Après une semaine de jeu, je peux vous faire une petite critique d’une suite très attendue par de nombreux de fan du déjà culte Ooendan, j’ai nommé Moero! Nekketsu Rhythm Damashii Osu! Tatakae! Oendan 2 (sacré titre, isn’t it ?). Les fans connaissent tous le principe, il suffit de tapoter au bon moment (et dans le bonne ordre) sur les pastilles numérotées, donnant ainsi un rythme à chaque musique J-Pop souvent jubilatoire ! Et c’Est-ce qu’on peut reprocher le plus à cette suite, de ne pas avoir retoucher d’un seul pixel le gameplay du jeu. Mais rassurez vous, nous avons bien affaire à un excellent cru !

Ce que l’on ressent dans la première heure de jeu, c’est que les concepteurs ont voulu pousser encore plus loin les délires musicaux, les histoires venues d’une autre planète et ce bonheur si communicatif dans chacune de ces épreuves … Pas de doute, Ooendan 2 cherche à exploser son grand frère dans le background en allant côtoyer l’énorme, poussant les limites du n’importe quoi à son paroxysme ! Et c’est plutôt réussi, surtout que les développeurs ont eu l’intelligence d’écouter les fans, donc de corriger tous les légers défauts du 1 ! Souvenez vous des moments d’énervements sur le début de Ready Steady Go qu’on était obligé de se retaper à chaque fois qu’on perdait lamentablement en Insane … Et bien, c’est fini ! On peut passer chaque introduction musicale pour accéder directement dans le challenge ! Peut être que ce défaut a déjà été corrigé dans Elite Beat Agents mais je n’ai pas encore pu y toucher (le 13 juillet sera un grand jour …). Autres détails, on peut jouer en co-opération (plusieurs cartouches) ou jouer en multi avec une seule cartouche ! On peut aussi dire que le jeu s’est légèrement amélioré graphiquement, ce qui n’est pas pour nous déplaire …

Au rayon Track-List, nous en sommes dorénavant à 19 songs plus ou moins intéressantes. Car malheureusement, contrairement au 1er Ooendan, certaines musiques sont difficilement écoutables … mais cela ne dépasse pas les 2,3 songs … Je citerais Pop Star (avec le médecin) et l’histoire avec la patineuse ultra poussive et larmoyant contrairement à son homologue dans Ooendan, qui était beaucoup plus agréable. On peut noter aussi que la Final Song est vraiment à des kilomètres du génial Ready Steady Go alors que l’histoire, elle, explose littéralement dans le kitsch jouissif et portnawakesque. Dommage …
Mais ça ne veut pas dire que le jeu ne possède rien, car Ooendan 2 en possède des quantités de chansons jouissives. Je cite mes coups de cœurs selon l’histoire : Le Sumo (ultra frénétique ^^), le coiffeur (la meilleure selon moi), le gamin se retenant de pisser toute la nuit (avec les plombiers ressemblant étrangement à Mario et Luigi, d’ailleurs regardez quand vous perdez dans cette partie de la musique ^^), Catzilla Vs les 3 ingénieurs et leur robot ou encore celle des filles qui chantent … Bref que du bonheur !

En conclusion, tous les fans de Ooendan de la première heure doivent se procurer cette petite merveille qui n’a pas à rougir devant son ainé malgré le manque d’innovations ainsi que certaines songs décevantes … Mais rien que pour le coiffeur, il faut l’acheter !
Ooendan ou le bonheur portnawakesque vidéoludique dans toute sa splendeur. OSU !!!

