De très nombreuses fois, et régulièrement, bons nombres d’entre vous sur Gamekyo vantaient les mérites de The Legend of Dragoon. Lorsqu’un article believe du genre ‘’quelle suite souhaiteriez-vous ?’’ ou encore ‘’Sony prépare plusieurs annonces secrètes’’, c’est infaillible, The Legend of Dragoon (un second opus ou un remake du premier) montrera le bout de son nez aux côtés d’autres fantasmes vidéoludiques comme Resident Evil 2 remake (ah bah non, on l’a déjà lui), Final Fantasy VII remake (ah, on l’a aussi…) ou encore Half-Life 3 (ah, lui c’est sûr on ne l’a pas, hein Shanks ?!). C’est vraiment un des immanquables qui prend souvent rendez-vous lorsqu’il s’agit de titiller la fibre nostalgique et qui cristallise bien des utopies. Mais alors que l’on sait très bien qu’un Final Fantasy VII ou un Resident Evil 2 mérite haut la main ce genre d’insistante petite lubie de fanboy en manque, qu’en est-il de The Legend of Dragoon ? Mérite-t-il vraiment qu’on réclame autant à cor et à cri un remake ou une suite de ce jeu produit par Sony, qui semble depuis perdu dans les limbes des productions uniques n’ayant jamais eu la chance de voir quelconque descendance arriver dans nos magasins de jeux vidéo favoris ? La question mérite clairement d’être posée !

On ne le répétera jamais assez, mais quand Final Fantasy VII est sortie en 1997, c’était un séisme dans le monde du jeu vidéo et plus particulièrement dans le domaine du RPG japonais. Il me faudrait un article complet (et très long) pour parler de l’impact qu’a eu FFVII, d’un point de vue symbolique autant que commercial et créatif sur toute l’industrie. Aussi, là n’est pas tout à fait le sujet. Toujours est-il qu’à l’instar d’un Super Mario Bros., qui dès 1985 commençait à faire beaucoup d’envieux qui tentèrent de créer leurs petites mascottes rigolotes/anthropomorphes/cartoonesques pour essayer de rafler la mise, beaucoup de studios (et parmi les plus renommés) ont flairé la bonne affaire très en vogue à la fin de la décennie 1990, à savoir le RPG. Capcom avait déjà pris le train en route il y a plusieurs années avec Breath of Fire ; Konami et Namco un peu plus tard avec respectivement Suikoden et Tales of Phantasia ; SEGA avait déjà financé un vaste programme de ‘’réarmement’’ en matière de J-RPG de sa Megadrive, désavantagée dans ce secteur face à la Super Nintendo. Même Sony, qui pourtant avait déjà de nombreux gros titres tiers dans son giron mettait la main à la pâte et n’hésitait pas à éditer des projets en occident (Final Fantasy VII, justement) ou carrément les produire (Wild Arms, Arc the Lad). De là à dire qu’à la fin des années 1990, la tête de Squaresoft, roi du monde, avait été mise à prix, il n’y a qu’un pas. Tout le monde voulait se payer une part du gâteau. Il n’y a guère que Nintendo, comme d’habitude, qui allait à contre-courant avec leur Nintendo 64 assez peu pourvue en J-RPG.

D’ailleurs, The Legend of Dragoon, dont le développement débute en cours d’année 1996 est dirigé par un ancien de chez Squaresoft : Yasuyuki Hasebe, ayant déjà tenu quelques rôles mineurs sur Super Mario RPG et Final Fantasy VI. Cet homme, à la tête d’une petite équipe verra rapidement ses effectifs croître jusqu’à atteindre la centaine d’employés. Pour l’époque, c’est assez exceptionnel, y compris chez un éditeur/constructeur tel que Sony. Encore une fois, seul Squaresoft été capable d’une telle démesure pour produire un J-RPG en ces temps. D’ailleurs, l’analogie avec les jeux de Squaresoft ne s’arrête pas là. Et quand on a connaissance de ce qui fait les éléments constitutifs de The Legend of Dragoon, on comprend pourquoi il fut tant apprécié par un noyau dur de fans, occidentaux en particulier. Pour commencer, le scénario ne tarit pas de moments épiques, il garantit un rythme de tous les instants et dissémine un joli lot de scènes cinématiques en images de synthèse toujours très impressionnantes. Le total en minute n’est pas à la hauteur de l’heure de cinématique d’un Final Fantasy VIII ou IX, mais la qualité cinématographique est au rendez-vous. Le scénario, dans les grandes lignes, est particulièrement convenu et là encore, on n’a aucun mal à faire le parallèle avec presque n’importe quel Final Fantasy sorti entre 1991 et 1999. Shana, la meilleure amie du héros, Dart, est enlevée par l’empire Sandor, qui a tout d’un empire puisqu’il est totalitaire, tyrannique et mené par des êtres assoiffés de pouvoir prêts à toutes les destructions pour assouvir leurs fantasmes. J’en veux pour preuve qu’ils n’ont kidnappée qu’elle, mais qu’ils n’ont tout de même pas omis de foutre le feu au village de Dart en guise de cadeau bonus, totalement gratuit. Dart, qui possède une relique renfermant les pouvoirs du dragon aux yeux rouges (non, non, rien à voir avec Yu-Gi-Oh !) et n’écoutant que son courage décide de voler au secours de son amie. Sur le chemin, il devra bien entendu découvrir jusqu’à six autres artefacts pour réunir les dragons de la légende et vaincre l’empire maléfique.



Tout y est, ou presque. Les méchants contrôlés par un méchant encore plus méchant (comme Vador qu’on découvre guidé par l’Empereur, ou Golbeze dont l’ombre ne cache que Zeromus, le véritable mal absolu de Final Fantasy IV) ; le village en feu qui marque le point de départ de tout voyage initiatique (manquerait plus que Dart soit amnésique) ; le protagoniste dont on attend le ‘’je suis ton père’’ (ou en l’occurrence le grand-père, avec Haschel et Dart) à tout moment ; l’ami qui se sacrifie en plein milieux de l’aventure à la manière d’une Aerith… Cependant, force est de constater que The Legend of Dragoon fait bien les choses. Les enjeux sont régulièrement renouvelés et l’aventure demeure tout à fait palpitante. C’est une grande épopée, plein de poncifs mais dont le sens du rythme a de quoi toiser du regard même les plus grands.

La représentation graphique reprend le même schéma que celui établi par la saga au double F. Des personnages en 3D dans des décors en 3D précalculée (ou 2D si vous préférez). La Playstation en a fait son fer de lance pour beaucoup de jeux très ambitieux qui en 3D auraient été beaucoup trop lourds et coûteux à modéliser. Les Resident Evil notamment ont très bien sut tirer parti de cette technique. Tandis qu’Enix s’essayait à la full 3D avec son Dragon Quest VII, à ses risques et périls. Outre une mise en scène grandiose, The Legend of Dragoon propose des décors vraiment soignés et une modélisation tout à fait honorable. Sony maîtrise son sujet et sa console, l’exigence d’un visuel fignolé, digne d’un AAA (même si à cette époque, le terme n’était pas employé) était déjà présente. Malheureusement, la technique de haute volée ne côtoie hélas qu’un gameplay sympathique, abordable, mais relativement creux sur la durée et plein de fausses bonnes idées.

Qui dit RPG dit combat, des tonnes de combat en l’occurrence, dans un J-RPG, c’est la norme. Les combats se déroulent au tour par tour sans aucune jauge qui se rempli au fur et à mesure du temps qui passe, on est sur du Final Fantasy X avant l’heure si vous préférez. Deux choses vont vous sauter quasi immédiatement au visage dès les premiers combats. Tout d’abord, l’absence d’une option magie. En effet, aucun personnage ne peut en maîtriser d’ordinaire. En lieux et place, vous pourrez balancer des objets offensifs qui utiliseront les éléments (eau, feu, vent, terre, lumière, ténèbres, foudre et néant), mais de véritables magies pourront tout de même être utilisées, j’y reviens un peu plus tard. La seconde chose qui frappe et qui offre un peu de saveur à ce système de combat simpliste, ce sont les combos. En fait, en choisissant l’option d’attaque classique, vous ne resterez pas passif tant que l’animation d’attaque se fera, sous peine d’occasionner des dégâts assez minimes à votre adversaire ! Au lieu de cela, le jeu vous demandera d’appuyer au bon moment sur les touches adéquates de votre manette pour valider un enchaînement de coups qui gonflera le montant des dégâts réalisés. C’est simple et efficace, ça donne lieu à de belles animations rappelant le furieux Renzokuken de Squall dans Final Fantasy VIII. Plusieurs combos, de 3 à 7 selon les protagonistes seront à débloquer au fur et à mesure du gain d’expérience et ceux-ci se feront plus complexes en fonction de leur puissance. Expérience qu’il faudra d’ailleurs collecter principalement via les boss, en général relativement aisé à appréhender mais généreux en xp, plutôt qu’avec les monstres ordinaires qui ne donnent que peu de récompense. Les monstres faibles servent en revanche à autre chose et là entre en compte une autre petite singularité du système de jeu : le mode défense. Ce n’est pas tout à fait inédit car les FF ou Breath of Fire le font déjà, mais pas de la même façon. Se placer en mode défense dans The Legend of Dragoon divise les dégâts reçus par deux, invariablement, et en plus régénère une petite somme de point de vie. Utile lorsque vous êtes à cour d’objet curatif et que vous devez recharger les batteries. Cette tactique est à utiliser contre des monstres faibles, donc, puisque le boss vous occasionnera généralement trop de dégâts pour que le petit soin soit réellement efficace.

Le dernier morceau du système de combat qui a clairement fait son effet à l’époque, ce sont les transformations en Dragoon, ces chevaliers mythiques habités par les infernales puissances magiques de dragons ancestraux. Dès lors qu’on opte pour cela, notre combattant se meut en une entité tout en armure du plus bel effet, la direction artistique est encore aujourd’hui agréable à l’œil. Ça leur donne l’air de véritable chevalier d’Athéna en armure divine, ou en tout cas, on se plaît à le croire. Revêtu de cette armure, Dart, Rose et consort obtiennent une puissance dévastatrice et maîtrisent enfin de véritables magies, malheureusement en nombre très limité. Les magies épuisent vite les réserves d’énergie du personnage et au bout de deux ou trois sorts, il faudra donc se rabattre sur les attaques physiques.



