Avec l’arrivée dans quelques mois du remake de Resident Evil 4 prévu le 24 mars 2023, voici quelques moments-clés de ce jeu inoubliable qui a redéfini la série à sa façon. Resident Evil 4 est un jeu qui nous fait vivre toutes sortes d’émotions, un véritable coup de maître qui nous sert des séquences incroyables sans jamais véritablement s’essouffler (même si la zone de l’île est considérée moins réussie). Cela explique pourquoi il est très difficile de s’en tenir à seulement 10 moments-clés pour une production de ce calibre. Espérons que les moments choisis et bien d’autres seront préservés l’an prochain!

L’attaque à la scie mécanique

Dès les premières minutes de jeu, Leon S. Kennedy est amené à investiguer un village rural d’Europe à la recherche de la fille du président des États-Unis. Il est loin de se douter qu’il tombera nez à nez avec une population hostile. L’une des séquences les plus marquantes de Resident Evil 4 survient donc en début de partie, alors que le protagoniste est confronté à une horde de villageois et de villageoises agressifs. En cours de combat, l’un d’eux saute dans l’action, mais il y a un hic : il est équipé d’une scie mécanique et a le visage couvert par un masque en tissu! Un possible hommage à Texas Chainsaw Massacre, film culte de l’horreur, qui donne encore des frissons rien qu’à y penser.

[video]https://www.youtube.com/watch?v=bALj8Y63D00[/video]

Las Plagas à la tombée de la nuit

Une fois la nuit tombée dans Resident Evil 4, une scène particulièrement marquante implique un villageois dont la tête explose, remplacée par le parasite Las Plagas. C’est le début d’une nouvelle menace qui vient ajouter au cauchemar déjà bien installé.

[video]https://www.youtube.com/watch?v=ba3dTmgvAoc[/video]

Assaut de la cabane

À un certain moment, Leon, Luis et Ashley se retrouvent coincés dans une cabane. Des dizaines de villageois et de villageoises encerclent le bâtiment puis donnent l’assaut. Il faut tuer de nombreux ennemis qui fracassent des fenêtres et tentent de mettre la main sur la fille du président. Puisqu’à ce stade certains ennemis se transforment en Las Plagas, la difficulté est relevée et la tension, à son maximum!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=T0VT6M4ZD4A[/video]

Combat contre Bitores Mendez

Bitores Mendez est un mastodonte et l’affronter en duel n’est pas une mince affaire. Ce combat de boss se joue en deux temps : après lui avoir infligé suffisamment de dégâts, il se transforme en créature proche d’un mille-pattes et peut attaquer Leon partout dans la grange, lieu choisi pour cet affrontement spectaculaire.

[video]https://www.youtube.com/watch?v=NM92SxO6pCw[/video]

Le hall d’eau

Ce moment-clé de Resident Evil 4 a marqué les esprits pour deux raisons : sa grande difficulté expliquée par la présence d’ennemis multiples et toute la stratégie requise afin de ne pas mourir. En effet, le chapitre 3-1 avec le hall d’eau est un défi de taille. Il y a des ennemis qui se protègent avec des boucliers, des archers sur les rambades et d’autres qui chargent avec des fléaux en main. Ajoutez à cela une zone un peu labyrinthique aux corridors étroits et vous vous retrouvez avec un véritable casse-tête où trouver la mort est logique aux premières occasions.

[video]https://www.youtube.com/watch?v=GzcEYISwjYw[/video]

Combat contre Verdugo

Les batailles contre des boss dans Resident Evil 4 sont particulièrement mémorables, mais celle impliquant la main droite de Salazar, Verdugo, a marqué les joueurs et les joueuses au fer rouge. Il s’agit en fait d’un puzzle extrêmement tendu au cours duquel le monstre vous poursuit inlassablement. Comme il est impossible de tuer Verdugo par des moyens conventionnels, l’idée est de le ralentir assez longtemps pour s’échapper dans un ascenseur. Plus simple qu’il ne paraît!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=LgHIZ8OIsfE[/video]

Balade en chariot

Resident Evil 4 brille par son originalité et ses nombreuses séquences qui sortent de l’ordinaire. Une fois dans les mines sous le château, Leon utilise un chariot pour atteindre sa prochaine destination. Ce moment demande des réflexes aiguisés pour ne pas tomber hors du chariot et résister aux nombreuses attaques ennemies. On a un peu l’impression d’être la vedette d’un film Indiana Jones et c’est tant mieux!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=M9u0Bqldkbs[/video]

Premier combat contre Krauser

À de multiples occasions dans Resident Evil 4, Capcom demande aux joueurs et aux joueuses d’appuyer sur une combinaison de boutons pour éviter une mort certaine (Quick Time Events). Ces séquences atteignent leur apogée contre Krauser : une bataille sous forme de cinématique interactive, avec des QTEs à mémoriser par coeur pour ne pas tout devoir recommencer. Car oui, en rater un seul fait retomber à la case départ. C’est particulièrement éprouvant à la difficulté Professionnel!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=_nYSAdI4ABk[/video]

Première rencontre avec un Regenerator

Ce moment survient en fin de partie, sur l’île. Leon tombe sur une véritable abomination capable de se régénérer : le Regenerator. Seule une balle placée à un endroit précis peut tuer le virus qui l’habite, ce qui nécessite un viseur thermique. Et le bruit que ces choses émettent en bougeant… il vous hantera longtemps!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=Ejph5MLeE98[/video]

La pièce aux lasers

Resident Evil 4 fait beaucoup appel aux Quick Time Events (QTEs), c’est-à-dire devoir appuyer sur une combinaison de boutons au bon moment pour échapper à des situations périlleuses. Le combat contre Krauser évoqué précédemment en est un bon exemple. La pièce aux lasers demande à Leon d’effectuer des acrobaties pour éviter d’être désintégré par un système de sécurité pour le moins… farfelu (qui avait été vu dans le premier film Resident Evil, d’ailleurs). Pourtant, on se plait à voir le héros effectuer des mouvements plus exagérés les uns des autres pour ne pas succomber aux lasers. Un moment plutôt court, mais ô combien satisfaisant!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=JEeaFo3tPYg[/video]

Depuis un moment, nous savons qu’au moins un nouveau jeu dans l’univers de South Park est en développement. Ce dernier ne sera pas développé par Obsidian (South Park: The Stick of Truth) ni même Ubisoft San Francisco (South Park: The Fractured But Whole). En fait, nous ne savons à peu près rien du projet, ne serait-ce qu’il sera distribué par THQ Nordic tel que confirmé au cours de la conférence virtuelle de l’éditeur vendredi dernier.

Étant fan de la série télé qui roule sa bosse depuis 1997, j’ai réfléchi à 5 thèmes que Matt Stone et Trey Parker pourraient adopter pour le prochain jeu vidéo. En guise de rappel, Obsidian avait créé un RPG fantastique inspiré du Seigneur des Anneaux alors que du côté d’Ubisoft, c’était au tour des super-héros. Après avoir passé en revue de nombreux épisodes de la série, je vous partage mes principales idées sur ce à quoi on pourrait s’attendre.

1 – Thème de la criminalité

Épisode clé : Lil’ Crime Stoppers (saison 7)

Incarner des petits policiers qui enquêtent sur des affaires sordides dans South Park me semble une idée pleine de potentiel. Au départ, les missions pourraient être banales, comme retracer un chat perdu, pour prendre une tournure sordide avec des meurtres ou d’autres événements perturbants. À force de venir à bout de leurs mandats, les enfants gagneraient la confiance des vrais policiers de la ville pour empêcher des crimes qui dépassent l’entendement. L’officier Barbrady pourrait offrir ses conseils, mais c’est le sergent Harrison Yates qui occuperait le rôle de mentor principal par la suite.

2 – Thème des ninjas et/ou anime

Épisode clé : Good Times with Weapons (saison 8 )

Dans cet épisode marquant qui plaçait la barre haute pour la suite de la huitième saison, la bande se rend à une fête foraine pour mettre la main sur des armes exotiques. Les jeunes feignent qu’ils ont perdu leurs parents et sont sans un sou, ce qui est assez pour convaincre le vendeur de leur laisser la précieuse marchandise. Ainsi, ils sont en mesure de vivre des scènes de combat épiques présentées comme ces bons vieux anime japonais.

Ce thème me semble propice à un jeu vidéo, car les ninjas ont toujours eu la cote. Il n’y a qu’à penser à des jeux comme Ninja Gaiden ou plus récemment Ghost of Tsushima avec ses samouraïs. Il y a possibilité de créer une expérience de beat’em up à la Teenage Mutant Ninja Turtles ou d’explorer plus en profondeur ce thème dans un RPG où les protagonistes seraient amenés à développeurs leurs habiletés et vaincre des ennemis plus grands que nature.

3 – Thème des pirates

Épisode clé : Fatbeard (saison 13)

Cartman s’est rendu en Somalie pour tenter de récupérer un énorme butin à l’image des pirates d’antan. J’aime l’idée d’enfants qui partent à l’aventure sans trop savoir dans quoi ils s’embarquent réellement puisqu’ils ont une vision du monde différente.., et souvent, très naïve. Le thème des pirates et, par extension, des aventuriers regorge de potentiel pour un jeu vidéo. Il n’y a qu’à penser à la popularité de titres comme Sea of Thieves pour être convaincu que les gens aiment incarner des pirates ou des matelots en quête de richesses.

4 – Thème de la science-fiction

Épisode clé : Starvin’ Marvin in Space (saison 3)

Après avoir exploré les thèmes du fantastique et des super-héros, celui de la science-fiction me semble tout indiqué. Plusieurs épisodes au cours des 25 dernières années font référence à de grandes œuvres du genre, par exemple Star Trek et surtout, Star Wars. Dans Starvin’ Marvin in Space justement, Cartman, Stan, Kyle et Kenny désirent sauver un « éternopien » de la famine en l’adoptant. Pour y arriver, ils devront entre autres convaincre Sally Stuthers, représentée comme la créature Jabba the Hutt.

