Vous n'êtes pas sans savoir que l'épisode considéré comme le plus réussi de la saga Final Fantasy fête ses dix ans cette année. A cette occasion, Square-Enix n'a pas hésité à faire le plus beau des cadeaux à ses fans : une compilation étoffant le background de Final Fantasy, intitulée sobrement Compilation of Final Fantasy VII. Nous eumes ainsi droit à un film, Final Fantasy VII Advent Children, et trois jeux : Final Fantasy VII Before Crisis sur téléphone portable, Final Fantasy VII Dirge of Cerberus sur Playstation 2 et Final Fantasy VII Crisis Core sur PSP. L'Endless Crisis, récemment annoncé, bouclera la boucle, ainsi que la théorie du C (voir à la fin de l'article).

Introduction :

Toutefois, et c'est l'objet de cet article, il n'y a pas que Square-Enix qui honore son FFVII puisqu'un groupe de fans acharnés, l'OverClocked Remix Team, a travaillé sur un album entierement composé de remixes et de reprises de morceaux tous issus de l'univers Final Fantasy VII. Chaque titre a, en effet, fait l'objet d'un retravail particulier qui lui permet de s'arracher de son aspect midi originel pour atteindre désormais un degré de perfection souligné par sa réorchestration. Toutes les chansons de l'OST original apparaissent donc sur cet album, intitulé Voices of Lifestream, et on ne retrouve absolument aucun double, aucun morceau remixé plusieurs fois comme on aurait pu le craindre.





Or, notre oreille est surprise à chaque changement de piste. Le cultissime Aeris' Theme est couplé au Flowers Blooming in the Church pour donner une piste appelée Valse Aeris d'un degré de puissance incroyable. Le Tifa's Theme, qu'on appréhendait voir joué une énième fois dans une version piano (qui n'en demeure pas moins magnifique, soyons clairs) est remixée avec drums, guitare et violons, collant parfaitement avec le caractère épicé, enjoué mais tellement sensible par ailleurs, du personnage de Tifa (le titre de la chanson sur l'album est : Short Skirts). Le Main Theme de Final Fantasy VII ne manque pas à l'appel, dans une version particulièrement sereine, accompagnée de choeurs et d'une guitare qui survole les notes du piano. Superbe, en tous points. Le One-Winged Angel est également présent, et ne manquera pas de surprendre les fans de la chanson. Mélange habile entre sonorités 32-bits, partition orchestrale, rythme doux qui s'emballe par la suite... Probablement l'un des morceaux les plus réussis de l'album. Ca, c'était la première surprise de l'album. Il y en a une deuxième.



Le Main Theme, le Prelude, Aeris' Theme, Tifa's Theme, J.E.N.O.V.A., One-Winged Angel... Les morceaux les plus connus de Final Fantasy VII n'ont plus rien à prouver et les versions offertes par les musiciens sur Voices of Lifestream remplissent parfaitement leur contrat. Mais qu'en est-il des chansons moins connues ? Celles qui nous accompagnent dans le jeu, et auxquelles on ne fait même plus attention au boût d'une trentaine d'heures de jeu ? Hé bien il semble que la team, elle, ne les a pas oubliées. Ainsi, on retrouve avec étonnement des morceaux dont l'air s'était caché dans notre mémoire et que le remix fait ressurgir comme un vestige nostalgique qui nous ébranle l'oreille. De ce fait, la chanson de la Shinra Company, ici griffée du nom Son of Chaos, explose littéralement la version originale en lui conférant une atmosphère de guerre, appuyée par le rythme effrené de la caisse claire, couplée à une ambiance éléctronique et métallique qu'on assigne souvent à cet épisode. Vous vous souvenez du Désert non loin du Gold Saucer, de cette solitude qui nous prend à la gorge à la vue des montagnes de sable qui nous entourrent, de ce sentiment d'impuissance quand, en revenant sur nos pas, on ne rencontre que de nouvelles étendues de sable ? Tout ceci est parfaitement retranscrit dans la chanson A Life Without Parole, inspirée par le morceau Desert Wasteland, et entierement interprété par un pianiste diablement bien inspiré. Red XIII a également droit à un cross-over des plus magnifiques, entremelant les sonorités de son thème avec celles du Cosmo Canyon, dans un morceau intitulé Lunatic Moon. Fantastique.



Enfin, l'album se clot sur une chanson regroupant la plupart des thèmes qui composent la bande son de Final Fantasy VII, un titre de 6 minutes gracieusement appelé The Golden Ivories of Gaia et qui tourne en boucle dans ma playlist depuis le début de l'écriture de cet article sans que j'aie l'impression qu'il reparte du début à chaque fois.

Conclusion :

Les chansons de Final Fantasy VII n'ont plus à faire leurs preuves aujourd'hui, et les versions qui peuplent cet album, transcendant les partitions d'origine, permettent une vision alternative qui irait comme un gant à un probable remake sur Playstation 3. Quatre CDs d'une virtuosité rarement atteinte dans la musique, téléchargeablse gratuitement et ceci en tout légalité.

Torrent pour télécharger l'album : http://www.mininova.org/tor/891764

Petit conseil : N'hésitez pas à supprimer les fichiers .wav du répertoire de téléchargement, ce ne sont que des doubles d'une qualité légèrement supérieure, qui ne se discerne pas à l'oreille et qui alourdiront votre disque dur. En effet, en enlevant tous les fichiers .wav, le répertoire passe de 2GB à seulement 200Mo alors que vous ne perdez aucun contenu !

Théorie du C.

Avez vous remarquez que les titres de la Compilation of Final Fantasy VII sont tous connectés entre eux par la lettre C ? Et le plus intéressant est que la première lettre du premier mot de chaque jeu suit un ordre alphabétique. Voyez par vous-même :

Advent Children
Before Crisis
Crisis Core
Dirge of Cerberus
Endless Crisis.

Coïncidence ou sens caché ? A vous de le déterminer.

Histoire d'un chef d'oeuvre

Comment commencer ce test autrement qu'en parlant de celui qui est considéré comme le Spielberg des jeux vidéo ? Shigeru Miyamoto (créateur, entre autres, de tous les plus grands succès de Nintendo tels que Mario et Zelda) est à nouveau à l'origine de ce projet. Quatre longues années auront été nécessaires au maître Miyamoto pour réaliser ce chef d'oeuvre (dont une et demi exclusivement consacrée au moteur graphique 3D. C'est d'ailleurs de ce moteur graphique révolutionnaire que nous allons parler. De 1991 (date de sortie de A Link to the Past sur Super Nintendo) à 1998 (date de sortie de Ocarina of Time sur Nintendo 64), il s'en est passé des choses dans le studio de Nintendo ! En effet, il a fallu transformer un univers jusque là bi-dimensionnel en un monde, cette fois, avec une représentation tri-dimensionnelle tout en conservant le charme et la richesse qui ont réputé la série. C'est ainsi que notre cher Link s'est vu prendre du relief, et vraiment pour le meilleur ! La 3D est exceptionnelle pour l'époque, l'environnement riche et détaillé. La retranscription s'est, donc, faite sans heurts particuliers. Contrastant avec les anciens épisodes et leur style assez cartoon (The Wind Waker étant de ce fait un retour au source), Ocarina of Time met en scène des couleurs moins chatoyantes, un univers plus sale... N'ayons pas peur des mots, les graphismes d'Ocarina of Time font moins gamin et l'esprit enfantin des épisodes 2D semble s'être fait la malle. Le design des personnages est ainsi beaucoup plus poussé. Exit le Ganondorf cochonesque, acceuillez le Ganondorf prince des Gerudo. Au revoir le Link au cheveux mauve et à la démarche enfantine, faites place à un Link au regard determiné, au pouvoir grandissant... tout comme sa taille.



Innovations sur innovations

Autre nouveauté principale de cet épisode (intervenant, tout de même, loin aprés la 3D), notre petit elfe vert apparait pour la première fois sous la forme d'un adulte ! Enfant naïf dans la première partie du jeu, Link deviendra un jeune homme séduisant mais, surtout, plus fort après avoir récolté les trois pierres ancestrales. Nous en arrivons à parler du scénario du jeu, grosse repompe d'A Link to the Past selon certains, objet d'un véritable culte pour les autres : Link vit dans le village magique des Kokiri, les enfants de la forêt. Lors de sa naissance, il fut le seul Kokiri à ne pas avoir reçu de fée, ce qui l'excluait inévitablement des autres. L'Arbre Mojo, vénérable arbre protecteur de la forêt, est secoué par les évènements récents et décide d'appeller le jeune Link afin de lui attribuer sa fée. Lorsque le futur Héros du Temps rencontre le mythique Arbre Mojo, ce dernier lui fait part de sa destiné : Un homme malfaisant venu du désert m'a lancé une terrible malédiction. utillisant ses viles énergies magiques, ce démon recherche le Saint Royaume rattaché à Hyrule. Car c'est là que quelqu'un trouvera la relique divine, la Triforce qui contient l'essence des dieux. Celui ou celle qui l'aura en sa possession pourra réaliser tous ses désirs. Tu ne devra jamais permettre à l'homme du désert de s'emparer de la Triforce sacrée. Tu ne devras jamais permettre à ce démon de pénétrer dans le royaume sacré légendaire. Maintenant, Link, va au chateau d'Hyrule. Tu y rencontrera sûrement la princesse de la destinée. Montre-lui cette pierre. Je sais, grâce à un présage, qu'elle comprendra tout. C'est ainsi que, aprés la mort de l'Arbre Mojo, Link commence sa périlleuse aventure qui l'amènera aux quatre coins d'Hyrule. Extraordinairement diversifié, l'environnement propose encore aujourd'hui une richesse que peu de jeux peuvent se vanter d'avoir. Le feuillage verdoyant de la Forêt Kokiri, l'étouffant et arride Desert Gerudo ou l'atmosphère glaciale du Domaine Zora sont des passages tellement dépaysants à l'époque qu'ils sont aujourd'hui devenus cultes. Heureusement, le monde d'Hyrule n'est pas le seul à bénéficier de diversité puisque le gameplay, l'armement et la bande-son sont aussi des élements d'une rare richesse...



Un guerrier chassant dérouiller avec son arme est un bon guerrier

Le gameplay de The Legend of Zelda : Ocarina of Time a été spécialement créé pour l'occasion. Ici, pas de point de repère, tout doit être nouveau et jouable. Et vous savez quoi ? Les deux défis sont remportés, et haut la main ! A chaque bouton est attribée à une action spécifique et s'y retrouver ne sera pas un problème. En effet, le Village Kokiri, point de départ de l'aventure, est aussi dédié à l'apprentissage de toutes les commandes de bases : Attaquer, Défendre, Sauter, ... Tiens, voici encore un autre point révolutionnaire : le Saut automatique. Le saut est un mouvement assez mal géré dans les jeux vidéo en 3D (qui ne se souvient pas de Tomb Raider et de ses sauts approximatifs ?), or, dans Ocarina of Time, ce problème est réglé d'une façon assez suprenante. Approchez-vous d'une falaise et Link exécutera une impulsion lui permettant de traverser un gouffre sans (gros) problème. Autre révolution au boût de la manette : le Lock. Brevetté par Nintendo, ce système permet, grâce à la gachette Z, de viser un ennemi ou un objet de façon à ne plus le perdre de vue et l'attaquer plus facilement. Jamais ce système n'aura été aussi bien reprit dans les autres jeux du genre et même The Wind Waker et Twilight Princess l'utilisent sans aucune amélioration majeure tellement ce système parait parfait. Mais Link, même avec un saut automatique et un Lock, ne serait rien sans un équipement adapté à l'aventure qui l'attend. A l'instar de l'évolution de Link, les armes elles aussi changent en fonction de l'âge de notre héros. Ainsi, l'épée Kokiri sera ensuite remplacée par l'épée légendaire Excalibur, le Lance-Pierre des Fées par l'Arc des Fées, le Bouclier Mojo par le Bouclier Hylien puis par le Bouclier Miroir. Même les tuniques et les bottes de Link se succèderont, apportant au passage leur lot d'innovation. Les tuniques permettent de survivre dans tel ou tel milieu tandis que les bottes, elles, ont une utilisation plus poussée. Les Bottes de Voltige donneront la capacité à Link de marcher quelques secondes en suspension dans l'air ou sur l'eau et les Bottes de Plomb couleront notre Kokiri au plus profond des océans. Enfin, l'Ocarina qui donne son nom au jeu, est l'objet le plus important. La quête principale vous amenera à apprendre et rejouer des morceaux vous mettant alors dans diverses situations : ouverture de porte ou encore téléportation, l'Ocarina du Temps est l'objet sans lequel vous n'auriez jamais pu finir votre quête. Accessoirement, l'Ocarina et ses diverses possibilités de notes permet de reproduire n'importe qu'elle musique existante, à moins que vous ne préfériez, à l'instar de Koji Kondo, composer vos propres mélodies...



Envoutant à souhait

Voici (encore une fois) un autre élément du jeu qui a contribué à sa renommé. Les plus grand thèmes de la saga Zelda ont été composé par Koji Kondo et Ocarina of Time n'échappe pas à la règle. Les musiques sont toutes plus sublimes les unes que les autres et restent gravés dans les esprits encore maintenant. Qui n'a jamais fermé les yeux sur la musique d'introduction, se laissant berçer par les quelques notes lentes et tragiques du piano et de l'Ocarina ? Qui n'a jamais laissé sa manette à terre afin d'apprécier plus pleinement ce que les fans considèrent comme la chanson Zelda la plus réussie à ce jour : Le Désert Gerudo ? Qui n'est jamais rentré dans le Ranch Lon Lon dans le seul but d'écouter le Chant d'Epona, parfaitement entonné par Malon ? Qui n'a jamais ressenti cette bouffée d'air frais lorsque la musique du Marché d'Hyrule se faisait entendre ? Tout le monde à, un jour ou l'autre, succombé au charme des oeuvres musicales d'Ocarina of Time. Ces partitions sont tellement appréciées qu'elles sont, sans aucun étonnement, reprises et remixées pour les jeux suivants. Parallèlement à ça, les bruitages réalistes du jeu et les cris digitalisés de Link ne laissent personne indifférent, rarement un jeu proposant une immersion sonore aussi poussée.



Des heures de plaisir brût

Finissons cette critique sur la durée de vie du soft. Proposant une aventure de plus d'une trentaine d'heures, Ocarina of Time tiendra n'importe quel joueur, confirmé ou point, en haleine durant de longues nuits blanches. Au final, on comptera plus de onze donjons tous totalement différents et abordables sous diverses manières. Récupérer toutes les mélodies, tous les objets et toutes les magies sera un sacré défi ! Les énigmes freineront constamment votre aventure et les boss, ayant chacun un point faible, feront rager les plus patients. The Legend of Zelda : Ocarina of Time est le Zelda qui possède le plus de quêtes annexes facultatives : tuer les 100 skulltulas d'or, revendre tous les masques, gagner aux mini-jeux... sont autant de quêtes éphémères mais tellement géniales que vous ne pourrez passer à côté. Grâce à tout ça, Ocarina of Time peut se leurrer d'être l'un des jeux sur lesquels on revient le plus, histoire de faire deux-trois quêtes avant de retourner se coucher en rêvant de la légende, du courageux Link et de la majestueuse Princesse Zelda.



Graphismes : 19/20

Fins et détaillés pour l'époque. Ocarina of Time propose également un design exemplaire. Absolument sublime sur tous les points.


Jouabilité : 20/20

Comme à l'accoutumée chez Nintendo, le gameplay n'a aucun défaut. Le système de Lock est assez innovant pour mériter la note ultime.


Durée de vie : 19/20

Une durée de vie énorme pour un jeu d'action/aventure. Malheureusement, quand c'est bon, c'est toujours trop court !


Son : 19/20

Culte, mythique, géniallissime, parfaite, ... Les adjectifs ne manquent pas pour qualifier la musique de ce Zelda, toujours aussi agréables aprés toutes ces années.


Et finalement... 20/20

The Legend of Zelda : Ocarina of Time est le Zelda à posséder de toute urgence. Chanceux que vous êtes, le jeu a été réédité dans la version collector de The Wind Waker et dans le Zelda Collector Disc. Il est également disponible sur la Console Virtuelle de la Wii. En quelques mots, The Legend of Zelda : Ocarina of Time est l'un des meilleurs jeux vidéo de tous les temps, point final.