The Legend of Dragoon désire en foutre plein les mirettes. D’abord avec des graphismes haut de gamme et un déluge d’effets spéciaux de tous les instants (bordel, les transformations en Dragoon, ou les super magies qu’on peut balancer sous cette forme…) mais aussi avec un système de combat facile à assimiler, avec quelques commandes claires et surtout un éventail d’action qui dynamisent énormément les combats. En soi, l’idée des combos est bien pensée, ça contribue à donner une sorte de chorégraphie aux joutes qui s’en sortent électrisées et visuellement épatantes. Mais dans le fond, et après quelques dizaines d’heures de jeu, on déplore quelques couacs. Ce sont les fausses bonnes idées dont je vous parlais plus haut. D’abord, les nouveaux combos s’apprennent à mesure que vous maîtrisez et répétez les anciens. Si bien que si vous ne parvenez pas à correctement enchaîner les touches qu’on vous demande, vous ne verrez jamais le combo suivant. Certains combos parmi les plus complexes peuvent donc être pénibles à réaliser à répétition pour avoir le droit d’utiliser le suivant, et après avoir utilisé 25 fois le même enchaînement, on comprend qu’on puisse être lassé. La solution la plus évidente aurait été de rendre disponible au moins deux ou trois combos différents par pallier, histoire de ne pas tourner sur le seul et unique combo du niveau pendant des heures. Heureusement, chaque personnage aura sa manipulation et son rythme propre, ce qui casse la monotonie des enchaînements.

Cependant, et on s’en rend compte bien vite, c’est presque l’intégralité du système de combat que je vous ai décrit dans ces quelques derniers paragraphes. The Legend of Dragoon repose sur ses combos et ses Dragoon. Plutôt faibles comme panel d’option. Les armes upgraderont vos statistiques de façon très classiques et seront à acquérir régulièrement au marchand du coin, mais ne comptez pas sur une forge ou tout autre moyen de craft pour vous procurer une épée qui sorte un peu de l’ordinaire : ça n’existe pas dans The Legend of Dragoon. De plus, étant donné que les personnages ne maîtrisent aucune magie hormis avec un objet et leurs capacités de Dragoon, il n’y a aucun sortilège de soutien ou de défense. Pas de bouclier, ou de maléfice pour rendre confus ou aveugle le monstre d’en face, ce qui réduit considérablement l’approche tactique de tous les combats du jeu, surtout ceux contre les boss. D’ailleurs, souvenez-vous, je vous ai dit que les magies qu’on pouvaient utiliser s’utilisaient comme des objets. Autre idée qui brille par son incohérence et la frustration qu’il évoque en nous : l’inventaire extrêmement restreint. 32 objets au total pourront être transportés à la fois, si bien que les objets de magies côtoieront une paire d’objets curatifs (qui seront naturellement prioritaires, puisqu’il n’y a que comme ça qu’on peut se soigner efficacement entre deux combats). Le manque de place inexplicable de l’inventaire se fera bien souvent en dépit des objets magiques si bien que vous ne risquez pas réellement d’utiliser les magies très souvent, vraiment dommage !

Le soft de Sony ne comporte pas non plus d’attaques combinées, alors que cela aurait été de bon ton puisqu’on dénombre dans notre équipe beaucoup de protagonistes partageant des pouvoirs de même nature (les Dragoon). Puisqu’il n’y a pas réellement de magies ou de compétences, il n’y a guère d’option d’exploration non plus. Pire, l’open world cher à bon nombre de puristes du RPG n’est en fait ici qu’un tracé en pointillé qu’on nous impose entre deux lieux clés. Autant dire qu’on n’est jamais perdu, guidé de façon machinale d’un évènement à un autre sans possibilité de découvrir en profondeur le monde qui nous entoure. Particulièrement frustrant car on sent que le jeu aurait pu nous offrir des quêtes annexes foisonnantes et intéressantes si ce point de détail avait été convenablement abordé par l’équipe de développement. The Legend of Dragoon propose un système de combat en phase avec ses graphismes : époustouflants sur la forme, mais creux dans le fond, sans évolution et sans aspect stratégique suffisamment profond pour tenir le joueur en haleine durant soixante heures. Quand il passe après Final Fantasy VII et ses combinaisons de matéria, nombreuses et intelligentes pour obtenir des effets étonnants ; ou quand il passe après Final Fantasy VIII et son système ultra complet d’association de magie aux statistiques couplé à la foultitude de compétences passives fournies par les G-Force, The Legend of Dragoon fait office de jouet pour enfant.

Un J-RPG simplifié pour plaire à l’occident ? C’est insultant mais on ne peut s’empêcher d’y penser. Le constat est brutal mais réaliste !



Dans l’introduction du test, on se posait la question de savoir pourquoi The Legend of Dragoon était tant aimé, surtout par une fanbase occidentale encore vivement présente sur l’Internet. Désormais, je comprends. Dans sa mise en forme, le soft de Sony est de loin la meilleure réponse aux stars qu’étaient les Final Fantasy de la Playstation. Dans son intention, The Legend of Dragoon répond de façon idoine aux avalanches de CGI et de scénario grandiloquents des œuvres de Squaresoft. Et pour cause, puisqu’il utilise les mêmes armes, les mêmes topiques. Un empire du mal, une troupe de valeureux héros aux pouvoirs mystiques dont ils héritent via une prophétie antique, quelques retournements de situations savamment distribués tout au long de l’aventure – quand bien même aucun d’entre eux n’est inédit ou avant-gardiste -, le tout enrobé dans un écrin graphique qui flatte la rétine. C’est beau, mais, comme je l’ai longuement expliqué dans ce test, ça manque un peu de fond. Une sauce béchamel un peu farineuse quoi.

Dès lors, on comprend pourquoi ce jeu a tant plu au Ponant. Les Etats-Unis étaient déjà un peu plus habitués à recevoir des J-RPG que nous à cette époque. Certains parvenaient à franchir les frontières en étant traduits, comme Vagrant Story, au système de combat bien plus élaboré que ce TLOD, mais d’autres demeuraient malheureusement en anglais comme l’excellent Front Mission 3 (à noter qu’il s’agit là encore de jeux de Squaresoft). Si bien que cette pénurie de J-RPG dont les européens et français commençaient à devenir particulièrement friand me fait penser que TLOD est arrivé au bon moment pour bénéficier de la popularité du genre afin de gonfler un peu son chiffre de vente. Ce n’est pas totalement immérité puisque le jeu est bon, quand bien même il a des défauts et a mal vieilli sur certains aspects, mais nul doute que si le jeu n’a pas si bien fonctionné que cela au Japon, c’est que le public cible de l’archipel du Soleil Levant détenait un degré d’exigence nettement plus élevé que nous en la matière à la fin des années 1990. Eux ont été nourris au sein du J-RPG pendant une décennie et demie et de très nombreux prétendants ont tenté de bousculer les codes pour innover dans son système d’exploration ou de combat, tandis que nous en Europe manquions cruellement de point de comparaison. Un The Legend of Dragoon, aussi simpliste soit-il, qui débarque dans ces circonstances aura donc eu toutes les chances de plaire à la masse mal informée et peu sourcilleuse que nous étions en 2000.

Ce n’est pas insultant que d’y consentir, et au fond, ce n’est pas un problème puisqu’encore une fois, The Legend of Dragoon reste un jeu très correct et qui garde un charme tout à fait appréciable même avec vingt ans dans la figure !

Au début des années 1990, les relations entre Namco et Nintendo ne sont pas au beau fixe. Le sanguin président Nakamura de Namco s’est chiffonné avec le non moins volcanique président Yamauchi de Nintendo. En cause, le fait que Namco fut soudainement rétrogradé d’éditeur privilégié à partenaire lambda lorsque la Super Famicom était sur le point de voir le jour. Les termes particulièrement préférentiels des contrats d’édition liants Namco à Nintendo ne furent pas renouvelés, poussant Nakamura à dénoncer la situation de monopole dangereuse et déloyale qu’occupait la firme Kyotoïte. Pour montrer son mécontentement, Namco tente tout d’abord de favoriser la PC-Engine de NEC et Hudson en éditant ses meilleurs soft d’arcade dessus dans des portages impressionnants. Mais Namco est malheureusement contraint de suivre la file des éditeurs qui doivent se plier aux lois du patron. Ils collaborent également avec SEGA pour éditer des jeux comme la trilogie Splatterhouse sur Megadrive mais globalement, Namco se sent prit à la gorge. Quand l’avènement de la 3D pointe le bout de son nez, Nintendo a quelque peu du retard, son Ultra 64 traine la patte et SEGA demeure un concurrent écrasant en salle d’arcade pour Namco. La firme cherche alors un nouveau support domestique pour faire briller ses hits d’arcade, la Nintendo 64 n’est pas disponible lorsque la guerre des 32-bits est déclarée et Namco ne peut se résoudre à aller vendre ses jeux sur la machine de son plus fervent concurrent, SEGA. Vient alors un challenger dans la danse qui n’hésite pas à directement aller faire les yeux doux à Namco, on parle bien entendu de Sony et de leur Playstation.

Le 27 octobre 1993 se tient une conférence de démonstration de la part de Sony qui désire montrer ce que son hardware a dans le ventre. À Tokyo face à des centaines de représentants d’au moins autant de studios japonais, la fameuse démonstration du tyrannosaure en 3D est faite et ébahi son monde. Le mois d’après, Namco est le premier éditeur majeur du Japon à signer un contrat en béton pour développer un paquet de jeu sur Playstation, et notamment des portages de ses fers de lance d’arcade. SEGA, indirectement, aura été le ciment de cette association fructueuse pour deux raisons. La première, déjà évoquée plus haut donc, étant que la société au hérisson bleu était le rival le plus imposant de Namco et que ces derniers cherchaient à s’imposer au-delà des salles d’arcade pour étendre son influence. La seconde étant que SEGA a eu les cojones de parier sur un jeu full 3D précurseur et incroyablement novateur pour l’époque en la présence de Virtua Fighter, sorti en arcade dans les mêmes eaux que la démonstration de Sony. Virtua Fighter sera la preuve éclatante et concrète que la 3D est l’avenir du jeu vidéo (même si toute l’industrie ne sera pas tout à fait convaincue de cela au départ). Fort de ce constat imparable, Namco est résolu à poursuivre Sega dans la folle course à la 3D. Dès lors, qui mieux que Sony et la Playstation aux capacités exceptionnelles pour produire de bons jeux 3D peuvent les accompagner ?

Bref, les astres semblent s’aligner et le partenariat entre Namco et Sony tombe à point. L’un avait besoin d’un support fort pour valoriser ses futurs jeux 3D ; l’autre avait besoin d’un éditeur intarissable pour accaparer une tonne de jeux exclusifs et de qualité afin de faire briller son hardware. Namco est d’autant plus enthousiaste à l’idée de travailler avec Sony qu’ils ont déjà de l’expérience dans le domaine de la 3D. En effet, ils ont produit auparavant des jeux comme Winning Run (1989) et Air Combat (1993), respectivement jeu de course automobile et jeu de dogfight (avion de chasse) via leur système d’arcade Namco System 21, spécialisé dans l’affichage de 3D polygonale. Mieux encore, ils ont de l’avance sur SEGA en ce qui concerne le texturing de polygones. Car là où Virtua Fighter pouvait impressionner par sa modélisation polygonale rarement vue à l’époque, le soft pêchait par une totale absence de texture. Ce qui donnait aux polygones formant les personnages l’apparence de vulgaires blocs de plastique qu’on aurait empilé pour donner la vague image d’un être humanoïde. Une certaine épuration du visuel qui déjà à l’époque avait déplu à quelques personnes. La froideur de ce genre de 3D avait créé ses détracteurs, préférant des sprites 2D finement détaillés et plus représentatifs. Tekken, quand le projet fut réellement lancé en tout cas, fit de la carence de Virtua Fighter un de ses plafond de verre à franchir en priorité. Car de tout temps, pour asséner une grosse claque à son rival, rien de mieux que de le ridiculiser sur le champ de bataille des graphismes et de la technique.

