Elle nous prouve qu'à l'instar de Nobuo Uematsu, Motoi Sakuraba et consort, elle aussi est capable de manier les outils électroniques et faire quelques expérimentations pour nous pondre une musique étrange... étrangement accrocheuse ! Elle ? Yoko Shimomura, bien sûr !

Pour Under the Progress de Parasite Eve, le rythme à l'aspect très techno de cette reprise du thème du commissariat (Out of Phase) constitue une excellente variation expérimentale. Si la première version pouvait se révéler assez lourde, ce "remix" nous offre une toute autre vision de ce thème. Effréné, sons sous-jacents fluides rappelant légèrement le Force Your Way de Final Fantasy VIII, supplées par un synthé percutant et des notes de pianos jouant la mélodie, le tout parvient à nous offrir un cocktail hallucinant d'instruments totalement différents et qui pourtant s'unissent à la perfection. Le plus étonnant reste le fait qu'à certains moments choisis, le rythme s'apaise et les percussions disparaissent pour laisser place au piano qui livre les plus belles notes de la mélodie. Impossible de deviner comment Shimomura est parvenue à donner autant de variété au rythme pour qu'on ait l'impression qu'il se renouvelle sans cesse... Une belle démonstration de la compositrice qui outre nous nourrir de belles mélodies légères et pures (Dearly Beloved de Kingdom Hearts pour ne citer que lui), sais aussi jouer avec les sensations.

Après OZ/Sword of Etheria, on va brièvement (ou peut-être pas) s’intéresser à un autre jeu japonais assez obscur. OVNI parmi les productions qu'à accueillis la Playstation de SONY, Baroque reste encore aujourd'hui incompris. À mi-chemin entre le survival-horror et le RPG, Masaharu Iwata compose pour le jeu de Sting une bande-son viscérale, étrange, expérimentale mais qui comporte des touches éclatantes de génie. Peu habitué à travailler en solo, le compère de Hitoshi Sakimoto (monsieur Final Fantasy XII et Vagrant Story, entre autre plein de merveilleuses choses) nous gratifie d'une ambiance musicale froide, déshumanisée, synthétique à souhait.

Le thème qui suit se nomme Hold Baroque Inside. Il est ni plus ni moins que l'une de mes VGM favorites depuis que j'ai posé la toute première fois mes mains sur une manette de jeu. L'objectivité fout l'camp dès que j'évoque cette musique. Vous êtes prévenu.

D’une exquise puissance, d’un héroïsme maîtrisé, non pas grandiloquent mais tout en justesse, d’une harmonie rarissime, d’une simplicité presque évidente et pourtant d’une efficacité sensationnelle, voilà ce qu’est Hold Baroque Inside ! Un piano aux notes légères comme l’air ouvre la composition sur fond de timides chœurs, qui ne cherche aucunement à s’imposer. Une couverture de cymbale régulière s’appose aux notes de piano, puis l’instrument digital mène le rythme tout en rigueur et en bizarrerie typique de Baroque. Le piano assure un tempo rapide en fond, jouant les quelques notes touchantes qui caractérisent ce fameux thème. Pourtant, le tout reste d’un calme assez stupéfiant, multipliant ainsi la force de l’effet épique et mémorable qu’est celui de ce thème d’exception. La fin de la musique tranche littéralement avec tout ce qui se fait sur le reste de l’OST, pour la seule et unique fois, nous ne sommes pas stressés, angoissés, nous n’avons pas l’impression de jouer à un survival horror plutôt qu’à un RPG. La spiritualité plus ou moins concrète qui se démarque de chaque thème écouté dans cette bande-son, trouve vraisemblablement leur summum avec Hold Baroque Inside, là ou d’autres jeux d’horreur misent sur des thèmes d’ambiances électroniques où la modernité et l’insipidité des sonorités prône.

Bien que courte (environ une heure), l'OST de Baroque est une véritable curiosité, déstabilisante, fascinante, parfois même effrayante. Ce tour de force musical est à placer au sommet du genre. Cependant, il vous faudra une ouverture d'esprit certaine pour savoir pleinement apprécier tant le jeu que ses sensationnelles musiques.

Certes, on connait Michiru Yamane principalement pour Castlevania. Mais occulter le reste de son travail serait un tord. Surtout lorsqu'il est d'aussi grande qualité que ce qu'a à nous offrir OZ. Rebaptisé The Sword of Etheria dans nos vertes contrées, cet action-RPG fut réalisé conjointement par une partie des équipes de Castlevania et Suikoden. Avec un tel casting, on était en droit d'en attendre quelque chose. Variation très (trop) libre du conte du Magicien d'Oz, comme son nom japonais l'indique, le scénario nous propose en substance des manipulations divines, des armures sacrées et des kidnappings, avec un jeune héros partant à la recherche de sa sœur.

Pour être tout à fait honnête, la prise en main de Sword of Etheria n'a rien d'intuitif. La notion de timing est très importante dans ce jeu mais certains choix de maniabilité sont contre-nature et brisent facilement le plaisir de jeu. Sans la maitrise de son équipe (trois personnages dont deux gérés par l'IA), le soft ne nous laisse guère de chance de victoire. Bien que la façon de jouer avec les enchainements et les furies soit intéressante, le concept n'est rien s'il n'est pas maitrisé. Pire, le jeu accuse de fréquentes chutes de frame rate sans la moindre explication possible, globalement le soft reste techniquement moyen. La lisibilité est pourtant un des facteurs principaux dans les graphismes d'un jeu où il s'agit de tailler dans un paquet de dizaine d'ennemis à la fois.

Si on fait irrémédiablement le rapprochement avec le son typique de Castlevania, mêlant savamment gothique et électro, Yamane a tout de même sut ajouter plusieurs cordes à son arc. Entre rythmique endiablée et lyrisme puissant, Sword of Etheria se pare notamment de mélodie plus douces et d'un thème principal généreusement décliné dans plusieurs forme musicale. With Etheria est une musique d'une tristesse certaine et constitue un des thème qui apporte variété, sensibilité et finesse. Ce qui change des avalanches de guitares électriques de metal progressif chère à Castlevania et OZ.

Environnements enchanteurs et constamment renouvelés, ennemis stylés, boss bourrés de charisme et instants de jeu grandioses. Voilà ce qui résumerait le jeu des développeurs australiens de Team Cherry. Hollow Knight colle une grosse mandale, disons-le clairement. Son univers fascinant et son game design frôle le génie. Je me garderais de citer en inspiration un certain Dark Souls, car de nos jours cela ne veut plus dire grand chose (suffit d'être un peu plus exigeant qu'un Battlefield pour devenir un Dark Souls-like, à croire). Mais Hollow Knight se réclame de Castlevania: Shymphony of the Night, de Super Meat Boy, de Valdis Story: Abyssal City, du monde visuel riche, sombre et burlesque de Tim Burton, et tout cela à la fois.

En incarnant le petit pince-oreille vagabondant dans le monde souterrain des insectes, vous partirez à la recherche des habitants perdus de votre village. Choisissant d'articuler la progression du joueur selon un angle non linéaire, Hollow Knight se laissera découvrir à votre manière. Le jeu s'explore, se découvre et réserve ses surprises, nombreuses, aux plus persévérants. Mais la richesse de son monde a des airs de véritable récompense, de trésors enfoui au fin fond d'une épaisse couche de mystère. Hollow Knight ne vous tient pas par la main. Exigeant, il offre de nombreux moments de solitude où les notions d'aventure et de courage seront complètement redéfinies face aux challenge, parfois réellement ardus qui se dresseront devant vous.

Définitivement, Hollow Knight est un jeu au gameplay diaboliquement bien travaillé. Mentions toutes particulières au sound design d'une inspiration rare, ainsi qu'à la superbe bande-originale de Christopher Larkin, qui distille mystère, tension et moments grandiloquents avec la plus grande des subtilités. Mantis Lords est le thème d'un des boss de Hollow Knight. Et les boss, dans ce jeu, sont autant de moment d'anthologie tant ils sont sensationnels. Inspirés, puissants, coriaces, marquants. Chacun d'entre eux va vous pulvériser plus d'une fois avant que vous compreniez l'intelligente façon qu'ils ont de vous piéger et de vous pousser à bout. Et chacun d'entre-eux va littéralement vous faire pousser un soupir de soulagement et de satisfaction une fois exterminé.

Puisque Shenmue III ne parvient toujours pas à nous rassurer, on va se consoler avec ce qui reste pour le moment un merveilleux jeu du passé: Shenmue II. On connait tous la réputation de ce jeu de légende, et même si on apprécie pas, difficile de nier qu'il fut à l'époque une véritable bombe dans le milieux. Aussi, il est étrange de constater que le bébé de Yu "Dieu" Suzuki n'a jamais eu les honneurs d'avoir une OST officielle commercialisée. À croire que quand SEGA s'est rendu compte du gouffre financier qu'était la série et a tout annulé à son sujet, ils ne l'ont vraiment pas fait à moitié !

Ainsi, Moon Child Orphanage n'est peut-être pas le nom officiel de la musique et on ne le saura peut-être jamais. Le titre n'est rien d'autre que le nom du lieux où on l'entend, à savoir "l'orphelinat des enfants de la lune" au 8ème étage du building Moon Child à Hong-Kong. On visite ce lieux qui transpire la nostalgie lorsque l'ont recherche Yuan, le travestit (oué, y'a un travestit dans Shenmue II, preuve encore une fois que le jeu est très mature et en avance sur son temps, ce genre de détail contribue à faire du jeu vidéo un média pour adulte, et non pour adolescent décérébré en manque de repaire...)

Autre chose à savoir, contrairement à une idée reçue (qui est tout à fait légitime ma foi), il ne s'agit pas de Yūzō Koshiro à l'origine de cette musique, ni d'aucune autre dans Shenmue II d'ailleurs. Impossible de savoir (toujours le même problème, pas d'OST officielle, donc aucun crédit...) qui a signé cette partition, mais on sait que pas moins de 4 compositeurs ont travaillés sur Shenmue II: Takenobu Mitsuyoshi (le plus connu de tous puisqu'il a déjà signé les OST de Daytona USA, Virtua Fighter, SEGA Rallye et la majorité des pistes de Shenmue premier du nom entre autre titre de SEGA), Takeshi Yanagawa, Osamu Murata et Ryuji Iuchi.

Alors, bien sur, j'aurais put choisir mieux, les OST de Shenmue I&II comportent très probablement de meilleures pistes que celle-ci, mais il s'avère qu'elle m'a vraiment marquée surtout quand elle est associée au décors dans laquelle on l'écoute. Cet orphelinat où il y règne une drôle d'ambiance mélancolique, où les enfants y vivent de manière simple sans savoir de quoi leur avenir sera fait, où on découvre une facette intéressante du personnage de Ren (qui prend soin des enfants de son quartier malgré son caractère provocateur et sa nature de délinquant) et où on peut y découvrir, accrochés sur les murs décrépis, des dessins de Sonic et Tails...

Bref, la musique est faite pour véhiculer des images, des émotions, des sensations, la musique est belle quand elle a du sens, et le cas présent, elle en a beaucoup, voilà pourquoi je l'aime.

Suite à la semaine spéciale VGM jeu de baston du mois de juin, je me suis dis qu'il serait sympathique de procéder un peu autrement pour parler de musique de jeu vidéo. Ainsi, j'ai pensé faire appel à vous (toi là, derrière ton écran) pour découvrir ce que vous aimez. Et qui sait, on pourrait tous faire de belles trouvailles de la sorte. Ainsi, c'est Spawnini, notre merguez-man favoris qui a la primeur de proposer sa musique. Et le plus simple reste encore de lui donner directement la parole !

"J'ai choisi de parler de Resident Evil 2, mon tout premier jeu Ps1 avec la console. Achat que j'ai effectué en cachette (mes parents n'étaient pas au courant). J'avais assez d'argent pour le jeu et la console mais pas assez pour une carte mémoire en plus (ND Anakaris: on a été nombreux à vivre cela, je te rassure. Le pire furent ceux avec des soft comme Final Fantasy VII ou Wild Arms, interminable en une après-midi... ). Vu que c'était un achat caché, je ne pouvais y jouer que quand mes parents n'étaient pas là. Je n'y jouais que quand ils allaient faire des courses.

Ça me laissait peut-être un heure de jeu. Et vu que je n'avais pas de carte mémoire, je recommençais le jeu depuis le début pendant un long moment jusqu'à à l'achat d'une carte. J'ai fait le début du jeu je ne sais plus combien de fois. J'arrivais toujours au moins jusqu'au commissariat de Raccoon City."

On devine donc aisément pourquoi cette musique, qui intervient en effet lorsque nous arrivons aux abords du commissariat, a marqué Spawnini !

Dans le plus pure style Resident Evil, la piste débute par des cloches fatalistes à souhait, très vite rejointes par des flutes et des échos nébuleux et un piano lancinant. Les notes s'accordent et raisonnent comme à l'intérieur d'une église, donnant des airs de marche funèbre particulièrement gothique et glaciale. De quoi souligner l’architecture grandiloquente du commissariat (ça c'est clair, ça change du poste de police de Trappes...) qui s’apparenterait presque à un manoir Spencer miniature. L'ambiance étrangement sépulcrale du commissariat va de paire avec son apparente sureté lié à sa fonction (un commissariat en plein milieux d'une ville envahie de zombie cannibale, c'est logiquement l'endroit le plus sécurisé qu'on puisse trouver ! Mais pas dans Resident Evil...) mais les notes lourdes et le suspens qui se dégage de la mélodie maintient notre peur en éveil, enfouie quelque part dans l'ombre, tout au fond de nous...

Quand on associe le travail de Koji Kondo (Mario, Zelda, toussa quoi) à celui de Motoi Sakuraba (Tales of, Star Ocean, Baten Kaitos, Valkyrie Profile...) et qu'on dit à ce dernier quelque chose comme ''fais ce que tu veux, lâche toi !'', ça donne une sorte de maboulerie comme le thème de l'airship de Super Smash Bros. Brawl sur Wii.

Super Smash Bros., c'est d'abord la plus grande opération de fanservice jamais lancée par un seul éditeur, le genre de festival qu'il est toujours plus facile d'organiser quand on s'appelle Nintendo et quand on dispose de camion entier de mascotte aussi différente les une que les autres et qui ne demande qu'à se taper dessus. À l'époque, la licence avait d'ailleurs pousser le concept très loin en se permettant d'ajouter à son roster déjà extrêmement éclectique une paire de guest issue non plus directement de l'univers Nintendo mais d'autres jeux comme Solid Snake de Metal Gear Solid ou le rival de toujours Sonic le hérisson bleu de SEGA ! D'une manière générale, le casting tient plus que jamais la route, avec une variété de choix, de styles et de standing difficiles à égaler. Et c'est ça toute la force d'un tel jeu d'exception.

Devant un tel mélange de tout et de n'importe quoi, la cohérence devient un des éléments les plus travaillé du soft, tant visuellement que musicalement. L'équipe de sound designer et compositeur mobilisée pour l'évènement a de quoi faire bouillir d'envie n'importe quel éditeur qui aimerait bien se mettre dans la poche autant de noms aussi ronflants que ceux-ci : Nobuo Uematsu (Final Fantasy), Yasunori mitsuda (Chrono trigger), Yoko Shimomura (Kingdom Hearts), Yuzo Koshiro (Streets of Rage)... pléthorique, la bande-son de prêt de 120 pistes offre tant de couleur, d'identité, de tempo et de thème que d'univers et de personnages représentés dans le roster florissant de Super Smash Bros. Brawl.

Le thème de l'airship apparaît initialement dans Super Mario Bros. 3 sur Famicom en 1988. Mais il est presque méconnaissable ici. On comprend très vite que Sakuraba n'a pas résisté bien longtemps à y insuffler son énergie et sa maitrise des rythmes complexes qui font sa patte auditive personnelle. Sakuraba étant un amateur de rock et de metal progressif dont les principales caractéristiques sont les rythmes rapides et les structures dites ''à tiroir'' (chaque couplet s'ouvre sur un autre, puis un autre, etc jusqu'à former de longues, voir très longues sessions instrumentales ou chaque musicien a droit à son soli et sa partition attitrée) ce qui créer des pistes parfois incroyablement longues (certain groupe de metal progressif en ont fait leur marque de fabrique avec des pistes allant souvent au-delà des 20 ou 30 minutes!). On y retrouve tous ce qui fait la force de ses compositions grandiloquentes : batterie (double pédale pour donner un rythme frénétique, à la limite de la démence), synthé endiablé, et orgue artificiel pour ajouter une touche alarmiste et imposante à l'ambiance soulignant les déplacements lents et lourds de l'airship qui constitue le champ de bataille. Dans tout ce tintamarre bordélique d'instrument, la mélodie y perd un peu en clarté ce qu'elle gagne en puissance brute pour un thème musical retravaillé en totale adéquation avec l'explosion auditive et visuelle qu'est Super Smash Bros. Brawl.

Le jeu, à l'image de l'airship theme est généreux, plein d'énergie, complexe, dynamique, puissant, foisonnant d'un tas de sensation et une fois en jeu, on ne peut que s'incliner devant le travail d'arrangement très inspiré de Motoi Sakuraba.

Dans les commentaires du VGM#59, nous avons vaguement évoqué le sujet du plagiat musical, les OST des jeux vidéo Dragon Ball ayant été balayé par une polémique au milieux des années 2000 (avec l'avènement de Youtube ou un énorme contenu musical oublié fut rendu tout public très facilement) avec leur compositeur Kenji Yamamoto s'étant rendu coupable de plagiat sur diverses œuvres (le groupe de power metal Stratovarius, la bande-son de Avatar …). Ce n'est pas le seul cas qu'on peut recenser et il semblerait que les japonais n'ai pas de problème particuliers à ce sujet. Cependant, chacun est différent dans sa façon d'aborder le plagiat. Si certain, comme Yamamoto s'en cache plus ou moins, d'autres comme la SNK Sound Team (composée de plein de compositeur et sound designer que je ne citerais pas ici tellement ils sont nombreux) préfèrent carrément tout avouer dés le départ, quitte à le hurler sur tout les toits afin de se dédouaner de toutes responsabilités. Faisant passer un éventuel plagiat pour un hommage et par la même donner naissance à une musique de jeu vidéo de renom. C'est malin !

La musique en question, c'est Spread the Wings sur la bande-son de Garou : Mark of the Wolves. Neuvième et dernier épisode de la série Fatal Fury, le jeu est d'abord édité sur Neo-Geo AES et MVS en 1999 puis sur Dreamcast en 2001 (bien plus tard sur Playstation 2 en 2005, et pourtant, le soft était encore incroyablement beau à cette époque). Il s'agit du thème du nouveau héros de la série, Rock Howard et autant le dire de suite, oui, elle comporte plusieurs mesures du morceaux Children de Robert Miles, musicien d'éléctro italien décédé le 9 mai dernier. La musique d'origine a été composée en 1995 et pourtant, ce mélange de guitare électrique et de vague de synthé nous renvoi directement au cœur des années 80 et de ses boites de nuit branchées.

Que dire de plus ? À jeu mémorable, musique inoubliable.

Avec les 90's qui s'amorce, les capacités des hardwares qui flambent, les beat'em ups vont connaître un essor et un tournant. Plus question cette fois-ci d'essuyer les plâtres, de nombreux éditeurs de renom lancent sur le marché de nouveaux beat'em ups, bien décidés à ne pas laisser une seconde fois la part du lion à Double Dragon, le triomphant roi du genre de Technos à la fin des années 80. Capcom sera sur la brèche, évidemment, avec son Final Fight propre et solide. Mais c'est surtout SEGA qui va tirer son épingle du jeu avec son remarquable et innovant Streets of Rage. La quintessence absolue du pur jeu vidéo des années 90 condensé en une simple cartouche. L'immédiateté du fun, la prise en main, le plaisir intense de jouer avec un bon copain sur le même canapé, les surprises, les découvertes... tout cela, Streets of Rage le propose et SEGA appose sa marque indélébile sur le microcosme du jeu vidéo.

Si certains pouvaient lui reprocher son côté trop conventionnel face à un Golden Axe un peu plus fantastique (des ruelles sombres, des voyoux et des punks à tabasser, des flics qui troc leurs uniformes pour des jeans et des poings américains...), la musique peut se rassurer, elle est totalement exempt de tout reproche quant à son originalité. Pour tout vous dire, elle ressemble moins à de la musique de jeux vidéo qu'à de la techno ou de la trance, style en vogue au début des années 90. Un son distinctif qui finalement lui donne un petit avantage sur les autres beat'em ups. Cette impulsion créative, on l'a doit à Yuzo Koshiro, qu'on ne présente plus. Non, vraiment, je ne le présenterais pas, allez voir wikipedia au pire.

Yuzo Koshiro est avant tout un programmeur sonore, un bidouilleur passionné d'électronique. Et pour composer la bande-son de Streets of Rage, il a été jusqu'à créer son propre langage de programmation basé sur deux langages déjà existants : le Music Macro Language (particulièrement apprécié des cheaptuner et des compositeurs de musique électronique de l'époque) et le NEC's BASIC (avec lequel il a déjà eu l'occasion de travailler pour les jeux Ys I&II sur PC-88 en 1987 et 1988 ).

Dilapadated Town, parfois appelé Inner City intervient dans le second stage de Streets of Rage. Si dans le premier level, on déambulaient au cœur des rues animées et illuminées des magasins du centre ville, on pénètre ici dans les bas quartiers. Ses immeubles dégradés, ses bidons rouillés à tout les coin de trottoir et son insalubrité générale donnent des airs de ghetto au décors. La musique s'inspirant nettement des rythme de musique afro-américaine colle parfaitement à l'ambiance.