À la fin des années 1980, avant de fonder Game Freak et de connaître un succès retentissant grâce à Pokemon, son fondateur Satoshi Tajiri était rédacteur indépendant pour le magazine de jeux vidéo Famicom Hisshou Hon. Il tenait une chronique dans ce magazine et a consacré un article au jeu MOTHER, qui venait de sortir, dans le numéro du 20 octobre 1989, ce titre à d’ailleurs été édité par Creatures, une petite société établie en 1995 (anciennement Ape Incorporated créé par Tsunekazu Ishihara, l’actuel directeur général de Pokémon Company) une structure qui s’occupe désormais des produit dérivés et jeux de cartes à collectionner Pokémon.
Étant un simple fanzine pour passionnés de jeux vidéo, Tajiri et ses amis, qui collaborent dans son domicile, optent pour concrétiser leur rêve en se lançant dans le développement de leurs propres jeux. Bien que le concept de Pokémon émerge assez rapidement, le studio lancera plusieurs autres projets, en collaboration avec des éditeurs variés tels que Namco, Sega ou Nintendo.
L’idée de Pokémon à immerger en 1990 pour une sortie en 1996 sur Game Boy, son premier concept sous le nom de « Capsule Monsters », présentait des similitudes avec ce qu'il allait devenir par la suite. Au moment de sa sortie, les ventes n’étaient pas au rendez-vous et avaient raté la saison des ventes de fin d’année 95, en plus d’une sortie sur une console qui était en fin de vie.
Tsunekazu Ishihara, directeur général de The Pokémon Company « C’est vrai. En fait, nous avons fini le développement en octobre de l’année précédant la sortie des jeux et nous voulions les commercialiser rapidement. Mais malheureusement, nous avons raté la saison des ventes de fin d’année et nous avons sorti le jeu fin février de l’année suivante, ce qui est la pire période en matière de vente de jeux ! (rires) »
« Nous concevions donc un jeu développé pour cette nouvelle console. Mais nous avons pris beaucoup de retard… En tant que producteur, lorsque j’ai vu le contenu des versions Rouge et Verte, j’ai eu le sentiment que parmi tous les titres auxquels j’avais joué ou sur lesquels j’avais pu travailler, celui-ci était d’un calibre bien supérieur. J’étais persuadé qu’en termes de plaisir de jeu, ce projet surpassait les autres productions du moment. Mais la date de sortie étant ce qu’elle a été, j’ai d’abord été très inquiet pour l’avenir du jeu. »
Malgré des débuts assez discrets, la licence parvient à avoir du succès de bouche à oreille, mais c’est surtout par le biais du magazine mensuel de manga CoroCoro Comic que Pokémon à atteint une certaine cote de popularité auprès des plus jeune.
Ken Sugimori, designer : « L'idée de Pokémon a germé lorsque nous avons constaté à quel point le câble de liaison pour Game Boy était fascinant. Nous nous sommes dit : « Ce serait génial de créer un jeu où les joueurs pourraient s'affronter ou échanger des objets via ce câble. » Au départ, nous avons envisagé un jeu où l'on ferait s'affronter des kaijuu.
« D'accord, ai-je répondu, je vais essayer de dessiner quelques kaijuu… » Mais je me suis rendu compte que je n'avais jamais dessiné de monstres de ce genre auparavant. Honnêtement, j’étais un peu perdu, mais j’ai réussi à créer une vingtaine ou une trentaine de designs différents : certains étaient mignons, d’autres cool, d’autres encore rampaient, et pour certains, on ne savait pas vraiment ce qu’ils étaient. Rhydon (Saidon) et Nidoking sont deux des designs qui ont survécu à ces premiers croquis. »
« Je n’étais pas le seul à créer des Pokémon : il y avait cinq ou six autres concepteurs qui travaillaient aussi dessus. Comme vous pouvez l’imaginer, chaque concepteur avait un style ou un type de Pokémon qui était sa « spécialité » : l’un d’entre eux excellait dans la création de Pokémon mignons, un autre se consacrait aux Pokémon bizarres, et ainsi de suite. Donc non, nous n’avons pas cherché intentionnellement à créer une certaine diversité, mais simplement en mélangeant tous nos styles, nous avons réussi à atteindre un équilibre naturel. Je ne pense pas que cela aurait été possible si j’avais essayé de tous les concevoir moi-même. Nous en avons conçu plus de 300 au total, mais nous n’en avons finalement utilisé que 151. »
Atsuko Nishida, conceptrice de la série Pokémon et des personnages : « À l'époque, j'étais chargée de la conception des personnages pour un jeu sur Mega Drive. (Après avoir rejoint l'équipe Pokémon), on m'a simplement demandé de créer « un Pokémon de type Électrik » et « un monstre pouvant évoluer deux fois ». Il n'y avait aucune indication concernant les animaux (sur lesquels s'inspirer). Je ne l'ai pas dessiné sur papier et j'ai directement créé le pixel art, donc il n'y a plus aucune trace de cela aujourd'hui, mais le premier prototype que j'ai conçu pour Pikachu était une créature ressemblant à un daifuku, en forme de long daifuku avec des oreilles qui dépassaient. Je laisse le reste à votre imagination… mais cela n'avait rien à voir avec le Pikachu que vous connaissez aujourd'hui. »
« Je l’ai baptisé sans trop y réfléchir, mais comme c’était un Pokémon de type Électrik, j’ai ajouté un « Pika » [Note de la rédaction : issu de l’onomatopée japonaise « Pika-Pika », qui signifie scintiller, étinceler ou briller]. Je n’avais pas de souris en tête pour la partie « -chu » [un cri de souris japonais ressemblant à un « couic »], et je ne me souviens plus vraiment pourquoi… mais bon, le nom « Pikachu » est venu en premier, et c’est à partir de là qu’on en a fait une souris. »
Après avoir sorti nombre de produits dérivés, il était temps pour Game Freak de sortir les suivants, les versions Or et Argent qui introduit la deuxième génération de Pokémon sortent entre 1999 et 2001 dans le monde. Porté par Satoshi Tajiri le réalisateur, qui insufflait cette âme d’enfant dans ces jeux, il a notamment été influencé par ces expériences d’enfance en collectionnant les insectes et en les échangeant avec ses amis.
Satoshi Tajiri : « Enfant, je voulais devenir entomologiste. Les insectes me fascinaient. Chaque nouvel insecte était un merveilleux mystère. Et plus j’en cherchais, plus j’en trouvais. Si je plongeais la main dans une rivière, j’attrapais une écrevisse. Il suffisait de plonger un bâton dans l’eau, de creuser un trou et de guetter les bulles pour découvrir d’autres créatures »
D’abord nommé Pokémon 2, Or et Argent vont un peu plus loin que ces prédécesseurs, disposant de plus de mémoire en réunissant une centaine de Pokémon supplémentaire, d’un pokedex amélioré et d’un gameplay plus intuitif, les joueurs y découvre Johto, une toute nouvelle région voisine de Kanto, inspirée de la région du Kansai au Japon, certaine des villes de Johto s’inspirent de lieux réels de cette même région.
Après la sortie de Pokémon Diamant et Perle en 2006 sur Nintendo DS, Game freak annonce en 2009 les rééditions des versions Pokémon Or et Argent 10 ans après sa sortie. Parmi les nouveautés apportées à ce remake, il y a notamment la bonne idée du premier Pokémon de l’équipe qui suit le dresseur lors de son voyage. Et bien que son système de jeu soit repris de la 4e génération, ces versions intègre aussi des éléments issus de Pokémon Cristal, et met en avant Suicune par rapport aux autres chiens légendaires. Outre la remastérisation de la bande son, les rencontres avec les Pokémon légendaires Ho-Oh et Lugia sont désormais accompagnées de leurs propres thèmes musicaux dédiés.