Bonjour,

Comme chaque année, la chaine de magasin de jeu vidéo Micromania organise un salon dédié à notre loisir favori. La session 2007, ouverte du 28 Septembre au 1er Octobre prochain, permettra au public français de découvrir pour la première fois plusieurs centaines de titres en version jouable.

Au programme, on retrouvera, parmi les plus attendus, les nouveaux Guitar Hero et SingStar, ainsi que le très prometteur Rock Band. L'éternel duel entre PES et Fifa se jouera également sur le salon, puisque les éditions 2008 de chaque jeu bénéficiera d'une version jouable. SKATE et Tony Hawk's Proving Ground batailleront sévèrement pour s'attirer les louanges d'un public encore partagé entre la nouvelle vision proposée par EA et l'assurance de retrouver un univers déjà connu avec Activision.

Côté circuit, on retrouvera avec plaisir le nouveau Project Gotham Racing 4, et un parcours inédit pour l'arlésienne Gran Turismo PS3 !

Mais ce sera sans doute le genre action qui fera les honneurs du salon cette année avec du lourd, et même du très lourd. Regardez par vous-mêmes : Metal Gear Solid 4, Call of Duty 4, Heavenly Sword, Medal of Honor Airbone, Halo 3, Devil May Cry 4, Haze, Uncharted Drake's Fortune et bien d'autres !

Nintendo Gamers sera au rendez-vous cette année encore, aussi bien à la conférence de presse organisée le Vendredi soir, que durant l'intégralité du salon du Samedi. Quatre membres de notre équipe seront dépêchés sur place pour vous offrir photos, vidéos et impressions exclusives sur ce qui s'annonce comme l'E3 français !

Et chez vous, qui y va ?



Et si les résumés des salons des précédentes années vous intéressent, voici les liens :

Micromania Games Show 2006 : le résumé d'NG
Micromania Games Show 2005 : le résumé d'NG
Micromania Games Show 2004 : le résumé d'NG

Il y a longtemps que je ne me suis pas attardé ici.

Je me perds dans l'océan des blogs qui peuplent ce site, sortant partiellement la tête de l'eau durant quelques minutes avant de retourner dans les abîmes profondes. A la clé de ce moment de vie, l'espoir d'être lu et compris par une poignée de personnes dont vous savez éperdument qu'elles vous oubliront une fois la page fermée. Alors, tristement, on abandonne ce qu'on avait commencé à écrire, on garde en soi ce qu'on souhaitait coucher sur papier numérique. Se détacher définitivement de l'Internet, laisser ce monde virtuel bien trop réel pour nous.

Nous voici enfin seul. Difficilement mais sûrement, nous avons arraché notre corps à cette toile qui se refermait inexorablement et dont l'opression ne nous permettait plus de respirer.

Seuls.

Allongés sur le lit, notre esprit n'a pas encore vraiment fait le vide. Il se remémore les débats passionnés sur les forums de discussions, les soirées enivrantes à découvrir les artistes de demain, les dialogues enflammés avec des amis, d'un soir ou de toujours. Les fous rires incontrôlés et incontrolables, les nuits blanches à apprendre des choses insoupçonnées, les journées entières à les partager... Ces histoires nous serrent encore la gorge.

Et puis, doucement, nous oublions. Il ne reste plus que les souvenirs pénibles. Cette fille qui vous a humilié sur le forum, cette année de travail perdue à cause d'un hébergeur déplorable, ces matins à gueule de bois, ces heures de sommeil irattrapables, cette vie sociale massacrée...

On veut se reconnecter. Mais cette fois-ci, avec le vrai monde. On rêve d'intégrer cet univers que l'on a perdu de vue il y a si longtemps. D'en faire à nouveau partie, de réussir professionnellement et socialement. On rêve d'obtenir un diplôme, un salaire élevé, d'un mariage, d'une famille... On ose espérer que nos parents soient un jour fier de nous. Fier de notre retour dans la vie active.

Dans le vrai monde.

Ce vrai monde, que l'on nomme réalité. Ce monde qui nous a tant de fois piétinné, humilié, poussé à bout alors que l'autre, qu'on nomme virtuel, nous ouvrait les bras. Balotté, nous l'avons été, et la vie ne nous a appris qu'une seule chose : ce n'est pas celle là que nous voulons, celle qui rime avec hypocrisie et troupeau, avec misère et obligation de rentrer dans le moule. Nous voulons la culture et l'émotion, la raison et la pulsion, le Ca et le Moi.

Nous quittons ce monde où le physique dicte sa loi pour celui où l'esprit règne en maitre.

Car, après tout, n'est-ce pas l'intérieur qui compte ?

Tu es jeune et viguoureuse. Tu vis dans une famille agréable, née d'un père écrivain et d'une mère morte peu de temps après ta naissance, que tu n'as pas connu, mais dont tu sens encore la puissance de l'amour qu'elle te portait. Pourtant, lors de ton septième anniversaire, tu te sens attirée chez moi et tu convainc ton père de t'y emmener pour y passer une semaine de vacances. Ces septs années durant lesquelles tu vivais dans la paix et le bonheur, je les ai voulu. Mais il était maintenant temps que tu me rejoignes, enfin. J'ai tellement attendu.

Une fois arrivé là-bas, tu as quitté ton père pour venir me rejoindre, comme je l'avais prévu. Malheureusement, ce Harry fut bien plus facile à trouver qu'à s'en défaire. Je pensais qu'il serait simple de nous réunir à nouveau, afin que nous ne fassions plus qu'une, comme nous l'avions été autrefois. C'était sans compter sur la ferveur de ton père qui, malgré mes attaques répétées à son encontre, n'a pas hésité à traverser cette ville saignante et suintante que j'avais créée de mes mains pour te retrouver. Alors que je t'attendais, moi, la sorcière, la brûlée vive, tu prenais ton temps, toi, l'aimante, l'aimée. Mais tu es venue. Tu es venue, et nous nous sommes reconciliées. La haine qui m'avait décidé à survivre durant toutes ces années de souffrance arrivait à son point culminant.

J'allais enfanter Dieu. Et tu arrivais pour m'offrir la partie manquante à son corps.

Mais l'amour qui t'avait accompagné depuis ta naissance, et que tu avais ramené jusqu'ici, n'avait pas permis à ce demi-Dieu que tu portais aussi en toi de se développer suffisamment et, une fois nos deux âmes réunies en un seul et même corps, nous enfantions un Dieu d'Amour et de Gratitude. Un Dieu contraire à ce que les préceptes du Culte voulaient voir naitre, mais qui, au lieu d'apporter la Haine et la Soumission, permettrait l'épanouissement de ce monde.

Impuissant, torturé entre mon caractère haineux et ta candeur, ce Dieu sombra aussi vite qu'il était né, en laissant toutefois derrière lui, entre nos mains, un bébé.

Finalement, nous mourrions toutes les deux. Nous étions vouées à cette fin si brève, trop brève, et tellement tragique. Mais le bébé qui respirait au creux de nos bras gardait le meilleur de nous. Je n'eu pas de mal à le confier à Harry, ton père, qui, dans cette quête pour te retrouver, avait failli se perdre lui-même. Cependant, il avait compris l'histoire aussi clairement que je te la raconte aujourd'hui, alors que nous allons bientôt expirer pour la dernière fois, et, s'il fut triste d'apprendre ta mort, notre mort, il acceptait de prendre soin de cet enfant, celui qui continuerait de nous faire vivre toutes les deux.

Cet enfant, c'est toi, ce père, c'est le tien et cette histoire, c'est aussi la tienne. Mais au moment où je quitte mon corps, un espoir inconnu m'envahit soudainement.

Heather, quelque-chose me dit que nous nous reverrons bientôt.

Des softs couteux pour un développement fastidieux ?

La sortie de la Xbox 360 laisse un goût amer aux joueurs du monde entier. Aprés avoir joué des pieds et des mains pour empêcher les développeurs d'augmenter le coût des titres proposés, nous avons dû nous rendre à l'évidence : les jeux vidéo deviennent bien plus chers à développer et à produire qu'auparavant. La faute à des titres qui prennent désormais beaucoup plus de temps à développer que n'importe-quel film à gros budget actuel. Et ça, les studios de développement le savent très bien, et n'ont plus peur de mettre la main au porte-feuille pour que la qualité soit vraiment présente au moment où le joueur prend la manette en main. Les jeux nécessitant un travail monstrueux, du moins plus important qu'avant, les développeurs sont obligés de se constituer une équipe conséquente et d'engager toujours plus de monde pour réaliser les jeux de demain. Le jeu vidéo emploie des techniques toujours plus couteuses : 3D, bump-mapping, normal-mapping, scènes cinématiques et autres mots compliqués qui donneraient un mal de tête à notre cher Bill Gates. Les scènes cinématiques sont d'ailleurs les principales actrices dans ce domaine, puisqu'elles nécessitent beaucoup de moyens pour être mises en oeuvre. Story-boards, mise en scène, puis un long travail sur ordinateur, le temps investit dans une production cinématique est proportionnel au nombre de billets qu'y incluera le développeur. Beaucoup de temps, et donc d'argent, est aussi dédié à la création de l'univers graphique directement lié au jeu. Si certains développeurs s'approprient des moteurs 3D déjà existant, d'autres prennent leur courage à deux mains et réalisent leur propre support de création artistique. Ce travail est long, pénible et vraiment couteux, mais reste relativement rare en ces temps. Il faut ensuite, une fois le soft bouclé, payer quelques bêta-testeurs chargés de repérer les quelques erreurs qui ont pu se glisser à l'intérieur du jeu. La production est enfin un facteur prépondérant à prendre en compte. Les analystes prennent alors toute leur importance, définissant l'attente du public et donc le nombre de copies que l'éditeur mettra en circulation. Le prix s'est standardisé depuis quelques années. Les jeux se trouvent donc dans une tranche de prix relativement correcte, entre 55 et 60€, ce qui n'a pas été toujours le cas. L'époque où la NES gouvernait en maître le marché des jeux vidéo a vu l'explosion du prix des jeux à un seuil encore impressionant aujourd'hui. Les royalties réclamées par Nintendo sur chaque jeu vendu empêchaient les développeurs de faire de véritables bénéfices, ce qui les motiva à augmenter le prix de leurs cartouches... à parfois plus de 700 Francs ! La Nintendo 64 restera d'ailleurs dans toutes les mémoires pour ses rares jeux, tous vraiment excellents, mais qui affichaient des étiquettes incroyablement élevées. Conker's Bad Fur Day, le jeu évenement de RareWare, s'arrachait dans certains magasins à plus de 900 Francs ! La faute à un support cartouche vraiment trop couteux et des royalties dont seul Nintendo a le secret. Face à un Playstation proposant des titres à moins de 350 Francs, on ne s'étonne pas du flop commercial que fut la N64 si on le compare à la petite grise de Sony. La palme des jeux les plus chers revient sans aucun doute à SNK et sa NeoGeo, dont la place de RAM allouée dans chaque cartouche faisait grimper le prix à plus de 2000 Francs. Ouch ! (o_¤) Les jeux actuels sont donc longs et couteux à développer, pourtant, certains utilisent cette excuse afin d'abuser malhonnetement du porte-feuille des joueurs. L'exemple le plus frappant reste à ce jour la version 360 de Tony Hawk's American Wasteland. Haute définition et graphismes plus fins sont les seuls changements, ce qui n'empêchera pas Activision d'afficher son titre au prix fort de 70€ en magasin. Les développeurs spécialisés dans le MMORPG ont trouvé un filon incroyablement juteux ! Le développement d'un univers gigantesque comme celui de World of Warcraft est peut-être couteux au possible, la mise en place de serveurs pour accueillir les joueurs longue et pénible, mais l'investissement en vaut la chandelle ! Le titre de Blizzard aura nécessité de longues heures de développement et les joueurs le savent : ils sont plus de 6 millions à s'y être abonnés. Multipliez ce chiffre par 45€, puis par l'abonnement (environ 12€ par mois), ajoutez à cela l'âge du capitaine et le nombre de passagers dans le bus pour vous rendre compte que les rentes ont rapidement dû dépasser le coût du développement. L'avenir du jeu vidéo réside-t-il dans le MMORPG à paiement mensuel ? Sûrement, oui.



Quand le jeu vidéo devient une simple histoire de gros sous

On a longtemps critiqué Electronic Arts et ses adaptations de films en jeux vidéo qui n'étaient développés que pour renflouer ses caisses américaines. La qualité n'était malheureusement jamais au rendez-vous, ce qui n'empêchait pas, bien au contraire, les jeux de se placer dans le top des meilleures ventes. Pourtant, Electronic Arts n'est pas le premier éditeur à profiter du succès de produits divers pour engranger de l'argent. Dès l'époque de la NES, les adaptations de comics comme Batman étaient légions, et la qualité qui caractérisait les bandes dessinées était totalement absente des jeux vidéo éponymes. La donne ne s'est pas inversée avec le temps, puisque la Super Nintendo a vu sa ludothèque gonfler grâce à des titres comme Les Schtroumpfs, Asterix ou encore Tintin. Parfois bons, souvent mauvais, ces titres ont toujours été développé dans l'optique de se faire un maximum d'argent avec un minimum d'investissement. Pour prendre un exemple encore tout frais, attardons-nous sur le cas Crazy Frog. Phénomène de société auprés des adolescents, The Annoying Thing fit le tour du net avant de recevoir un succès retentissant en France. Son concepteur, simple graphiste rapidement reconvertit en directeur marketing, fit de son bébé une véritable bête de foire en l'obligeant à chanter et se balader nue sur un véhicule invisible dans des clips. Summum du ridicule, la bestiole dû également s'afficher dans un jeu qui n'en mérite pas l'appellation. Ou comment surfer sur un succès commercial en l'employant à toutes les sauces. Heureusement, la surchage de travail fit exploser le coeur de la pauvre grenouille, nous faisant donc grâce des tournées qui étaient prévues un peu partout en France. D'autres personnalités plus réelles mais toutes aussi dénuées d'interêt se sont essayés à cet exercice difficile qu'est le développement de jeu vidéo. 50 Cent, qu'on ne présente plus, a sûrement pris bien plus de temps à répondre aux interviews dédiées à son jeu qu'à la supervision du développement en lui-même. En résulte un soft sans saveur, terriblement rigide et qui peine à rivaliser avec le ténor qu'est Grand Theft Auto. Pourtant, le rappeur assure être un fan invétéré du titre de Rockstar, une manière subliminale d'amortir les retombées des critiques de fans ?
Mark Ecko's ne joue, lui, pas dans l'égocentrisme pûr et ne flingue pas des méchants rappeurs à tout va dans un jeu qui porte son nom. Profitant de la vague graffitit-power actuelle, le soft de Atari a mis en avant la récente interdiction de son soft en Australie, et de sa censure dans de nombreux autres pays, pour en vendre un maximum d'exemplaires. Un jeu interdit, même s'il ne l'est pas dans le pays où on vit, attise la curiosité et pousse l'acheteur à s'y interesser.
Au delà des adaptations de BD en jeu, il y a aussi, et surtout, les transports de licences cinématographiques sur support ludo-numérique. EA reste encore une fois le maître incontesté dans cette catégorie. Toutes les licences les plus juteuses de ces dernières années sont passées entre les mains du plus important développeur au monde. Le roman de JK Rowling, après avoir fait un tour remarqué dans les salles obscures, s'appropria le haut des charts mondiaux durant quelques semaines alors que la qualité ne rivalisait pas le moins du monde avec la plume de l'écrivaine anglaise ! Harry Potter 2 et Harry Potter 3 ont également vu le jour sur toutes les consoles de salon, PC et portables (même la GameBoy Color a eu le droit à un épisode, c'est dire !). Et lorsqu'aucun film n'est prévu sur grand écran pour la période des fêtes, Electronic Arts s'approprie le filon et développe rapidement un épisode dérivé : Coupe du Monde de Quidditch. Si c'est pas de l'abus, ça...
Heureusement, certaines personnes un tant soit peu sensée resistent encore et toujours à l'envahisseur. L'anecdote la plus significative restera sans doute la démarche faite par Peter Jackson qui, grand fan de jeux vidéo et déçu des adaptations de sa trilogie Lord of the Rings par EA, décida de louer les services de Michel Ancel et de son équipe à Ubi Soft, histoire de leur confier le développement de la version console de King Kong. King Kong, le jeu, restera finalement comme LA grande surprise de la période de Noël, et sûrement l'un des meilleurs titres de cette génération si l'on fait abstraction de la durée de vie relativement pauvre, le développement ayant dû être raccourcit pour coller avec la sortie du film.
Des réalisateurs encore plus réputés avaient proné cette approche artistique plutôt que financière bien avant Peter Jackson. Les Frères Wachowski comptaient sur Enter the Matrix, l'adaptation vidéoludique de leurs trips filmiques, pour être une approche totalement différente de l'univers Matrix tout en restant un complément indispensable à la totale compréhension de la trilogie. Pressés par la sortie imminente du second film, les studios Shiny, en charge du projet, furent obligés d'abandonner nombres de leurs idées afin de rentrer dans les délais, quitte à tronquer une bonne partie du jeu... et transformer un jeu attendu en soft relativement mauvais et injouable. Voilà qui nous amène à un autre point de ce dossier : qu'en est-il de l'influence des grosses industries sur les petites compagnies ?



