législation officielle à ce sujet, c'est un problème qui risque d'exister tant que des personnes auront quelque chose à en retirer. Comme pour de nombreuses choses, c'est souvent une question de subtiles négociations, où un individu ou une petite équipe n'ont pas toujours le pouvoir.


« C'est plutôt dur de suggérer à quelqu'un de refuser un boulot » selon Thomas Allen, ''patron'' du pôle d'intérêt commun des crédits de jeux de l'IGDA. « Les employeurs devraient être encouragés à ne pas le faire, mais le gros morceau est d'arriver à les inciter là-dessus ».

Allen travaille sur le Programme de Certification des Crédits en tant que plan à long terme pour standardiser les mentions aux génériques, ce qui permettrait aux studios de gagner des badges à afficher sur les sites de recrutement si ils révèlent leurs [véritables] références et permettent des évaluations de la communauté. Il pense cependant qu'il est peu probable que les développeurs soient aussi ouverts sur le programme qu'il le souhaiterait. Et même si ils le sont, ce ne permettrait la transparence qu'avec les entreprises volontaires.
C'est un pas dans ce qu'il estime être la bonne direction. Et bien que ce soit peut-être impossible pour l'industrie d'atteindre la pleine exactitude, étant donnée la culture du secret à différents niveaux, il voit ça comme un objectif agréable à viser.

Du moins, pour les studios et clients prêts à jouer le jeu.

Vous n'êtes pas sans savoir qu'avec l'annonce de Recore, Microsoft poursuit sa politique de séduction des grands noms Japonais en leur proposant de donner lieu à leurs créativités parfois pour faire "le jeu qu'ils ont toujours voulu faire", c'est dans ce contexte que s'inscrit ReCore, un titre co-développé par Keiji Inafune et Armature Studio pour la Xbox One, mais que savons nous vraiment de ce jeu ?



L'UNIVERS DU JEU: LA FIN D'UN MONDE

Keiji Inafune a pu donner quelques détails sur l'univers du jeu après son annonce et il nous explique qu'on y arpentera vraisemblablement un monde qui s'approchera de sa fin. En fait le monde de Recore serait sous domination robotique, la provenance de ses robots n'est pas connue pour le moment et dans le trailer ils apparaissent comme évoluant par essaim ou meute. En effet, dans le court trailer du jeu, l'héroïne et son compagnon sont pris en embuscade par un groupe de robots qui semblent protéger leur "reine" dans ce qui ressemble à un nid voir un garde manger.

Keiji Inafune:: "Il y a tant à dire, mais pour le moment je ne peux vous donner qu'un peu plus que ce que vous avez découvert dans le trailer. Ce monde s'approche de sa fin,[...]les robots se sont emparés de notre planète".

Le fait que Keiji Inafune dise que "les machines se sont emparées de notre planète" révèle en soit qu'il y a un acte volontaire de la part des machines pour conquérir notre planète et qu'en toute logique il a du y avoir une guerre. Cette guerre semble perdue par les humains, puisque "notre planète" renvoie à la Terre et aux humains, d'ailleurs sur le site officiel, la description du jeu parle de "sauver l'humanité". On en arrive a se poser une question, ces machines sont-elles organisées autour d'une IA ayant pris de court l'humanité ou bien sont-elles de simples drones envoyés par une race alien ?

Ces machines semblent en tout cas douées d'une intelligence proche de l'animal et les seules actions qu'on a pu voir de leurs parts renvoient à des actes violents mais qui, mine de rien, pourraient êtres motivés par une envie de protéger quelque chose. Le compagnon de l'héroïne lui même cherche à la protéger. De ce fait, tant qu'on ne sait pas ce que ces machines protègent, sommes nous sur qu'elles sont véritablement mauvaises ?




A SONG OF ICE AND FIRE

Un élément saute aux yeux lors du visionnage du trailer, on remarque que les robots sont animés par des objets sphériques qui sont tantôt placés au niveau de ce qui devrait être le cerveau tantôt au niveau de ce qui pourrait être le cœur ou la colonne vertébrale. Il n'est pas difficile de comprendre que ces sphères du nom de "Core" agiront comme une source d'énergie pour ces robots mais pas seulement, il semblerait que ces sphères contiennent aussi la conscience de ces machines. D'ailleurs Keiji Inafune confirme.

Keiji Inafune:: Comme vous l'avez vu dans le trailer, Max, le chien robotique, se sacrifie pour vous sauver... il sacrifie son "cœur", son "core". C'est grâce à cela que l'on peut le remplacer et donner vie à d'autres compagnons.

On remarque que les Cores possèdent deux couleurs qui s'opposent, le bleu et le rouge qui pourraient renvoyer à l'eau ou la glace contre le feu. Visiblement les Cores "hostiles" sont rouges alors que les Cores "amicaux" sont bleus.
Mais si on pousse l’enquête un peu plus loin on remarque que les créateurs du jeu proposent des notions nettement plus métaphysiques dans ce trailer et pour les remarquer il faudra parfois avoir l’œil. Nous allons tenter de repérer ces concepts inclus dans le jeu en analysant d'abords les Cores bleus puis les Cores rouges.

Le sacrifice / la fidélité / l'attachement

On voit que le chien robotique au Core bleu ne cesse de se dresser entre les Cores rouges et son accompagnatrice mais surtout qu'il y a un jeu de regards entre ces deux là et même un dialogue.
En effet le chien robotique adresse un dernier regard à l'héroïne avant de s'autodétruire ce qui ressemble clairement à un adieu avant un sacrifice alors que l'héroïne lance un cri de détresse pour qu'il ne le fasse pas ! Pourtant son autodestruction ne signifie pas qu'elle ne verra plus son compagnon, loin de là même ! Le choix du chien comme châssis pour le world premier de ReCore n'est pas anodin, keiji Inafune a voulu montrer que les Cores bleus sauront développer une conscience et une relation très particulière avec l'humain.



L'être / l’âme / le physique / La réincarnation

Après le combat on voit que l'héroïne redonne naissance (d'ou le nom du jeu ReCore) à son chien robotique grâce à un transfert de Core vers un autre châssis robotique et souhaite à son compagnon un "welcome back". Cet acte nous donne peut être un indice sur les limites de la conscience des Cores. Il se pourrait que les Cores ne soient pas conscients de leur probable retour lorsqu'ils se sacrifient et dans ce cas ne seraient que de simples exécutants avec une routine de sacrifice en cas de danger impossible à contenir. Son regard avant de s'autodétruire ressemble clairement à un adieu. Néanmoins après son retour tout semble rentrer dans l'ordre et il semble très vite se remettre au diapason sous les ordres de celui qui l'a activé (peut être le premier qu'il a vu ? ). On notera quand même qu'une fois son retour validé, le Core bleu dans son nouveau châssis effectue un mouvement qui témoigne de son besoin de se "remettre de ses esprits" donc soit il fait ca parce qu'il hérite d'un châssis qu'il doit un peu dégripper, soit lors de son sacrifice il a "souffert" et doit se remettre de la secousse qu'il a subit. Il se pourrait donc que même si son sacrifice n'est pas automatiquement synonyme de mort il engendrera peut être une douleur (des conséquences en jeu suite à auto destruction d'un châssis ? ) d'où le cri de détresse de l'héroïne qui ne veut pas que son compagnon souffre à défaut de mourir.



Tout ca nous fait donc nous poser pas mal de questions, le sacrifice et la réincarnation semblent tout de même être le thème central du trailer, ces machines sont-elles animées par des IA superbement performantes ou plus simplement des consciences on ne peut plus propres à chacune d'entre elles ?
Le Core bleu du chien robotique est-il le seul Core amical du jeu ? Keiji Inafune a répondu partiellement à ces questions.

Keiji Inafune::Un jeu offre aux joueurs des choix. Vous savez, le meilleur ami de l'homme est un chien... mais tout le monde ne les aime pas. Il ne sera donc pas le seul compagnon. On pourra utiliser des orbes pour trouver d'autres compagnons. Après, c'est vrai que toutes les personnes ayant vu le trailer créent un lien immédiat avec ce chien robotique, mais en réalité chaque compagnon aura sa propre personnalité, son comportement propre.

Maintenant concentrons nous sur les Cores rouges:

La fraternité / la solidarité / la famille / le clan

En regardant la scène de combat entre l'héroïne et son compagnon robotique au Core bleu et la meute de robots arachnides aux Cores rouges, on se rend compte que les Cores rouges sont capables de se concentrer sur une seule cible en représailles de l'agression d'un des leurs, c'est uniquement après la mise au tapis d'un Core rouge par le chien robotique que les Cores rouges ne se concentrent plus que sur le Core bleu, (le plus dangereux ? ) en l'encerclant même.



