Les VGM ont ceci d'unique et de remarquable qu'elles peuvent être intimement liées au gameplay d'un jeu. Là où les musiques de cinéma sont linéaire et n'ont pour vocation primaire que d'accompagner et faire naitre un ressenti, certaines musiques de jeu ont le luxe d'évoluer selon les choix et l'interaction que le joueur effectue avec le jeu. Certains jeux de génie ont réussi à transcender le rôle de leurs musiques pour leur faire adopter un rôle inhabituel, les rendant d'autant plus mémorables.

Tous les joueurs qui ont vécu la fin de Journey sur Playstation 3 savent probablement de quoi je parle. Le soft poétique de thatgamecompany propose une alliance si forte entre musicalité, interaction et visuel que la symbiose entre l'art et l'acte, le choix, n'aura jamais été aussi palpable. Apotheosis, qui assume à la perfection son nom prend la forme d'un ballet céruléen ascensionnel qui redéfinit presque à lui seul le rôle d'une musique dans un jeu vidéo.

Snapshot est de ce genre de jeu savoureux, développé avec passion et qui coûte à peine plus qu’un paquet de cigarette, mais qui fout carrément de très bonne humeur toute la semaine tant il est de qualité. Très jolis, les graphismes pastels aux couleurs sucrées de Snapshot brossent un tableau charmeur. Le concept du jeu, celui de prendre des photographies pour capturer la matière et la forme d’un objet précis, est fort intéressant et donne lieux à un jeu de réflexion aux situations particulièrement retorses.

Aussi, musicalement, le petit soft du studio Retro Affect (3 jeunes gens fraichement diplômés d'une université d'informatique à l'époque de la sortie du jeu, en 2012) a des qualités. Cependant, on peut regretter que la performance de son OST soit inégale. On a droit à des mélodies vraiment sublimes et entraînantes comme Catching Stardust ici présente (ou Summer Moon , une autre musique sympa du soft), mais le tout est trop hétérogène. Pour autant, Snapshot vaut largement ses neuf euros sur Steam, un investissement que vous ne devriez pas regretter !

84 numéros de VGM et pas un seul mot sur Metal Gear Solid ? Faut dire que si on prend dix minutes, le temps de faire une petite liste de jeux et des OST intéressantes qui en découle, on se rend compte de la variété incroyable de ce qui nous attend. Si bien que même les plus évidents et les stars de notre loisir favoris passent presque au second plan.

Metal Gear Solid 2, mythe, porte-étendard d'une Playstation 2 en quête de prophète. Soft qui changera à jamais la face du jeu vidéo, l'amenant dans de nouvelle sphère de réflexion, plus intelligente, plus mature. Amalgame culturel improbable qui se questionne sur l'avenir incertain d'un monde de plus en plus régi par les nouvelles technologies, MGS2 tient un propos saisissant mais n'en oublie pas pour autant d'être un bon jeu, un pur divertissement. Muni d'une mise en scène digne des meilleurs blockbuster hollywoodiens d'hier et d'aujourd'hui, de graphismes époustouflants, d'un gameplay souple et plein de possibilités et enfin d'une bande-son fantastique, la production de Hideo Kojima a marqué le jeu vidéo tout entier.

Initialement composé par Tappi Iwase (qui en vérité n'a pas fait grand chose de mémorable avant Metal Gear Solid, quelques Tokimeki Memorial, Policenauts en partenariat avec Masahiro Ikariko et Motoaki Furukawa, Gensō Suikoden avec là encore plein d'autres compositeurs...), le main theme de Metal Gear Solid a fait polémique. En effet, récemment accusé de plagiat, il se trouve que la production d'Iwase ressemble à s'y méprendre à la neuvième partie de la symphonie The Snow Storm (Winter Road) du compositeur soviétique Georgy Sviridov. La vérité éclata un peu avant la fin du développement de Metal Gear Solid 4 si bien que Konami et Kojima Productions durent renoncer à utiliser ce main theme devenu récurrent dans la série.