Quand un studio en avale un autre

Il y a de cela quelques mois, Ubi Soft laissait tomber la french-touch qui le caractérisait pour s'attaquer au jeu grand public. Naquirent des légendes désormais aussi renommées que les jeux d'antan. Il suffit que je fasse sonner les noms de Splinter Cell, Prince of Persia : Les Sables du Temps ou Far Cry pour que des souvenirs impérissables remontent à votre esprit. Electronic Arts, fleurant le fillon, se dépécha d'acquérir 20% des parts de ce studio afin d'avoir main-mise sur les futurs projets d'Ubi. Heureusement, UbiSoft répliqua rapidement en prenant toutes les précautions possibles, avant qu'EA, agacé de voir les réactions des joueurs mécontents, ne se lave de tous soupçons en annonçant clairement qu'aucune attaque n'était envisagée et que le développeur américain n'avait pas l'intention de s'approprier le studio français. Les studios de Criterion durent céder sous les billets d'Electronic Arts, offrant à cet éditeur l'un des jeux de caisse les plus rentables du moment : Burnout. L'éditeur américain en profitera d'ailleurs pour négliger la qualité de la série en distribuant à tord et à travers différentes versions du jeu dont la seule différence notable se trouvait dans le nom. Burnout 3 : Takedown rapidement remplacé par un pseudo add-on, Burnout : Revenge, version qui aura fait le tour des consoles du moment, passant même par la case PSP et DS (alors que chacun sait que la console portable de Nintendo ne peut offrir des titres en 3D dignes de ce nom).
D'ailleurs, la récente arrivée de LionHead et de Peter Molyneux dans les mailles du filet Microsoft témoignent de l'agressivité de ce développeur. Arrivé récemment sur le marché des jeux consoles, Microsoft a su s'imposer de part une approche très significative du jeu vidéo : le rapprochement entre la console et le PC.
La fusion la plus impressionante et qui illustre à merveille ce paragraphe est celle qui a pris effet le 1er Avril 2003. La blague, si elle en avait vraiment été une, aurait été de très mauvais goût... Mais les faits sont bien là : les deux géants du RPG que sont SquareSoft et Enix fusionnèrent pour former Square-Enix. Imaginez un peu : en 1986 sort un titre au Japon proposant une intrigue particulièrement alléchante et initiant la population à un nouveau genre, le RPG. Ce jeu se nomme Dragon Quest et est édité par Enix. Une année passe, et alors que SquareSoft est sur le point de mettre la clé sous la porte, le studio tente le tout pour le tout en proposant une alternative au RPG de Enix en proposant Final Fantasy (en référence à la dernière chance pour le développeur). Les deux studios, même s'ils éditaient tous deux des RPG, n'avaient décidement rien en commun. Enix et Dragon Quest privilégiait la continuité entre les histoires, faisant des trois premiers DraQue une trilogie et des trois suivant une deuxième, tandis que SquareSoft préférait que ses Final Fantasy n'aient absolument aucun lien entre eux, que ce soit au niveau du scénario ou au niveau de la carte. Autre point qui différenciait les deux studios : SquareSoft était avide de technologie et n'hésitait pas à repousser les limites du support qui accueillait ses productions à chaque nouveau soft, chose à laquelle Enix répondait par une simple envie d'une aventure principalement axée sur le scénario, et où les graphismes n'avaient qu'une importance réduite. Enfin, on notera également qu'Enix n'exportera sa série en dehors des limites nippones que très récemment, alors que SquareSoft, conscient du potentiel mondial de ses jeux, n'hésita pas à proposer des versions américains et européennes aux Final Fantasy. Depuis cette époque, deux clans bien distincts sont présent au Japon : les adorateurs de FiFan, et les fans de DraQue. Les individualités sont marquées, chacun préférant l'une ou l'autre série et n'hésitant pas à tirer dans les pattes des rivalités. Même la relative fusion de 1995, nommée DreamTeam (puisque réunissant la crême des créateurs de jeu, voir paragraphe Une option artistique plus présente), et aboutissant à l'un des meilleurs RPG de tout les temps n'arriva pas à instaurer un climat de paix entre les deux camps de joueurs, à défaut de rallier Square et Enix qui deviennent dès-lors étrangement proche... Si bien qu'en 2003, les deux studios fusionnent pour ne plus former que Square-Enix. Je vous épargne les récits des multiples crises cardiaque que cette annonce a provoqué, certains fans laissant carrément tomber leur saga favorite par simple dégoût. La fusion ne témoigne pas d'une envie artistique de rallier les talents des deux équipes mais d'une nouvelle difficulté financière de SquareSoft. Aprés l'énorme flop du film Final Fantasy, qui avait tout de même investit énormement d'argent dans ce projet, SquareSoft est dans un gouffre financier et a besoin de renouveau pour redorer son blason. Dans cette optique, SquareSoft développe de nombreux titres, tous dans le but de récupérer un maximum d'argent. Ainsi naquirent Kingdom Hearts, Final Fantasy X-2, Final Fantasy Crystal Chronicles et Final Fantasy Tactics Advance qui reflètent tous l'avidité de SquareSoft à cette époque. Square dut, pour finir en beauté, s'allier avec Enix (qui l'aida à finir le développement de certains titres précedemment cités). Pourtant, même si les deux studios ne font désormais plus qu'un, on peut remarquer que les deux équipes ne travaillent que très peu ensemble, chacune préférant s'atteler à ce qu'elle sait faire de mieux. Les FF n'entâchent pas les DraQue, et les DraQue n'entachent pas les FF. Une fusion financière bien plus qu'artistique est-elle bénéfique pour les joueurs ?



Puis la publicité entre en scène...

Afin d'assurer des retombées conséquentes aprés le développement d'un jeu, les développeurs et éditeurs mettent tout leur savoir-faire dans ce qu'ils savent faire de mieux, après le développement du jeu vidéo, les campagnes marketing. Dans ce domaine, la publicité reste un très bon investissement et les titres forts du moment ont tous leur espace publicitaire alloué sur quelque chaîne que ce soit. Si certains développeurs font dans la facilité avec des spots sobres et représentatifs du contenu du jeu, d'autres jouent la carte de l'originalité. A l'image de Nintendo et des nombreuses publicités faisant les louanges de la Nintendo DS, toutes plus hilarantes les unes que les autres, et véhiculant l'image de l'adolescent cool (il fait du skate, donc évidemment qu'il est cool ce gamin ^^), les marketeux actuels semblent profiter du boom actuel autour de la primeur qu'à prise l'apparence sur le contenu. Prenons par exemple la publicité du film Silent Hill, qui vient de sortir en salle, et que l'on retrouve dans tous les bons mags de jeu. Faisons abstraction du fait qu'elle ne met pas en scène un jeu mais un film, tout en gardant en tête que la notion qui sépare l'oeuvre cinématographique de la saga vidéoludique est infime, et attardons-nous sur cette publicité qui fait également office d'affiche officielle. On y découvre le tableau d'une jeune fille, légèrement effrité par le temps qui passe, et dont la bouche a totalement disparu. Ce seul élèment tend à effrayer le consommateur, puis à l'intriguer pour lui donner ensuite l'envie d'aller étudier plus en détail le film ou le jeu présenté. On se rend ensuite compte, par une étude approfondie, qu'il n'y a que la peau de la jeune fille qui est craquelée, étrange tout cela... Si la publicité arrive à attiser la curiosité du consommateur, alors c'est gagné. Ainsi, les publicitaires laissent actuellement tomber la publicité racoleuse, sensée présenter tout le contenu du jeu sur une simple page pour mettre l'eau à la bouche du futur acquéreur, préférant jouer sur un effet cool, sobre, tout simplement classe. Une tendance qui tend à s'accélérer avec la sortie de la Nintendo Revolution (récemment rebaptisée Nintendo Wii) et qui emprunte beaucoup au hype de l'iPod. Le jeu vidéo a donc trouvé, comme de nombreux autres produits, en la publicité un moyen très simple pour vendre rapidement. Mais quel interêt représente le jeu vidéo pour la publicité ?

Selon une étude de Game Initiative, la présence de publicité dans les jeux vidéo devrait augmenter de 760% dans les années à venir. Ne me demandez-pas d'où viennent ces estimations, je ne le sais pas. Pourtant, les publicitaires ont bien pris conscience que le jeu vidéo est un loisir terriblement présent dans les moeurs actuelles, et qu'un peu de publicité à l'intérieur ne ferait pas de mal... Les éditeurs, soucieux que la publicité est une arme incroyablement efficace pour vendre, ont parfois proposé des espaces libres dans leurs jeux. Si certains y voient là un lien encore plus intrinsèque avec la réalité, on y découvre surtout un produit qui sert également à la promotion d'autres, lui imprégnant d'autant plus la marque du temps qu'il devient dépassé une fois que l'on y rejoue. EA, dans cette optique, a fait de Burnout 3 un très bon présentoir publicitaire pour tous ses autres titres du moment. Ainsi, il n'est pas rare, au détour d'un virage, de croiser un panneau vantant les mérites du dernier jeu de guerre de la firme. Pro Evolution Soccer, le jeu phare de Konami, est également un exemple flagrant. Même si l'éditeur n'est pas un monstre du marketing comme peut l'être Electronic Arts, il n'en reste pas moins que son jeu de football est une magnifique porte ouverte à toutes sortes d'investisseurs. Heureusement pour nous, Konami a su faire un tri dans celles qui apparaitront le long des terrains, et on retrouve avec plaisir des annonces toutes aussi diverses, et qui en ont vraiment besoin, que celles pour la chaîne du jeu vidéo GameOne. D'autres titres ont quant à eux totalement oubliés l'once de crédibilité nécessaire à la solubilité du spot publicitaire dans le décor. Un publicité Pringles dans Gran Turismo ? Les développeurs avaient-il vraiment besoin de ça pour produire ce jeu ? Tout le monde se souviendra de la publicité metant en scène Djidane, héros principal de Final Fantasy IX, courant aprés une capsule de Coca-Cola. L'alliance entre le géant japonais et l'américain ne s'était pas terminé là-dessus, puisque des figurines Final Fantasy X sponsorisées par Coca-Cola avait accompagnées la sortie du premier FiFan de la PS2. Coca-Cola a d'ailleurs récemment réitéré l'opération, pour fêter la sortie de Perfect Dark Zero, en affichant la plastique avantageuse de Joanna Dark sur ses canettes en aluminium. Les bulles de la boisson américaine n'auront pas suffit à relever le goût du jeu de Rare, fade au possible. Enfin, pour rester sur ce terrain gazeux, rappellons l'entente passée entre Pepsi et Nintendo pour la sortie de la Nintendo DS au Japon, qui aura aboutit à la création d'une console collector qui fait des ravages sur eBay.

Alors ? Mario portera-t-il, dans sa prochaine aventure, une casquette Lacoste et des chaussures Nike ? Ne croyez pas si bien dire, car c'est déjà le cas dans beaucoup de jeux. La publicité cachée, derrière des faux-semblants de rapprochement avec la réalité, est d'autant plus présente dans les titres sportifs. Fifa et ses nombreuses licences, Tony Hawk et les dizaines de marques qui accompagnent vos nombreux t-shirts, NBA Street et ses chaussures customisables... Votre avatar devient un véritable homme-sandwich que vous plaisez à faire évoluer dans des décors toujours plus remplis de présentoirs publicitaires. Attention au bourrage de crâne, gardez votre esprit critique, jouez à des bons jeux !



Une option artistique bien plus présente

Si le jeu vidéo est plus médiatisé à l'heure actuelle, il est aussi bien mieux considéré qu'avant. L'époque où Nintendo détenait 95% du chiffre d'affaire du marché vidéoludique est révolue, et l'image infantile du jeu vidéo avec elle. L'arrivée, en 1994, de la Playstation sur un terrain monopolisé par le géant de Kyoto relève de la légende. Pourtant, grâce à son image plus cool, la Playstation s'impose dans les foyers japonais, américains puis européens. Le support étant incroyablement plus facile d'accés que celui de la concurrence, et les royalties pratiquement absents, les développeurs commencent alors à se tourner vers la Playstation pour développer leurs jeux, toujours dans cet optique grand public. En résultent des séries désormais cultes qui plairont aux joueurs de plus de 25 ans, comme Tomb Raider ou Driver. C'est ainsi que le jeu vidéo s'est vite imposé comme le média le plus important des jours actuels. Au revoir le cinéma, au revoir la musique, les investisseurs parient désormais sur le jeu vidéo pour encaisser le plus d'argent. Les gros studios avalent les plus petits (voir paragraphe dédié) et les jeux à gros budgets restent toujours relativement moyens, préférant s'appuyer sur une licence juteuse que sur un staff conséquent. La Playstation a médiatisé le jeu vidéo, mais l'a aussi rendu très commercial... jusqu'à ce que des petits studios mettent la main à la patte.
A la manière de Clover Studio, qui s'échappe de chez Capcom en 2004, avec à sa tête les incroyables Atsushi Inaba (Steel Batallion, Viewtiful Joe), Shinji Mikami (Resident Evil) et Hideki Kamiya (Devil May Cry), les petits studios ont le vent en poupe. Clover nous gratifiera d'un excellent Viewtiful Joe 2 avant d'annoncer le développement d'Okami, un jeu dans lequel vous agissez directement sur le décor par le biais d'un pinceau magique. Un concept qui trouverait parfaitement sa place sur Nintendo DS, d'ailleurs...
Sony Computer Entertainement, à défaut de produire en quantité comme aime le faire Nintendo, privilégie alègrement la qualité en offrant carte blanche à ses développeurs. ICO en est un exemple flagrant. Un écran vide, dénué de barre de vie, de score ou de carte, seulement animé par les mouvements du personnage qui n'est ni un héros ni un sauveur. Pour la première fois dans un jeu, vous ETES le personnage principal. Fumito Ueda, responsable du projet, explique d'ailleurs qu'ICO n'est pas un jeu mais une oeuvre d'art dans laquelle peut se plonger le joueur. Sa suite, toujours réalisée par la même équipe, met en scène un jeune guerrier qui devra vaincre plusieurs colosses pour sauver sa dulcinée. Cette fois, la barre d'energie est bien présente, et Ueda aime à rappeller que nous avons, de ce fait, bien affaire à un jeu vidéo. Shadow of the Colossus reste pourtant un modèle d'originalité, tout simplement parcequ'il n'y a aucun ennemi durant le jeu ! Bien évidemment, les colosses font figure d'adversaires redoutables, mais rien qui ne vient détruire la tranquilité de ce monde vaste et calme... à part vous. VOUS êtes l'ennemi, vous êtes celui qui vient troubler ce monde et détruire sa fertilité. Aucun de ces colosses ne vous a attaqué, aucun d'entre eux n'a voulu vous barrer la route et leur seul préjudice est d'être ce qu'ils sont : la clé pour sauver la vie de votre bien-aimée.
Ou encore Mistwalker, qui a réussit à réunir les maîtres du RPG comme à la belle époque de Chrono Trigger. Effectivement, avec des personnalités aussi distinctes et fortes que Hironobu Sakaguchi (créateur de Final Fantasy), Nobuo Uematsu (compositeur attitré des Final Fantasy), Yoshitaka Amano (designer et illustrateur ayant officié chez Square-Enix) et Akira Toriyama (est-il encore utile de le présenter...? Dragon Ball !), on ne peut s'attendre qu'à des jeux d'une qualité monstrueuse ! Le studio semble d'ailleurs motivé et prolifique, puisque plusieurs projets sont déjà en travaux : Lost Odyssey, Blue Dragon et Cry On sur Xbox 360 ainsi que Archaic Sealed Heat sur Nintendo DS. Fort de la réputation de ces hommes et des nombreux titres Xbox 360 en chantier, la console de Microsoft devrait enfin connaitre ses heures de gloire sur le sol nippon, c'est tout le mal qu'on lui souhaite !
Concernant la Nintendo Wii, il semblerait que les nouveaux studios voient en cette console la plateforme idéale pour laisser aller leur imagination. Si UbiSoft, Electronic Arts ou Konami ont déjà annoncé leurs premiers jeux, les petits développeurs sans aucune expérience ne sont pas en reste. Nibris, en premier lieu, vient récemment d'annoncer le développement de deux jeux sur la console de Nintendo. Sadness, entierement réalisé en noir et blanc, et Raid Over the River, prévu sur Nintendo DS et Wii. LifePark Studios, lui, est actuellement à l'oeuvre sur un projet particulièrement optimiste et qui porte le doux nom de Sunder : Land of Divide. Malheureusement, et même si des concept-arts ont accompagné les quelques annonces, le studio se fait de plus en plus discret sur le futur de son jeu. Attendons l'E3 avant de penser quoi que ce soit. L'option artistique dans les jeux vidéo fera l'objet d'un futur dossier. Rendez-vous le mois prochain ;-)



Ce n'est plus un secret pour personne, le jeu vidéo est devenu le loisir le plus important au monde. Loin devant le cinéma, la musique et la télé, il est aujourd'hui le reflet de la culture actuelle : reposant sur des bases et un passé solide, mais en perpétuelle et constante évolution. Si certains continuent à le considérer comme un formidable outil pour réaliser des chefs d'oeuvre, d'autres en ont fait un produit lucratif au possible. Espérons que, dans les années à venir, les développeurs remplis de bonnes intentions deviennent légions ! Ah, et j'oubliai : Jouez, jouez et jouez encore !

La publicité dans le jeu vidéo, ça ne date pas de la dernière pluie.

Déjà, les premiers jeux Electronic Arts incorporaient en leur sein des affiches vantant les mérites de leurs autres titres, et il n'étonnait plus personne de retrouver une pancarte NHL 2006 au détour d'un virage dans Need for Speed. Or, s'il est vrai qu'instaurer des spots dans PGR et autres jeux de course peut renforcer l'impression d'appartenir à un univers oscillant entre le réel et le virtuel, retrouver la bande-annonce d'un blockbuster américain au cours d'une partie de Resident Evil n'enchante personne.

Il faut amortir les coûts de production toujours plus élevés des jeux et il faut parer aux affres du piratage. Voici les deux arguments économiques majeurs des idéologues du milieu, noyés au milieu d'autres justifications plus abstraites tels un réalisme accru pour le joueur lambda.



Alors d'accord, je vous entends déjà dire que la publicité n'est pas mauvaise en soi et qu'une utilisation judicieuse à l'intérieur d'un jeu ne sera que bénéfique pour tout le monde. Je vous coupe tout de suite en approuvant cela, mais en avançant autre chose et qui risque bien d'arriver si l'on ne fait rien pour empêcher l'avancée d'une telle idée : la mort des petits développeurs. En effet, lorsque Capcom et Konami auront intégré des espaces publicitaires pour Danone qui, certain qu'un Metal Gear Solid ou qu'un Silent Hill se vendra à quelques millions d'exemplaires, n'hésitera pas à aligner les liasses de dollars alors qu'il n'aura que faire des petits Little Big Planet et autres jeux hauts en couleur qui ne toucheront qu'un public réduit.



L'information du jour, qui vient appuyer nos suspicions, est la suivante : des chiffres en provenance de eMarketer et RealNetworks affirment que l'argent dépensé pour l'instauration de publicités dans le jeu vidéo dépassera allègrement les 1,94 milliards de dollars avant 2011. Pourquoi un tel optimisme de la part de ces organismes crapuleux ? L'augmentation croissante du nombre de casual gamers et du streaming vidéo à l'intérieur des jeux. Amis moutons, nous sommes bons pour la friture. L'autre problème majeur, c'est que la publicité est là pour vous inciter à acheter un produit en agissant directement sur votre inconscient. Ainsi, sans vous en rendre compte, vous avez irrémédiablement envie de vous procurer le produit que vous avez aperçu il y a quelques secondes. Exemple flagrant, j'ai enoncé tout au long de la news quelques nombreux jeux... n'avez vous pas une soudaine envie d'y jouer ? Attention à la manipulation, chers amis gamers, Big Brother vous regarde...

Chapitre IX - Le jeu vidéo plus fort que le cinéma ? / Outroduction

Revenons rapidement à Final Fantasy VII Advent Children... Une fois visionné, une fois la claque passée et notre cerveau remis en place, on se surprend à se poser une question : est-ce que le jeu vidéo pourra un jour être adapté au cinéma et nous satisfaire pleinement ? Il en ressort que non, tout simplement à cause du fait que nous ne sommes pas maîtres de ce qui apparait sur l'écran. Là où le jeu nous emporte dans un monde où nous sommes en partie les régisseurs des règles qui le composent, agissant parfois directement sur le déroulement du scénario en lui-même, le cinéma fait de nous un spectateur passif, qui subit les images sans pouvoir les contrôler. C'est cet aspect fondamental qui distingue le jeu vidéo du cinéma, et qui nous fait apprécier une oeuvre vidéoludique bien plus qu'une cinématographique. Evidemment, il apparait aussi que deux heures pour s'attacher à des personnages, vivre une aventure à leurs côtés, s'émouvoir, pleurer et rire à s'en péter les côtes semble bien peu. L'avantage du jeu vidéo tient aussi dans sa longueur, ce qui permet de ne pas brusquer notre avancée dans le monde et d'offrir un scénario particulièrement riche. Le jeu vidéo est aussi un média tellement subjectif, tant pour le réalisateur que pour celui du joueur, qu'il est difficile de contenter tout le monde lorsqu'une adaptation cinéma du soft est réalisée. La même chose se produit pour les films transposés en jeu, il est difficile pour l'éditeur d'intégrer au jeu tout ce qui a fait le succès du film, en tenant compte des exigences de chacun.
Alors, dans cette optique, pourquoi certaines adaptations sont plus réussies que d'autres ? Pourquoi Resident Evil est une daube et Final Fantasy VII Advent Children une bombe ? Plusieurs critères sont en cause. Tout d'abord, il semblerait que Paul Anderson, le papa de Resident Evil Le Film, ait oublié l'univers du jeu dont il allait parler. Pour qu'une adaptation soit réussie, il faut que le background du film respecte un tant soit peu celui du jeu, pour que le fan ait des repères en abordant le film. Les personnages sont également très importants, et ils doivent rester dans la veine de l'oeuvre originale sans toutefois être obligatoirement les mêmes. RE Le film instaurait un univers high-tech alors que le jeu jouait sur un côté rustique dérangeant. Si l'on emprunte le nom d'un univers en ne respectant ni les codes, ni les règles, ni les personnage, on fonce droit dans le mur.
Un jeu vidéo ne doit pas non plus être uniquement considéré comme de nombreux passages d'action mis boût à boûts, et le réalisateur d'une adaptation ne doit surtout pas prendre tout ce qu'il y a de cinématographique dans un jeu pour le transposer en film. C'est ainsi que Resident Evil Apocalypse s'est complètement cassé la gueule. Anderson avait compris que les fans de la saga voulaient quelque-chose de beaucoup plus proche avec l'oeuvre originale, et il a joué aux jeux pour ensuite ne retenir que ce qui pourrait alimenter un film d'action grassement américain. La scène où Alice traverse un couloir tandis qu'un hélicoptère tente de l'abattre vient directement de Resident Evil Code Veronica, et aurait pu être un clin d'oeil habile aux fans, si tout cela n'avait pas été gâché par un contexte toujours plus mal maitrisé. La scène est la réplique exacte de celle qui apparait dans RECV, le réalisateur n'y inculque rien de personnel et la scène est donc totalement vide d'interêt pour le spectateur qui connait le jeu. Une adaptation ne doit donc pas non plus copier intégralement les lignes directrices du jeu. Silent Hill, de Christophe Gans, a été réalisé par un passioné. Lors de la sortie du jeu en 1999, Gans achète les droits pour signer une adaptation 7 ans plus tard. Il arrivera à proposer sa vision de Silent Hill, qui ne convaincra pas tout le monde. Sa Silent Hill est artistique, presque propre, et le côté vomitif de celle du jeu ne se ressent presque pas. La passion est elle un facteur déterminant dans la réalisation d'une adaptation ? Oui, tant que celle-ci ne rend pas le réalisateur aveugle sur son projet. Gans, fort du succès qu'a eu son bébé, s'occupera de l'adaptation de Onimusha dans les salles obscures. Pour ce qui est de Anderson, il s'attardera à la production de Driver prochainement. Tant qu'à faire des films de merde, autant qu'ils soient adaptés de jeux de merde, n'est-ce pas ?

Outroduction / Conclusion

Voilà, c'est terminé. Mon oeuvre est achevée. Mon plus gros dossier, mon plus gros projet, mon travail de trois longs mois. Je te remercie, toi, lecteur, d'avoir pris le temps de lire intégralement ce dossier et, j'espère, de l'avoir apprécié à sa juste valeur. Je t'emmerde, toi, qui a juste survolé les différents paragraphes et avoir fait fît de la passion que j'ai dépensé à écrire cet ouvrage. Il n'avait, une fois de plus, pas pour ambition d'être le plus complet possible, mais surtout de vous exposer ma vision du jeu vidéo, de ses liens avec le cinéma et avec le joueur. Je terminerai ce dossier sur une citation de Christophe Gans qui résume parfaitement ce travail :



Remerciements :
Noëmie, pour sa patience et son éternel soutient.
Laerthis, pour m'avoir remotivé quand il le fallait (désolé, la surprise a été annulée à la dernière minute :/)
Ben_j, pour la chanson d'introduction et pleins d'autres trucs.
Fan-Nintendo, pour l'aide précieuse.
Margot, pour les idées sur Fahrenheit.
Rémi, pour quelques idées et l'aide sur Metal Gear Solid.

Et enfin, toi, cher lecteur, pour le temps que tu as passé à lire l'intégralité (ou seulement quelques parties) de ce long dossier.

Chapitre VIII - Machinima

Je comptais vous parler de The Movies dans un paragraphe dédié, mais je me suis rapidement rendu compte qu'il appartenait à une catégorie toute particulière de concept : les machinimas. Petite rétrospective d'un nouveau monde dans l'univers du jeu vidéo, et présentation des oeuvres les plus convaincantes.

Machini-quoi ? Machinima, mot constitué de machine, cinéma et animation, est une nouvelle forme de réalisation qui profite des technologies employées dans les jeux vidéo pour tourner des films. Grâce, le plus souvent, au moteur du jeu, les cinéastes en herbe peuvent réaliser de petits courts-métrages mettant en scène les héros des jeux vidéo qu'ils utilisent. Pas besoin d'un PC de compétition pour s'attarder sur ce loisir grandissant, puisqu'il est tout à fait possible de réaliser ses projets par le biais de jeux assez anciens, comme Quake ou Unreal Tournament 2004. L'aventure machinima débute à la fin des années 70. Les démomakers créent leurs premières productions ludo-cinématographiques à partir d'images de jeux. A cette époque, ce ne sont que des petits clips maladroits, mais la passion qui s'en dégage est déjà impressionante. Deux décénnies plus tard, en 1992, un jeu intègre un studio de cinéma dans son concept, permettant au joueur de réaliser des cascades en plaçant obstacles et caméras. Ce jeu, c'est Stunt Island (qui connaitra, d'ailleurs, une suite intitulée Stunt Island 3D). Le jeu est tellement riche qu'aux Etats-Unis une communauté de fans se créé autour du soft. CompuServe et Internet sont les plateformes qui permettent aux joueurs de partager leurs réalisations, puisqu'il est possible de regarder les films sans posséder obligatoirement le jeu. L'année suivante débarque l'énormissime Doom, accompagné d'un mode speedruns permettant d'enregistrer ses parties. Déjà, les amateurs commencent à monter leurs films pour les rendre plus
egardables et dynamiques. Lorsque les caméras deviennent enfin contrôlables, avec l'avènement des jeux en 3D, la révolution machinima débute réellement. On attribue souvent à Quake l'invention du contrôle des caméras lors de la séquence d'enregistrement, mais c'est en fait MechWarrior 2 qui proposa ce système en premier. En 1997, les premiers Quake Movies apparaissaient, en 1998, le mot machinima était adopté. Les progrès des moteurs 3D aidant, le phénomène a prit de plus en plus d'ampleur, surtout au cours de ces dernières années, si bien que certains développeurs n'hésitaient pas à utiliser la technique du machinima pour les cinématiques employées dans leurs jeux. Ce fût le cas des développeurs de Act of War : Direct Action, pendant qu'un développeur jouait, un autre enregistrait la séquence puis retravaillait les dialogues pour en faire des cinématiques dans le moteur du jeu. Conscient du potentiel du machinima, Epic Games inclut réalisa Matinee, un outil de réalisation de machinima, à son jeu Unreal Tournament 2003. Le succès retentissant et l'utilisation fréquente de ce logiciel poussa l'éditeur à organiser un concours de machinima avec un prix de 50000$ en jeu. George Lucas lui-même ira jusqu'à utiliser ce logiciel pour prévisualiser ce que seront les scènes de Star Wars. Quake II, Battlefield 1942, Neverwinter Nights... On ne compte plus désormais les jeux qui offrent la possibilité de filmer. Star Wars Galaxies, World of Warcraft et Les Sims 2 ont définitivement finit d'asseoir le phénomène. Pourtant, le monde du machinima n'était pas accessible pour le joueur commun. Même si, comme je l'ai déjà dit, les machines sur lesquelles les développer n'ont pas à être particulièrement puissantes, il reste que les machinimas demandent des compétences et du temps, beaucoup de temps... Jusqu'à ce qu'arrive The Movies...



BONUS

Comme à chaque fois (ou presque), voici un petit peu de bonus pour te remercier de m'avoir offert ton temps, cher voyageur. Pour faire original ce coup-ci, je te propose quelques vidéos, mais pas n'importe lesquelles. Ici sont repertoriés, en véritable conclusion à ce paragraphe, les meilleurs machinimas du net. Bien malheureux sera celui qui aura sauté les bonus de ce paragraphe, il en manquera la partie la plus représentative...

Red vs. Blue Réalisé avec pour base le jeu Halo, le machinima Red vs. Blue a été récompensé de nombreuses fois. Il s'agit, ici, de deux équipes qui s'affrontent : les rouges, et les bleus. C'est bourré d'humour et de répliques cultes. A voir d'urgence !

Hardly Workin' Le graphisme diffère tellement du jeu d'origine qu'il est presque impossible de trouver quelle est la base de ce machinima... C'est Quake. A ce jour, c'est le machinima le plus récompensé du net. Du travail de pro, et un humour à couper le souffle.

Matrix 4x1 Parmi les machinimas les plus vus sur le net, Matrix 4x1 fait office de leader. Une série de courts-métrage se déroulant dans l'univers de Matrix, les fans adorent tant la réalisation est propre et soignée !

Anachronox : The Movie L'échec commercial du jeu Anachronox n'aura pas refroidi ses fans puisqu'ils se mirent à créer un film autour du jeu... relatant l'ensemble du jeu dans un métrage de plus de 2 heures ! Absolument incontournable.

Chapitre VII - C'est un mec, y fait des jeux...