La hiérarchie / la discipline

En parallèle du fait que les Cores rouges opèrent d'une manière organisée, ces derniers semblent vouloir protéger l'entrée de la grotte qui renferme un robot plus massif mais dont on ne voit pas le Core, cela dit il s'en émane une vapeur rouge qui donne cette impression qu'il fait partie de ce réseau de robots aux Cores rouges mais peut être hiérarchiquement plus gradé, on se dit que ce robot géant serait un chef ou une "reine" enfin quelque chose à protéger aussi bien derrière un portail à l’accès restreint que derrière une garde rapprochée.



Voici une supposition que je me suis fais en regardant le trailer.
Se pourrait-il que les Cores bleus ne soient ni plus ni moins que des Cores rouge rebels et doués d'une conscience propre alors que les rouges seraient toujours contrôlés par une IA "reine" ? Dans ce dernier cas on est pas loin du thème de Terminator, dans le premier celui d'un Blade Runner. Je me dis aussi que dés qu'il y a une dualité présentée de façon binaire et qu'on y applique des concepts de libre arbitre et de conscience, le thème du "les méchants c'est les autres" n'est jamais très loin à l'image de la dualité entre terrorisme et résistant, la frontière y est si mince. Donc les Core rouges seraient-ils véritablement les agresseurs ou se défendraient-ils simplement ?

SEULE AU MONDE ?

Nous allons aborder le thème du héros principal et de son rôle dans l'univers de ReCore. Pour cela nous allons partir d'une déclaration de Keiji Inafune au sujet de Joule l'héroïne du jeu.

Keiji Inafune:: "Joule est la seule survivante humaine. A son réveil, elle découvre que les robots se sont emparés de notre planète. Elle est alors partagée entre la peur, et l'espoir. Elle est intriguée, se demandant si elle ne pourrait pas lier une relation avec ces machines. Mais elle demeure hantée par une interrogation principale : "comment avancer si je suis la seule survivante ?" Reste à savoir si elle l'est vraiment...".

Pas mal d'informations dans cette déclaration, tout d'abords nous apprenons que Joule est une survivante. Logique dans un monde apocalyptique que la moindre présence humaine passe pour être rare. Ensuite Keiji Inafune précise bien "humaine" et en rajoute en lui appliquant des sentiments tout aussi humains comme la peur et l'espoir. S'il ne s'était arrêté qu'au mot "humaine" on aurait laissé couler mais le simple fait d'avoir insisté sur les sentiments humains fait penser qu'il se pourrait que Joule ne soit pas si humaine que ca et qu'elle soit elle aussi, si ce n'est partiellement, robotisée. Et puis notez bien que Keiji nous annonce que dans le jeu, Joule se retrouve seule survivante à son réveil ! Et on voit mal la fin du monde et la prise de pouvoir de notre planète par les machines se faire en une nuit, qui dit sortir de réveil dit peut être sortie de veille...



Dans sa déclaration Keiji explique aussi que Joule est "intriguée" par les machines ce qui sous entend qu'elle les découvre et ne les connait pas, elle ne les connait tellement pas qu'elle essaye de nouer contact avec elles ! Et force est de constater que le contact passe plus facilement avec les Cores bleus qu'avec les Cores rouges. Si ce contact passe aussi bien, il se pourrait que ce soit parce que les Cores bleus sont véritablement amicaux ou alors parce qu'il existe un lien plus subtile entre Joule et les Cores bleus, ces derniers semblent vraiment vouloir protéger Joule et la toute fin du trailer montre bien une Joule entourée de 6 Cores ! A noter que Joule n'est pas placée au centre de sa petite armada de Cores bleu mais un peu sur le coté comme si elle faisait partie elle même de l'armada. Le Core le plus gros est au centre... pour moi c'est clair Joule possède un Core en elle j'en fais le pari est-il bleu ? Rouge ? Ou plus exotique...



Dernière chose et non des moindres, la scène d'action montre que les Cores rouges tentent d'abords de s'attaquer à Joule comme s'il s’agissait de la cible première, ils ne se tournent vers le chien robotique qu'une fois que ce dernier leur donne du fil a retordre. Puis une fois le danger éliminé, Joule pose sa main sur un système de déverrouillage qui semble lui accorder l'autorisation d'entrer trop facilement. Et pour finir une fois dedans, le robot géant à la vapeur rouge semble placer son viseur directement sur Joule comme s'il avait repéré une cible recherchée.
Ces éléments tendent à faire passer Joule comme unique et spéciale en plus d'être une survivante. Serait-elle la clé d'un conflit entre les Cores rouges et les Cores bleus voir les humains ? Un pressentiment se dessine comme quoi elle serait peut être l'IA reine des Cores bleus probablement sortie d'une longue phase de veille suite a des événements encore inconnus. Les Cores bleus semblent prêts à se sacrifier pour elle tout de même.



Quelques détails encore, sur l'image ci-dessus, complètement à gauche on reconnait une forme de robot ayant participé à l'attaque contre Joule sauf que cette fois son Core est bleu, et on rappelle que Joule à montré pendant le trailer qu'elle pouvait capturer les Cores. Serait-elle capable de convertir les Cores rouges en bleu ? Les Cores rouges seraient-ils finalement les proies de Joule ou de l'IA bleu ? Joule serait-elle un genre de prophète qui cherche à annuler la corruption des Cores rouges ?

EXPLORATION ET MONDE DYNAMIQUE

Selon les dires de Keiji Inafune, Recore ne serait pas un Open World mais sera tout de même assez ouvert, on pense notamment à des jeux architecturés comme Halo ou Borderlands ou toutes les zones renvoient plus à des hub vers d'autres zones assez vastes et ouvertes. Mais Keiji Inafune à surtout mis en avant la vision Armature Studio de l'Open World en expliquant que l'architecture de Metroid Prime était ce qui l'avait poussé à approcher Armature Studio pour le développement de Recore

Keiji Inafune:: "Vous savez il y a une raison pour laquelle nous travaillons avec les créateurs de Metroid Prime. Nous souhaitions un monde proposant énormément d'exploration, de l'aventure, et une composante "survival". En terme de structure, c'est vaste mais non, ce n'est pas un open-world. Finalement c'est essentiellement un monde désertique, mais il y aura aussi les sous-sols et de fréquentes tempêtes de sables changeront profondément la topographie des lieux".

Nous pouvons donc nous attendre à une architecture plus dans le style japonais qu'occidental. Développer un jeu qui n'est pas en Open World permet généralement aux développeurs et au réalisateur de garder la maîtrise sur la storyline de son oeuvre et surtout proposer une mise en scène plus palpable. En l'état on imagine le jeu plus proche d'un Zelda.
On nous promet de l'exploration et on ne doute pas une seconde qu'il va falloir collectionner un certains nombre de châssis pour robot afin d'y loger les Cores que nous auront en notre possession. L'accent semble être mis en partie sur l'aventure.



Keiji Inafune nous annonce aussi un monde dynamique par le biais de fréquentes tempêtes de sable qui modifieront la topographie du terrain. Là encore on imagine bien que l'accessibilité de certaines zones ou la découverte de certains trésors dépendront fortement de cette feature. Dans le trailer on voit Joule carrément être obligée de se mettre à l'abri en attendant que la tempête fasse son oeuvre et sortir du sable pour revoir la lumière du soleil. La survie sera donc une notion importante dans ReCore mais on ne sait pas si elle se fera dans le fond ou dans la forme.



L'exploration annoncée comme énorme concernera aussi les souterrains, surement via des galeries qui ne seront pas totalement explorables tout de suite, on peut imaginer qu'il y aura pas mal d'allers et retours, en même temps Armature Studio a été approché pour son travail sur Metroid Prime en matière d'architecture. L'exploration sera surement dépendante des capacités débloquées par Joule et ses compagnons.

LE GAMEPLAY

Le premier élément de gameplay qu'on note dans un trailer c'est généralement lors des phases d'action et pour le coup dans le trailer de l'E3 2015 Joule sort tout de suite une arme, premier constat il y aura du shoot dans ReCore.

Keiji Inafune:: "C'est vrai qu'il y a beaucoup de jeux adressés à un public mâture. Beaucoup de violence. Après, même dans ReCore il y a du tir, mais ce n'est pas uniquement un jeu d'action. On sait combien c'est fun de le faire, mais si tous les jeux se réservent à une audience âgée avec de la violence, on finira par oublier une partie des joueurs".