Cette version présente dans Metal Gear Solid 2 est arrangée par Harry Gregson-Williams, compositeur venu du 7ème art dans l'optique de rendre le jeu plus cinématographique tant dans sa mise en scène que dans son approche sonore.

Et que dire, polémique mise à part (parce que, qu'on le veuille ou non, c'est pas du pur plagiat à la note près, faut pas abuser, y'a eu un sacré boulot derrière, en terme de rythme, d'instrumentation, d'harmonie... ) si ce n'est qu'il s'agit d'une des meilleures musiques issues d'un jeu vidéo ?

Je crois qu'il n'est pas nécessaire d'épiloguer dessus toute la soirée. Bonne écoute, bons frissons, bons souvenirs, bons jeu si ça vous a donné envie de relancer le chef d’œuvre de Kojima...

Difficile, éreintant, stressant, de faire la suite d'un jeu qui a (très) bien marché et qui s'est imposé de façon foudroyante comme le maître du genre. Pire encore dans le cas de Doom qui a pour ainsi dire inventé le genre même si les prémices du FPS avaient déjà été posés par d'autres avant lui. Bon nombre de suites se sont avérées aussi excellentes que leur ainés: Pokémon Silver & Gold, Grandia II, Metal Gear Solid 2, Jedi Knight II: Jedi Outcast, etc. D'autres en revanche se sont bien planté, Devil May Cry 2 et Red Faction 2 en sont la preuve.

Doom II fait parti de ceux ayant admirablement bien négocié ce genre d'exercice périlleux. Plus grand, plus impressionnant, plus fun, il ne révolutionne pas la recette mais s'échine à faire tout mieux que son prédécesseur, tout simplement. Aussi, il est sensiblement différent de part son ambiance, notamment. Évidemment, nous n'avons pas là affaire à un jeu poétique à la Okami, faut pas déconner. Marre de viscères offertes en sacrifice au roi des démons, lances-roquettes massifs et armées de monstres à cornes sont toujours au programme. Mais le jeu se présente comme plus fataliste, encore plus sombre et plus morose que le premier, tout cela justifié par un scénario qu'on aurait jamais put deviner à la fin du premier Doom.

En effet, au début de Doom II, on apprend que pendant toute la bataille menée en Enfers, les armées démoniaques, vous ayant bien berné, en ont profité pour déferler sur Terre, rependant horreurs et chaos. Ainsi, c'est sur une planète bleue dévastée non seulement par la sur-industrialisation et la pollution humaine, mais aussi par les assauts commis par les démons que nous débarquons. Dés le début du jeu, les décors sont chaotiques, les villes en ruines, les bâtiments enflammés, la population inexistante, on devine que la moindre trace de vie a été réduite en cendre ou en bouffe pour démons. On a dés le départ l'impression d'avoir perdu. Et quand bien même arriverons nous à botter le cul de tous les démons sur Terre, à quoi cela servirait, puisque plus aucune âme n'y vit et tout demeure ravagé ?

Bref, c'est une ambiance désespérante qui nous empoigne avec force dans Doom II, beaucoup plus qu'auparavant. La fatalité nous étrangle littéralement. Dans sa globalité, l'OST, toujours composée par Bobby Prince, obéit à cet état de fait et présente des musiques au tempo relativement lent, aux sonorités travaillées. Elles installent une chape de malheur et de morbidité sur nos têtes, pesante, rendant Doom II aussi remarquable pour sa violence visuelle outrancière que pour le semblant de message qu'il veut véhiculer.

Comme nous l'avions remarqué dans le VGM#25 (I sawed the Demons), Bobby Prince aime s'inspirer (pour ne pas dire carrément reprendre certaine portion de piste) de grand hit du heavy metal pour composer ses musiques. Cette fois-ci, Shawn's got the Shotgun s'inspire d'une des meilleures musiques du genre si vous recherchez le désespoir, la désolation et le tourment: South of Heaven du mythique groupe de thrash metal Slayer. Ce dernier, adepte des lyrics emprunts de satanisme, de brutalité et de rage, et aux effets scéniques extrêmement provocants lors de leurs concerts live récite depuis plus de trente ans un chapelet de musiques dont l'instrumentation servirait à merveille les jeux de la famille Doom. Si Doom ne s'appelait pas Doom, il s’appellerait Slayer. Et inversement.

Le nom de la piste est par ailleurs un clin d’œil à un des concepteurs de map de Doom 1&2, à savoir Shawn Green (il a conçut le niveau E4M3 et E4M8 de Doom ainsi que la map 25 de Doom II), aujourd'hui à la retraite, passant son temps libre à voyager et à étudier le bouddhisme (no joke ).

Dans Red Faction (PC et Playstation 2, 2001), vous incarnez Parker, un mineur qui a cru au rêve martien et qui a découvert, une fois les pieds sur la planète rouge, un monde invivable. Ultor, la société qui l'embauche est une véritable mafia qui n'est intéressée que par le profit. Des violences sont perpétrées sur les mineurs par la milice d'Ultor, le travail est laborieux, les rations de nourriture sans cesse amoindris, le salaire misérable et pire que tout, la peste a refait son apparition dans les souterrains de Mars, faisant mourir dans d'atroces souffrances les mineurs. La révolte gronde.
Véritable institution criminelle, Ultor fait appel à un groupe de mercenaires réputés sanguinaires à travers la galaxie pour contrer la rébellion des mineurs. La situation dégénère en guerre civile et très vite, Parker se retrouve seul à lutter pour sa liberté et sa vie !

Cette musique intervient très tard dans le jeu, presque à la fin, lorsque vous devez gravir jusqu'au haut d'une tour de communication afin de lancer un signal de détresse à l'armée terrienne pour venir faire stopper les agissement crapuleux d'Ultor. Composée par Dan Wentz, Moogroov (ou Tower Communication) est son nom.

À ce moment du jeu, vous êtes horriblement seul, vous avez affrontez les gardes d'Ultor, la cruauté et la cupidité de l'Homme, des créatures martiennes vicieusement modifiées génétiquement par un scientifique fou, et désormais, c'est des mercenaires armés jusqu'aux dents qui vous tombe dessus. Le désespoir semble s'emparer de vous lorsque vous devez gravir cette satanée tour gardée par des dizaines de pourris armés de rail gun dont les projectiles traverses les murs ! Le tourment et la fatalité se fait puissant dés les premières notes de la musique, puis encore une fois à 1.18, comme si le jeu vous susurre à l'oreille "c'est la fin pour toi, tu n'arrivera jamais à t'en sortir seul".

Vous ne voulez que justice et liberté. Mais eux veulent votre mort...

Tant bien que mal, et pendant que la musique défile, vous venez tout de même à bout de l'armée de mercenaire, harassé, désespéré, blessé physiquement et psychologiquement, effrayé, mais vous arrivez à atteindre votre but ! Le message de détresse est lancé, une once d'espoir se profile dans un horizon pourtant chargé de nuages sombres et lourds... Le périple n'est pas finit, il vous faut avancer, il vous faut encore lutter contre les mercenaires, survivre encore et toujours seul jusqu'à l'arrive des secours. Il faut que vous rendiez justice pour touts vos compagnons mineurs sauvagement assassinés.

Vous êtes le héros de la résistance.

Il faut être honnête, Red Faction n'aurait probablement pas été ce qu'il fut sans son OST fabuleuse. Un bon FPS certes, là où, au tout début de l'ère 128-bits, peu de jeu s'y risquait, mais confronté à d'autre bénéficiant d'une ambiance fantastique (Deus Ex par exemple).
Les musiques de Red Faction couplées à ce qui se passe à l'écran donne au jeu des allures véritablement homériques parfois, comme la scène que je viens de vous décrire avec la fameuse tour de communication. Cette musique entre autres donne à l'aventure un aspect particulièrement "seul contre tous", où vous devez lutter pour rendre justice à vos amis face au monstre inhumain Ultor.

C'est fou à quel point le destin de deux jeux d'une même série sortis à quelques années d'intervalle peut être différent. Final Fantasy XIV et Final Fantasy XV par exemple. Le premier est passé de fiasco quasi total à incontournable du MMORPG, grâce à beaucoup de travail, d'humilité et de la générosité de la part de l'équipe de développement envers les joueurs et les fans. En revanche, Final Fantasy XV reste la bête noire de beaucoup de monde, fans comme joueurs occasionnels de la série FF. Peu importe les ajouts, DLC et promesses d'amélioration que feront Square-Enix, le sort du quinzième opus de Final Fantasy semble définitivement acté.

Musicalement, Final Fantasy XIV est une pure folie. Déjà généreuse donatrice de cent pistes passé dans sa version initiale, l'OST du jeu ne cesse de s’étoffer au fil des extensions et des mise à jour afin d'accompagner le pléthorique contenu scénaristique. Mais loin de n'être qu'un bête ajout de plusieurs heures de musiques sans saveur ni originalité, chaque nouvel album qui vient se greffer à l'incroyable monument musical qu'est Final Fantasy XIV repousse systématiquement les frontières. Pire encore, les frontières se font pulvériser, littéralement, par le chef d'orchestre de toute cette épopée: Masayoshi Soken. Déclarant lui-même que le ''son'' à la Final Fantasy n'existait plus (comment le contredire, la série ayant vu tant de compositeurs aux pattes si différentes qu'il devient de plus en plus ardu de définir précisément la saga par son identité musicale, désormais), l'homme ose et bouscule les codes de la licence. Comme l'aurait fait son aïeul Nobuo Uematsu quinze ans avant lui (Otherworld sur Final Fantasy X), il dynamite Final Fantasy avec du metal industriel (Fiend) ou de la pop-rock inspirée (Metal - Brute Justice Mode) !

Cependant, c'est à une piste un peu plus traditionnelle que nous allons nous intéresser cette fois-ci. Tears for Mor Dhona est une des gifle musicale de l'OST The Far Edge of Fate qui regroupe les ajouts musical des mise à jour 3.2 à 3.5 de Heavensward (soit The Gears of Change , Revenge of the Horde , Soul Surrender et The Far Edge of Fate). Cette région du monde de Final Fantasy XIV est comme qui dirait maudite et n'a de cesse de sombrer toujours plus profondément dans le chaos après qu'elle ait perdu sa divinité protectrice, le dragon Midgardsormr. Victime d'une sanglante bataille aérienne où une armée de dragon a déclenché une sacré apocalypse de colère face aux navires impériaux, la région est désormais sombre et mortifère.

Tears for Mor Dhona me rappelle fortement ce qu'a put composé Philip Glass sur l’expérimentale mais saisissante bande-son du film Koyaanisqatsi. Déshumanisé, fataliste, le morceaux est d'une puissance monstrueuse. Une courte interlude intervient vers les trois quart de la musique mais le désespoir complet s'est déjà emparé du cœur de l'auditeur. On a l'impression de regarder le monde d'un tout autre point de vue, celui où on ne peut que constater clairement la catastrophe qui le guette sans jamais être capable de le sauver.

Et en vérité, on ne doit pas cette piste au meneur de troupe qu'est Masayoshi Soken, mais à un de ses nombreux collaborateurs... Nobuo Uematsu lui-même ! Ça m'embête un peu car je m'étais décidé à vous proposer autre chose que l’œuvre de ce grand monsieur moustachu, alors j'ai sélectionné une piste remarquable sur la bande-son de Final Fantasy XIV et je me suis intéressé à son auteur seulement après.

Manque de bol ! Enfin, pas pour tout le monde... bonne écoute

Ces derniers jours (et plus globalement, depuis quelques années, au moins depuis que la Xbox One sévit) s'entretient sur le net quelques rumeurs et/ou believe sur le retour de la saga Fable. Ce qui ne serait pas pour me déplaire je dois avouer. Ça ne ferait de mal à personne, et certainement pas à Microsoft et à sa console.

Ce qui m'a guidé vers les prémices de la série en 2004. Controversé à plus d'un titre, d'avantage à cause de son concepteur génial mais parfois antipathique et pour tout ce qui tourne autour que pour sa valeur réelle, Fable fut remarquable dans la longue histoire du jeu vidéo. Exemple typique de la dévorante ambition des développeurs qui s'écrasent le nez contre le mur de la triste réalité économique, des restrictions techniques et des contraintes de temps, Fable a promit monts et merveilles et même s'il est un très bon jeu à l'arrivé, il s'est fait guillotiner pour cela.

Malgré les nombreuses promesses non tenues, il serait malvenue d'ignorer qu'il s'agit d'un excellent Action-RPG. Il se paie en tout cas le luxe d'introduire des nouveautés de taille dans son genre (le système économique intelligent qui fait que vous pouvez acheter un objet un certain prix quelque part, et le revendre plus cher ailleurs selon l'offre et la demande ; les PNJ qui vivent réellement au gré de la période de la journée et qui ne reste pas plantés comme des manches à balais en plein milieux de la rue de jour comme de nuit, coucou Morrowind...).

Côté musique, en revanche, aucune promesse grandiloquente, mais une qualité certaine. Et ce n'est pas le main theme composer par le fantastique Danny Elfman que je vous propose aujourd'hui, mais un autre titre emblématique du jeu signé du non moins talentueux Russell Shaw. Ce dernier a clairement étudié le style de composition du partenaire de toujours de Tim Burton. Sur la piste Oakvale, il a sut comprendre et s'approprier plusieurs de ses motifs musicaux qui ont fait sa signature artistique. L'ambiance fantaisiste, le nappage de chœurs qui s'étend sur toute la piste. La flûte chaleureuse tintée de clochettes cristallines et parfois accompagnée d'instruments divers comme les cordes et cuivres ronflants pour donner un léger accent roublard au fond sonore font de cette piste un morceau très travaillé. Purement dans l'esprit Elfman, mêlant charme, émerveillement, malice avec un brin d'excentricité.

Le compositeur de Black & White, Theme Park ou encore Dungeon Keeper n'a d'ailleurs pas fait que copier le style de Elfman. Il apporte en effet sa touche personnelle sur d'autres pistes que nous pourrons voir plus en détail une prochaine fois (Temple of Light, Bowerstone, Lytchfield Cemetery...).

Le seul bémol que l'ont pourrait objectivement émettre à l'encontre de l'OST de Fable étant sa maigreur, puisque celle-ci comporte un peu moins de quinze morceaux, trop peu pour un RPG de cette ampleur. D'autant plus dommage quand on voit (ou plutôt quand on entend) la superbe qualité de certaines pistes.

Aujourd'hui, j'ai envie de vous mettre bien, de vous détendre, de vous mettre Netflix and chill comme ils disent les jeunes. Ou plutôt, VGM and chill. Pas de percutions martiales ni de trompettes triomphantes comme dans Fire Emblem Shadow of Valentia écouté la fois dernière.

Quand il s'agit de créer des thèmes principaux (chantés ou pas), de magnifiques mélodies au piano ou les musiques des personnages d'un Final Fantasy, même si celui-ci se retrouve accompagné d'une brochette d'allié, la tâche revient presque systématiquement à Nobuo Uematsu. Faut dire qu'il sait s'y faire. Ses thèmes de personnages sont reconnus au moins depuis le sixième opus de la saga au double F en 1994 (auparavant, ce n'était pas forcément une tradition de donner aux personnages d'un J-RPG des thèmes musicaux distinctifs).

