Si Crackdown 3 fait couler beaucoup d'encre virtuelle en ce début d'année 2019, c'est d'un autre jeu de son studio de développement principal dont on va parler aujourd'hui dans VGM. Snake Pass, aussi conçu par les britanniques de Sumo Digital en 2017, est leur premier jeu auto-édité dans lequel on doit aidé Noodle (le serpent, nouille, en français) et Doodle (le colibri, gribouille, en français) à rétablir l'équilibre de plusieurs île flottantes pour éviter la destruction du monde. Snake Pass oppose ainsi à son gameplay délicat - qui offre néanmoins de très satisfaisantes sensations de contrôler un véritable serpent, ondulation et physique très spécifiques comprises - un enrobage graphique et sonore sucré à souhait.

Comme je le disais sur le VGM#92 concernant Starfox Adventures, s'il y a bien une chose que David Wise (hé oui, encore lui, réellement un de mes compositeurs favoris ! ) sait faire, c'est installer des ambiances exotiques, tropicales, immersives et qui nous détendent ou nous véhicule un sentiment de bien-être. Si dans Snake Pass, il ne signe pas les meilleurs morceaux de sa carrière, il met néanmoins en exergue ses spécialités et assure un travail solide qui donne une identité agréable au jeu de Sumo Digital. Ses personnages loufoques de type animaliers qui fonctionnent en duo, l'ambiance légère, la patte graphique cartoonesque très colorée et des thèmes musicaux digne d'une escapade sur une île paradisiaque bordée de jungle luxuriante et de lagon turquoise rapproche énormément Snake Pass des jeux de Rare. Sortant dans le même temps qu'un certain Yooka Laylee, lui se revendiquant clairement de l'école du légendaire développeur de Twycross, Snake Pass réserve un challenge progressif, aux sensation de maniabilité inédites mais malheureusement à la difficulté parfois mal réglée et, selon certains avis, aux renouvellement pas assez intéressant sur la longueur.

Musicalement, Snake Pass, et en particuliers ce thème de vacances parfaites qu'est Sog-Gee's Realm est en tout cas une belle découverte !

Pour contourner les cruelles limitations techniques d'une Gameboy déjà à son époque obsolète, les compositeurs de chez Game Freak avaient déroulé un véritable trésor d'ingéniosité. Leur façon d'aborder la mélodie et de jouer avec les sonorités offraient aux Pokemon old school une cohérence, une identité et une ambiance propre, fascinante.

Depuis peu (depuis les opus X et Y en fait), la série semble se diriger de plus en plus vers l'orchestral, à mesure que les capacités sonores des consoles s'améliorent. Ce fut le cas d’énormément de jeu lors du passage du CD à la cartouche. On y perd la chaleur et les entêtantes mélodies des sons 8-bit pour un son qui se veut audiblement plus parfait, plus exact, mais aussi plus froid, un brin plus artificiel. C'est très contradictoire de se dire que la démarche artistique qui veut les musiques plus réalistes avec l'utilisation de sons types orchestraux synthétisés par un ordinateur rend finalement le son plus plus froid et plus distant que de véritables son informatiques comme on en avait l'habitude sur Gameboy.

Les mélodies se sont avec le temps rendues plus plates, un peu plus conventionnelles, presque interchangeables entre certain lieux et décors. Stéréotypées, certaines musiques font état d'une carence mélodique palpable qu'elle tente vainement de cacher par une orchestration pompeuse et une tentative de rendre le son plus propre et plus "réaliste". Les mélodies ne sont plus aussi entêtante et n'ont plus cette touche de fraîcheur, d'authenticité, ce petit truc en plus qui fait qu'on les chantonne encore après avoir éteint la console, dans le bus, en partant au boulot, ou en faisant les courses...

Dans Pokemon Sun & Moon, les compositeurs Minako Adachi, Go Ichinose, Hitomi Sato, Tomoaki Oga, Hideaki Kuroda et bien entendu le patron de la première heure Junichi Masuda avaient un prétexte parfait pour tenter de raviver la flamme. le jeu se passant dans un environnement aussi pétillant, riche et joyeux qu'un simili-Hawaï, avec ce que cela apporte d'exotisme et de fraîcheur, la bande-son aurait put retrouver une nouvelle vie. Mais malheureusement, hormis quelques incursions timides de ukulélé et de reggae hawaïen dans le thème de combat ou dans la musique de la Route 1, la créativité est étouffé sous l'orchestration imposée de la bande-son. Les ballades rock, les ritournelles jazzy, les musiques d'aventure popisante ne sont plus et l'expérimentation qui aurait put trouver avec ce jeu un terreau ultra (Pokemon, ultra...) fertile est bridée, quel dommage !