On voit donc, dans cette déclaration que Keiji Inafune cherche à expliquer que le tir ne sera pas le cœur du gameplay de ReCore donc nous ne sommes pas dans un shooter. Mais que pourrions nous trouver d'autre en matière de gameplay ? Toujours dans cette même phase d'action dans le trailer, on peut voir Joule utiliser son bras équipé d'un exosquelette pour propulser un grappin et récupérer un Core rouge directement dans son châssis. Donc détruire ne sera pas la seule solution pour combattre un ennemis, on pourra aussi le "kidnapper" (peut être de la chasse ou de la traque à prévoir dans le jeu ? ).



Ca ne s'arrête pas là, les Cores bleus pourront aussi être mis à contribution lors des combats, dans le trailer on voit le chien robotique envoyer un impulsion électromagnétique pour déstabiliser l'ennemi avant de le prendre à partie physiquement tout ca pour s'autodétruire et créer une énorme explosion comme traité plus haut. Il se pourrait donc que les Cores sous nos ordres soient capables de faire plus que prêter assistance, en soit ils ont même l'air plus fort que Joule donc une totale dépendance aux compagnon est à prévoir, d'ailleurs Keiji Inafune dit bien que Joule se demande: "comment avancer si je suis la seule survivante ?".





UNE IA OU UN ANIMAL AU SERVICE DE JOULE ?

Les Cores bleus sont clairement doués de conscience et aux ordres de Joule, on ne connait pas le lien qui anime leur relation pour le moment mais le fait est que dans le trailer les Cores bleus agissent en fonction de l'héroïne. On pourrait donc se demander comment sont contrôlés ces Core bleus ? En regardant avec attention le comportement du chien robotique et de sa réincarnation dans un nouveau châssis à la fin du trailer, on remarque que Joule ne contrôle pas totalement ses compagnons. En effet le chien robotique ne fait pas que suivre bêtement Joule, il la suit certes, mais il reste très mobile autour d'elle et passe volontiers du statut de suiveur à éclaireur quand il se met à marcher devant Joule mais toujours avec un regard par ci par là pour surveiller les arrières, regarder où est Joule ou repérer des ennemis (un petit coté Fable 2) . A un moment le chien se met même à rebrousser chemin et Joule s'arrête et l'appelle. (peut être une commande pour rappeler le chien est à prévoir).
Le chien semble géré par une IA et non par des commandes du joueur, on a cet impression que les Cores bleus seront gérés par un système proche des gambits de FF12, pour les combats peut être et pour l'exploration peut être qu'on pourra orienter globalement le comportement du Core bleu et ne lui donner des ordres que pour exploiter ses capacités propres comme accéder à une hauteur, plonger dans l'eau, déverrouiller une issue etc.



C'est ainsi que dans le trailer on peut voir que le chien robotique prend les devants et se place en hauteur pour mieux repérer la tempête de sable qui arrive, Joule se mettant à l'abri il se met prêt d'elle et lui sert s'éclairage. Pendant qu'elle est entrain d'investiguer prêt de l'entrée de la grotte, le chien robotique surveille et repère les ennemis qui arrivent (ses oreilles bougent même). Le chien semble aussi capable de décider de ce qu'il va faire dans la mesure ou à un moment il se met en position de faire un choix, il regarde Joule à gauche il regarde les Cores rouges à droite et "prend une décision", il se sacrifie et Joule cris "non !" mais il n'obéit pas pour autant et "meurt".

Autre point remarquable, le chien robotique agit véritablement comme un chien, il utilise même les sons du chien, il remue la queue et prend des postures de chien de chasse. Une fois détruit, son Core est placé dans un autre châssis qui lui cette fois renvoie directement au gorille, il a la même posture et le même mode de déplacement. Dans la pose finale quand Joule est entourée des 6 Cores, on peut remarquer un Core en forme d’araignée un autre en forme de méduse, il ne semble pas y avoir une réelle corrélation entre le physique et l'attitude des châssis mais tout de même, certains codes animaux sont respectés.



Au vu du comportement assez animal des Cores, il est sur et certain que les différents châssis ouvriront vers d'autres perspectives d'exploration et donner accès à des zones inaccessibles autrement qu'avec certains châssis, on ne sait pas si les Cores eux mêmes sans le châssis proposeront aussi des features propres. De ce fait on se dit que chaque Châssis et/ou Core pourraient êtres sujets à un arbre de compétence. Hormis l'arbre de compétence, on est pas loin du concept de Megaman en tout cas.

En conclusion nous pouvons dire que ReCore semble proposer énormément de features de gameplay dans un univers qui tentera de mettre en exergue ces mêmes features. De l'exploration ponctuée aussi bien par la météo que par les capacités des compagnons, des combats où le joueur devra s'appuyer sur des compagnons et leurs capacités propres, une progression scénarisée dans un univers vaste mais pas trop pour pouvoir proposer une mise en scène digne d'un jeu d'aventure, un jeu accessible à tous le monde mais avec des sujets matures pas uniquement placés dans un gameplay de type shoot mais dans des concepts de vie de sacrifice et de libre arbitre. On sent dans ReCore une inspiration venant tout droit des jeux vidéo japonais à l'ancienne tels que Zelda, Megaman, Metroid, on est dans le jeu vidéo pure et dure ca se devine, le gameplay sera certainement au centre de ReCore. D'ailleurs pour conclure on donnera la parole à Keiji.

Keiji Inafune: Non, je ne trouve pas que le jeu vidéo japonais se soit réveillé, il reste moribond. En franchise, peu de choses ont changé depuis que j'ai annoncé qu'il était mort. C'est simple, regardez autour de vous, il y a encore quelques années, la plupart des jeux populaires à l'E3 étaient japonais... aujourd'hui ce n'est plus le cas. En même temps, au Japon, je ne ressens pas l'envie créative, ou business, de renouveler tout cela. Je trouve le jeu vidéo japonais endormi. Désormais la plupart des studios sont passés sur les mobiles avec un budget et des ambitions réduites aussi. Pour moi, travailler sur ReCore avec des partenaires occidentaux, nous permet d'exister encore et d'insuffler l'esprit du jeu japonais d'antan dans des jeux occidentaux d'importance.

ReCore en est à prêt de 17 mois de développement et est attendu pour sa première vidéo de gameplay en 2016 en exclusivité sur Xbox One.

Vous connaissez Elite: Dangerous ? C'est ce tout petit jeu indépendant qui ne paye pas de mine et à peine ambitieux qui propose simplement en world map la totalité de Notre Galaxie, notre bonne vieille Voie Lactée, soit prêt de 400 milliards de systèmes. Cette production fait le bonheur des férus d'espace sur PC et dans sa version Preview sur Xbox One et c'est avec impatience que sa communauté attend sa prochaine extension du nom d'Horizon. Cette article contiendra un retour d'expérience de la version preview Xbox One et quelques éléments de la version PC.

PERDU DANS L'ESPACE

Elite: Dangerous est, dans sa forme de base, un jeu de simulation spatiale un tantinet orienté gameplay arcade. On y incarne un pilote débutant sa carrière et notre terrain de jeu sera simplement La Voie Lactée pour des activités de commerce, de livraison de marchandises, d'exploitation minière et autres combats et carrières militaires. L'univers d'Elite: Dangerous et ses 400 milliards d’étoiles sont à l'échelle 1:1. La totalité de l'aire de jeu est accessible par le joueur, bien sur en fonction des capacités de notre vaisseau, de son réservoir de carburant, de la dangerosité des routes etc.




Parcourir la World Map d'Elite: Dangerous peut vite donner le vertige à n'importe qui et plus spécialement aux passionnés d’astronomie. Notre Système Solaire que vous pourrez retrouver grâce à l'excellent moteur de recherche inclus dans le jeu, apparaîtra à vous en entrant le nom de son étoile: "Sol" (qui est l'équivalent latin au nom Grec d’Hélios). Le simple fait de devoir faire une recherche de notre système pour le voir apparaître d'une façon tout à fait banale dans l’immensité de Notre Galaxie témoigne de l'énorme travail accompli par les développeurs quand à l'immersion dans Elite: Dangerous.
S'attarder sur un système en particulier donnera accès à sa coupe latérale dans laquelle on pourra voir la totalité du système depuis son étoile jusqu’à ses planètes lointaines en passant par les satellites majeures de chaque planète et chaque station orbitale placée dans le système. A noter que pour le Système Solaire, Mars est une planète terraformée et Pluton fait toujours partie du système mais en raisonnance orbitale avec Charon, de ce fait les sous-systèmes sont aussi présents sur la World Map. La Galaxie est donc vraiment bien détaillée et bien illustrée de façon assez claire pour comprendre où on est et où on va mais pas trop pour se sentir parfois perdu dans l'espace quand on a pas été suffisamment attentif.



