Film interactif d'horreur à mi-chemin entre le David Cage et l'aventure épisodique d'un Telltale, Until Dawn fut une des surprise de l'année 2015. Sorti sur Playstation 4, le jeu est assez vite reconnu pour sa crédibilité, quand bien même il assume entièrement son côté cliché (la fameuse cabane dans les bois où tout le monde va mourir, le noir en premier sauf si vous choisissez qu'en fait c'est la blonde à gros seins qui va y passer d'abord, etc) et surtout les choix offerts au joueur qui changent réellement le cours du scénario. Until Dawn ne payait vraiment pas de mine lorsqu'il avait été présenté la première fois sur Playstation 3 lors de la Gamescom 2012. Graphismes peu convaincant, jouable uniquement avec le périphérique détestable du Playstation Move, disponible en dématérialisé... rien n'allait en son sens. Mais après avoir correctement rebooté le projet, les gens de Supermassive Games ont sut lui insuffler l'ambition dont il avait besoin.

Pour se faire, le studio engage des scénaristes experts dans ce genre d’œuvre, tandis que le casting de la mo-cap est assuré par des comédiens tout à fait dans les tons quitte à, toujours, rester dans le cliché absolu, volonté claire et nette de la part des développeurs.

Un compositeur ayant déjà fait ses preuves et ainsi appelé à la barre: Jason Graves. Auparavant connu pour la composition des BO de la trilogie Dead Space, on en a déjà parlé dans VGM pour le reboot de Tomb Raider datant de 2013. Il a aussi composé le pétard mouillé The Order 1886 ou encore récemment Far Cry Primal. Un bien joli CV en somme.

Le thème d'ouverture, O Death est chanté par une chanteuse d'opéra nommée Amy von Roekel, soprano de son état, et le moins que l'ont puisse dire c'est que la dame connait bien son métier. Le barbier de Séville, Carmina Burana, Gloria de Vivaldi, ou encore le mariage de Figaro, elle bénéficie d'une appréciation des critiques spécialisées tout à fait stupéfiante. Sa voix étourdissante se pose alors sur une musique traditionnelle du folklore américain composée vraisemblablement en 1916 par Lloyd Chandler (d'autres sources attribuent l'origine de la musique au bluesman Moran Lee Boggs à la fin des années 20). Nommée initialement "A Conversation with Death", Chandler l'aurait composée en Apalachee (un dialecte amérindien) après avoir eu un entretien rêvé avec la mort...

Reprise assez régulièrement dans les œuvres contemporaines comme la série de guerre O'brother ou Supernatural, O Death demeure une musique intéressante et qui donne du cachet au jeu. Until Dawn réussi son pari et surprend tous le monde, se plaçant comme la petite star de l'été 2015 haut la main.

Jeu culte de la Super Nintendo et œuvre majeure du jeu de rôle japonais, Final Fantasy VI est l'un des fleurons du genre depuis déjà plus de vingt ans. Si Final Fantasy IV auparavant avait sut emprunter une nouvelle voie plus ambitieuse pour la création d'Hironobu Sakaguchi, c'est le VI qui fit définitivement basculer la série de Square dans une dimension narrative plus riche et plus profonde que ses aînés.

La qualité fondamentale de Final Fantasy VI réside dans sa capacité à aborder des thèmes extrêmement variés, dans une histoire cohérente et unique qui ne se perd pas sur des sentiers farfelus. En cela, Final Fantasy VI offre une expérience singulière, mythique, et terriblement contemporaine grâce à de nombreuses références culturelles et historiques très intelligentes. L'histoire du jeu nous touche car par certains aspects, elle trouve un écho dans les évènements de notre propre réalité. Le jeu se part d'une maturité dont on peine à retrouver les semblants dans les jeux d'aujourd'hui. Pour porter cela, rien de tel qu'une galerie de personnages savamment étudiés et originaux, et Final Fantasy VI nous propose alors ce qui se fait de meilleur. Le compositeur, Nobuo Uematsu, le célèbre, l'a bien compris et pour la première fois de la série, il octroi aux protagonistes un thème musical attitré.