Il faudra néanmoins signaler l'utilisation, pour une première dans la série de voix digitalisées pour accompagner les partitions que l'ont doit à Hideaki Kuroda, auparavant sound designer. On signalera aussi des chœurs tribaux et des légères utilisations d'instruments fantaisistes comme la vieille roue (instrument à cordes frottées du Moyen-Âge muni d'une manivelle, faisant d'elle un mélange entre un violon et un orgue de barbarie). Mais le tout reste anecdotiques face à l'aspect sans ampleur et sans prise de risque de l'ensemble de l'OST de ces Pokemon.

Alors tant pis, quitte à rester dans le classique, autant choisir le meilleur et c'est avec Ten Carat Hill, qui est une des seules à réellement offrir une variations de timbre intéressantes que je vais conclure cet article. Entre sons liquides et éthérés "ambient" et brèves enflammades du synthé, des cymbales et de la batterie, elle propose une rythmique et une construction qui a au moins le mérite de tenter quelque chose d'un peu plus caractéristique que le reste de la bande-son.

Pour parler de (bonnes) musiques de (bons) jeux vidéo, je me suis dis que le meilleur moyen, une fois de temps à autre, serait encore de laisser faire les vrai passionnés et/ou les experts. C'est, du coup, aujourd'hui Negan qui s'y colle avec du ... Fable, surprise ! Ou pas !

"De toute façon, dans les jeux de bagnole, y'a pas de musiques, c'est pas un RPG non plus, on s'en fout, du moment que ça va vite et que c'est fun...", que j'entends parfois un peu partout. Oula, malheureux, que dis-tu ?!

Que ce soit les envolées épiques de Forza Horizon, les musiques jazzy lounge très classe de Gran Turismo ou le metal industriel un peu crasseux de V-Rally, permet moi de te contredire si jamais tu es de cet avis, cher lecteur: oui, il y a des musiques digne d'intérêt dans les jeux de course automobile .

Surtout quand on fait appel à un expert en la matière dans les années 80 et 90: Barry Leitch. Lotus Turbo Challenge, Ferrari Formula One sur Commodore 64, Combo Racer sur Amiga, Rush 2 sur Nintendo 64, Super Cars sur NES, et même encore récemment avec Horizon Chase Turbo sur les diverses plate-formes de téléchargement disponibles en 2018, Barry Leitch compte pas mal de jeu de course au compteur (compteur, voiture... ). Vétéran de la chiptune de la scène micro-ordi des années 80 aux côté d'autres grands comme David Whittaker, Allister Brimble ou Rob Hubbard, le natif de Strathaven en Ecosse nous sert ici une piste qui semble un peu trop pédantesque et solennelle pour un "simple" jeu de voiture tout-terrain, mais ça marche !

La mélodie est belle, la sonorité fait honneur aux capacités de la Nintendo 64 et la composition se laisse très bien écouter même en dehors du jeu, ce qui est un gage certain de qualité. La série Top Gear, qui a surtout connue son heure de gloire entre la Super Nintendo et la Nintendo 64 de 1992 à 2000 s'est éteinte au début de l'ère 128-bits sans jamais redonner signe de vie. En vérité, cette musique contraste non seulement avec un jeu de voiture mais aussi avec tout le reste de la bande-son puisque c'est clairement le thème le plus travaillé et le plus émouvant. À savoir que la version japonaise du jeu dispose d'une toute autre OST principalement composée de morceaux trance et techno beaucoup plus rapide et forcément moins évocateur que la belle mélodie que je vous propose aujourd'hui.

Je sais pas s'il a neigé par chez vous, ces dernières semaines, mais dans certaines régions, j'ai eu l'impression d'assister à la fin du monde. Les gens criaient, on se préparaient déjà à sacrifier les vieux pour manger leur viande sèches et tannées et on dessinaient des plans de fortune pour construire des bunkers à la va-vite. Pour -2° et 5 centimètres de poudreuse. (je suis français, pas canadien, donc j'ai le droit de me moquer )

Toujours est-il que dans ces conditions, ça m'a rappelé de bon souvenirs sur Borderlands 2 et ses énormes étendues glacières. Jesper Kyd, désormais grand bonhomme de la composition musicale vidéoludique (après Hitman, après Assassin's Creed, Borderlands, entre autres quelques jeux moins connus comme Battle Chasers: Nightwar), le danois donne une grosse partie de son identité à la saga de Gearbox. S'occupant plus volontiers des thèmes servant à distiller une ambiance et à donner du caractère aux environnements - laissant à ses compères Sascha Dikiciyan et Cris Velasco le soin d'opérer lorsque l'action le réclame- , Kyd propose des accords simples et un son qui a "la force tranquille" en lui.

Avec un rythme soutenu, les percutions et les cordes donnent une identité très western à Ice. Pourtant un brin dénaturé par la distorsion sonore, légère mais palpable que les sonorités de guitare subissent, la musique colle parfaitement à cette ambiance de chasseur de prime futuriste, de no man's land (qu'il soit glacé ou aride) et de technologie steampunk.

Totalement représentatif de l'identité tant visuelle que musicale de Borderlands, le Ice de Jesper Kyd n'évoque en réalité pas tant que cela de vastes étendues enneigées comme pourrait (bien mieux) le faire un Phendrana Drifts de Metroid Prime par exemple, mais il constitue en revanche un parfait exemple de ce que Borderlands est.

Baroque est un RPG orienté action et/ou dungeon selon les versions, largement méconnu. Je dis selon les versions, car l’opus d’origine fut édité en 1998 sur Playstation et Saturn, puis a bénéficié d’un remake sur PS2 en 2005, ce même remake porté sur Wii deux ans plus tard. Doté d’une inspiration artistique et graphique particulière et d’un scénario alambiqué, il en résulte une bande-son tourmentée, mystérieuse, déshumanisée, effrayante parfois, signée par celui qui me semble être le maître du genre, rien qu’avec cette œuvre : Masaharu Iwata.

Le titre, obscur, désigne la fameuse catastrophe qui s’abattit le 14/05/2032 (soit le 14 Mai 2032) sur le monde de Baroque : la Grande Chaleur.
Première piste du jeu, premier moment d’émotion macabre, d’hors et déjà nos oreilles se voient attaquées par un son déshumanisé, battant le tempo comme un rythme cardiaque mécanique. Un instrument digital crée des sortes de sons liquides, qui s’écoulent comme un fluide sombre et visqueux. Le synthé oppressant vient s’ajouter à la "fête" vers 1 minute 23 secondes et occultant presque toute la première partie par une mélodie sombre, mais néanmoins mystérieuse. La musique fait mouche, on craint d’aller plus loin pour découvrir ce que le monde étrange de Baroque a à nous offrir, mais on est irrémédiablement attiré vers la suite. La piste se termine par des sons d’ambiance électronique qui rappelle un peu les thèmes de Metroid Prime.

Dernier jeu issu des ateliers magiques de Rare pour le compte de Nintendo après leur rachat par Microsoft en 2002, Starfox Adventures marque d'une pierre angulaire le parcours du studio de Twycross en Angleterre. Dès le départ, le jeu souffre d'une guerre qui sépare deux camps. Ceux qui adore de façon inconditionnelle le jeu, pour de bonnes ou de mauvaises raisons (il est magnifique, avec un gameplay bien huilé, une durée de vie très solide, une bande-son mélodique à souhait et propose une aventure remplie de péripéties et de rebondissement aux côtés d'une galerie de personnages attachants), et ceux qui préfère le tailler en pièce sous prétexte qu'il ne s'agit là que d'un vulgaire Zelda-like. Préférant occulter les réelles qualités du jeu de Rare derrière des murs de fumée et de arguments fallacieux, les réfractaires passeront pourtant à côté d'un jeu remarquable, monument d'une ludothèque Gamecube qui possédait déjà pas mal de pépites.

Au son, on retrouve le désormais patron musical du studio (il se tire la bourre avec Grant Kirkhope, chacun choisira son champion) à savoir David Wise, déjà responsable des bande-son de Donkey Kong Country, Battletoads, Snake Rattle 'n' Roll et autres hits ayant forgés l'alliance Rare/Nintendo. Starfox Adventures, à l'origine connu sous le nom de projet de Dinosaur Planet était un jeu d'aventure conçu pour la Nintendo 64 avant d'être déplacé vers le cube. Les maîtres mots du concept étaient dépaysement et aventure, si bien que Wise peut à nouveau faire parler son talent pour les ambiances exotiques et les mélodies aux intonations très variées. Si selon certains mélomanes, Kirkhope serait plus doué pour la rythmique et la dynamique des musiques, Wise lui est sans aucun doute le chef d'orchestre lorsqu'il s'agit d'installer une ambiance, surtout si celle-ci doit faire voyager le joueur (écoutez donc l'OST de Tengami sur smartphone, Wii U et PC, vous comprendrez).

Ici, les cuivres et les percutions installent une ambiance mystérieuses afin de napper le joueur dans l'inconnu. La tribu des Lightfoot, particulièrement craintive et respectueuse des tradition du passé défendent leur isolationnisme avec férocité. Aussi, ils ne font pas confiance à Fox lorsqu'il débarque sur leur territoire. La musique à mi-chemin entre le sauvage et les secrets - en sus d'installer une forte ambiance - n'en oublie pas pour autant de proposer une bonne mélodie, comme elle le fait à 1.34. Les quelques notes sont plus tard soutenu par des violons qui ajoute une petite dose de tragique au tout.

Tekken 3 (et les suivants) sont très probablement plus évolués que les deux premiers jeux de la série, mais il est indéniable qu'ils ont sut marquer à leur façon le cœur des joueurs. Disposant d'une ambiance tout à fait spéciale, notamment dût au fait que c'est à partir de là, véritablement, que Tekken flirt avec son aspect surnaturel à base d'ange, démon et super pouvoir, Tekken 2 demeure une véritable explosion pour mon intérêt de la ludothèque Playstation. Visiblement, ce fut également une partie très importante de l'expérience de gamer de Sorow, que nous accueillons aujourd'hui (bonjoooour Soroooow) et à qui j'ai donné la parole.

Il nous a donc sélectionné une des plus remarquables musique de l'OST du jeu de Namco, composée comme pour le premier jeu par le duo Yoshie Arakawa et Yoshie Takayanagi.

Advent Rising, c'est l'histoire d'une ambition dévorante et absolument monumentale. Le studio à l'origine du jeu, GlyphX est tout d'abord connu pour du travail de design promotionnel sur des jeux comme Soul Reaver, Diablo II, ou encore Unreal Tournament 2003 (jaquettes, artwork publicitaires pour les magasines, posters...). Puis leur vient l'idée de produire leur propre jeu. Faut dire qu'avec une légion d'artiste et de graphistes très talentueux, l'idée de créer son propre univers de science-fiction parait très intéressante. Le studio décide de se donner les moyens d'une ambition qui devient vite incontrôlable et recrute le romancier Orson Scott Card dont le travail le plus célèbre est le cycle d'Ender. Une trilogie est d'abord envisagée avec une histoire nous faisant voyager à travers plusieurs galaxies différentes dans un véritable space-opera voué à se développer bien au-delà du jeu vidéo. Un opus sur Playstation Portable est même en préparation entre 2004 et 2006, avant d'être annulé.

Seulement voilà, le jeu est bancal. Le gameplay à base de TPS relativement grossier propose des gunfight qui se transforment en joyeux bordel ingérable. Sans compter les super pouvoirs qui viennent s'ajouter à la fête et qui réduisent le challenge à néant tant ceux-ci sont immensément puissants. En outre, le scénario peine à se rendre intéressant avec des séquences cinématiques longues, aux dialogues bateaux, là où Metal Gear Solid 2 proposait un jeu de mise en scène impressionnant et des retournements de situations fréquents (pour comparer avec un jeu qui lui aussi a des cut-scene longues et nombreuses).

Musicalement, comme ce qui concerne l'enrobage graphique et visuel, Advent Rising se montre plus intéressant tout de même. Tommy Tallarico, compositeur américain très prolifique et aux travaux variés (le Aladdin de Virgin, Evil Dead: Hail to the King, RoboCop versus The Terminator, Eartworm Jim, Bloodrayne, Pac-Man World, Maximo...) est probablement le garant de l'ambition de GlyphX pour doter son jeu d'une véritable identité sur tous les plans. Ainsi, il donne à Advent Rising une bande-son puissante et grandiloquente, un brin exagérée et pompeuse comme on peut l'entendre dans le morceau ci-dessous, nommé Bounty Hunter. Allant de paire avec les propos d'un scénario qui se veut vaste et grandiose, la musique en impose. Cependant, la mayonnaise a du mal à prendre tant le contraste entre ce que le jeu veut faire et veut nous communiquer, et ce qu'il présente en réalité est fort.

Le gameplay sans génie et le scénario peu approfondi (il ne suffit pas de dire "je veux vous impressionner, regardez mes incroyables batailles et combats de science-fiction" pour effectivement impressionner le joueur...) représente la face cachée d'un jeu visuellement attrayant et musicalement pris très au sérieux par son compositeur. C'est cela qui arrive quand une armée d'artiste décide de faire un jeu, sans qu'il n'y en ai un dans le lot qui sache faire un bon game design. Car le jeu vidéo n'est pas qu'une question de graphisme ou de jolie jaquette à présenter dans le magasin du coin.

Dans jeu vidéo, il a peut-être "vidéo", mais il y aussi "jeu".