L'échelle étant au 1:1, vous l'aurez compris, tout est a distance réelle. Dans l'espace, les distances entre deux objets étant trop élevées pour être mesurées de façon classique en Kilomètre on aura recours à diverses unités de mesures dont les suivantes: l'UA pour Unité Astronomique, l'AL pour Année Lumière et le PC pour le Parsec.
Il n'y aura pas de Parsec dans Elite: Dangerous puisque cette unité de mesure sert à mesurer des distances extrêmes c'est à dire que son échelle est plus élevée que l'Année Lumière. L'UA sert à mesurer les distances au sein d'un système mais est facilement transposable en AL, donc l'Année Lumière sera l’unitée de mesure la plus présente dans Elite: Dangerous et nos déplacements se feront en fonction de cette dernière majoritairement. A noter que l'unité du Kilomètre sera présente uniquement lorsqu'on s'approchera de très très très prêt d'un objet spatial, donc vous êtes prévenus, quand des KM apparaissent c'est que vous êtres entrain de frôler l'objet !

Donc vous l'aurez compris il va falloir s'habituer aux dimensions hallucinantes mais réelles de l'espace, et si vous ciblez une planète puis que vous voyez écris sur votre HUD que la planète est à 10 LY (Light Year pour Année Lumière) et que le timer indique un voyage de plusieurs années ne soyez pas étonnés ! Si vous rester à votre vitesse actuelle vous mettrez autant d'années temps réel pour atteindre votre destination ! Mais ne vous en faites pas, Frontier ne vas quand même pas vous obliger à rester 4 ans connectés sur votre manettes on n'est pas dans Candy Crush !


SIMULATION MAIS PAS TROP QUAND MEME

Elite: Dangerous est une simulation c'est un fait, il ne nous suffit pas d'appuyer sur un bouton pour accélérer, d'un autre pour freiner et encore un autre pour atterrir. Mais Frontier à su proposer un gameplay suffisamment précis et pointu pour nous faire ressentir tout le coté exotique du voyage spatial tout en rendant le tout accessible à condition de passer par une phase tuto plus que nécessaire.
A savoir, qui dit voyage spatial dit futur et dans Elite: Dangerous nous avons dépassé l'an 3300 Terrien. De ce fait la technologie est assez avancée pour nous proposer des assistants de navigation dans nos vaisseaux et nous auront donc un HUD assez classe en plus d'être clair et précis sur toutes les manœuvres nécessaires à entreprendre.




Les Élitistes voulant un gameplay aux petits oignons sur PC troqueront leur clavier et souris pour un stick et un casque VR mais pour ceux voulant y jouer sur Xbox One il faut savoir que la manette a parfaitement été prise en compte par Frontier, à voir avec la future manette Elite et si son nom tombera à pique pour le coup !
Le HUD donne accès à tous ses commandes avec un design holographique. Le panneau gauche représente en soit le journal de bord: choix de route, mission en cours et prise de contact avec les objets aux alentours (comme une station orbitale justement), le panneau de droite concerne tout ce qui est statut du vaisseau et du pilote voir équipement. Le panneau centrale affiche tous les éléments de navigation tels qu'un radar, la vitesse du vaisseau, la distance de la cible.

Au delà de l'accessibilité des commandes il faudra apprendre à bien choisir quand les utiliser et c'est ici que prend tout son sens l'aspect simulation d'Elite: Dangerous. Toutes les commandes sont accessibles assez vites sur la manette mais comprendre à quel moment on pourra entrer telle ou telle commande sans entrer en conflit avec certains facteurs prendra un petit plus de temps. Un simple exemple, on ne pourra pas entrer en vitesse de croisière si on a pas rentrer le train atterrissage, de la même façon qu'on ne pourra rentrer aux docks si on a pas lancer au préalable une demande d'autorisation pour se poser, une demande qu'on peut faire que si on est à moins de 750 Km de la station orbitale.
Il faudra aussi décider d'orienter toute l'énergie du vaisseau vers les moteurs ou encore dans les cannons quand on opte pour une victoire en combat ou le bouclier quand on essaye de fuir... en hyperespace.



ON PEUT FREINER A LA VITESSE DE LA LUMIÈRE ?

Il existe 3 modes de déplacement. Le mode normal, le mode Supercruise et l'Hyperspace.
Le mode normal jouera dans la navigation et le pilotage de précision comme aborder un dock ou combattre un ennemi, le mode Supercruise sert aux voyages au sein d'un système ou encore la fuite et l’Hyperspace concernera les voyages entre les systèmes et nous proposera un voyage à travers un trou de vers. Ces 3 modes sont presque totalement exclusifs au type de voyage que vous voulez entreprendre, j'entends par là que si vous voulez voyager vers le système Proxima Centauri (qui est l'étoile la plus proche de notre système) vous pourrez y aller en mode Supercruise mais vous allez mettre 30 ans temps réel, si vous voulez rejoindre un autre système vous devrez passer par le mode Hyperspace et là vous vous retrouverez avec un timer indiquant nettement moins de temps.



Que ce soit en mode Supercruise ou en mode Hyperspace il va falloir apprendre à s'arrêter et vous allez vite vous rendre compte que ce n'est pas une manœuvre aussi naturelle que si on roulait dans une voiture à 130 Km/H. En Supercruise, votre vitesse sera si élevée que votre assistant sera obligé de vous indiquer si vous arrivez trop vite sur la destination et il ne sera pas rare que vous passiez à toute vitesse à coté de votre point d'arrivée programmé qui pourtant indiquait "arrivée dans 1 an" il y a à peine 5 secondes. Et oui une simple accélération mal calibrée vous fera passer de 1 an à 5 secondes sur une simple poussée de gaz. Il va donc falloir décélérer comme il se doit et jouer avec la vitesse et la distance pour s'approcher de la destination comme un vrai pilote, rester dans la zone bleu du trio alignement/distance/vitesse du navigateur et lorsque tout est parfaitement assemblé attendre qu'on soit suffisamment proche de la cible pour sortir du mode Supercruise et ainsi, assister à ses fameuses scènes où un point représentant une planète lointaine zoom subitement devant notre face et devient démesurée ! On se croirait aux commandes de l'Enterprise ! A savoir que lorsqu'on rentre en mode Supercruise il y a tout un tas d'information qui apparaissent partout comme si en vitesse normal on avançait si lentement qu'on était perdu dans l'espace et en allant très vite on se rendait comme à proximité d'un astre pourtant à 15 années lumières. Dans mon expérience personnelle sur la version Xbox One j'ai mis du temps à comprendre que pour aborder ma destination je ne pouvais pas faire autrement que passer 5 à 8 minutes temps réel de phase d'approche/décélération, j'ai vu des vidéos youtube ou certains pilotes plus aguerris arrivaient à, je cite Jeff "Joker" Moreau, atteindre une tête d'épingle à plusieurs années lumières avec une phase d'approche/décélération de 7 secondes !



COMME UN PETIT AIR DE MINECRAFT

Attention, c'est dans l'approche sandbox qu'Elite: Dangerous rappelle par moment Minecraft, j'entends par là que si vous si comptez vous lancer dans une session d'Elite: Dangerous vous allez vite vous rendre compte que vous allez forcément passer un temps minimum de l'ordre de 45 minutes pour un maximum qui représentera le début de l'ennui. Ca ne veut pas dire aussi qu'on s'ennui dans Elite: Dangerous mais juste que l'intérêt du jeu viendra exclusivement de ce que vous avez envie d'entreprendre dans le jeu et du temps que vous vous donnerez pour accomplir votre projet.