Shigeki Morimoto, directeur du jeu : « En ce qui concerne le scénario, nous avons essayé de rester fidèles à l'histoire originale tout en y apportant une touche d'originalité. Le résultat est un jeu qui offre une belle profondeur. Il propose de nombreuses fonctionnalités de gameplay que l'on ne trouvait pas dans les jeux originaux Or et Argent. »
Takao Unno, directeur artistique « Lorsque nous créons de nouveaux Pokémon, quelques graphistes apportent leurs propres idées lors des réunions de conception animées par Sugimori [directeur artistique et membre du conseil d'administration de Game Freak]. En gros, chacun apporte ses idées, on en discute, on les peaufine, puis on finalise le design. Parfois, tous les graphistes se rendent au zoo ou au musée pour trouver l'inspiration. De plus, ils travaillent sur de nouveaux Pokémon en fonction des demandes des concepteurs, qui leur disent par exemple : « Nous aimerions avoir ce type de Pokémon » ou « Nous aimerions avoir un Pokémon qui apparaisse dans ce genre de décor ». Quant au nom, les graphistes proposent leurs idées. Si elles sont brillantes, nous les retenons. »
Pokémon HeartGold et SoulSilver resteront des versions fantastique, d’une durée de vie phénoménal avec ces deux régions explorables, cette aventure mythique ne laissera pas indifférent les nostalgiques et les nouveaux venus.
En 1999, le développement de Skies of Arcadia a vu le jour sous le nom de code « Project Ares » , développé par l’équipe Overworks de Sega, qui était composé d’une vingtaine de membres des Team Andromeda (Panzer Dragoon) et Phantasy Star, le titre était initialement prévu pour la Sega Saturn, mais la puissance et l’architecture plus maniable de la Dreamcast a fait bousculé le projet sur cette console.
Rieko Kodama, la pionnière du jeux video qui est connu pour ses travaux sur Phantasy Star 1, 2 et 4, ainsi que sur les deux premiers jeux Sonic the Hedgehog, voulais créer un RPG solide et authentique pour Sega, qui mettait en avant le plaisir de l’aventure et de l’exploration. Durant les premières discussions autour de son concept, le but était de créer un jeu qui répond à ce rêve d’enfant, celui de voler dans le ciel. C’est bien plus tard après l’arrivée du réalisateur Atsushi Seimiya et du directeur Shuntaro Tanaka (Sakura Wars 1 et 2) , que les idées se mirent en place, dont celle des navires naviguant dans le ciel.
Rieko Kodama, productrice : « Au début du projet, Skies of Arcadia était initialement prévu pour la console Sega Saturn, mais la production a finalement été lancée pour la Dreamcast. C'est à ce moment-là que nous avons commencé à envisager le concept d'un monde rempli de dirigeables volant dans le ciel. Cela contraste avec le concept précédent, où l'histoire aurait tourné autour de combats sur des trains et sur terre en général. »
Skies of Arcadia est un Jrpg très aventureux, son thème « le voyage dans les cieux » s’inspire de l'ère des grandes découvertes, le studio voulait notamment créer un jeu joyeux à l'ambiance insouciante et se distinguer par rapport au Jrpg de l’époque qui dépeignaient principalement des mondes sombres, cette réflexion a aussi fait naître Vyse, un protagoniste optimiste qui explore le monde au côté de ces compagnons Aika et Fina « qui ont été conçus pour être sur un pied d'égalité » avec lui.
Kodama : « La représentation de mondes sombres était certes très en vogue au Japon à l'époque, mais notre équipe a préféré créer un protagoniste optimiste qui explorait le monde, ce qui a donné naissance au scénario et aux personnages de Skies of Arcadia. »
Shuntaro Tanaka, le directeur du jeu, est responsable de l'architecture historique et des civilisations anciennes, après avoir étudié l'histoire à l'université, son approche a abouti à un concept du monde et du scénario, étroitement lié avec cette idée des « découvertes » et son thème.
Kodama : « Quand j'étais jeune, je m'intéressais à l'architecture historique, comme les pyramides, et aux civilisations anciennes qui les ont conçues, comme les Mayas. De la même manière, Skies of Arcadia comporte des éléments liés à la découverte de ruines anciennes et d'espèces que l'on croyait disparues depuis longtemps, ce qui correspond à l'aventure dont je rêvais quand j'étais enfant. Je crois que c'est l'un des membres de notre équipe, Shuntaro Tanaka, qui a eu cette idée. Il a fait des études d'histoire à l'université, et je suppose que c'est ce qui l'a inspiré pour l'aspect « découverte » du jeu. Je me souviens avoir été très enthousiaste à cette idée ; c'était comme si mon rêve d'enfant se réalisait. »
Tanaka : « L'exploration est évidemment une caractéristique essentielle de « l'ère des découvertes », mais dans les jeux vidéo aussi, il y a une joie simple à découvrir et à explorer. Nous espérons entremêler ces deux plaisirs (les éléments d'exploration de l'histoire et ceux du gameplay) afin que leur synergie nous permette d'offrir une expérience encore plus agréable. »
Dans l'univers de Skies of Arcadia, les continents s'élèvent dans les airs, tandis que les nations se transforment en vastes îles volantes, c’est dans ce contexte qu’on retrouve Vyse et son amie d’enfance Aika, tout deux font partie des Blue Rogues, un groupe de pirates qui lutte contre l'empire militaire et tyrannique de Valuan. Afin de concevoir ces personnages atypiques, le studio a opté pour un style artistique plus expressif pour mettre en évidence les émotions et les expressions faciales des personnages.
Et parmi les diverses inspirations, les classiques littéraires tels que L’île au trésor de Robert Louis Stevenson ou Robinson Crusoé ont eu une influence considérable sur les thèmes et l'esthétique de Skies of Arcadia, qui rend hommage à des œuvres comme « Les Voyages de Gulliver » et « Les Deux Ans de vacances » de Jules Verne.
Kodama : « Avant tout, le plus important pour moi dans ce projet était qu'il revienne aux sources du jeu de rôle : l'aventure, la découverte, l'exploration... quelque chose qui insufflerait cette joie simple de chercher et de trouver des choses. Alors que je réfléchissais à différents décors, des images telles que Treasure Island et Robinson Crusoe me sont venues à l'esprit, des livres que j'avais lus enfant et qui avaient stimulé mon imagination. J'aime qualifier Skies of Arcadia d'« âge de la découverte des cieux », mais plus précisément, l'idée était celle d'un âge de la découverte qui se déroulait dans un futur inconnu, avec des personnages partant à l'aventure à bord de bateaux ou de navires.
Ensuite, nous avons pensé que ce serait cool que les navires naviguent dans un espace en 3D plutôt que sur l'océan. Les véhicules volants sont également courants dans d'autres RPG. Voler dans le ciel est intrinsèquement amusant, nous voulions donc augmenter la liberté de ce mécanisme, et nous avons pensé que ce serait vraiment amusant d'y ajouter de l'exploration et de l'aventure. C'est ainsi que nous en sommes arrivés aux navires volants. C'est simple, non ? (rires) »
Son gameplay en lien avec ces thèmes met l’accent sur l'exploration de son monde, qui est divisé en six régions, le joueur a la possibilité de recruter des personnages croisés lors de son aventure, ce qui lui permet de les ajouter à l'équipage de son navire offrant ainsi quelques bonus pour l'exploration et le combat.