Tekken, à l’origine, n’aurait même pas dut être un jeu. Dans l’optique d’expérimenter et de travailler sa légère avance sur la maîtrise de la technologie des textures sur polygones 3D, le projet n’était qu’un amas de tests et de bidouillages. Un gros dossier cloîtré dans les ordinateurs de Namco servant à une équipe de R&D qui créait de nouveaux outils pour d’autres jeux de la firme. Deux hommes feront du projet intitulé Rave War un ambitieux jeu de combat désirant repousser les limites de la 3D et rivaliser avec SEGA : Katsuhiro Harada et Seiichi Ishii. Le premier est un étudiant en psychologie à l’université de Waseda (établissement que fréquentera également Tomonobu Itagaki, plus tard créateur de Dead or Alive), il est passionné de jeu vidéo et n’hésite pas à sécher les cours pour s’adonner à sa passion. Son orientation professionnelle sera un sujet de discorde dans sa famille. Né de parents travailleurs et un brin conservateurs, Harada leur cachera pendant plusieurs années son véritable métier au sein de Namco. Fort de connaissance dans la psychologie humaine, il se dit que ce serait un atout pour avancer les arguments chocs utiles à la vente et au démarchage, ainsi, il se fait tout d’abord embaucher par Namco dans la branche commerciale. Très vite, il bat des records de vente et les bornes d’arcade estampillées Namco pleuvent sur le marché. Cette prouesse lui donne suffisamment de légitimité pour obtenir ce qu’il désire réellement : être reclassé au sein d’une équipe de développement !

Au début, rien n’est très clair ni très bien définit à ce sujet. Harada prend la tête d’une équipe de recherche qui essaye diverses techniques pour améliorer notamment la modélisation, l’animation et le texturing de polygones 3D. Parmi les gens de cette équipe se trouve plusieurs ex-employés de SEGA ayant travaillé sur Virtua Fighter. D’autres membres de l’équipe se trouvent être des programmeurs et concepteurs responsables d’un certain Knuckle Heads (ナックルヘッズ), sorti en arcade en 1992, un jeu de combat à deux contre deux assez ennuyeux et peu intéressant de l’aveu même de Harada. Cependant, le second personnage sus-cité aura encore plus d’importance pour le premier Tekken. On ne sait pas si son recrutement vient de l’ambition de créer un jeu de combat pour rivaliser avec Virtua Fighter, ou au contraire si c’est son recrutement qui après coup a déclenché une subite envie à Namco d’aller tacler SEGA sur son terrain. Toujours est-il que Seiishi Ishii est déjà un patron dans le domaine, et pour cause. Game designer convoité, âgé d’à peine 25 ans au moment des faits, il n’est nul autre qu’une des têtes pensantes (avec le légendaire Yu Suzuki) à l’origine de Virtua Fighter, le fameux. Autant dire qu’avec un tel élément dans ses rangs, il aurait été dommage pour Namco de ne pas tenter le coup.

De simple projet de recherche, Rave War devient un véritable jeu qui sera très vite renommé Tekken. Tekken, littéralement poing de fer en japonais, conte l’histoire mouvementée de la famille Mishima, se livrant une guerre sans merci et intergénérationnelle. Tout commence (ou presque, les prochains Tekken nous en dévoilent toujours plus sur le passé des Mishima) par le mythique Heihachi, patriarche et chef craint de la Mishima Zaibatsu, une multinationale aux allures de véritable mafia qui trempe dans des affaires louches. Entre production d’armes et trafic en tout genre, la Mishima Zaibatsu tient le Japon d’une main de fer et Heihachi ne recule devant aucune cruauté pour asseoir sa domination. Avec Kazumi, sa femme, il a un enfant nommé Kazuya. Malheureusement, cette dernière décède en mettant bas et Heihachi gardera une haine tenace envers son fils à cause de cela. Il l’entraîne néanmoins au karaté du style de la famille Mishima mais plus les années passent et plus Heihachi est acerbe et intraitable envers son fils. Un jour, alors qu’il était âgé de dix ans, tout au plus, Kazuya subit une véritable tentative de meurtre de la part de son père qui l’avait emmené loin du domaine familial pour ce qui devait au début n’être qu’un simple entraînement. Le féroce Heihachi blesse le jeune Kazuya et le précipite dans un ravin escarpé. Kazuya est à l’agonie, plus mort que vif, et se vide de son sang des dizaines de mètres en contrebas tandis que Heihachi rebrousse chemin. Cependant, Kazuya parvient à rester en vie grâce à un démon venu accomplir un pacte avec lui. Le démon lui donne sa puissance surnaturelle et l’aide à survivre, en échange de quoi, Kazuya deviendra diabolique et devra accomplir les pires atrocités pour contenter la soif de destruction de l’entité qui vient de prendre possession de son corps et de son esprit. Kazuya jure ainsi la mort de son père, un jour prochain. Conscient que son fils brûle d’un désir de vengeance qui ne s’estompera pas avec le temps, Heihachi décide d’en finir une bonne fois pour toute et organise un tournoi d’arts-martiaux où les meilleurs combattants au monde vont se réunir. Au terme de ce tournoi, Kazuya, devenu adulte et un puissant guerrier croise de nouveau la route de son père. Un combat légendaire s’ensuit alors où Kazuya prend l’ascendant sur Heihachi pour à son tour le jeter dans un précipice sans fond…



Voilà, c’est ça Tekken. D’emblée, on évacue tout le côté réaliste et profondément respectueux de l’art-martial traditionnel de Virtua Fighter pour faire baigner le jeu dans une ambiance bien plus proche du manga avec tout son lot d’absurdité et de grandiloquence shakespearienne. Tekken est au jeu de combat ce que Star Wars est à la science-fiction, pas seulement parce qu’on y voit un père et son fils se défier du matin au soir, mais aussi parce qu’il y a des retournements de situations en pagaille, des alliances qui se font et se défont, et si on devait résumer cela grossièrement, on pourrait dire (dans les premiers softs de la série du moins) qu’il y a clairement une bande de gentils face à une bande de méchants. Ou du moins un gros méchant central qui reste pour à peu près tout le casting du soft Heihachi. Tous on leur grief contre le daron à la coupe de cheveux symbolique. Kazuya cherche vengeance, meurtrière de préférence ; Yoshimitsu veut rafler un paquet de pognon à Heihachi pour nourrir les pauvres du village qu’il protège ; Michelle Chang cherche à se venger, elle aussi, du meurtre perpétré sur son père par Heihachi qui cherche à s’emparer du pendentif familial, relique sacrée censée donner bien des pouvoirs à son possesseur ; Nina est embauchée comme tueuse à gage pour tuer Heihachi mais on sait que ce n’est probablement pas Kazuya qui est son commanditaire puisque dans Tekken 2, c’est au fiston qu’elle va devoir s’en prendre ; Wang Jinrei, vieillard expert du Xing Yi Quan est également un ami du père de Heihachi, à qui il a juré de surveiller son fils et de le remettre dans le droit chemin s’il le fallait. Étant témoins de la recrudescence de cruauté de Heihachi au fil des ans, Jinrei s’est juré de faire cesser son ascension dans la folie… Etc.

C’est un véritable imbroglio de mélodrame que Tekken nous propose dans sa première itération, et cela ne fera qu’empirer pendant les vingt cinq et quelques années que vivra la saga. Ce parti pris et cette liberté scénaristique assumée par les développeurs (d’autres qualifieront cela de grand guignol, ce qui n’est pas forcément irrecevable en fait) garanti une liberté au moins égale lorsqu’il s’agit de garnir le jeu d’un casting de personnage très éclectique. Si éclectique qu’on y trouve pêle-mêle un lutteur mexicain de deux mètres qui porte un masque de jaguar en permanence, un ninja cybernétique aux techniques de combats particulièrement acrobatique ; un ours, garde du corps personnel de Heihachi (oui, oui), un colossal robot de guerre à visage humain manifestement inspiré d’un certain Arnold Schwarzenegger, ou encore un resucée de la tête au pied de ce bon vieux Bruce Lee, mimiques hyper accentuées et combinaison jaune en cadeau. C’est clairement le cirque, il y en a pour tout les goûts et Tekken fait immédiatement montre de beaucoup plus d’imagination et d’extravagance que son modèle Virtua Fighter. On aime ou on n’aime pas, mais c’est pour sûr ce genre de chose qui donnera son identité à la série et qui lui permettra de traverser les âges. Tekken n’aura pas à se cantonner aux personnages trop terre-à-terre et pourra s’en donner à cœur joie dans l’impertinence et la fantaisie de son roster de combattant, au bon vouloir des designers et surtout de Katsuhiro Harada, de qui vient l’idée de faire combattre un panda et un démon ailé, par exemple.

Une variété de personnages qui n’aura d’ailleurs pas été sans conséquence et qui malheureusement échoue à esquiver quelques écueils. Avec une telle galerie de protagoniste, il était en effet quasiment impossible de nous épargner quelques fautes de goûts et quelques étrangetés malvenues. Nina qui se bat à pied nue dans un horrible Spandex violet, par exemple. Tout sauf sexy. Ou Michelle qui dans son costume secondaire ne porte qu’un haut noir et un jean blanc. Une simplicité assez triste que Harada n'aura pas manqué de soulever dans une interview en disant "C’est une amérindienne mais son costume n’est qu’un pantalon blanc et une chemise noire. Il n’y avait pas vraiment de concept sur ça, ça manquait de consistance.". Comme si l’équipe avait ajouté un costume alternatif par obligation plutôt que par choix créatif. Harada ayant d’ailleurs évoqué le manque de cohérence globale du design des personnages au fil des années (à l’époque de Tekken 1, il n’avait malheureusement pas le droit de décision sur absolument tout le développement de la série) et avoue que s’il le pouvait, il retravaillerait en profondeur et personnellement certains personnages.