Pour la courageuse Yuna, Uematsu reprend le gros de la mélodie du thème principal du jeu Suteki Da Ne dans un élan de douceur et d'innocence sirupeux à souhait. Mais pourtant, ça fait son effet, ça ne se noie pas dans un excès de larmoiement. Cela grâce à une bonne touche de nostalgie et de mélancolie procuré par l'espèce d'harmonica au synthétiseur qui vient accompagner le piano et les quelques touches de clochettes cristallines.

Ça fait son effet, aucun doute. On ressent une profonde tristesse car au-delà du périple héroïque de la jeune fille, des folles rencontres que l'ont fait au travers des jeunes yeux de Tidus, on se rend compte peu à peu que le destin de Yuna est funeste. Condamnée à se sacrifier tel que le veut le rituel afin de venir à bout du monstre Sin, réapparaissant inlassablement pour tourmenter le monde, cette innocente guerrière ne renonce pas face à l'adversité et accepte sa mission avec simplicité. Son thème musical souligne cela: l'innocence, la pureté et la bonté d'âme, la pitié qu'elle a envers les siens, et la résignation qu'elle a pour se sacrifier afin de sauver Spira.

Véritable pari qui tend à se normaliser (puisque ces dix dernières années, c'est le troisième jeu dans ce cas), Fire Emble Echoes: Shadows of Valentia tente de remettre au goûts du jour un archaïque Fire Emble Gaiden sorti en 1992 sur Famicom !

Il est ainsi important de prendre Shadows of Valentia pour ce qu'il est. Soit un remake d'un jeu vieux de vingt cinq ans mais qui ne bat certainement pas les records d'ambition. Réajusté par endroits, avec quelques ajouts tout à fait louables mais dans l'air du temps (scène en anime, doublage intégral ...), il n'a pas la densité des Fire Emblem modernes. Ainsi, il offre moins de tactique, le fameux système du "pierre-papier-ciseau" triangulaire qui régissait les rapports de force entre les armes (épée, hache et lance) n'est ici pas d'actualité. En effet, le système fut créer pour Fire Emblem: Seisen no Keifu en 1996 sur Super Nintendo.

Il est donc dommage de constater que Shadows of Valentia sait se moderniser par endroit, notamment sur son visuel, mais garde l'aridité et la raideur d'un gameplay déjà contraignant en 1992.

Si la série s'est fait connaitre musicalement grâce à la talentueuse maitre d’œuvre Yuka Tsujiyoko (aussi responsables de quelques Paper Mario), elle ne fait que superviser ce remake. C'est Takeru Kanazaki, Yasuhisa Baba, Takafumi Wada et Sho Murakami qui s'occupent de donner un sacré coup de fouet aux sonorités vieillissante de l'opus d'origine.

Si la musique de la dernière bataille n'avait pas forcément de quoi marquer à vie les rares joueurs d'époque qui s'y sont essayé (le jeu étant sorti uniquement au Japon, à l'heure où l'import était encore extrêmement confidentiel), sa reprise peut se targuer de l'inverse. Twilight of the Gods débute avec une série de violons alarmistes, tandis que les chœurs prennent très vite le contrôle de la musique. Grandiloquence et puissance émanent aussitôt de la musique. Le rythme y est pourtant très dynamique et adapté à une bataille finale, là où le piège aurait été de trop faire hurler les choristes pour imposer une grandeur relative et artificielle. L'équilibre entre voix et instruments est très bien dosé, faisant montre d'une étude de la réécriture prise au sérieux par l'équipe de compositeur.

Environ au tier de la musique, des sonorités semblables à des cordes ajoutent plus de légèreté au tout, afin de calmer les ardeurs des plus guerriers d'entre-nous. Le rythme ralentit un tantinet, on se rend compte que le combat final est long et ardu grâce à cette cassure rythmique qui arrive à point nommé. La longueur même de la piste, qui dure prêt de 8 minutes (exceptionnel pour tout type de jeu, et d'avantage encore sur une console portable) accompagne à merveille l'interminable épreuve de la map ultime du jeu.