Kodama : « L'un des thèmes de Skies of Arcadia était « l'ère des découvertes », nous voulions donc recréer dans ce jeu l'atmosphère des batailles de cette époque. Nous avons pris la peine de créer ces navires pour que les joueurs puissent voler et explorer le monde, il serait donc dommage de ne pas les voir tirer leurs canons au combat, n'est-ce pas ? »
Tanaka : « Nous n'étions pas sûrs à 100 % que ce soit une bonne idée de diviser les combats en deux systèmes différents comme cela, mais au final, le jeu utilise également le système Spirit et une interface traditionnelle de type commande (au tour par tour), donc je ne pense pas que les joueurs seront déroutés. »
Yutaka Minobe et Tatsuyuki Maeda ont composé la bande son du jeu, l’utilisation d’une musique orchestrale était une première pour Kodama. elle voulait surtout une musique qui « capture l'étendue et l'immensité du monde ».
Sortant sur deux disques GD-ROM, Skies of Arcadia est l’un des jeux les plus beau graphiquement de son époque, en dehors de son incroyable aventure, le titre propose une expérience qui capte réellement l'attention des joueurs, un JRPG qui émerveille tant les plus jeunes que les adultes.
Appartenant à une filial de Namco Bandai, le 27 avril 2007 marque le début d’une nouvelle aventure pour Monolith Soft, Nintendo a racheté le studio faisant de lui un développeur first-party de la firme. Au cours du développement de Soma Bringer et Disaster: Day of Crisis, Hitoshi Yamagami, responsable chez Monolith Soft, a décidé que le troisième projet financé par Nintendo devait être un RPG, car c'était le genre dans lequel le studio s'était spécialisé.
Pendant le développement de Disaster: Day of Crisis, Shinji Hatano, responsable du département des licences chez Nintendo, a donné un seul conseil au studio : développer des jeux avec une approche « romantique », des jeux dont l'intrigue et l'univers captiveraient et inspireraient les joueurs.
Takahashi a donc réfléchi à un concept « Explorer l'idée d'êtres humains vivant sur le corps des dieux. » Son nouveau projet avait été présenté à Nintendo sous forme d’une maquette qui met en scène des personnages vivant sur le corps de dieux gigantesques dont chaque détail avait son importance, selon la partie du corps des géants que le joueur occupait, chaque zone offrirait des conditions climatiques et des paysages distincts. Les zones exposées à la lumière profiteraient de la chaleur du soleil, tandis que les zones ombragées seraient glaciales.
Takahashi « Je rentrais au bureau après une réunion, et alors que j'étais dans le train, j'ai eu l'idée qu'il serait intéressant de faire vivre des gens sur les corps gigantesques d'une sorte de dieux. C'est là que tout a commencé. »
Une idée qui a séduit Nintendo, ce qui a permis par la suite de construire un modèle 3d pour déterminer quelles parties du corps pouvaient être utilisées comme environnements habitables et jouables.
« Je pensais que, puisqu'ils avaient pris la peine de créer ce modèle, ils avaient sûrement également réglé les détails les plus fins. Mais il s'avère que ce modèle était tout ce qu'il y avait », se souvient Yamagami, le producteur.
La prochaine étape du projet était de définir un système de jeu et son scénario. Takahashi le directeur du projet s’est aidé de Takeda qui a une bonne expérience dans l’écriture des animés, ils ont collaboré ensemble sur le scénario du jeu, une histoire qui tourne autour du personnage de Shulk dont l’idée était de concevoir « un héro qui ne soit pas détesté » par les joueurs.
« Dans les RPG, il existe un moyen de s'assurer que le héros ne soit pas détesté : c'est de faire en sorte qu'il ne prononce pas un mot. »
« Il est facile de faire en sorte que le personnage principal ne dise rien, mais pour ce titre, nous voulions qu'il parle. Nous avons donc cherché un moyen d'obtenir cette « résonance ». Au final, je pense que nous y sommes parvenus dans une certaine mesure. » explique Takahashi.
Initialement intitulé Monado: Beginning of the World, le président de Nintendo de l'époque, Satoru Iwata, a fait changer le titre pour celui qu'il porte actuellement afin de rendre hommage aux précédents travaux de Monolith Soft.
Takahashi « Lorsque j'ai créé Xenoblade Chronicles, j'ai adopté une attitude ambitieuse, estimant qu'il ne fallait pas se priver d'ajouter tout ce qui pouvait améliorer le jeu. Cela s'appliquait non seulement au scénario, mais aussi à tous les aspects du jeu, y compris la musique. »
Takahashi reconnaît que les JRPG doivent évoluer avec leur temps, Xenoblade Chronicles a marqué un tournant et offre une liberté sans précédent au joueur. Le studio voulait prouver qu’il avait toujours les capacités de créer de grands jeux.
« La plupart des RPG que nous avons créés mettaient l'accent sur l'histoire et les cinématiques, mais je pense que cette approche a atteint ses limites. Ce projet a vu le jour parce que nous voulions revenir à l'essentiel : nous voulions simplement créer une aventure amusante. Nous essayons de donner beaucoup de liberté au joueur sans qu'il se sente perdu. » a déclaré Takahashi.
Disposant d’un système de combat en temps réel, Xenoblade Chronicles se distingue par la mécanique des visions du futur de Shulk qui sont intégrées au combat. Maniant son arme la monado, Shulk, le personnage principal peut voit les attaques avant qu'elles ne se produisent, ce qui donne aux joueurs la possibilité de modifier l'avenir en les évitant. Takahashi a également envisagé un système de combat au tour par tour, mais cette approche n’a pas été concluante.
« Je me suis dit qu'il serait plus intéressant d'intégrer la capacité de voir l'avenir dans le jeu en utilisant un système de combat en temps réel. J'ai testé un système au tour par tour qui incluait cette capacité, mais cela n'a pas très bien fonctionné. »
L’exploration dans ces environnements vastes est un aspect que Takahashi estimait fondamental, il explique :
« Je voulais faire en sorte que même si vous alliez à l'extrémité de la carte, vous ne la trouviez pas vide. Je voulais m'assurer que, où que vous alliez, quelque chose vous y attendrait, que ce soit quelque chose que vous recherchiez, une quête ou un monstre redoutable. À certains endroits, je voulais également créer des coins isolés où les joueurs se diraient : « Waouh, il y a des endroits aussi magnifiques que ça dans ce monde ! »
La composition de la musique s’entoure de Manami Kiyota, du groupe ACE+ composé de Tomori Kudo, Hiroyo, ChiCO, Yamanaka, et Kenji Hiramatsu qui est dirigée par la talentueuse Yoko Shimomura. La chanson de fin du jeu « Beyond the Sky » a été écrite par Yasunori Mitsuda et chantée en anglais par la chanteuse australienne Sarah Àlainn.
Tandis que Xenoblade Chronicles 3D sortait sur Nintendo 3DS, un certain Xenoblade Chronicles X arrive en 2015 sur Wii U. Monolith Soft cherchait à créer un vaste monde ouvert explorable à bord d'un mécha contrôlé par le joueur. Offrant une large personnalisation, et une exploration sans limite grâce au mécha permettant de se déplacer de différentes manières, le titre reste une proposition solide qui tient toutes ces promesses.
Le développement de Xenoblade Chronicles 2 a commencé en juillet 2014, se concentrant davantage sur son récit, contrairement à Chronicles X qui privilégiait l'exploration.
Selon Takahashi, l’histoire principale de ce jeu évoque celle d’un roman raconté à la première personne. L'histoire est racontée du point de vue de Rex, le protagoniste, et initialement, la trame narrative était riche en conflits qui mettait en scène divers personnages.
La conception des personnages est assurée par Masatsugu Saito, il a notamment conçu les personnages de manière à mettre leurs yeux en valeur, les protagonistes avaient dorénavant un style plus expressif, proche de celui des animes.