On est très libre dans Elite: Dangerous, on peut opter pour la voie de marchand, équiper son vaisseau en fonction des routes qu'on a nous même découvert ou de ce que ca nous coûtera en carburant et nous rapportera en bénéfice, pendant le trajet se faire un pirate, récupérer sa cargaison illégale et essayer d'aller la revendre sans se faire chopper par les autorités. Ou on pourra juste faire de la reconnaissance de route commerciale ou de la reconnaissance tactique, de l'exploration spatiale et découvrir des étoiles inconnues et même les baptiser ! On pourra aussi opter pour une carrière militaire ou civil chez l'une des 3 factions majeures de la galaxie ou décider de partir à la recherche de minerais ou d’espèces encore inconnues. Tout cela ne représente qu'une goutte d'eau dans l'océan de tout ce qu'on peut faire dans l'univers d'Elite: Dangerous sachant qu'il est en perpétuelle évolution et en temps réel.
Dites vous que vous pourrez même partir à la poursuite de la Sonde Voyager qui en ce moment vient de quitter notre système solaire en direction de Proxima Centauri ou encore aller visiter la station orbitale de la planète Vulkan inaugurée en hommage à Léonard Nimoy. Frontier ne cesse de peaufiner son bébé et depuis le patch 1.2 sur PC des joueurs ont eu la surprise de découvrir des artefact aliens dans notre Galaxie. David Braben avait déjà précisé que les Thargoids (découverts dans Elite: Frontier) seraient sûrement dans le background du jeu mais ne feraient leur apparition qu'un peu plus tard. Pour l'heure ces artefacts laissent derrière eux un signal sonore très intriguant:





DU ROLE PLAY A L'ETAT PUR

C'est probablement ce qui représente le cœur d'Elite: Dangerous. Le jeu sera ce que vous voulez en faire mais surtout il sera aussi ce que Frontier voudra y proposer et sur ce point ils ne chaument pas ! La géopolitique de l'univers d'Elite: Dangerous est en perpétuelle évolution en fonction des actions des joueurs. La galaxie basculera vers telle ou telle domination de faction en fonction du gameplay des joueurs sans oublier la piraterie ou la survie de certains systèmes encore indépendants voir même inexplorés. L'arrivée d'aliens venus d'outre monde n'est pas à exclure non plus un jour prochain. Mais tout ceci dépend finalement du contenu du jeu mais un autre niveau de gameplay est abordable par les joueurs dans Elite: Dangerous, c'est de tout simplement s'y croire ou carrément y être ! La communauté du jeu est incroyablement bien organisée et on peut voir sur Youtube de véritables journaux de bord tenus par des pilotes en herbe. Il est très facile pour un joueur de tout simplement se prendre pour un pilote voulant tenir à jour une feuille de route pour aller vers un système en particulier et détailler les avantages ou non de cette route. Ou encore jouer un pirate prendre en chasse un commerçant sur des années lumières et le suivre pendant des jours et des jours sans jamais le toucher (lui il le saura car il aura une alerte de scan si vous essayer de vous informer sur lui) et puis vous décidez de vous le faire, vous lui envoyez un message tout simple du genre "tout peux bien se passer, tu donnes ta cargaison et je te laisse en vie".



Le rôle play est autant dépendant des capacités débloquées dans le jeu que du skill appris tout au long de notre expérience. Dés qu'on aura enfin réussi à faire certaines manœuvres on prendra un sacré plaisir à les répéter comme un vrai pilote (moi même j'ai a plusieurs reprises répété la manœuvre pour me garer aux dockx tellement j'étais content d'avoir compris la succession d'étapes nécessaires pour qu'on m'octroi ma "place de parking". Chez les marchands, les articles et équipements pour son vaisseau devront être bien analysés sous peine de s'acheter un objet inutile comme un module d’Hyper-vitesse qui consomme trop simplement parce qu'il permet d'aller plus loin alors que c'est inutile, dans l'espace il vaut mieux privilégier les bons de systèmes en systèmes plus que la ligne droite et directe vers un lieu, nous ne sommes pas dans un RPG classique ou toute la map à vocation à être découverte de toute façon.

Vous pourrez voler en escouade et il faudra une organisation entre vous (c'est à dire nommer un chef tacite) pour que vos déplacements vers telle ou telle zone soit coordonnés. On décide d'une destination, on rentre les trains d’atterrissage, on s’aligne avec la destination, une fois le Supercruise chargé on lance le décompte ensemble et hop on part en ensemble et on arrive ensemble en même temps à 30 années lumières en pleine zone de conflit quel classe quand la synchro est présente ! Idem quand on tente une fuite et qu'on doit essayer au sein de l'escouade d'occuper l'ennemi pour permettre à tout le monde de lancer le bon en Hyper-vitesse qui prend parfois presque 1 minutes à charger.

Bon au pire si notre vaisseau venait à être détruit pas d'inquiétude l’assurance reprendra votre épave mais bon... vous connaissez les assurances, elle reprennent rarement au prix du neuf avec les options hein... Mieux vaut réussir sa fuite croyez moi !

ET LA TECHNIQUE, LA BANDE SON TOUSSA ?

Le jeu est très beau vraiment beau mais il ne fait pas dans le sensationnel et le grand spectacle il sait rester à sa place. Ne vous attendez pas à du Star War ou voir des explosions d’astéroïdes dans tous les sens, le jeu est beau quand il le faut et là où il faut. Les planètes sont bien modélisées et on les sent vivantes depuis leur orbite, les étoiles sont de toute beauté et on ressent cette impression de chaleur et de danger hypnotique quand on s'en approche, les trous noirs donne envie de s'y perde et les nébuleuses sont dignes des meilleures photos de la Nasa. Je trouve que certains vaisseaux auront des textures un peu en retrait mais rien de bien méchant. L'impression de vitesse est pour moi bien retranscrite sans pour autant basculer dans l'exagéré. Lorsqu'on entre en mode Supercruise, qui est donc la vitesse de croisière, des indicateurs de navigation apparaissent, notamment un couloir holographique qui nous donnera notre principale sensation d'avancer et vite. Les orbites des planètes seront aussi visibles dans ce mode. Les stations orbitales sont bien modélisées, pour l'instant je trouve qu'elles se ressemblent un peu toute mais je ne vais pas cracher dans la soupe et puis je n'ai joué qu'a la version preview du jeu.




Niveau bande son c'est spatial à souhait, on aura droit à des phases de synthétiseur qui viendront ponctuer cette sensation d'être perdu dans l'espace, des phases de piano plus mélancoliques voir des passages un peu plus violent lors des combats, les musiques ponctuent d'une manière bien calibrée notre exploration, pas trop redondantes jamais trop discrètes mais pas non plus trop bruyantes, on n'est pas dans une ambiance militarisée ou guerrière, l'espace à été mis au cœur du thème du jeu même dans les sons. Ces derniers seront évidemment présents même si on sait que dans l'espace le bruit de ne propage pas mais ils resteront discrets, on entendra majoritairement les sons issus de notre cabine mais une explosion de vaisseau par ci par laàdonnera lieu à sa petite phase sonore.

Le jeu est en développement constant et Frontier parle même d'un "plan sur 10 ans". Il est actuellement disponible sur PC dans sa version 1.3. Le model économique choisi par Frontier sera celui des "saisons". Le contenu actuel, bien que conséquent, est considéré comme étant proportionnellement digne du premier Elite de 1984 ce qui sous entend que les saisons à venir vont considérablement changer le jeu. C'est ainsi que la prochaine extension du nom de "Horizon" proposera d’atterrir sur les planètes sans atmosphères pour l'instant et leur exploration en véhicule terrestre. Pour exemple le patch 1.2 apportait le "Power Play" et la gestion géopolitique de la galaxie avec 3 factions majeures et 10 sous-factions. Une autre extension à venir dans la saison 2 en plus d'Horizon proposera un mode FPS pour se déplacer das son vaisseau ce qui sera parfait pour passer le temps à ceux qui, comme moi, sont incapables pour l'instant d'aborder une destination en moins de 5 minutes temps réel. La seule version console est prévue sur Xbox One pour le 6 octobre aussi en 1.3, pour le moment le jeu est à 30€ en version preview mais la version finale sera plus chère sauf pour ceux ayant la version preview. D'ailleurs une surprise est promise aux joueurs preview.

Comme d'hab, pour une meilleure immersion dans l'article je vous conseille de lancer la musique Soundcloud ci-dessous et bienvenue dans l'univers d'Arcadia:







Hello ! Un petit dossier aujourd’hui pour un jeu que beaucoup placent dans le top 3 des meilleurs RPG de tous les temps (et au passage mon RPG favori dans la mesure où bien-sur les tops sont toujours subjectifs). Il s'agit d'un jeu que j'avais attendu avec impatience et sur le quel je m'étais jeté à sa sortie en version Française sur Dreamcast et dont je possède encore un exemplaire officiel chez moi. Il s'agit de l'énorme, le somptueux, le magnifique Skies of Arcadia (Eternal Arcadia dans son titre Japonais) un jeu d'Overworks (anciennement Team Shinobi) un studio interne de SEGA, celui qui était plus fort que toi !

Comment est né Overworks le studio à l'origine de ce chef d’œuvre ?