Final Fantasy VI possède en outre le méchant le plus diablement intriguant et intéressant de l'histoire du RPG (oué, rien que ça, sincèrement, vous y trouvez à redire ? ). Kefka est un personnage remarquable. Son allure clownesque contrastant avec ses actes démoniaques et sa soif de pouvoir dont on constate l'évolution en direct tout au long du jeu, comme un spectateur impuissant devant une macabre scène de théâtre avec comme décors le monde entier et les horreurs de la guerre qui le détruise. L’ambiguïté de ce personnage terrifiant contribua grandement au succès du scénario du jeu.

Son thème musical d'apparence rigolo, dégingandé, loufoque s'aligne avec son design bariolé et très typé italien rappelant la Commedia dell'arte. Métaphore juste et cruelle de l'être Humain, Kefka incarne les inspirations humaines primaires au travers de sa quête du pouvoir, sa folie et de son égoïsme, le poussant à recréer le monde à son image, suivant les principes d'un philosophe bien connu de notre monde: Nietzsche. Mais ceci de façon pervertie, hors de propos, comme chaque illuminé religieux extrémiste le ferait de l'interprétation de leurs textes sacrés fétiches en ce bas monde.

Le thème musical de Kefka est tordu, et même si il existe bel et bien, on a de prime abord du mal à discerner un fil conducteur. Grandiose, avec ses trompettes triomphantes et ses tintamarres de cymbales incessantes, la piste se veut exubérante à l'image de ce bouffon endiablé. Uematsu a d’ailleurs choisi de souligner un aspect bien particulier des différents intervenants du jeu. Et pour Kefka, il s'agit incontestablement de l'aspect scénique, dément et instable du protagoniste.

Et c’est bien lorsqu’il s’agit de mettre en musique les sentiments humains que Uematsu rayonne. Il n'y a probablement rien de mieux dans les compositions de sieur Uematsu que ses thèmes de personnages !

C'est samedi, il fait beau (ou pas), Final Fantasy XV et The Last Guardian vont enfin bientôt sortir, c'est Noël dans pas très longtemps, Donald Trump est président des USA, bref, la vie est belle !

Et pour l'occasion, on se ferait pas un petit thème musical bien joyeux, tout a cappella fait ? Le genre de truc qui dés les dix premières secondes nous donne envie de se joindre à la chorale pour suivre ses quelques notes très simplistes mais assurément très entrainantes. Attendez, bougez pas, j'ai ce qu'il faut !

Tadam! Platforms a Plenty!, thème de quelques niveaux bonus du légendaire Super Mario Sunshine sur Gamecube (et ses niveaux bonus vachement hardcore d'ailleurs, pas si bonus que ça ). Pas grand chose à dire à part que ce sont des voix synthétisées, mais elle le sont bien et le rythme n'a d'égal que la coordination du tout qui donne réellement un ensemble dansant et entrainant, de quoi maintenir une certaine concentration lors des phases de plate-forme très délicates auxquelles nous sommes confrontés dans ce jeu.

Vous avez bien entendu reconnu le fameux overworld theme de Super Mario Bros., probablement l'une des musiques de l'histoire de l'Humanité la plus reprise à travers les âges, ici remixée par la compère féminine de Koji Kondo: Shinobu Tanaka. Elle fut discrète et ne semble pas avoir eu à charge de projet d'envergure depuis quelques années, mais on lui doit la composition seule ou en équipe de Mario Kart DS, Mario Kart: Double Dash ou encore Luigi's Mansion.

Lorsque Legend est sorti sur Super Nintendo, de façon relativement discrète, en cette année 1994, quelle surprise alors de découvrir un jeu français de cette trempe, qui tient la dragée haute aux productions japonaises ! Cela le place immédiatement aux côtés de Mr. Nutz (coucou monsieur Philippe Dessoly) comme un de nos meilleurs produits nationaux sur consoles de la période 8 et 16 bits, bien loin des semi-réussites d'Infogrames et Titus. C'est d'autant plus fort et surprenant que Legend est uniquement le fruit du travail de deux hommes qui ensemble ont tout accompli: programmation, graphisme, musique. Chapeau bas messieurs Lyes Belaidouni et Carlo Perconti. C'est d'ailleurs ce dernier qui a été en charge de la composition du jeu.

L'OST, tout comme l'ensemble du soft s'inspire de valeurs sûres comme Knights of the Round (Capcom), King of Dragons (Capcom) ou encore Golden Axe (SEGA). C'est d'autant plus remarquable pour ce dernier en écoutant la piste que je vous ai sélectionné pour aujourd'hui: Overworld. Mélange de passage sombre et inquiétant, très rythmés, avec quelques parties plus légères, appelant sans hésitation à l'aventure sur fond de bagarre épique.

Contrairement à ce que son nom peut suggérer, Legend n'aura malheureusement pas laissé derrière lui un souvenir impérissable. Ce n'est pourtant pas la faute de ses auteurs qui ont accompli un magnifique travail. Quand bien même les ainées de Legend, déjà de grands noms dans le domaine du beat them all avaient de quoi écraser de toute leur stature de ténor le petit titre méconnu franchouillard. Legend fut bien victime d'une curieuse injustice qui mérite sinon réparation au moins admission, c'est à ça aussi que peut servir le retro gaming, à rattraper les erreurs du passé. Chose d'autant plus curieuse que Mr.Nutz, aussi français et sorti en même temps que Legend fut un véritable carton commercial en Europe quand bien même il y avait en face Sonic, Mario & co (quoique, ceci trouve probablement une bonne explication dans le fait que les développeurs de Mr.Nutz étaient déjà bien connus car d'anciens du grand éditeur Océan).

Bref, bien loin des productions prétentieuses de môsieur David ''émotiooooon" Cage et des salves de jeux annuels sans saveur de l'Ubisoft moderne, Legend, petite perle de retro gaming est à découvrir d'urgence pour ceux qui se demandent quel rôle a joué la France dans l'histoire rocambolesque du jeu vidéo !

Alors que le microcosme du jeu vidéo est en ébullition suite à la venue très attendue de la nouvelle console de Nintendo, dénommée la Switch, le jour même où un trailer du non moins attendu Red Dead Redemption 2 fut diffusé, d'autres se sont attardés à un believe de longue date: Beyond Good & Evil 2.

L’œuvre de Michel Ancel, jeu d'aventure pur jus ayant eu peu de succès commercial mais ayant sut se construire une fanbase particulièrement solide a surtout surfé sur la hype en faisant patienter les joueurs plus que de raison pour enfin évoquer une suite. Et pourtant, moi, ce n'est pas ça qui m'intéresse, car je fais parti des rares à ne pas avoir oublié Rayman. La star de la carrière du créateur franco-monégasque !

Oh, bien sur personne n'a véritablement oublié l'homme raie. Nous en avons eu du Rayman, jusqu'à récemment, que ce soit en présence diluée, limite relégué au rang de caméo avant de complètement disparaitre dans la licence des Lapins Crétins ; ou avec ce superbe retour aux sources dans un duo de jeu de plate-forme 2D magnifique et déjanté à souhait (Rayman Origins et Rayman Legends). Mais moi je parle d'une chose qui semble diviser les fan, le retour de Rayman dans un jeu 3D ! Bien évidemment, non pas pour concurrencer l’indétrônable Mario, ce qui d'ailleurs n'a jamais été le but de la saga Rayman dés lors qu'elle eut tenté son passage à la 3D avec Rayman 2: The Great Escape, mais tout simplement pour relancer la mode de ce type de jeu trop boudé par les éditeurs modernes (l'espoir qu'à faire naître le comeback triomphal de Ratchet & Clank et l'annonce de Yooka-Laylee tarde à se concrétiser pour le moment, on peut pas dire qu'on est noyé sous les annonces de jeu du même genre).

En attendant, je me replonge dans un jeu qui fleure bon l’authentique, l'aventure, le fun, la créativité, la rigolade, avec un univers charmant, un gameplay au petit oignon et une bande-son groovy: Rayman 3: Hoodlum Havoc ! Pléthorique, c'est le mot qui vient immédiatement à l'esprit lorsqu'on parle du travail de ce trio de compositeur: Plume Leonard et son frère Fred et Laurent Parisi, car c'est une bande-son de presque deux cents morceaux qui fut créée pour Rayman 3 ! Un peu plus si on compte les pistes non retenues, les musiques de spots publicitaires ou de trailer, ou encore les petits jingles de quelques secondes qui ne constituent pas à proprement parler des musiques selon le sens qui nous intéresse sur VGM.

Ainsi, c'est carrément la dernière musique de l'OST traditionnelle que nous retenons ce soir: Crédits, autrement dit le générique de fin (il y en a plein d'autre), et qui illustre à merveille à elle seule l'ensemble du jeu. Délurée, fichtrement bien rythmée, avec des sonorités très peu orthodoxes mais sur lesquelles on imagine sans mal ce crétin si sympathique de Rayman se déhancher après avoir fait leur fête aux méchants. Pas grand chose à dire, ce n'est probablement pas de la musique qui ferait s’émoustiller les amateurs de Beethoven et autre Chopin, mais c'est dansant, original, et à l'image du jeu tout entier: très créatif et léger.

Entre deux thèmes grandiloquents de HALO et de Deux Ex, entre l'ambiance ténébreuse de Dark Souls III et les trompettes belliqueuses de Battlefield, entre l'overdose de chœurs de Final Fantasy XV, écouter une piste issue d'un jeu aussi rigolo que Rayman ne peut faire que du bien au moral !

À écouter donc sans modération !

En attendant de pouvoir jouer à Rise of the Tomb Raider sur Playstation 4 (il est sorti, je sais, mais j'ai d'autres priorités en cette fin d'année riche en bons jeux ), je me suis relancé une toute dernière fois dans la renaissance de la saga sortie en 2013. Ainsi, j'ai étais capable d'accomplir une nouvelle lecture du scénario.

La fin du jeu m'a particulièrement interpellée. Schématiquement, le récit d'un jeu ou d'un film doit respecter certaines étapes pour prendre une forme traditionnelle, on appelle ça parfois un "parcours initiatique". On commence par un personnage qui bien souvent ne sait rien faire, ou en tout cas ne sait pas faire ce qu'on va l'obliger à faire durant tout le jeu ou tout le film. Et on termine avec un personnage qui a gagné en maturité, en compétence, en vécu, qui a perdu des choses aussi, bref qui a évolué. C'est parfaitement le cas de Lara dans cette nouvelle vision de Tomb Raider. (Comparé aux anciens jeux où dés le départ c'est une véritable professionnelle de la cabriole, du tir au pistolet, et femme fatale de surcroît)

Le seul soucis, c'est que ces étapes qui constituent un scénario classique sous forme de parcours initiatique semble se forcer. On a l'impression qu'à partir d'un certain moment du jeu, les développeurs se sont dit qu'il fallait qu'ils en ajoutent un peu plus pour consolider l'expérience et augmenter la durée de vie, quitte à faire repartir Lara de zéro ou presque. On pensent tous qu'une fois Conrad retrouvé, le jeu est finit ou presque, mais non ! Les galères reprennent et il faut encore se battre contre les Solarii pour désormais trouver un moyen de s'enfuir de l'île, entre temps, notre copine Sam se fait enlever plusieurs fois. Soit. Et une fois qu'on arrive à trouver un bateau, qu'on a réuni à peu prêt tout le monde, que Lara a déjà bien morflée, c'est reparti pour un tour !

Et c'est précisément là que le bat blesse. Tout cette histoire autour de la reine Himiko qui posséderait des pouvoirs tels qu'elle serait à l'origine des tempêtes de mer qui empêchent toute retraite de l’île et cette ambiance fortement emprunte de mysticisme qui s'installe vers la fin du jeu m'a fait hausser un sourcil tant, pendant des heures et des heures on était surtout habitué à jouer au Rambo dans la jungle. Ce n'est que pure hypothèse de ma part, mais on sent bien que la scénariste: Rhianna Pratchett s'est sentie obligée d'ajouter une dose de surnaturel avec un rituel de réincarnation, des démons guerriers du folklore asiatique, des esprits de vieille sorcière japonaise et tout le toutim. Probablement que Crystal Dynamics se sont dit "mince, mais au fait, on est dans un Tomb Raider que diable, faut ajouter un peu de magie !".

C'est vrai, mais la façon dont c'est construit et disposé à partir du moment où on trouve le cadavre du premier samouraï nous fait un peu souffler d'ennui en se disant "hé merde, c'est pas encore finit ...", surtout que cette suite forcée des événements nous arrive en pleine figure un peu trop facilement, genre "oh, un cadavre de samouraï ? Peut-être va-t-il me dire comment faire pour quitter l’île. Oh, un petit papier caché dans le manche de son katana, qu'y a-t-il d'écrit dessus ? Ouhlala, une vilaine sorcière japonaise avec des pouvoirs surnaturels? WTF !"

Toute la partie finale du jeu qui consiste à aller trouver les méchants ultimes (donc celui qui veut faire se réincarner Hibiko, et elle-même) n'est pas indispensable au scénario et à l'évolution de Lara. Elle a déjà atteint le stade qui est la motivation de l'ensemble du jeu, comme le dit l'accroche: "A Survivor is born". Elle est devenue une guerrière, une super exploratrice. Cette évolution finale qui ne peut aller au-delà dans les circonstances présentes est symbolisée par le passage où elle se paye le répugnant bain de sang dans la caverne géothermique et où l'aventure tourne plus à la torture tant physique que psychologique qu'à l'exploration et la simple bagarre avec quelques méchants.

Il n'empêche que si cette dernière partie scénaristique m'a parut maladroite, artistiquement, elle tient la route. L'apparition de ce côté plus mystique avec les Oni ne fait vraiment pas de mal à un Tomb Raider jusqu'à là très sombre, à la limite de l'horrifique mais surtout très terre à terre. Et musicalement le jeu n'est pas en reste. Jason Graves, déjà connu pour la trilogie Dead Space ou encore The Order 1886 nous offre une piste intitulée Scaling the Ziggurat.

Cette piste nous accompagne lorsque nous devons, à travers une tempête de neige gravir la montagne au sommet de laquelle se trouve l'autel du rituel pour la réincarnation d'Himiko. Si le début de la piste se fait étrangement calme mais on ne peut plus oppressante, c'est à partir de 2minutes27 que tout s’enchaîne. Les cors glorifiant l'action se mettent en branle tandis qu'à l'écran, toute la structure commence à se casser la gueule sur nous ! Donnant à cette épreuve d'escalade incroyable des allures épiques de God of War III où on se rappelle comment Kratos s'échinait à gravir l'Olympe !

Si globalement, on déplore l’absence de thème aussi identifiable que le Main Theme des Tomb Raider sur Playstation, le reboot peut aussi arguer qu'il dispose d'une bande-son qui colle bien mieux à ce qui se passe à l'écran. Plus intense, plus percutant, plus dans l'ambiance mais moins mélodique, moins féerique et sans cette touche de dépaysement qui faisait le sel des OST des Tomb Raider précédents. On a bel et bien affaire à un reboot, tant niveau gameplay qu'approche artistique et narrative !

Lorsqu'on nous dit que des anciens de chez RARE forment un nouveau studio (Nyamyam) pour créer de nouveaux jeux vidéo, on espère immédiatement que deux bonhommes en particuliers soient de la partie (quatre si on inclus dedans les frères Stamper, fondateur de Rare ayant quittés le navire en 2007): David Wise et Grant Kirkhope, les deux compositeurs star du studio (il y en a eu d'autres, mais le CV de ces deux bonhommes là en impose tout naturellement).

Le premier fut compositeur pour la trilogie Donkey Kong Country sur Super Nintendo ainsi que Marble Madness (NES), Battletoads in Battlemaniacs (SNES) ou encore StarFox Adventures (Gamecube) tandis que le second fut le créateur de la bande-son de Perfect Dark, Banjo Kazooie ou encore GoldenEye 007 tous sur Nintendo 64.

Et c'est le talent de Wise qui fut retenu par Nyamyam, ou plutôt son goût pour les musique du monde, avec des identités fortes et à la mélodie très en avant dans chacune de ses compositions. Pour Tengami (sorti sur smartphone au départ, puis sur Wii U et PC ensuite (2014), Wise nous prouve sa capacité à sortir des sentiers battus en employant un arsenal d'instruments peu usités en temps normal dans les bandes-son de jeu vidéo. Épousant parfaitement le folklore japonais dont se pare le jeu, c'est à des kotos, cithares à treize cordes, taïkos (tambours) ou encore à des shinobues (flûte) que nous avons à faire. La piste que je vous présente aujourd'hui se nomme The Awakening est pose les bases mélodiques, contemplatives et éthérées de ce que sera le gros de l'OST de Tengami

La particularité tout à fait remarquable de la bande originale de Tengami est de mélanger ces instruments traditionnels avec des sonorités plus électroniques. Globalement, David Wise ne tarit pas d'inspiration et arrive à renouveler les sonorités de ses musiques de bien belle manière. L'aspect plus singulier de certaines pistes épaulées par un synthétiseur ne vient aucunement rompre avec l’harmonie de l’œuvre !

Discret depuis que Rare n'est plus que l'ombre d'eux-même, c'est avec grand plaisir que les mélomanes ont appris son retour fugace mais enthousiasmant sur Donkey Kong Country: Tropical Freeze en 2014, et si il y a bien une chose de sure, c'est que le paysage musical vidéoludique aurait bien besoin d'un compositeur comme lui pour lui donner un peu plus de saveur et de naturel...

Qui a dit que les jeux exclusifs au PC n'avaient pas de belles musiques ?

Chose relativement surprenante pour un jeu de stratégie type city builder, l'OST du célèbre Caesar III de Impressions Games (édité par Sierra) propose quelques musiques très agréables à écouter.

Ici, Rome I qui accompagne la toute première mission de la campagne des régions romaines. C'est le début de votre carrière de gouverneur et vous devez bâtir votre première cité, aucune menace n'est à craindre au cour de cette mission, pas d'assaut d'armées barbares ou Mongoles, pas de pillards, pas même la moindre meute de loups pour attaquer vos citoyens. La musique traduit donc à merveille cette ambiance de paix où votre petite cité peut se développer, accueillir de nouveaux citoyens, offrir au peuple les commodités élémentaires, la sécurité et de la nourriture en abondance.

Le compositeur, Robert Euvino (aussi compositeur de Stronghold Crusader) réussi le tour de force de faire une musique agréable à l'écoute, qui colle parfaitement avec l'ambiance et les enjeux de la mission et qui en plus peut se laisser écouter pendant de longue minutes. Étant donné qu'un jeu de stratégie propose généralement des parties longues où il faut être patient et attentif, une musique qui lasse le joueur au bout de deux minutes serait très préjudiciable. Or, Rome I reste douce et capable de bercer de longue séance de jeu sans soucis.

Prenez un jeu relativement méconnu, qui en plus de ça n'a malheureusement jamais connu de suite malgré une qualité énorme, et qui pour conclure dispose d'un compositeur certes talentueux mais qui n'a pas réellement percé dans le milieu, et vous obtenez bien souvent une pépite archéologique qui nécessite de beaucoup creuser pour être remis sur le devant de la scène !

Skies of Arcadia, nommé Eternal Arcadia au Japon fait parti de ces jeux injustement oubliés (un peu comme Wild Arms, VGM numéro 33). J-RPG original et frais, Skies of Arcadia, comme son nom peut nous laisser le suggérer prend le parti de voyager, de découvrir du pays à travers les cieux éthérés. Ainsi, les compositions des discrets Yutaka Minobe et Tatsuyuki Maeda brillent par leur douceur, dans un style proche du New Age ambiant, contemplatif.

L'aspect dépaysement est assuré par une ribambelle d'influences calquées sur les cultures et ethnies du monde entier. Un peu comme ce qu'on pourra entendre plus tard dans des jeux comme Dark Cloud, The Legend of Zelda: Wind Waker, Shadow Hearts ou StarFox Adventures, la piste ici présente: Kingdom of Ixa'Taki témoignent de ses fortes inspirations authentiques avec ses rythmes et sonorités tribales. C'est fait à partir de pas grand chose, quelques percussions que l'ont devine faites artisanales avec une peau ou deux d'animaux sauvages, une flûte joviale, des sortes de cris et/ou piaillements d'oiseaux exotiques synthétisés et le tour est joué !

Il est à noté qu'un orchestre de 41 musiciens (nommé The Skies of Arcadia Symphony Orchestra) a été réuni à Tokyo pour interpréter la bande-son du jeu, faisant montre d'une certaine ambition et d'un soucis de d'offrir au joueur une expérience sonore de qualité.

La bande originale de Skies of Arcadia jouit d'une richesse et d'une accessibilité qu'on ne réalise qu'après l'avoir arpentée de bout en bout. Mais c'est avant tout son inspiration, sa simplicité et sa justesse qui font de cet ensemble une OST de grande qualité.