Masatsugu Saito « Grâce à cette technique, toute une panoplie d'émotions peuvent être exprimées dans les scènes cinématiques, et les expressions des personnages sont ainsi plus marquées, même lorsqu'on les aperçoit de loin. J'ai également doté les personnages de couleurs bien distinctives de manière à ce qu'on puisse facilement les identifier lorsqu'ils se trouvent par exemple au fond d'un décor très détaillé. Ainsi, Rex est bleu, tandis que Pyra est rouge, etc.»
Portant une combinaison de plongée qui date de l'époque où il était sauveteur à la mer de nuages, Rex à cette différence de taille par rapport aux autres protagonistes, Masatsugu Saito a voulu mettre l'accent sur la taille de ses bras et de ses jambes afin de rendre ses mouvements plus fluide en combat. Le personnage de Pyra a été imaginé « comme une flamme dont le cœur brûle avec passion » et le design de Nia met en avant son côté décontracté, sa petite taille fait ressortir la fluidité de ses mouvements.
La bande son du jeu a été composée par Yasunori Mitsuda, Kenji Hiramatsu, Manami Kiyota et le duo ACE (Tomori Kudo et Hiroyo Yamanaka). Mitsuda a occupé la fonction de compositeur, de coordinateur, de producteur et de directeur du son.
Yasunori Mitsuda « J'ai été particulièrement méticuleux dans le choix des musiciens, et je me suis efforcé d'être aussi efficace que possible lors des sessions d'enregistrement. Il convient de préciser que des musiciens du monde entier ont été impliqués dans ce projet, comme une chorale de Slovaquie, un orchestre du Japon, des paroles chantées par Jen Bird venue d'Angleterre et pour finir, le groupe de choristes irlandais ANÚNA. »
Xenoblade Chronicles 3 est l’aboutissement des thèmes de la trilogie, les premières concepts pour l'intrigue ont émergé avant que le développement de Chronicles 2 ne commence.
L'épée Mechonis qui figure sur la couverture de Xenoblade Chronicles transperçant le Titan d'Uraya sur la couverture de Xenoblade Chronicles 2 sont à l'origine de Xenoblade Chronicles 3 et de son visuel clé, ce troisième opus établit un lien entre les mondes du premier et second titre de la série. Chronicles 3 relate l'histoire de six jeunes soldats, venus de deux nations en conflit, dans le monde d'Aionios un lieu ou le combat fait rage.
Le joueur contrôle Noah, un des six protagonistes qui endosse le rôle de « passeur d'âmes » chargé de guider les soldats ayant perdu la vie sur le champ de bataille. Plusieurs essais ont été nécessaires pour concevoir son design, les ébauches et dessins de Masatsugu Saito qui était de retour à la création des personnages ne semblaient pas correspondre à la vision de Takahashi qui voulait un personnage ressemblant plus à un philosophe ou un poète, il n'avait pas envie qu'il soit perçue comme un personnage manquant de détermination. Afin de donner une impression de maturité, Saito a conçu les autres personnages avec des proportions plus grandes.
Pendant qu’il écrivait la musique, Yasunori Mitsuda le compositeur de la bande son a suggérer de fabriquer des flûtes traversière (un instrument de musique japonais traditionnel en bambou shinobue) par un artisan spécialisé afin de « créer un son qui n'a jamais été entendu auparavant ». Ces flûtes ont été utilisées pendant l’enregistrement et ont grandement contribué à la création des thèmes des personnages.
Xenoblade Chronicles 3 est sorti en 2022, suivit d’une extension l’année suivante, on espère que Monolith Soft n’en a pas encore fini avec cette licence, que le studio décide de lancer une nouvelle franchise de JRPG ou non, on peut s'attendre à ce que le résultat soit de qualité, compte tenu du talent et de l'expertise de Monolith Soft.
Après l'énorme succès de Final Fantasy VII, Squaresoft a décidé que Final Fantasy serait désormais sa priorité. Takahashi, lui, souhaitait travailler sur quelque chose de nouveau après la sortie de Xenogears, et suite a des désaccords il a quitté Square pour fonder Monolith Soft en 1999 avec Hirohide Sugiura et Yasuyuki Honne.
Aidés par une vingtaine de vétérans de l’équipe de Xenogears,
Xenosaga a été conçu en 1999 comme une série de plusieurs épisodes, financé par Namco qui a notamment fournie la technologie de capture de mouvement et dirigé par Takahashi, le développement du premier jeu à débuté en 2000 sous le nom de code « Project X », et s’est s’étaler sur deux ans avec une équipe composée de 60 à 100 personnes.
Xenosaga est une nouvelle interprétation des thèmes et des ambitions de Xenogears, entièrement en 3d grâce a la Playstation 2, son histoire était prévu à l’origine en trois parties repartit sur six jeux, le scénario du première épisode a été coécrit par Takahashi et son épouse Kaori Tanaka (Soraya Saga) qui met en avant KOS-MOS et Chaos deux personnages qui tirent leur nom des concepts philosophiques d'ordre et de chaos. En plus de l’influence des œuvres et des concepts de Nietzsche, notamment sur les titres des trois épisodes de la trilogie, les références bibliques ont aussi servi d’inspiration pour créer le jeu.
L'intrigue de Xenosaga se concentre sur Shion Uzuki, un chef de projet assigné à la création de KOS-MOS, une androïde destiné à affronter une espèce extraterrestre nommée Gnosis. Shion et KOS-MOS, accompagnés de leurs alliés, prennent part à différents conflits dans la galaxie.
Kaori Tanaka, scénariste : « KOS-MOS est littéralement la fille spirituelle de Takahashi. Nous avons tendance à dépeindre les personnages humains comme des êtres dotés d'une forte volonté dans un corps fragile fait de chair et de sang. Nous voulions donc que KOS-MOS vienne compléter cette image en incarnant les fragments délicats d'une âme dans un corps indestructible. »
Durant la production, les équipes ont du faire face à de nombreuse complication, beaucoup d’employés étaient inexpérimentés face à l’ambition du titre. L'une des idées envisagées était d'explorer le monde du jeu avec des méchas, mais cela a dû être abandonné par la suite en raison de leur taille immense.
Une équipe plus jeune a pris en charge l'épisode II, sous la supervision de Takahashi. Ce dernier, avec son épouse, a créé un brouillon qui a été modifié par Norihiko Yonesaka, celui-ci a dû retirer et parfois supprimer certains éléments pour l’adapter sur un seul jeu car il était impossible pour Monolith Soft de produire cinq autres jeux de la même envergure afin de conclure l'histoire en six volets. À noter qu’une partie du récit a été transformée en intrigue pour Pied Piper co-développé par Monolith Soft, Namco Mobile et Tom Create.
Son gameplay profite de quelque ajustage, le style des personnages bénéficie d’un réalisme accru pour intensifier leur expressivité durant les cinématiques, contribuant ainsi à un rendu plus cinématographique.
Conçu pour clore la série Xenosaga, l'épisode III a vu son développement démarrer suite à l'épisode II, Takahashi a été responsable de la supervision du projet et de la création du brouillon, tandis que Yonesaka a de nouveau écrit le scénario. L’objectif était d'apporter une conclusion satisfaisante à l'intrigue de Xenosaga et à l’histoire de Shion, tout en laissant une porte ouverte sur d’autres épisodes. L'univers de Gundam et le film Starship Troopers ont eu une grande influence sur les designs des méchas ainsi que sur le nouveau design de KOS-MOS.
Yasunori Mitsuda, qui avait déjà composé la bande-son du jeu Xenogears, signe la musique du premier épisode. Pour l'épisode II, la bande originale a été réalisée par trois compositeurs différents : Yuki Kajiura qui a travaillé sur les morceaux joués pendant les cinématiques, Shinji Hosoe (Street Fighter EX, Ridge Racer) et Ayako Saso (Galaxian) ont collaboré ensemble sur quelques musiques de gameplay. Par la suite Kajiura a repris du service pour réaliser l'intégralité de la musique de l'Episode III, en s'inspirant des concepts visuels et du scénario du jeu.