Reste que Tekken premier du nom propose néanmoins et d’ores et déjà quelques protagonistes charismatiques et avec qui on prend plaisir à jouer. Le biker au poing fulgurant Paul Phoenix (dont Masamichi Abe, un designer de chez Namco, a influencé le design) partage quelques similitudes avec Jean Pierre Polnareff du manga Jojo’s Bizarre Adventure (et pour cause, Abe en est fan). Kazuya est une sorte de Ryu en un peu moins fréquentable, moins porté sur l’équilibre spirituel et le respect de l’adversaire au combat pour se concentrer plutôt sur la soif de vengeance, mais il n’empêche qu’il présente déjà quelques mouvements qui feront date dans la saga Tekken. Le super uppercut accompagné d’un bruitage brutal renfonce l’impact de la puissance du personnage ; tandis que son coup de pied tournoyant s’apparente au Tatsumaki Senpukyaku de Ken et Ryu mais reste tout de même un enchaînement sacrément classe à réaliser. Heihachi se présente comme un parfait boss de fin, imposant, aux techniques dévastatrices, il s’impose naturellement comme le grand expert en arts-martiaux bourru, aux nerfs d’acier et aux frappes titanesque. Son doublage réalisé par Banjō Ginga (dont on a déjà eu l’occasion de parler car il s’agit aussi du doubleur de Cracker Jack dans Street Fighter EX ; mais aussi Liquid Snake dans Metal Gear Solid ou Astaroth dans Soul Calibur) lui donne vraiment du caractère à chaque frappe. Dommage que ses samples de voix soit partagés avec Jack (qui d’ailleurs les gardera par la suite, tandis que Heihachi profitera de doubleurs différents dans Tekken 2 et 3).



Tekken a trouvé quasiment du premier coup les quelques piliers sur lesquels la saga allait se reposer. Même s’il y a encore besoin d’affinage par-ci, par-là, Heihachi, Kazuya, Paul, Marshall Law, Nina et Yoshimitsu sont déjà là. C’est également le cas du gameplay qui dès la première mouture de la série se présente comme une référence, magnifié par le pad Playstation que l’on croirait taillé pour ce jeu en priorité. En effet, Tekken se sépare nettement du carcan du gameplay de jeu de combat installé par Street Fighter II en 1991. Ici, pas de coup faible ou de coup fort mais un bouton pour chaque membre du corps de votre combattant. Pied droit et gauche, idem pour les poings. Ce qui donne une sensation de fluidité et de simplicité de prise en main quasi immédiate. Cette configuration de touches favorise l’enchaînement de coups afin de créer d’incroyable combo à huit ou dix frappes, chose qu’on arrive à faire après un peu de pratique mais qui impressionne toujours autant. Les quarts de cercle sont inexistants étant donné que les touches directionnelles servent à se mouvoir dans l’espace tridimensionnel, et cela à son importance. Car contrairement à Street Fighter EX déjà chroniqué sur Retro Gamekyo, Tekken fait le choix de se servir réellement de la 3D pour construire son gameplay autour. Ce n’est pas pour faire joli et impressionner les foules. Ainsi, des coups inédits peuvent être porté selon comment vous vous placez par rapport à votre adversaire. Et si vous parvenez à vous faufiler sur son flanc en esquivant une de ses attaques, la punition peut être explosive !

Là où Virtua Fighter se basait sur un système à trois boutons (poing, pied et parade) qui réclamait un timing précis pour pouvoir déclencher des contre-attaques fulgurantes, Tekken se veut plus nerveux. L’offensive est encouragée par la facilité à sortir quelques combos et par la souplesse qu’a la plupart des personnages à se déplacer sur les côtés. Une double pression très brève de la flèche directionnelle choisie les fait bondir en avant ou latéralement. La fluidité avec laquelle on parvient rapidement à déclencher quelques techniques enhardies d’autant plus le joueur. Moins technique dans la gestion du timing et des distances que Virtua Fighter, Tekken se montre abordable pour le néophyte. Mais il n’en oublie pas pour autant l’adepte du challenge avec des combos dévastateurs et parfois aux manipulations de bouton saugrenues pour être maîtrisé. En résulte un panel de coup varié pour chaque personnage qui adopte chacun un style parfois très personnel et la plupart du temps calqué sur des arts-martiaux ou sports de combat réels (judo et karaté pour Paul, catch pour King, taekwondo pour Baek Do San, aïkido pour Nina, etc.).

Cependant, tout n’est pas parfait, et encore moins à la première tentative. Oui, Tekken est facile d’accès, nerveux, impressionnant et enthousiasmant, on avait à l’époque l’impression de visualiser un super ballet d’experts en arts-martiaux qui s’échangeaient des prunes et des tatanes avec classe. Mais le jeu manque cruellement d’équilibre. Jack est capable de déclencher un enchaînement de coup sans interruption, par exemple. Oui, oui, vous avez bien lu, si vous arriver à faire la manipulation idoine et à appuyer en rythme sur le bouton de frappe correspondant, Jack ne s’arrêtera plus de frapper son ennemi jusqu’à ce que vous soyez victorieux. Et comme de bien entendu, le CPU a tendance à user et abuser de ce genre de technique crispante au possible dans les seuils de difficulté supérieur. Il suffit de laisser passer le premier coup par manque de réflexe pour vous bouffer dans les dents les dix ou quinze prochains sans pouvoir réagir. Frustrant ! Dans un autre ordre d’idée, certains personnages comme Paul ou Heihachi sont capables de vous abattre d’une seule et unique frappe. Le vieux à la coupe de cheveux Dragonballesque peut par exemple vous choper par le col et vous briser la nuque, comme ça, clac, rideau, round terminé, game over. Paul, si vous lui laissez le temps (trois à cinq secondes) de concentrer son énergie vous enverra un gigantesque coup de poing qui vous repoussera dix mètres en arrière et fera voler en éclat l’intégralité de votre barre de vie. Un détail qui a son importance et que Harada, là encore, aura noté durant toute ses années. Il raconte : "On n’a presque pas équilibré le jeu. À l’époque on faisait les choses à l’instinct. Ont réglé la puissance des coups manuellement et on n’établissait pas vraiment de cohérence et de rapport entre tous les personnages. Ce n’est qu’à partir du 2 qu’on a commencé à équilibrer la puissance des coups par ordinateur, avec un calculateur qui fixait des données numériques précises et en cohésion avec le reste du jeu.".

Ce genre de détail aura son importance dans le cycle de vie du jeu en arcade. Car les joueurs d’arcade adeptes des jeux de combat sont exigeants, en plus d’être bien souvent de véritables experts. Ils repèrent bien vite les failles du système et savent comparer avec les autres jeux disponibles sur le marché. Tekken est pour ce genre de raison prit moyennement au sérieux par les amateurs les plus critiques de jeu de combat, préférant l’universalité et l’équilibre d’un Street Fighter II ou la technicité et la précision d’un Virtua Fighter. Tekken n’est dès lors vu en salle d’arcade que comme une belle démonstration technique et un jeu plutôt fun à défaut d’être un bon jeu de combat. Ouille !

Heureusement pour lui, c’est surtout sur Playstation, lors de son portage sur la console de Sony, trois mois plus tard, qu’il va se faire remarquer dans le bon sens du terme. La technologie CD permettant de stocker convenablement une bonne partie des données du jeu, la conversion est optimale quasiment en tout point. Pour reprendre la comparaison avec Street Fighter EX qui n’utilise la 3D que partiellement (uniquement pour la modélisation de ses personnages, alors que leur déplacement ne se fait que sur une seule ligne, façon 2D), Tekken ose la full 3D. L’un des points d’orgue avec le travail sur les textures de polygones, c’est l’animation. Bien vite, l’équipe se rend compte qu’il est différent d’animer un personnage dans un environnement entièrement en 3D et un personnage sur une simple ligne d’horizon 2D. Lorsqu’on décompose un mouvement en 2D, il suffit généralement de dessiner deux sprites différents et de les assembler selon une suite logique. Les jeux à l’animation plus léchée peuvent décomposer le mouvement d’un personnage avec d’avantage d’animation intermédiaire, afin de délier le geste et ainsi rendre le tout très proche d’un dessin animé (au risque de mettre à mal la fluidité des mouvements du personnage car plus il y a d’animations intermédiaires, et plus le personnage mettra du temps à revenir à sa position initiale pour que le joueur puisse lancer une nouvelle action). Pour un personnage 3D, on peut modéliser des animations intermédiaires à l’envie, mais ce qui compte c’est la façon dont l’impact avec un autre modèle 3D est retranscrit. L’équipe de Namco voulait faire l’effort sur la façon dont le joueur ressentirait l’impact des coups, elle voulait qu’on ait l’impression de cogner sur un corps solide, un autre combattant, plutôt que sur un sprite léger et virtuel. Pour cela, de nombreuses animations secondaires furent créées pour simuler le coup reçu pour la victime, et donné pour l’agresseur.

Dans Street Fighter II, si Ryu donne un coup de poing gauche, le bras droit ne bouge pas car seul son bras gauche est animé, le reste du sprite de son corps est immobile. Cela convient très bien à un jeu 2D de cette époque. Mais dans Tekken, lorsqu’un combattant donne un coup de poing, il faut que le reste de son corps se positionne avec réalisme, il est impensable d’animer que son bras et de laisser le reste des polygones de son corps totalement immobiles. Cela rendrait le tout visuellement très grossier, donnant des airs de pantin rigide et rouillé aux combattants. Pour se faciliter la tâche et aussi répondre à une des exigences de l’équipe de développement, qui était de retranscrire des mouvements issus d’arts-martiaux réels, de la motion capture fut donc utilisée. Les mouvements les plus complexes furent réalisés par des cascadeurs avec un système de motion capture rudimentaire (bien que déjà révolutionnaire, pour l’époque) et le reste fut travaillé à la main. La masse de travail fut telle que lorsque les concepteurs se sont rendu compte de la complexité du processus visant à créer un panel complet d’animation pour un seul personnage, ils durent recruter du renfort. De vingt employés, l’équipe derrière Tekken passa à près de cinquante ! La qualité et la variété des animations est d’autant plus bluffante que les hitbox ont été conçues en conséquence et sont somme toute assez précises. On a rarement la désagréable impression d’avoir été frappé alors que notre personnage est vraisemblablement hors de porté du coup de pied adverse.

Pour les décors, les développeurs ont eu la bonne idée de ne pas recourir aux limites d’un ring ou d’une arène de combat. Le champ de bataille est virtuellement infini. Exit donc les ‘’ring-out’’ frustrant, souvent désigné comme solution de facilité par les experts qui pestent dés qu’un néophyte arrive à repousser leur combattant en dehors du ring à force de spammer la même touche comme un idiot. Mais ceci à ses quelques inconvénients. Par exemple, il est indéniable que dans certains décors on ait la forte sensation de vide, aujourd’hui comme en 1995. Heureusement, les décors, qui ne sont en fait qu’une image collée en fond d’écran et qui s’étire ou se rétracte en fonction de vos déplacements, sont assez jolies. Les décors nous font voyager et certains comme Angkor Wat ou Monument Valley ont leurs charmes. D’autres comme le Stadium dispose en revanche de couleurs criardes de très mauvais ton. On notera aussi que les décors sont on ne peut plus statiques, contrairement à ceux des jeux de combat 2D qui sont souvent bourrés de petites animations pour rendre le tout vivant. C’était probablement le prix à payer au début de l’ère Playstation pour avoir un jeu en full 3D.