Ce studio est né en 1990 en tant que nouveau département R&D interne chez Sega d'ailleurs tous les studios internes chez SEGA étaient dorénavant des studios R&D.
Il faut savoir que contrairement à ce que la majorité pense, un hardware est toujours conçu pour les studios internes d'une firme et une firme a toujours un studio leader qui pilote en amont les doléances en ce qui concerne les besoins en terme de ressources pour le futur hardware en provenance de tous les autres studios. Mais pour SEGA tous les studios étaient placé au même rang même si l'AM2 de Yu Suzuki issu du monde de l'arcade avait sérieusement pris le dessus pour la conception de la Dreamcast. A coté ce studio avait quand même eu son mot à dire pour la conception de la Dreamcast puisqu'il avait justement en projet un gros AAA: Skies of Arcadia et puis il avait un CV qui parlait pour lui aussi.

Le studio a été en premier lieu baptisé Team Shinobi puis SEGA AM7 (à l'époque quasiment toutes les équipes internes de SEGA portaient le nom AM pour "Amusement Machine".

Je vous parlais de CV, SEGA AM7 s'était fait connaitre en développant plusieurs jeux pour les franchises Shinobi, Altered beast, Shadow Dancer, Golden Axe et Phantasy Star, puis en créant les séries Streets of Rage, Sakura Taisen et Clockwork Knight.

A l'aube de l'arrivée de la Dreamcast, Noriyoshi Ohba prend en charge SEGA AM7 et le studio est renommé Overworks, et son premier titre sera donc Skies of Arcadia sur DC.

Après que SEGA ait stoppé la conception de consoles et se soit reclassée dans l'édition, le studio a été mandaté pour porter la licence Shinobi sur PS2 et Skies of Arcadia sur Gamecube puis en octobre 2003, le studio fusionne avec Wow Entertainment, pour former Sega Wow-1 qui développera plus tard le très bon Valkyria Chronicles.

Altered Beast, Clockwork Knight, Golden Axe, Phantasy Star II

On poursuit avec une présentation du jeu sur ses différents supports

le Titre original du jeu était Eternal Arcadia il est appelé Skies of Arcadia dans le reste du monde, il est sortie en France en Avril 2001 et tournait sur 2 GD-ROM (format propriétaire de SEGA à cheval entre le CD et le DVD), Il s'agit d'un RPG totalement hors ligne (mais avec 3 petits DLC oui oui des DLC ) et non jouable en coopération même locale. Sa difficulté est réputée peu élevée mais avec quelques passages ardus surtout au début et à la fin ou de quelques quêtes secondaires. Petite particularité le jeu proposait une quêtes secondaire, la Pinta Quest grâce au VMS, la memory card à écran digital incorporée dans la manette.
Lors de son portage sur Gamecube le jeu tournait sur un seul mini DVD et proposait du contenu inédit et donc exclusif à la Gamecube en remplacement du Pinta quest exclusif à la Dreamcast faisant de cette version GC la meilleure pour beaucoup, d'ailleurs son prix dans les différentes boutiques rétro parle pour elle.



Le jeu affiche actuellement un metascore de 93 sur metacritic basé sur 21 notes web, un userscore de 9.4 basé sur 74 notes de joueurs. La presse papier de l'époque affichait une moyenne de 18.4/20. Ce jeu a marqué les esprits pour diverses raisons que je vais détailler plus bas. Certes il avait quand même quelques défauts qu'on remarque à la longue mais l'expérience qu'on vit tout au long du jeu était dantesque de manière globale.

L'Aventure avec un grand "A"

C'est pour moi l'argument numéro un qui place d'entrée SOA parmi les meilleurs RPG que j'ai pu faire. Les RPG qui se passent dans un monde torturé, dans un un lycée, en se libérant d'une prison etc sont à des kilomètres de ce que propose SOA. Ce jeu place l'aventure dans le sens le plus basique du terme à son paroxysme. Qui dit aventure dit voyage et SOA place le voyage au cœur de son univers. Le jeu se passe dans un monde composé de continents flottants, mais ces continents ne flottent pas au dessus d'une terre ancrée à son noyau interne, les continents flottent au dessus d'une mer de nuages et en dessous d'un ciel fait de la même matière, ce qui se trouve sous les nuages du bas représentant des abysses et ce qui se trouve au dessus des nuages du haut, l'espace. Il n'y a aucunement de l'eau dans le monde d'Arcadia (sauf des fontaines et autres ruisseaux), on voyage simplement en volant dans les airs d'un contient à l'autre. Dans l'état, le monde d'Arcadia renvoie en soit à une mouvance dans l'équivalent de la matière noire qui compose l'espace. Les véhicules du monde d'Arcadia passent dans ce cas pour être des vaisseaux.Et je peux vous dire qu'avec son vaisseau le héros va parcourir la totalité de la map et à chaque fois s'émerveiller devant chacune des découvertes qu'il fera, et croyez le ou non, on ira même jusqu’à découvrir que la Terre est ronde ! Ceci dans le cadre d'une quête qui s’intégrera dans la trame principale ! Et oui notre héros est un aventurier dans l’âme venant d'une petite île flottante type bourgade et il mettra un point d'honneur à aller oser naviguer dans les zones les plus reculées et interdites du monde d'Arcadia



Au dessus vous pouvez voir la World Map de SOA, les traînées tourbillonnantes de couleur marron foncée sont en faite des zones à forte turbulence climatique qui s'affichent comme de véritables murs de vent gigantesques puisant leurs sources dans les nuages du bas et s'enfuyant dans les nuages du haut, de ce fait la totalité du monde d'Arcadia, en vérité, n'est pas rond mais en forme de tube de type donut. Ces murs de vents sont de véritable frontières naturelles vers d'autres continents aériens.
Contourner ses murs de vents sera difficile et donnera donc lieu à cette notion de voyage et d'aventure vers l'inconnue. La World Map est aussi composée des abysses qui se trouvent donc en dessous très très en dessous, on y trouve des épaves entre autre et pour y aller il faudra bien-sur plus que du talent de navigateur, idem pour la zone au dessus des nuages du haut. Autre point à noter, au début de l’aventure la map n'est pas entièrement visible ce qui fait qu'on arrive très souvent aux rebords de la map et à plusieurs reprises on a cette sensation d'être arrivé à la limite du monde connue et hop la map se retrouve dé-zoomée comme pour montrer que non, la "fin du monde" n'est pas encore atteinte et l'horizon ne représente pas un gouffre dans le néant. Ce stratagème renforce encore plus cette sensation d’aventure et renvoie à cette folie qui habitait les grand navigateurs toujours prêts à aller toujours plus loin quitte à emmené son équipage en enfer (un équipage qui de toute façon suivait corps et âme son commandant) L'autre image montre le Delphinus, un navire dont le héros fera l’acquisition plus tard dans le jeu, il représente ni plus ni moins que le fleuron de la flotte impériale, le must have en matière de technologie de guerre. Dans le jeu il y a un avant et un après Delphinus mais on verra çà plus bas. D'une manière globale il y a une grosse ambiance marine dans SOA.

Les héros: une bande de potes

2 ème point qui fait mouche, la psychologie des personnages. Pour le coup elle est en totale concordance avec l'esprit aventure du jeu. J'entends par là qu'il n'y a pas de héros torturé, commençant l'aventure en sortant d'un long coma ou encore qui doit choisir entre le gris ou le gris. Personnellement j'aime quand les jeux d'aventure mettent en scène des personnages simples, soudés entre eux et qui tentent toujours d'aller de l'avant malgré les murailles insurmontables qui se dressent devant eux. Une autre vision du road trip récurent dans les RPG Japonais.



Dans SOA on contrôlera donc 3 personnages principaux Vyse, Aika et Fina. Les deux premiers sont simplement de très bons amis peut être même les meilleurs amis du monde et font partie des Blue Rogues. C'est un clan de pirate de l'air qu'on pourrait plus apparenter aux corsaires plus qu'aux pirates. Les corsaires étaient des marins civils, des pirates repentis ou des freelance armés et ayant signé un accord avec la couronne anglaise ou française pour faire la police en mer ou aider à l'effort de guerre là ou les pirates sont de véritables pilleurs sanguinaires de navire. Vyse et Aika sont donc des gentils pirates qui eux ne s'attaquent qu'aux navires de l'empire Valua, la vilaine nation dominante du monde connu d'Arcadia.