Elu pour ma part comme meilleur jeu de l'année avec Guitar Hero, Shadow of the colossus mérite amplement un article plus approfondi car comme l'a si bien dit Damuse dans les commentaires de mon précédent sujet, Shadow est à placer en tant qu'Oeuvre d'Art à l'instar d'ICO, autre chef d'oeuvre absolue développé par le même studio de développement. Shadow est plus qu'un jeu, c'est une expérience, une oeuvre somptueuse surpassant tous ce qu'on a pu faire dorénavant dans le monde vidéoludique car avec cet oeuvre (appelons ainsi), le jeu vidéo ne peut plus être insulter de violent, débile, objet pour décérébrés car Shadow s'apprécie comme un film de Paul Grimault ou de Hayao Miyazaki, ou allons plus loin dans la comparaison, les peintures d'un Van Gogh ou d'un Monet (Post Impressionisme et Impressionisme).
D'abord parlons de l'objet jeu, son gameplay. SOTC innove tout simplement la façon de jouer sur un principe finalement proche d'un Zelda, même le rendant beaucoup plus répétitif mais les sensations en deviennent beaucoup plus saisissantes : Nous jouons un Link-Bis ayant perdu une amie proche, un être cher. Notre héros ammène le corps inanimé sur l'hotel d'un sanctuaire où la vie peut être rammener. Une voix mystèrieuse annonçe que l'on doit affronter 12 colosses (ou 16 ? je sais plus ...) et prendre leur âme afin de redonner vie à cet être si important à notre héros (les émotions sont tellement fortes comme dans ICO que nous aussi, nous avons envi sa résurrection). Nous montons sur notre cheval (qui a dit Epona) afin de trouver où se cache chaque colosse. A partir de là, rien d'exceptionnel mais dès que nous voyons le colosse, les proportions changent ... L'affrontement entre un être si petit (nous) et une chose possédant une âme (un être aussi donc mais le sont-ils vraiment ? toute la question du jeu ...) devient tout simplement formidable et épique. Nous tentons de trouver le point faible qui permettra de grimper sur la bête, puis de trouver les zones de faiblesses pour pouvoir lui enfoncer notre épée. Le moment de l'escalade est tout simplement magnifique pour les oreilles et les sensations, car ce n'est pas héroïque ce que l'on fait, mais totalement désespéré : notre faux-héros prêt-à-tout pour sacrifier sa vie pour celle qui partageait son coeur, et qu'il ne vit que pour elle. Tétanisant. J'ai dit les oreilles car nous avons avec la composition de SOTC (ou l'OST) l'un des meilleurs Soundtrack pour un jeu vidéo, tout simplement faramineux, épique, poétique, à en pleurer, tellement c'est beau ...
Pourtant Shadow of the Colossus n'est pas aussi grand que ICO. Pourquoi ? Tout simplement parcequ'il est répétitif à la différence de ce dernier ... Et que certains colosses ne sont pas aussi formidables que d'autres. Finalement, la véritable consistance du jeu arrive surtout à la fin . Je ne vais pas la dévoiler mais il sagit sans doute de la fin la plus tragique, pessimiste et couillue vu dans un jeu vidéo.
Esthétiquement parlant, rien à dire, c'est grandiose. Seul reproche, la PS2 nous montre ses faiblesses avec un Frame Rate s'emballant un peu trop ... Les nouveaux projets du studio ne devrait qu'être enrichis dans l'avenir avec les consoles nouvelle génération mais leur plateforme sera unique malheureusement : il sagit de la PS3 car le studio appartient à Sony.

Arrivé sur le front avec la ferme intention de remporter de nombreuses victoires, Stransky (interprété par un Maximilian Schell alliant à merveille la stature de son rang et une veulerie rarement atteinte), est destiné à gagner au final la croix de fer, récompense suprême pour bravoure sur le champ de bataille. Il aurait ainsi dû trouver en Steiner (James Coburn digne du Jack Palance de Attack ! de Aldrich, ce n'est pas un mince compliment), sergent maintes fois décoré (notamment de la fameuse croix), un modèle, un mentor, lui servant d'exemple et le guidant vers la dignité individuelle au service de la nation.