Côté son et musiques, Tekken répond aux ambitions à la fois de Namco et de Sony. En effet, Namco voulait un jeu de combat réaliste et percutant, presque cinématographique. Sony voulait des jeux cool et ‘’jeune’’ pour garnir sa console. Alors, les compositeurs Yoshie Takayanagi et Yoshie Arakawa ont produit une série de musique entre la techno, la dance et l’électro. Globalement, c’est très pêchu et rythmé. Les sonorités sont souvent aiguës et donnent des effets de pulsation insistante à l’ambiance sonore du jeu, comme pour contribuer par le son à l’impact des joutes et des coups qu’on s’échange. D’autres musiques se parent de sons un peu plus tribaux pour installer une ambiance exotique ou dépaysante, comme celle d’Angkor Wat. Une en particulier se dote de sons lents et sombres, portant une ambiance de mort rampante et de solitude crépusculaire : la musique de Monument Valley. Elle détone véritablement avec le reste de la bande-son tant elle distille une ambiance à la limite de l’horrifique, une piste qui aurait parfaitement eu sa place dans un Resident Evil ! Bref, du bon travail, ou en tout cas une proposition qui colle bien avec l’identité et les ambitions du soft. Même si aujourd’hui, les samples ont vieillis et certaines musiques sont clairement passées de mode (on mix ici le dubstep, l’électro, le RnB très discothèque des années 1990… quand même), la BO contribue à faire de Tekken un jeu très bien ancré dans son époque. Un jeu "cool", "à la mode", pari remporté par Namco et Sony donc.

Pour en finir avec les qualités du titre (celle-ci est intemporelle, contrairement à la technique qui elle, inévitablement, a souffert des affres du temps), la durée de vie est conséquente pour un simple jeu de combat. Outre le fait que son accessibilité garantisse à bon nombre de joueur d’y revenir régulièrement et qui font que Tekken a réuni de nombreux amis le temps d’une soirée castagne sur le canapé, le jeu de Namco bénéficie de nombreux personnages. 8 dans la version arcade, mais pas moins de 17 dans sa version console ! En effet, Tekken comporte une impressionnante galerie de combattants (pas toujours d’un très bon goût, on vous l’accorde) qu’il faudra débloquer au fur et à mesure des parties. Chaque combattant de base devra affronter un sous-boss qui est propre à son histoire avant de se confronter au boss commun à tous : Heihachi. Une fois vaincu, ce sous-boss deviendra un personnage jouable, autant d’occasion de découvrir ou redécouvrir le jeu avec un protagonistes tout neuf qui pourrait bien devenir notre main character. Les huit combattants initiaux ont d’ailleurs l’honneur de voir leur périple se terminer par une séquence en image de synthèse assez belle pour l’époque, et bien mieux mise en scène que celle de Street Fighter EX, trop sommaire.

Seulement voilà, tout n’est pas parfait, et si à l’époque cela ne s’est vu qu’à partir du troisième volet environ (ou quand d’autres concurrents ambitieux sont arrivés sur le marché comme Bloody Roar ou Dead or Alive), aujourd’hui, plus de vingt ans après, il est impossible de ne pas voir l’évidence. Oui, Tekken premier du nom a pris un sacré coup de vieux dans la poire. Hé, c’est aussi ça, le retro gaming ma bonne dame. Il est de notoriété publique qu’un jeu en 3D vieilli d’ailleurs beaucoup moins bien qu’un jeu en 2D. Tekken est là pour nous prouver de façon incontestable que c’est vrai pour la plupart des cas. Désormais, la rigidité du déplacement des personnages ne ressemble plus du tout à ce qu’on pensait être de la nervosité et de la fluidité en 1995. Certains décors sont d’autant plus grossiers que d’autres bien plus jolis ont rejoint les panoramas de la série au fil des nouveaux épisodes. Comme cité plus haut, le design de certains personnages sont cheap à souhait (Jack et ses petites guibolles supportant un gigantesque tronc totalement disproportionné… Nina et son Spandex violet, Ganryu, Wang Jinrey qui est le cliché du vieux maîtres d’arts-martiaux chinois sans aucune once d’inventivité ou de charisme…). On peut aussi reprocher aux portraits 3D des personnages sur le menu de sélection des combattants d’être parfois bien laids, mal modélisés, ou tout simplement doté d’un style assez peu conventionnel (Law est vraiment… étrange, avec ses mimiques). Définitivement nous avons à faire à un jeu qui est la victime du progrès inarrêtable et rapide de la technologie 3D.



Mais il serait injuste de se souvenir de Tekken par le prisme de ses défauts d’ancienneté. Car replacé dans son contexte, il demeure le point de départ d’une petite révolution dans le jeu de combat et le jeu vidéo tout entier, avec quelques autres élus, dont Virtua Fighter justement. Celle de l’arrivée de la 3D qui a sut se rendre populaire et accessible au plus grand nombre. Avec la Playstation et la Saturn, puis un peu plus tard la Nintendo 64, il n’était en effet plus nécessaire de posséder un ordinateur hors de prix, avec carte accélératrice et tout le toutim, ou squatter inlassablement les salles d’arcade enfumées pour profiter d’un jeu en 3D. Les consoles étaient bon marché et les softs étaient de qualité. Premier jeu de la Playstation à franchir le cap symbolique du million d’unités vendues, Tekken s’inscrit immédiatement dans l’ADN de la marque Playstation et signe le début d’une collaboration fructueuse pour Namco et Sony. Au-delà de la rivalité Namco-SEGA dans le domaine de l’arcade, de la 3D ou du jeu de combat, c’est le duel qui oppose la Saturn à la Playstation qui fera de Tekken une production extrêmement importante pour le catalogue de jeu de la PS1.

La folle histoire de Tekken est ainsi lancée. Et si je peux reprocher certains manques de goûts dans la conception des personnages à ce Tekken, force est de constater que cela ira en s’arrangeant dans les suites. Nina, peu attirante ici, deviendra une femme fatale particulièrement attrayante, adepte des clés de bras et autres craquements d’os ; tandis que Lee Chaolan par exemple gagnera au fil du temps un look et un style de combat qui lui sont propre et qui en feront un personnage agréable à manier. Un jeu qui n’était qu’un projet de recherche technologique, finalement mal équilibré et parfois même mal dégrossi a sut se créer une place dans le cœur des joueurs. Aujourd’hui, Tekken existe encore et est une des séries de jeu vidéo les mieux vendu de tous les temps, rien que ça. Katsuhiro Harada, qui ne prendra le pouvoir à la tête de la franchise, véritablement, qu’à partir du troisième opus sait relativiser sur la situation. Il déclare : "Dans le secteur du jeu vidéo, la technologie évolue à toute vitesse. Les modes naissent et se défont, et parfois je me demande comment je peux perdurer et rapporter aussi longtemps. Quand vous regardez en arrière, il y a eu des tas de jeux de combat, surtout dans les années 1990. Mais qu’en reste-t-il aujourd’hui ? Bien peu. Les jeux sortent et tombent dans l’oubli, je n’aurais jamais cru que Tekken durerait si longtemps. Personne ne l’aurait cru."

Et effectivement, bien des jeux de combat sont tombés dans l’oubli. Mais nous les gardons encore au fond de notre cœur de gamer car hier comme aujourd’hui, ils nous ont tant passionnés malgré tout : Bloody Roar, Battle Arena Toshinden, Darkstalkers, Fatal Fury, Rival School, Tobal…

Et bien entendu, Virtua Fighter, le grand et respectable rival de Tekken, mort bien trop jeune.

Les évènements du CES de juin 1991 auront depuis largement contribué à la légende de la création de la Playstation. La trahison de Nintendo, le retournement de situation mélo-dramatique, Ken Kutaragi qui mobilise les ultimes ressources d’orgueil et de passion qui lui restait, à lui et sa petite équipe, pour convaincre Norio Ogha (le président de Sony d'alors) de le laisser finaliser son projet Playstation... Lorsque l'aval du big boss lui ai donné, Kutaragi entame la conception de sa Playstation. Dans le courant de l'année 92 et 93, c'est le branle-bas de combat international. Sony met à profit ses capacités tentaculaires dans tous les domaines et ses finances à l'époque exceptionnelles pour bâtir un projet solide du début à la fin. En mai 1993, Sony acquiert (partiellement, mais suffisamment) Psygnosis. En octobre de la même année, c'est un fantastique coup de théâtre puisque Namco, un des plus gros poids lourd de l'industrie (surtout en Arcade) rejoint exclusivement les rangs de la Playstation. Le 16 novembre 1993, sous l'impulsion de Ken Kutaragi, Terry Tokunaka, Yuji Takahashi, Akira Satô et Shigeo Maruyama, la branche Sony Computer Entertainment Interactive est créée, réunissant principalement des développeurs japonais pour travailler sur la Playstation. Des transfuges de Sony Music, ceux-là même ayant porté le projet Playstation d'un point de vue technologique depuis le début des années 90 se mettent au travail au sein de SCEI. C'est le cas de Tetsuji Yamamoto qui explique qu'une salle de réunion dédiée accueillait régulièrement les employés affectés au projet Playstation. Sans le moindre prototype physique de la console, des employés comme lui ou un certain Kazunori Yamauchi, plus tard créateur du célèbre Gran Turismo, devaient réfléchir et produire des documents à propos de la technologie 3D, des polygones, et de la place du jeu vidéo dans tout ce micmac technologique.

Le groupe précédemment cité écume le Japon à la recherche de studio de développement désireux de travailler sur la Playstation. Des démos techniques et des reportages sur les stations Silicon Graphics sont utilisés pour essayer de convaincre jusqu'au plus gros morceaux : Konami, Squaresoft, Capcom... Même si cela fut compliqué, peu à peu, les développeurs comprennent et acceptent que la 3D fera parti de l'avenir du jeu vidéo et qu'il serait regrettable, financièrement, et probablement artistiquement, de louper le train qui s'avère déjà lancé à pleine vitesse. D'autant que Sony leur propose manifestement de l'aide plus concrète pour se lancer dans l'aventure de la 3D que SEGA ou Nintendo. Parmi les vidéos et autres outils que l'équipe d’évangélistes japonais utilisent pour charmer les développeurs, il y a un prototype précalculé d'un jeu où le joueur peut diriger une sorte de lapin robotisé capable de bondir à des hauteurs vertigineuses dans un environnement entièrement en 3D. La caméra, qui se voulait libre et également manipulable par le joueur participe à convaincre petit à petit les développeurs. Le coup de grâce viendra plus tard avec cette mythique démonstration du tyrannosaure bluffant de réalisme en 3D. Cette démo technique, qui donnera naissance au jeu Jumping Flash plus tard fut produite par Tetsuji Yamamoto, évoqué plus haut. Très vite, l'homme hérite d'une petite équipe au sein de Sony Computer Entertainment Interactive et la branche se fragmente ainsi en plusieurs groupe de développement. D'autres groupe se forme au sein de la même structure, comme Poly's, aujourd'hui connu sous le nom de Polyphony Digital, et qui produira Motor Toon Grand Prix ; ou encore Contrail, responsable de Legend of Legaia.