Vyse apparaît comme le héros principal du jeu devant Aika. Il est un garçon comme tout le monde, il a ses deux parents, il n'a pas perdu la mémoire, il est toujours très souriant et optimiste c'est un leader né mais qui restera pendant une bonne partie de l'aventure toujours sous les ordres de son père. Il deviendra capitaine de sa propre armada quand il récupérera le Delphinus mais pour cela il va devoir quitter le foyer familiale et partir à l'aventure avec Aika sa meilleure amie qui elle a perdu ses deux parents mais est élevée par ceux de Vyse depuis toute petite.
Aika et Vyse sont de vrais amis, on soupçonne à un moment une petite dose de sentiment amoureux d'Aika envers Vyse mais ca restera du domaine du secondaire. L'amitié est le sentiment le plus visible entre les deux, l'amitié et la fidélité. Fina est une fille tombé du ciel venant du monde des Silvites envoyée par son peuple pour une mission sur Arcadia. les Silvites vivent au dessus des nuages du haut dans une zone céleste.
Tout au long de l'aventure il est sous entendu que Vyse et Fina se mettront ensembles un jour mais cette romance aussi est mise au second plan laissant place à la fidélité de Vyse envers Fina qu'il cherchera à protéger contre vents et marée avec Aika. Un véritable trio d'amis est né.




Si le sentiment d’amitié est celui qui est le plus mis en avant dans le jeu, même devant l'amour, il en est un autre qui arrive juste derrière, c'est l'appartenance à un clan ou une famille.
Si Aika et Vyse font partie des Blue Rogues, d'autres clans seront de la partie, parfois amis d'autres fois plutôt rivaux ou encore carrément ennemis à l'image des pirates du Barbenoire, ou les équipages du Claudia, du Draco, du Caméléon, du Cygnus et encore bien d'autres.
La notion "les amis de mes amis sont mes amis et les ennemis de mes ennemis sont mes amis" sera grandement de la partie aussi, si bien qu'on se retrouvera même face à des moments épiques ou une némésis de toujours se retrouvera à débarquer avec sa flotte pour prêter mains forte face à un ennemi dangereux pour tout le monde. La raison ? La fraternité entre navigateurs même si on est d'un coté pirate et de l'autre Blue Rogue on reste des marins et Arcadia est à nous.

Des combats épiques

Pour tout dire il y a 3 types de combats dans SOA, il y a les combats aléatoires classiques qu'on rencontre lorsqu'on explore au sol sur les continents flottants, puis il y a des combats aléatoires qu'on rencontre quand on explore les airs en bateau volant, pour ces combats ils se font sur le pont du bateau un peu comme si les ennemis avaient pris le vaisseau à l'abordage, puis, comme vous le savez maintenant SOA met en scène des pirates de l'air et qui dit pirates dit batailles navales mais en l'air cette fois ! Ce 3 ème type de combats (non aléatoire et donc plus rare) prendra la forme d'une confrontation entre navires de guerres ou il faudra se déplacer sur un mini échiquier puis essayer de se positionner de manière envoyer la sauce sur le navire ennemi, les navires ayant chacun une super attaque dévastatrice pour l'adversaire.
Dans ce type de combat on ne se retrouvera pas uniquement face à des navires, on se retrouvera aussi face aux fameuses Gigas qui sont ni plus ni moins que les boss les plus puissants du jeu, ils peuvent être de type volant ou bien des géants marchant sur la terre ferme voir des cétacés aériens géants.




Lors des confrontations entre navires, l’équipage aura son importance puisque en fonction des PNJ qu'on aura recruté, notre navire modifiera ses attributs d'attaque, du cuistot au simple machiniste, cela dit on aurait aimé plus de profondeur dans la gestion de l'équipage. Il y a un peu plus d'une vingtaine de membres qu'on pouvait recruter au grès des rencontres dans l'univers d'Arcadia et des quêtes secondaires. Certains personnages feront même partie de notre équipe de combat portant le nombre de personnage jouable à 6. En plus du trio d'amis viendront les rejoindre Gilder, Drachma et Enrique.



L'équipage de Vyse lui permettra aussi à un moment de l'aventure d'avoir accès à 2 grosses attaques qui feront appel un a un aux membres de l'équipage qui déferleront sur l’ennemi. Les cinématiques de ces 2 attaques étaient d'ailleurs relativement assez longues.

Quelques bémols concernant les combats aléatoires tout de même, dans la version Dreamcast la fréquence des combats lorgnais du coté du sadisme, en sortie de combat aléatoire très souvent on pouvait faire 2 pas pour se retrouver directement embarqué dans un autre combat aléatoire. Lors du portage Gamecube tout cela a été modifié à la baisse.
Autre problème le bestiaire était quand même assez faible, on rencontrait souvent le même type d’ennemi mais d'une couleur différente lié à son élément car dans SOA il y une forte notion d’élément qu'on abordera dans le chapitre suivant.

Un système de combat plus subtile qu'il n'y parait

La clé de voûte de tout ce qui a un rapport avec les combats dans SOA repose sur la notion de "points d'esprits", ca concerne donc aussi bien les combats aléatoires au sol que les batailles navales.
Lors des combats, la moindre action décidée par le joueur donne des points d'esprit qui s'accumulent. Au joueur ensuite de décider du moment ou il va pouvoir lancer sa combinaison d'action une fois qu'il aura le nombre de points d'esprits nécessaire à la combinaison d'action qu'il a en tête.
Tout consomme des points d'esprits, même les magies et cette barre d'esprit est unique et partagée par toute l’équipe alignée au combat.
Un aspect très tactique émane de ce système. Cela dit son intérêt progresse en dent de scie, je m'explique.

Au début le peu d'actions possible et débloquée par notre équipe ne donne pas accès à grand chose comme combinaison donc on se retrouve face à un système mou du genoux qui en plus devient pénible quand on se fait happer dans ces combats aléatoires trop nombreux.

Une fois bien avancée dans l'histoire, le système de combat prend tout son sens, on prend plaisir à peaufiner ses combinaisons pour optimiser au maximum l'utilisation de cette jauge d’esprit partagée, c'est à ce moment qu'on remarque que ce système est certainement voulu par les développeurs car parfaitement calibrée pour les batailles navales en fait. On se retrouve devant une situation proche du jeu d’échec où on se laisse volontairement taper dessus en début de combat pour mieux riposter par la suite en frappant fort.



Ce système, pendant les batailles navales prend tout son essor puisqu'on assiste à des manœuvres d'évitement, et autre regard en chien de faïence entre navire qui se déplacent cote à cote attendant une manœuvre hasardeuse du capitaine adverse, évidement pendant ce temps la barre d'esprit gonfle.

Arrivé en fin d'aventure le système de combat atteint ses limites puisqu'on se retrouve quasiment 80% du temps à user de l'action "Focus" qui sert grosso-modo à passer son tour en échange d'une accumulation plus prononcée de points d'esprit, et une fois qu'on assez accumuler de points, lâcher la purée...

2 points particuliers à noter:

- la barre de focus totalement pleine donne accès aux attaques de Capitaine (une fois que Vyse sera en possession du Delphinus à environ la presque moitié du jeu). Ces attaques de capitaine représentent ces deux fameuses invocation de l'équipage entier, c'est à dire ceux qui sont en poste sur le navire et pas en stand by. Il existe une autre attaque de capitaine qui elle met en scène toute l’équipe alignée au combat, ca ressemble plus à une attaque de groupe.

-les éléments sont importants dans SOA car chacun se réfèrent à une des 6 lunes du jeu (on en parle plus bas). Chaque mob a une affinité avec un de ces éléments (souvent en fonction de la lune qui se trouve au dessus de lui), il faudra simplement changer l'attribut élément de son arme pour maximiser les dégâts. Ce changement d'attribut se fait directement et à volonté sur le champ de bataille.




Le système de combat de SOA était une vrais bouffée d'air frais à l'époque, et je trouve qu'encore maintenant il fait partie des meilleurs de par sa simplicité et sa logique. Je le place tout de même encore derrière le système d'un Grandia cela dit. Petit détails amusant, pendant les combats, alors qu'on est entrain de donner un ordre à un des héros aligné, il n'est pas rare de voir les autres personnage ne pas se contenter d'attendre, ils sont entrain de taper sur les autres mobs eux mêmes en attente ou alors d'esquiver leur coups. Ces petites actions n'engendrent aucune perte de HP, elles sont là seulement pour animer le champ de bataille contrairement à tous les RPG où après l'action le héros attend son tour et c'est tout.

De l'exploration horizontale et verticale

Qu'est ce que ca veut dire ? Et bien tout simplement que dans SOA Vyse cherchera tout le temps à repousser plus loin la ligne d'Horizon en naviguant toujours plus loin jusqu'à atteindre les limites du monde, comme on l'a vu il ira même jusqu'à montrer que la "Terre est ronde", mais dans la mesure où finalement l'univers d'Arcadia prend la forme un donut, il va aussi pousser l’exploration loin sous les nuages inférieurs en plongeant dans les abysses mais aussi tenter d'aller brûler ses ailes en allant au delà des nuages supérieurs !
Tout ca dans un monde très ouvert, en fonction de l'avancée de l'histoire bien-sur, donnant même lieu à de l'exploration intensive de la World Map à la recherche d’îlot flottant secrets, foyer de quêtes secondaires, de membres d'équipage potentiels et autres secrets !