Yuki Kajiura, compositrice : « Ils m'ont demandé d'imprégner cette vision du monde de ma propre musique. C'était la première fois que je travaillais de manière intensive à la création d'un monde fictif situé dans l'espace, donc j'avais en tête de créer une atmosphère d'« espace ouvert ». Cela ne signifie pas que tout le jeu se déroule dans l'espace, mais quand j'ai vu les parties se déroulant dans l'espace, je me suis dit « ce n'est que de l'espace, à perte de vue dans toutes les directions », et j'ai pensé que je devais essayer de transmettre cela avec le son... Le simple fait d'avoir cette aspiration a suffi pour que tout se passe bien. »
Malgré le fait que la série n'ait jamais dépassé trois épisodes, son héritage perdure de manière indirecte à travers la saga des Xenoblade Chronicles.
Sous le nom temporaire « Project Noah », Xenogears a été créé par Hiromichi Tanaka, qui avait auparavant collaboré à la réalisation de Secret of Mana sur la SNES, aidé par Tetsuo Mizuno, Tomoyuki Takechi et Hironobu Sakaguchi, les créateur des Final Fantasy, qui étaient les producteurs exécutifs du titre.
Son concept est imaginé à la base par Takahashi et Tanaka pour le jeu Final Fantasy VII, mais leur supérieur hiérarchique chez Square l'a jugé « trop sombre et trop compliqué », mais Takahashi a été autorisé à le développer comme un projet a part. L'idée était de faire de Xenogears une suite de Chrono Trigger, mais après de multiples conflits à ce sujet, il a été décidé d'en faire un titre entièrement original en incorporant à la fois du fantastique et de la science-fiction. L’univers du jeu est lui-même influencé par les œuvres et les philosophies de Friedrich Nietzsche, Sigmund Freud et Carl Jung.
Kaori Tanaka (Soraya Saga) scénariste « Tetsuya Takahashi et moi-même l'avons initialement soumis comme idée de scénario pour Final Fantasy VII. On nous a dit qu'il était trop sombre et trop compliqué pour un jeu fantastique, mais le patron a eu la gentillesse de donner à Takahashi une chance de lancer un nouveau projet. Takahashi et moi avons alors rédigé le scénario complet, qui contenait les dialogues des cinématiques dans leur forme définitive, et c'est ainsi que le projet a vu le jour.
Les œuvres de Nietzsche, Freud et Jung faisaient partie des centres d'intérêt que je partageais avec Takahashi. Xenogears est essentiellement une histoire qui traite des questions « d'où venons-nous, qui sommes-nous, où allons-nous ». À cet égard, nous avons été très inspirés par ces concepts. »
Le mot « Xeno » avait été choisi dès le départ par l'équipe, signifiant « quelque chose d'étrange » et parmi les suggestions le mot « Gears » a été retenu formant le titre Xenogears. Pendant son développement qui a duré deux ans avec une équipe composé d’une trentaine de développeurs, Takahashi voulait créer un jeu totalement en 3D, mais les restrictions de la PlayStation rendaient cela impossible, ce qui a conduit à un mélange de sprites 2D avec des arrière-plans en 3D. Il était également question de recourir à des images de synthèse 3D pour les cinématiques, mais la transposition des illustrations des Gears de Tanaka présentait des difficultés. Finalement, l'équipe a choisi de réaliser des cinématiques animées adapté au moteur graphique.
L'intrigue met en lumière Fei Fong Wong, qui souffre d'amnésie et qui ne se souvient de rien des trois dernières années, notamment les événements entourant son arrivée. Il réside dans le paisible village de Lahan, mais cette sérénité ne sera que d’une courte durée. Lors d'une attaque, Fei pilote un Gear vide (ressemblant à un Mecha) où il en perd vite le contrôle en combattant l'ennemi, détruisant ainsi accidentellement le village. Après cet incident, il est chassé par les survivants et croise le chemin d'une jeune femme prénommée Elly Van Houten, qui est la responsable de l'attaque du village.
Le système de combat appelé Active Time Battle enrichit les affrontements au tour par tour en intégrant des éléments d'arts martiaux tout en se diversifiant grâce au Gear. Par ailleurs, ces musiques sont inspirées de la musique irlandaise et celtique et ont été composées et produites par Yasunori Mitsuda.
Sortit en 1998, l’équipe n'était pas en mesure de mettre l'intégralité du jeu sur un seul disque par manque de temps, et au lieu de terminer avec un cliffhanger, Takahashi a donc suggérer de mettre le plus d’éléments narratifs sur le deuxième disque pour permettre aux développeurs de terminer le jeu dans les délais et ainsi de proposer une histoire complète.
Développé par Media Vision, connue pour leurs jeux de tir comme Crime Crackers et Rapid Reload, Wild Arms est conçu par Akifumi Kaneko et Takashi Fukushima, le titre était une demande de Sony qui avait chargé le studio de créer un jeu qui mettrait en valeur les capacités 3D de la première PlayStation. Wild Arms a été conçu pour offrir une expérience de JRPG classique, intégrant un univers du Far West fortement influencé par des environnements à la fois fantastique et contemporain dans le but d’attirer les joueurs vers un concept qui leur semble familier, le jeu s’inspire aussi énormément du manga Trigun, Kaneko et Fukushima de Yasuhiro Nightow , de la mythologie nordique, en passant par la mythologie japonaise.
Cet RPG se compose principalement d’un environnement en 2D avec des scènes de combats en 3D au tour par tour, Wild Arms se passe dans le lieux fictif Filgaia, une planète désertique en déclin qui offre une ambiance western unique en son genre.
Filgaia, cette même planète ravagée par une apocalypse, est le cadre de cette histoire et de la série, il y a mille ans, une guerre opposant les gardiens aux démons de métal a causé une destruction massive, le joueur à le choix entre trois personnages, Rudy, Jack et Cecilia, qui sont des « chasseurs de rêve » en quête d’aventure.
Ces musiques, composées par la talentueuse Michiko Naruke sont d'une qualité exceptionnelle, même encore aujourd’hui.
Wild Arms 2 intègre les mêmes éléments que son prédécesseur, et offre toujours une atmosphère western tout en incorporant des technologies modernes et futuristes. Le titre combine un gameplay RPG classique avec des donjons et des énigmes à résoudre à la manière d’un Zelda en plus de passer à six personnages jouables.
La série continue avec Wild Arms 3 sur Playstation 2, ou l’intrigue prend place dans une ambiance Western encore plus poussée entourée d’environnements désertique. Nous suivons Virginia Maxwell, une jeune de 18 ans, qui se retrouve malgré elle mêlée à cette intrigue, elle rencontre par la suite Jet Enduro, Gallows Caradine et Clive Winslet, ces futurs compagnons d’aventure. Bien que le jeu ne compte qu'un seul héros principal, les trois autres sont tout aussi important et ont chacun leur propre histoire.
Durant sa conception, le studio Media Vision a utilisé un style en cel-shading légèrement différent des autres jeux du genre :
« Nous appliquons un ombrage tonique, qui est un terme général, et dessinons les contours des personnages pour leur donner un aspect animé. Il y a également des lignes diagonales sur la partie ombrée qui changent en fonction de la direction de la lumière, ce qui nous permet d'ajouter de la texture et de créer une sensation de chaleur aux graphismes, comme dans une illustration.
C'est pourquoi nous appelons cela « stroke shading » (ombrage au trait). La Playstation 2 nous a permis d'y parvenir plus facilement » explique Kentaro Motomura, assistant producteur.
Son gameplay propose également un nouveau système de combat avec quelques nouveautés en plus.