Avec Jumping Flash 1 et 2, le groupe de développement mené par Tetsuji Yamamoto prendra le nom de Exact (Excellent Application Create Team) puis celui de Sugar & Rockets un peu plus tard avant d'être dissolu dans la structure globale de Sony Japan. Suite à leur deux premiers jeux, destinés à montrer les impressionnantes capacités 3D de la Playstation, il fallait pour Sony produire des jeux tout aussi ambitieux techniquement mais ajoutant une véritable plus-value en terme de ludisme. Dés lors et pour concorder avec la volonté de Sony de proposer des jeux pour une audience mature avec un degrés de sophistication supérieur à Nintendo (c'est leurs mots, pas les miens), Sony se met à prospecter vers des partenaires qui pourraient répondre à leur attentes. C'est entre autre pour cela que des éditeurs comme Namco furent choyés, car ils pouvaient proposer des jeux matures tels que Tekken et Ridge Racer. Takara fut également privilégié pour leur Battle Arena Toshinden. Dans cette optique, Sony lorgne du côté des autres genres de médias pour proposer du contenu mature sur sa Playstation, et en 1995, un film d'animation qui répond à ces critères fait grand bruit : Ghost in the Shell de Mamoru Oshii. Le film est une franche réussite, adapté d'une œuvre déjà culte dans le domaine du manga. Abordant des thèmes adultes et sérieux tels que le transhumanisme, le cyberterrorisme, ou encore le rapport entre l'être Humain et la technologie (notamment informatique et cybernétique), l’œuvre de Masamune Shirow est tout indiquée pour fournir un bon matériaux de base à un jeu rentrant dans les critères de Sony. L'équipe Exact est alors mise sur le coup pendant qu'ils terminent le chantier Jumping Flash 2. Le jeu ne tarde pas à rentrer en full production pour sortir le 17 juillet 1997 au Japon.



À l’aide d’un Fuchikoma, un de ces fameux char-araignée à l’intelligence artificielle super développée, vous prenez part aux opération de la Section 9 des forces anti-terroriste et anti-cyber criminalité de Neo Tokyo. Vous y croiserez donc les légendaires Major Motoko Kusanagi et Batou, tout deux cyborgs aux allures humaines mais véritables armes de guerre redoutables dans la lutte contre les terroristes et les intelligences artificielles belliqueuses et séditieuses. Et ça tombe bien, car à peine intégré à l’unité qu’un nouveau groupe se fait entendre. Le Front de Libération Humain accompli plusieurs méfaits et revendique l’attentat à la bombe sur un des buildings de la firme Megatech Body Corporation, spécialisée dans la fabrication d’implants et la cybernétisation de corps humains. Évidemment, vous ne parviendrez pas à éliminer totalement la menace dès la première mission et l’enquête se poursuivra tout au long de douze missions qui réservent leur lot de rebondissement. Et de challenge. Parce que oui, le jeu peut s’avérer particulièrement coriace par moment. Comme dans ce niveau où il faut désamorcer plusieurs dizaines de mines disséminées dans une zone industrielle de la ville en un temps imparti très réduit, obligeant le joueur à connaître absolument par cœur l’emplacement des innombrables bombes.

Le scénario ne bouleverse rien de ce qu’on connaît déjà de Ghost in the Shell, on aurait même put insérer l’intrigue en quelques chapitres filler au sein même du manga que ça ne se serait même pas vu. Mais au moins, ça a le mérite de proposer autre chose qu’une simple relecture de l’œuvre d’origine ou des combats typé arcade sans queue ni tête. Ce qui compte réellement, c’est l’expérience de jeu qui passe par le gameplay, et à ce titre, GitS propose vraiment quelque chose. À l’aube de la démocratisation de la 3D, des jeux comme Mario 64 ou Ocarina of Time avaient déjà chamboulés le microcosme du jeu vidéo. Quand bien même Sony ou encore SEGA et 3DO Company se sont ramenés avec des promesses d’univers vastes en 3D plein les poches, c’est en fin de compte Nintendo, qu’on croyait largué dans la course à la technologie, qui a nous aura mis nos premières très grosses gifles 3D sur console de salon. Au milieux des années 90, faire un jeu 3D ne consistait pas en une simple transposition d’un gameplay 2D classique à un univers polygonal. Bien souvent, et surtout en terme de gameplay, il fallait tout réinventer. De là venait le sentiment d’immersion dans un monde en 3D. Pour se faire, la caméra devint libre, la mise en scène de plus en plus cinématographique redessinait les contours d’une narration moderne et les sensations telles que la vitesse ou le vertige devinrent réelles. Le challenge créatif est déjà de taille lorsqu’il s’agit de recréer un monde en 3D avec les capacités d’un personnage comme Mario ou Link, qui peuvent bondir et utiliser un tas de gadget partout dans le décors. Mais le challenge créatif est tout autant intéressant quand on emploi un véhicule comme le Fuchikoma, capable de ramper tels une araignée sur les murs et les plafonds. Les perspectives sont sans cesse bousculées, la caméra ballottée et l’angle de vue changeant donnent toute sa valeur à la tri dimension.

Ainsi, Ghost in the Shell se joue comme un jeu de tir à la troisième personne, pensez un peu comme un WipEout mais sans la contrainte de suivre à circuit prédéfini. Au contraire, la plupart des zones sont larges et assez vastes, avec des bâtiments à escalader et des tunnels à explorer. D’autres niveaux sont plus restreints, comme les égouts du second level qui malgré leur étroitesses restent facilement visitables grâce à une caméra pas trop capricieuse. Le maniement du char d’assaut arachnide est d’ailleurs fluide et plutôt accessible. Les boutons R1 et L1 servent à strafer sur le côté, ce qui est utile pour esquiver les attaques ennemies tout en défouraillant de son canon mitrailleur à munitions illimitées. C’est d’ailleurs une condition sine qua none à la victoire face au premier boss qui réclamera vitesse et esquive. Si vous vous contentez de rester devant son nez, l’immense robot de guerre va vous pulvériser en quelques secondes. Idem pour le boss du level 2, où il vous faudra ramper à toute vitesse sur les parois d’un grand tuyau d’évacuation d’eau, occasionnant des rotation de caméra à 360° particulièrement étourdissante au beau milieux des lasers et des explosions. Grisant !



Le maniement du Fuchikoma fait l’essence même du jeu. Pouvoir grimper sur les toits, se mettre la tête à l’envers et balancer une salve de missiles tout en effectuant une foudroyante esquive sur le côté sera certainement la chose qui vous séduira en premier lieux si vous essayez Ghost in the Shell pour la première fois. Globalement, si on devait réduire le jeu à sa plus simple expression, on pourrait dire qu’il s’agit d’un shoot them up dans un environnement 3D moderne. C’est d’ailleurs par là que le gameplay pèche, car les décors moyennement vastes n’offre pas vraiment de secrets ou de raisons d’être explorer. Hormis pour le scoring, tout artificiel qu’il soit, aucune raison ne vous poussera à fouiller les moindres recoins de la zone à la recherche de toutes les cibles à abattre (robots ennemis, unités humaines à pieds ou dans des tanks et des hélicos, etc). Le jeu manque peut-être d’un aspect aventure pour mettre en valeur ses environnements somme toute assez génériques. Les phases de boss (souvent dans des arènes closes, avec un pattern plus ou moins facile à définir) rapproche encore plus ce Ghost in the Shell d’un shoot them up traditionnel, la 3D en plus.

Graphiquement, Ghost in the Shell avait plusieurs atouts dans sa poche, en 1997. Pour commencer, sa séquence d’introduction réalisée en animation par le célèbre studio IG, déjà responsable du film de 1995 (mais aussi de Jin-Roh, Kuroko’s Basket ou encore L’Attaque des Titans) et les quelques courts passages d’animation narrative écumant le jeu ont fait leur petit effet. Les fans étaient ravis, les néophytes fascinés, et cela donnait un aspect résolument moderne au jeu. Bien d’autres soft sur CD, notamment via le Mega-CD de SEGA ou la PC-Engine de Nec/Hudson proposaient déjà de jolies séquences animées sur leurs jeux au format disque, mais peu d’entre eux purent réellement bénéficier d’un marketing et d’une portée aussi grand public que la production soutenue par Sony pour sa Playstation. Autant dire dés lors que la prouesse était, pour le grand public, quasiment pionnière en la matière. Si Jumping Flash et WipEout étaient des vitrines technologiques pour montrer les pouvoirs sidérants de la 3D, Ghost in the Shell l’était tout autant pour montrer les capacités de stockage révolutionnaire du disque, encore jeune dans l’industrie du jeu vidéo, mais déjà commun dans l’industrie musicale !

La version française aura eu le mérite d’être intégralement doublée, même si la qualité n’est pas au rendez-vous (problème d’intonation de voix vraiment pas juste, synchronisation labiale vraiment très maladroite même pour un anime japonais…). L’autre atout du jeu c’est évidement sa 3D, celle avec laquelle je n’arrête pas de vous assourdir depuis le début de cet article. La fluidité est de mise, la modélisation n'est en généralement pas très notable car de toute façon on explose bien trop vite la plupart des cibles pour s’en soucier. Les boss en revanche sont grands et impressionnants, et le design de certain mecha, très bien inspiré de la patte du maître Masamune Shirow sont plaisant à voir. De nombreux effets spéciaux sont également invités à la fête. Étincelles et flash divers, halo lumineux de diverses couleurs (vert, mauve, bleu…), explosions, effets de particules modiques mais nombreux, le tout bercé par une fulminante bande-son techno qui pour une fois parvient à ne pas trop être répétitive et agaçante. Dans un soucis de faire bosser toute les branches de Sony d'époque, de créer une émulation culturelle et un brassage médiatique bien plus vaste que ne le permettait la simple sphère du jeu vidéo en 1997, des artistes musicaux en contrat chez Sony et dans leurs labels (Kioon Music, Sony Music Japan...) on participé à l'élaboration de la bande-son du jeu. Une façon à Sony de dire qu'ils avaient les moyens et les finances pour concilier le jeu vidéo avec le reste du monde. Et qu'ils voulaient rendre leurs produits ''cool''.



Un pur shoot quoi. On voit, on bousille, et on continue. Cela dit, on pourrait reprocher un manque d’envergure dans certains décors et la répétitivité de ceux-ci. Visiter des zones industrielles cerclées d’entrepôts et de citernes entre deux tunnels et égouts labyrinthiques, à force, c’est redondant. Mais peut-on véritablement en tenir rigueur au jeu, puisqu’il s’agit bien là de l’adaptation du manga et du film d’animation. Les développeurs n’auraient pas pu créer des décors féeriques et fantaisistes juste pour le plaisir de varier.

