Advance Wars fut l’une de mes premières acquisitions sur la défunte GBA, promise d’une ludothèque luxuriante. Etant un grand fan de RTS et de tacticals notamment avec la saga Fire Emblem développée par la même firme (Intelligent Systems), quelques heures de jeu ont suffit à combler mes plus folles espérances et à m’acharner sur cette cartouche des années durant.
Mais l’interrogation traînant sur les lèvres du premier venu se résumerait par un simple « Pourquoi ? », oui pourquoi ce jeu à la réalisation banale suscite tant d’engouement ? Nous allons essayer d’analyser le succès d’Advance Wars à travers ces lignes, bonne lecture.




La recette d’Advance Wars peut ce synthétiser ainsi : simplicité, gameplay et plaisir de jeu. Ne nous attardons donc pas sur l’aspect technique mettant en avant une réalisation certes sommaire mais agréable, dotée d’un design accrocheur et d’animations de qualités lors des phases d’affrontements. L’ensemble conservera cette charte graphique bon enfant appréciée de tous jusqu’au 4e opus. Un petit côté cartoon très coloré qui contraste avec le thème traité.

Après un rapide tutorial on entre dans le vif du sujet, et il faut peu de temps pour mesurer la profondeur de jeu offerte. Un tactical au tour par tour à la fois accessible mais complexe, tel est le pari réussi par Intelligent Systems là ou Fire Emblem nécessite une certaine expérience. Autant finir le jeu en lui même n’est pas un exploit, autant remporter les diverses cartes avec les meilleurs rangs demandera un effort certain. Bien, essayons de résumer cela en quelques lignes, screens à l’appui pour faciliter la compréhension.
Durant la plupart des batailles vous aurez un objectif déterminé, généralement celui-ci ce limite à la destruction des unités adverses ou à la capture du QG. Vous devrez manier vos unités en respectant leurs capacités spécifiques et complémentaires. Ainsi les Tanks sont très puissants au corps à corps mais dans l’incapacité de ce déplacer en montagne, les Hélicoptères disposent d’une maniabilité exemplaire mais ont peu de potentiel destructeur, l’infanterie sera efficace pour capturer des bâtiments, etc… Chaque unité possède une force et une faiblesse qu’il faudra exploiter avec brio pour se sortir de situations initiales rarement à notre avantage. Sur les cartes vous observerez diverses constructions ; casernes, immeubles, ports, etc… qui ne demandent qu’à être capturée par vos hommes et vous permettront de construire des unités spécifiques. Plus vous possèderez de bâtiments, plus vous gagnerez d’argent en début de tour et pourrez donc acheter d’unités. A cela ajoutez des intempéries perturbant le déroulement des opérations et les pouvoirs spéciaux de vos généraux (réparation, bonus attaque, etc.) pour retourner en un instant le court de la bataille. Vos commandants ont d’ailleurs des capacités variables, certains seront plus puissant au corps à corps, d’autres à distance ou encore sur la mer, etc…, à vous de sélectionner le plus approprié pour mener à bien votre mission.

Difficile d’imaginer la portée du gameplay à travers un texte, et étant un grand fanatique de tacticals j’aurais tendance à minimiser mes propos si les critiques n’allaient pas unanimement dans ce sens. Un plaisir de jeu exceptionnel auquel un scénario prétexte et des musiques juste sympathiques deviennent anecdotiques. Advance Wars s’imposa de suite comme une référence du genre. Si les deux opus suivant sont d’une qualité au moins égale c’est bien celui-ci qui garde une place particulière dans mon cœur.




L’essentiel est dit puisque Advance Wars : Black Hole Rising (toujours sur GBA) et Advance Wars : Dual Strike (DS) n’apportent qu’un minimum de nouveautés et une durée de vie toujours plus conséquente, carrément titanesque même avec l’opus DS où j’ai dépassé les 50h de jeu pour un gros tiers de médailles obtenues... Ce dernier volet propose toutefois l’utilisation des deux écrans de la machine mais ne change fondamentalement rien au gameplay. Une prise de risque minimum, et comment leur reprocher vu la perfection atteinte par le premier volet. La note qui suit concerne ces 3 jeux.




C’est maintenant qu’intervient Advance Wars : Dark Conflict, opus très attendu du fait d’un graphisme renouvelé. Un style bien différent, plus sombre, qui inquiète et suscite la curiosité. Des critiques mitigées louant principalement les qualités on line du soft, voici mon opinion générale sur ce dernier épisode DS.

Si l’on veut faire les choses dans l’ordre le premier désagrément intervient avec les menus du jeu, moins lisibles et agréables que ses prédécesseurs. Anecdotique ? Je vous l’accorde… L’introduction nous met de suite dans le bain, relatant une catastrophe mondiale recouvrant la terre de centres et plongeant le monde dans le chaos. De manière générale le scénario est davantage travaillé dans cet opus, impression peut-être du au design plus réaliste des personnages à l’image d’un Fire Emblem. Cette tournure se répercute donc dans les graphismes, plus sombres et matures. En résulte des animations de combat moins nettes et agréables que précédemment, mais cela reste un choix des développeurs et l’ensemble colle parfaitement à l’ambiance de ce Dark Conflict. On si habitue vite au profil d’un gameplay toujours aussi jouissif, mais je trouve que le charme opère moins.




Au rayon des nouveautés cet épisode régresse presque, si ce n’était sans l’apport de quelques unités supplémentaires (le porte-avion ! ) et d’une utilisation différente des pouvoirs spéciaux. De plus si la durée de vie s’avère toujours aussi dantesque elle se révèle moins conséquente que dans Dual Strike. Cela dépendra en fait de votre façon d’aborder le on line et le mode scénario qui comprend toutes les cartes “notées” (26 missions plus une quarantaine de maps annexes). Une fois cette partie terminée, guère plus de 30h sans paufiner ses scores, le challenge retombe énormement. Ainsi le nombre de médailles à débloquer reste inférieur à Dual Strike, dommage. Quant au jeu en ligne je vous avoue ne pas m’y investir beaucoup, l’impossibilité de choisir la carte et donc la durée de la partie me gène, bien qu’affronter un autre joueur s’avère très motiant.

Malgré quelques bémols relevés plus haut ce dernier épisode ne remet pas en cause la qualité globale de la série, on reste en terrain connu avec un gameplay toujours aussi bon. Le changement d’orientation graphique peut rebuter, personnellement je supprime vite les animations de combat afin d’alléger la progression et je n’ai donc plus fait attention au contexte.
Advance Wars: Dark Conflict confirme mon amour pour cette saga, et si Intelligent Systems n’avait pas osé un changement graphique nul doute que d’autres mécontents se seraient manifestés. ^^ L’amputation d’un point au verdict final marque seulement mon attachement à l’ambiance si spécifique des premiers volets.