Sorti sur PlayStation 2, Wild Arms 4 met en avant une approche centrée sur l'action, avec des décors qui donne la possibilité de courir, sauter, et passer des obstacles. Son système de combat diffère des autres opus grâce à son « système hexagonal », les zones de combat se présentent désormais sous la forme de sept hexagones identiques, permettant aux personnages de se déplacer à chaque tour.
Dans Wild Arms 4, on suit le parcours de Jude, un jeune garçon né après la fin de la guerre, il a grandi dans un refuge, sans rien savoir de la guerre ni du monde extérieur. Plus tard, au cours de ses aventures, il apprend que le monde extérieur a été complètement détruit. Propriétaire malgré lui d'une ARM développée en secret, il est rejoint par ses compagnons Yulie, Arnaud et Raquel.
Wild Arms 5 est le dernier titre de la série, sortit sur Playstation 2, il reprend notamment le système de combat du quatrième opus avec quelques améliorations. L’histoire met en avant le personnage de Dean, un adolescent de 16 ans qui vit dans le village de Capo Bronco. En collectant des technologies perdues, avec son amie Rebecca, ils trouvent ensemble une mystérieuse jeune femme amnésique nommée Avril, le duo accepte d'aider Avril dans sa quête pour retrouver la mémoire.
Bien que la série ait bénéficié d'une version améliorée du premier opus (Wild Arms Alter Code: F) ainsi que d'un autre jeu sur PSP (Wild Arms XF) et d'un jeu mobile, la franchise dort depuis trop longtemps. On espère que son successeur spirituel Armed Fantasia produit par Akifumi Kaneko et d’autres vétéran de la série permettra peut-être à la licence de se réveiller un peu. (enfin si sa sort un jour, l’espoir fait vivre.)
Responsable de la série .hack, CyberConnect a été fondé en 1996 à Fukuoka au Japon, étroitement lié à Bandai Namco et connu pour son travail sur la franchise Naruto, Jojo et d’autres, le studio a été rebaptisée CyberConnect2 en 2001.
Le premier Naruto Storm présente des graphismes en cel-shading qui « brisent la barrière entre l'anime et le jeu vidéo », et selon Hiroshi Matsuyama, l'un des créateurs du jeu, l'équipe souhaitait essayer de supprimer la frontière entre l'anime et le gameplay réel. Bien que l'intrigue du jeu soit basée sur la première partie de l’animé et du manga, les développeurs ont sélectionné des éléments clé de cette intrigue, tissant ainsi une narration qui s’étend jusqu’au 135e épisode.
Storm 2 va aller plus loin dans cette transposition de sorte que « le joueur ait l'impression de jouer à l'anime ». Sous la supervision de l’auteur Masashi Kishimoto, toutes les séquences animées ont d'abord été conçues à l'aide de story-board, puis les éléments de gameplay ont été développés avant d'intégrer les aspects visuels et sonores.
Profitant d’un gameplay plus affûté, Ninja Storm 3 offre un solo encore plus travaillé et une mise en scène plus épatante. Le gameplay d'Asura's Wrath, ainsi que les réponses des fans sur le forum du studio, ont énormément contribué à la conception et à l'amélioration de son système de combat, le système Ultimate Decision vient rajouter un changement dans le déroulement des combats en fonction du choix du joueur.
À l'origine, Storm 4 devait être un jeu à destination de la PlayStation 3, mais finalement, son développement a été fait sur Playstation 4. Hiroshi Matsuyama, le PDG de CyberConnect2, a élaboré le scénario initial sur une période de huit mois, qui débute par l'affrontement entre Hashirama Senju et Madara Uchiha, quatorze mois ont été nécessaire pour développé chaque personnage. Le manga étant terminé au moment où le développement du jeu a commencé, Storm 4 propose des combats de boss avec des graphismes surpassant ceux des opus précédents, certaines techniques et personnages, absents du manga, ont été créées pour satisfaire les fans.
La Wolf Team, fondée en 1986 par Telenet Japan, est un studio indépendant qui a donné naissance à la série des Tales of, le premier opus basé sur un roman japonais inédit intitulé Tale Phantasia, s'inspire principalement de la mythologie nordique, avec des éléments influencés par les œuvres de Michael Moorcock et H. P. Lovecraft. L’histoire met en avant Cless Alvein, un jeune épéiste de dix-sept ans qui réside dans le petit village de Totus. Cless et son ami Chester partent pour chasser dans les bois au sud de leur village. À leur retour, ils découvrent qu'une grande tragédie s'est abattue sur leur village, cet événement marque le début d'une grande aventure.
Le studio a approché Namco pour éditer le jeu et ce dernier a accepté, mais a insisté pour des changements y compris sur son titre, ce qui a provoqué des tensions internes, certains développeurs ont quitter Wolf Team pour créer le studio Tri-Ace qui sera en charge de la série Star Ocean.
Le studio Wolf Team a maintenu son indépendance jusqu'en 2003, année où il a été acquis par Bandai Namco et renommé en Namco Tales Studio.
Second de la série, Tales of Destiny, présente des personnages conçus par l'artiste Mutsumi Inomata, avec des cinématiques animées produites par le studio japonais Production I.G. Un remake est sortit sur Ps2 contenant plusieurs nouveautés, notamment des environnements en trois dimensions, et des sprites de personnages améliorés.
Sa musique a été composée par Motoi Sakuraba et Shinji Tamura, qui avaient déjà collaboré ensemble pour la bande originale de Tales of Phantasia.
Après Tales of Eternia, l'équipe de développement s'est interrogée sur la prochaine étape à suivre, comme l'univers de Destiny est riche et offre de nombreuses possibilités narratives pour introduire une nouvelle génération de personnages, la décision de créer une suite a été prise.
Tales of Destiny 2 s’annonce et met en avant une intrigue qui se situe 18 ans après les événements de Destiny, et qui a été écrite par la société japonaise Gekko. L'équipe de développement souhaitait créer le « RPG 2D ultime » , et a notamment utilisé les illustrations d'Inomata pour les transformer en images sprite 2D.
« Dès la fin du développement de « TOD », il était question de créer une suite, et cette fois-ci, plusieurs options s'offraient à nous : une « toute nouvelle série Tales of », une suite à « TOD » ou une suite à « TOE (Tales of Eternia) ». Nous avons donc choisi TOD2, car TOD a une chronologie claire et qu'en l'étoffant, nous pouvions créer une histoire encore plus dramatique. C'est la raison principale. Cela nous permettait d'aborder des thèmes ambitieux tels que « Qu'est-ce que le destin ? » et « Qu'est-ce que le bonheur humain ? ». Bien sûr, il n'y a pas de réponse claire à ces questions, mais cela permet aux joueurs de réfléchir à ces sujets. J'ai pensé que cela rendrait l'histoire de TOD2 plus intéressante. »
La série continue avec Tales of Symphonia qui est le premier jeu en 3d de la franchise, son scénario est sous la supervision de Takumi Miyajima qui explore les liens qui unissent les parents à leurs enfants, une histoire de "pardon" et de "renaissance" inspirée par les romans de Shōtarō Ikenami. L’objectif du directeur Yoshito Higuchi était de concevoir un jeu fidèle à la série tout en restant agréable à jouer.
Pendant le développement de Tales of Destiny 2 et Tales of Symphonia, un autre épisode inédit sort de l’ombre pour une sortie en 2005 sur Playstation 2, Tales of Legendia met davantage l’accent sur son système de combat nommé X-LiMBS (Crossover Linear Motion Battle System) qui combine les aspects traditionnels de la franchise avec un effet d'action que l'on retrouve dans Tekken et Soul Calibur, ce qui n’était pas anodin puisque l’équipe en charge du projet était composé de membres qui a travaillé sur ces deux jeux de combat.