Si on creuse bien, et probablement avec un peu de subjectivité, on peut trouver un tas de défauts à ce Ghost in the Shell. Il est court, douze missions seulement. Il est parfois difficile et cruel, cette mission où il faut trouver les mines comme je l’explique plus haut m’a étrangement traumatisé. Certains boss sont vraiment affreux car ce sont des sacs à point de vie et lorsqu’on meurt face à eux, on est bien souvent contraint de recommencer tout le niveau. Long, chiant et frustrant, du coup. Le doublage est parfois catastrophique et c’est limite si on n’aurait pas préféré le japonais sous-titré. Les décors varient peu, les ennemis aussi, mais hey, on est dans Ghost in the Shell, ne vous attendez pas à voir le bestiaire de Final Fantasy ! Mais au moins, il satisfera les fans, c’est quasiment garanti. Et si on fait l’effort de le prendre pour ce qu’il est, c’est-à-dire un simple jeu de shoot, un jeu d’action décomplexé, alors on tient là un jeu défoulant et qui donnait quelques bonnes sensations.

À l'aube d'une nouvelle génération de console si particulière qu'est celle des 32-bits, le jeu de combat traditionnel en 2D a du soucis à se faire. De nouveaux challengers ambitieux, mû par une technologie révolutionnaire viennent piétiner les plates-bandes de Capcom. Namco se rut dans la mêlée avec ses polygones en 3D et son casting de personnages attachants et haut en couleur dans Tekken ; avant de remettre les couverts dans un univers plus médiéval dans le jeu de combat ultra dynamique Soul Blade. SEGA continue son petit bonhomme de chemin avec le précurseur Virtua Fighter, en 1993 déjà très impressionnant. Midway a un peu plus de difficulté à négocier le passage de la 16 à la 32-bits mais leur objectif affiché est bel et bien de dompter la 3D pour leur futur Mortal Kombat 4 également. D'autres soupirants au titre de roi de la castagne 3D font leur apparition comme l'excellent Bloody Roar du studio Raizing et édité par Hudson. Même le rival historique de Capcom, SNK, s'y met en transposant son Fatal Fury en 3D avec l'opus Wild Ambition en 1998. Capcom fait dés lors office de vieux grincheux qui refuse le modernisme et continue de d'affubler son Street Fighter d'une 2D, certes magnifique avec la série des Alpha, mais qui perd nettement du terrain auprès du grand public bien plus avide de sensation 3D. Les bougres persistent et signent en développant de nouvelles séries de jeux de combat à la même époque, toujours en 2D tels que le génial Darkstalker ou le non moins grandiose Marvel vs Capcom. Mais Capcom se fait une raison, il va bien falloir un jour ou l'autre tenter le jeu de la 3D pour éviter de se voir définitivement larguer par des concurrents plus aventureux. Pas moins de trois branches de la série Street Fighter seront alors mis en chantier à partir de 1995. Alpha, qui conte la jeunesse de Ryu et de ses potes ; III, la véritable suite du second opus qui fait suivre le combat contre l'infâme Bison bien des années plus tard (Ken est devenu un maître en art-martiaux avec un élève sous son aile par exemple) et enfin EX, celle qui expérimentera la 3D.

Street Fighter EX naquit du souhait d'expérimenter de la part de Capcom. Conscient que la 3D serait incontournable dans un avenir plus ou moins proche et que Street Fighter n'y échapperait probablement pas, la firme choisi de faire appel à Akira Nishitani. Ce dernier, ancien designer sur le célèbre Street Fighter II et après avoir travaillé sur X-Men : Children of the Atom était parti fondé son propre studio nommé Arika. Avant de partir, il avait néanmoins conclu un drôle d'accord avec Yoshiki Okamoto, le producteur de Street Fighter II et depuis devenu directeur des opérations chez Capcom : la possibilité de réutiliser les personnages de Street Fighter dans un autre jeu produit par son studio. Chose assez étrange et houleuse que ce contrat dont on ne connait encore aujourd'hui pas tout à fait les termes. Imaginez, c'est comme si en 2019 Disney cédaient les droits de ses personnages pour les utiliser dans d'autres films. On y verrait Dark Vador accompagné de Captain America et de Mickey dans un film hybride produit par Luc Besson. Impensable, et pourtant ça été fait ! En vérité, cela tombait bien pour Okamoto car Akira Nishitani était un assoiffé d'originalité et d’expérimentation en plus d'être un game designer talentueux. Un projet qui se voulait aussi innovant que risqué avec Street Fighter ne pouvait être correctement géré que par lui. Lui-même a beaucoup apprit de son compère sur Street Fighter II, l'excentrique Akira « Akiman » Yasuda, responsables de la galerie de protagonistes haut en couleur composée de Zangief, Blanka et autres E.Honda, des personnage funs, bigarrés et immédiatement reconnaissables.

Nishitani retiendra cela pour concevoir Street Fighter EX.



Dans le même temps, Sony lance sa Playstation sur le marché et fait un appel du pied massif à toute l'industrie pour capter des studios désireux de développer sur sa console. L'appât fonctionne et un tas de studios produisent dès lors des jeux inédits sur la boite grise. Pour faciliter le transfuge des hits d'Arcade vers sa Playstation, Sony s'associe avec les grands du secteur comme Namco qui utiliseront ses Ridge Racer et autre Tekken pour vanter les mérites de la 3D révolutionnaire de la machine. Sony s'engage également en Arcade et produit le système ZN-1, un hardware d'Arcade standardisé que la multi-nationale laisse à loisir les éditeurs de bidouiller afin de créer leur propre système pour développer des jeux. Se basant sur une architecture Playstation classique avec un petit surplus de puissance, cela est ainsi fait dans l'idée de rendre plus aisé le port de jeu Arcade du ZN-1 vers la Playstation, garantissant au passage quelques exclusivités haut de gamme à la Playstation. Capcom, séduit par l'idée d'un hardware rendant le développement de jeu en polygones 3D aussi facile choisi d'utiliser le ZN-1 pour Street Fighter EX mais également pour une autre production – interne, cette fois-ci – nommée Star Gladiator.

Street Fighter EX s'affiche assez clairement comme une œuvre parallèle aux évènements de Street Fighter II. Les développeurs ne s'en cache pas d'ailleurs. On imagine que Capcom a tenu à ce que ce soit dit et répété histoire de ne pas confondre ses fans. Réutiliser les personnages emblématiques de Street Fighter ne donne pas à Arika tous les droits, tout de même. D'ailleurs, le nom de projet de Street Fighter EX était Street Fighter Gaiden, soulignant clairement sa nature parallèle et alternative à la véritable chronologie de Street Fighter. Ainsi, Akuma et Bison (Vega en VO) ne sont plus les vrai grands méchants de l'intrigue, remplacés par un certain Garuda, énigmatique guerrier possédé par une entité démoniaque japonaise. On ne sait rien de lui si ce n'est qu'il représente probablement un des personnages les plus cheaté de la saga (pas en terme de gameplay mais surtout en terme de background, le mec est un démon, ni plus ni moins, on se croirait dans Darkstalker... ah bah ça tombe bien, le scénariste du premier Darkstalker, Junichi Ohno, est justement parti bossé chez Arika pour ce Street Fighter EX). Hormis cela, le scénario qui est propre à cette branche alternative de Stret Fighter concerne les frères et sœur Hokuto et Kairi. Ce dernier a quitté la demeure familiale tandis que sa sœur Hokuto est devenu la chef de la famille Mizugami. Lorsque Hokuto apprend l'existence de son frère disparu quand elle était enfant, elle se lance à sa poursuite. Mais lorsque la jeune femme fini par retrouver Kairi, le sceau du sang se réveille et libère en Hokuto une puissance démoniaque (qui prendra la forme du personnage Bloody Hokuto dans la version Playstation du jeu, semblable à un Evil Ryu). Le seul objectif de Bloody Hokuto étant de tuer Kairi pour définitivement asseoir son autorité et étanchée sa soif de pouvoir sur le monde.

Je ne vais pas vous faire l'affront de représenter Ryu, Chun-Li et tous nos combattants préférés (quoique), à la place, on va s'attarder sur les nombreux nouveaux venus.



Voici pour l'assortiment de nouvelles têtes que nous propose EX. Je passe volontairement sur les personnages cachés Cycloid-β et Cycloid-γ qui sont proprement inintéressants puisqu'ils ne sont pas des personnages à part entière. Ils sont en vérité probablement des modèles techniques servant aux bêta test, pour la modélisation 3D ou pour la programmation des hitbox. Une fois avoir pris connaissance du casting en présence de Street Fighter EX, une chose vient rapidement à l'esprit. C'est... cheap. Oué. Hokuto et Kairi représentent les combattants adeptes des arts-martiaux ''traditionnels'' aux côté de Ryu et Chun-Li. Les sportifs que sont Balrog et Zangief sont rejoints par Cracker Jack et Darun Mister. Tandis que les militaires et agents gouvernementaux Guile et Rolento voient débarquer Doctrine Dark. Pour le reste, ce sont des personnages à vocations parodique ou qui essaye de se trouver une véritable identité telle que Pullum Purna qu'on pourrait ranger aux côté de Dhalsim. Quant à Garuda, il suit la tendance des boss finaux de Street Fighter qui à partir de Akuma commencent à devenir de plus en plus cheaté et de moins en moins orienté art-martiaux pur pour laisser place à des super pouvoirs dignes d'un Avengers (Gill et son pouvoir de création de feu et de glace...).

Cheap autant par leur design très (trop ? ) simplistes comme pour Darun Mister (hormis sa moustache défiant les lois de la gravité, excentricité capillaire se voulant l'égale de la coupe mohawk de Zangief) ou Blair Dame vêtu d'un simple justeaucorps blanc des plus sobre que pour leur apport global au background du jeu (l'inutile gogol du lot : Allen Snider). Si certains personnages rivalisent de loufoquerie (Skullomania) et d'exotisme (Pullum, que j'apprécie vraiment beaucoup), d'autres ne ressemblent tout simplement qu'à un brouillon, une esquisse non finalisée. Pire, si Hokuto ou Kairi parviennent aisément à s'intégrer à la cosmogonie Street Fighter tant visuelle que scénaristique, d'autres comme Skullomania ou Garuda ont du mal à se positionner. Ce dernier aurait eu largement sa place dans Darkstalker... ah bah non, il y a déjà Bishamon duquel il est pour ainsi le copier-coller, zut ! Si les personnages incriminés ne sont pas forcément mauvais, ils souffrent juste d'un terrible effet ''hors-sujet'' par rapport à l'univers Street Fighter. La sauce ne prend pas à cause d’élément trop différent les un des autres qui ne peuvent correctement se mélanger. L'univers qu'a tenté de concevoir Arika avec ses personnages inédits détonnent trop de la traditionnelle galerie de héros qu'on connait de Street Fighter et des personnages étrangement dérangeants comme Doctrine Dark peuvent ainsi nous paraître littéralement antipathiques. D'ailleurs, avec des personnages aussi fades et aussi peu charismatiques, je doute que quiconque se soient intéressés à Street Fighter EX si jamais le jeu n'avait pas compris dans son casting les célèbres Ryu, Chun-Li et Bison...