Ce dossier arrive à son terme, j’espère avoir été à la hauteur et vous invite à réagir ci-dessous. Merci à ceux qui ont lu jusqu’au bout, je m’exile désormais pendant une semaine avec MGS 4. ^^

Il va m’être difficile de rédiger ce test sans un maximum d’inspiration, car je souhaite faire honneur au jeu et ne pas décevoir les nombreux fans. En laissant une marque impérissable dans le monde vidéolutique Shadow of the Colossus a non seulement marqué ma vie de joueur, mais s’impose également comme l’un des softs les plus innovants et original de cette dernière décennie. Il est temps de prendre mes responsabilités, redécouvrons ensemble cet univers onirique où réside de véritables géants mythologiques.

L’introduction débute sur un jeune cavalier qui arpente le chemin vertigineux d’une montagne, et, accompagné d’une douce mélodie, entre dans un domaine inconnu. La frontière entre le monde réel et ces territoires inexplorés se marque par un immense aqueduc reliant la falaise à un temple majestueux. Son long corridor orné d’immenses statues à l’effigie d’anciennes divinités s’achève par un autel sur lequel notre homme dépose le corps inerte de sa bien aimée. Les premières minutes dégagent une étrange mélancolie et renvoient une atmosphère calme, sereine, mais aussi mystérieuse et envoûtante. Le jeu n’a pas commencé que l’on est déjà dans l’ambiance, car c’est la toute la force de Shadow of the Colossus qui offre un monde fantastique bercé de magie. L’univers immense s’explore avec un cheval comme seul moyen de locomotion, Agro, votre fidèle monture et compagnon de solitude dans ce territoire. Mais cette étonnante immersion serait impossible sans une solide réalisation. Ainsi comme rien n’est laissé au hasard on retrouve une 3D fine, des textures réalistes aux teintes terreuses et servies par une animation exceptionnelle. Les colosses s’avèrent somptueux et il faut les voir en mouvement pour réaliser l’ampleur technique du jeu. L’ensemble s'avère gratifié d’une mise en scène impressionnante ainsi que d’un design inspiré. L’architecture du monde dégage une puissance folle, en résulte un émerveillement visuel permanent.
A cette ambiance divine vient se greffer des compositions non moins somptueuses. Des thèmes d’une puissance folle lors des affrontements épiques, et d’autres pistes bien plus calmes et reposantes nous renvoyant vite à la solitude du monde exploré. Une bande son magistrale qui sait aussi se faire discrète au profil des bruitages environnants.




Tout commence donc dans cette citadelle, lieu de repos récurrent après chaque victoire sur les 16 colosses du jeu. Wanda souhaite ramener sa bien-aimé à la vie, quitte à y laisser la sienne en affrontant les gardiens de ces terres. Ainsi au fil du temps le corps de notre héros se décompose, son corps estropié devient de plus en plus fragile mais sa détermination reste inébranlable. Le scénario de Shadow of the Colossus est plus ou moins inexistant, tout dépend de votre façon d’aborder le jeu. Ce manque de trame scénaristique ne peut qu’accentuer la vraisemblance et l’émotion de la quête qui nous attend.
Cependant venons-en à l’essence même du soft ; son gameplay si particulier. Pour résumer les déplacements se font soit à cheval, soit à pied, mais l’exploration s’effectue principalement avec Agro sous peine d’une avancée archaïque tant le territoire est immense. Wanda prend le relais pour les phases de plate-forme précédents les chocs titanesques avec les colosses. C’est là que le néophyte lisant ce test (ou pas) se demande ; « Il est bien gentil mais j’ai toujours rien compris au gameplay ». Patience mes amis, patience. Tout est calculé pour vous pousser à lire jusqu’au bout (ou pas bis).
Après une petite séance d’escalade, servant accessoirement de tutorial, nous voici sur un plateau avec une cinématique qui introduit le premier colosse du jeu dans une mise en scène épatante… On reste perplexe quelques minutes, puis on réalise enfin que l’objectif est d’affronter cette montagne vivante. L’approche est hésitante mais il faut donc escalader l’ennemi et lui porter des coups aux points faibles marqués d’un idéogramme bleu. Ceux-ci ne sont pas toujours visibles et votre ascension imposera des techniques variées. Ainsi le premier colosse se dompte facilement : quelques coups d’épées aux pattes lui mettront un genoux à terre, ce qui offre la possibilité de monter jusqu’à la taille, puis la tête. Une touche maintenue enfoncée permet de vous agripper à ses poils uniquement, il ne reste plus qu’à vous déplacer avec le joystick, sauter si nécessaire, et trouver une nouvelle « surface » exploitable. Mais on ne peut pas rester accroché indéfiniment, une jauge se vide et une fois à zéro Wanda lâche prise, d’où le challenge de savoir se reposer de temps en temps en jouant aux équilibristes. Difficile d’expliquer ceci sur le papier, je n’ai pas le talent nécessaire pour définir limpidement un tel système et vous incite donc à l’achat du jeu (facile j’avoue, et pourtant je ne touche aucunement des dividendes de Sony). J’en termine avec la jouabilité pour préciser que notre héros dispose d’un arc (indispensable pour toucher certains points vitaux) et que l’aide d’Agro sera souvent prolifique pour mener à bien une bataille. De plus j’ai cité volontairement l’exemple basique du premier colosse, mais les techniques pour les suivants s’avèrent parfois difficiles à cerner puisque leur variété est de mise.




Il me reste à parler de la durée de vie relativement faible (guère plus de 10h pour une première partie) mais qui se complète une fois l’aventure finie par un mode contre la montre et un niveau de difficulté supplémentaire. Si vous cherchez des points négatifs seul la caméra peut légèrement ternir le tableau, difficile à gérer tout en combattant.

Shadow of the Colossus reste à ce jour le jeu m’ayant le plus marqué avec Okami, sans tomber dans le mélodramatique je pourrais même employer le terme « bouleversant ». Je vous conseille de jouer sur grand écran (écran plat et PS3 rétro étant la solution idéale) pour profiter au maximum des sensations offertes. Quant à ceux qui restent sceptique sur le gameplay dites vous que je l’étais également, mais cela ne m’a pas empêché de réaliser un test passionné deux ans après ! Voilà j’espère n'avoir déçu personne avec cette critique sensible, nul doute que je ne suis pas seul à considérer ce jeu comme un chef d’œuvre absolu.

Odin Sphere est probablement le dernier RPG de qualité, avec Wild Arms 5 et Persona 3, dont bénéficiera la Playstation 2. Edité sous nos latitudes par Square-Enix mais développé par Atlus, Odin Sphere se pare également d’une traduction Française contrairement aux jeux précédemment cités. Une initiative louable pour ce soft perdu dans la masse médiatique relative aux Next Gen. Je vous propose maintenant de découvrir un formidable action-RPG à l’esthétique exceptionnelle.

En effet commençons par la qualité évidente d’Odin Sphere : sa réalisation. La 2D n’est pas encore morte et Atlus nous le prouve ici de la plus belle des manières. C’est simple, la PS avait son Legend of Mana, la Game Cube son Baten Kaitos, et la Playstation 2 son Odin Sphere ! Des sprites d’une finesse et d’une taille incroyable, une animation exceptionnelle, un design formidable, une palette de couleurs enivrante, et pour finir des décors magnifiques. Rien que ça. ^^ Concernant ces derniers on regrettera un certain manque de variété, nous verrons que le jeu impose un déroulement répétitif mais cela aurait pu exclure des tableaux quasi identiques dans chaque zones. Bref c’était histoire de poser un vague bémol sur la réalisation, car l’ensemble justifie à lui seul l’achat du jeu tant il émerveille.




Mais tout le monde s’accorde à dire que la technique n’est pas le critère primordial dans un jeu vidéo, et c’est d’autant plus vrai lorsqu’il s’agit d’un RPG. Nous avons ici un gameplay vraiment atypique, déstabilisant même. Odin Sphere se déroule en scrolling horizontal, tel un Castlevania pour vous donner une référence connue, et propose des niveaux circulaires. Je vous vois froncer les sourcils ; comprenez qu’en allant toujours droit devant vous ferez une boucle jusqu’à regagner l’entrée. Odin Sphere offre 5 scénarios distincts, chacun nous faisant découvrir un point de vue différent sur les nations en guerre. Vous commencerez dans la peau d’une Valkyrie, fille du roi démon Odin, puis contrôlerez un étrange Pooka, une elfe, un guerrier noir, et le petit chaperon rouge version hot… (elle était nulle mais il fallait que je la fasse, j’assume et ceux qui y ont joué comprendront XD). Chacun de ces personnages propose un gameplay différent et une approche inédite des combats. Heureusement à vrai dire, car une fois le premier livre terminé préparez-vous à recommencer les mêmes mondes dans un contexte divergent et avec quelques variations. L’histoire avance par chapitres, tous similaires dans la construction ce qui donne un déroulement linéaire, répétitif, et auquel tout le monde n’adhèrera pas.
Les innovations continuent avec la montée en expérience qui n’est plus le fait du nombre de monstres occis, mais fonction de votre alimentation. Ainsi vous devrez planter diverses graines récoltées dans les niveaux, les faire pousser avec les phozons libérés par les cadavres ennemis, et ramasser l’aliment avant qu’il n’arrive à maturité. Cette pratique devra être complétée avec les restaurants qui proposent des plats plus performants en échange des matières requises. Une étape indispensable à votre progression qui demandera des heures d’investissement. Ces mêmes phozons sont aussi vitaux pour l’emploi des sorts. Ainsi après avoir tué un ennemi vous aurez le choix entre remplir votre barre de magie ou faire pousser des items. Cruel dilemme. Le système de combat reste assez simple et demande de matraquer intelligemment la manette. Intelligemment ? Et oui car le jeu s’avère très dur et nécessite un bon timing, de la patience lors de certains affrontements, et surtout une bonne gestion de l’inventaire.




La trame d’Odin Sphere est très intéressante, exploitant des thèmes propres à la guerre. Chaque nation convoite le chaudron, un artefact magique au pouvoir divin, et l’histoire comporte sa dose de complots et trahisons. L’ensemble s’avère assez classique mais reste fort bien conduit, tous les scénarios étant liés pour petit à petit reconstruire le puzzle jusqu’à mener au livre final et aux combats majestueux qui s’ensuivent. Une aventure sombre, travaillée, mais parfois « hachée » par un gameplay assez rigide.
L’univers du jeu propose le bestiaire désormais typique : dragons, nains, elfes, sorciers et j'en passe, mais possède un charme propre. Derrière ce classicisme soupçonné le design et le graphisme suffisent à renvoyer une atmosphère unique, et en rajoutant des voix Japonaises réussies et de belles compositions on obtient une ambiance jouissive.

Odin Sphere est un action-RPG particulier. Son gameplay peu accessible reste à double tranchant, j’ai pour ma part totalement adhéré au système et ai pris un plaisir énorme à traverser ce monde onirique. Enfin sachez que le jeu nécessite un acharnement monstre tant la difficulté est relevée, mais néanmoins pensée pour offrir un confort maximum avec des check points surabondants et la possibilité de sauvegarder à tout moment. Voilà, j’espère ne rien oublier et vous avoir donné l’envie d’essayer ce formidable RPG.

Mistwalker, après un Blue Dragon réussi, développe un nouveau RPG plein d’ambition sur 360. Plus mature, plus beau, à l’ambiance alléchante et regroupant divers grands noms de la Japanimation (Sakaguchi, Uematsu, Takeshi Inoue), Lost Odyssey séduit dès les premiers screenshots et s’annonce comme le digne concurrent des Final Fantasy. Seulement les médias ne l’entendent pas ainsi et descendent le jeu lors sa sortie. Mais que vaut donc réellement ce Lost Odyssey ? Réponse si dessous.

Après avoir apprécié Blue Dragon mais en restant relativement sur ma faim, j’attendais énormément de ce Lost Odyssey. Malheureusement suite aux diverses critiques ma joie fut de courte durée. C’est en voyant les avis positifs de nombreux joueurs que j’ai choisi d’investir malgré tout dans ce RPG tant controversé.

L’introduction révèle de suite un point étrange du jeu : le design. On aimera ou non le travail de Takeshi Inoue, pour m’a part je le trouve très inégal avec des personnages superbes et d’autres frisant le ridicule. Graphiquement le constat est positif ; une 3D assez fine, des animations réussies, et des décors pour la plupart superbes. Ce n’est pas la claque de l’année mais sur ce point Losy Odyssey tient la route.
Ainsi on plonge directement dans l’enfer de la guerre, contrôlant un certain Kaim et défiant les soldats ennemis par dizaines. Notre héros au design atypique s’avère immortel et vagabonde dans ce monde depuis plus de 1000 ans. La tournure des évènements vous fera rencontrer d’autres immortels, l’intrigue tournant autour d’eux et de leurs souvenirs égarés. Ceux-ci se découvrent au fur à mesure du jeu sous la forme de (très) longs textes relatant des moments précis de leur vie. Un procédé peu dynamique mais qui offre des histoires souvent intéressantes. Le scénario m’a donc agréablement surpris, et il aurait encore gagné en crédibilité si le grand méchant n’était pas si peu charismatique et si le jeu des acteurs lors des cut-scenes s’avérait un poil meilleur. Bref retenez une intrigue travaillée, sombre, et qui se suit avec plaisir.




Très RPG à l’ancienne dans son déroulement Lost Odyssey apporte cependant quelques innovations. Ainsi notre groupe peut combattre avec 5 personnages simultanément répartis sur 2 lignes distinctes ; avant et arrière, cette dernière étant protégée tant que la première ligne ne subit pas un certain montant de dégât. Reprenant le principe de la gâchette avec Squall dans FFVIII, vous aurez aussi un timing à négocier pour augmenter les dégâts de votre coup. L’apprentissage des capacités demande de lier vos héros entre eux. J’explique. Vos persos « normaux » apprennent leurs skills au fur et à mesure du niveau, mais les immortels doivent être liés avec l’un d’en eux, choisir la capacité voulue propre au personnage ciblé, et gagner le nombre de PC requis pour l'apprendre définitivement afin d'en sélectionner une nouvelle. Plus simple dans le contexte que sur le papier ne vous inquiétez pas. ^^ Bref au final les combats sont plaisant mais souffrent d’une lenteur et d’un manque de dynamisme évident.
Le meilleur atout de Lost Odyssey réside selon moi dans ses compositions. Nobuo Uematsu nous livre ici une superbe bande son, mélancolique, parfois discrète, mais aussi rythmée et en tout cas toujours agréable. Soulignons néanmoins quelques difficultés de la part du maître à renouveller ses thèmes avec cœur et choristes, même si l’ensemble reste très puissant. Au final un travail auditif fort appréciable, soutenu par des voix (ici Japonaises) adéquates.





Si j’ai souligné la qualité de la bande son c’est pour terminer avec l’autre gros atout du soft ; l’ambiance. L’univers de Lost Odyssey est beau, vaste, varié, et le fait de côtoyer des immortels au passé souvent tragique renforce cette profondeur affichée. Les environnements sont très attachants et les villes suffisamment grandes pour assurer une immersion géniale, d'autant que l'aventure s'avère longue.
Ce test touche à sa fin et il me reste à lui incomber deux critères qui vont influencer négativement la note finale. Premièrement la fiabilité de la console alliée à la finalisation du jeu fait que les freezes et autres plantages sont assez fréquents. Autant vous dire que l’on joue parfois la peur au ventre à guetter le moindre point de sauvegarde, le comble ! La faute à la console ? (je possède une des premières versions), au jeu en lui même ? Probablement les deux, cela reste inexcusable et devient une habitude avec la génération actuelle…
Le deuxième point, moins important mais qui nuit également au confort de jeu, est une difficulté bizarrement dosée proposant tantôt des boss très faciles, tantôt un enchaînement donjon / boss sans point de sauvegarde, ou encore des ennemis aléatoires vite problématiques. Bref ce sont des détails certes, mais c’est à cela que l’on reconnaît les grands jeux.

Ne finissons pas sur une note négative, Lost Odyssey s’impose comme un excellent RPG, sans pour autant détrôner Eternal Sonata au sommet du genre sur 360. Prochain challenger ; Mass Effect.

Vagrant Story fait parti de ces softs qui ont réellement marqués ma vie de rôliste, de joueur même. Encensé par la presse Nippone et Américaine il débarque chez nous au court de l’année 2000, et, aubaine, dans une version entièrement localisé.

Le jeu s’ouvre sur un opening génial, nouvelle démonstration de la maîtrise des développeurs en matière d’image de synthèse, et l’ensemble accompagné par une musique prenante. L’épopée commence.

Tout débute avec cette sinistre affaire d'enlèvement du fils du Duc Bardora. Ashley Riot, membre d’une troupe d’élite nommée les Riskbreakers, va s’efforcer de retrouver l'enfant disparu. Ainsi à la poursuite de Sydney, leader d’une secte aux sombres intentions, vous vous enfoncerez dans la citadelle de Léa Mundis et vous rapprocherez de plus en plus de son terrible secret. Votre périple se déroulera sur une île mystérieuse au passé plutôt funeste, regorgeant donc de mort-vivants, spectres, et autres dragons gigantesques. Derrière cette rapide ébauche de scénario et évocation du bestiaire j’en arrive au premier point fort de Vagrant Story : l’ambiance.

Celle-ci doit beaucoup au style graphique utilisé, un moteur 3D exemplaire emprunt d’un style unique. L’animation et la fluidité s’avèrent irréprochables, les textures sont variées, fines, et volontairement sombres. Le design général résulte d’une inspiration subtile, que ce soit via des personnages tous plus charismatiques les uns que les autres ou des décors à la fois réalistes et fantaisistes qui se laissent traverser avec enchantement. Un univers chevaleresque représenté par une architecture sans faille et d’une justesse éblouissante. Si le jeu est doté d’une mise en scène grandiose, il se pare aussi de dialogues s’exécutant sous forme de bulle, à la manière d’une bande dessinée. Quoi de plus atypique donc, rien que l’aspect technique offre déjà une immersion fantastique et un confort visuel total. Une claque sans nom pour l’époque. En dehors de la réalisation Vagrant Story puise également sa force dans des thèmes de toute beauté. Une bande son très axée sur l’ambiance qui alterne en une seconde des moments de grande quiétude à un passage brutal et violent. Un accompagnement musical qui pousse donc l’atmosphère à son paroxysme, comme si ça ne suffisait pas.





Il est temps de s’attarder sur le gameplay, et il y a de quoi dire. Le système de combat tranche avec nos habitudes et s’avère plutôt difficile à assimiler. J’étais assez jeune lors de ma première partie, et je me rappelle avoir galéré comme un diable pour terminer le jeu. Cela était principalement dû aux forges et à la spécialisation des armes (suivant un type d'ennemi) qui représentent une étape indispensable pour progresser correctement.

Concrètement les combats se déroulent ainsi : dès que vous passez en mode d'action (il suffit de dégainer son arme) le temps s'arrête, et une sphère délimitant votre portée d’attaque vous entoure. Si un ennemi se trouve à l’intérieur vous pouvez alors tranquillement sélectionner la partie du corps à découper en fines lamelles. Les chances de toucher en seront bien sûr dépendantes, tout comme les dégâts occasionnés. Pour ceux qui ont le sens du timing un système de combos bien pensé permettra de se déchaîner. Une fois le coup donné, si votre initiative et supérieur à celle du monstre, vous pouvez à nouveau activer la sphère. Voici le seul point que j’ose reprocher à Vagrant Story, mais malheureusement c’est d’une importance capitale. En effet, on fini par s’habituer mais les affrontements ne sont pas d’un grand dynamisme et deviennent vite rébarbatifs. Ceci n’engage que moi bien entendu, mais c’est d’autant plus dommage que le gameplay reste très complet, proposant de surcroît diverses énigmes et phases de plate-forme.





Avant de clore ce article j’aimerais revenir sur le scénario qui, si vous ne pouvez en juger via le traditionnel résumé ci-dessus, s’avère d’une complexité et d’une richesse affolante. Une des intrigues les plus marquantes à laquelle j’ai assisté, dirigé magistralement par des protagonistes hors norme. Le climat mystérieux voir carrément malsain qui se dégage du titre, confère à l’univers de Vagrant Story un charme envoûtant.

Un soft inhabituel qui malheureusement pèche par un système de combat particulier m’ayant moyennement convaincu, mais ce défaut est vite pardonné au regard du reste. Un RPG de grande qualité, à découvrir ou redécouvrir.

Toujours dans un soucis d’alterner les genres, voici un beat’em all annoncé comme le premier killer’ap de la console. Pourtant devant cette complaisance de la presse spécialisée à encenser le moindre screen pour finalement retourner sa veste, je n’ai jamais vraiment rien attendu de Heavenly Sword. C’est donc en toute neutralité que je vais vous parler de mon premier jeu PS3.

Si il y a une chose que personne ne reproche à Heavenly Sword c’est bien l’excellence de sa réalisation. Le titre est somptueux, offrant des combats stylisés et des décors emprunts de poésie qui envoûtent immédiatement. Les cinématiques sont travaillées et possèdent une réelle puissance visuelle. Et je n’insiste pas sur le nombre de protagonistes affichés à l’écran lors de certaines scènes, hallucinant ! Malheureusement quelques saccades gâchent un peu l’ensemble même si l’animation reste grandiose. Mais ces ralentissements récurrents s’avèrent parfois gênants, particulièrement en plein combat. A ce niveau le gameplay propose de switcher entre 3 styles, qui sont plus ou moins efficace selon l'adversaire. Notre héroïne possède une classe folle et démembre les hordes ennemis avec un charisme impressionnant. Dommage que l’impact et la puissance des coups semblent un peu légers.
Les combats se révèlent assez vite répétitifs, mais Heavenly Sword apporte un minimum de nouveauté avec l’utilisation du sixaxis qui mettra votre habileté à l’épreuve. Ces phases assez délicates ont d’ailleurs déclenchées diverses polémiques, à tort: ceux qui les apprécient comme moi peuvent en profiter, les autres peuvent paramétrer les commandes de façon plus classique. Malgré cela et si la structure du jeu s’avère parfois monotone, les développeurs ont fait intervenir un deuxième personnage jouable, la petite Kai, au gameplay sensiblement différent puisqu’elle utilise une arbalète et sera vite vulnérable au corps à corps contrairement à sa grande sœur. J’ai failli oublier de mentionner les prises de notre héroïne, qui suivant le bon timing exécutera une chope de grande classe et achèvera l’ennemi de façon peu commune.




Le titre nous conte l’histoire de Nariko, une jeune femme dont le clan est chargée de protéger l’Heavenly Sword, l’épée des dieux. Elle et son peuple sont poursuivis par l’ignoble tyran Bohan qui convoite l'arme ultime. Rien de transcendant mais le scénario reste honnête, bénéficiant de cinématiques très réussies, tant au niveau de la réalisation, de la mise en scène, et du doublage. Niveau sonore d’ailleurs notre titre s’en sort remarquablement, avec des musiques et des bruitages de qualités.
Finalement on reprochera surtout une durée de vie ridiculement faible (malgré un dernier boss épuisant XD). D’ailleurs ceux-ci sont bien présents, sans réel charisme ils ont le mérite de faire le boulot correctement à contrario du bestiaire général qui apporte peu de variété.
Mon verdict final est bon, voir très bon. J’ai été agréablement surpris après tous ces tests relativement sévères, et si le gameplay n’atteint pas la jouissance procurée par un God of War, Heavenly Sword n'en reste pas moins un beat’em all de qualité, emprunt d’un style propre avec son héroïne atypique.

Le dossier Metal Slug n’a pas fait beaucoup d’émules, dommage, mais revenons donc au genre privilégié de mon blog : le RPG. Et en la matière on ne peut pas dire que la Game Cube nous ait vraiment gâtée. Seulement il suffit d’un jeu, d’un seul, pour faire pencher la balance en faveur d’un hardware jusqu'alors moyen.

Pour moi Baten Kaitos représente le messie, un jeu hors norme arrivant par je ne sais quel miracle dans nos latitudes, et traduit intégralement qui plus est. Nous apprendrons à nos dépends que le miracle ne se reproduira pas, mais pour l’instant contentons nous du soft en présence.
Comme à la grande époque de la Playstation avec ses FF et autres Chrono Cross on retrouve des décors en 2D pré-calculée d’une beauté généreuse. Passer des minutes entières à contempler un tableau l’air béat sera chose courante. Rarement un titre n’aura été aussi fantastique d’un point de vu visuel, les environnements d’une grande originalité fourmillent de détails et renvoient une ambiance merveilleuse. Malheureusement cette originalité s’avère à double tranchant car le design ne plaira pas à tout le monde. On repasse à une 3D déjà plus courante pendant les affrontements, mais celle-ci reste suffisamment soignée pour ne pas remettre en cause la qualité graphique du soft.




Baten Kaitos ne se contente pas d’une esthétique incroyable, il offre également un gameplay totalement inédit. Le système de combat fait intervenir un jeu de cartes, certaines basées sur l’attaque, d’autres sur la défense et le soutient. Je ne vais pas me risquer dans des explications aussi longues qu’incompréhensibles, mais en abrégeant le but sera de se constituer un « deck » équilibré pour chaque personnage, en enchaînant si possible les combos. Ceux-ci peuvent apparaître après une suite (suivant les numéros) ou encore via des cartes identiques par exemple. Vous aurez autant les yeux rivés sur vos cartes que sur le combat en lui-même, sous peine d’être rapidement pris de vitesse. J’avoue manquer de courage pour expliquer l’ensemble en détail mais retenez une chose : premier sceptique quant à l’utilisation de ce procédé dans un RPG j’ai vite retourné ma veste. Le gameplay mis en place dans Baten Kaitos s’avère d’un dynamisme insoupçonné et d’une complexité justement dosée. Accessible mais intelligent le jeu propose aussi des interactions allant de paire avec les énigmes parfois perverses des donjons. Pour finir la progression est d'autant plus plaisante que les ennemis sont visibles à l'écran.




Derrière la bande son nous retrouvons un nom connu, Motoi Sakuraba, et son travail mérite une ovation. […] Plus fort s’il vous plait. […] Merci. Délire mis à part les musiques sont d’une inspiration remarquable et d’une grande variété. Une OST grandiose, parmi les meilleures du monsieur ce qui n’est pas rien lorsque l’on se réfère à son palmarès. ^^
Quoiqu’il en soit les compositions s’incorporent à merveille dans cet univers onirique, composé de plusieurs îles flottantes tel un Skies of Arcadia. Mais le monde est menacé par le vil Geldoblame qui tente de réunir les cartes ultimes de la destruction. Ainsi notre héros, Kalas, et toute une panoplie d’énergumènes vont s’unir contre ce mal, qui n’est bien sur que la partie émergée de l’iceberg. La trame narrée s’avère très soignée, souvent sombre et adulte malgré un design qui laisse penser l’inverse. Petit à petit l’histoire va de surprise en surprise, et c’est avec le recul que l’on apprécie vraiment la richesse du scénario.

Les éloges ne s’arrêtent pas là et décidément Baten Kaitos accumule les bons points puisqu’il se paye le luxe d’une durée de vie très raisonnable. Un RPG grandiose, inespéré, qui en plus d’être le meilleur de la console se hisse également parmi les plus grands du genre. Deux trois défauts tout de même, comme les villes souvent composés de quelques écrans seulement, ou encore un Character design parfois douteux. On remerciera Namco pour ne pas avoir pas localisé le second volet, mais qu’importe, les faits sont là et ce Baten Kaitos, sobrement sous titré « les ailes éternelles et l’océan perdu » relève du pur chef d’œuvre.

Après deux tests d’envergure j’ai choisi un sujet radicalement différent. La série des Metal Slug ne vous est certainement pas étrangère, débutée en 1996 elle prospère encore de nos jours avec des compilations sur divers supports. Mes connaissances se limitent aux épisodes suivants: Metal Slug : Super Vehicle, 2, X, 3, 4, et 5. Cinq volets et demi (le X étant un remix des deux premiers) que je vais traiter comme un ensemble.

J’ai longtemps associé un sentiment à cette série: la frustration. Ne me regardez pas ainsi, je vais m’expliquer. ^^ Comme beaucoup j’ai d’abord découvert Metal Slug via l’arcade. Encore jeunot dans ces années 90 je regardais plus que je ne jouais, et lorsque, enfin décidé à mettre 10 fr dans la borne, c’était pour une partie bien éphémère. Derrière ce passage fort inintéressant de mon adolescence se cache deux idées principales. D’une je me suis réellement investi dans cette saga que bien plus tard, et de deux la difficulté hallucinante en est presque devenu sa marque de fabrique.
Bon essayons de structurer un minimum mon dossier, car j’en oublie l’essentiel. Metal Slug est un shoot 2D en scrolling horizontal, vous progressez envers et contre tous avec votre pauvre personnage sans oublier de ramasser les divers bonus qui permettent d’améliorer l’artillerie. Un arsenal important allant des armes de bases ; pistolet, couteau et grenade, au shotgun, lance-flamme ou autre cultissime heavy machine gun ! S’ajoute également l’utilisation de divers engins: tanks, avions de chasses, sous-marins, etc… Si je traite ce dossier sans réellement distinguer les épisodes c’est bien parce que les nouveautés interviennent seulement la dessus, chaque volet apportant quelques nouvelles armes et niveaux inédits. Le gameplay ne change jamais, et tant mieux ! Jouissif, c’est le mot qui sortira de n’importe quelle bouche après une partie de Metal Slug tant les commandes sont accessibles (touches directionnelles / tirer / sauter / grenades) et offrent un plaisir immédiat. Néanmoins comme je le disais plus haut finir le jeu relève de la performance tant la difficulté est grande.




Béni soit le PC. Non je ne craque pas et je le répète, béni soit le PC ! C’est en effet via un émulateur Neo-Geo que j’ai pu découvrir ou redécouvrir tous ces softs. Vu le prix de la console et des cartouches aujourd’hui je l’avoue sans honte…
Techniquement chaque volet impressionne, tirant partie des formidables capacités en matière de 2D du support. C’est fin, fluide, ça explose dans tous les sens et nos yeux en redemandent. Bien sûr restons dans le contexte mes amis, Metal Slug 5 datant de 2003 si ma mémoire est bonne. Les décors sont très variés, allant de la ville, au désert, en passant par des environnements sous marins ou verdoyants. Je vais essayer d’appuyer cette variété via les screens et vous renvoi donc à eux.



Niveau sonore si les musiques restent assez quelconques, les bruitages typiquement arcade vous aiderons à plonger dans l’ambiance déjantée de Metal Slug. Le côté cartoon du design et la variété des environnements offrent un univers excellent.
Scénaristiquement on repassera, vous choisissez l’un des bonhommes proposés et partez délivrer les otages en bottant les fesses de soldats, monstres et cie. Car Metal Slug ne serait pas Metal Slug sans son bestiaire et ses boss gigantesques, exploitant bien souvent la totalité de l’écran !

Je pense avoir tout dit, si chaque épisode est constitué de quelques niveaux seulement on y revient toujours. Metal Slug représente l’excellence du shoot 2D, un divertissement incroyable surtout qu’il est possible de jouer avec un ami. J’avoue ne pas être fan du genre, mais cette saga reste avant tout un coup de cœur. Objectivement la note qui suit va vous décevoir, mais retenez davantage mon enthousiasme durant ces quelques lignes qu’un critère objectif. Merci, et à très bientôt.

Continuons dans le même genre avec un RPG plus récent, cette fois sur 360. Développé par Tri Crescendo, les auteurs de Baten Kaitos ou de Star Ocean 3 pour les sceptiques du fond, Eternal Sonata peut déjà se vanter d’un sérieux savoir-faire. Le cœur rempli d’espoir, il est désormais temps de plonger dans ce véritable conte...

Eternal Sonata se démarque avant tout par un style graphique sompteux ! Les décors sont d’une beauté enivrante, « cell-shadisés » à souhait, et s’imposent carrément tels de véritables tableaux artistiques. Chaque écran émerveille à la manière d’un Baten Kaitos ou d’un Saga Frontier 2 en son temps. On retrouve certes une 3D moins chatoyante lors des combats mais la réalisation du titre est remarquable, tout comme le design, extrêmement travaillé.
La deuxième originalité intervient avec la trame scénaristique qui nous relate plus ou moins une fiction sur vie de Frédéric Chopin, le célèbre pianiste. Ainsi divers interludes lui seront entièrement dédiés, il s’agit concrètement de quelques anecdotes historiques sur fond d’images fixes. Revenons sur le scénario en lui-même qui s’avère de bonne facture, imposant une certaine réflexion du rêve et de l’imaginaire. L’ensemble reste assez stéréotypé mais se suit avec plaisir.






Dès les premiers affrontements on sent bien que l’équipe à l’origine de SO3 est passée par là. On peut ici parler de semi temps réel : une jauge d’action diminue au fur et à mesure de vos pas et de vos coups. Ainsi vous devrez déplacer votre personnage à porté de l’ennemi voulu, matraquer la manette et finir avec une attaque spéciale de votre choix. La puissante de celle-ci variera suivant une autre jauge qui, elle, se remplie avec le nombre de coups basiques donnés avant de retomber à 0 après avoir utilisé la technique spéciale. Ouf ! [respire]
Derrière son air bourrin Eternal Sonata cache un gameplay assez stratégique, nécessitant un timing exemplaire. Votre groupe se compose de 3 personnages simultanément, gérés au tour par tour. Facile à prendre en main le gameplay ne se perd pas dans un paramétrage trop poussé.
Musicalement on retrouve un certain Motoi Sakuraba. Le maître nous offre encore une fois une bande son de qualité, accompagnée par quelques thèmes de Chopin et surtout des voix Japonaises ! L’immersion s’avère alors totale et permet d’apprécier pleinement le fantastique univers d’Eternal Sonata.




Bien ce test touche à sa fin, il me reste un dernier détail à traiter : la durée de vie... A peine 25h de jeu suffisent pour en voir le bout, et les quêtes annexes ne sont pas abondantes. Dommage, car hormis ceci et une linéarité un peu trop prononcée Eternal Sonata titille les ténors du genre. Mais ne finissons pas sur une note négative, voici un RPG formidable, à l’heure où je n’ai pas encore fait Lost Odyssey le meilleur de la console tout simplement.

Je vous présente aujourd’hui un monument du RPG, souvent considéré comme le meilleur jeu de rôle de la Playstation, voir de tout les temps. Il va donc m’être difficile de faire un test à la hauteur tant les dossiers passionnés s’entassent sur le net, mais qu’importe du moment que je véhicule mon sentiment général. ^^
Xenogears..., ce nom évoque beaucoup de souvenirs. Même si le jeu n’a jamais franchi nos frontières les éloges entendues ont souvent incité les joueurs à outrepasser cette barrière.

Avant toute chose je lance l’OST pour me mettre en condition. Si elle est peu commune la transition s’avère tout faite, commençons avec les musiques. Des compositions magnifiques, assez sombres et mélancoliques qui renvoient une ambiance fantastique. Car si, lorsque l’on parle de Xenogears, le premier mot venant à l’esprit est « scénario », j’insiste en premier lieu sur l’univers du jeu. Un monde extraordinaire ; mélange d’anachronismes adéquats, de lieux tous plus atypiques les uns que les autres, et faisant l’amalgame d’un design parfais. L’atmosphère constitue à elle seule un formidable moteur, et les heures passent d’ors et déjà très vites.
Graphiquement le jeu a plutôt bien vieilli depuis 1998. La 3D reste assez fine, et si les textures ainsi que les sprites pixélisent un peu l’ensemble s’avère très joli. Ajoutez un mélange subtil d’image de synthèse et de scènes animées pour obtenir une réalisation qui tient la route, sans pour autant faire de l’ombre à Final Fantasy VIII sorti quelques mois après.




L’introduction s’ouvre sur un vaisseau interplanétaire en proie à d’énormes problèmes. L’auto destruction s’exécute et les débris viennent s’écraser sur la planète voisine. Vous prenez ensuite le contrôle de Fei, dans le village de Lahan, lieu apparemment sans rapport aucun avec la précédente scène. Dès les premières minutes le ton grave de l’intrigue est donné. Le scénario de Xenogears s’avère d’une ingéniosité et d’une complexité remarquable, inutile de me perdre en explications ou en spoilers, car la moindre bride de scénario peu avoir son importance par la suite. Rien n’est laissé au hasard, et si jusqu’à la fin du premier CD l’intrigue n’est pas extraordinaire, les rebondissements et les révélations explosent ensuite. Sachez d’ailleurs que la seconde partie de l’aventure est radicalement différente. Pour des raisons budgétaire Square a du précipiter les choses, nous laissant alors avec une succession de textes et de boss en guise de second CD. Dommage, mais ce choix permet de faire avancer radicalement l’histoire.




Le système de combat comporte deux phases bien distinctes : les affrontements dit « normaux » et ceux en Gears. Dans tous les cas l’ensemble est régi par un système de combos excellent. Vous disposez de trois types d’attaques ; légère et précise avec triangle, intermédiaire avec carré, et puissante avec croix. A vous d’essayer diverses combinaisons pour apprendre des combos dévastateurs. En Gears la donne est un peu différente puisque s’ajoute un système de level. Une fois le premier coup porté vous pourrez soit utiliser un combo niveau 1, soit redonner une simple attaque pour, au prochain tour, effectuer un combo niveau 2 et ainsi de suite. Bref un gameplay intéressant, couplé bien évidement aux traditionnelles compétences, équipements, et montées en expérience. Quelques passages de plate-forme, et autres fantaisies (jeu de cartes, duel de Gears, etc…) viennent embellir le tout.
Je tiens à ajouter que la durée de vie du soft est exceptionnelle. Comptez au minimum 50h en ligne droite, et beaucoup plus si vous désirez parcourir le monde de fond en comble. Le challenge est également au rendez-vous puisque certains boss vous donnerons des cheveux blancs. ^^ Mention spéciale au dernier donjon pour ceux qui s’en souvienne (put*** de labyrinthe XD).




Mais alors, Xenogears est-il parfais? Si l’on veut chercher quelques points noirs seul la gestion de la caméra assez bordélique me vient à l’esprit. Il faut dire que le soft est réalisé entièrement en 3D, le fait de pouvoir orienter la vue à 360° relevait déjà une belle performance pour l’époque.
Ce RPG mérite absolument que l'on si intéresse, plus qu’un simple jeu de rôle Xenogears aura conquis toute une panoplie de joueurs au même titre qu’un FFVII par exemple. Divin, tout simplement, et à jamais parmi mes favoris du genre.

Consacrons nous à l’un des meilleurs jeux de la Game Cube, à la déclinaison d’une saga culte vers un genre très prisé : le RPG. Les épisodes Super Nes, 64 et GBA en avaient conquis plus d’un, Nintendo remet donc le couvert en espérant combler l’exigence des fans.
Aussi étrange que cela puisse paraître ce Paper Mario : La Porte Millénaire est le premier auquel je m’essaye. J’ai ensuite fait l’opus GBA et téléchargé Paper Mario 64 via le virtual console, sans pour autant trouver le temps d’y jouer. ^^

Tout d’abord le style graphique employé déroute complètement. Mais l’originalité paye puisque que ce design en papier colle parfaitement à l’ambiance loufoque du jeu. Avant de me perdre dans des descriptions complexes je vous renvoi aux screens ornant cet article. ^^ Quoi qu’il en soit la réalisation s’avère superbe et véhicule une atmosphère vraiment sympathique. Difficile d’imaginer l’univers du plombier et toutes ses mascottes s’exhiber dans un jeu de rôle, et pourtant le mélange reste savoureux apportant sont lot de personnages inédits. Alors bien évidement mettons de côté le critère scénaristique sans intérêt pour nous consacrer au gameplay.




Les combats se déroulent sur une scène de théâtre avec un public qui peut réagir en fonction de vos performances et vous lancer divers objets, bénéfiques ou non. Tout le système se base sur un timing réfléchi et rend les affrontements très dynamiques. Chaque personnage aura des attitudes spéciales qui, évidement utiles dans les combats, vous permettront aussi de résoudre des énigmes et de progresser dans votre quête. Ne croyez d’ailleurs pas que l’aventure se termine rapidement car ce Paper Mario propose une durée de vie conséquente, et par moments même un certain challenge.

Un RPG qui sort donc de l’ordinaire, et pour peu d’apprécier la mascotte de Nintendo évoluer dans ce monde sera un véritable plaisir. La bande son qui vous accompagne remplie sa part du contrat en proposant des thèmes et des bruitages en adéquations avec l’ambiance. Un jeu excellent, proposant plus qu’une alternative sympathique compte tenu de la représentation minime du genre sur Cube.

Fan devant l’éternel des Onimusha c’est avec un plaisir non dissimulé que je vais vous présenter Genji premier du nom. Avant de nous pondre une suite médiocre sur PS3 l’opus 128 bits n’était ni plus ni moins qu’un excellent Beat’em all.

Après une cinématique introductive de qualité nous plongeons de suite dans la peau de Minamoto Yoshitsune, un samurai de renom. La prise en main est immédiate, alliant un dynamise incroyable à une fluidité exemplaire. Relativement classiques aux premiers abords les combats se basent sur un système de contre attaque au timing très précis. Une fois la barre de Kamui pleine, résultante de nombreux assauts, vous pourrez ralentir le temps. Une séquence réflexe se met alors en place et impose d’appuyer sur les touches avec harmonie. Le combo réussi vos adversaires retourneront à la terre, ou inversement profiteront aussitôt de votre échec. Notez qu’un deuxième perso fait rapidement son apparition ; Benkei le moine guerrier. Ainsi switcher entre ces 2 héros sera acte régulier pour progresser intelligemment, le style de notre dernier compère étant bien moins subtil. ^^ Une notion de gain d’expérience et tout un aspect gestion achèvent la description du gameplay, irréprochable.