« La même technologie de mouvement des personnages que celle utilisée dans la série Soulcalibur a été intégrée afin de procurer des sensations fortes lorsque l'ennemi est touché. Mais ce n'est pas tout. Étant donné que les personnages réagissent instantanément aux commandes du joueur, nous avons non seulement utilisé la capture de mouvement automatisée, mais nous avons également eu besoin des données compilées par des membres expérimentés de l'équipe pour obtenir les mouvements puissants que nous recherchions. Je pense que Yosuke Kadowaki, responsable des superbes mouvements de Soulcalibur 2, a fait un excellent travail. » explique Jun Toyoda, le producteur de cet épisode.
Aux côtés de Senel et Shirley, les protagonistes de Tales of Legendia, la conception des personnages est assurée par l'illustrateur et animateur Kazuto Nakazawa (séquence animée du film Kill Bill de Quentin Tarantino, El Hasard, Samurai Champloo, Lupin III et pleins d’autres)
Annoncé dans le Weekly Shōnen Jump pour une sortie en 2005, Tales of Abyss a été supervisé par Yoshito Higuchi (Tales of Symphonia) L’une des nouveautés majeure d'Abyss était le Free Run, qui permettait aux membres du groupe de se déplacer librement sur le champ de bataille.
« Nous avions en fait essayé d'implémenter le Free Run dans Symphonia », explique Higuchi. « Les ennemis ont cette capacité dans Symphonia, et vers la fin du développement, nous avons demandé aux programmeurs de le tester également pour les personnages. Le problème, c'est que l'IA ennemie n'était pas du tout adaptée à cette nouvelle capacité des joueurs : cela rendait les combats trop faciles à gagner, nous avons donc dû abandonner cette fonctionnalité pour ce titre. Abyss a été conçu dès le départ pour permettre aux membres du groupe et aux ennemis de se déplacer librement sur le terrain. »
Le FOF (Field of Fonons) était aussi une autre nouveauté qui permettait d'améliorer les attaques en utilisant des compétences élémentaires sur certaines zones du champ de bataille.
« Au début, l'effet FOF n'était pas aussi précis et il fallait réfléchir de manière très stratégique pour le faire fonctionner. Cela a ensuite évolué pour devenir ce qu'il est aujourd'hui, où vous pouvez le déclencher même si vous n'y prêtez pas particulièrement attention. Certains membres de l'équipe craignaient que cela ne fasse perdre de la profondeur au système de combat, mais après l'avoir essayé, nous avons tous décidé que le rendre plus fréquent était beaucoup plus amusant. »
Après la sortie de Tales of the World: Radiant Mythology sur PSP, 2008 est marqué par l’arrivé de Tales of Symphonia: Dawn of the New World, l’équipe de développement a décidé de revenir sur l’un des épisodes les plus populaire en imaginant un jeu de gestion des monstres, son système de combat est similaire à Tales of the Abyss.
La même année, sors un certain Tales of Vesparia sur Playstation 3 et Xbox 360, l'équipe se divisait entre un style en cel-shading et une approche réaliste, finalement, elle a continué en cell-shading. Les cinématiques animées par le studio Production I.G ont été d’une durée plus conséquente par rapport aux titres précédents, au delà d’un temps de chargement plus réduit entre les zones, son système de combat est une version améliorée de Tales of Abyss, et rajoute entre autre un système de coups de grâce qui remplace le contrôle des éléments.
« Vesperia vient du mot Vesper, qui signifie l'étoile du soir, Vénus, une étoile brillante dans le ciel. Nous voulons que la présence du personnage principal dans ce monde soit comme Vesper, non seulement lui, mais aussi ses compagnons. Au cours de l'histoire, ils forment une guilde. Ce monde compte un grand nombre de guildes, et ils se déclarent simplement comme l'une d'entre elles. Ils décident de donner à leur guilde le nom de l'étoile du soir qui brille dans le ciel nocturne » explique Yoshito Higuchi le producteur.
Depuis la sortie de Tales of Phantasia en 1995, la série se décline sur de nombreux épisodes, spin-offs, adaptation manga et animé. Après les Tales of Xillia, Xillia 2, Zestiria, et Berseria, Bandai Namco allait concevoir un nouvel opus pour attirer de nouveaux joueurs sans pour antan perdre les fans de la série. Pour ce faire Bandai à déployer une équipe composée de vétérans et de nouveau venue pour concevoir Tales of Arise dont l’histoire suit Alphen et Shionne, deux personnages qui sont nées dans des mondes très différents, et qui cherchent à changer leur destin. Le développement a pris 5 ans et a engagé plus de 100 collaborateurs dans la conception du jeu qui a commencé peu de temps après Tales of Berseria.
Yusuke Tomizawa, producteur « Notre objectif était de présenter la série à un nouveau public, sans perdre la magie qui rendait ces jeux si uniques. Pour ce faire, nous avons d'abord décidé de conserver le style visuel cel-shading et les graphismes inspirés des mangas. Nous avons ensuite associé ces éléments à un nouveau thème : l'héritage et l'évolution. »
Le style du jeu à été longuement réfléchi et conserve cette identité de la franchise tout en attirant les fans de rpg, un choix judicieux pour faire évoluer la série mais aussi pour séduire le marché occidental.
La plume se posa sur la page « Arise » pour l’instant, mais Bandai l’utilisera peut-être de nouveau pour écrire un nouveau chapitre de la série.
TALES OF 30e anniversaire - Entretien avec Kosuke Fujishima, character designer
Comment votre vision artistique pour la série Tales a-t-elle évolué au fil des décennies ?
Quand j'ai commencé, je faisais des designs simples pour éviter la surcharge graphique. Néanmoins, avec les avancées récentes aussi bien en termes de performances matérielles que logicielles, j'ai l'impression que mes designs ont gagné en complexité et en richesse.
Qu'est-ce qui fait la spécificité du style de la série Tales ?
J'essaie d'imaginer une période temporelle bien antérieure à notre époque actuelle, donc j'évite les technologies qui n'auraient pas existé dans le monde réel à cette époque, comme les fermetures éclair, par exemple. Je prends aussi soin de donner aux personnages un design qui ne devrait pas leur poser de gros problèmes pour voyager.
Comment avez-vous construit cette identité visuelle avec les autres designers, au fil des années ?
Bandai Namco me transmet toujours une ligne directrice, que j’essaie de ne pas perdre de vue. Néanmoins, si je ne laisse pas mes propres idées s'épanouir, mon travail commence à ne plus avoir le moindre sens pour moi. Il faut trouver l'équilibre entre les deux, ce qui n'est pas évident.
Quel est le personnage que vous avez préféré dessiner ?
Tous les personnages m'ont plu, mais Estelle m'a particulièrement marqué. Elle était censée avoir les cheveux longs, mais l'image a été mal comprise, donc elle s'est retrouvée avec des cheveux courts. Aussi, lors de l'animation finale, j'ai trouvé que la façon dont sa jupe tourbillonnait était magnifique et mémorable.
Cress revêt également une grande importance pour moi, car il s’agit du premier personnage que j'ai imaginé pour la série Tales et il a fini par devenir un personnage central dans la définition de la direction générale de la série.
Quel personnage de Tales possède le design auquel vous êtes le plus attaché ?
Je suis particulièrement attaché au design de Yuri. J'ai fait en sorte d'incorporer des éléments japonais dans son design et je lui ai créé une silhouette fine qui n'avait rien à voir avec mes travaux précédents.
Quel est votre processus créatif, lorsque vous dessinez les membres du groupe ?
Ce qui me facilite la tâche tout en la rendant plus complexe, c'est d'avoir une esthétique unie dès le début.
Suivez cette esthétique avec trop d'attention, et tous les personnages auront l'air de venir du même monde, mais ils perdront leur singularité.