Mais ce n'est pas tout, qui dit repousser le horizon dit découverte de contrées nouvelles et donc découvertes de civilisations inconnues. Peut être certains se souviennent du dossier Shenmue dans le quel je disais que j'adorais le thème du brassage des civilisations et le choc des cultures, dans SOA on assiste aussi à cela mais de façon plus mignonne forcément.



Il faut savoir qu'Arcadia et ses terres sont architecturées autour de 6 lunes chacune d'une couleur différente. Au dessus de chaque continent se trouve donc une lune qui influence la totalité de l'écosystème du continent en dessous. Alors sur ce point comme souvent dans les RPG, on peut noter une certaine dose de classicisme puisque les 6 continents auront chacun un biome et une culture très caricaturale. La lune verte une zone typée jungle, la lune rouge une zone à la culture Arabe, la lune jaune représente le monde occidentale, la lune bleu l'Asie, la lune violette le monde des glaces et la lune argent se charge d'abriter le monde des cieux, là d’où vient Fina d'ailleurs.

Fina à justement été envoyée sur Terre avec son ami Ramirez chacun pour une mission bien précise. Fina doit investiguer sur une entité qui cherche à réveiller le Gigas d'argent Zelos capable d'invoquer les Pluies de la Destruction du monde afin d'en rebâtir un meilleur. En effet chaque continent sous la protection de sa lune cache dans un temple un Gigas, une entité divine censée protéger son continent justement et l’accès au Gigas d'argent Zelos. Le rôle du Gigas d'argent étant de protéger Arcadia en entier quitte à la détruire.

Chacun de ses Gigas sera donc la divinité locale de la civilisation majeure du continent, Vyse ira au contact de chacune d'entre elles, de ses cultures, de ses mœurs etc. Avant de pouvoir prétendre à obtenir l'aide des civilisations locales pour l'aider dans sa tache de protéger Arcadia de Zelos, Vyse devra d'abord régler les problèmes des indigènes continentaux.



Tout cela se fera à travers des décors somptueux, de l'exploration dans tous les sens, du ciel aux grottes en passant par les donjons, les abysses le désert, les îles, Vyse ira partout !

Une bande son magistrale

Alors l0 c'est l'un des énormes points forts du jeu. Elles sont l'oeuvre de Yutaka Minobe et Tatsuyuki Maeda.
Ils ont composé plus de 2 heures d'OST jouées par le Skies of Arcadia Symphony Orchestra de plus de 60 musiciens !
Pour info Yutaka Minobe a aussi fait les musiques du magistral Panzer Dragoon Orta et Tatsuyuki Maeda à travaillé sur les Sonic, sur Dragon Force et Panzer Dragoon.
La bande son de SOA a été un choc pour beaucoup parce qu'elle avait réussi à mélanger avec brio des symphonies épiques sur un léger beat Old School Drum and Bass ou ce qu'on appelait à l'époque la Jungle Music avant que l'electro n'y soit incorporée.

Voici quelques musiques parmi les plus épique de SOA, notamment la première de la liste, la fameuse musique des combats aléatoires au sol. Beaucoup disaient que même si les combats aléatoires étaient trop présents, le simple fait d'entendre à nouveau la musique faisait tout oublier !










La totalité de l'OST arrive à nous faire voyager dans une ambiance très piraterie à travers des continents aux cultures variées, des combats épiques, en mêlant symphonie, jungle beat, piano, musique tribale, musique orientale... C'est totalement dingue, surtout que le jeu n'affiche presque aucune digit vocale laissant le soin à la bande son de ponctuer les sentiments des PNJ ou alors les moments graves, joyeux, intriguant etc.

Voici quelques unes de mes pistes favorites, à l’époque j'étais très surpris quand une fois que j'avais passer l'océan des tornades je commençais à voir voler partout des feuilles vertes comme si elle m’accueillaient dans cette nouvelle contrée inconnue et une fois le pied posé au sol j'entends cette musique tribale:

En dessous vous avez une musique de World Map qui intervient en remplacement de l'ancienne une fois que vous avez le Delphinus.
Il faut savoir que la musique de la World Map reste la même mais prend une intonation liée au continent ou la région tribale où on se trouve.

Une durée de vie exceptionnelle

Personnellement j'ai fini le jeu lors de mon premier run en 96 heures. A titre de comparaison j'ai tendance à finir les FF en 80 heures de jeu en moyenne en faisant du leveling très souvent.
Le jeu tient sur 2 GD comme dit plus haut mais il faut savoir que cette durée de vie seule ne vaut rien sans le rythme permanent que le jeu propose. Il y a des jeux archi long mais qui au final nous font faire toujours la même chose et dans les RPG il faut avouer que 50% du temps consiste à faire du leveling et farmer des mobs en tout genre pour récupérer des objets et ainsi.
Dans SOA tout ceci n'est que secondaire, le jeu se paye le luxe de ne jamais nous inciter à faire du leveling. Le rythme est tout le temps soutenu et comme dans un bon vieux film des années 90 comme les Goonies, Wilow et autres films d'aventures, les héros ne font qu'avancer toujours avancer sans jamais réellement coincer.
De plus la map ne cesse de s'agrandir au grès des limites atteintes, et les développeurs se sont même permis de proposer un nouveau départ une fois que Vyse devient capitaine de son propre navire. A ce moment tout change encore avec une nouvelle musique de World Map, l’accès à de nouvelles zones, l’accès à la gestion d'équipage, des nouvelles attaques en combat, des nouvelles quêtes secondaire. Et puis un peu à la manière de Justin dans Grandia, Vyse prend du gallon et grandit d'un coup. Il devient encore plus charismatique et son âme de capitaine prend un nouvel essor.



Il y a tellement a dire sur SOA, mais j'ai préféré me concentrer sur les points remarquables du jeu, le reste restant de l'ordre du très bon mais pas forcément lié à la puissance de l'expérience SOA.
Ce jeu puise réellement sa force dans sa réalisation de haut niveau, sa bande son de rêve, son univers original qui a plusieurs fois inspiré les autres jeux qui ont suivi, sans oublier son système de combat novateur et rafraîchissant, sa durée de vie au rythme parfaitement calibré autour d'un scénario béton.
Le jeu possède il est vrai quelques défauts mais ils sont très vite oubliés devant tant de prouesses de la part d'Overworks. Il fut un temps où le jeu devait être porté sur Xbox et PS2 en plus de la GC et où il y avait quelques rumeurs concernant son arrivée sur 360 ou PS3. Maintenant, dans la mesure où c'est la génération de tous les fantasmes, ils nous ai permis d'espérer un remake HD sur One ou PS4 voir pourquoi pas un Skies of Arcadia 2 ?
Yes we can on t'a dit ! En espérant vous avoir donné envie d'essayer ce chef d’œuvre un jour dans votre vie de gamer invétéré je vous souhaite bon jeu à tous !

Bonjour à tous, aujourd'hui je partage avec vous une interview qui a été réalisée par Benjamin Berget des Éditions Pix'n Love en Septembre 2012.
Les réponses sont apportées par les membres du site Shenmue Master.
Cette interview n'a été publié que 3 ans plus tard c'est à dire en Février 2015.
Malgré son ancienneté cette interview propose bon nombre de réponses qui sont encore valables aujourd'hui.
Pour info Benjamin Berget est un auteur fan de jeux vidéo et de rétro gaming. Il est celui qui a écrit les deux volumes de "L'Histoire des jeux vidéo polémiques". Il a notamment proposé des dossiers pour Gropixel.com ou encore Jeuxvidéo.com.
Le site Shenmue Master est un excellent site on ne peut plus bien informé sur l'actualité Shenmue. Il est l'équivalent FR de Shenmue Dojo. Les co-webmaster du site le nourrisse depuis 2001 à travers 5 montées en version. Ils ont récemment annoncé que le site existera jusqu'à la sortie de Shenmue 3.
Un des co-webmaster à même rencontré Yu-Suzuki tandis qu'un autre à il y a peu dit qu'il avait des infos comme quoi on entendre parler de Shenmue dans les mois à venir.
Je remercie donc Shenmue Master pour la release de cette interview et la partage avec vous en couleur et en musique.

Comme d'hab, pour une meilleure immersion dans l'article je vous conseille de lancer la musique Soundcloud ci-dessous: