Gamekyo : Blog : anakaris

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Test complet

Bon ok, un peu en retard, merci les fournisseurs qui font passé avant des sites de sac à foutre comme Jeuxvideo.com ou des branleurs de Youtubeurs... (oué, je balance ce soir, rien à faire)

Me voilà à l’article de la mort, en cette nuit froide. Vieux, faible, peu fier et avec l’horrible sentiment de ne pas avoir accomplit tout ce qu’il aurait fallut au cour de mon existence. Cette sensation ne ressemble en rien à ce que les légendes urbaines et les contes pour enfants veulent bien nous faire croire. Il n’y a pas de lumière douce et apaisante dans un long couloir, il n’y a que l’obscurité, la vue qui se brouille, la peur, la douleur. Je perds la tête, la folie me guète tandis que mon corps ne m’obéit déjà plus. Nous ne sommes que si peu de chose en comparaison de l’infinie de l’univers. Et si il y a bien une chose que nul ne pourra arrêter, même Dieu, c’est le cycle éternel de la Vie et de la Mort. Mais soudain, alors que j’accordais mes dernières pensées lucides à ma chère et tendre, une ombre apparut. Le ciel déjà fort lourd de nuage ténébreux gorgés de pluie n’offrait que peu de chance aux timides lueurs de l’astre diurne et l’atmosphère se glaça à l’extrême. L’entité se mouvant lentement devant moi n’était autre que Death, l’un des 4 Cavaliers de l’Apocalypse. Son masque d’ivoire dénué d’émotion contrastait avec sa longue chevelure d’ébène, tandis qu’il portait sur son dos musculeux une faux si immense qu’on aurait dit un tronc de chêne séculaire tout entier. La créature maléfique, mais ô combien fascinante s’approcha pour venir me chercher.
- Je suis la Mort, ton heure est venue. Tout être ayant vécu sur cette terre a un dû à payer.
Il brandit son arme afin de m’ôter tout soupçon de vie.
- Attends ! Lui dis-je.
Sa lame se stoppa à quelques centimètres de mon cou, son geste d’une puissance surnaturelle avait soulevé une puissante bourrasque de vent et avait fait gronder le tonnerre au loin.
- Avant de m’emmener, raconte moi ton histoire.
- Si tel est ton souhait.
Me répondit-il d’une voix effrayante de gravité. Ses yeux perçant comme une lance de lave luisirent d’une aura démoniaque et je me senti partir, tomber dans un monde parallèle, impuissant et ne sachant trouver aucune prise pour me retenir. Death m’avait happé dans son univers afin de me montrer ce que jamais personne d’autre n’avait eu la chance de voir.

Graphismes: 7,5/10
Loin d’avoir coincé la bulle entre un café et une partie de ping-pong, les gens de chez Vigil Games ont réalisé un travail d’amont artistique formidable. Mené par le chef de fil et véritable génie dans le domaine, Joe Madureira, possédant par ailleurs une incroyable âme de visionnaire, le studio s’est clairement surpassé en ce qui concerne le travail de post-production graphique. Cependant, le bas blesse lorsque l’ont évoque la technique pure, là où les programmeurs et informaticiens prennent le relais. En découle des textures par toujours au top, des ralentissements intempestifs lors de grosses batailles, des bugs de collision, phénomène que l’ont croyait enrayer à jamais du jeu vidéo à gros budget, des jeux de lumières peu judicieux et un aliasing perceptible. Cependant, le choix des couleurs dans certain décors (encore un coup de la post-prod’ de toute façon) sauf les environnements qui savent se faire magnifiques. Mais le jeu, aux vues des attentes qu’il cristallisait suite à sa première tentative de très bonne facture, ne peut décemment espérer plus au niveau de la note de ses graphismes.

Scénario: 5/10
Non d’un p’tit bonhomme en bois ! Rien n’aurait été plus délectable que de voir la Mort elle-même foutre une branlée aux entités divines du paradis et détourner l’Histoire de son fatalisme habituel. Mais il n’en est rien, on se demande même presque si nos actes, aussi empli de bravoure et époustouflant soient-ils ont un intérêt quelconque ! Comme on dit chez mes amis Corse, on part bouc, on revient chèvre ! Comprenez par là qu’aucune révélation importante ou intéressante ne vous sera faite lors de votre périple. Il faudra donc attendre, vraisemblablement, le troisième et dernier opus des aventures des Cavaliers de l’Apocalypse pour voir le dénouement final. Pas cool !

Jouabilité: 8/10
Un bon jeu d’action, mine de rien, ça ne se trouve pas sous le sabot d’un âne! N’en déplaise à ceux qui dans la minute où ils liront cette phrase, pourraient me citer une huitaine de jeu d’action de qualité. Et Darksiders II est de ceux-là, indubitablement. D’autant que les développeurs ont fait l’effort en sus de la recette d’origine d’ajouter quelques éléments de RPG afin de transformer doucement mais sûrement leur soft en un subtil A-RPG tout à fait savoureux. Les possibilités d’évolution sont complètes, le crafting intéressant et les combats nerveux à souhait, offrant en plus de ça pas mal de façon d’être abordés via un panel de techniques bien vaste. Les donjons sont quand à eux généreux en petites énigmes pas très embêtantes et en exploration façon Prince of Persia, courses sur les murs et leviers à actionner en prime. Ça tient largement la route, même si ça ne respire pas l’originalité.

Bande-son: 7,5/10
Les musiques composées par Jesper Kyd, ayant déjà officié sur Assassin’s Creed, les Hitman ou encore Kane & Lynch, offrent ici une variétés assez insoupçonnée. Voyageant allégrement entre la douceur et la puissance brute, grandiloquente, l’OST est une franche réussite. Le doublage anglais est lui aussi de grande qualité, avec des voix uniques, des expressions bien senties et une capacité à faire passer l’émotion dans le texte tout à fait formidable. On ressent toute l’importance de la situation en quelques dialogues (bien qu'on ne puisse pas la vivre totalement, dût au fait qu’on a la méchante impression que nos actes sont totalement inutiles. Mais c’est un autre problème.) À contrario, les voix française sont tantôt surjouées, tantôt mal adaptées aux personnages, mais rien de catastrophique non plus ! Juste un choix peu judicieux de l’attribution des rôles, au pire un manque à peine flagrant de volonté de certains doubleurs mineurs.

Durée de vie: 8/10
Peu ou prou du même acabit que son prédécesseur, Darksiders II vous tiendra devant l’écran une bonne vingtaine d’heure. Une somme assez conséquente de checkpoint vous éviteront notamment la douleur bien connue des joueurs old school qui est de refaire tout un niveau à la moindre mort survenue. Pour Death, mourir, c’est un comble !
Pourtant, l’aventure est certes longue mais menée à bâtons rompus, si bien que le fil conducteur du jeu est difficilement décelable, et les plus impatient d’entre vous pourrez bien y voir un point négatif du soft.

Violence: 7/10
Inutile de vous faire un dessin, on incarne la Mort ! Death est certes moins bourrinator que son pataud de frangin, War, mais son appétit pour les joutes féroces et sa propension à démembrer les monstruosité qui se dressent sur son chemin n’ont rien à envier aux talents de boucher d’un certain Kratos de God of War.

Note finale : 7,5/10
La note peut paraître faible, mais il faut savoir, parfois, peser le sens des mots et ne pas trop s’en tenir à quelques chiffres.
Darksiders II est un bon jeu, si ce n’est un très bon jeu. Il remplit admirablement bien son cahier des charges, nous offre de jolis graphismes bien que mal optimisés, un gameplay jouissif et une histoire d’ensemble épique, même si de nombreux points d’ombres subsistent. Mais rien n’est parfait, et surtout pas le soft édité par THQ. Une multitude de petits détails contrariant s’amoncelle assez vite, à commencer par un background que l’ont sent avide de grandir et qui pourtant est freiné par un scénario rachitique en sensation. On n’a pas l’impression d’avancer, ni même d’être d’une quelconque utilité dans cette bataille divine. Ensuite, la pauvresse des quêtes annexes, même si cela n’est pas le gros du jeu, loin s’en faut. Le loot intempestif qui, si au départ permet de s’équiper au mieux, finit vite par encombrer lourdement l’inventaire. La facilité générale même des boss secrets surprend, et l’inutilité totale du fameux cheval de guerre de Death est dommageable.
On attend du coup beaucoup de Darksiders III, ou peut-être devrions-nous pas ? Après tout, c’est d’une telle attente que nous avons été déçue par Darksiders II, non ?

Suite du premier épisode parut en 2010 dans lequel on incarnait War, condamné à se battre sans répit face aux forces démoniaques mais aussi contre les légions divines du Paradis pour avoir déchaîné l’Enfer sur Terre, le Cavalier de l’Apocalypse devait prouver son innocence; Darksiders II reprend une partie du gameplay de base de son aînée en y ajoutant une dose un peu plus poussée d’action-RPG.
Cette fois-ci, c’est au côté de Death - selon la légende bien plus redoutable que War lui-même que nous avons le plaisir de parcourir des décors aussi divers que pharaoniques. L’entité est en effet fermement décidée à épargner la souffrance éternelle à son frère et pour se faire, il n’a qu’une seule solution, particulièrement à contre-emploi et profondément profanatrice pour sa personne : ressusciter l'ensemble de l'humanité !
Le speech de départ semble incroyablement solide, l’épopée que l’on s’apprête à vivre nous promet quelques grands moments perdus entre l’homérique et l’époustouflant. Pourtant, force est de constater que le récit, aussi imposant soit-il sur le papier manque une bonne partie de ses engagements. En effet, peu de cut-scene et une explication pour le moins imprécise et voilée de mystère justifie les actes de Death, tout autant que ceux de War dans le premier opus de la série d’ailleurs. Les personnages que rencontre Death tout au long du jeu ne font que parler en énigme et n’éclaircissent ne rien les tenants et aboutissants de l’histoire du jeu. Certes, on dit bien que tout vient à point à qui sait attendre, et seulement cela se vérifie dans Darksiders II par des révélations fantastiques sans fin de jeu et un cliffhanger important, mais non ! Loin de moi l’idée de charger la mule, mais il faut reconnaître que de nombreuses questions auxquelles il aurait été intéressant de fournir une réponse restent en suspend.

Mais là où Vigil Games, studio fondé entre autre par le génial Joe Madureitra (auteur de comics américain, ayant déjà proposé sa vision incroyablement dynamique des X-Men dans la série Age of Apocalypse et Uncanny, et son trait inimitable dans Battle Chasers plus récemment) ne s’est pas trompé, c’est dans le design de leur production. C’est bien simple, Darksiders II possède un charme tout bonnement luciférien ! Le sens de l’esthétique est une chose extrêmement évoluée au sein de l’équipe de designer du studio américain et ce n’est pas les inspirations diverses tels God of War, Legacy of Kain ou encore Devil May Cry qui vous diront le contraire. Ce bon vieux Death aux fausses allures de Mick Thomson transpire la classe et se paye même le luxe d’être bien différent de son frère, si l’ont s’attarde sur son personnage. D’un point de vue graphique, tout est clair, Death est plus sauvage, plus « nature », muscles bandés à l’extrême et nombril à l’air, tandis que ses animations contrairement à la démarche un poil lourdote de War, se fait plus souple. Plus svelte, on se surprend même à croire que Death serait une araignée à forme humaine tant ses déplacements sont sans équivoque lors des combats. Pour autant, le soft n’est pas parfait de ce point de vue. En effet, si Darksiders II offre un ensemble d’environnement à couper le souffle, un bestiaire impressionnant et un design général somptueux, maîtrisé de bout en bout et sachant piocher dans les plus riches inspirations, on est obligé de constater les quelques écarts techniques. À commencer par quelques textures pas toujours propres, des positionnements de caméra peu judicieux et quelques baisses de frame-rate lors des combats les plus animés. Mais si il n’y avait que ça, ma foi ! Sauf que non. Et croyez moi bien que ce soit un véritable crève-cœur que d’évoquer ce lourd problème tant le soft est méritant d’un point de vue artistique. En effet, Darksiders II souffre encore de un ou deux bugs important liés à la collision du personnage avec les décors suite à un évènement scripté, obligeant tout simplement le joueur à relancer sa sauvegarde la plus récente !
On pensait ce genre de problème résolu depuis l’avènement de très gros blockbuster de l’ère HD tel Uncharted 3 et Gears of War 3, visiblement, il n’en est rien.
Le soft se rattrape tout de même, et pour le peu que l’ont soit sensible au design général du titre, c’est quelques accrocs ne vous seront d’aucune importance. Chaque zone possède une identité propre, des paysages grandioses et des boss cachés majestueux pourvus de voix anglaises tonitruantes et parfaitement dans les tons. Contrairement à la version française, bien trop classique et contenu pour nous faire sursauter. La bande-son étant composée par Jesper Kyd, déjà auteur des musiques de Assassin’s Creed, sait se faire aussi délicate et magique que grandiloquente ou inquiétante pour renforcer une ambiance visuelle soignée. On déplore néanmoins un manque de continuité dans l’ensemble des décors traversés, comme l’absence d’un fil conducteur concret. On a presque l’impression de sauter de niveau en niveau façon Crash Bandicoot plutôt que de déambuler dans un monde entier et ouvert comme dans un Zelda, jeu auquel on a souvent comparé Darksiders par le passé.

Les combats constituant le gros du principe du jeu, Vigil Games nous avait déjà rudement bien prouvé qu’il maîtrisait ce point. Aussi, c’est avec plaisir que l’ont découvre de nouvelles sensations aux commandes de Death. Comme je le disais plus haut, plus agile et rapide que son frère War, Death s’arme de deux faux pouvant être équipées ensemble pour varier la puissance et la constitution des combo ; En plus de ça, vous pourrez utiliser divers autres armes comme des gantelets de combat ou une masse énorme pour fracasser le crâne de vos monstrueux adversaires. Ainsi, une arme principale et une secondaire seront interchangeable très vite afin d’enchaîner les combats tous plus apocalyptiques les un que les autres ! À titre de comparaison, jouez à un God of War et vous aurez ce à quoi ressemble Darksiders II dans ses joutes. Cependant, le soft se joue plus facilement, avec moins de dextérité requise que pour la production de Sony Santa Monica. Aussi, les potions et autres objets magiques bénéfiques sont peu rares dans les vastes environnements que vous visitez, suffit de chercher ! C’est pour cela que je ne saurais que trop vous conseiller de choisir un des modes de difficultés les plus élevés si jamais vous avez déjà retourné God of War et autres Devil May Cry en mode God ou Dante Must Die.
Mais là où Darksiders II surprend dans le bon sens du terme, c’est que non content de proposer un nouveau personnage à incarner, bien différent du précédent, il inclus dans son gameplay la notion de RPG ! Ainsi, la recette basée sur des combats titanesques, de l’exploration à la Zelda et des scène de plate-forme à l’ancienne façon Prince of Persia se voient accompagnées d’une bonne dose de statistiques, niveaux, gain de points à attribuer à diverses compétences sur un arbres dédiés et l’obtention de récompenses aléatoires en fin de combat. Et force est de constater que les développeurs n’ont pas ajouté cette feature pour faire joli, ils n’ont pas pris à la légère la croissance de notre personnage ! Ainsi, vous pourrez le faire combattre avec une faux de glace, un marteau de foudre, dans gantelets de feu, des bottes améliorant la vitesse, différentes armures protégeant contre tel ou tel ennemi mieux que d’autres éléments de protection, des talismans qui augmente vos chances de recevoir de belle récompenses ou encore des accessoires qui boosteront vos capacités magiques. Un système largement éculé mais très efficace et pour le moins très bien mis en pratique. Complet juste ce qu’il faut, l’ensemble offre de belle possibilité d’évolution à Death.
Qui dit évolution RPGesque, dit crafting. Ainsi, il vous sera en sus possible de fusionner certains éléments trouvés ça et là ou offert par les pesteux cadavres de vos adversaires afin de fabriquer l’instrument de mort parfait, à l’instar de ces armes possédées et vivantes particulièrement gloutonnes qui accepteront de se mettre dans le bec ce que vous leur proposez pour améliorer leurs capacités de destruction. Une façon comme une autre de rallonger un poil la durée de vie en se servant de l’aspect exploration et collection d’armes du jeu dans le but d’aller bouter quelques bosses optionnels (au nombre de 4) dans leur tanière. Ça marche, on combat et on cherche pendant quelques heures la façon de se confectionner l’arme la plus puissante du moment et on s‘en va foutre sur la tronche du premier colosse de passage. Et on aime ça !

Les capacités de Death sont variées et permettent de boucler de façon différentes des combats qui peuvent s’avérer répétitifs à la longue. L’arbre à compétences agréablement bien fourni pour un jeu qui se veut action au départ, vous permettra d’apprendre plusieurs techniques de combat lié à votre force physique ou votre puissance magique. À vous les joies des champs de force protecteurs, des rush diaboliques et destructeurs et des invocations de goules faméliques parfaites pour leurrer des adversaires un peu trop nombreux et coriaces. Les donjons ne sont pas en reste et offrent une bonne part d’exploration avec énigmes à la clé, de là vient la correspondance avec les Zelda et Prince of Persia, avec en sus des phases de plate-forme et de course sur les murs qui rappelle furieusement et sans aucun doute possible la trilogie du Prince de Perse d’Ubisoft dans les années 2000. Des compétences qui vous seront automatiquement attribuées au fil du jeu serviront à vous extirper des temples sombres et autres mausolées. C’est classique mais on le répète, tellement efficace. Cerise sur le gâteau, Death pourra revêtir sa forme originel de la Grande Faucheuse, une sorte de mode Démon comme dans Devil May Cry où vous pourrez occasionner des dégâts considérables pendant un court laps de temps.
En outre, et pour ceux qui veulent pousser la découverte jusqu’à son paroxysme, des zones secrètes et de nombreux bonus vous attendent aux quatre coins du fabuleux monde qui vous tend les bras. Grandiose, les décors le sont. Si nous devions comparer Darksiders premier du nom à la Lune, sa suite représenterait la Terre tant sa démesure est palpable. God of War a clairement trouvé un concurrent à sa hauteur en ce qui concerne la dimension des environnements. Pour autant, certains jeux de lumières sont peu avantageux pour l’architecture parfois remarquable d’ingéniosité et de sensibilité artistique. Trop d’obscurité nuit à la vue de l’ensemble, et certains décors ne laissent guère leurs secrets à la vue de tous. Dommage.

Pour finir, sachez que le soft comporte quelques quêtes annexes ma foi peu intéressante si ce n’est les boss cachés qui sauront vous donnez du fil à retordre, mais pas tant que ça si vous n’y allez pas la fleur au fusil. En plus de la possibilité de réinitialiser certains pans de votre arbre à compétences auprès de l’avide Vulgrim, afin de tenter d’autres combinaisons de pouvoirs, la durée de vie s’élève à une moyenne d’une vingtaine d’heure. Très convenable pour ce genre de jeu qui manque malgré tout d’un peu de rythme. La faute à un intérêt scénaristique qu’on a du mal à déceler tant, au fond, les actes de Death semblent dérisoires face à l’étendue immense de l’histoire qui nous est proposée – et ceci sans que le développeurs ne s’en soit cachés dés le départ, via une trilogie de jeu.

Darksiders II est un bon jeu, voir même un très bon jeu. Il propose un univers graphique fantastique avec des personnages soigné, tant par leur design puisant dans de nombreuses et belles inspirations que dans leur voix et comportements. Un gameplay au final tout ce qui a de plus classique, sans grosse prise de risque et reprenant une partie de ce qui faisait son prédécesseur, lui-même s’étant nourrit de références diverses et de valeur sûre tels The Legend of Zelda et God of War. Cependant, quelques soucis techniques ternissent ce tableau, à l’image de ralentissements assez notables lors des combats, des textures pas toujours fines (notamment sur les murs et le sol en terre ou en pierre) et des caméras franchement pénibles par endroit. En outre, l’épopée de ce valeureux Death se trouve être comme dans une cuvette, là où par exemple L’Empire Contre-Attaque dans la saga Star Wars a su se faire extrêmement intéressant via des révélations chocs (Dark Vador et Luke Skywalker si vous n’aviez pas compris la référence), Darksiders II à de la peine à accrocher définitivement le joueur. Peu de réponses nous sont fournies, et on sent bien que le dénouement final se fera dans le troisième et logiquement dernier opus de la trilogie originelle. Au bout de la vingtaine d’heure à crapahuter avec notre amie la Mort, on est satisfait du spectacle qu’on a eu l’occasion de voir, d’un point de vue visuel et sonore, mais on se retrouve être Gros-Jean comme devant, autrement dit, pas plus avancé que ça. Comme si on n’avait fait que du surplace malgré tous les efforts et exploit accomplis. Dommage.

❤

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momotaros, eruroraito7, neokiller, idd

publié le 27/08/2012 à 19:55 par anakaris

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Mon test complet de Dokuro [VITA]

Test complet

Bon, je l'ai écrit, ce test, y'a déjà un moment mais je viens de me rendre compte que je l'ai jamais mis ici, alors le voilà.
J'espère qu'il vous convaincra si vous hésitez à l'acheter en import.
Chose importante, il vaux 20€ au Japon et la version française est dispo sur la version NTSC-J du jeu, la VITA n'est pas zonée, donc n’hésitez pas si il vous plait!

Bientôt un an que la Playstation VITA est sortit de son trou au Japon, est-il pour autant déjà le moment de faire un bilan ? Peu pertinent. Pour autant, force est de constater que même si la console manque de gros titres, de blockbuster vendeurs et de soft qui plaisent aux masses (Call of Duty, Mass Effect, GTA et autres Assassin’s Creed), elle propose des jeux plus discrets, aux concepts différentes mais intéressants, et d’une qualité certaine. Et Dokuro figure parmi ce genre de petite production qui débarque de nulle part. De nulle part ? Pas tout à fait en réalité, puisque sortant des studios japonais Game Arts, les mêmes étant à l’origine de la belle série de RPG Grandia et du récent Ragnarök Odyssey. Tandis que GungHo, sont éditeur a déjà été responsable de multiples MMORPG dont le suivi est reconnu comme étant particulièrement bon et réactif. Pas des amateurs, donc. Mais alors que devient ce modeste Dokuro au mains de développeurs si talentueux ? Réponse dans ce test.

Graphismes : 8/10
Faisant immédiatement référence à Rayman : Origins dans son traitement graphique feutré, Dokuro est composé tout de noir et blanc, avec par ci par là quelques touches de couleurs. Tellement rares qu’en vérité, elles font toute la différence et donnent ce charme si particulier au jeu. Tout en finesse, en retenue, un petit peu pas trop. C’est original, c’est charmant, et les quelques bugs techniques (objets qui se coince dans le mur, princesse qui n’arrive pas à franchir une texture invisible pendant une dizaine de secondes…) ne font en vérité pas le poids face à tout ce que le jeu a de séduisant à proposé d’un point de vue visuel.

Scénario : 7/10
Avec le recul, on constate que le scénario n’est pas plus présent que cela dans Dokuro, et en fait, il n’en a pas franchement besoin. C’est l’histoire sympathique d’un petit squelette attachant et d’une princesse à sauver par amour, tout ce qui a de plus classique, voir rébarbatif. Mais qu’importe, on mange, encore, et on en redemande même.

Jouabilité : 8/10
Tout comme pour les graphismes, le gameplay de Dokuro souffre de quelques bugs qui font que le plaisir de jeu est légèrement biaisé. Mais rien de grave.
En face de ça, on a des énigmes à résoudre avec notre matière grise, des capacités intelligentes offertes au petit Dokuro, de la variété dans les obstacles qui seront sur votre chemin et des combats de boss palpitants, en complément d’une difficulté progressive très bien adaptée.

Bande son : 8/10
Dokuro propose une bande-son très jolie, tout en finesse avec des thèmes mignons et mélodiques à souhait. Flûtes, xylophones, violons, tout y est pour constituer une ambiance sonore délectable, en sus des petits bruitages de la princesse (eh oh ! À quoi vous pensez ? Je parle de ses pleurs et complaintes. Oué enfin bon…) et de Dokuro pour pallier l’absence de voix qui en réalité, est un plus ! En effet, sans voix, la narration prend littéralement un sens poétique, et étrangement, on se prend bien plus d’affection pour des personnages muets qui ne peuvent communiquer que via les sentiments qu’ils affichent sur leurs petits visages innocents. Un coup de maître, en somme.

Durée de vie : 7/10
Le nombre de niveaux est assez surprenant au final, et le nombre d’énigmes dont ils se constituent augmente bien entendu au fur et à mesure. Se faisant, les niveaux deviennent donc de plus en plus complexes, là où il faut réfléchir de plus en plus pour se tirer des vicieux pièges tendus sur votre chemin. Des petits objectifs bonus sont par ailleurs proposés comme la collecte de pièces d’or et la collection de trophées à exposer sur votre compte PSN.

Violence : 2/10
Dans Dokuro, la violence y est pour ainsi dire inexistante. Le personnage principal, un petit squelette courageux et mignon s’apparenterait presque aux personnages qui sont censés être effrayants mais qui ne le sont pas, comme dans certains films d’animation de chez Walt Disney.

Note finale : 7,5/10
Dokuro est ce genre de jeu à prendre avec du recul. De prime abord franchement superbe, avec un style graphique attrayant et des musiques magnifiques. Un gameplay de base qui semble ouvrir un tas de portes différentes et qui au fil du temps se complexifie de la meilleure des manières. Puis vient deux ou trois petits couacs comme des bugs techniques ou une pointe de difficultés incontrôlée et fugace, temporaire. À la fin, tout se mélange, on ne sait plus trop si le soft est une chef d’œuvre absolu, ou un jeu moyen. En réalité, il tend à se balader entre ces deux eaux. Voilà qui met dans la position du lâche, refusant de se mouiller, refusant de clairement dire si Dokuro est excellent ou nul. Et bien soit, il faut bien que vous vous fassiez un petit avis perso vous aussi. Sachez juste que Dokuro est un jeu très plaisant, et que la VITA ne l’a pas voler, elle en a clairement besoin.

Dokuro, en plus d’être le titre du jeu est aussi le nom du héros de cette histoire qui a tout l’air d’un joli conte de fée à l’ancienne. Ainsi, ce sympathique petit squelette dont vous prenez le contrôle est en fait un geôlier des prisons du donjon appartenant à un maléfique monarque, en plein cœur du royaume des ténèbres. Son existence est on ne peu plus vide et monotone jusqu’au jour où une magnifique princesse, blonde avec une robe de dentelle rose et tout le toutim, se tape l’incruste dans ses crasseuses cellules. Comme si elle avait choisit ce destin, me direz-vous ! Il s’agit bien sur d’un vil kidnapping visant à octroyer à ce royaume sordide une gérante, comme le désire le roi. Tombant aussi sec amoureux de la belle en détresse, le sac d’os décide courageusement (ou inconsciemment ?) de libérer la princesse et l’escorter à travers le château pour l’aider à s’enfuir. En voilà une histoire qu’elle est touchante !

Ce qui choque dés le départ, c’est le style graphique adopté, tout en sobriété et en noir et blanc, façon craie sur un tableau d’ardoise. Ce qui certainement, facilite le récit d’une histoire simple mais poignante, avec des sentiments sobrement mise en scène, le tout rappelant les très vieux dessins animés en nuance de gris. On se prend vite d’affection tant pour le gringalet qui nous sert de personnage principal que pour la princesse qui pour une fois, ne mérite même pas le surnom de cruche encore de cloche (faudrait lui dire à Peach, y’a peut-être encore un espoir pour elle…). La simplicité de la mise en scène est d’autant plus efficace qu’elle se sert de simple bulle, illustrant les personnages et leurs ressentis de la façon la plus pure et la plus directe qui soit. L’authenticité de l’univers graphique, la technique épurée et simpliste et la bande-son mélodieuse ne font que soutenir de bien belle manière cette merveilleuse histoire de courage et d’amour. Merveilleuse histoire par ailleurs, assez étonnamment bourrée de rebondissement, de quoi faire sourciller.
Vous l’aurez donc compris, tout est en noir et blanc si ce n’est les personnages et quelques éléments distinctifs du décors (les pièges principalement, et les objets interactifs servant dans la résolution d’énigmes). Le tout créant un univers très personnel et plutôt séduisant qui a de quoi charmer. Ça change énormément des super productions habituelles, avec leur débauche d’effets spéciaux et de graphismes en HD, c’est rafraîchissant, on respire véritablement tant Dokuro offre de nouvelles sensations visuelles. Le jeu de couleur est de ce fait admirablement bien mis en place, fait pour retenir l’attention du joueur sur ce qu’il faut.
Il faut avouer que l’idée de voir des décors identiques du début à la fin du jeu m’ait effleuré l’esprit, et en réalité, il n’en est rien ! Là encore, Game Arts se sert d’assez peu de chose mais de façon optimale pour donner une certaine variété aux environnement, la plupart du temps en garantissant l’apparition de pièges et obstacles très nombreux et différents. On se surprend même à deviner dans quel compartiment du ténébreux château on déambule à la recherche d’une sortie, parfois même en faisant soi-même la corrélation d’un décors avec celui d’un Castlevania 2D, à l’ancienne. Les fons étant travaillé et changeant, il n’y a pas que les premiers plans où évolue les personnages qui attirent l’œil, l’ensemble donne une réelle ambiance, inimitable.

Mais que serait un jeu à l’inspiration graphique formidable sans un bon gameplay ? Et bien, pas grand-chose, d’un point de vue purement ludique.
Bien heureusement, Dokuro ne souffre pas d’une telle carence, au contraire, il propose même un gameplay sympathique. Prenant la forme d’un jeu de plate-forme 2D, pas comme un Mario mais plutôt comme un Oddworld : L'Odyssée d'Abe où vous devez résoudre moult énigmes et frayez un chemin à votre douce princesse afin qu’elle ne soit pas démantibulée, écrasée ou encore calcinée par les innombrables pièges que referme le château. Grossièrement, le jeu se partage donc en deux phases. La première phase où vous prenez votre apparence normale, celle d’un squelette frêle et chétif, mais ô combien mignon, et où vous devez donc interagir avec le décors pour confectionner un chemin sure à votre belle. Et la seconde phase, où vous avaler une gorgée d’une potion bleutée offerte par le magicien du royaume au roi maléfique, et qui vous donne la capacité de devenir un beau et charmant chevalier, seul moyen pour vous de rentrer concrètement en contact avec la princesse et ainsi la guider vers la liberté.
Un petit frottement sur le tactile avant de la VITA vous fera boire une gorgée de la potion, et pouf ! Vous devenez un chevalier servant. Un frottement sur le tactile arrière cette fois-ci, et vous redevenez un sac d’os. Mais attention, la quantité de potion transportable et limitée ! À vous de l’utiliser avec parcimonie et trouver les fioles de cette mixture à travers le donjon afin de refaire vos réserves.

Comme dit plus haut, les pièges sont divers et variés. Vous aurez par exemple la tache de faire tourner une manivelle pour faire bouger une plate-forme sur laquelle la princesse se sera positionnée au préalable afin de lui faire franchir un gouffre, tout cela en évitant de la mettre sur la trajectoire de jet de flamme meurtrier ! Vous devrez vous servir de votre force de chevalier pour la porter et sautez de pendulier en pendulier (où un timing précis est requis) ou encore vous servir de votre poids (toujours en tant que chevalier, sous forme de squelette, vous n’êtes pas plus lourd qu’une plume !) pour faire s’écrouler un bloc de pierre sur des ennemi autrement invincible. Il vous sera demandez de franchir une dalle de pierre le plus rapidement possible après avoir éteint des énormes braseros situés en dessous, laissez le temps aux flammes de se raviver et vous finirez brûlé ! Pour atteindre une plate-forme surélevée, que la princesse ne peut atteindre bien évidemment, vous devrez trouver une solution pour faire contrepoids sur une sorte d’ascenseur qui une fois en position basse, pourra accueillir la blonde, puis ensuite la faire monter au septième ciel jusqu’à son but. Bref, tout cela rappelle des soft comme ICO ou les Lemmings, dans le genre partenaire débile et innocent que l’ont doit sans arrêt aider. Mais c’est en réalité extrêmement plaisant, il faut se servir de sa tête, et la difficulté est relativement progressive. Certain passage sont d’ailleurs bien corsés, mais toujours intelligents et malins, jamais tirés par les cheveux ou idiots. En particulier lorsque les énigmes se résolvent grâce aux spécificités de la console. Le tactile est en effet utilisé à bon escient afin de vous faire servir d’une craie que Dokuro garde soigneusement sur lui (comme quoi, le style graphique n’est vraiment pas anodin). Grâce à cette craie - qui au fil de l’aventure obtiendra diverses capacités, ce qui de ce fait multipliera le genre d’énigme à résoudre, que vous pourrez utiliser avec le tactile avant de la machine, vous pourrez « dessiner » des chaînes ou des ponts pour franchir un fossé ou accrocher un bloc de pierre qui vous servira à grimper un mur trop haut pour vous.

Un gameplay savoureux et intelligent donc, mais non exempt de défaut ! En effet, les embûches proposées par le jeu ne sont pas toutes voulues par les développeurs, visiblement. La preuve en est que régulièrement, il faudra composer avec quelques bugs, pas forcément énorme et très perceptible, mais parfois ennuyeux lors de la résolution d’énigme. À vous les joies des objets bloqués dans les murs, la princesse qui s’arrête soudainement pour une raison totalement inconnue, et sous la menace d’un broyeur géant qui s’apprête à lui écraser la figure, et plein d’autre chose. Pas de quoi s’offusquer, mais c’est dommage car cela est typiquement le genre de chose qui fracasse le plaisir de jeu une ou deux fois par partie. C’est littéralement fatal, et ça le serait même pour le meilleur jeu de tout les temps, il n’y a pas de raison !

Mais comme je n’aime pas finir mes tests sur une mauvaise note, surtout sur un jeu qui ne le mérite pas particulièrement, je vais vous parler de ce qui fait plaisir, en sus de tout ce que j’ai cité plus haut. À commencer par la bande-son tout à fait délicieuse ! Les thèmes (en particulier le thème principal, tout en tendresse à base de flûte et de xylophone) rappelle furieusement les musiques que l’ont peut entendre dans un certain Final Fantasy IX. Une ressemblance peut aussi être discerné avec les BO de quelques films de Miyazaki (Le Château dans le ciel, Le Royaume des chats par exemple) et même quelques références à la série The Legend of Zelda, notamment avec des bruitages de deux ou trois secondes, sont fait !
Fluette, mélodieuse, légère à souhait, on prend vraiment plaisir à écoute les diverses partitions du jeu, qui ont par ailleurs tendance à calmer nos nerfs lorsque l’ont rencontre une énigme un peu trop retorse. Les quelques thèmes qui accompagnent les scènes d’action, contre les boss par exemple (qui prennent la forme de diverses créatures, troll chef des cachots, chef cuistot personnel du roi un peu cinglé sur les bords, succube diabolique qui sans aucun doute doit être la maîtresse favorite du monarque, et plein d’autre…) sont tout aussi joliment écrite, bien que manquant peut-être d’un peu de punch véritable, de percussion. Mais qu’importe, la qualité de l’ensemble n’est même plus à ça prêts.

Pour finir sur une vraie bonne note, il faut savoir que ce fameux Dokuro n’est vendu qu’une petite vingtaine d’euro au Japon (environ 24 CHF), une poussière comparée aux cinquante euros habituels qu’il faut débourser en Europe !

Alors, que retenir de ce Dokuro ?
Avant tout une ambiance et une inspiration graphique charmante et unique, complétée par une bande-son magnifique. Offrant un gameplay sympathique bien qu’entaché de quelques difficultés superflues à cause d’une technique pas tout à fait impeccable, le soft ne montre en aucun cas signe d’ambition et pourtant plait. L’histoire se répète d’ailleurs avec un tas de jeux méconnus. Cerise sur le gâteau, il s’adapte à diverses habitudes et capacités de jeu en permettant aux joueurs de zapper un niveau (jusqu’à 10 fois) si il bloque trop longtemps sur un obstacle. De quoi convaincre même les plus jeunes de tenter l’aventure qui, je le souligne, ne s’encombre pas d’une violence visuelle incommodante. Pas de sang, pas de hurlement violent. Juste un petit squelette attachant et une princesse attendrissante.

Consoles-Otaku - http://www.consoles-otaku.com/tests/1103/Dokuro.htm

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publié le 18/08/2012 à 20:21 par anakaris

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Mon test complet de Papo & Yo [PS3]

Test complet

Papo & Yo, c’est un peu comme conjurer une pénible vie par un voyage dans un imaginaire extravagant, un exutoire intimiste se plongeant dans l’histoire personnelle du chef de projet, Vander Caballero, patron du studio à qui l’ont doit le soft : Minority. Abordant un thème lourd, dont il est très difficile de parler mais qui a le mérite d’interpeller énormément de gens, Papo & Yo est un jeu bien différent des canons du genre plate-forme que l’ont est en droit d’attendre. Ce qui n’en fait pas pour autant un jeu inintéressant, bien au contraire.

Graphisme : 7/10
Les graphismes sont de prime abord datés, on ne peut rien y faire. Aliasing, textures assez moches par endroit et physique parfois mal définie, ce qui donne lieux à des bugs de collision embêtants. Mais au-delà de ça, l’inspiration graphique est notable. À mi chemin entre l’onirisme pure avec des bâtiments qui se contorsionnent comme des chiffons sous l’impulsion de l’imagination débordante de Quico, et un réalisme solide, presque dégoûtant dan sa vision des favelas et taudis qui composent les décors.

Scénario : 7,5/10
Papo & Yo offre un scénario sans ambiguïté, parfois mal abordé car manquant d’un développement de fond plus précis, mais touchant et universel. Le sujet est important, dur, mêlant amour familial et crainte de l’enfance parmi les plus dévastatrices de notre époque, à savoir la croissance sous le joug d’un père violent et absent. On déplore seulement que le tout soit parfois vraiment trop brutalement lancé à la figure du joueur, notamment à cause du témoignage direct du producteur du jeu, donnant l’étrange impression que tout cela n’est en réalité qu’un prétexte pour offrir une expérience alambiquée et volontairement choquante. C’est un peu trop rentre dedans genre « j’ai super souffert dans mon enfance, alors je veux vous raconter ce que j’ai vécu ». Une durée de vie plus conséquente aurait clairement permis d’affiner le déroulement du jeu.

Jouabilité : 7/10
Le gros du gameplay de Papo & Yo s’articule façon Lemmings, avec en tout et pour tout une seule grosse créature à guider et à aider. Subtil mélange de jeu de plate-forme 3D avec une bonne dose de réflexion, bien que les énigmes soient assez simples au final, le soft garanti tout de même une diversité d’épreuves assez palpable. D’autant que quelques composantes du gameplay servent en réalité les tenants et aboutissant de l’histoire, comme la métaphore des grenouilles représentant les bouteilles d’alcool que le paternel monstrueux ne pourra s’empêcher d’avaler à vue.

Bande-son : 7/10
Le soft propose une bande-son agréable à écouter, composée de façon orchestrale du plus bel effet avec des instruments divers. Percussions, à vent, à corde, pour un rendu global très Amérique Latine, tout à fait dépaysant. L’ensemble manquant peut-être un peu de thème réellement puissant et marquant, il est tout de même à noter la présence d’une langue parler totalement imaginaire et inventé pour l’occasion. Très sympa !

Durée de vie : 4/10
Voilà ce qui à coup sur le gros point noir du soft. Le seul, certes, mais engendrant tout un tas de problème notamment au niveau du scénario !
En effet, le jeu se boucle en environ 3 heures, 4 voir 5 grand maximum selon les joueurs. Mais de là découle un traitement abrupt du scénario qui pourtant ne demande que du temps pour apporter toute sa finesse au joueur. Cela oblige les développeurs à balancer le topo du jeu, la morale du scénario un peu à la va-vite, sans délicatesse, alors que c’est justement ce genre de sujet qui nous permettrait de créer une histoire riche et initiatique.

Violence : 4/10
La violence n’est pas tant physique et visuelle dans Papo & Yo, quand bien même les pétages de câble de la bête allégoriquement père de Quico peut être assez véhéments. C’est surtout l’importance du scénario, la lourdeur du sujet traité qui par nature ne convient peut-être pas à toute les conscience. C’est certes un joli récit initiatique, mais ça n’en reste pas moins le récit d’un drame familial outrageusement répandue dans notre société moderne. Ce qui pourrait se faire poser des questions aux plus jeunes joueurs, genre de questions qui à un certain âge n’est pas franchement souhaitable pour éviter de se prendre la tête inutilement.

Note finale : 7/10
Papo & Yo est au final un jeu intéressant dans son fondement, bien que maladroit dans sa construction. Offrant un gameplay propre et un personnage attachant, en sus d’une inspiration graphique intéressante, le soft propose aussi la vision unique d’un sujet universellement problématique qui est, à ma connaissance une première dans le domaine des jeux vidéo. Bon mélange de plate-forme et de puzzle-game, Papo & Yo a tout pour plaire, si ce n’est une durée de vie vraiment maigre, surtout pour un prix d’une quinzaine d’€. En contre partie, et ceci sera mon dernier mot, le soft est une réelle expérience, unique, sincère, c’est beau et en plus de ça largement à part de ce que l’ont peut voir dans le paysage videoludique du moment. Ça suffit pour en faire un bon jeu.

Le soft, uniquement disponible sur le Playstation Store (donc en téléchargement) nous met dans la peau d’un jeune garçon nommé Quico. Quico aime son père, mais son père préfère l’alcool. Comme dans bon nombre de drame familial de ce genre, le père revient souvent de ses pérégrinations sans but complètement hors de lui, plein comme un pot, violent de surcroît et exultant toute sa frustration sur son pauvre fils. Quico, comme pour se protéger, se donner de la force, enlace alors inlassablement et du mieux qu’il peut un jouet tandis qu’il tente de se cacher dans le moindre recoin de la maison afin d’échapper à son bourreau de géniteur. Et lorsqu’il arrive à se faire discret tandis que son père s’occupe de ses malsaines affaires, Quico s’évade dans un monde étrange, fruit de son imagination débridée où les maisons ont des pattes, où un petit robot l’aide à voler au dessus des toits et où un monstre aux allures de gros dinosaure pataud vagabonde. Représentant métaphoriquement son père, au départ doux comme un agneau bien qu’un peu bourru et son addiction à l’alcool, sous la forme décalée de grenouilles aux couleurs vivaces qu’il faudra éloigner de la créature pour éviter qu’elle ne les ingurgite à la chaîne. Si cela ne se fait pas, telle une Némésis implacable, le monstre se mettra à violenter Quico, sans défense, jusqu’à temps que celui-ci (vous, donc) trouvez le moyen de le guérir de son maléfice alcoolisé. Guérison qui prendra forme de fruit à trouver et faire avaler au monstre.

Particulièrement allégorique, le déroulement du Papo & Yo ne manque pas d’intérêt dans son traitement. Bien qu’il aurait put gagner en finesse si seulement le producteur du jeu n’avait pas fait si clairement le rapport avec son propre passé d’enfant battu. Aussi, la durée de vie aurait gagné à être plus longue ne serait-ce que pour servir le scénario qui s’en serait trouvé immensément plus prenant, immersif et approfondi.
Et pourtant, on ne peut faire la sourde oreille à une histoire d’une part abordant un thème si important et rarement vu dans un jeu vidéo, et d’autre part, malgré tout intelligemment mise en scène. Difficile de lâcher la manette. Les trois heures et quelques poussières que quémande le jeu pour vous proposer son générique de fin passe très rapidement, l’expérience vécue est intense bien qu’un poil brute de décoffrage. Mais on ne doute absolument pas du bon vouloir des développeurs de raconter une histoire émouvante et à la portée pédagogique importante.

Pour autant, le scénario aussi symbolique soit-il n’est pas porté par une technique parfaite, loin s’en faut. Petit moyen assumé, le jeu souffre de pas mal de couac technique comme l’aliasing assez omniprésent, quelques bugs de collision, des modèles 3D et des textures loin d’être d'extraordinaires. Des accrocs techniques en réalité plutôt bien occultés par une direction artistique qui mérite d’être signalée. Le monde que s’invente Quico est un subtil mélange entre plusieurs inspirations réalistes et des éléments typiquement et incroyablement surnaturelles. Ainsi, le gros du décors prendra l’image d’une sorte de favelas brésilien, amoncellement de taudis et de maisons faites de taules ondulés encastrées les une dans les autres, atmosphère étouffante contrastant parfois avec divers composants impalpables fabriqués de toute pièce par l’esprit du jeune garçon. En effet, au milieu des murs de bétons fissurés et des abris de fortune, vous pourrez trouver des engrenages et divers mécanismes tracés à la craie par une espiègle et mystérieuse jeune fille. Mécanismes immatériel mais pourtant bien utilisable qui vous serviront à résoudre quelques énigmes afin de faire aller la progression. Déplacer des bâtiment entier aussi facilement que du carton, construire ou détruire des murs à des endroit précis, faire tourner des tuyaux pour dégager un passage et modeler complètement le décors comme si c’était un jeu de briques en plastique à emboîter, tel sera le gameplay principal de Papo & Yo.
La lassitude ne venant étonnement pas, alors que l’ont aurait put croire que le jeu abuserait des épreuves simpliste du genre « pousser une caisse » ou encore « appuyez sur l’interrupteur », le level design se fait d’autant plus agréable qu’il laisse une relative liberté d’action. Notamment avec le petit robot, Lula, qu vous sert à survoler pendant un instant les lieux. Le jeune personnage se fait souple et fort maniable. L’impression de renouvellement des actions atteint son paroxysme lorsque l’ont est contraint de s’aider de la créature qui ne nous lâche pas d’une semelle, et qui faudra parfois mener à des endroits précis du décors pour débloquer la situation. Appuyer sur un interrupteur, lui sauter sur le ventre façon trampoline (pourtant, c’est finit les JO, Quico !) afin d’atteindre des corniches autrement inaccessibles et d’autre exercices du genre son au programme. D’ailleurs, outre le fait qu’ainsi le scénario serait mieux développé, cela permettrait de prolonger le plaisir si la durée de vie aurait été un peu plus conséquente. Car du plaisir, incontestablement, on en éprouve pad en main avec Papo & Yo !
Avec le recul, on se rend bien compte que si tout cela nous convient, et bien on se contente en vérité de bien peu de chose. Qu’importe, la sauce prend, et elle a très bon goût en plus !
Le tout s’agence de manière intelligente, sans véritable accroc, en souplesse. On prend plaisir à vagabonder dans ce monde imaginaire en compagnie de ce brave Quico, tandis qu’on désespère de voir la bête en furie lorsqu’il avale par inadvertance un de ces satanés batraciens. La toute dernière partie du jeu étant à ce titre un condensé d’émotion fichtrement bien amené.
La musique aidant, le soft dispose d’une bande-son tout à fait honorable avec des thèmes bien orchestrés, quoique manquant parfois d’un peu de peps. D’aucun dirait que c’est même relativement suintant de bons sentiments. Les développeurs ont poussés le vice jusqu’à l’invention d’une langue imaginaire que Quico pratique lors de ses fabuleuses escapades. Un souci du détail notable et respectable pour un jeu de cette envergure.

Voilà qui serait un des très rares jeux à être bon pour un enfant, n’en déplaise à Famille de France et ces autres odieux réac’ instituteur de la bien séance et soi disant d’utilité publique. L’imagination d’un enfant est une arme redoutable, et Papo & Yo, au-delà du loisir pur apporte, telle une bonne fable de sieur la Fontaine, une morale. Une morale qui par ailleurs prend un sens à l’impact réel, plus que n’importe quels tas de mots remplissant des bouquins entiers n’aurait jamais put avoir aux yeux d’un enfant.

Faites pas attention aux fautes d'orthograpes ;)

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publié le 17/08/2012 à 23:42 par anakaris

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Mon test complet de Sound Shapes [VITA]

Test complet

À ma connaissance, moi et mon site somme les seuls parmi les sites francophones à avoir réaliser un test de Sound Shapes pour le moment, alors si ça intéresse quelqu'un, sachez qu'il sort demain, le 15 Août donc!

Sur le test de Dokuro, je vous expliquais que bien que la VITA manque sacrément de jeux vendeurs et qui plaisent aux joueurs lambdas, qui paradoxalement sont les meilleurs diffuseurs de la bonne réputation d’une machine, elle ne manque clairement pas de petits jeux aux concepts intéressants. Dokuro ne m'a pas fait mentir, et j’attends encore Snapshot, mais en attendant, c’est Sound Shapes qui s’offre à moi. L’histoire de son existence est paradoxale, disponible aussi sur PS3, c’est pourtant sur VITA qu’il jubile de sa plus grande notoriété tout simplement parce qu’il fut présenté à l’E3 sur cette console et pas une autre. Drôle de situation pour une machine qui souffre cruellement d’un manque de reconnaissance depuis le début de son ère. Généreux vent d’air frais, le soft ne manque pas de bonnes références. Passons en revue tout cela.

Graphismes : 6/10
Soyons tout à fait franc. Le jeu de couleur utilisé est joli, le mélange de forme géométrique et de décors épurés donnent une vraie nature à l’ensemble du soft, il jouit d’une identité. Mais ça ne vole pas bien haut d’un point de vue technique, là où la VITA est capable d’afficher un jeu aussi impressionnant que Uncharted : Golden Abyss ou WipEout 2048. Il est donc inconcevable, aussi intéressant et original soit-il, de noter au-delà les graphismes de Sound Shapes. D’autant qu’il y a des jeux tout aussi minimaliste de ce point de vue là, mais qui me semble-t-il sont encore plus charmant, Dokuro ou Patapon par exemple.

Scénario : - /10
Ici pas de scénario à proprement parler, sauf si vous voulez vous-même vous donner une justification à tout cela. On dirige une petite boule sans visage, mais non dénué d’âme visiblement, censé récupérer des pièces et bondir sur n’importe quoi pour faire de la musique. C’est aussi décalé qu’amusant, mais rien de plus ne permet de donner une note à un quelconque scénario.

Jouabilité : 8/10
Le jeu est très simple à prendre en main, et s’apparente grossièrement à un Mario dans le genre saut de plate-forme au dessus du vide. Il bénéficie en outre d’une difficulté très progressive, parfaitement bien calibrée et dont les derniers tableaux sont perclus de petits pièges et de sauts au timing démoniaques. Il vous faudra du temps pour réussir la partition parfaite et récoltez tout les bruits et sons dont elle a besoin pour se développer. Le fait de pouvoir changer la capacité de sa petite boule spatiale avec le pad tactile ajoute aussi une feature intéressante au soft.

Bande son : 8/10
Des grosses pointures de l’électro sont de la partie pour composer, mixer et créer toute la bande-son du jeu, musiques et bruitages inclus. Beck, PixelJam, Colin Mancer, Vic Nguyen ou encore Deadmau 5 et Shaw-Han Liem alias I am a robot and proud propose leur talent de mixage afin de créer une ambiance musicale unique et mouvementée. À l’image des tableaux construits par diverses artistes experts des nouvelles technologies de graphismes, la bande-son est incroyablement cohérente.
Au-delà de la qualité des musiques, la bande-son représente le concept même de Sound Shapes, un moyen de lier l’utile à l’agréable dirait-on.

Durée de vie : 7/10
Le jeu en lui-même est relativement court, avec une trentaine de tableaux au programme, bien que sur la fin, la difficulté soit bien présente. Les modes bonus que vous obtiendrez non pas par DLCs mais en finissant tout simplement le jeu, comme dans les années 90, vous offrira un challenge substantiellement différent du reste du soft. Mais le plus important reste ce mode création très simple d’utilisation qui vous permettra de partager vos défis avec le monde entier. De ce fait, les milliers de joueurs proposant leurs propres niveaux démultiplieront la durée de vie du jeu, tel un Little Big Planet.

Violence : 0/10
Aucune violence n’est présente dans Sound Shapes. Si ce n’est peut-être le jeu de couleur et les formes géométriques simples à répétition qui pourraient provoquer quelques menus problèmes aux enfants et aux plus sensibles. Lisez bien la notice et renseignez vous sur les crises d’épilepsie !
Quoique dans le genre, les maniac shooter comme DoDonpachi ou Ikaruga sont bien plus agressifs pour les nerfs que Sound Shapes.

Note finale : 7,5/10
Bien conçu, inventif, bénéficiant d’une recherche artistique qui certes ne plaira pas à tout le monde mais qui a au moins le mérite d’exister Sound Shapes propose un gameplay simple mais bien pensé, avec notamment une difficulté progressive particulièrement bien gérée et une durée de vie qui, si le concept plait, promet d’être très conséquente avec un système de création et de partage de niveaux. Pour 12€, c'est une belle affaire, vraiment!

Comme tout les jeux conceptuels de ces dernières années, parce qu’il est vraiment très compliqué d’inventer intégralement de nouvelles choses, Sound Shapes est un subtil condensé de plusieurs influences. Prenant la forme d’un jeu de plate-forme de prime abord classique, il réunit allégrement des éléments de Super Meat Boy ou Loco Roco pour le gameplay à base de saut, et Patapon et Chime pour le côté musical prépondérant de l’aventure. Dernière production des gens de chez Queasy Games, créateurs de Riff : Everyday Shooter, le jeu part donc sur des fondements maîtrisés au concept mûrement réfléchi et pour le moins déjà esquisser sur ladite dernière production.

Jeu à l’esthétisme épuré à l’extrême, les graphismes de Sound Shapes sont minimalistes. Doté d’un jeu de couleurs pastels très prononcés, parfois tirant dans le kitch assumé et le psychédélique contenu, le soft nous met dans la peau d’une petite boule qui a pour but de traverser les divers niveaux proposés (au nombre de 30) en construisant une musique à soi à rajouter à la partition de base déjà présente. Tout est bon pour faire sa soupe de sons et construire un melting-pot d’ambiance. Sauter sur une plate-forme déclenche un son, passer à côté d’une balise façon checkpoint déclenche un son, récolter une multitude de piécettes disséminées dans les tableaux déclenche d’autres sons. Un tas de "bip" et de "dong" s’ajoutent alors, et plus vous serez fluide dans la progression des obstacles typiquement plate-forme qui se dresseront sur votre chemin, plus la musique que vous créerez sera agréablement audible, bien construite. Pour ce faire, de nombreuses actions vous sont demandées, rappelant allégrement ça et là quelques influences Marioesque. Sautez de plate-forme en plate-forme à l’apparence de météorite colérique lorsque vous cabriolez sur leur tête, et qui explosent au bout de quelques secondes, puis jouez les équilibristes sur un rocher tournoyant sans cesse dans le vide, tout cela pour rejoindre un nuage mouvant duquel il faudra bondir au moment opportun pour récoltez des pièces délivrant un mélodieux petits sons ; les divers écrans ne proposent pas qu’un seul chemin pré-établi comme dans un jeu de plate-forme 2D classique, et les musiques qui découlent du nombres différents d’actions possibles et d’autant plus hétéroclites ! La boule que vous contrôlez aura notamment le pouvoir de changer d’aptitude, soit en se transformant en Flubber hyperspatial pour rebondir n’importe où, soit en se transformant en ventouse pour s’agripper là où elle chute. L'objectif consistera à changer de forme au bon moment afin de traverser chaque stage dans les meilleures conditions.
Les musiques, au bout de plusieurs écrans à cumulez sons et bruitages deviennent fort mouvementées, au départ, on pourrait même croire qu’à force, tout cela occasionnerait une cacophonie sans nom ! Faux ! Le tout est admirablement bien agencé, au fur et à mesure les sons se multiplie mais ne se chevauchent pas, n’empiète pas l’un sur l’autre, où alors le font de façon intelligente afin de créer une partition psychédélique fantastique.

Le rythme nous gagne progressivement, tandis que la difficulté augmente et que les décors se fait peu à peu notre ennemi le plus coriace du soft. Plate-forme mouvante à vitesse variable, projectiles tirés en continue sur différents axes, pièces à glanez avec un timing diaboliquement précis, tout est fait pour offrir de la manière la plus graduelle possible un challenge grandissant. La récompense de votre progression est par ailleurs perpétuelle, puisque vous constatez en temps réel les changements et l’évolution opérée à la bande sonore que vous-même vous créer. Ce qui donne furieusement envie de continuer, d’ajouter quelques notes, pour voir ce que ça donne quelques minutes plus tard. C’est affreusement additif.
Récapitulons. Sound Shapes se joue comme un jeu de plate-forme classique à la Mario en 2D, en sautillant de roche flottante en terrasse mouvante, tout les objets récoltez et qui enter en contact avec notre petite boule multicolore entraîne la création d’un son, son qui viendra se greffer sur une piste sonore au départ minimaliste mais qui très vite s’étoffera de multitudes de bruitages. Le parti pris graphique surprenant s’apparente à un Loco Roco dans la pureté de ses environnements, épurés, avec un soupçon de ces bons vieux shoot them up que l’ont pouvaient trouver sur Master System et Nintendo. En effet, l’ensemble du jeu nous fait visiter une sorte d’environnement intersidérale abstrait, avec des météores vivants, des étoiles qui tourbillonnent sans cesse, des nuages colorés et des sortes de petites créatures increvables tirant des lasers sans discontinuer. Plus on avance, et plus de nouveaux obstacles se dressent devant nous. Le rythme varie, la difficulté des actions aussi et on est sans cesse obliger de s’adapter, de calculer notre prochain coup et réévaluer nos approches de certains sauts selon les situations.

Mais les références ne s’arrêtent pas là, et la durée de vie en serait moribonde si seulement le soft ne proposerait pas plus ! Car aussi sympathique soit-il, et bien que les écrans propose plusieurs solutions de parcours différentes, ils ne sont pas extrêmement nombreux. Aussi, c’est là que le mode création de niveau vient sauver Sound Shapes. A la manière d’un Little Big Planet, une foultitude d’outils vous ai donc proposez pour faire d’une partition vierge une véritable mélopée. Grâce à l’écran tactile de la VITA, particulièrement précis, vous devrez donc placez objets, plate-forme de tout type, créatures et autres mécanismes pour créer vos tableaux. Un mode aperçu vous donnera une idée de la musique qui est susceptible d’être composé si vous effectuez votre niveau de la meilleure des façons. C’est archi simple d’utilisation et les possibilités sont infiniment nombreuses. Le système persiste et signe en proposant même de partager ses créations au monde entier via le PSN, exactement comme dans un Little Big Planet. S’offriront alors à vous des centaines de nouveaux challenges créer par les joueurs, démultipliant ainsi la durée de vie !
Le jeu se complète, une fois la campagne solo terminée, de deux nouveaux modes, à savoir Death Mode et Beat School. Le premier met le joueur sacrément au défi de se sortir de situation périlleuse avec un timing serré, le tout en récoltant un max de pièces possibles afin de faire un joli score. Le second mode demande au joueur de reproduire le plus fidèlement possible, via une écoute préliminaire, la partition jouer en repositionnant les divers éléments qui servent à faire des sons sur un tableau, à la manière du mode création. Des modes de jeu sympathiques et par ailleurs, pas si dispensables que cela vu qu’il servent à récolter quelques trophées silver au passage, pour décorer votre profil PSN.

Les versions PS3 et VITA sont identiques, un ingénieux système de sauvegardes permettant de transposer votre progression d’une console à une autre. Mais outre le fait qu’il soit disponible sur sa grande sœur de salon, Sound Shapes et typiquement le genre de jeu qui donne toute sa personnalité à la VITA. D’autant qu’il se joue de façon classique sur PS3, et avec les écrans tactiles sur VITA. Là ou Nintendo ne s’est peut-être pas autant consacré à l’innovation et aux productions indé' lors de la présentation de la DS (quoique, tout est relatif, rien n’est ni tout blanc ni tout noir) qu’ils auraient dut, SONY n’hésite pas à proposer des softs ingénieux et jamais vu.

Si il y a bien une chose que l’on ne peut reprocher à Sony Computer Entertainment, c’est sa propension à soutenir les concepts ambitieux et originaux ! De tout temps, cela a été une des marques de fabrique de la firme (souvenez-vous de Kula World sur Playstation ou encore Katamari Damacy sur Playstation 2), et en ce sens, la VITA propose presque autant de ce genre de jeux novateurs que de blockbuster aux mécanismes éculés.
Intrinsèquement, il est compréhensible que Sound Shapes soit loin d’intéresser tout le monde, il est bien loin des canons du genre et des modèles de jeu dit "amusants". Mais au-delà du jeu, c’est surtout le concept qui est à noter ici, car ne dit-on pas que le jeu vidéo est parfois le 10ème art ? Il ne faudrait pas qu’il usurpe ce titre honorifique. Paradoxalement, la VITA avec ses capacités techniques monstrueuses, devient peu à peu une figure de proue du petit jeu sans prétention, voir appartenant à cette vaste famille qu’est l’industrie indé'.

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publié le 14/08/2012 à 18:52 par anakaris

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Baroque, ses musiques de folie (critique d'OST)

Vas-y Anakaris, balance le son! ♪

J’aimerais mettre une petite chose au clair avant de commencer la critique proprement dite ; sachez que je ne noterai pas les bandes-son de façon mathématique : trop scolaire, trop précis, trop artificiel. La musique d’un jeu vidéo, et à plus forte partie celle d’un RPG se définit au feeling, aux sensations que l’on éprouve à l’écoute, c’est pour cela qu’il ne tiendra qu’à vous d’annoter un chiffre à mes différentes critiques. Ceci dit, passons à l’OST de ce jour.
Baroque est un RPG à tendance action et/ou dungeon selon les versions, largement méconnu. Je dis selon les versions, car l’opus d’origine fut édité en 1998 sur Playstation et Saturn, puis a bénéficié d’un remake sur PS2 en 2005, ce même remake porté sur Wii deux ans plus tard. Doté d’une inspiration artistique et graphique particulière et d’un scénario alambiqué, il en résulte une bande-son tourmentée, mystérieuse, déshumanisée, effrayante parfois, signée par celui qui me semble être le maître du genre, rien qu’avec cette œuvre : Masaharu Iwata.

C’est précisément l’OST du jeu original sur PS1 qui nous intéresse donc ici.

Great Heat 20320514 – 2.28
Tout d’abord, et pour tout ceux qui se demanderaient ce que signifie le titre, sachez que ce n’est ni plus ni moins que la désignation de la fameuse catastrophe qui s’abattit le 14/05/2032 (soit le 14 Mai 2032) sur le monde de Baroque : la Grande Chaleur.
Première piste, premier moment d’émotion macabre, d’hors et déjà nos oreilles se voient attaquées par un son déshumanisé, battant le tempo comme un rythme cardiaque mécanique. Un instrument digital crée des sortes de sons liquides, qui s’écoulent comme un fluide sombre et visqueux. Le synthé oppressant vient s’ajouter à la "fête" vers 1 minute 23 secondes et occultant presque toute la première partie par une mélodie sombre, mais néanmoins mystérieuse. La musique fait mouche, on craint d’aller plus loin pour découvrir ce que le monde étrange de Baroque a à nous offrir, mais on est irrémédiablement attiré vers la suite. La piste se termine par des sons d’ambiance électronique qui rappelle un peu les thèmes de Metroid Prime (en réalité ce serait plutôt l’inverse, puisque l’OST ici présente date de 1998 ).

Into our Trespasses – 1.10
Des chœurs froids et mystérieux ouvrent la courte piste à une ambiance malsaine, les voix presque angéliques couvrant une volée de bruits de fond comme des petits coups de tonnerre, ou de choses en percutant d’autres. Vers les trente secondes du thème, une autre composition qui vient compléter le son nous plonge véritablement dans une atmosphère mystique.

Sanctuary – 2.53
Une piste à la bibliothèque de sons vastes et variés, mais surtout oppressants et morbides à l’extrême. Des bruits de gouttes d’eau qui tombe au sol, comme dans un égout putride, des rats qui ricanent de votre peur, des bruits métalliques aigus et une résonance d’orgue mal accordé dans le vide. La piste n’est au final qu’une succession de bruitages savamment accordés pour faire battre votre cœur à tout rompre pour le peu que les conditions y soient idéales, mais une mélodie véritable manque. Un parfait thème d’ambiance pour un survival horror en tout les cas.

Iraiza – 2.48
Si le manque de fil conducteur mélodique des précédentes pistes vous a laissé dubitatif, écoutez Iraiza ! Rappelant à plus d’un titre certaines compositions de Silent Hill (qui, pour le coup, sur certaines pistes se voient surclassées à mon goût !), Iraiza est un petit chef d’œuvre d’ambiance oppressante et accablante. Des percussions insistantes en fond viennent maintenir l’auditeur dans une sorte de transe (comme sur Room of Angel de Silent Hill 4, justement) tandis que le synthé et ses notes électroniques résonnantes tentent de s’insinuer dans notre esprit, suivant une mélodie nostalgique, fataliste à souhait. On se croirait sur une terre désolée, sans vie, sans espoir, alors que l’on pense à ce qu’est devenue l’humanité après la Grande Chaleur. La piste n’est véritablement composée que de quelques notes, mais la mise en ambiance du tout relève tout simplement du génie.

Confusion – 3.05
Une sorte de souffle de vent comme dans le creux d’une vallée (cela me ramène étrangement à l’ambiance qu’il y a dans Resident Evil 4, justement dans une vallée sans fond) vient nous inquiéter tandis que de lourdes percussions, semblables à un colosse qui essayent d’enfoncer une porte de fer, toujours de plus en plus brutalement précède une série de sons étranges et très difficiles à qualifier. En mon for intérieur, j’ai l’impression de voir un train débarquer en gare, les bruits de roulement sur les rails s’apparentant à cela. Mais tout est histoire d’impression sur cette OST, le tout étant tellement ambigu. Le vent prend des allures de sourds hurlements comme si le souffle prenait vie, une véritable aura teintée de mysticisme troublant s’empare du rythme de la musique à mesure que les sons se font plus étranges encore. Ici, comme sur Sanctuary, pas de mélodie conductrice, mais une ambiance angoissante menée de main de maître ; les quelques derniers sons rappelant vaguement le bruit que fait quelqu'un en marchant avec une jambe artificielle, sertie de broches de métal clinquantes sur les pavés. Une chose est sûre, c’est que la piste porte bien son nom.

A Style of Baroque – 1.14
Une musique qui va très vite à l’écoute, et ne mesurant à peine plus que Into our Trespasses. Les notes du début tranchent beaucoup, avec des claquements secs et sévères conduits par des battements sourds et rythmés. L’ambiance qui en découle est beaucoup moins inquiétante que ne peut l’être celle de Iraiza par exemple, mais la piste remplit plutôt bien sa fonction : faire monter la pression en un peu plus d’une minute jusqu'à la prochaine explosion d’anxiété.

Namu Ami – 3.07
Après cette relative accalmie émotionnelle, l’OST nous replonge dans un monde fou, extravagant, oppressant avec une nouvelle piste purement destiné à servir une ambiance malsaine, sans mélodie particulière cela étant. Très vite, un malaise vient nous prendre au cœur avec des notes presque agaçantes venant du fond de la composition, ces notes, perpétuelles et faisant penser aux résonances d’un bruit sourd dans un conduit métallique accompagnées de sortes de frottements rapides comme pourrait le faire un rat ou un scorpion en déplacement. Dérangeant à souhait, la musique se conclut par des sortes de ricanements à en donner la chair de poule, Masaharu Iwata continue à nous servir quelques pistes d’ambiance en forme de melting-pot de tonalités inquiétantes. Du grand n’importe quoi pour la plupart d’entre nous je le conçois, mais ça a le mérite de porter ses fruits, nos esprits ne sont pas occupés par les Bisounours loin s’en faut, et c’est ça qui compte !

Little – 2.32
Little ! Voici un des thèmes les plus marquants de cet album, monumental d’efficacité, sa simple mélodie faite à base de synthé rappelant les vieux films d’extra-terrestres des années 70. Une reprise du thème principal accompagne des sortes de complaintes languissantes d’enfants, d’enfants plus morts-vivants qu’autre chose ! Dans une cacophonie déroutante de fond sonore, des coups de tambour rythment cette inquiétante composition, le synthé finissant par nous pénétrer tout entier au bout de ses 2 minutes 30 de musiques désolante. Un nouveau chef d’œuvre du genre !

One foot in the Grave – 3.33
Autrement dit,"un pied dans la tombe", le ton est d’hors et déjà donné. Et nous voilà face à un monument du genre, encore une des meilleures pistes de l’OST assurément. Le rythme martial, vigoureusement identique du début à la fin (et rappelant vaguement le thème du hangar à tank dans Metal Gear Solid 1 : Tank Hangar) est le maître mot de cette composition. Les coups de percussion en fond insistent sur l’ambiance fataliste que tente d’instaurer, avec succès la piste. Néanmoins, et pour véritablement transformer ces quelques 3 minutes 30 en un véritable coup de génie, une mélodie d’une simplicité mais en réalité d’une puissance émotionnelle à couper le souffle vient s’instaurer à 1 minute 52. Un sentiment ravageur de tristesse et de mélancolie, de résignation aiguë s’installe alors dans notre cœur, le broyant, l’écrasant avec constance et organisation, on est prisonniers, et Iwata est notre geôlier imperturbable.
Écouter ce thème seul est une chose, mais l’écouter en connaissant l’histoire du jeu, en ayant déjà goûté de près à son ambiance, cela révèle tout simplement du moment d’anthologie, cadencé à 3 minutes 33, et ça s’appelle sombrement One foot in the Grave.

Alice In – 3.29
Après cette succession de pistes excellentes, je me demandais bien ce que pouvais m’offrir encore cette OST bel et bien hors du commun. Le thème Alice In commence doucement par un étrange bruit de halo, rappelant légèrement des bandes son comme celle de Dino Crisis, mais cette douce impression se fait obturer par ce qui semble être un languissant violon récitant sa partition de la façon la plus triste qui soit. Aidé vers la fin par quelques notes timides de triangle, l’utilisation d’instruments aussi simple pour cette piste surprend par rapport à l’excellente ambiance qu’elle distille comme ses consœurs. Un air d’authenticité en plus par rapport à Sanctuary par exemple, comme si c’était l’hymne d’une église, mais un léger manque de rythme à mon goût.

One – 2.38
Comme sur Confusion, un souffle de vent macabre vient s’abattre sur nos oreilles, avant qu’une sorte de chœur électronique et froid installe en moins de 10 secondes une ambiance tout bonnement effarante. D’un ton presque angélique, les chœurs nous emportent, nous donnent des frissons tant la piste semble être frappée de l’ordre divin, une courte reprise du thème principal avec une harpe au son étrangement bien aiguisé vient finir cette musique.

Neverending cycle – 0.57
Piste très courte de transition, un nouveau bruit de halo persiste tout au long de la minute que dure la musique, accompagné de très timides chœurs féminins comme sur One. Une piste qui se laisse écouter sans trop de soucis, mais qui n’a pas véritablement d’intérêt pour qui veut juger de la qualité de l’OST dans son entier.

Multiplex – 4.00
S’il y a bien une chose dont on peut qualifier l’OST de Baroque, c’est d’être mystérieuse avec des titres de musiques pour le moins ambiguës, voir totalement incompréhensibles même lorsque l’on a joué au jeu ! La piste commence une fois encore avec des chœurs, comme au sein d’une église, envoûtante comme tout. 1 minute 15, et un fond inquiétant s’insinue dans la composition, avant de faire place à un fond orchestrale que l’on devine imposant par la force tranquille que dégage sa sonorité. Un piano accompagne le tout, reprenant de façon douce mais au combien magistrale le thème principal… La dernière partie de la musique laisse régner en maître un silence apaisant, accompagné des même chœurs féminins qu’au début mais délivrant subtilement une puissance moindre, afin d’entretenir la sérénité relative avant la prochaine piste…

Hold Baroque Inside – 4.10
Voici enfin venir le thème principal du jeu, bien que l’on ait pu croire que ce soit Great Heat 20320514 et après de très nombreuses écoutes, je peux garantir que c’est celui-ci, les autres n’étant que des arrangements. Impressionnant, marquant, époustouflant même, n’ayant point peur des mots ! Par où commencer…
D’une exquise puissance, d’un héroïque maîtrisé, non pas grandiloquent mais pondéré, d’une harmonie rarissime, d’une simplicité presque évidente et pourtant d’une efficacité sensationnelle, voilà ce qu’est Hold Baroque Inside ! Un piano aux notes légères comme l’air ouvre la composition sur fond de timides chœurs, qui ne cherche aucunement à s’imposer. Une couverture de cymbale régulière s’appose aux notes de piano, puis l’instrument digital mène le rythme tout en rigueur et en bizarrerie typique de ce monde. Le piano assure un tempo rapide en fond, jouant les quelques notes touchantes qui caractérisent ce fameux thème principal. Pourtant, le tout reste d’un calme assez stupéfiant, multipliant ainsi la force de l’effet épique et mémorable qu’est celui de ce thème d’exception. La fin de la musique tranche littéralement avec tout ce qui se fait sur le reste de l’OST, pour la seule et unique fois, nous ne sommes pas stressés, angoissés, nous n’avons pas l’impression de jouer à un survival horror plutôt qu’à un RPG. La spiritualité plus ou moins concrète qui se démarque de chaque thème écouté jusqu’à présent, trouve vraisemblablement leur summum avec Hold Baroque Inside, là ou d’autres jeux d’horreur misent sur des thèmes d’ambiances électroniques ou la modernité, mais accessoirement aussi l’insipidité des sonorités présentes prône.

Deep Interludium – 1.45
Composé par Iwata mais savamment arrangé par John Pee, vieil ami du compositeur, le style en découle légèrement de cette assez ingénieuse association. Déjà responsable de Treasure Hunter G, Pee signe là une piste grave, faite de sonorités fortes et pressantes sur une mélodie plutôt alarmiste. On n’est pas stressé à son écoute, mais plutôt attentionné, comme lors des fameuses scènes de fin de chaque Resident Evil où il nous faut fuir alors que nous sommes chronométrés. Une piste qui change légèrement de ce qui nous est donné d’écouter sur cette OST, mais qui passe en fait relativement inaperçue tant cette piste manque de durée et de véritable passage culte pour faire face à des thèmes comme Hold Baroque Inside, One foot in the Grave ou encore Little.

204 Forest – 1.02
A nouveau un nom étrange pour une piste d’à peine plus d’une minute. Le titre même pourrait nous faire penser à un thème de la forêt Kokiri dans The Legend of Zelda, d’autan que les premières notes se font mystiques, prompt à épouser le style médiéval fantastique du monde de Link. Composé par Toshiaki Sakoda, le début relativement calme laisse place à une fin au ton sympathique d’héroïsme, la musique rend plutôt bien, bien que l’héroïsme soit loin d’être un thème fort du jeu.

205 Blue – 1.22
Deuxième thème de cette trilogie de pistes de fin composé par Sakoda. Le tempo se fait bien plus nerveux que sur la piste précédente, faisant penser à plus d’un égard aux musiques de Mortal Kombat. D’un caractère assez atmosphérique, sombre et alarmant, les volées de sons bizarroïdes nous ramènent avec joie aux compositions de Masaharu, mais une véritable mélodie, signe principal distinctif des deux compositeurs vient nous emporter dans un tout autre monde. La fin est accompagnée de bruits de voix étranges avec des tambours vigoureux qui évoquent les chants de clans guerriers de l’Afrique profonde.

206 Black – 0.34
Dernière piste de l’OST, et aussi la plus courte de toute ! Difficile de se faire un avis véritable sur ce petit monument de non-conformisme. On aurait pu espérer un dernier thème composé par Masaharu, une piste effrayante et hautement angoissante dont lui seul semble avoir le secret, au lieu de cela, nous avons quelques trente petites secondes faites de sons insistants et accordés de façon plutôt rythmée. Mais la fin vient vraiment trop rapidement, avec une conclusion à laisser coi n’importe qui, un bris de verre surprenant et tranchant littéralement avec le reste de la piste vient nous délivrer ; comme si l’on avait enfin cassé le miroir sans teint de ce monde apocalyptique dans lequel nous étions enfermés !

Quelle OST que celle de Baroque ! Une véritable révélation qui m’est été donnée d’écouter en ce début d’année 2010, lorsque j'ai découvert le jeu. Disposant d’énormément de thèmes d’ambiance, on en vient à presque lui pardonner intégralement cette disproportion tant la qualité des musiques est grande. L’OST de Baroque se compose donc de thèmes pesants, effrayants même, parfaitement déroutants et à même d’accompagner nos pensées les plus morbides, à l’image de Sanctuary ou Little. Ne manquant pas de rythme avec par exemple One foot in the Grave, définitivement l’une des toutes meilleures compositions de l’album, l’OST sais aussi nous servir des thèmes poignants et à la puissance spirituelle surprenante comme Hold Baroque Inside ou Iraiza. Ne manquant pas d’idées fourmillantes, de sonorités originales et de cadences marquantes, cet album se démarque véritablement dans son propre genre, entrant directement en conflit avec les ténors du style tel que Silent Hill ! Ce tour de force de celui qui est connue pour être l’éternel compagnon du grand Hitoshi Sakimoto est à placer selon moi au sommet du genre, mais une ouverture d’esprit déjà bien entamée doit être nécessaire pour savoir apprécier pleinement l’OST, autant que le jeu !

❤

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elricyann, momotaros, rosewood, smartcrush, loudiyi

publié le 10/08/2012 à 18:13 par anakaris

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