Le réalisateur d'un film est le responsable artistique du projet. Son travail consiste à ce que ce qui se passe sur le plateau colle au mieux avec la vision qu'il a de l'oeuvre. Depuis les prémices du cinéma, de nombreux noms ont emérgé et n'ont désormais plus à faire leur preuve. Même si le cinéma n'est pas votre domaine de prédilection, des noms tels que George Lucas, Steven Spielberg ou Clint Eastwood ne sont pas étrangés à votre oreille. Bien évidemment, le réalisateur n'est pas le seul homme en charge de la réalisation de son futur film, puisque toute une équipe s'occupe des nombreuses tâches à effectuer. Pour le jeu vidéo, c'est la même chose, à quelques exceptions près. Lors de la réalisation d'un soft, pas besoin de plateau de tournage, de cadreurs, de maquilleuses ou de scripte, il suffit juste d'une bonne poignée d'ordinateurs et de personnes compétantes à placer dérrière. Toutefois, à l'instar du cinéma, de nombreux postes sont à attribuer dans une équipe de développement, et nous allons énumérer les plus importants juste ici. Commençons, une fois n'est pas coutume, et parceque le point le plus important sera à étudier en dernier, par la fin.
Une fois que l'oeuvre est terminé, entrent en scène les bêta-testeurs. Ces derniers, enviés par toute une communauté de joueurs, ont la lourde tâche de repérer tous les bugs du jeu, puis d'en faire part à l'équipe de développement qui se chargera de les réctifier. Être payé pour jouer, n'est-ce pas notre rêve à tous ? (^^)
Avant de pouvoir commencer à développer des personnages, des niveaux, et tout ce qui constituera le contenu du jeu, l'équipe se doit de construire le squelette sur lequel se basera toute l'architecture du jeu. A ce poste, on retrouve donc les programmeurs. Ils se chargent de la création du moteur du jeu, qui définira par la suite son environnement graphique, l'intelligence artificielle, la physique des objets et des corps, le son et le jeu en réseau pour un hypothétique mode mode multijoueurs. Les concepteurs de niveau (plus communement appellés level designer) entrent alors en scène et ont pour mission de réaliser les différents niveaux du jeu en respectant les consignes données par le réalisateur. Si un niveau rentranscrit parfaitement l'ambiance qu'a voulu donner le réalisateur au jeu, c'est grâce aux level designer. Les deux métiers du jeu vidéo que nous allons maintenant aborder sont les plus importants, et sont parfois intrinsèquement liés. Voici venir les artistes et les game designer. Les game designer, appelés également concepteurs ou réalisateurs, sont les chefs de projet du soft. Ce sont eux qui enfantent le jeu, qui s'occupent globalement de l'équipe et qui posent les règles et les bases du développement. On doit souvent un concept innovant au game designer, mais on lui doit aussi la conception de l'univers et des règles qui le régissent. Toi même, lecteur, tu connais de nombreux game designer, auxquels on assimile rapidement un nom de jeu. Si je te dis Mario, Zelda et Pikmin, tu me dis... Shigeru Miyamoto. Si je te dis Beyond Good & Evil, Rayman, King Kong, tu me dis... Michel Ancel, sans hésiter. Nombreuses personnes considèrent ce poste comme le plus important lors de la création d'un jeu, et je le conçois, puisque la petite galette que tu insères dans ta console n'aurait jamais existé si ces personnes n'étaient pas là. Pourtant, à mon sens, les artistes qui participent au développement du futur soft ont un mérite beaucoup plus grand. Et, surtout, il y a beaucoup plus de choses à dire à leur sujet... Portraits de véritables artistes qui ont donné leur lettres de noblesse à quelques sagas cultes.

Yoshitaka Amano et Tetsuya Nomura - Character Designers



Deux poids lourds de l'industrie Square-Enix. Deux styles diamétralement opposés, deux destins liés mais incroyablement différents. Honneur au vétéran. Yoshitaka Amano, né le 26 Mars 1952 à Shizuoka, commencera à exercer professionellement de son talent graphique dès l'âge de 15 ans pour la société Tatsunoko. Il travaillera sur Gatchaman et Maya l'Abeille, entre autres, avant de lancer sa propre société : Ten Productions. Après diverses illustrations témoignants de son savoir faire, il remportera le Seium SHO, une des distinctions les plus enviées au Japon. C'est en 1984 qu'il dessine son premier recueil de peintures, et participe la même année au film L'Oeuf de l'Ange, avec Mamoru Oshii. Deux années plus tard, un studio de jeu vidéo du nom de SquareSoft le contacte pour confectionner les personnages et décors de leur toute nouvelle saga, Final Fantasy. Il occupera le poste important de Character Designer pour les six premiers épisodes de la saga, avant d'être délogé par un certain Tetsuya Nomura pour le septième, la société misant sur une nouvelle ambiance. Amano reviendra pour dessiner tous les logos (qui sont, on est d'accord, absolument magnifiques) et pour Final Fantasy IX. Il partipera aussi à deux épisodes de Front Mission, et nombre d'autres softs plus ou moins connus. En 1993, après avoir conçu plusieurs costumes de plusieurs pièces de théatre, il griffe trois vitraux d'un musée japonais. Puis, l'artiste décide de quitter le Japon pour s'installer dans la capitale du monde. Il exposera une collection, sûrement le chef d'oeuvre de sa vie, intitulée Think Like Amano, que l'on peut admirer au Puck Building de New York. Record d'affluence.



Tetsuya Nomura, né le 8 Août 1972 à Osaka, débute dans une école privée de publicité, avant de rapidement entrer chez SquareSoft et d'occuper le poste de monster designer, notamment pour Final Fantasy V. Conscients du talent du jeune homme, les dirigeants de Square lui offre le devant de l'affiche pour Final Fantasy VII, éjectant au passage Yoshitaka Amano. Il sera donc promu officiellement character designer de la série, et changera même quelques lignes du scénario (c'est à lui que l'on doit la mort d'Aerith...) . La motivation dûe au succès aidant, Nomura croule sous les projets. Après Parasite Eve et Brave Fencer Musashiden en 1998, il expérimentera le style occidental avec Final Fantasy VIII, mais supervisera aussi les scènes cinématiques et les combats. Ecarté pour Final Fantasy IX, Nomura s'occupera du jeu de combat made in SquareSoft, Ergheiz, de la suite de Parasite Eve, et enfin de The Bouncer. C'est en 1999 que la nouvelle éclate : Final Fantasy X sera l'occasion de coupler les talents de Nomura et d'Amano. En résultent des personnages charismatiques (Auron est à ce titre sublime) et un univers d'une richesse graphique incroyable. Son futur projet donnera naissance à LA saga de l'union Square et Enix. Mêlant habilement les univers Disney et Final Fantasy, Kingdom Hearts est aux yeux de tous un chef d'oeuvre absolu. Viendra ensuite Final Fantasy X-2, où Nomura laissera éclater son engouement pour la mode (ce qui, d'ailleurs, n'aura pas été si bien vu qu'il l'eu souhaité...). La Compilation Final Fantasy VII, principalement Advent Children où il officiera en tant que réalisateur, et Kingdom Hearts 2 finiront d'achever sa réputation de character designer le plus populaire du jeu vidéo. Actuellement, il travaille sur Final Fantasy XIII - Fabula Nova Crystallis, une fois encore au niveau du design des personnages, mais aussi en tant que chef de projet de Final Fantasy Versus XIII.



Nobuo Uematsu et Koji Kondo : compositeurs de renom.



Nobuo Uematsu, né le 21 Mars 1959 à Kôichi, travaille aujourd'hui à son propre compte et possède une société réservée à la création musicale du nom de Smile Please. Mais, avant d'en arriver là, celui que l'on considère comme le plus grand compositeur de jeu vidéo a parcouru un sacré boût de chemin. Adepte d'Elton John et des Beatles, il commence la piano à l'âge de 12 ans, avec l'ambition controversée de devenir lutteur ou athlète olympique. Son diplome en poche, il créé son propre groupe où il prend la place du synthétiseur, avant de se tourner vers la composition. Une radio japonaise l'embauche pour écrire les petites mélodies qui accompageront ses spots publicitaires. En 1985, il se met à travailler pour Square et travaillera sur plusieurs titres méconnus, comme King's Knight, Alpha, Rad Racer ou encore World Runner. Puis, vient l'heure de la dernière chance pour Square. La faillite pointe le boût de son nez, Final Fantasy sera bien la dernière fantasie de la compagnie si le succès n'est pas au rendez-vous. L'union parfaite des dessins d'Amano et des chansons, restreintes par la technologie de la NES, mais néanmoins épiques et émouvantes, sauvent Square du trépas. Dès lors, tout s'enchaine pour le musicien. Il composera seul toutes les chansons de Final Fantasy à Final Fantasy IX, avant de partager son rôle avec Masashi Hamauzu et Junya Nakano pour Final Fantasy X. Il laissera sa place à Kumi Tanioka et Naoshi Mizuta pour Final Fantasy X-2 et ne sera l'auteur que du thème principal de Final Fantasy XII et de la chanson Kiss Me Good-Bye, interpretée par Angela Aki. On lui confiera également de nombreuses autres bandes-sons, citons par exemple Makaitoushi SaGa (Final Fantasy Legends), le fantastique Chrono Trigger et le film Ah ! My Goddess. Par ailleurs, il réalisera, en collaboration avec Yoko Shimomura, les bandes originales de Super Mario RPG, d'Ergheiz, et de quelques pistes sur les deux Kingdom Hearts. Outre des créations toujours plus echanteresses, Nobuo Uematsu prend la peine de ré-orchestrer ses anciens succès. Fleuriront alors de nombreux albums rearranged/remixed, et une création personnelle du nom de Phantasmagoria. Pour ce qui est de la célébrité, Uematsu tenu durant plusieurs années une rubrique musicale dans le Famitsu, du nom de Nobuo Uematsu no Minna Sounano ?, et reçu le prix de la chanson de l'année à la 14 Cérémonie des Disques d'or au Japon pour la chanson Eyes on Me, tirée de l'original soundtrack de Final Fantasy VIII, et interpretée par Faye Wong. C'est la toute première fois qu'une musique de jeu vidéo reçoit une telle distinction. Comme dit précedemment, il annonça son départ de Square-Enix en 2004 en même temps que son ami Hironobu Sakaguchi, pour lancer sa carrière freelance et sa société Smile Please. Sakaguchi s'appropriera les compétences de Uematsu pour son nouveau studio, Mistwalker, et pour les trois premiers projets de la firme, notamment concernant Blue Dragon. Parallèlement à ça, il a composé la musique de Final Fantasy VII Advent Children avec son groupe de rock/métal The Black Mages. Aura-t-on le droit à un retour de Uematsu pour le main theme de Final Fantasy XII - Fabula Nova Crystallis ? Rien n'est moins sûr...



On aurait pu parler ici de Yoko Shimomura (Kingdom Hearts), de Hitoshi Sakimoto (FFXII, FFT), de Yasunori Mitsuda (Xenosaga, Chrono Trigger), Akira Yamaoka (Silent Hill) ou de Motoi Sakuraba (Tales of, Valkyrie Profile), qui méritent certainement tous un paragraphe ici, mais puisque nous sommes sur un site Nintendo... De toute façon, il y a tout autant à dire sur ce maître, qui a bercé nos oreilles de joueurs durant de longues, très longues balades sur les terres d'Hyrule... Koji Kondo, né le 13 août 1960 à Nagoya, est un jeune compositeur plein de talent lorsqu'il frappe à la porte de Nintendo, au début des années 80. Le jeu vidéo est alors en plein essort et, en bon devin qu'il est, Kondo-san pense que son avenir s'y trouve sûrement. Séduit par le talent de ce boute-en-train, la firme de Kyoto décide de l'intégrer au sein du groupe Research & Development 4, aux côtés d'un autre gamin plein d'avenir. Ce dernier se nomme Shigeru Miyamoto. Le courant passe admirablement bien entre les deux artistes et leur étroite collaboration donnera naissance à deux des plus grandes licences du jeu vidéo : Super Mario et The Legend of Zelda. Il composera ainsi les bandes sons de Super Mario Bros, The Legend of Zelda et de toutes leurs suites, mais aussi de StarFox (de StarWing à Adventures), de Donkey Kong Country, des nombreux spin-offs Mario (dont Mario Golf : Toadstool Tour, Mario Power Tennis, Mario Smash Football et Mario Party) et plus récemment de Nintendogs, The Legend of Zelda : Twilight Princess et New Super Mario Bros. Depuis l'époque de la Nintendo 64, Koji Kondo s'est fait distant sur ses productions, et a consacré son temps à remixer ses chansons pour les titres futurs. Il est vrai que le sentiment de nostalgie qui s'en échappe est enivrant, mais le talent de cet artiste ne serait-il pas en train d'être gaché par une fénéantise on ne peut plus palpable ? Gageons que Twilight Princess saura me faire mentir.

Fumito Ueda, un cas à part.

Certains artistes arrivent à lier réalisation et contrôle artistique sur leur titre. C'est le cas de Fumito Ueda, réputé pour l'alliance qu'il fait du jeu vidéo et de l'art. Avec des titres comme ICO et Shadow of the Colossus, Ueda-san est devenu l'un des développeurs japonais les plus respectés, mais aussi des plus talentueux. Sa fascination pour le jeu vidéo qui transcende les limites du lien avec le joueur est d'ailleurs la marque de fabrique de son studio : l'expérience que fait vivre le jeu au joueur doit lui faire oublier qu'il a une manette entre les mains. Chacune de ses oeuvres est régie par une volonté abstraite : celle de créer un produit où la part belle est faite aux émotions. On retrouve cette notion d'émotion dans la beauté des décors, qu'il aime peindre avant de digitaliser, mais aussi dans la mélancholie qui se dégage de l'ambiance même du soft. Pour la première fois dans un jeu vidéo, nous devenions réellement le personnage principal, nous avions de l'empathie pour un tas de pixels, nous avions une relation émotionelle avec le personnage de Yorda. Lors de la création de Shadow of the Colossus, Ueda avait affiché sa volonté de ne pas faire un jeu totalement dénué des règles vidéoludiques (la barre de vie, par exemple) comme l'avait été ICO, mais plutôt une expérience lourde et relativement puissante. Dans Shadow of the Colossus, vous deviez massacrer des colosses pour sauver la vie de votre bien aimée. Massacrer, c'est bien le mot, puisqu'il ne faudra en aucun cas les vaincre. Être sur votre chemin aura été le seul crime de ces géants, ces créations de Dame Nature ne sont ni des boss, ni des monstres qui vous en veulent, ils sont simplement là, et vous devez les tuer, sans qu'ils ne vous aient jamais attaqués, jamais fait de mal. Serez-vous assez immoral pour tuer des êtres majestueux et qui ne vous ont absolument rien fait ?



Si vous avez l'âme d'un créateur, pourquoi ne pas vous procurer RPG Maker et faire preuve de vos talents ? Counter Strike était bien, à l'origine, un projet amateur ensuite racheté par l'équipe de Sierra. Patience, nous reviendrons plus en détails sur la création d'un jeu vidéo dans un prochain dossier.

Chapitre VI - Final Fantasy VII Advent Children

Au fait, je vous invite à lire les autres chapitres de mon dossier Jeu Vidéo et Cinéma, si ce n'est pas déjà fait. Lisez également les autres billets d'humeur et analyses qui agrémentent ce blog ;-)

Petit cours d'histoire...

Comme tu dois sûrement t'en douter, ce dossier a été érigé avec l'idée de coller à la sortie française du DVD de Final Fantasy VII Advent Children. Je parlerai rapidement de ce film, en évitant d'en faire une analyse pompeuse de sa mythologie et en s'attardant plutôt sur les nombreuses références du film au jeu éponyme et à la saga en elle-même. L'actualité Final Fantasy VII est actuellement surchargée en raison de l'évolution de la saga Before Crisis au Japon, de la sortie du DVD en Europe, donc, du développement de Crisis Core sur PSP et de la sortie prochain de Dirge of Cerberus sur PS2, mais aussi de l'affluence de dossier et autres hommages dans la presse que je te conseille grandement de lire pour vous rendre compte de la portée mystique qu'a la Compilation. Final Fantasy VII est le meilleur jeu de tous les temps, il serait dommage de ne pas profiter de l'engouement ambiant pour le jeu de SquareSoft.

En 1997 sortait sur Playstation un jeu d'une qualité exceptionnelle. Après un développement difficile, SquareSoft éditait enfin le jeu qui allait démocratiser le RPG au grand public européen, le jeu qui allait déchainer les passions, le jeu qui allait définitivement installer la suprématie de Sony sur le marché des consoles de salon. Final Fantasy VII était né et avec lui le héros le plus charismatique de tous les temps. Durant plus de 50 heures, vous suiviez l'aventure d'un groupe de terroristes oeuvrant pour la santé de la planète. Cloud, le personnage principal du titre, terminait l'aventure culpabilisant de la mort de la femme qu'il aimait, tuée par la personne qu'il admirait plus que tout. On quittait donc un personnage tourmenté et qui était en proie aux démons de son passé. Avec plus de 9 millions de ventes dans le monde entier et les pressions des fans qui se faisaient de plus en plus pressantes, justement, Square-Enix officialisa la mise en chantier d'une suite directe à Final Fantasy VII sous la forme d'un film d'animation fin 2003. Les fans exultent, mais restent néanmoins sceptiques : le premier film de Square-Enix avait été un échec total, les recettes s'élevant avec peine à la moitié du budget initial, et provoquant la démission prématurée de Sakaguchi, père fondateur de la série. Le pari était risqué, mais a été relevé haut la main.