J’ai choisi cet épisode classique pour représenter au mieux le thème de la science-fiction parce qu’il incorpore également des vaisseaux spatiaux, dont un croiseur utilisé par les missionnaires du christianisme. La personnalisation de vaisseaux pourrait être sympathique, mais le vrai potentiel serait dans la découverte de planètes en tous genres et, pourquoi pas, un séjour à Imaginationland!

5 – Thème mystique

Épisode clé : It Hits the Fan (saison 5)

Cette idée d’un thème mystique pour le prochain jeu South Park m’est venue en deux temps. D’abord avec le jeu mobile South Park: Phone Destroyer, qui catégorise certaines cartes sous ce thème (voir ci-dessous). Ensuite, une foule d’épisodes font place à un certain mysticisme qui est souvent présenté de façon absurde. Par exemple dans l’épisode It Hits the Fan, il y a une croyance que de dire trop souvent le mot « merde » provoquera la destruction du monde par le dragon maléfique Geldon.

Le mystère et l’ésotérique sont une véritable manne pour les esprits créatifs. La série télé South Park n’est pas étrangère à l’utilisation de différentes symboliques pour expliquer des phénomènes sans dessus dessous qui puisent souvent référence à des croyances d’ordre suprême. Pour un futur jeu vidéo, il me semble opportun d’utiliser une telle prémisse comme assise de l’intrigue principale. De plus, il est facile de pimenter le tout avec des éléments d’ordre religieux ou paranormal et, pourquoi pas, puiser dans les légendes populaires de l’ancien monde!

Nous avons eu l’opportunité de poser quelques questions à Eveline Fischer, compositrice de nombreuses musiques utilisées dans certains jeux vidéo mémorables. Ci-dessous vous retrouverez le fruit de nos efforts. Bonne lecture!

For the original interview in English, please click here.

Merci Eveline de nous accorder cette interview unique. Aujourd’hui, j’aimerais voyager dans le temps et revisiter votre carrière en tant que compositrice pour les jeux vidéo. Mais avant, pourriez-vous partager comment votre amour pour la musique est né?

La musique fait partie de moi d’aussi longtemps que je m’en rappelle. J’ai des souvenirs de mon père assis des heures au piano à écouter certains des grands noms du jazz comme Oscar Peterson, Count Basie ou Fats Waller. Il décomposait chaque note et répétait les partitions jusqu’à ce qu’elles soient adaptées pour lui : il avait une oreille incroyable!

Mon amour pour la musique classique s’est révélé plus tard. Apprendre le piano, le violon et (plutôt par hasard) l’orgue d’église m’a donné l’occasion de découvrir différents types de musique. Mon expérience dans un orchestre des jeunes, une chorale paroissiale et un orchestre symphonique ont consolidé cette passion. Encouragée par ma mère, j’ai été en mesure de profiter au maximum de ces expériences grâce à des concerts dans certaines des salles les plus prisées de Londres ainsi qu’à voyages à l’étranger où j’ai pratiqué mon art, ce qui a alimenté mon enthousiasme. Chanter le Carmina Burana de Carl Orff pour un concert alors que j’étais grippée est un souvenir qui est resté….j’ai encore des frissons lorsque j’entends cette pièce.

Par la suite, j’ai passé 5 merveilleuses années à l’université : d’abord pour étudier la musique à Durham, puis une maîtrise en musique médiévale à Newcastle et ce qui allait devenir ma porte d’entrée à Rare, un diplôme professionnel en composition électroacoustique à Bournemouth. Pendant ce temps, j’ai élargi mes horizons musicaux et je me suis immergée dans autant de styles que je le pouvais. Inévitablement, j’ai développé un amour profond pour la musique, mais aussi des goûts éclectiques. Les grands du jazz et du blues côtoyaient certains des géants du classique. Ajoutez une affinité inattendue pour la musique médiévale et une rencontre fortuite avec un incroyable groupe de percussionnistes, Amadinda, et vous avez une bonne représentation de qui je suis. Rachmaninov, Poulenc, Fauré, Liszt, J.S.Bach, Widor, Carl Orff, César Franck, Marie Claire Alain, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Duke Ellington, Oscar Peterson, John Williams et Hans Zimmer, autant d’artistes et de compositeurs qui ont défini ce qu’est la musique pour moi.

Votre premier travail à titre de compositrice dans l’industrie des jeux vidéo remonte à Donkey Kong Country pour la Super Nintendo, en 1994. Je suis persuadé qu’il y avait plusieurs défis à surmonter : comment approchiez-vous ce médium particulier?

Ajouter la musique aux cartouches de Super Nintendo était le défi initial! À cette époque, tout devait être programmé en hexadécimal. C’était un vrai casse-tête pour moi (8+8 – 1 0). Toutefois, c’était un système qui, je le pense, favorisait une approche moins rigide pour la composition. Nous n’étions pas menottés par des notes sur une page : c’était de la composition qui se concentrait purement sur l’expérience audible…la meilleure musique n’était pas forcée pour correspondre au médium. En fait, elle utilisait les forces et les particularités de la Super Nintendo elle-même. La musque sous-marine de David Wise dans Donkey Kong Country a été une révélation pour moi, c’était un exemple parfait du travail combiné entre musique et SNES.

L’une des raisons pourquoi j’étais si enthousiasmé par cette opportunité d’interview est qu’à mon avis, vous avez souvent été dans l’ombre (du moins c’est mon opinion) par rapport à David Wise et Robin Beanland. Que pouvez-vous nous dire de votre expérience à Rare et son bassin d’individus talentueux au cours des années 90?

Faire partie du département musical à Rare était une expérience fantastique, nous étions une équipe soudée serrée et la chimie était au rendez-vous. Chacun de nous apportait quelque chose de différent au département, nous avions tous notre style particulier et nos propres forces. Lorsque j’ai rejoint l’équipe, d’abord à titre de musicienne interne, David collaborait déjà avec eux depuis un bon moment : c’était mon modèle. Je crois qu’une fois l’équipe agrandie avec l’arrivée de Robin, nous avons enfin trouvé nos rôles, notre propre niche, que ce soit le design sonore, la composition, le chant ou autre.

Vous avez créé la plupart des chansons entendues dans Donkey Kong Country 3: Dixie Kong’s Double Trouble. À ce jour, l’opinion reste plutôt partagée sur cette trame sonore. Je fais partie du camp qui la considère rafraîchissante avec ses propres mérites. Hot Pursuit demeure l’une de mes chansons favorites après toutes ces années. Pouvez-vous nous en dire plus sur votre processus créatif avec le troisième titre de cette série?

Je suis stupéfaite qu’après toutes ces années, la trame sonore de Donkey Kong Country 3 est toujours d’actualité. J’ai toujours composé par instinct et mon style penchait vers la musique d’ambiance. Je tentais de dresser un portrait, un cheminement combiné à une motivation que le joueur progresse. Composer à mes débuts était une courbe d’apprentissage élevée, les sons accrocheurs n’étaient pas faciles pour moi.

Après la trilogie Donkey Kong, vous avez travaillé sur la trame sonore du jeu de baseball Ken Griffey Jr.’s Winning Run, aussi offert sur la Super Nintendo, en 1996. Quelle a été votre expérience à travailler dans un genre totalement différent de ce que vous aviez exploré par le passé?

Ken Griffey Jr. était une opportunité d’essayer quelque chose de différent sur le plan musical. Ce fut également le premier jeu où j’ai vraiment commencé à me faire un plan pour travailler sur l’audio dans le jeu afin d’améliorer l’expérience joueur. J’ai eu du plaisir avec ce projet à l’époque.

Un an plus tard, en 1997, Donkey Kong Land III est sorti sur Game Boy. Cette fois, vous deviez faire face à un tout nouveau défi, celui de composter de la musique 8 bits, aussi connue sous l’appellation chiptune. Je crois qu’il est fort intéressant d’écouter les deux trames sonores et de réaliser à quel point la transition est réussie. Que pouvez-vous nous dire au sujet de composer de la musique pour différentes plateformes?

Travailler avec plusieurs plateformes pouvait s’avérer un véritable défi, mais je l’appréciais. Je sais que cette vision n’était pas partagé, mais pour autant que je suis concernée, prendre la musique originale et l’adapter pour une plateforme différente faisait tout simplement partie du processus et des tâches de mon département. C’était incroyablement frustrant par moments, mais aussi très satisfaisant lorsqu’on y arrivait!

Après votre première incursion dans la musique 8 bit, il semble que vous ayez pris du recul par rapport à la composition. En effet, de 1997 à 2005, vous avez seulement travaillé sur les voix et les effets sonores de jeux comme Diddy Kong Racing, Perfect Dark et Conker. Je crois que plusieurs personnes se posent la même question : que s’est-il passé?

J’aimais faire partie du processus créatif plus large au cours du développement d’un jeu. La musique était une partie si importante au sein de notre département, mais je me suis mise à apprécier de plus en plus que l’audio dans un jeu ne se limite pas qu’à sa musique. En tant que musiciens, nous avions l’opportunité de plonger le joueur dans un monde sonore, un monde où son et musique formaient un parfait mariage. Vers la fin de ma carrière à Rare, je m’intéressais davantage aux effets sonores, à la musique d’ambiance. La culmination de cette passion a été ma collaboration avec Steve Burke pour Kameo, mon dernier jeu Rare. Un projet incroyable dont je suis extrêmement fière. La trame sonore de Steve était plus grande que nature et très ambitieuse. J’ai eu la chance de créer des effets sonores qui ont contribué à la création d’une expérience audio complète.

Eveline Fischer interview
Gamer Quebec
Depuis que vous avez arrêté de composer de la musique pour les jeux vidéo, avez-vous une nouvelle passion?

La musique n’a jamais cessé d’être une passion pour moi et n’est jamais loin de ma vie. Même si la composition connait un relâchement pour l’instant, les idées demeurent : elles sont simplement en attente. Entre-temps, c’est à mon tour d’être la chef d’orchestre avec mon enfant. Incroyable petit percussionniste, il a saisi mon amour pour la musique et s’est échappé avec!

Y’a-t-il une chance que vous composiez à nouveau pour les jeux vidéo?

Pour l’instant mes priorités sont ailleurs, mais dans le futur qui sait. L’utilisation de la musique et des sons dans les jeux vidéo me fait encore vibrer, cet art a progressé énormément depuis que j’ai quitté Rare. La variété, l’étendue, les possibilités infinies offertes aux musiciens d’aujourd’hui : c’est beau à voir. J’espère qu’il y aura toujours de la place pour un musicien interne, pour le département de musique qui vit et meurt auprès des jeux et de ceux qui les développement…ça ne peut être égalé.

Quelle est la chanson favorite que vous avez composée?

Je n’ai jamais cessé de réfléchir à propos de quelle serait ma chanson préférée. Certaines n’ont jamais vu le jour pour des jeux qui n’ont pas été développés, des prototypes. Mon style avait progressé lorsque j’ai quitté Rare, je me sentais mieux dans ma peau. J’opterais peut-être pour l’une de ces compositions.

Avez-vous travaillé à titre de compositrice pour des jeux auxquels vous n’avez pas été créditée?

Je ne crois pas…

Bonus #1

Au début de son développement, Mr Pants pour la Game Boy avait Casse-Noisette comme trame sonore temporaire. Convertir la suite était un défi énorme mais très amusant.

Bonus #2

Mon fils a mis la main sur Sea of Thieves chez un cousin l’autre jour. Alors qu’il jouait, j’ai entendu « Maman? Rare, ce n’est pas là où tu travaillais? » J’ai enfin bouclé la boucle

Au cours des derniers jours, j’ai été captivé par le tout dernier jeu de Nippon Ichi Software (NIS), Labyrinth of Refrain: Coven of Dusk sur PlayStation 4. J’ai toujours eu un faible pour le genre dungeon-crawler avec des titres comme Etrian Odyssey, Persona Q ou encore Eye of the Beholder si nous voyageons un peu dans le temps.

En surface, ce sont des jeux d’apparence simples avec des graphismes minimalistes et peu de dentelle. Pourtant, lorsque l’on s’attarde aux systèmes derrière cette façade, nous avons souvent droit à une belle profondeur tactique qui encourage différentes stratégies pour mener à bien l’exploration de labyrinthes mortels.

Ma sorcière bien-aimée
Dans Labyrinth of Refrain: Coven of Dusk, vous explorez un gigantesque labyrinthe sous la ville de Refrain. Les humains ne peuvent s’y rendre en raison d’un miasme mortel, mais la légende veut que l’un d’entre eux aurait tout de même réussi à conquérir le labyrinthe. Puisque les humains ne peuvent entrer le labyrinthe, il faut faire appel à des marionnettes issues d’un livre magique, le Tractatus de Monstrum.

Ce livre est la possession d’une sorcière, Dronya, venue à Refrain pour en apprendre plus sur le labyrinthe et ses nombreux trésors. Appuyée par son apprentie Luca, elle tente par tous les moyens de découvrir qui a bien pu survivre à un environnement aussi hostile, mais surtout sa raison d’être. Pour être franc, l’histoire n’est pas très intéressante. Luca en particulier est peut-être l’un des pires personnages à voir le jour, avec sa petite voix aiguë et son caractère imbécile qui donne envie de simplement passer par-dessus toutes les cinématiques du jeu.

En fait, et c’est un problème avec la plupart des jeux de Nippon Ichi Software, les clichés abondent. Mais là où le bât blesse du côté narratif, c’est toute la dimension sexuelle (une scène met de l’avant ce qui peut être considéré comme du harcèlement) et sa banalisation. Le caractère ouvertement juvénile de Labyrinth of Refrain se reflète aussi par le choix des monstres et des objets, souvent intitulés de façon déplorable.

labyrinth of refrain coven of dusk



Master of Puppets
L’exploration du labyrinthe s’effectue à l’aide de marionnettes aux différentes facettes (lire : classes). Initialement, votre groupe n’est composé que de 3 personnages, mais cela peut aller jusqu’à 15 après plusieurs heures de jeu.

Un maximum de 5 sabbats (pour respecter la thématique de sorcellerie) peuvent être créés, chacun avec un différent pacte. Au départ il n’y a pas de choix, mais après un certain temps vous pourrez miser sur des sabbats davantage axés sur l’offensive, la magie, la défense et ainsi de suite.

Au fur et à mesure qu’ils combattent ensemble et n’essuient pas de cuisants revers, les marionnettes tisseront un puissant lien de confiance entre elles. Par le fait même, elles pourront déclencher des habiletés spéciales (résonance) plus facilement et infliger de sérieux dégâts à vos ennemis. Mais puisqu’elles sont fragiles, les marionnettes peuvent aussi se briser. Les ennemis (et vous aussi!) infligent à l’occasion des Gore Hits qui brisent une partie aléatoire de votre personnage, diminuant ses capacités de combat (ou K.O. si la tête se brise). Une mécanique que j’appréhendais et qu’au final s’est avérée pas très dérangeante compte tenu de la rareté de ces coups critiques. Une marionnette brisée doit être réparée à la caravane de Dronya en échange de pièces d’argent.

À la base, Labyrinth of Refrain compte 6 facettes (classes) à découvrir. Il est possible d’en débloquer au moins 2 de plus en investissant de la mana grâce au Tractatus de Monstrum. La plupart des archétypes classiques du genre RPG sont présents : tank, magie, habileté, DPS, etc. Le but est de créer un groupe équilibré qui saura résister aux multiples périls du labyrinthe.

labyrinth of refrain coven of dusk

Le pacte du sang
L’exploration dans Labyrinth of Refrain est addictive. Contrairement à un jeu comme Etrian Odyssey, la carte se révèle à vous en l’explorant, donc inutile de la cartographier. J’ai particulièrement apprécié l’inclusion d’aspects diablo-like dans le jeu, que j’explique par la présence de butin variable.

En effet, les passages souterrains recèlent de monstres et de trésors prodigieux. Il est possible de découvrir de l’équipement rare, légendaire voire épique avec des statistiques différentes. Par le fait même, vous serez à l’occasion confronté à des ennemis rares ou uniques. Épées, katars, cloches, armures, accessoires, bottes, il existe une grande variété d’équipement.

J’ai aussi apprécié les habiletés d’exploration, par exemple la possibilité de briser des murs pour progresser ou tout simplement accéder à des pièces secrètes. Par contre, j’aurais aimé voir une option pour agrandir la carte, car les icônes sont parfois difficiles à distinguer les unes des autres.

Les combats s’exécutent une fois toutes vos commandes saisies (et non au tour par tour comme dans un JRPG). Labyrinth of Refrain ajoute aussi ses propres idées à la formule habituelle des dungeon-crawlers : la possibilité de booster son attaque ou sa défense en puisant dans sa banque de renforcement. Une mécanique peut-être inspirée de Bravely Default qui ajoute encore plus de décisions au niveau des combats. Les personnages sont aussi en mesure d’utiliser des habiletés spéciales avec leurs points de Donum (lire : magie). Les habiletés sont associées au pacte dans lequel ils font partie, ce qui encourage encore plus de tester plusieurs combinaisons différentes.

labyrinth of refrain coven of dusk

En quelques mots
Labyrinth of Refrain est un jeu qui offre beaucoup de contenu aux amateurs de dungeon-crawlers. Son style anime japonais est remarquable et sa trame sonore un vrai régal. La courbe d’apprentissage n’est pas aussi élevée qu’un jeu comme Class of Heroes, donc plus accessible pour les débutants. Tout de même, les boss sont vraiment coriaces! Et certains ennemis peuvent vraiment vous mener la vie dure avec des status effects frustrants si vous n’êtes pas préparés.

Je suis d’avis que ce jeu figure parmi les meilleurs de sa catégorie. J’ai vraiment eu l’impression de maîtriser ses systèmes, ce qui n’est pas toujours le cas avec d’autres jeux. L’alchimie est un autre aspect que j’ai adoré : il est facile d’améliorer son équipement pour avoir les chances de son côté dans les différents donjons (qui forment tous un seul et même labyrinthe au final).

Nous avons eu la chance d'obtenir Xenoblade Chronicles 2 avant sa sortie. Voici notre unboxing exclusif!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=6ltyIBNMJJM&t=1s[/video]

edit: le lecteur vidéo ne semble pas fonctionner :/

Si vous l’ignoriez encore, je suis un grand fan de la série South Park. Depuis mon adolescence, j’ai grandi avec Cartman, Kyle, Stan et Kenny. À l’époque, les jeux basés sur cette licence étaient, pour être poli, médiocres à souhait. Il n’y a qu’à penser aux titres comme South Park (N64, PSX, PC), South Park: Chev’s Luv Shack (N64, Dreamcast, PSX, PC) ou encore South Park Rally (N64, PSX). Si ces jeux ne vous rappellent rien, c’est pour une bonne raison : ils étaient ennuyants, du moins en grande partie.

Imaginez donc ma surprise en 2012 lorsque Matt Stone et Trey Parker, les créateurs de la série déjantée, ont annoncé un RPG complet digne de leur talent. South Park: The Stick of Truth était le signalement d’un virage moderne pour cette licence qui boudait les consoles, exception faite de rares jeux comme South Park: Tenorman’s Revenge. La technologie a permis aux créateurs de façonner un univers collé à celui de la télé tant au niveau des dialogues que du visuel. Toutefois, l’expérience avait été très frustrante pour les cerveaux derrière South Park, eux qui avaient été obligés de supprimer une tonne de contenu pour éviter d’autres délais. Ils avaient même affirmé « nous ne ferons plus jamais un jeu vidéo, le dernier nous a presque tués! ». Un épisode est produit en 6 jours, mais un jeu vidéo est une toute autre histoire…

L’annonce de South Park: The Fractured But Whole était donc une grande surprise au E3 2015. Voici, à mon avis, 10 raisons qui feront de ce RPG un incontournable cet automne.

#1 : Le brio de Matt Stone et Trey Parker

Une partie du succès de South Park: The Stick of Truth s’expliquait par l’engagement des créateurs dans le projet. Fans de jeux vidéo depuis longtemps, Matt Stone et Trey Parker voulaient créer un jeu complet basé sur leur licence. La technologie développée par le studio Obsidian (qui ne développe pas The Fractured But Whole) a permis au duo de créer l’équivalent d’un long épisode interactif. Nous retrouverons leur humour tordu dans cette suite, cette fois créée en collaboration avec Ubisoft San Francisco. Les séquences dévoilées jusqu’à présent témoignent d’un humour toujours aussi actuel qui n’a pas peur de repousser les limites de l’acceptable pour ce médium. Mais c’est surtout l’attention pharaonique aux détails qui nous fait planer avec ce jeu, à la mesure de ce qui est vu dans le penchant télévisé.


#2 : Place aux super-héros!

Le thème Donjons & Dragons mis de l’avant dans Stick of Truth était une parodie du genre RPG. Dans Fractured But Whole, les enfants troquent leurs costumes de Gandalf et compagnie pour incarner des super-héros. Le Coon et sa bande devront élucider un mystère en utilisant de nouveaux pouvoirs. Un thème d’actualité vu le succès monstre des films DC et Marvel au grand écran.

#3 : Un large éventail de classes de héros

Le thème des super-héros nous introduit aussi à 12 différentes classes pour vos différents personnages. Certaines sont débloquées seulement plus tard, mais il est bon de voir que les développeurs ne se sont pas limités aux archétypes de base. Les classes ont toutes des habiletés spéciales à leur disposition. Les statistiques sont réparties selon 5 grands thèmes : la force, la dextérité, la ténacité, la vitesse et le courage. C’est beaucoup plus ambitieux que les 4 classes de personnages dans Stick of Truth (guerrier, mage, voleur et juif).


#4 : L’arrivée du mode tactique (SRPG)

Un peu simple dans son exécution, Stick of Truth ne donnait que peu de choix stratégiques. Dans Fractured But Whole, les créateurs ont voulu évoluer le système de combat. Les environnements sont désormais quadrillés comme dans tout bon SRPG qui se respecte, par exemple Disgaea ou Final Fantasy Tactics. Selon l’emplacement des alliés ou des ennemis, différentes animations sont déclenchées; des dégâts supplémentaires sont parfois infligés si, par exemple, un ennemi est frappé et recule vers un allié qui le frappera à son tour. La dimension tactique ajoute beaucoup de profondeur aux combats avec une prise de décision qui était somme toute absente du premier opus.

#5 : Le crafting

On pourrait argumenter que le crafting est omniprésent de nos jours, à tord ou à raison. Cette idée de créer ses propres objets à partir de matériaux dans un jeu est bien ancrée dans la philosophie de design. C’est une façon de récompenser les joueurs, de les inviter à tester des recettes ou tout simplement de leur donner un incitatif à explorer. Dans la plus récente démo de Fractured But Whole, nous avons pu voir que les enfants devaient concocter une boisson pour le moins peu ragoûtante à un DJ.


#6 : Place aux vétérans

Tel que je l’ai mentionné précédemment, les créateurs de South Park ont été frustrés par les réalités du développement d’un jeu vidéo avec Stick of Truth. Une tonne de contenu a été retiré du jeu, ce qui explique sans doute l’absence de visages familiers de la série. Même si la plupart des personnages principaux étaient de la partie, d’autres avaient été écartés. Parmi eux, Satan était sans doute l’un des plus gros noms à briller par son absence. Réjouissez-vous, car la plupart des habitants de la ville du Colorado qui ne figuraient pas dans le premier RPG seront bel et bien dans Fractured But Whole. Voici quelques noms confirmés pour cette suite :

Dr. Alphone Mephesto
Seaman
Towelie


#7 : Une aventure deux fois plus longue, au minimum

Le site officiel de South Park: The Fractured But Whole nous révèle que le RPG sera « environ deux fois plus long » que le premier opus. En moyenne, Stick of Truth demandait 11 heures à compléter, donc nous sommes en droit de nous attendre à une aventure d’une vingtaine d’heures. Les nombreuses possibilités tactiques ajouteront elles aussi une certaine rejouabilité. Espérons seulement que cette fois, les développeurs penseront à un petit quelque chose une fois le scénario principal terminé. C’était certainement un point faible du premier RPG qui ne comptait sur aucun endgame.

#8 : Explorer South Park la nuit

Étonnamment, il n’était pas possible de visiter South Park une fois la nuit tombée dans Stick of Truth. C’était logique dans un sens, car les enfants devaient respecter un couvre-feu. À un tel point que si vous tentiez de ne pas vous coucher, vos parents venaient vous chercher jusque dans les bois. Nous savons que dans Fractured But Whole, les jeunes pourront s’aventurer dans la ville de jour comme de nuit. Est-ce qu’il y aura des restrictions par rapport à l’exploration dite normale? Sans doute que oui. Dans tous les cas, cette nouvelle facette viendra ajouter un élément intéressant pour les fans de la série; nous savons déjà qu’une scène prend place dans un club de danseuses nues la nuit.


#9 : La personnalisation, toujours aussi détaillée

En tant que « New Kid » à South Park, vous pouvez personnaliser votre avatar comme bon vous semble. Cela passe par les vêtements, mais aussi les cheveux, les yeux, les accessoires et plus encore. À ce sujet, Stick of Truth était déjà pas mal, mais Fractured But Whole promet de pousser davantage l’aspect personnalisation. Certains costumes pourraient être restreints à une classe particulière, ce qui est intéressant. Il faudra donc, en toute vraisemblance, tester toutes les classes pour voir les différents habits disponibles qui s’ajoutent aux options de base.


#10 : Garçon ou fille, pas de problème!

Plusieurs joueuses et fans de South Park avaient été déçues de ne pas pouvoir incarner une fille dans Stick of Truth. Il est vrai que l’histoire était centrée autour du « New Kid » et de son sphincter surnaturel, mais l’impossibilité d’incarner le sexe opposé était un peu étrange. N’ayez crainte, ce sera chose réglée dans Fractured But Whole! De plus, les créateurs ont préparé des dialogues exclusifs en fonction du sexe choisi, ce qui, encore une fois, ajoutera non seulement à l’atmosphère, mais aussi à la rejouabilité du RPG.

wendy fractured but whole
Bonus : jouez en 7 langues et obtenez The Stick of Truth gratuitement

J’inclus cet élément à titre de bonus, car je crois que ce sera une promesse non tenue pour Fractured But Whole. En 2016, Ubisoft a confirmé que le jeu serait localisé en 7 langues : anglais, français, italien, allemand, deux dialectes d’espagnol et portugais (du Brésil). Depuis l’annonce, nous n’avons rien entendu des versions localisées, ce qui me fait douter de leur inclusion. Les acteurs qui prêtent leur voix aux différents personnages pour la version française n’ont pas confirmé ni infirmé leur implication dans le projet, donc croisons les doigts que ce soit le cas.

J’ajoute aussi que toute précommande de Fractured But Whole donne droit à une copie gratuite de Stick of Truth. Il est possible de télécharger le RPG immédiatement après réception d’un code par voie numérique, tandis que les joueurs qui préfèrent acheter la version physique du prochain jeu devront attendre un peu. Ce bonus ne fait pas vraiment que le prochain titre développé par Ubisoft sera génial, mais c’est une belle façon de remercier les fans les plus loyaux avec un titre mémorable.

Disponible dès demain sur Steam! Bonne lecture!

Violente, décalée, choquante, la série Postal est controversée depuis ses débuts. La critique ne dérange pas du tout le studio Running With Scissors qui ne s’est jamais laissé abattre par ces scandales médiatiques. Et la raison est simple : les joueurs aiment cet univers tordu. Demain, une version remastérisée du tout premier jeu sera commercialisée, intitulée Postal Redux. En attendant notre critique, voici une entrevue exclusive réalisée auprès de l’un des employés de Running With Scissors. Vous pourrez acheter le jeu dès demain sur PC (Steam) au coût de 14,99 $.

Merci de prendre le temps de répondre à nos questions aujourd’hui. Auriez-vous l’obligeance de vous présenter à nos lecteurs?

Je m’appelle Mike Jaret. Je suis vice-président du développement des affaires pour Running With Scissors. Je fais partie de l’entreprise depuis 2002!

Cela fait bientôt une décennie que le tout premier Postal (30 septembre 1997) a été lancé sur PC et Mac dans la controverse. Quelle est la plus importante différence entre hier et aujourd’hui pour une telle franchise?

Correction, cela fait bientôt 20 ans! [Note : mon erreur!] La différence la plus notable est que les jeux aussi violents que Postal sont légion. Avant, tous les jeux violents impliquaient des extra-terrestres, des Space Marines, etc. Nous étions les premiers à présenter un jeu avec un mec dans une situation relativement normale.

Postal Redux est un remake du titre original. Pour vous, quel était le plus grand défi de développement pour les nouvelles plateformes?

Adopter une nouvelle technologie était ce qui représentait le plus grand défi. Bien que l’équipe soit plutôt à l’aise avec la technologie Unreal ~2, la mise à jour vers la version 4 était à la fois incroyable et intimidante. Il y a eu une période d’adaptation, c’est toujours le cas d’ailleurs, mais c’était définitivement tout un défi!

À quel point avez-vous misé sur le fait d’être fidèle au jeu original? Était-ce votre priorité?

Absolument. Chaque niveau a été redessiné intégralement. Nous désirions que le jeu conserve le même look et la même atmosphère, simplement modernisés! Notre priorité était de rendre le jeu plus « jouable », ce pourquoi nous avons ajouté Rampage.

Existe-t-il des fonctionnalités dans Postal Redux qui étaient absentes de la sortie originale?

Nous avons ajouté Rampage qui, essentiellement, est un nouveau mode de jeu similaire à Hotline Miami. Vous obtenez des points en fonction de comment vous tirez dans les niveaux. Des multiplicateurs s’ajoutent pour les meurtres en série réalisés grâce à la panoplie d’armes différentes. Le tout est présenté avec de la musique pour donner à ce mode une sensation proche de l’arcade.

Si Postal Redux connait assez de succès, considérerez-vous un remake de Postal 2 pour une audience moderne?

Nous avons toujours voulu le faire, mais la prochaine étape est de créer un nouveau jeu qui n’est PAS lié à la série Postal, mais qui s’y apparente.

Running With Scissors a toujours prêché pour la liberté d’expression dans l’industrie. Croyez-vous qu’il y a une limite? À mes yeux, Postal a toujours été un plaisir coupable (et violent!), un peu comme GTA. Toutefois, je suis curieux d’en savoir plus sur votre opinion quant aux jeux qui vont peut-être trop loin, par exemple un jeu comme Hatred qui a été qualifié de « simulateur de génocide » ou pourquoi pas Manhunt et ses exécutions horribles.

Tout le monde a le droit de créer ce qu’il désire, merde Postal 1 n’était pas si drôle (Postal 2 l’était). Comme toute autre forme de média, nous sommes réglementés par un conseil de direction (ESRB) et cela permet aux parents de faire le bon choix lorsqu’ils achètent des jeux à leurs enfants.

Après avoir épaté la galerie avec Bastion et Transistor, le studio Supergiant Games se prépare à nous charmer une fois encore avec Pyre, un jeu de rôle original en développement sur PC et PlayStation 4. Même s'il ne sera pas offert avant 2017, nous vous proposons aujourd'hui un portrait du jeu avec le directeur créatif Greg Kasavin. Voici notre entrevue exclusive que vous retrouverez en version originale anglaise ici.

Merci de nous accorder cette entrevue. Pouvez-vous vous introduire auprès de nos lecteurs?

Bonjour! Je m'appelle Greg Kasavin de Supergiant, un petit studio de San Francisco qui a créé Bastion et Transistor et qui travaille en ce moment sur un troisième jeu, Pyre. J'agis à titre de directeur créatif, en d'autres mots je me charge du scénario de nos jeu, d'une importante partie des tâches conceptuelles et des enregistrements audio entre autres choses. Avant de me joindre à Supergiant, j'ai travaillé sur le shooter de guerre Spec Ops: The Line à 2K Games et sur la série Command & Conquer d'Electonic Arts à Los Angeles. Avant, j'ai fait partie de la presse vidéoludique un moment, surtout à Gamespot, où j'ai été rédacteur en chef quelques années.

Bastion et Transistor sont deux excellents jeu qui ont été développés par Supergiant Games. L'annonce de Pyre il y a quelques semaines était inattendue mais bienvenue. Quelles sont les plus importantes leçons que vous avez apprises avec vos deux premiers hits que vous désirez appliquer avec Pyre?

D'abord, merci! Nous nous estimons très chanceux que nos deux premiers jeux aient été aussi bien reçus et nous savons que cela a contribué à l'accueil chaleureux de Pyre. Supergiant existe depuis 2009 et tous ceux qui étaient présents pour le premier jeu travaillent toujours ensemble pour ce prochain projet. Nous avons appris énormément et avons grandi en équipe depuis; j'espère qu'une partie de cette expérience couplée à notre passion pour nos jeux demeure un élément marquant de notre travail.

S'il y a une chose que nous avons apprise après avoir créé Bastion et Transistor, je crois que c'est d'avoir foi en notre équipe au cours du processus. Ce n'est pas toujours facile! Nous tentons de repousser nos limites créatives avec chacun de nos jeux et nos les créons de façon organique et itérative de sorte à ne pas nécessiter un document de conception ou quoi que ce soit d'autre. Nous tâchons seulement d'écouter le jeu et de construire ce dont il a le plus besoin à tout moment. Cela peut s'avérer effrayant, et nous ne savons pas toujours où nous nous dirigeons ou termineront, surtout au début lorsque nous développons une nouvelle idée de toutes pièces. Mais je crois que nous nous sommes améliorés pour ce qui est de laisser germer les idées qui en ont besoin et d'évaluer les besoins pour qu'elles prennent racine.

Cela étant dit, le développement d'un jeu vidéo est toujours difficile, du moins pour moi. Je crois que nous respectons tous l'ampleur du défi, l'énergie et le temps requis pour créer quelque chose qui en vaut la peine.

Pyre est décrit comme un « jeu de rôle basé sur un groupe » contrairement à vos deux premiers jeux. D'un point de vue conceptuel, quel est l'élément le plus intéressant de cette nouvelle approche, selon vous?

Pyre représente un tout nouveau style de jeu pour nous. Tout a commencé avec notre désir de créer un jeu avec un plus grand éventail de personnages avec lesquels vous tissez des liens plus serrés au cours de l'histoire. Un jeu où ces personnages dépendraient de vous et des autres dans le but de réussir, une idée au coeur des thèmes de la narration et de l'expérience de jeu elle-même.

Structurellement, vous passez une partie de votre temps à traverser le purgatoire mystique, à choisir où vous diriger et quoi faire de vos journées alors que vous parcourez ces zones célestes. Cela est représenté par phases, où vous voyagez, installez un camp et décidez ce que vous ferez de votre après-midi, et ainsi de suite. Une fois la destination atteinte, l'action se déroule sous la forme d'anciennes compétitions connues sous le nom des « Rites ».

L'ampleur de l'expérience est plus grande et intimidante que celle dans nos jeux précédents. Vous voyagez des jours entiers dans ce monde, mais vous vivez aussi des moments tranquilles où vous interagissez avec vos personnages. Nous aimons l'idée d'un jeu ponctué de choix expressifs pour le joueur, où vous êtes réellement en mesure de façonner les aspects du scénario et des relations que vous entretenez avec les personnages que vous rencontrez.

PyreÀ propos de la jouabilité : nous savons que dans Pyre, « vous mènerez une bande d'exilés vers la liberté par l'intermédiaire d'une ancienne compétition répartie dans un vaste et mystique purgatoire ». Serait-il approprié de décrire les batailles en équipe comme quelque chose de semblable à des gladiateurs de la science-fiction ou n'est-ce plutôt qu'un sport brutal? Pour tout dire, je me demande quelle direction empruntera la jouabilité.

La compétition connue sous le nom de « Rites » oppose des groupe d'exilés afin de déterminer qui parmi eux sont dignes de regagner leur liberté. Le but est d'éteindre le bûcher de vos ennemis avant qu'ils ne fassent de même pour le vôtre. Il s'agit d'une façon de tester le corps, l'esprit et l'âme des exilés en plus de leur capacité à dépendre les uns des autres et non pas d'eux-mêmes. En pratique, vous y arrivez en déjouant et en surclassant vos adversaires avec des actions sur le vif et une planification tactique. Cela reprend l'idée d'une bataille féroce ou, comme certains ont observé, le concept est proche de certains sports.

Les « Rites » ont une saveur mystique : intenses et surnaturels, mais pas fondamentalement violents. Si des personnages sont tués dans cette compétition, d'une certaine façon ils empruntent un raccourci pour ne pas avoir à vivre dans le purgatoire. Avec ce jeu, nous désirons vous faire cheminer autant avec vos défaites que vos victoires. Le scénario est basé sur la progression individuelle de ces exilés vers l'illumination et dans la vie, nous apprenons pas seulement de nos succès, mais souvent aussi de nos échecs.

Concernant la durée de vie du jeu : c'était sans doute le facteur négatif le plus commun attribué à vos deux premiers jeux, qui pouvaient se compléter en moins de 10 heures. Avez-vous pensé à des mesures peut-être ajouter un élément rejouabilité à Pyre afin d'apprécier sa durée de vie?

Notre objectif principal avec chacun des jeux que nous avons créés est de produire un jeu de la plus grande qualité et des plus complets que nous pouvons. Il n'est jamais question en cours de développement d'atteindre un nombre d'heures de jeu précis. Pour les joueurs qui désirent une expérience à long terme, il existe des choix plus appropriés que les jeux produits par notre studio. Par exemple, je joue à Hearthstone depuis plus de deux ans sur une base quotidienne. Si vous êtes à la recherche de quelque chose à quoi vous pouvez jouer sans fin, je le recommande fortement!

La promesse avec nos propres jeux est qu'ils respectent le temps des joueurs. Vous en soutirerez beaucoup pour un investissement de temps et d'argent raisonnable. Nous consacrons beaucoup de temps en cours de développement à réduire la durée de nos jeux plutôt que le contraire. Nous voulons nous assurer que nos expériences de jeu soient riches et gratifiantes. Nous éliminons le gras autant que possible et sommes impitoyables quant à la supression de tout ce qui pourrait ressembler à du grind.

Nous croyons que les bons jeux fournissent des motivations pour que les joueurs les revisitent. Chacun de nos jeux précédents proposaient des modes « New Game Plus » qui vous invitent à revisiter les scénarios de façons différentes et certains de nos fans en tirent des douzaines d'heures de plaisir. Mais pour la plupart des joueurs, nous désirons qu'ils atteignent la conclusion après un nombre d'heures raisonnable.

Cela étant dit, je crois que dans le cas de Pyre, pour qu'il donne l'impression d'être complet, il pourrait nécessiter plus d'espace pour mieux respirer qu'un jeu comme Transistor, lequel prend place au cours d'un moment spécifique dans la vie d'un personnage spécifique. Les événements dans ce jeu partent en vrille, tout le contraire de Pyre qui s'étend sur plusieurs jours dans la vie d'un plus grand groupe de personnages. Nous voulons que les joueurs soient en mesure de vraiment apprendre à connaitre les protagonistes, et cela peut être long, mais nous ferons tout en notre pouvoir pour que ce temps soit intéressant et varié. Mais ouais, pour ce qui est de la durée de vie, il est encore trop tôt pour que je me prononce et je suis certain que le nombre d'heures variera en fonction des choix effectués par les joueurs de toute façon.Vous avez présenté une démo jouable de Pyre au salon Penny Arcade Expo (PAX) East cette année. Que retenez-vous de cette expérience?

Nous participons à PAX depuis plusieurs années et cette fois marquait la troisième occasion où nous avons présenté un de nos jeux à l'événement pour la toute première fois. Nous ne savons jamais vraiment à quoi nous attendre et nous n'aimons rien prendre pour acquis, donc c'est à la fois un événement joyeux et un soulagement que le dévoilement de Pyre se soit aussi bien passé!

Je crois que l'aspect le plus intéressant à propos de l'expérience globale était peut-être d'entendre toutes ces comparaisons différentes soulevées par les gens lorsqu'ils décrivaient le jeu. Nous avons entendu des gens faire référence à des jeux comme The Oregon Trail, The Banner Saga, 80 Days, Persona et FTL: Faster Than Light par rapport à la présentation générale. Pour ce qui est des « Rites », le rugby, le soccer, le basketball, le hockey, American Gladiators ont été mentionnés. Bien que nous ne ne cherchons pas pas à évoquer ces choses spécifiquement, c'est toujours fascinant d'entendre ce que nos jeux évoquent à l'esprit des gens. Au final, nous visons à ce que nos jeux aient leur propre identité, même s'il est intéressant d'entendre les gens tenter avec enthousiasme d'assembler ce que l'expérience leur rappelle en termes d'autres choses qu'ils apprécient ou avec lesquelles ils sont familiers.Est-ce que nous pouvons nous attendre à un portage de Pyre (ou de vos autres jeux pourquoi pas) sur la NX de Nintendo, la Xbox One ou toute autre plateforme?

En ce moment, toute notre énergie est concentrée à faire de Pyre le meilleur jeu qui soit pour son lancement l'année prochaine sur PC et PlayStation 4. Après, nous ne savons pas ce que le futur nous réserve, et rien n'a été écarté, donc nous devrons attendre de voir comment cela se passe! Nous aimons garder toutes les options en tête bien qu'avec notre petite équipe, nous devons demeurer très concentrés sans trop nous éparpiller. Si vous avez vu ce que nous avons réalisé avec nos jeux précédents, ils ont été portés sur d'autres plateformes après leur lancement. Nous évaluons ces opportunités au cas par cas.

Amateurs de jeux de rôles classiques, Obsidian vous prépare Tyranny. Annoncé il y a environ un mois, le projet emprunte plusieurs éléments d'un autre RPG à vue isométrique créé par ce studio, Pillars of Eternity, lequel avait été fondé grâce à une campagne de sociofinancement Kickstarter. Dès que j'ai eu vent de ce nouveau projet, je me suis empressé de contacter les créateurs afin d'éclaircir ce qu'est exactement Tyranny. Sans plus tarder, voici le résultat de mon entretien exclusif réalisé auprès de Brian Heins, directeur de projet à Obsidian.

Je vous remercie au nom de tous nos lecteurs de nous accorder cette entrevue. Savoir que l'un de mes développeurs favoris travaille sur un nouveau RPG old-school est très excitant. Il est facile de comparer à Pillars of Eternity, ce qui me pousse à poser la question suivante : est-ce que Tyranny fera lui aussi appel à une campagne de sociofinancement Kickstarter?

Merci de nous avoir contacté! Nous développons Tyranny depuis un moment déjà et il est bien de pouvoir enfin partager ce sur quoi nous travaillons. Tyranny sera distribué par Paradox. Nous avons collaboré avec cet éditeur pour Pillars of Eternity, c'était donc tout à fait naturel de travailler à nouveau avec lui pour un autre projet d'entrée de jeu. Donc, aucune campagne Kickstarter cette fois. Nous pourrions décider de faire appel à Kickstarter ou d'autres sites de sociofinancement pour des titres futurs, mais Tyranny est financé et distribué par Paradox.

Le plus cool à propos de Tyranny, du moins selon moi, est le fait que le scénario n'est pas celui où les héros l'emportent. Cela démontre un réel désir d'expérimenter avec quelque chose de nouveau et qui ouvre la porte à une tonne d'espace conceptuel. Qu'est-ce qui a poussé l'équipe à adopter cette (sombre) direction?

Dans la plupart des jeux, vous êtes le héros : vous réglez les problèmes des autres et faites en sorte que le monde soit un meilleur endroit où vivre. Cela peut être très amusant, mais ce n'est qu'un côté de l'histoire. L'idée derrière Tyranny, celle d'un « monde où le mal a gagné », cogitait depuis plusieurs années à Obsidian. Le concept s'est modifié et a évolué au fil du temps, mais ce noyau était toujours présent.

Je crois que l'idée accroche tout de suite les gens, avoir l'opportunité d''incarner le méchant. Obsidian est reconnu pour les choix moraux complexes que les joueurs adoptent dans ses jeux. Le fait que nous créons désormais ces décisions dans un monde où vous pouvez être « le méchant » nous offre la possibilité de raconter plusieurs histoires amusantes. Nous n'avons pas vraiment eu à « pousser » l'équipe dans cette direction. Elle a toujours été enthousiasmée par l'idée!

Lire la suite

Aimez-vous les jeux où la solitude est un élément important? Dans Near Death prévu sur PC, Linux et Mac, la seule peur que vous affronterez sera celle de l’isolement dans une base en Antarctique. Le studio indépendant Orthogonal Games désire ainsi nous plonger dans une expérience où le froid est votre pire ennemi. Question de mieux cerner ce projet, j’ai posé quelques questions au concepteur principal. Voici le résultat de cette entrevue exclusive. Pour découvrir la version originale anglaise, cliquez ici.

Merci de prendre la peine de répondre à nos questions aujourd’hui. Pouvez-vous vous introduire et nous en dire plus à propos de votre poste à Orthogonal Games?

Je m’appelle Ryan Mattson et je suis l’un des concepteurs de Near Death. Je me charge de la plupart de la conception des niveaux et aide Kent Hudson, le créateur du jeu, par rapport à d’autres tâches conceptuelles ici et là. Bien entendu, la petitesse de notre équipe nous pousse à collaborer partout où nous le pouvons. J’aide Kent à travailler sur Near Death depuis le début du mois de juin 2015, lui qui travaillait sur le jeu depuis fin 2014. L’artiste Alex Munn travaille également avec nous à temps partiel.

Near Death est un jeu de survie dans un centre de recherche abandonné de l’Antarctique. Cette mise en situation a beaucoup de potentiel. Pouvez-vous nous en dire plus à propos du processus créatif qui vous a poussé à choisir un endroit aussi isolé pour votre jeu?

Le répertoire de notre projet s’intitule Antarctique, donc il a toujours été question de créer une expérience basée sur cet endroit; une zone des plus extrêmes à moins de quitter la Terre complètement. L’Antarctique est vraiment un endroit fascinant. Vice vient de publier un article à propos d’un docteur financé par l’Agence spatiale européenne pour étudier l’isolement tout en travaillant dans l’Antarctique. De tels endroits avec un sentiment d’isolement aussi marqué sont peu nombreux.

Au-delà de l’incidence psychologique de l’Antarctique, nous pouvons aussi nous amuser avec le contexte, par exemple en lien avec les outils mis à la disposition du joueur, qui ne serait pas forcément motivé dans des conditions moins extrêmes. Lorsque vous jouez à Near Death, vous êtes pris dans un blizzard, seul dans un centre de recherche isolé et vous devez vous frayer un chemin dans différents édifices qui prennent la forme d’un réseau de petites îles sécuritaires dans un environnement qui peut vous tuer sans crier garde. Au fur et à mesure que la tempête gagne en intensité, vous devez trouver un moyen de ne pas vous perdre dehors. Un des outils que vous pouvez fabriquer est un pôle lumineux qui clignote à un intervalle de quelques secondes. Vous pouvez utiliser ces pôles lumineux pour créer des chemins dans la base ou signaler des endroits importants. Lorsque le blizzard bat son plein, ces guides vous sauvent la vie. Il est très facile d’être désorienté au cœur d’une forte tempête de neige et aperçevoir une lumière verte clignotante au loin aide beaucoup.

near death

Il ne fait aucun doute que les joueurs compareront Near Death à des expériences comme Amnesia. Nous savons déjà qu’il n’y a pas de monstres ou d’extra-terrestres mis en cause (même si le contexte serait parfait pour un hommage à The Thing). Qu’est-ce qui différencie votre licence des autres jeux dans le genre survie?

Nous faisons tout en notre pouvoir pour ne pas créer un jeu de survie, malgré les quelques parallèles que nous pouvons soulever. Avec Near Death, nous tâchons d’éviter les tropes du genre survie. Il n’y a pas de jauge à long terme pour la fatigue, la faim ou la soif. Il n’y a pas d’ennemis ni de faune. En fait, nous avons blagué avant l’annonce du jeu que nous ferions notre possible de ne jamais mentionner « le mot débutant par un s ».

Le seul ennemi du jeu est la météo. Vous tentez désespérément de rester en vie dans un environnement qui n’attend qu’à vous voir geler sur place. La température peut atteindre −100 °C, ce qui peut vous tuer en une minute. Vous devez donc constamment penser à rester au chaud, soit en vous déplaçant dehors d’un édifice à l’autre ou en réparant un édifice en colmatant ses fenêtres pour que la chaleur s’y conserve.

Le jeu a aussi un aspect narratif. Ce n’est pas un jeu que vous pourrez recommencer sans fin, mais plutôt une expérience avec une histoire et un début, un milieu et une fin. Dès que vous arrivez à la base Sutro vous avez une seule mission : vous échapper et retourner à la maison.

near death

Je me souviens avoir lu que vous avez travaillé étroitement avec une véritable équipe de scientifiques pour créer une expérience authentique. À mes yeux, c’est un aspect très intéressant car la plupart des gens ne savent pas trop ce qu’est de survivre dans de telles conditions. Pouvez-vous élaborer un peu à propos de la science derrière Near Death?

Kent s’est entretenu avec quelques scientifiques qui ont travaillé d’une façon ou d’une autre en Antarctique. Ces rencontres ont confirmé bien des choses par rapport aux aspects psychologiques liés au fait de vivre et de travailler là-bas. Comme je l’ai mentionné plus tôt, ce continent glacial n’est pas sans conséquences. Et vous n’avez pas à être isolé des gens pour que cela vous affecte. Les équipes qui passent l’hiver complet sont affectées significativement par l’isolement, même si d’autres personnes se trouvent sur place. De nos jours en hiver, le seul lien que vous avez avec le monde extérieur se fait grâce à une connexion Internet lente et peu fiable. Un scientifique qui avait travaillé à la base Amundsen-Scott a suggéré que pour chaque mois passé en Antarctique durant l’hiver, vous avez besoin d’un mois ailleurs pour récupérer. Et certaines personnes adoptent cette formule année après année.

En tant que société, nous discutons maintenant de voyages spatiaux à long terme, dont les conséquences psychologiques sont justement étudiées par le scientifique que je viens de vous parler en Antarctique. Au moins, si vous passez l’hiver sur ce continent vous pouvez ensuite retourner à la maison à la saison suivante. C’est environ six mois dans les cas les plus extrêmes, je crois.

Les thèmes de l’isolement et de son incidence psychologique sont touchés dans Near Death aussi. Même sans mention explicite à leur sujet dans le jeu, les premiers playtesters ont commenté se sentir isolés et seuls lorsqu’ils jouaient. C’était intéressant à entendre car au début nous nous concentrions sur comment trouver un bon équilibre entre la sécurité des environnements intérieurs et la dangerosité de se trouver à l’extérieur. Bien que le sentiment d’isolement ressenti par les playtesters n’est rien en comparaison à ce que les personnes dans cet environnement ressentent vraiment, il est bien de pouvoir évoquer ce sentiment dans le contexte d’un jeu vidéo.

near death

Pouvez-vous nous fournir des exemples de ce que les joueurs devront accomplir dans Near Death? Pour l’instant, il semble que l’exploration joue un rôle important. Mis à part courir d’un endroit à l’autre avec une lampe de poche, à quoi pouvons-nous nous attendre sur le plan de la jouabilité?

La clé de la jouabilité de tous les instants est fondée sur le fait de rester en vie face à un blizzard qui ne cesse de gagner en intensité. Vous devez trouver des façons de demeurer au chaud et à l’abri alors que vous explorez la base. Vous serez amené à la réparer, par exemple en isolant une fenêtre d’une pièce ou encore en rebranchant le courant pour qu’une autre pièce se réchauffe.

Au cours de votre expérience, vous accumulerez des provisions qui vous aideront soit à réparer des choses ou à créer des outils que vous pourrez utiliser pour braver le blizzard, comme les pôles lumineux mentionnés plus haut. Vous serez aussi en mesure de manipuler le réseau électrique de la base et de reprendre le contrôle sur des zones détruites pour en faire des espaces sécuritaires. Pendant ce temps, vous accomplirez différents objectifs personnalisés dans l’une des zones uniques de la base pour, ultimement, en venir à quitter ces lieux.

near death

Dernière question : qu’avez-vous espoir d’accomplir avec Near Death?

Un de nos principes premiers est quelque chose que Pawl Miechowski a dit au cours de sa conférence au sommet du jeu indépendant de 2015 : « Oubliez les genres. Créez un jeu à propos d’une idée déterminée ». Cela nous a parlé immédiatement et c’est un concept auquel nous tentons de demeurer fidèles depuis tout ce temps.

Pour faire court, notre but est de créer un jeu qui ne tombe pas dans un gabarit pré-existant et qui n’est pas lié par les limitations d’un genre non plus. Au lieu de cela, nous voulons créer un jeu avec des fonctionnalités uniques à notre environnement et à l’histoire que nous voulons raconter.

Les créateurs du jeu The Novelist, Orthogonal Games, sont de retour avec un projet encore plus ambitieux : Near Death, un jeu d’horreur et de survie se déroulant dans l’Antarctique. L’action prend place alors que votre avion s’écrase près d’un centre de recherche abandonné. Le blizzard qui s’abat sur la région vous force à trouver refuge dans cet établissement en attente des secours. Sutro Station n’est cependant pas très hospitalière avec des températures avoisinant les -40 degrés Celcius. Il vous faudra donc trouver un moyen de survivre en explorant le centre, le tout présenté à la première personne.

Pour créer un univers plausible dans Near Death, les développeurs ont interviewé de véritables scientifiques de l’Antarctique, mais aussi des voyageurs qui ont exploré l’endroit le plus froid du monde. Même si le jeu correspond au genre survie et horreur, il n’est pas question ici de se retrouver nez à nez avec des bestioles à la The Thing ou autre film populaire. La lutte sera contre les éléments, c’est-à-dire la température glaciale et un environnement qui peut se métamorphoser sans crier garde et mener à votre mort. L’horreur prendra donc un tout autre sens : celui d’être isolé du monde, obligé de ramer à contre-courant dans des blizzards intenses à la recherche des membres du centre de recherche disparus sans avertissement.

Near Death est un jeu indépendant en développement sur PC (Steam), Linux et Mac en vue d’une sortie courant 2016. Voici une première bande-annonce…à donner froid dans le dos!

[video]https://www.youtube.com/watch?v=FBeKtTuidoY[/video]

Un magazine britannique spécialisé en jeux vidéo aurait révélé l'existence du jeu de guerre Call of Duty: Ghosts 2. L'information a été dénichée par un certain Mari Fernett qui a partagé une capture d'écran du magazine Games TM dans sa version février 2016 au site Fraghero. Le jeu apparaît sous une rubrique « Jeux les plus attendus de 2016 » et il est mentionné que le développeur Infinity Ward serait en charge du projet, ce qui ne va surprendre personne. Fait intéressant, Call of Duty: Ghosts 2 serait prévu au mois de novembre prochain à en croire l'article.

Games TM est un magazine en activité depuis plusieurs années, ce qui ajoute du poids à cette rumeur. Le magazine aurait donc confirmé l'existence de Call of Duty: Ghosts 2 par inadvertance. Du côté d'Activision, nous savions depuis le 11 février que l'éditeur préparait un nouveau titre de cette franchise et qu'il serait développé par Infinity Ward. Les astres s'alignent, d'autant plus que la conclusion du premier Call of Duty: Ghosts laissait la porte grande ouverte à une suite, comme c'est souvent le cas avec des franchises populaires.

L'article mentionne également d'autres jeux qui n'ont pas été confirmés : Battlefield 5 qui, à en croire la rumeur, prendrait place au cours de la Première guerre mondiale et un nouveau Need For Speed. Il est aussi question de Destiny 2, mais pas de choc ici car nous savions déjà que son développeur, Bungie, planifiait lancer le deuxième volet principal cette année (sans compter les extensions). Le cas de Call of Duty: Ghosts 2 demeure particulier car le premier jeu de ce nom n'avait pas fait l'unanimité. Sa campagne avait été lourdement critiquée pour son manque de toc et d'émotions. Un deuxième jeu dans cet univers devra améliorer cet aspect en plus d'offrir une expérience soignée pour espérer se frayer un chemin parmi les meilleurs vendeurs de 2016, une année chargée en jeux AAA.

Call of Duty: Ghosts 2 est sans doute planifié pour les formats PC, PlayStation 4 et Xbox One. Nous vous tiendrons informés des dernières actualités à ce sujet dès que possible.

Véritable découverte sur Wii, le premier Xenoblade Chronicles de Monolith Soft avait charmé les amateurs de jeux de rôle japonais. L’annonce d’une suite spirituelle en janvier 2013 avait donc été accueillie à bras ouverts, d’autant plus que la Wii U ne compte que très peu de JRPGs. Quelques années plus tard, j’ai enfin pu investir plusieurs dizaines d’heures dans la nouvelle production de Monolith Soft. Est-ce que la longue attente en vaut le coup?
Bienvenue sur Mira

La Terre a été anéantie dans la foulée d’un conflit opposant différentes races extraterrestres. À bord du seul vaisseau spatial qui a échappé aux forces ennemies, le White Whale, l’humanité ou du moins ce qu’il en reste tente de trouver une nouvelle planète à coloniser. Malheureusement, au bout d’un certain temps, le vaisseau est repéré par l’ennemi. Il est alors obligé de se poser en catastrophe sur une planète inconnue où l’existence d’une race entière renaîtra ou s’effacera.

La planète en question, Mira, en est une des plus spectaculaires. Composée de cinq continents aux caractéristiques uniques, des vallons de Primordia à la jungle florissante de Noctilum, les environnements sont à couper le souffle. Afin de rebâtir New Los Angeles (NLA), vous devrez explorer ce monde inconnu dans la peau d’un personnage libéré d’une capsule d’hibernation cryogénique en début de partie. Au contraire de Xenoblade sur Wii, l’avatar est personnalisé : il est possible de modifier la plupart de ses traits, en passant de la couleur des yeux à son style de chevelure.
xenoblade chronicles X
Reconstruire le monde, une baston à la fois

L’objectif principal dans Xenoblade Chronicles X n’est pas de reconstruire NLA. Bien qu’une priorité, la mission au cœur du jeu est celle de retrouver le Lifehold, un morceau du vaisseau White Whale qui s’est détaché à l’atterrissage et qui renferme l’essentiel de la civilisation humaine. Une race extraterrestre particulièrement sauvage tente également de mettre la main dessus pour en détruire toute trace. Les Ganglions représentent les méchants, motivés d’une faim insatiable de voir tous les humains disparaitre.

Pour mener à bien vos missions, vous devrez vous allier de personnages importants. Elma la première, celle qui vous sauve en début d’aventure, mais aussi Lin, prodige de la technologie du haut de ses 13 ans, de Lao, de Gwin, de l’adorable mais énervant Nopon nommé Tatsu, et bien plus encore. Au total, vous ferez équipe avec une tonne de héros aux personnalités et aux styles de combat différents. L’importance d’une équipe soudée fait toute la différence quand vient le temps de s’attaquer à la faune unique de Mira. Ici, les fans de Xenoblade premier du nom ne devraient pas avoir de problèmes. Les combats se déroulent en temps réel et les personnages sont contrôlés automatiquement sauf pour le personnage principal. Des attaques spéciales (Arts) sont déclenchées sur une palette en bas de l’écran. Suffit d’enchaîner les coups pour tuer un monstre, mais derrière ce système existe une certaine profondeur absente du premier Xenoblade.

Les combats sont en effet plus poussés avec la possibilité de choisir une classe avec son style de combat particulier. À force de gagner de l’expérience, ladite classe vous donne accès à des attaques ou des auras spéciales (Arts). Vous pouvez donc miser sur le combat à distance ou de mêlée et balancer le tout avec les autres membres de votre escouade (jusqu’à trois autres personnages). Une autre couche de complexité s’ajoute avec la présence des habiletés, lesquelles proposent des statistiques passives importantes. Il faut aussi prendre l’équipement en considération pour maximiser vos chances de réussite sur le terrain.

xenoblade chronicles X
Un monde de possibilités

Xenoblade Chronicles X ne s’explique pas très bien et cette caractéristique posera sans doute problème aux néophytes de la série. Même si j’ai investi plus d’une centaine d’heures sur Wii, la suite spirituelle m’a causé des problèmes. Pas tant au niveau des combats que de l’ensemble des systèmes mis en place et mal expliqués. J’ai même été obligé de consulter le manuel virtuel du jeu pour comprendre une mécanique à peine effleurée (mais cruciale). Le jeu de rôle a des proportions démesurées, tant un point positif que négatif en ce qui me concerne. D’une part, le monde en est un sublime à explorer avec ses environnements vertigineux, pittoresques et immenses. D’autre part, le scénario en écope, bien moins ficelé et surtout moins présent que celui du premier Xenoblade.

Avec cette suite spirituelle, Monolith Soft a vu grand. Très grand. À tel point qu’il est facile de comparer Xenoblade Chronicles X à un MMO. Tant au niveau de la présentation que du contenu tel quel, le jeu de rôle emprunte une tonne d’éléments fâcheux à un genre qui ne se traduit pas très bien sur console. Plus précisément, les quêtes ne sont pas du tout mémorables. Elles se limitent à trouver un ou des objets, tuer un ou des monstres et c’est à peu près tout. Même le scénario principal ne diffère pas beaucoup sur ce plan, ce qui m’a laissé un peu sur ma faim.

xenoblade chronicles X
Une tâche colossale

Xenoblade Chronicles X est un jeu avec une tonne de contenu. Si vous pouvez excuser ses éléments MMO avec notamment des quêtes insipides à souhait, le jeu vous récompensera. Explorer Mira est un véritable plaisir. Le travail des développeurs à ce sujet est colossal, rien de moins. J’ai joué plus de 50 heures et un des continents m’est toujours inconnu ou presque. Toutefois, j’aime développer les missions secondaires afin de maximiser les relations entre personnages. Ce système était présent dans le premier Xenoblade (affinités). Bien que moins à l’avant-plan dans cet épisode, il n’en demeure pas moins important pour débloquer des missions spéciales ou des cinématiques uniques.

Longtemps après avoir apprivoisé les bases du jeu, Monolith continue d’ajouter de la complexité. Après 30 à 40 heures selon votre rythme, vous obtiendrez un Skell, ces robots de combat géants qui ouvrent une toute nouvelle dimension tant à l’exploration qu’aux combats. Obtenir sa licence n’a rien de facile, mais au bout du compte le jeu en vaut la chandelle. D’autant plus que vous pouvez modifier ces machines de guerre comme bon vous semble avec de l’équipement spécial.

Autant de mots et je n’ai que survolé les systèmes du jeu. Sans tout couvrir, j’aimerais souligner que pour une fois, un développeur a fait bon usage du Gamepad. L’exploration de Mira passe par la pose de sondes que vous pouvez voir en tout temps sur le périphérique. De plus, le Gamepad est très utile pour voyager d’un point à l’autre sur la carte. Rien de très complexe, mais une fonctionnalité qui n’en demeure pas moins importante sans être gênante.

xenoblade chronicles X
Place à la musique

Composée par Hiroyuki Sawano, la trame sonore est excellente mais inégale. Je ne suis pas fan des chansons avec paroles dans Xenoblade Chronicles X, à mon avis elles détonnent trop de l’ambiance générale. Le problème est exacerbé au cours de certaines cinématiques où il est difficile d’entendre les personnages en raison de la musique (et de ses paroles). Les autres morceaux sont incroyables, au point de concurrencer Satorl Marsh dans le premier volet. Je pense que la trame sonore est un iota inférieure à celle de Xenoblade sur Wii, ce que j’explique en partie par l’absence du groupe Ace+. La différence n’est pas énorme cependant, mais les morceaux avec paroles cassent trop par rapport au reste.

Unis pour la cause

Autre « preuve » que Monolith fait dans le MMO avec Xenoblade Chronicles X, le studio a préparé quelques fonctionnalités en ligne. À chaque fois que vous démarrez une partie, vous serez amené à rejoindre une escouade. Les détails à ce sujet sont un peu vagues, mais en tuant des ennemis spécifiques, vous obtenez des coupons spéciaux à échanger contre des récompenses uniques. Il y a une poignée de missions à réaliser en équipe avec d’autres joueurs, dont certaines se concentrent sur des affrontements de monstres clairement impossibles à tuer qu’avec l’aide de joueurs supplémentaires. Veuillez noter que les fonctionnalités en ligne ne sont pas intrusives du tout et je dirais même qu’elles sont effacées. Étant donné que mon test s’est échelonné sur une période de deux semaines, je n’ai pas pu vraiment tester cet élément. Les serveurs se déconnectaient souvent et les joueurs étaient peu nombreux pour une raison évidente.

xenoblade chronicles X
La beauté de l’inconnu

Je me suis souvent arrêté dans Xenoblade Chronicles X pour contempler la splendeur des paysages. Chutes d’eau, volcans, déserts, cratères, constructions extraterrestres, la variété ne cesse d’étonner. J’aime aussi le fait que Monolith nous récompense pour explorer avec des crédits, des costumes, de l’expérience ou des vues imprenables sur le monde de Mira. Le visuel épate sauf au niveau des modèles de personnages qui laissent à désirer. J’ai aussi noté quelques problèmes au niveau de l’affichage des textures dans New Los Angeles (la ville principale) même avec les quatre grosses mises à jour installées sur ma console. Il semble y avoir un problème de streaming des données surtout lorsque le personnage court pour se déplacer.

Il serait impossible avec la technologie actuelle d’afficher des environnements gigantesques et aussi peuplés sans recourir à un truc. Monolith a opté pour une solution intelligente où les monstres et autres éléments du décor s’affichent en fondu à l’écran, ce qui est beaucoup moins déplaisant que le pop-in habituel des autres jeux à aires ouvertes. J’aime aussi l’agencement des menus et le fait que nous pouvons choisir d’afficher ou non la grande majorité des informations à l’écran pour une expérience plus sobre.

xenoblade chronicles X

Verdict 4/5

Xenoblade Chronicles X est un jeu de rôle japonais ambitieux aux dimensions phénoménales. J’ai volontairement omis certains points de ma critique car je pense qu’il est important de le découvrir en sachant le moins de choses que possible, surtout au niveau de l’histoire, mais aussi des surprises recélées par les environnements, la conception des monstres, etc. Un joueur incapable de faire abstraction du style MMO de cette suite spirituelle ne devrait pas l’acheter à mon avis. Les quêtes sont vraiment répétitives et parfois frustrantes. Le jeu peine également à expliquer ses nombreuses fonctionnalités et je ne devrais pas avoir besoin de lire le manuel pour m’y retrouver. Il faut donc aborder Xenoblade Chronicles X en connaissance de cause. Au-delà de cette courbe d’apprentissage élevée se trouve un contenu accrocheur qui vous tiendra occupé au moins 200 heures voire plus pour tout découvrir. Le scénario principal, quant à lui, est d’une excellente durée même si vous évitez toutes les missions parallèles. En quelque sorte, Monolith a créé sa vision d’un MMO hors-ligne (avec quelques fonctions connectées), ce qui résulte en une expérience très différente de Xenoblade sur Wii. J’aime les jeux qui proposent une tonne de contenu donc j’ai été servi (et pas qu’un peu!). Après plus de 50 heures, je n’ai pas complété le scénario principal et j’ai exploré environ 25 % de Mira, c’est tout dire. Dans ce cas-ci, je crois que la pauvreté des quêtes est pardonnée par l’ampleur du monde et des possibilités. De plus, se balader en Skell dans des paysages pittoresques pour combattre des titans est une expérience inoubliable!

Après l’annulation crève-cœur de Silent Hills et l’annonce de son retrait des jeux développés sur consoles, Konami s’apprêterait à fermer son studio Kojima Productions à Los Angeles. L’information nous provient d’un gazouillis partagé par George Broussard, producteur et concepteur de jeu pour le studio 3D Realms. « DERNIÈRE HEURE : une rumeur m’informe que Konami a fermé le studio Kojima Productions à LA, coupant environ 35 emplois, juste avant Noël ».

Si cette rumeur s’avère fondée, quel avenir pour Metal Gear Online (MGO)? Kojima Productions est en charge de ce mode et de telles mises à pied mettraient en péril le développement de cet aspect du jeu Metal Gear Solid V: The Phantom Pain. Cette décision prouverait hors de tout doute l’abandon de Konami envers ses propres franchises, une réalité bien triste pour tous les fans qui suivent l’entreprise japonaise depuis ses débuts. Il ne reste qu’à souhaiter que Konami passe le flambeau par la vente de certaines franchises autrement destinées aux machines à sous Pachinko…

Bizarrement, le site officiel de Kojima Productions affiche toujours des offres d’emploi.