Le problème étant que c'est un jeu de combat. Et si dans un jeu de combat le casting de personnage n'est pas plaisant, le jeu part dès le début avec un affreux malus. Parce que les combattants et leur technique de combat sont le point central du jeu, l'élément autour duquel gravite le concept même de jeu de combat moderne. Dans un FPS ou un jeu de stratégie, si les personnages ne nous plaisent pas, ce n'est pas si grave car là n'est pas l'intérêt principal d'un tel genre de jeu. Dans Tekken par exemple, je n'aime pas du tout Nina, Bob, Gigas, Alisa Bosconovitch ou Lucky Chloe. Mais je me dis que c'est pas grave car Tekken comporte une tonne d'autres persos super cools que j'adore comme Paul, Kazuya Mishima, Lei Wulong ou Bryan Fury. Mais dans Street Fighter EX, les personnages sont presque tous fades, pauvres, bizarres, hors propos ou tout bonnement détestables. On se retrouve finalement à jouer presque toujours avec les sempiternels Ryu et Chun-Li, parce que eux sont cools et parce qu'on les aime depuis longtemps. Dès lors, autant jouer à un vrai bon jeu Street Fighter qui propose à la même époque un casting beaucoup plus glorieux avec un paquet de combattants Street Fighter qu'on apprécie, genre Alpha 2. Sauf si on veut vraiment goûter à la 3D du jeu...



La 3D d'ailleurs, parlons-en, nan parce que en fait c'est pas vraiment un argument pour ce Street Fighter EX. D'abord parce qu'elle ne sert pas le gameplay (on y reviendra plus tard), mais aussi parce que la modélisation 3D des personnages est assez pauvres. Ce n'est pas non plus complètement immondes, mais force est de constater que la modélisation est parfois un peu grossière. Les membres de nos guerriers sont cubiques, les articulations ressortent comme s'il s'agissait de figurine articulées bas de gammes et les bug de collisions sont légions. Il n'est pas rares de voir des membres d'un personnage passer allégrement à travers sont propres corps. Dommage, car le travail de texturing sur les polygones reste assez correct et la fluidité de l'ensemble est à souligner. Globalement, le jeu est à saluer pour son animation de qualité. C'est un peu plus vif qu'un Tekken 2 encore un peu guindée (mais qui brille par une modélisation haut de gamme et un chara-design inspiré, lui) mais beaucoup moins que l'explosif Bloody Roar. Face à Virtua Fighter 2 sorti dans les même eaux, constat identique, la modélisation semble taillée à la hache, plus de finesse dans l'assemblage des polygones aurait été appréciable. Le diaphragme de Blair qui lui passe à travers le corps au moindre geste fait de la peine à voir. D'autres personnages comme Zangief par exemple semble particulièrement disgracieux avec ses énormes paluches cubiques et son gigantesque cul anguleux couvert de son slip rouge...

Pour rattraper ce constat technique assez désastreux, on peut tout de même souligner le fait que les décors ne sont pas trop mal. À ce sujet, il est sympa de voir qu'ils changent un peu entre la version Arcade (Street Fighter EX) et le portage Playstation (Street Fighter EX Plus Alpha). Comme le stage de Ken qui en Arcade affichait une belle verdure printanière et qui sur Playstation se pare d'un nuancier d'orange typiquement automnale plutôt joli. Les effets spéciaux lorsqu'on balance la sauce genre Hadoken et autres Tatsumaki Senpukyaku sont également clinquants.

Niveau gameplay, comme évoqué plus haut, la 3D ne brille pas non plus. En fait, Street Fighter EX reprend le système de Street Fighter II, pour faire simple. Quart de cercle etc. Et le combat se déroule sur une seule ligne d'horizon, l'aspect 3D n'est en vérité qu'esthétique et graphique. Quelques petits subterfuges comme la téléportation d'Akuma permet effectivement de faire bouger la caméra autour des personnages modélisés en 3D, ce qui opère un succinct changement de ligne, mais une fois la caméra replacée la joute reprend son déroulement normal. Dans Tekken ou Virtua Fighter il était possible de librement tourner autour de son adversaire pour pouvoir l'attaquer par le flanc ou carrément par l'arrière. Cela donnait la possibilité surprenante et enthousiasmante d'infliger à son adversaire des projections inédites, douloureuses et souvent très impressionnantes. La 3D avait donc une utilité dans le gameplay. D'autant qu'avec certains coups circulaires, essayer de se placer sur le côté de son adversaire ne nous mettait pas forcément à l'abri car une bonne balayette tournoyante pouvait quand même nous faucher les guibolles !

On reste donc face à face sur une ligne 2D. Soit. Heureusement, le reste du gameplay est bien calibré car il s'inspire des meilleurs. À commencer par le daron en la matière, Street Fighter II, et ses coups de poing-pied faibles, moyens et forts accompagnés de diverses manipulations de cercle (quart, demi, entier...) pour déclencher quelques techniques. En sus de ce système basique mais ultra efficace, une barre de Super est présente, à l'instar de Street Fighter Alpha (elle-même reprise de Street Fighter II Turbo) sorti un peu plus tôt. Elle se remplie à mesure que vous encaissez ou administrez des coups et une fois pleine, une attaque spéciale de niveau un peut être envoyée. Mais il y a encore deux autres niveaux de jauge à remplir en adoptant un comportement particuliers en combat. À la différence des Alpha, il ne suffit plus d'être ultra offensif pour accumuler de l'énergie et ainsi décharger toute sa barre dans une furie incroyable de violence pour définitivement plier son adversaire en quatre. Non, là, il faut la jouer en finesse. Arika propose alors un système de Cancel (qui feront le bonheur des tacticiens de Street Fighter IV en compétition) où on annule un coup spéciaux pour l'échanger au dernier moment par un coup normal. Le Super Cancel quant à lui s'effectue lorsque vous annulez un Super Combo (il vous faudra donc prendre le risque de sacrifier un niveau de votre jauge de Super et ne pas foirer la manipulation sinon vous perdrez toute l'énergie accumulée ! ) pour le remplacer par un autre. C'est uniquement ce genre de manipulation qui pourront vous permettre de remplir les deux derniers niveaux de la barre de Super. Bien évidemment, plus le combo effectué consomme de niveau de barre d'énergie, et plus il est dévastateur. Mais le jeu ne s'arrête pas là !

En effet, Arika inclut un système de Guard Breaks qui ajoute un grain de tactique dans les combats. Pour la modique somme d'un niveau de jauge de Super, un coup imparable qui traverse la défense adverse peut être effectué afin de l'étourdir. Les campeurs qui ne font que se protéger et distribuer quelques petits coups vicieux et timides de temps en temps risque de vite déchanter ! Ainsi, il convient de ne pas systématiquement envoyer la sauce dés lors qu'on a un ou deux niveaux de remplis car si notre adversaire contre ou esquive le combo, on peut vite se retrouver en difficulté. Il est malin de conserver au moins un niveau durant une grande partie du combat afin de déverrouiller la défense d'un adversaire un peu trop porté sur la garde et sur les contre-attaques, ça peut faire basculer l'issu d'un combat de haut niveau.

Enfin, pour donner un maximum de moyen de défense aux joueurs, Arika implémente un système nommé Tech.Hit qui constitue simplement un contre de projection. Une projection s'effectue généralement en appuyant sur la flèche vers l'avant (vers l'adversaire donc) accompagné du bouton de coup moyen ou fort. Pour contrer la chope, il faudra faire l'inverse, soit la flèche arrière en appuyant également sur le bouton de coup moyen ou fort, mais ceci avec un timing au neurone de Negan prêt (c'est à dire très, très, très restreint, le timing en question :hihi : ). Pour les plus doués, on sait jamais, ça peut éviter de prendre des dégâts à la con pour pas grand chose (les chopes retirent tout de même un cinquième de la barre de vie, en moyenne, c'est pas négligeable. Certaines peuvent aller bien au-delà ! ). Multiplier avec succès les Tech.Hit peut faire tourner la joute en véritable guerre psychologique où l'adversaire sera décontenancé, voir carrément désespéré et n'osera même plus utiliser les chopes de peur de se voir brutalement contré. Sun Tzu disait « tout l'art de la guerre est basé sur la duperie », et on est pas loin.



Chun-Li est cent fois plus mignonne que Hokuto. Guile a cent fois plus de gueule que Doctrine Dark. Balrog est cent fois plus badass que Cracker Jack. Bref. Hormis Pullum que j'aime beaucoup, le seul qui pourrait trouver grâce à mes yeux serait Garuda. Et encore, même lui n'est au final qu'une resucée de Bishamon de Darkstalkers, un autre combattant super cool de chez Capcom. Là est le gros soucis de ce Street Fighter EX, en s'affiliant clairement et directement à la grande saga de bourre-pif de Capcom, il ne peut échapper aux comparaisons et aux rapprochements. Mais malheureusement, c'est loin d'être à l'avantage du jeu d'Arika. Le casting manque clairement de classe et d'universalité (ici ce n'est pas péjoratif ou synonyme de banalité), les graphismes au sommet de la 2D en 1991 (pour Street Fighter II) et en 1995 (pour Street Fighter Alpha) ne sont ici que moyen face à la concurrence 3D. Reste tout de même le gameplay qui, s'il a globalement un rythme moindre que les Street Fighter 2D ne manque pas de quelques notions de techniques très intéressantes. Le socle de la baston à la Street Fighter avec quart de cercle et jauge de Super s'adapte bien à la 3D même si cette fameuse 3D n'est pas intégrale.

En revanche, on ne peut nier la générosité du jeu et sa galerie de nombreux personnages (23 jouables sur cette version EX + α, dont Dhalsim et Sakura qui ont été ajoutés par la version Arcade), et ses modes de jeux. Le Mode Expert réclame d'exécuter des manipulations de plus en plus complexes avec chacun des personnages histoire de se lancer des challenges de maniabilité bien corsés. Le Mode Barrel Bonus qui se débloque après avoir fini le mode précédent demande de détruire un maximum de tonneaux en exécutant - pour arriver plus vite à ses fins - les combinaisons de coups les plus difficiles, une pure affaire de scoring en somme. Enfin et pour finir, le mode Survie, commun à bon nombre de jeu de baston de l'époque et les petites cinématiques (moches) propres à chaque personnages peuvent offrir une motivation nécessaire (quoique maigre) pour se forcer à jouer tous les combattant du roster le temps de quelques matchs.

Avec le recul, n'aurait-il pas été plus malin pour Arika de faire sa tambouille personnelle sans essayer de raccrocher à la locomotive Street Fighter ? Car soyons franc, bons nombres des joueurs de Street Fighter EX privilégiaient l'usage des combattants de Street Fighter et seulement de quelques protagonistes inédits. Mais si Ryu et ses potes n'avaient pas été là, peut-être que Street Fighter EX (appelé dés lors Fighter Layer, oh, bah ça tombe bien, c'est le prochain jeu d'Arika en 1998 ! ) aurait plus facilement trouvé sa voie et aurait gagné en légitimité. Bref, un jeu non exempt de défaut, loin de là, mais qui a un fond de gameplay qui mérite le détour et qui aura singulièrement fait clivage surtout au sein des fans de Street Fighter. Pour les néophytes ou ceux qui en ont tout simplement rien à foutre de Street Fighter, ce Street Fighter EX a des chances de plaire.