Résumé du film

L'histoire du film prend place 2 ans après la fin du jeu. Cloud, qui ne parvient toujours pas à chasser les démons de son passé, la mort d'Aeris et de Zack en tête, a posé les armes et est devenu coursier. Tifa officie en tant que secrétaire de ce dernier et Barret parcourt le monde à la recherche de nouvelles sources d'énergies. L'équipe que nous avons quitté deux ans plus tôt est donc méconnaissable. Le 7th Heaven parait bien calme depuis que Midgar a été détruite, laissant sa place à un amoncellement de ruines et d'habitants encore plus pauvres qu'avant la chute du Météore. Lorsque la Rivière de la Vie est intervenue pour stopper la chute de cette menace, les gens ayant été exposés à ce fluide furent atteint d'un étrange virus appelé Geostigma (que l'on peut interprété en stigmate de la terre, vision christique et revancharde d'une planète meurtrie). Cloud est lui aussi touché par cette maladie, et a désormais coupé les liens familiaux qu'il entretenait avec les différents membres de son équipe. Sa peur de voir l'un de ses amis disparaitre de nouveau est aujourd'hui à son firmament, et il ne répond de ce fait même plus aux appels de Tifa. Cependant, il réagira au message qu'elle lui laissera, lui expliquant que Rufus Shinra, l'un de ses pires ennemis, a survécu et qu'il souhaite le voir. Enfourchant Fenrir, sa moto-armurerie, Cloud prend la route de l'hôpital avant d'être attaqué par trois personnages considérant Cloud comme leur frère et ressemblant particulièrement à Sephiroth, le plus grand guerrier de tous les temps, assassin d'Aeris, destructeur du système solaire, admiré puis detesté par Cloud, vaincu lors d'un combat divin où les notions de bien et de mal étaient absents. Après s'en être difficilement dépatouillé, Cloud retrouva Rufus et ce dernier lui proposa de devenir son garde du corps, chose qu'il refusa du fait qu'il ne voulait plus rejouer de l'épée. Notre héros, décidement plus solitaire que jamais, retourne à l'église du secteur 5 où il a élu domicile depuis la mort d'Aeris, et découvre Tifa, qui s'est visiblement battue contre Loz, l'un des membres du trio fratricide auquel a déjà eu affaire Cloud.



Pris d'une nausée à cause du Geostigma, Cloud s'évanouit et se réveille au 7th Heaven, aux côtés de Reno et Rude, deux ex-miliciens qui assurent maintenant la sécurité de Rufus. Après avoir pris conscience du danger qui guette la ville, Cloud se rend à la Forgotten Capital pour affronter Loz, Yazoo et Kadaj, la tête pensante du groupe, qui semblent avoir enlevés les enfants atteints du géostigma. Le combat, contre trois guerriers incroyablement puissants, éprouve un Cloud qui n'a affronté personne depuis 24 longs mois, et il devra attendre l'intervention in-extremis de Vincent Valentine pour rester en vie. Cloud apprend alors que le trio fratricide recherche la tête de JENOVA afin de commencer la Réunion, ce qui leur permettra de faire revivre Sephiroth. Le lendemain, Loz et Yazoo préparent un évènement sur la place, ils vont détruire le mémorial érigé en l'honneur des personnes décédées durant le crash du Météore afin d'y trouver ce qu'ils recherchent. Rude et Reno arrivent sur place et affrontent les deux frères tandis que Rufus et Kadaj, bien loins de l'action, discutent. Enervé par le discours que tient son compagnon, Kadaj invoque, grâce aux matérias, le dieu des dragons : Bahamut. Ce dernier est envoyé sur la place où il va arracher le mémorial pour se rendre compte de l'absence du crâne convoité. Déçue, la bête déchargera sa haine sur les habitants avant que Tifa ne tente d'intervenir, rapidement assomée. Vient alors Barret qui videra son chargeur sur la carcasse du monstre, puis de Yuffie (arrivée en parachute) qui demandera qui a volé ses matérias et enfin Red XIII monté de Cait Sith. Cid fera une entrée remarquée, présentant au passage la nouvelle version de son vaisseau, et Vincent Valentine rejoindra le groupe de toute sa classe. Le Bahamut est cependant extrêmement puissant, tellement que le groupe a bien du mal à lui causer des dommages. Intervient alors Cloud, sur sa Fenrir, impressioné par la légèreté de la chimère. Le blondinet sauvera Barret d'une mort prématurée, puis s'attaquera au Bahamut en solitaire. Après été sonné une première fois par Cloud, Bahamut prend de la hauteur et entreprend de détruire la ville. Cloud est alors aidé de tous les membres de l'équipe qui, l'élevant toujours plus haut, lui permettront d'atteindre la boule d'energie qui s'échappe du Bahamut. Malheureusement, ses forces le quittent et il commence à faiblir alors qu'il est en train de la traverser... Sa fin est proche... Aerith viendra alors lui prendre la main, et Cloud achèvera la bête. Au même moment, de l'autre côté de la ville, la discussion entre Kadaj et Rufus a pris une autre tournure. Ce dernier vient de dévoiler à Kadaj qu'il possède la tête de JENOVA depuis le départ, solidement cachée dans la petite boîte de métal qui chute actuellement de l'immeuble. Kadaj se jetera dans le vide et réussira à récupérer son dû avant de fuir vers un quartier de Midgar en ruines. La poursuite à moto est l'occasion pour Cloud d'éliminer définitivement Loz et Yazoo grâce à l'intervention de Rude, Reno et d'un baton de dynamite. Lorsque Cloud et Kadaj arrivent sur place, ils entamment un combat et détruisent involontairement l'église où Aerith cultivait ses fleurs.



Une pluie de Rivière de la Vie tombe alors sur Cloud, et ses géostygmates sont soignées... Pourtant, il sait qu'il a un adversaire redoutable à affronter. Le combat contine, et Cloud en sort vainqueur. Epuisé et sur le point de claquer, Kadaj puise cependant dans les forces qui lui restent pour accomplir sa Réunion. Sephiroth est revenu... S'engage alors un combat terrible entre le plus grand guerrier de tous les temps et Cloud. Ce combat prend la forme d'une rédemption, où Cloud débite tout ce qu'il a sur le coeur à Sephiroth, qui continue de le considérer comme un pauvre ignare sans interêt. Cloud retrouve son agilité, il devient plus puissant à mesure que le combat avance. Ses amis arrivent alors mais décident de le laisser se battre seul, Tifa pensant qu'il en a sérieusement besoin... La haine que ressent Cloud à l'égard de Sephiroth ne fait que grandir lorsque ce dernier lui demande de lui dire ce qui te tient le plus à coeur, que je me fasse une joie de te l'enlever. Cloud utilise alors l'une de ses limites, une version incroyablement artistique d'Omnislash, pour vaincre ce qui ne devra ensuite rester qu'un souvenir. Sephiroth, le One-Winged Angel, retourne à la Rivière de la Vie... Kadaj, à boût de force, tente une dernière attaque vers Cloud, qui l'évite sans grand mal, avant de définitvement disparaitre. Alors que les amis de Cloud savourent sa victoire, Loz et Yazoo retrouvent la trace de notre héros et, grâce aux quelques matérias qui leur restent, provoquent une explosion qui tue Cloud. Zack et Aerith, qui l'attendaient dans l'Autre Monde, le renvoient en pretextant que on heure n'est pas encore venue. Cloud organise une gigantesque réunion à l'ancienne église, où la Rivière de la Vie abonde, afin que toutes les personnes atteintes du Géostigma puissent être soignées. Le film se termine sur l'image sublime d'une Aerith, postée à l'entrée de l'église baignée de lumière, aux côtés de Zack, et qui adresse à Cloud un regard avant de lui dire Tu vois, tout s'arrange ! Souris ! Cloud, qui depuis longtemps n'avait trouvé aucune raison d'être joyeux, décoche alors un petit sourire qui illumine son visage et l'écran final de Final Fantasy VII Advent Children. Voilà pour ce qu'il en est du déroulement du film, passons maintenant aux autres aspects de ce film, et plus particulièrement des liens qu'il entretient avec la saga.

Les références, et elles sont nombreuses.

Le film entretient de nombreux liens avec le jeu, tu t'en doutes, mais aussi avec la série même. Pour plus de clarté et d'interactivité, nous allons présenter cela sous forme d'images que je te laisserai le soin de découvrir.
(Lorsqu'une comparaison imagée entre le film et le jeu est faite, le film se trouve toujours à gauche et le jeu à droite.)

Dès la scène d'introduction de Final Fantasy VII, on trouve un lien avec le jeu. En effet, la course de Red XIII acompagné de deux de ses compères qui ouvre le film est la même (à quelques exceptions près) que celle qui clôture Final Fantasy VII, le jeu. Le début du film nous rappelle donc irrémédiablement la fin du jeu, et nous renvoie de nombreuses années en arrière... Nostalgie, nostalgie...



Le système des matérias avait convaincu tout le monde lors de la sortie de Final Fantasy VII, si bien que certains ont amèrement regretté qu'il ne soit pas conservé au long des épisodes suivants. FFVII AC est également empreint de cette magie par le biais de matérias qui s'équipent de la même manière que dans le jeu : elles fusionnent avec le bras ou les armes.



Chacun ayant joué à un Final Fantasy connait la mélodie caractéristique qui accompagne une victoire. Dans Final Fantasy VII Advent Children, ce thème est également présent, et si l'on pouvait douter de son fondu dans le décor, sa présence est habilement mise en scène. Une fois Loz mis K.O. après son combat endiablé contre Tifa dans l'église, le thème de victoire retentit, se reverbe sur les murs de la batisse, surprenant au passage Marlène. Voilà que Loz se relève, empoigne son téléphone portable et répond...

Le groupe affrontera, au milieu du film, la chimère des chimères, le dieu des dragons, celui qu'Allah craignait en personne, le terrible Bahamut. C'est sa version la plus puissante, SIN Bahamut, qui est invoquée. Alors que le monstre nous aidait dans Final Fantasy VII, il s'oppose ici à l'équipe de Cloud et ses amis. On peut noter qu'il utilisera la même attaque que dans le jeu, à savoir Méga-Flare, à la seule différence qu'il ne s'envole pas jusque dans l'espace mais simplement au dessus de la ville.



La musique de Final Fantasy VII, composée intégralement par Nobuo Uematsu, est célèbre pour ses thèmes à la personnalité forte. Le Monsieur est également aux commandes de Final Fantasy VII Advent Children, épaulé par son groupe The Black Mages, et revoit pour l'occasion ses musiques. De ce fait, on retrouve l'Opening Theme, dès le début du film, puis les deux thèmes de combats (combat classique et contre un boss) Those Who Fight et Those Who Fight Further dans des versions merveilleusement rock. Un troisième version de Those Who Fight, toute au piano, accompagne Tifa et Loz durant leur joute dans l'église. Les thèmes très appréciés de Tifa et d'Aerith font toujours autant d'effet, et le JENOVA en version bourrin déchire grave. Enfin, l'une des meilleures composition jamais créée, le One-Winged Angel, rend le combat entre Cloud et Sephiroth absolument divin. D'autant plus qu'il est, lui aussi,
ockisé.



De nombreux lieux déjà visités dans le jeu répondent présent dans le film. L'ancien Midgar est devenu Edge, une ville qui essaie de se reconstruire, la Forgotten Capital accueillera un affrontement de toute beauté, le bar 7th Heaven est toujours tenu par Tifa, l'église d'Aerith est le nouveau lieu de résidence de Cloud, ... Il y a même un panneau indiquant Midgar, Kalm et la Ferme des Chocobos !



Lors du combat final contre Sephiroth, on se surprend à reconnaitre les différentes limites de Cloud. Il emploiera Contre-Taillade, Bravoure, Climhazard, Finition et une nouvelle version d'Omnislash appelée Omnislash Version 5. Tifa, Barret, Yuffie, Cid et Red XIII réalisent eux aussi quelques-unes de leurs limites.



Un panneau est particulièrement présent dans Final Fantasy VII, et par conséquent dans Final Fantasy VII Advent Children. Ce dernier représente une jeune femme et un mot : LOVELESS. On apprendra plus tard que l'un des développeurs du jeu écoutait l'album éponyme du groupe My Bloody Valentine.



Le ruban que portent beaucoup de personnages dans le film est une référence direct à l'item qui permet d'éviter les altérations d'état dans la série des Final Fantasy. On peut également remarquer que le ruban que porte Marlène dans ses cheveux a la même couleur et la même forme que celui de sa grande soeur, Aerith.



On peut remarquer plusieurs fois une petite fille qui tient un Moogle dans ses bras en tant que poupée. Les Moogles (ou Mog) sont des personnages récurrents dans l'univers de Final Fantasy, au même titre que les chocobos.



Durant le combat dans la forêt opposant Cloud et le gang Kadaj, Cloud sautera dans l'air quelques secondes et maitrisera Loz et Yazoo en avec deux épées. Les mouvements de cette scène sont similaires à ceux de Roxas dans la vidéo secrète de Kingdom Hearts: Final Mix intitulée Another Side, Another Story [deep dive]. Les angles de caméra, les chorégraphies et les scènes cinématiques ont été réalisé par l'équipe de Tetsuya Nomura, en charge de Final Fantasy VII Advent Children et de la série Kingdom Hearts.

La jaquette du jeu apparait très brièvement au tout début du film. Au moment où le téléphone sonne au 7th Heaven, Tifa se rend à l'étage et la caméra fait un mouvement vers la droite, laissant apparaitre rapidement l'arrière du combiné. C'est à ce moment que l'on peut appercevoir la jaquette du jeu.



Autre allusion au logo du jeu, le mémorial qui orne la place principale d'Edge. Il représente à la fois le météore qui s'est écrasé sur la cité quelques années plus tôt et le logo du jeu dessiné par Yoshitaka Amano.



Le DVD vaut-il la peine ?

Tu n'es pas sans savoir que le DVD de Final Fantasy VII Advent Children a débarqué dans nos contrées depuis plus d'un mois. Ce fût l'occasion pour moi de revoir une fois de plus ce film unique, dans une version intégralement doublée en français. Evidemment, la méfiance était de rigueur... et justifiée. Les doublages sont catastrophiques. Les responsables ont essayé de faire coller les voix au mieux avec le look des personnages, sans se soucier de la version japonaise, et nous voilà avec un Barret qui a des poumons rongées à la nicotine, une Aerith à la voix de dessin-animé et un Cloud qui, sûrement à cause de sa coiffure, s'est vu doté d'une voix de djeunz cool, alors que chacun sait que Cloud n'est plus sujet aux sentiments... Bref, on appréciera qu'ils aient pensé à nous offrir la version originale, et je ne saurai trop vous conseiller de regarder ce film en VOSTF. Du côté de l'image, la qualité est impeccable, merci au support DVD (en espérant qu'une version Blu-Ray ou HD-DVD collector arrivera bientôt, croisons les doigts !). Le format 1.85 du film est respecté, et nous avons même le droit à un mode 16/9 ravageur. La musique de Uematsu est bien présente, orchestrée d'une agréable manière (les Black Mages ont participés activement à la bande sonore du film), et le son Dolby Digital 5.1 retranscrit parfaitement la puissance des affrontements.
Un DVD sans bonus, c'est comme un hot-dog sans ketchup. Ca nourrit son homme, mais question goût, y'a mieux. Heureusement pour nous, la seconde galette de Final Fantasy VII Advent Children n'en manque pas. Du côté de la section Bonus, on trouve donc le Making-Of du film commenté par Tetsuya Nomura et d'autres membres de la réalisation (dont je ne me rappelle plus les noms, désolé), la présentation du film au festival de Venise (une vidéo d'une vingtaine de minutes présentée aux fans), Reminiscence of Final Fantasy VII (vidéo retraçant les meilleurs moments de Final Fantasy VII, le jeu, agrémenté de quelques passages en images de synthèse/vraies images du plus bel effet), une vidéo de la Final Fantasy VII Compilation avec FFVII Advent Children, FFVII Before Crisis, FFVII Dirge of Cerberus et FFVII Crisis Core et pour finir, les scènes coupées !

