«- La fleur qui s'épanouit dans l'adversité est la plus rare et la plus belle de toutes. - Majesté. - On ne rencontre pas une file comme ça à chaque dynastie !»
«- Qui êtes-vous ? - Ton pire cauchemar !»
Sorti en 1998 Mulan tire son inspiration d'un poème chinois du même nom, une héroïne très appréciée qui a inspiré de nombreux écrivains au fil des siècles.
En juin 1994, les réalisateurs Tony Bandcroft et Bary Cook, accompagnés de dix membres de l’équipe de Mulan, ont passé trois semaines en Chine pour effectuer un voyage de recherche. Cette expérience leur a permis de s'immerger dans la culture chinoise et d'apporter davantage d'authenticité à leur récit animé.
Malgré un style visuel épuré, la réalisation de Mulan a eu un processus plus ou moins long et complexe. L'équipe et ses réalisateurs ont consacré plus de cinq ans à la recherche du style graphique parfait pour leur film et il avait initialement choisi d'utiliser l'aquarelle afin de se rapprocher le plus possible des estampes chinoises. Un style qui sera finalement abandonné, mais l’intervention de Hans Bacher le directeur artistique des décors change la donne, en associant l’art chinois avec des formes basiques, le résultat final offre un style graphique épuré et raffiné, très proche de la peinture chinoise.
Tout en respectant l’œuvre originelle en le simplifiant pour le plus grand nombre, le personnage de la grand-mère a été rajouté entre temps pour ajouter une petite dose de comédie dans ce récit de guerre. Par ailleurs, il emprunte plusieurs caractéristiques des dynasties Han et Tang.
Mulan a été créé par l'artiste taïwanaise Chen-Yi Chang, qui avait pour mission de concilier les styles des divers dessinateurs impliqués dans le projet. Chaque personnage est représenté de manière simple, mais néanmoins de manière réaliste.
Sans nul doute, et ce, malgré les années , Mulan reste toujours aussi captivant et novateur. L’animation n’a pas pris une ride, c’est sans conteste un des meilleurs Disney de l’époque.
« Il faut se contenter de ce qu’on a, mais pour apprendre, il faut
essayer et parfois échouer. »
« Personne ne doit me dire ce que je dois faire ou ne pas faire,
on peut seulement devenir ce que l’on est. »
« La vie, ça n’est pas comme une comédie musicale où on se
sent libéré où les rêves comme par magie se réalisent d’un seul
coup ! »
« Ne montre jamais aux autres qu’ils t’ont blessé. »
Byron Howard et Rich Moore , les réalisateurs de Zootopie, nous font découvrir l'origine de ce récit à travers des anecdotes et des révélations surprenantes sur son processus de production.
En explorant les recherches sur les mammifères , les réalisateurs et leurs équipes ont eu l’idée de créer cette ville utopique ou les animaux proies comme prédateurs vivent en harmonie.
Si l’aspect de l’univers de Zootopie est assez réaliste , c’est en grande partie grâce à l’équipe artistique qui a pu étudié les comportements d’animaux ( essentiellement dans leur habitat naturel au Kenya et ou dans des parcs animaliers) , ils ont pu ainsi capturer au mieux leurs manières de se déplacer, de communiquer et d’exprimer leurs émotions dans divers situations , ce qui en résulte des personnages plus réalistes que jamais.
Si les deux réalisateurs ont été bercé par les films Disney , l’un Byron Howard s’est inspiré de Robin des Bois et de Banbi pour créer les deux personnages principaux , Nick Wilde hérite des traits de caractère de Robin et Judy suit le design de Pan Pan et Bobby.
Il y a également une forte utilisation des concepts arts qui sont conçu par le directeur artistique des personnages , Guy Loftis et de ce fait, les images sont finement travaillées pour permettent aux modeleurs de savoir précisément où et comment placer les « rigs » (squelette du personnage), afin de procéder à l'application de la texture qui eux sont envoyés directement aux animateurs pour qu'ils créent les mouvement recherchés.
Les concepts art sont aussi utilisés pour créé un langage visuel propre , en traduisant l'esthétisme des planches dessinées dans un logiciel d'animation qui correspond bien au réalisme demandé , le résultat finale donne des personnages captivants et humanisés, sans toutefois négliger leur caractère animal.
Pour la conception des villes , il était question au départ d’une ville fermière pour Judy qui serait relié de plusieurs terriers qui eux auraient été reliés par une tonne de tunnels , une idée abandonné et remplacé par Lapinville qui est directement influencé par des villes du Kansas et par la série Smallville.
La plupart des différents quartiers qui compose la ville de Zootopie s’inspirent de lieux réel :
- Le District de la Forêt Tropicale associe les éléments naturels d’une foret à une architecture typique des constructions d'Amérique du Sud.
- Sourisville combine des éléments architecturaux provenant de villes européennes et asiatiques, tout en s'inspirant des façades d'anciennes écoles de New York du XVIIIe et XIXe siècle.
- La Place du Sahara puise son influence dans l'univers des casinos, des hôtels et des styles architecturaux des villes comme Beverly Hills et Las Vegas.
- La Gare Centrale de Savanna, est conçue selon le design en étoile de Disneyland, et accueille le quartier général de la police de Zootopie.
- Toundraville fait écho à l'architecture russe, ses maisons arborant des dômes rappellent directement les styles slaves et byzantins.
L’univers de Zootopie comporte 64 espèces animales différentes pour un travail colossale et difficile en animation, en raison de la variété des tailles des personnages, ainsi que le fait que la plupart d'entre eux soient principalement recouverts de fourrure.
Avec son humour atypique , son intrigue originale , ainsi que ses personnages fascinants et ses visuels soignés, Zootopie demeure une œuvre puissante, riche en messages impactant, et restera un film d'animation emblématique de Disney.
« Ça, c'est Beurk. À douze jours au nord du Désespoir, et quelques degrés au sud d'un Froid-de-canard. Ancré solidement sur le Méridien de la Misère. Mon village. En un mot, malaise. Et sept générations y ont déjà vu le jour, pourtant, toutes les maisons sont neuves. Beurk : sa pêche, sa chasse, et ses merveilleux couchers de soleil. La seule fausse note c'est les bestioles. Ailleurs, les gens ont des souris ou des moustiques. Nous on a des... dragons.»
Dean Debloisest un réalisateur canadien, scénariste et animateur de films d'animation qui travailla pour Disney avant de partir chez DreamWorks. Il a supervisé l’histoire et le storyboard avec le scénariste de Mulan, Chris Sanders, pour les Studios Disney. En 2003 il a co-dirigé et co-écrit Lilo et Stitch avec lui. Il est maintenant chez DreamWorks Animation, où il a travaillé principalement sur la trilogie Dragon.
Adaptés, des romans de Cressidia Cowell, la trilogie Dragons de DreamWorks reste encore aujourd’hui un gage de qualité. Si le premier film est le tout premier en image de synthèse pour Deblois, Dragon à une animation assez réaliste, un aspect qui a été volontairement travaillé par l’équipe de production qui a du engager un vétéran de l’armée pour une démonstration d’une journée de plusieurs explosions pyrotechniques.
"Il nous a fait une démonstration complète : explosions, flammes de toutes les couleurs, bris de matériaux, etc. Nous avons filmé tout cela au ralenti, de 400 à 1000 images/seconde, et rassemblé un matériau de référence aussi précieux qu’abondant."
Pour capturer au mieux les paysages de Dragon, l’équipe de décorateurs s’est rendu sur la côte Pacifique, du nord de l’Oregon jusqu’à la Californie du Nord.
La décoratrice Kathy Altieri : "C’est un terrain totalement volcanique, avec des plages toutes noires, hérissées de gros rochers. Les variations de couleurs sur les falaises environnantes sont d’une incroyable beauté. Elles dépassent les rêves les plus fous. C’est cet ensemble qui nous a inspiré l’habitat des dragons."
Pour Dragons 2, Deblois accepta de faire une suite à la condition d’en faire une unique trilogie. Et par la même occasion, les équipes de DreamWorks utilisèrent un nouveau logiciel, "Premo" et "Torch", deux programmes qui ont permis d’avoir un meilleur rendu sur les expressions faciales et les rendus de peau, de muscle et de chair.
Outre ses personnages qui ont bien vieilli avec une ellipse de 5 ans, Deblois à conserver la naïveté d’Harold tout en lui donnant plus de charisme. Si son courage lui a valu d’être la star de son village, dans ce deuxième film, on y retrouve un Harold qui a gagné en maturité.
Si Krokmou s’inspire des chevaux, des chiens et des autres animaux domestiques, son comportement est inspiré de Stufen, le chat du superviseur de l’animation Gabe Hordos. À l’origine, il devait avoir la férocité d’une panthère qui caractérise la race des furies nocturnes, mais en se basant sur la douceur et du comportement du chat cela a été décidé ainsi. La confiance et l'affection de Stufen ont permis à l’équipe d’étoffer davantage l’animation et le comportement des Dragons pour un résultat plus que réaliste.
Par ailleurs, le physique de l’immense cracheur de glace semblable à mammouth en version dragon aquatique s’inspire en grande partie de l’ours polaire et de sa posture.
Dean Deblois était contre de faire une suite au premier film, pour lui, les trois films sont trois parties d’une même œuvre avec un début, un milieu et une fin.
Deblois : "Quand ils m’ont approché en me demandant si jamais des idées pour une suite [ndlr : à la sortie du premier film], j’ai répondu que selon moi, certaines questions avaient été laissées sans réponse, et qu’une plus grande histoire de passage à l’âge adulte attendait Harold. Du premier film jusqu’à sa maturité finale, en tant que chef sage et altruiste. Alors je leur ai dit : ‘Faisons une trilogie.’ Si on peut s’engager sur deux suites, alors on pourra raconter trois actes d’une même histoire, et les connecter les uns aux autres."
Le monde caché était un nouveau défi à relever, notamment sur le passage à l’âge adulte pour Harold, mais aussi sur la réalisation de la Furie Éclair qui s’inspire directement de l’élégance et l’agressivité des chats et félins.
Brad Lewis , le producteur explique : "Alors que la Furie Éclair et Krokmou apprennent à se connaître, on souhaitait exprimer qu’il y a chez eux attirance, curiosité et aussi un sentiment de danger… toutes les étapes subtiles d’une relation en train de se nouer. Il y a chez elle un peu de Julie Christie, d’Ingrid Bergman et de Grace Kelly. La Furie Éclair est à la fois agile, forte et insaisissable et a un point de vue très affirmé. Pour nous, elle a l’élégance d’une lionne."
Deblois : "Pendant très longtemps, il a été le fidèle compagnon d’Harold. Mais ce lien commence à se déliter à mesure qu’il est attiré par l’appel de la nature, par son instinct et sa maturité. On s’est demandé s’il était possible que leur relation périclite complètement, pour qu’ils se retrouvent ensuite, plus proches que jamais. Lorsque Krokmou fait la connaissance de la Furie Éclair (comme la surnomme Astrid), une sublime dragonne blanche qui brille de mille feux et n’est guidée que par son instinct, notre mâle dominant est soudain attiré par le monde sauvage dont elle est issue, et où elle a bien l’intention de retourner. Krokmou est pris dans un conflit de loyauté, mais il est chaviré par son instinct. À ses yeux, la Furie Éclair en est le symbole ; elle lui offre une existence pleine d’innocence, à l’abri des humains."
Dragons 3 : le monde caché a nécessité un travail monstrueux sur son animation, mais aussi a la gestion de son éclairage. Un dernier film qui parvient à conclure de la plus belle des manières cette trilogie qui restera une des meilleurs de DreamWorks.
« ça c'est Beurk ton nouveau chez toi loin de chez toi. Une destination de rêve avec pension complète comme tu n'en as jamais vu. Installe toi et laisse tes soucis s'envoler. Le service est au summum. La cuisine du feu des dieux. Et les habitants sont haut en couleurs. N'importe quel paradis se vanterait d'avoir des plages et du soleil. Mais nous, non, on a quelque chose que personne ne pourra égaler, mon ami... on a DES DRAGONS »
Cowboy Bebop, une série d’animation culte qui ne se présente plus est créé par Shinichiro Watanabe , un autre génie de l’animation de la même trempe que d’autres. Il met souvent en avant la musique dans ces œuvres comme avec Samurai Champloo et son Hip-hop ou encore avec Space Dandy et son coté Funk. Il n’hésite pas a concevoir quelque chose d’original qui n’a jamais été fait auparavant. En travaillant et en collaborant avec la compositrice Yōko Kanno, Cowboy Bebop a le Jazz dans le sang, se mélangeant parfaitement avec son univers de science-fiction. Shinichiro Watanabe a eu une révélation en écoutant la bande originale de Ghost in the Shell : Stand Alone Complex composé par Yōko Kanno , des personnages comme Faye ou Jet ont été inspiré par les chansons My Funny Valentine et Black Dog de Led Zeppelin. Et Spike, fait référence à une superstar du cinéma d'action japonais du nom de Yusaku Matsuda.
Avec 26 épisodes, seulement, la série rend hommage à de nombreuses icônes de la Pop culture, passant d'Alien à Taxi Driver à Desperado. À bord du Bebop, Shinichiro Watanabe réussis avec brio de croiser et de mélanger le genre science fiction avec le mythe du cow-boy dans une ambiance très jazz blues des années 1940.
Shinichiro Watanabe : « Lors de la création de Cowboy Bebop , je pensais qu'il serait intéressant d'ajouter différents éléments disparates pour créer quelque chose d'entièrement nouveau. »
« Pour Samurai Champloo, nous envisagions d'écouter de la musique hip hop, et de regarder un paquet de dramas japonais traditionnels - des dramas à l'ancienne - c'était le genre d'image que j'avais en tête lorsque je rassemblais ces idées. Space Dandy était quant à lui très inspiré par la SF et la musique des années 80, c'est d'ailleurs en mélangeant ces deux thèmes que j'ai créé cette œuvre. »
« L'anime qui m'a le plus inspiré et qui a probablement eu une forte influence sur mon travail est Lupin III, plus particulièrement ses premières séries » précise Watanabe, en comparant Lupin à Spike. « Sans oublier Opération Dragon, Dirty Harry et bien sûr Blade Runner. Ces films m'ont définitivement inspiré. »
« Beaucoup de gens m'ont dit que Space Dandy était assez proche des Gardiens de la Galaxie », ajoute-t-il. « Ils ont cependant été crées sensiblement à la même époque, et c'est seulement après avoir terminé Dandy que j'ai réellement pris conscience de leurs similitudes : ah ouais c'est vrai qu'ils ont une approche et un univers très similaires.»
« Ecoute-moi bien, Jim Hawkins, tu as en toi les prémisses de la grandeur ! Seulement, il faut t'accrocher à la barre et choisir toi-même ton propre cap ! Et, ce jour-là, j'espère être là, contemplant tes voiles inondées de lumière ! »
Né le 8 novembre 1953 à Chicago, John Musker sait dès son plus jeune âge qu'il voudra être animateur. Au lycée il dessine pour le journal de son école, de même à l'université où il obtiendra une license d'anglais. John Musker déménage ensuite en Californie pour suivre des cours à CalArts, célèbre école d'Art où Disney forme ses futurs recrues. C'est durant un stage au sein des studios Disney que John Musker débute finalement sa carrière d'animateur, ses responsables ayant été très impressionnés par le talent du jeune homme. John passe ainsi directement de l'école aux studios, sans même avoir eu le temps d'obtenir son diplôme. Il débute en tant qu'animateur sur le court métrage The Small One et Peter et Elliott le Dragon. Il passe ensuite superviseur de l'animation sur Rox et Rouky , production durant laquelle il fait la connaissance de Ron Clements.
Né le 25 avril 1953 à Sioux City dans l'Iowa, Ron Clements commence a s'intéresser à l'animation lorsqu'il découvre Pinocchio au cinéma à l'âge de 10 ans. Adolescent il réalise ses premières séquences d'animation grâce à une caméra super 8, ce qui lui permis de gagner un peu d'argent en réalisant quelques publicités animées pour des commerçants locaux. Le jeune Ron déménage ensuite en Californie pour concrétiser son rêve : travailler pour Disney. Malheureusement le studio ne recrute pas à ce moment là. Ron se rabat alors sur un poste d'animateur chez Hanna Barbara, tout en suivant les cours du soir à CalArts. Après avoir obtenu son diplôme, Ron Clements rentre finalement aux studios Disney en tant qu'apprenti animateur, sous la houlette de Frank Thomas, qui lui apprendra les bases du métier. Il débute ainsi sa carrière en tant qu'animateur sur Les Aventures de Bernard et Bianca et Peter et Elliott le Dragon.
Après sa rencontre avec John Musker durant la production de Rox et Rouky, les deux compères deviennent scénaristes sur Taram et le Chaudron Magique avant de passer réalisateurs sur Basil , Détective Privé. C'est avec leur seconde réalisation (La Petite Sirène) que John et Ron entrent dans le cercle très fermé des réalisateurs stars de la maison. Nous les retrouvons ensuite à la réalisation d'Aladdin, autre immense succès des studios. Leur réalisation suivante, Hercule, n'aura pas le même privilège... Après La Planète au Trésor, et la fermeture annoncée du département 2D, John Musker et Ron Clements partent en retraite anticipée, ne se retrouvant plus dans ce studios en pleine restructuration. Avec l'arrivée de John Lasseter à la tête des Walt Disney Animation Studios, les deux réalisateurs font leur grand retour et ont notamment dirigé le projet 2D , La Princesse et la Grenouille.
Réalisé par ce duo de réalisateurs, le 43e long-métrage de Disney sous le nom de La planète aux trésors était une idée de projet remontant à 1985. Et à cette époque, les technologies étaient assez limitées pour réaliser ce grand film d’aventures. Ron Clements a cherché à concevoir, à travers La Planète au Trésor, un monde bien plus accueillant que dans la majorité des longs-métrages de science-fiction. Contrairement aux films en prises de vues réelles, l'animation offre une plus grande marge de manœuvre en termes de couleurs et d'espaces, il n'y a avait pas besoin de "vide spatial" ni de combinaisons pour les personnages grâce au concept d'Etherium de Ron Clements permettant d'avoir un monde où tout l'univers posséderait une atmosphère. Le scénariste Rob Edward était au côté des deux réalisateurs pour transposer au mieux L'Île au Trésor, le roman de Robert Louis Stevenson dans cette aventure spatiale. L'objectif consistait à combiner l'époque où se déroule l'histoire du roman avec un univers fantastique et futuriste. Et au vu de cette difficulté, il a été décidé d’incorporer 70 % d'ancien avec 30 % de fantastique.
Les deux réalisateur John Musker , Ron Clements :"Nous souhaitions créer un nouveau monde qui n'appartienne ni au passé ni au futur. J'ai toujours apprécié la science-fiction et depuis que j'ai commencé à travailler chez Disney, j'ai eu envie de traduire ce genre dans un film du studio. Mais je ne voulais pas de quelque chose de high-tech ni de trop futuriste qui pourrait devenir daté. L'Île au trésor m'a semblé idéal parce que l'intrigue est intemporelle. Nous avons voulu faire notre film comme si Stevenson avait écrit un roman fantastique et de science-fiction. C'est comme si le futur était vu depuis le XVIIIème siècle. Il n'y a ni ordinateurs, ni télévisions, mais plutôt des éléments du siècle passé qui aurait pu être transplanté dans le futur. L'alliance des symboles de la piraterie et de l'univers donne un résultat surprenant de cohérence. Nous avons abouti à notre propre combinaison d'éléments en nous inspirant fortement du passé afin de lui donner une chaleur dont le genre est habituellement dépourvu."
La direction artistique était confiée à Andy Gaskill (Winnie l'Ourson) , et son style « "romanesque classique" a la particularité d'avoir des touches de pinceaux assez visibles qui débordent de couleurs chaudes permettant d’avoir des environnements vivant propre au film.
Dan Cooper, superviseur des décors : "On procède toujours en peignant touche par touche, mais au lieu d'utiliser un pinceau, on emploie un stylet. Obtenir ce style visuel "peinture à l'huile" à la main aurait été impossible parce qu'il faut compter six mois à un an de séchage par peinture. Avec l'ordinateur, on obtient exactement le même aspect instantanément."
Les animateurs ont d’ailleurs utilisé la technique du "Deep Canvas" qui permet de peindre sur des formes géométriques 3D animées par ordinateur. Le personnage de John Silver a exigé un travail d’équipe entre Glen Keane qui a dessiné les esquisses et Eric Daniels qui les retravaillent numériquement. Un personnage qui est un mélange de 2d pour son corps et 3d pour son bras bionique. James Newton Howard (Dinosaure , Atlantide l’empire perdu) revient pour une troisième collaboration musicale avec Disney et composera principalement les musiques du film.
La planète aux trésors : Un nouvel univers sortira en 2002 et malgré un accueil critique positif, c’est finalement un échec financier.
Phillip Bradley Bird, alias Brad Birdest né le 24 septembre 1957 à Kalispell dans le Montana. Passionné par le dessin depuis toujours, c'est au cours d'une visite des Walt Disney Animation Studios à l'âge de 11 ans que le jeune Brad annonça qu'il voudrait devenir animateur. Il réalisa alors son premier court métrage d'animation, qu'il mit deux ans à terminer, Le Lièvre et la Tortue. Ce petit film lui valut d'être remarqué par Milt Kahl, animateur légendaire des Walt Disney Animation Studios qui devint son mentor. Néanmoins, Brad continua ses études et fut diplômé de la Corvallis High School, dans l'Oregon en 1975. Trois ans plus tard, Brad entra à la California Institute of the Arts (CalArts), dans la première année du programme de formation des animateurs. C'est là-bas qu'il fait la connaissance de nombreux autres futurs talents tels que Tim Burton, John Lasseter, Glen Keane, John Musker ou Ron Clements.
Brad Bird débute sa carrière en tant qu'animateur aux Walt Disney Animation Studios sur Rox et Rouky. Il quittera les studios avant même la sortie du film. Brad travaille alors sur de nombreuses séries animées au département animation, ainsi que sur deux films, Animalympics (1980) et The Plague Dogs (1982). En 1987 il crée la série animée Family Dogs avant de rejoindre les rangs de la célèbre série animée Les Simpson en 1989 pour laquelle il sera réalisateur de plusieurs épisodes ainsi que consultant durant huit saisons. Il rejoint ensuite les studios Warner au milieu des années 90 pour réaliser son premier long métrage d'animation, Le Géant de Fer (1999). Beau succès critique mais quelque peu boudé par le public, ce film marquera un tournant dans sa carrière, lui permettant d'acquérir une véritable reconnaissance artistique. C'est alors que John Lasseter l’aide a rejoindre les studios Pixar pour réaliser un nouveau long métrage. Après Les Indestructibles, Brad Bird récupérera la réalisation de Ratatouille avant de se tourner vers le film live avec le blockbuster Mission Impossible : Protocole Fantôme ou encore le film A la poursuite de Demain. Il retournera dans l’animation et réalisera plus tard la suite des aventures des Indestructibles en 2018.
Les premiers concepts des personnages des Indestructibles ont été réalisé plus de dix ans avant le début de la production. Épaulé par Lou Romano et Ralph Eggleston a la direction artistique, Teddy Newton et Tony Fuclie s’occupent tout deux de la création des personnages. L’artiste Teddy Newton a notamment travaillé très tôt sur le projet, réalisant même plusieurs collages, mettant en avant les couleurs de manière à les rendre plus stylisées. Il réalisa aussi des sculptures des personnages pour les artistes 3d permettant de mieux en comprendre les formes. Pour la toute première fois du studio, Les Indestructibles était le premier film incorporant tous des humains, le défi était de taille pour les animateurs de Pixar, et les personnages réalistes ont demandé un énorme travail surtout au niveau des chevelures en images de synthèse comme celle de Violet ou encore certaines musculatures de Bob. Le court-métrage « le jeu d’échec » en 1997 a d’ailleurs contribué à l’étude des mouvements pour aider au mieux les animateurs.
Pour créer les Indestructibles, Brad Bird puise un peu dans sa vie personnelle et s’inspire des films des années 1960 pour donner une vraie authenticité a son œuvre tout en créant une esthétique unique pour ce film et sa suite.
Brad Bird : "J’ai été inspiré par des séries et films d’espionnage tels que la franchise James Bond, Mission impossible, Des agents très spéciaux Notre Homme Flint ou encore le dessin animé d’aventures diffusé en prime time Johnny Quest. C’est l’alliance d’élégance et de décontraction propre aux divertissements des années 1960 que nous avons essayé de reproduire à l’écran."
"J’ai réalisé que ce qui m’intéressait le plus dans l’histoire, c’était la dynamique entre les personnages de la famille Parr, et non leur identité de super-héros. Je pense que les spectateurs se sont identifiés à eux et que c’est la raison pour laquelle ils les ont tant plébiscités. Les Indestructibles et Les Indestructibles 2 racontent avant tout l’histoire d’une famille."
L’ambiance atypique qui se dégage de ce Pixar a notamment été baignée dans des décors aux architectures très contemporaines avec cette petite touche futuriste qui se ressent dans la variété des environnements.
Ralph Eggleston le chef décorateur : "Notre objectif n’était pas de montrer les années 50 telles qu’elles ont existé mais telles que les gens se les représentent, en optant pour un style rétro-futuriste inventé."
"La justesse avec laquelle Brad a écrit les personnages et l’histoire nous a permis de créer un univers très caricatural. Nous n’avons pas cherché à créer un monde réaliste mais un monde vraisemblable, et sa vraisemblance est assurée par l’histoire bien plus que par les décors. Les personnages sont incroyablement authentiques – quand bien même les chevilles de Bob mesurent à peine plus de cinq centimètres de diamètre alors que ses épaules ne passent pas dans une porte !"
Dans sa suite sortit en 2018, le personnage d’Helen Parr alias Elastigirl est beaucoup plus mis en avant , un parallèle au premier film où on suivait le point de vue de Mr Indestructible. Par ailleurs, cette héroïne existait déjà dans une autre version issue des comic book Doom Patrol qui fut publié entre 1963 et 1968. Dave Mullins , un des chefs animateurs raconte la supervision du personnage dans les deux films à travers un processus de sa modélisation vers son animation 3d.
"Nous avons pu faire des choses qui étaient encore impossibles sur le premier film. Quand j’ai animé Elastigirl la première fois, j’avais défini mon propre cahier des charges, mes propres règles. Sur le deuxième, nous avons pu les appliquer et nous en servir comme base pour encore améliorer les choses."
"Le rig d’animation d’Hélène est capable de s’étirer, mais nous avons créé un second rig qui ajoute plein de fioritures à partir du rig créé pour Hank dans Le Monde de Dory et qui a également été utilisé pour la langue de Dante dans Coco"
Et comment ne pas parler du personnage de Jack-Jack , qui dans le premier film avait certes un rôle très secondaire pour ce révélé être très convaincant dans les Indestructibles 2, et c’est d’ailleurs Tony Fucile un des chefs animateur qui nous parle un peu plus en détail de l’étude des mouvements de Jack-Jack.
"Nous avons étudié la manière dont bougent les bébés. Ils ont toutes sortes de gestes particuliers que seule une observation détaillée permet d’identifier. La manière dont ils marchent sur leurs orteils, la façon dont ils se rattrapent quand ils tombent… C’est un mélange de capacités athlétiques quand ils parviennent à maîtriser leur corps, et de déplacement maladroit et d’équilibre chancelant quand ils n’y arrivent pas."
Si les Indestructibles de Brad Bird ont su captiver son public en 2004 par sa prouesse technique, sa bande son et son scénario, sa suite en 2018 reste une assez bonne continuité du sans-faute de l’époque, une époque légendaire pour le studio Pixar.
Arcane , la série d’animation basée sur l’univers de League of Legend a pu sortir sur Netflix après 5 ans de travail. Ce projet, signé par le studio français Fortiche réitère sa tradition de ces productions en proposant comme toujours de la 2d sans aucune motion capture. Il y a toute de même une pincée de 3d dans Arcane comme les décors par exemple, mais le matte-painting un procédé cinématographique et les nombreux effets spéciaux sont tous réalisé en 2D.
Le directeur de l’animation d’Arcane Barthélémy Maunoury :
« Ça n'a jamais été notre souhait de faire de la motion capture, cela rend les personnages et les visages trop réels »
Produit et écrit par Riot Games qui donne une confiance absolue a Fortiche Production, leur permettant d’avoir une bonne liberté de création, le travail n’en ai pas moins titanesque sur sa réalisation notamment sur son esthétique globale et ces décors ressemblant davantage a une peinture vivante.
« On était libres, et c'était la clé de la réussite du projet. Riot nous a fait confiance, une confiance qui s'est créée au fur et à mesure des années, sur d'autres projets. Ça a été incroyable.»
« L'animation vient chercher la beauté dans son écriture et ses mouvements, on voulait que tous les décors ressemblent à des peintures, c'est pour ça que tout est fait à la main. Ensuite, les éléments inspirés du cinéma live viennent casser le côté "tableau vivant" de la série. »
L’animation faite a la main a mobilisé 80 animateurs et 300 personnes de plus pour proposer 9 épisodes de 45 minutes.
« L'animation, ça coute cher. ça implique un retour sur investissement, ce qui implique de faire des productions mainstreams, et on se retrouve avec des films qui sont toujours un peu les mêmes. »
« En France, on a des choses qui permettent de sortir un peu des sentiers battus. La situation s'améliore, même si on n'est pas au niveau du Japon, c'est sûr. »
Making of de la série Partie 1 a 5 ( sous titres en français disponible )
La saison 2 d’Arcane sera disponible en Novembre prochain sur Netflix.
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