Lorsqu'on m'indique les particularités régionales du monde où se déroule le jeu, j'ajoute des éléments culturels différents dans les designs en fonction de ce qui colle à ma vision des personnages. J'aime bien imaginer le genre de vie qu'ils ont vécue.
Kena: Bridge of Spirits a été développé par Ember Lab, un studio indépendant basé à Los Angeles et fondé en 2009 par Mike et Josh Grier. Le studio a travaillé sur plusieurs publicités et a notamment été responsable du court-métrage de The Legend of Zelda: Majora's Mask Terrible Fate.
« Nous avons fondé le studio dans le but de créer des contenus immersifs à travers des personnages captivants et des univers cinématographiques. La révélation de Kena: Bridge of Spirits représente un grand pas vers la concrétisation de cette vision. »
Lorsque les frères Mike et Josh Grier ont commencé à développer des idées pour l'histoire de Kena, ils pensaient que cela aboutirait à une série animée ou à un film, mais après avoir créé les Rot, ils ont réalisé qu'un jeu vidéo serait plus approprié, car ces créatures établissaient un lien direct entre le gameplay et son récit.
« Nous voulions pouvoir partir à l'aventure avec les Rot et explorer le monde avec eux. Les Rot ont fini par être l'élément crucial qui nous a aidés à relier le gameplay et l'histoire »
Mike a utilisé son savoir faire en programmation pour développer un prototype pendant plusieurs années avant de recruter d’autres développeurs possédant davantage d'expérience, les premiers essais du prototype créer en 2016 à l’aide du moteur Unity mettait en avant les Rot en tant qu'antagonistes qui poursuivaient le joueur en meute, une idée qui a finalement servi à construire le gameplay. Le prototype est passé à l’Unreal Engine 4 pour un développement essentiellement sur Playstation 4, et malgré de gros problèmes d’optimisation sur cette dernière, le passage à la Playstation 5 a été plus « agréable » en partit grâce à sa puissance.
« Dans les prototypes originaux, ils étaient comme des ennemis qui vous attaquaient en groupe et tout le jeu consistait simplement à leur échapper. Puis, à un certain moment du développement, nous avons changé d'approche : et si nous pouvions les utiliser pour combattre les ennemis ? Une fois ce changement opéré, tout s'est mis en place dans l'histoire et dans la manière dont nous allions utiliser les personnages dans le monde – tout s'est en quelque sorte mis en place. »
Au départ, lors de la création du personnage de Kena, elle avait environ sept ou huit ans, mais il a été jugé que le récit et ses thématiques exigeaient une héroïne plus âgée et plus expérimentée. À l’origine, elle était dépourvue de pouvoir et se reposait principalement sur les Rot , mais après avoir exploré d'autres concepts, l'équipe a rendu Kena forte par ses propres efforts, mais elle devient encore plus puissante lorsqu'elle collabore avec les Rot.
« Elle faisait partie du prototype suivant, qui développait son histoire et expliquait ce qui la rendait unique et pourquoi les Rot lui faisaient confiance et s'attachaient à elle. Cela a joué un rôle important dans son développement, son apparence et les capacités que nous voulions lui donner »
« À mesure que nous développions l'histoire et les thèmes, nous avons compris que nous voulions qu'elle soit un guide spirituel aidant ces esprits à passer dans l'au-delà, et qu'elle avait besoin d'un peu plus d'expérience pour cela. Elle reste une jeune guide spirituelle, mais il ne semblait pas approprié qu'elle soit une enfant essayant de comprendre ces thèmes plus sombres et plus adultes. »
Ember Lab fit appel à Vic Kun, son concepteur de personnage principal qui a élaboré l’apparence de Kena, un design qui s'intègre bien dans cet univers tout ayant un personnage qui se démarque.
Il était question d’une longue cape pour Kena, mais son animation a été jugée trop distrayante et par la suite, elle fut remplacée par un châle. Les détails de son costume offrent plusieurs éléments artisanaux, de plus, l'équipe a ajouté des éléments aux symboles dans le but de créer une culture originale pour le jeu.
« L'idée principale du design de son costume est l'asymétrie dans chaque détail et l'ajout d'un élément artisanal », explique Kun. Nous avons essayé de donner à ses vêtements un aspect artisanal, pratique et fonctionnel. Nous nous sommes inspirés des cultures japonaise et sud-asiatique pour concevoir nos symboles », précise Kun.
Le modèle 3D initial de Kena a été élaboré par Rodrigo Gonçalves, qui a perfectionné le rendu en temps réel en se concentrant sur des éléments comme les cheveux du personnage. Une approche similaire a été adoptée pour les vêtements et le bâton de Kena, pour mettre en avant la tradition et la dévotion associées au personnage.
« Pour les cheveux, nous avons finalement trouvé un compromis entre la géométrie solide, qui donne des formes très nettes et capte bien la lumière, et les plans alpha, qui permettent de distinguer chaque mèche de cheveux en ajoutant des variations et des défauts. Nous avons accordé tout autant d’attention aux vêtements en créant différentes textures de tissu et même des marques d’usure. » explique Hunter Schmidt, directeur de l'animation chez Ember Lab.
Souhaitant créer une expérience riche et courte, son univers fictif et enchanteur s'inspire de plusieurs lieux comme le Japon et le Bali. En octobre 2017, Ember Lab a signé un accord d'exclusivité avec Sony Interactive Entertainment qui apportait son aide pour le financement et le marketing du jeu, agrandissant par la même occasion le studio qui compte désormais 15 personnes.
Sa merveilleuse bande son est le résultat d’une collaboration entre le compositeur Jason Gallaty et le groupe Gamelan Çudamani qui reprennent la musique des musiciens traditionnels balinais.
Dewi Larassanti, qui prête sa voix au personnage de Kena, a participé au projet, ses parents étant les fondateurs du même groupe balinais, Gamelan Çudamani, elle a réalisé que les thèmes présents dans le jeu faisaient écho à ses expériences vécues à Bali, et a utilisé son savoir sur la culture balinaise, hérité de son père, pour interpréter Kena.
La conception de la série Ni no Kuni est le fruit d'une collaboration entre Level-5 et le Studio Ghibli. L’un travaillait sur le gameplay (Level 5) l’autre sur les designs des personnages et les animations (Studio Ghibli), bien que Hayao Miyazaki ne fût pas particulièrement enthousiaste à l'idée de travailler sur un jeu vidéo, il a été convaincu de s'engager dans le projet grâce à sa confiance en Akihiro Hino, le président de Level-5.
Développée sur Playstation 3, l'histoire du jeu suit les péripéties d'Oliver, un jeune garçon résolu à retrouver sa mère en parcourant un univers parallèle.
Initialement, le protagoniste Oliver était une souris, mais après plusieurs changements, c'est l'apparence d'un jeune garçon qui a été retenue. Par ailleurs, le Studio Ghibli a produit plus de 1000 croquis et illustrations préparatoires pour les personnages, les décors et les créatures du jeu et sa bande son à été composée par Joe Hisaishi (Nausicaä) pour obtenir une ambiance unique à ce titre.
Le développement du jeu n’a pas été de tout repos, en plus des difficultés d’optimisation, Momose-san,l'un des membres de l'équipe, a tragiquement perdu la vie dans un accident de voiture, cela n'a pas empêché l'équipe de continuer à travailler en son honneur, en hommage à son dévouement pour ce projet.
Suite au premier opus, Ni no Kuni II: L'Avènement d'un nouveau royaume sortit en 2018 est toujours développé par le studio Level-5 en collaboration avec le studio Ghibli. D’ailleurs, le personnage de Roland a été conçu pour offrir aux joueurs plus âgés une meilleure immersion dans cette nouvelle histoire.
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