Alors oui, bien sûr que le DVD vaut la peine. Sans les bonus, dans une version japonaise uniquement sous-titrée en japonais, avec un son mono, dans ce cas... Non, même dans ce cas il aurait vallu la peine. Donc, si ce n'est pas déjà fait, foncez vous procurer le plus grand film d'animation en images de synthèse jamais réalisé.

BONUS

Encore des petits bonus pour te remercier d'avoir pris le temps de lire ce paragraphe. Tout ça, c'est cadeau.

Final Fantasy VII sur GBMicro
Interview des doubleurs Cloud, Tifa et Aerith pour Kingdom Hearts 2 et FFVII AC
Reminiscence Part 1
Reminiscence Part 2
Reminiscence Part 3
Bande Annonce de Final Fantasy VII Advent Children

Chapitre V - Hideo Kojima et Metal Gear Solid

Pourquoi un paragraphe sur ce mec là ? Pourquoi lui et pas un autre ? Pourquoi Hideo Kojima alors que nous sommes sur un site Nintendo et que Shigeru Miyamoto serait plus à même de remplir cette page ? Je répondrai simplement par : parceque Hideo Kojima, avant d'être l'un des plus grands développeurs de jeu vidéo au monde, est et restera avant tout un fan de cinéma. Petit retour sur la vie de cet homme. Né le 24 Août 1963 à Setagaya, l'un des 23 arrondissements formant Tokyo au Japon, Hideo déménage avec sa famille dans la région de Kansai à l'âge de 3 ans. Fan de robots, de manga mais également de cinéma (qu'est-ce que je vous disais...), il réalise alors plusieurs courts métrages avant d'intégrer Konami en 1986, se plaçant directement au poste de chef de projet. A l'heure actuelle, Hideo Kojima est marié, père d'un petit garçon, et considéré comme le maître incontesté du jeu vidéo à caractère cinématographique et comme le génie de Konami, si bien que la société est parfois appellée Koji-nami.



Metal Gear Solid mit tout le monde d'accord. La Playstation était, à l'époque, une console qui avait encore tout à prouver. La SuperNes avait proposé des softs d'une qualité inégalable, mais ayant également beaucoup de mal à toucher ce public non-joueur, ce public adulte réticent à ce loisir abrutissant. Sony avait clairement affiché son intention de faire du jeu vidéo un média à part entière et l'arrivée de nombreux jeux novateurs ont été porteurs de cette philosophie. Avec des titres comme Resident Evil ou Final Fantasy VII, la donne était lancée : la Playstation était une console pour adultes et le jeu vidéo devenait un loisir aussi important que le cinéma et la musique. C'est à ce moment que le studio de Konami s'est décidé à dévoiler son nouveau projet, censé apporter un nouveau genre au jeu vidéo : le Tactical Espionnage Action Game (littéralement traduit par : Jeu d'action tactique et d'espionnage). Sans grand mal, puisqu'aucune concurrence n'existait à cette époque, le jeu de Konami s'est imposé comme une référence, non seulement dans ce genre mais aussi au sein du monde des jeux vidéo même, faisant de Kojima l'une des personnes les plus respectées à l'heure actuelle. Metal Gear Solid était un jeu extraordinaire, au côté hollywoodien parfaitement assumé, mais qui manque nettement de maitrise pour s'imposer comme une expérience cinématographinteractive (oui, c'est un mot inventé, c'est de moi, c'est moche, tant pis.) digne de ce nom. La puissance de la PS2 sous le bras et fort d'une réputation grandissante, Kojima présente son nouveau bébé, le jeu qui explosera les frontières qui séparent le jeu vidéo du cinéma : Metal Gear Solid 2 : Sons of Liberty. C'est ici que commence notre histoire.

Je ne vais pas vous détailler les scénarios des différents Metal Gear, mais sachez toutefois qu'il s'agit, dans les grandes lignes, d'une histoire de complot américain où Snake campe le dernier espoir de l'humanité. De toute façon, si vous avez déjà joué à un Metal Gear et que vous ne connaissez ne serait-ce qu'une once de la richesse extrême de sa mythologie, vous savez de quoi je parle. Sinon, pendez-vous, ou jouez à un MGS. Mais bon Dieu, jouez !

Parmi les nombreuses références qui constituent l'univers Metal Gear Solid, on retrouve bien évidemment James Bond et les 007. La musique d'introduction de Metal Gear Solid 3 donne le ton dès le début, avec un sonorité qui doit autant au Main Theme de Bons Baisers de Russie qu'à celui de Goldfinger. La mise en scène, à grand coups d'images de la guerre, et agrémentée d'une typographie changeante qui s'échappe comme de la fumée (quand on sait la fascination qu'a Snake pour la cigarette...)
Dave, le vrai nom de Solid Snake, est une référence directe au chanteur français à qui l'on doit de nombreux titres à succès tels que... Oui, bon, j'avoue, je déconne. Le Dave vient de David Bowman, héros du film 2001, L'Odyssée de l'Espace. Toujours dans les références à ce film, on peut noter qu'Otacon s'appelle en réalité Hal, tout comme l'ordinateur central dans le film de Stanley Kubrick. Quant au physique particulier de Snake, Kojima n'a jamais caché qu'il s'était ouvertement inspiré de celui de son acteur favori : Kurt Russell. Ce dernier porte d'ailleurs le nom de Snake Plisskin dans le film Los Angeles 2013 et New-York 1997. Snake emprunte également beaucoup à Rambo, puisqu'il lui doit sa voix calme et graveleuse, ainsi que son mentor qui n'est qu'un ersatz du Colonel Trautman.
Ensuite, notons que le blockbuster Titanic n'a pas fait couler que des larmes sur les joues des jeunes adolescentes en manque d'émotion, puisqu'on dénote de nombreux liens entre MGS 2 et le film de James Cameron. Un bateau qui coule, un Raiden dont le vrai nom est Jack et une fille qui nous fait sauvegarder appelée Rose... pas la peine de vous faire une dessin !
Pour chercher encore plus loin, le making-of de MGS 2 nous apprend que Snake et Raiden sont inspirés des deux plus grands monstres de l'histoire du cinéma : Godzilla et King Kong. Snake ayant été créé par l'Homme (puisqu'il n'est rien d'autre qu'un clone de The Boss) et Raiden ramené par l'Homme, tout comme le fût King Kong.



La plus grosse similitude entre la saga Metal Gear et le 7ème Art réside dans la mise en scène des séquences cinématiques. Dès le premier épisode (si tant est qu'on considère Metal Gear Solid comme le premier épisode), on dénote une influence certaine du cinéma, rien que dans le placement des caméras qui alternent armes en gros plan, plongées/contre-plongées censées rendre certains passages plus impressionants, et travellings aussi rapides que courts. A mesure des épisodes, le lien entre le cinéma et le jeu vidéo se ressere jusqu'à ne presque former plus qu'un avec Metal Gear Solid : The Twin Snakes, l'épisode GameCube. La mise en scène des cinématiques de ce volet a été confié à Ryuhei Kitamura, producteur, réalisateur et scénariste japonais à succès, connu pour le très bon film Versus. En résultent des scènes d'action d'un rythme incroyable, avec des chorégraphies si grandiloquentes qu'elles en deviennent presque ridicules, mais qui flattent toujours la rétine.
La musique, dans Metal Gear, est presque aussi importante que le jeu en lui-même. Sublime dans le premier épisode, elle prendra un côté film de guerre très prononcé à partir de Metal Gear Solid 2, puisque Harry Gregson-Williams (à qui l'on doit Armageddon, Ennemi d'Etat ou encore Kingdom of Heaven) s'occupe alors de la bande-sonore. Mis à part le jeu, la mise en scène, la musique et l'histoire en elle-même, l'aventure cinématographique que propose la saga MGS ne s'arrête pas là. Le mode Theater, présent dans MGS 2, permet au joueur se jouer les casteurs en choisissants, via une palette de 8 à 14 personnages suivant les scènes, les acteurs des différentes scènes cinématiques du jeu. Grâce à cela, vous pouvez remplacer Snake par n'importe quel soldat du jeu, selon vos désirs et vos envies du jour. Ce mode, débloquable uniquement lorsque le jeu est terminé, montre une fois de plus le caractère très cinématographique de l'oeuvre de Kojima. A l'inverse, on ne décelle aucun Theater à l'intérieur de MGS 3, mais toutefois un mode Démo permettant de revoir toutes les scènes cinématiques.



Avec de tels liens entre Metal Gear et le cinéma, une question brûle toutes les lèvres : à quand une adaptation de la saga sur grand écran ? Ne vous en faites pas, Hideo Kojima veille au grain et la licence ne tombera pas entre les mains acérées d'Uwe Boll (hé oui, pas de oll...). Kojima-san a d'ailleurs annoncé, devant le succès au box-office de Silent Hill (autre licence Konami), qu'il aimerait beaucoup collaborer avec Chan-Wook Park, le réalisateur de Old-Boy et Sympathy for Lady Vengeance, mais ce dernier ne semble pas particulièrement interessé par un tel projet.

Au niveau de la mise en scène, la saga Metal Gear est sûrement l'une qui doit le plus au cinéma et il est certain que beaucoup de films ont depuis une influence Metal Gear Solidienne.... Avec un scénario digne des meilleurs blockbusters américain et des affrontements qui jouent particulièrement sur la similitude avec les chorégraphies hong-kongaises, Metal Gear Solid a inscrit son nom au top 10 des sagas aux mythologies les plus intéressantes de tous les temps. L'arrivée de Metal Gear Solid 4 devrait facilement faire de MGS le jeu vidéo ultime, que dis-je, le loisir ultime. Bien plus fort que le cinéma, bien plus fort que le jeu vidéo : MGS4. Ami, achète une PS3.



BONUS

Je vois clair dans ton jeu. Ca y est, tu ne peux plus te passer des bonus en fin de paragraphe. Alors voici, comme promis, quelques vidéos, fonds d'écran, artworks et autres petites choses sur la saga Metal Gear :

La vidéo d'ouverture de Snake Eater
La vidéo d'ouverture de Metal Gear Solid
Une vidéo de Metal Gear sur NES
L'intro de Metal Gear Solid 2
Un trailer MGS4 amusant
Hideo Kojima prouve que MGS4 est du temps réel

Reprendre le titre d'une chanson de Daft Punk (légèrement remanié, je vous l'accorde) peut apparaitre comme une gageure de qualité, ou bien n'augurer rien de bon. C'est selon. Mais chacun sait que les goûts et les couleurs, ça ne se discute pas. En tout cas, lorsque l'interlocuteur soutient que vous écoutez de la daube. Quand c'est lui qui en écoute, ce proverbe ne tient plus, forcément. Ah la la... Monde de merde. Nous vous renvoyons à cet article pour de plus amples informations.

C'est fait, l'introduction lourdingue et pompeuse est terminée, l'inintéressant peut enfin laisser sa place à la cultivation des esprits. Le chaos cède à la paix, l'Apocalypse à un nouvel Eden.

Et là, vous vous dites mais pourquoi j'ai cliqué sur le lien alors que j'aurai pu cliquer sur celui du dessus qui parle des nouvelles images d'un jeu que, de toute façon, je n'achèterai pas ?. Ou alors, vous vous dites qu'il est vraiment l'heure d'aller coucher (il est minuit en même temps). Vous vous êtes rendus ici par simple excès de curiosité, parce que le titre vous semblait intéressant, avec son aspect americano-djeunz très en vogue en ce moment. Rassurez-vous, l'article ne sera pas un calvaire à lire... tout du moins dans la limite du possible.


Vous avez remarqué l'engouement subit des médias à l'égard du jeu vidéo depuis quelques temps ? Il y a encore X temps, on nous ressassait des dizaines de reportages par mois sur les dangers du jeu vidéo, sur comment Mélanie était devenue une no-life après l'acquisition d'une nouvelle console, ou encore la façon dont les jeux de voitures tels que Burnout incitaient à la mauvaise conduite routière. Le problème des jeux à caractère violent était d'ailleurs l'un des sujets les plus tendance à une certaine période. Combien de fois avons nous du nous taper des reportages sur des parents portant plainte contre des éditeurs parce que leur enfant avait été agressé par un autre, chez lequel on avait retrouvé un exemplaire de GTA ? D'ailleurs, l'incriminé était souvent un jeune garçon de 14-15 ans déclarant jouer aux jeux violents car cela lui plaisait d'écraser des gens dans la rue, ou de les tabasser sur le trottoir. Si bien que les médias ont commencé à croire que le jeu vidéo n'était là que pour assouvir les fantasmes meurtriers de la population et, pourquoi pas, les pousser à les réaliser physiquement dans la vie réelle. Le jeu vidéo deviendrait alors une sorte de briefing virtuel avant le passage à l'acte. Les médias appuient cette thèse, les parents applaudissent à deux mains et n'hésitent pas à trainer en justice le premier éditeur qui passe par là.

Tout cela résulte malheureusement de la déresponsabilisation parentale dont fait preuve la société actuelle. Désormais, lorsqu'un enfant est violent ou qu'il présente des symptomes caractéristiques de la délinquance, on cherche tout ce que la société propose, avant d'incriminer les parents. Un gamin qui fusille ses camarades de classe, et c'est la faute aux chansons d'un artiste à succès qui dérange. Un autre qui se suicide, et on pointe du doigt le jeu vidéo qui trainait sur son lit. Les parents trouvent systématiquement une raison extérieure aux actes de leurs progénitures. On juge désormais tout et n'importe quoi, mais on ne remet jamais en cause leur responsabilité. Ou leur irresponsabilité, devrais-je dire ? Les difficultés que présente un enfant trouvent leur justification dans l'éducation qu'il a reçu, d'abord, de ses parents et, ensuite, de son environnement vital. Si les parents ont tellement peur des jeux vidéo, peur que leur enfant ne devienne accro, pourquoi n'appuient-ils tout simplement pas sur le bouton POWER quand il le faut ? A ce que je sache, l'enfant n'est pas un périphérique de l'ordinateur, il n'est pas connecté à sa console comme il l'était à sa mère grâce au cordon ombilical ?

Nous sommes tous coupables des choses que nous avons laissés s'installer. Comment pardonner les personnes qui habitaient juste à côté des camps de concentration et qui n'ont pas réagit sous pretexte qu'ils
e savaient pas. C'est vrai que la campagne de pub pour ces camps de vacances n'était pas extraordinaire. Comment ont-ils pu laisser s'installer ces atrocités, ne réagissant pas simplement parce que l'aspect des bâtiments ne laissaient pas supposer que de telles pratiques avaient lieues à l'intérieur. L'excuse du je ne savais pas n'est pas valable. Il est toujours possible de savoir, toujours possible de se renseigner, d'être au courant de ce qui se trame, et il nous est interdit de se déresponsabiliser parce que, justement, on ne savait pas. Le nazisme, le capitalisme, la pollution, le réchauffement climatique, le dérèglement des éléments... mais on ne savait pas. Il n'y a plus personne pour nous laver les mains, il faut prévoir avant de devoir guérir.

Alors, pourquoi laisser l'Etat s'occuper de choses dont les parents sont censés s'occuper ? Pourquoi faudrait-il interdire la vente de certains jeux, produits culturels s'ils en sont, alors qu'une réglementation visible sur les boitiers est parfaitement claire sur le contenu de ceux-ci ? D'autant plus que cette signalisation, je le rappelle, n'est pas obligatoire et que la PEGI est un organisme qui n'a aucune obligation juridique. Or, depuis l'affaire Rule of Rose, de nombreux organismes souhaitent l'arrêt total des ventes d'un jeu jugé trop violent, et l'Allemagne vise même à punir les développeurs de ces jeux par des peines de prison. L'ex-Reich serait-il en train de revenir à une ère reculée où les libertés fondamentales étaient abolies, et où l'expression, qu'elle soit à travers l'art ou seulement par la parole, était soumise à une pression constante et terrifiante ? La loi est en cours de vote, l'avenir nous le dira.

Pour en revenir à ce que je disais au début, ce climat où le jeu vidéo était sans cesse pris pour cible semble s'être apaisé depuis quelques temps, au profit d'une idéalisation presque totale de notre média favori. La sortie de la Wii a provoqué un buzz incroyable. Enfin, le jeu vidéo n'était plus considéré comme un loisir infantile durant lequel on restait prostré devant sa télé, la couverture relevé jusqu'au menton, la manette dans une main et le paquet de chips dans l'autre. Non, le jeu vidéo devenait, grâce à Nintendo, un sport à part entière. Fini la caricature du gamer lunetteux et plein de boutons, désormais le joueur a 25 ans, il est brun, musclé et bouge devant sa télévision avec un symbole phallique dans le main. Malheureusement, il est dommage de constater que le culte du corps et de la perfection de la beauté soit l'un des thèmes récurrents des sociétés dictatoriales, en particulier celle du national-socialisme nazi avec, évidemment, le symbole de l'aryen. Reviendrait-on doucement mais sûrement à ces nations où les produits de masse qui dérangent ne deviennent acceptables qu'à partir du moment où la morale les accepte ?

La régression serait-elle si proche que ça ?

De toute façon, c'est mon oncle qui avait raison depuis le début lorsqu'il me disait : Arrête ta console...! Ca abime la télé.

Chapitre IV - Le cas Fahrenheit

Le lien entre le jeu vidéo et le cinéma est parfois si étroit que le produit auquel nous avons affaire est difficilement définissable. C'est le cas du jeu de Quantic Dreams, Fahrenheit. Enfanté par le talentueux David Cage, auquel on devait déjà Omikron - The Nomad Soul, Fahrenheit se trouve être ce chainon manquant.



Juste ce qu'il faut de caractère hollywoodien, et une grosse dose d'interactivité avec le joueur, voilà ce que propose Fahrenheit. Après un tutorial dirigé par David Cage lui-même (ou, tout du moins, sa version digitalisée), l'histoire prend place à notre époque, durant un hiver qui s'éternise. Les lumières chaleureuses du Doc's Diner contrastent avec l'épaisse couverture du neige qui recouvre New York. Rien, dans cette atmosphère calme et appaisante, n'aurait pu laisser présager de ce qui allait ensuite se passer... Lucas se réveille et découvre, gisant à ses pieds, le cadavre d'un homme. Sous le choc, il relève la tête et constate que l'arme du crime, un couteau, est dans sa main. Non, je ne suis pas l'auteur de ce carnage... tente-t-il de se convaincre, mais les faits sont là : les toilettes du bar sont couvertes de sang, et la victime a bien été poignardée. Lucas n'a cependant aucun souvenir d'avoir commis cet acte, aurait-il été possédé ? L'heure n'est pas à la réflexion, il faut faire quelque-chose... C'est à ce moment que vous entrez en scène, prenant directement les commandes de Lucas. Les joysticks servent à orienter le personnage, l'un controlant Lucas et l'autre la caméra... et c'est tout ! Durant tout le reste du jeu, vous ne vous servirez que des deux joysticks, chaque action étant attribuée à une direction donnée par rapport au joystick. Prenons un exemple simple, Lucas est dans les toilettes et son moral est au plus bas, que pourriez-vous faire pour le remettre sur pied ? Avancez donc vers le corps, une fenêtre s'affiche en haut de l'écran et, via un pictogramme, vous indique que vous avez la possibilité de transporter le corps en inclinant le joystick vers le bas. Une fois le corps caché dans l'un des WC, pourquoi ne pas nettoyer la mare de sang qui recouvre le sol ? Un coup de joystick vers une serpillière qui trainait par là et voilà que votre personnage se change en ménager de fortune. Enfin, pour terminer, dépéchez-vous d'aller nettoyer vos mains à l'un des lavabos pour ne pas attirer l'attention une fois que vous déciderez de quitter les lieux. L'intérêt du jeu réside principalement dans l'effet qu'auront vos actions sur la santé mentale de votre personnage. Symbolisée par une échelle de 100 points, et de plusieurs niveaux majeurs (Neutre, Dépressif, ...), maintenir votre moral à un niveau correct est primordial puisqu'une mauvaise maitrise de ce dernier pourrait entrainer... le suicide de votre personnage ! Pour cela, de nombreux moyens sont à dispositions, du plus commun au plus recherché. Par exemple, boire un café remontera votre jauge de 5 petits points tandis qu'allumer la télévision et s'apercevoir que vous êtes recherché par la police la réduira de moitié. La similitude avec Les Sims est frappante, mais l'originalité de Fahrenheit tient dans le fait que vous n'êtes en aucun cas passif durant ces actions. Vous êtes l'acteur principal de tout ce que fera votre personnage, et autant vous le dire tout de suite : il est déconseillé d'être un mou du joypad ! A ce moment là, une scène cinématique s'affiche à l'écran et vous devez, via l'un des mini-jeux proposés, réussir l'action enclenchée. A la manière des Quicktime Event de Shenmue ou Resident Evil 4, ils sont 3 et correspondent parfaitement à ce qui se déroule à l'écran...



Lorsqu'une cinématique qui fait appel à vos reflexes commence, il vous faudra incliner les deux joysticks au bon moment et dans la bonne direction. Ces scènes sont bourrées d'actions et vous devez faire vite pour ne pas que votre personnage se loupe à l'écran. A l'inverse, d'autres scènes nécessite un effort physique de la part de votre personnage, et donc de vos chers petits doigts. Lorsqu'il faudra faire des tractions, sauver un jeune garçon de la noyade, fuir des agents de police, cacher un cadavre..., les touches L1 et R1 apparaitront à l'écran et il faudra alternez les impulsions. Enfin, les mouvements des personnages sont calqués sur les mouvements que vous effectuez au joystick. Près d'une porte, par exemple, un pictogramme symbolisant une direction vous indique le mouvement à reproduire sur la manette (dans le cas présent, un arc de cercle avec le joystick). Ainsi, durant l'intégralite de l'aventure, seuls les deux joysticks et les boutons L1 et R1 sont utilisés. Cela facilite la progression, et l'accessibilité du titre n'en est que plus grande.



Les adeptes de jeux d'aventure qui aiment aller papoter avec chacun des personnages risquent d'être dépaysés, puisque ce genre d'action, dans Fahrenheit, pourrait bien signer votre arrêt de mort. Chaque geste que vous allez effectuer dans le jeu aura une répercution directe sur la suite des évenements. Revenons au tout début du jeu. Une fois les toilettes nettoyées, il est temps de vous enfuir du bar. Pour ne pas éveiller les soupçons, évitez de courir et sortez comme si de rien n'était... Mauvaise pioche ! Votre personnage avait pris un café dans le bar, et il est interpellé par la serveuse qui lui demande de payer sa note. Evidemment, vous avez trop de choses à vous reprocher pour retourner à l'intérieur, et vous continuez donc à fuir. Taxi, métro, ruelle... De nombreux choix s'offrent à vous pour quitter les lieux. Voilà comment cela peut se passer, mais les evenements peuvent prendre une tournure différente. Si vous tardez trop à cacher le corps, une fenêtre s'affiche dans le coin de l'écran en vous présentant ce qui se déroule dans le bar. Surprise ! Un policier qui était assis au comptoir se rend aux toilettes, il ne vous reste que quelques secondes pour rendre les lieux impeccables ! Si, par miracle, vous réussissez, le policier entre dans les toilettes et prendra nettement plus de temps pour s'apercevoir qu'il y a un corps dans une des cabines. A ce moment, si vous étiez déjà partit, la fenêtre affichera le policier en train d'interdire aux gens du bar de se lever. Si vous étiez encore dans les toilettes, il vous aura directement arrêté, alors que si vous étiez à votre table, il serait venu vous interroger. A ce moment intervient une autre des nombreuses originalités de Fahrenheit : la possibilité de choisir les répliques. Pour que le jeu de Quantic Dreams offre une liberté de mouvements et de choix totale, il fallait absolument que nous puissions choisir ce que Lucas répondra aux déclarations des gens. C'est chose faite, puisque absolument TOUTE les paroles des différents personnages sont à votre portée. Le système est le même que lorsque vous choisissez une action à faire, il vous suffit d'incliner le joystick dans la direction de ce que vous voulez dire. Présentées sous la forme d'un simple mot, vos futures déclarations auront toujours un impact direct sur la suite de la discussion, et changeant parfois totalement le sens de l'aventure. Lorsqu'il vous faudra choisir entre donner ou non l'enfant/messie à la vieille dame qui vous aide au cours de l'histoire, pas moins de 6 fins différentes seront disponibles, un peu à la manière des fins multiples que l'on retrouve parfois dans les bonus DVD, chacune changeant radicalement le sens de l'histoire.



Pour que l'aventure soit réellement interactive, il fallait que l'on s'identifie aux personnages que l'on contrôle. Dans Fahrenheit, tous les personnages principaux de l'histoire passeront entre vos mains dont les trois principaux sont les suivants : Lucas Kane, Carla Valenti et Tyler Miles. Le premier est un informaticien amateur de Shakespear et desespéré par sa rupture récente avec Tiffany, son ex-petite amie. La suite, vous la connaissez. Lucas tuera un homme alors qu'il était possédé par on ne sait quelle entité (tout du moins, au début...) et essaie désormais de reconstruire sa vie et de comprendre pourquoi il a été poussé à faire cela. Carla Valenti est une inspectrice réputé dans le milieu, célibataire, et en charge d'une enquête concernant un meurtre qui a eu lieu dans les toilettes d'un bar. Tyler Miles est son associé. Il est la touche humoristique du jeu, et est partagée entre ses deux amours : sa fiancée et sa soif de justice... Un meurtre dans les toilettes, ai-je dis ? Oui, c'est bien ça. Dans Fahrenheit, vous contrôler l'auteur du meurtre, mais aussi ceux qui sont en charge de le résoudre. Ainsi, à vous de voir si vous préférez écrouer rapidement Lucas Kane (ce qui entrainerait la fin du jeu) en laissant des indices un peu partout et en les récupérant par la suite avec Carla et Tyler, ou si vous préférez rendre l'affaire plus difficile, pleine de rebondissements et riche en émotions pour les deux inspecteurs. Bref, vous avez la main mise sur le déroulement de l'histoire, tout comme un réalisateur. On s'attache rapidement aux personnages, puisqu'on les controle tout au long de l'histoire, dans quelque lieu qu'ils soient. La phase de l'appartement de Carla sera l'occasion de la contrôler en petite tenue, de l'emmener aux toilettes ou de se faire tirer les cartes par son voisin de palier homosexuel venu lui rendre visite. Chez Tyron, on retrouve sa petite amie, triste de le voir partir tous les matins affronter les dangers de la rue en ne sachant pas s'il rentrera le soir. Ce sera aussi l'occasion d'une séance de strip-tease (intégral, oui oui...) particulièrement émoustillante. Par contre, chez Lucas, et même si le côté sexy sera également présent si vous jonglez habilement des mots lorsque Tiffany vous rend visite, la frontière entre réalité et hallucination sera beaucoup plus fine. A vous de voir si, lorsqu'il se réveillera la nuit, vous essaierez de vous rendormir ou vous irez voir ce qui cause ce bruit dans le salon. Rien ne vous empêche nous plus d'aller lire les nouvelles sur votre ordinateur (où un article ironique sur les méfaits du jeu vidéo y est hilarant.) Bref, la possibilité de contrôler tous les personnages offre au jeu une richesse incroyable, d'autant que leurs chemins se croiseront très souvent et que chacune de leurs altercations torturera ton esprit : qui choisira-tu de faire avancer ?



Les développeurs de Quantic Dreams ont voulu faire de Fahrenheit une expérience incroyablement interactive, mais aussi la plus cinématographique possible. Que ce soit au niveau de la mise en scène, alternant séquences émotionelles (nous aurons même droit à une bonne demi-douzaine de scènes hot), intrique mélangeant sciences occultes et sacrifices mayas, et scènes d'actions hollywoodiennes bien senties, le jeu de Quantic Dreams doit beaucoup au 7ème Art. Le positionnement des caméras lors des cinématiques, puisque l'on retrouve beaucoup de plongées/contre-plongées, mais aussi et surtout une division de l'écran afin de voir l'action selon différents points de vue à la manière de la série 24. Le ton de l'image est aussi particulièrement soigné, surtout lors des décors en extérieur. New York étant ravagé par la neige, recouvrant la ville d'un épais manteau blanc, et parsemé de nombreux buildings aux teintes grises et monotones, l'image devient involontairement noire et blanche, mélancholique et la seule couleur vient du personnage qui ose déranger ce calme ambiant. Dans la même optique, les flash back sur la jeunesse mouvementée de Lucas donnent à l'image un ton sépia particulièrement adapté, accompagnée de quelques sautes d'écran et parasites du plus bel effet.

Au niveau du son, on trouve également du lourd. Angelo Badalamenti s'occupe habilement de l'ambiance sonore du titre. Son nom ne vous dit peut-être rien, mais Badalamenti est le compositeur favori de David Lynch, et il est l'auteur de nombreuses soundtracks, de Blue Velvet à Twin Peaks en passant par Un Long Dimanche de Fiançailles. Ses créations renforcent le côté intriguant du jeu, avec des envolées de violon qui collent parfaitement à l'ambiance, et les morceaux funky/groovy qui accompagnent les apparitions de Tyler sont du plus bel effet. D'autres compositions plus diverses agrémenteront le jeu, lorsque vous allumerez un matériel hi-fi, avec notamment Martina Topley-Bird qui signe un superbe Sandpaper Kisses, très bien adapté à l'atmosphère appaisante de l'appartement de Carla. Nina Goodman apportera également sa patte jazzy, tandis que le groupe de rock canadien Theory Of A Deadman offre trois titres à la bande-sonore du jeu, l'excellent Santa Monica en tête. Le doublage a également fait l'objet d'une attention toute particulière de la part de l'équipe de développement, puisque l'on retrouve les voix françaises de Keanu Reeves (Lucas), Angelina Jolie (Carla) et Will Smith (Tyler).

Le nouveau projet de l'équipe de Quantic Dreams fonce directement du côté du film interactif, comme l'a été, vous l'avez compris, Fahrenheit. La vidéo que nous avons pu apercevoir quelques jours après qu'elle ait été dévoilée durant l'E3 2006 nous présente un casting mettant en scène une jeune femme du nom d'Aurélie Brancilhon. Passant du rire aux larmes, l'actrice nous raconte comment, après avoir appris que son mari la trompait, elle a tenté de se suicider avec un revolver. Reprenant la raison, elle se dit qu'elle n'est pas fautive, que si sa vie est détruite, c'est entierement la faute de son mari. Elle charge son revolver, attend patiemment le retour de son homme, puis lui vide tout ce qu'elle a sur le coeur avant, finalement, de vider son chargeur dans son crane. La vidéo, d'une qualité exceptionnelle, est censée représenter les capacités des machines next-gen concernant la retranscription parfaite des émotions. Heavy Rain est un titre qui fera à coup sûr parler de lui, et que je te conseille fortement de surveiller du coin de l'oeil. Playstation 3, Xbox 360 et PC, évidemment.



J'espère sincèrement vous avoir donné l'envie de découvrir ce jeu qui regorge de bonnes idées, à chaque fois magistralement bien exploitées, mais qui vous fait également vivre une aventure particulièrement rafraichissante, et, plus que tout, personnelle. Ici, vous êtes le héros de l'histoire. L'emprise du scénario, l'étreinte du Dieu/gamedesigner, la diégèse ludonumérique, tout cela n'existe pas : vos actes répondent de votre subconscient et de votre morale, sachant qu'il faudra à chaque fois les assumer sans possibilité de retour. C'est cet état d'impuissance mêlé à cette envie de découvrir jusqu'où la perversité de tout insérer des développeurs a été qui font la richesse de Fahrenheit. On est en constante interrogation, toujours à se demander si cette action ne nous sera pas préjudiciable, avec ce goût du risque qui nous pousse à franchir des limites quitte à les payer ensuite. Ce dossier n'étant pas dédié à l'extrapolation sur plusieurs sujets (puisqu'on parle de jeu vidéo et de cinéma, si tu as déjà oublié), nous en resterons là de l'aventure physique et psychologique que procure Fahrenheit. Le mieux, c'est que tu y goûtes toi même.

Le meilleur jeu auquel je n'ai jamais goûté, tout simplement.

BONUS

Encore une fois, quelques petits cadeaux pour te dire merci. Des fonds d'écran, des vidéos et la démo jouable officielle de Fahrenheit.

La bande annonce du jeu
Une vidéo de quelques passages Olé olé du jeu (sans toutefois dévoiler le meilleur ;-)
Une vidéo de Lucas jouant de la guitare
La démo PC de Fahrenheit