Graphiquement Genji est magnifique. Les environnements sont très travaillés, les textures admirables et l’animation excellente. Bref ce titre étonne par ses qualités esthétiques d’autant que le design général s’avère de très bon goût ! Toujours concernant l’aspect technique, la bande son relève du grand art avec un doublage Jap salutaire et des musiques de qualité. L’ensemble offre une ambiance extraordinaire, bercée de fantastique dans un univers Japonnais médiéval immersif au possible.
Je ne m’attarderais pas sur l’histoire, la trame se suffisant à elle-même. Sachez tout de même que le jeu comporte des faits historiques réels.

Honnêtement si la durée de vie n’était pas si maigre ce Genji relèverait du chef d’œuvre. Car le principal défaut du soft reste une aventure éphémère qui se dévore en 6-7h à peine.
L’inspiration envers la série de Capcom saute aux yeux, ce qui n’empêche pas Game Republic et Sony de générer un jeu d’action d’envergure au gameplay jouissif.

Les espoirs autour de Blue Dragon n’étaient pas minces, et pour cause puisque le grand Sakaguchi et son prometteur studio Mistwalker en sont les auteurs. Avec le marché Japonais comme principal enjeu l’erreur n’est pas permise, voici le verdict.

Autant vous le dire tout de suite la sortie de Blue Dragon ne fut pas une attente démesurée en ce qui me concerne. J’ai suivi l’évolution du jeu avec curiosité mais sans jamais en faire ma priorité. Et pour cause, malgré une belle réalisation Blue Dragon propose un character design douteux, Toriyama est bien loin de son travail sur Draque 8 et le plaisir visuel n'est donc pas complet. J’exagère un peu car l’ensemble n’est pas mauvais, offrant une ambiance excellente couplée à un univers riche et animé.
Scénaristiquement c’est plat et d’un classicisme effrayant. Mais pas de quoi crier au scandale car la couleur était annoncée dès le départ, puis de temps en temps une histoire simple ça repose non ? ^^ De toute façon une trame sombre et tordue aurait été en totale contradiction avec le monde de Blue Dragon, on se contente donc de personnages niais, sans charisme, mais étrangement attachants (ou pas…).




Bon jusqu’ici vous vous dites que c’est mal parti, mais je vous rassure le reste s’avère de meilleur augure. Le système de combat en premier lieu. Relativement commun dans les grandes lignes malgré l'intriguante utilisation d'ombres, qui fondamentalement ne change rien, il se confirme au fil des heures comme plus stratégique qu’il ni parait en se basant sur une jauge déterminant l’ordre d’action de vos personnages et sur le dosage de vos coups. En effet plus la pression sera longue plus l’action sera performante, la contrepartie étant de s’exécuter rapidement ou non. En schématisant il faudra sans cesse jouer sur la puissance de vos attaques et le temps de réalisation de celles-ci, tout en surveillant le tour de vos ennemis. Ajoutez un classique mais toujours efficace système de job pour embellir l'ensemble et offrir un gameplay complet.




Concernant la bande son on retrouve Nobuo Uematsu aux baguettes. Pas transcendant ni très inspiré, il nous offre cependant des musiques de qualités avec quelques thèmes géniaux. Malheureusement le doublage Jap n’est plus présent dans notre version, nous laissant alors le choix entre des voix Anglaises (hem...), Françaises (hem hem...), et Italiennes (sans commentaire...).

Conclusion: un premier essai réussi pour Mistwalker, voici un excellent RPG offrant un long challenge très sympathique. Je ne vous cache pas que j’en attends davantage de Lost Odyssey, et je serais plus exigeant cette fois.

Je m’étais d’abord réservé pour un dossier complet sur la saga Resident Evil, avant de me raviser suite à de nombreux projets du genre (Advance Wars, Zelda, Mario Kart, Kingdom Heart, etc.), et finalement craquer pour vous présenter l’un de mes meilleurs jeux Cube, que dis-je, l’un de mes meilleurs jeux tout court. ^^ En réalité j’ai toujours adoré la série sans jamais l’aduler au même titre que certaines, d’où mon choix d’abandonner l’idée d’un dossier pour me consacrer entièrement au quatrième épisode.

Ainsi on retrouve notre Léon international (RE2) mandaté en Europe afin de ramener la fille du président, kidnappée. Un synopsis nous menant en plein cœur de l’Espagne, et qui reste assez moyen dans l’ensemble. Il faut l’avouer le scénario n’est pas le point fort du jeu, mais reste néanmoins acceptable et s’inscrit dans une moyenne suffisante pour ne pas gêner la progression. De plus la mise en scène s’avère grandiose, avec des cinématiques judicieuses et interactives. Celles-ci peuvent proposer à tout moment des actions contextuelles, allant d’une simple pression sur A pour esquiver un rocher, ou toute une séquence réflexes pour achever un boss difficile. Mais ce n’est pas le seul élément novateur, car si l’on conserve l’éternel système d’inventaire et les énigmes tordues, l’aventure ne se déroule plus vraiment à la troisième personne comme le veut la tradition. La caméra se place désormais dans le dos du personnage, offrant une immersion incroyable et surtout un système de visée très performant. Car ce Resident Evil fait la part belle à l’action, et le bestiaire proposé sera acteur de bains de sang réguliers. Bref un gameplay jouissif allié à une jouabilité excellente : pari d’ores et déjà réussi pour Capcom.




Graphiquement l’équation est simple, se résumant ainsi : ! En effet la réalisation se sublime à travers des textures impressionnantes, des décors merveilleux, et des effets de lumières admirables. Pas la peine de s’éterniser puisqu’il s’agit simplement d’un des plus beau soft de la console.
Beaucoup craignaient que Resident Evil 4 dénature la série, et si l’appréciation variera il faut avouer qu'on nous offre une ambiance très travaillée. Le jeu se découpe en 3 grosses parties : la première sera l’occasion de traverser un village peuplé d’habitants assez dérangés, la seconde un château magnifique, et la dernière une base militaire relativement classique. Mais qu’importe la zone, l’atmosphère s’avère grandiose du début à la fin, souvent oppressante, et totalement dans l’esprit Resident Evil en ce qui me concerne. Ajoutez une bande son remarquablement adaptée et vous obtenez un univers démentiel.




Pour finir sachez que le jeu ne se termine pas en deux après-midi comme le veut la coutume avec les survivals, comptez entre 15 et 20h avant d’en voir le bout. Une durée de vie des plus honorable donc, d’autant que divers bonus sont à débloquer.
Capcom nous offre un véritable chef d’œuvre, une ode au gameplay, et laisse entrevoir une orientation nouvelle qu’exploitera Resident Evil 5, avec la même réussite espérons-le.