Sam Peckinpah restait souvent cloitrer dans les Westerns, même ces films paressant ne pas l'être comme Guet-Apens, Les Chiens de Paille ou Apportez-moi la Tête d'Alfredo Garcia le sont finalement en quelques sortes. Quel genre pourrait coller parfaitement au cinéma de Peckinpah ? Le plus évident : la Guerre. Tout Sam Peckinpah peut se retrouver dans la Guerre comme ce fut le cas dans le Western.

Croix de Fer marque sans nul doute le point culminant de la Filmographie de Bloody Sam, pour plusieurs raisons : 1) Tous les thèmes de Sam Peckinpah y sont et atteingnent leur paroxysme, 2)Jamais la guerre n'a été filmé d'une telle manière, dans le chaos le plus totale, 3) Jamais vous ne pourrez voir un final (les 20 dernières minutes) aussi bluffant et puissant. Et ... ce film a 30 ans ...

Dès le début, Sam Peckinpah ouvre son film sur un générique grandiose, constitué d'images d'archives, jouant sur le montage en alternant images d'enfants, scènes de bataille, patriotisme allemand, séances d'exécution, joie d'un peuple, souffrance du bataillon et gloire de l'allemagne nazie. Le générique devient tout simplement paradoxale dans ce qu'il montre. Rajouter à cela en fond musical une chanson enfantine (jeunesse hitlerienne ?) avec tambours et autres instruments patriotiques, l'effet est saisissant et le générique est sans doute l'un des meilleures existants dans le monde du cinéma comme ce fut le cas aussi pour Pat Garrett and Billy The Kid et La Horde Sauvage.

Si on pousse le côté analytique plus loin, Croix de Fer se relie à toute la filmographie de Sam Peckinpah : On retrouve le chaos absolue de La Horde Sauvage, le pessimisme et la brutalité humaine des Chiens de Paille, le lyrisme et la poésie d' Alfredo Garcia, et le côté Requiem de Pat Garrett. Ainsi que l'innocence de l'enfance et les femmes, tous les deux confrontés dans le plus bas de la guerre, même si certaines tentent de rammener l'espoir sur des soldats (la relation entre Steiner et l'infirmière). La conclusion en devient que plus pessimiste du fait que l'homme est né pour la guerre et que ça lui plaît selon Sam Peckinpah.

Croix de Fer joue beaucoup aussi sur le duo James Coburn (Steiner) et Maximilian Schnell, tous les deux formidables qui se conclura d'une façon surprenante donc imprévisible ce qui est étonnant dans ce type de films. Le final, plongé dans le désespoir, la violence, le chaos le plus absolu,devient surréaliste dans la dernière minute, où l'on découvre la scène la plus absurde (dans son sens littéral) et ambigu pour un film de guerre.

Après avoir atteint un tel degré degré de génie durant ce final époustouflant, Sam Peckinpah nous achève sur un générique tout simplement sidérant sur des images d'enfants en deuil, emprisonnés ou même pendus sur la composition d'Ernest Gold, puissante d'émotions, et se finissant avec un rire ironique et une citation de Bertolt Brecht, achevant littérallement le spectateur.

Croix de Fer est tout simplement le plus grand film de guerre existant, un monument dans le 7ème Art, le plus grand film anti-militariste selon un certain Orson Welles, une claque cinématographique comme on en voit trop peu mais le pire dans tout ça ... c'est que le film est trop peu connu alors qu'il vaut 10 000 fois plus qu'un Il faut sauver le soldat Ryan (que j'apprécie beaucoup pourtant).

Dans une hacienda mexicaine règne El Jefe, un riche et puissant propriétaire foncier. Sa fille étant tombée enceinte, il la torture pour qu'elle lui révèle le nom du séducteur : Alfredo Garcia. El Jefe offre alors une récompense d'un million de pesos à qui lui rapportera la tête de l'homme en question.
Aussitôt accourent des aventuriers venus des quatre coins du pays. Benny, un minable pianiste de bar américain également alléché par la prime, apprend la nouvelle par deux tueurs, Quill et Sappensly. Or, Alfredo Garcia a été l'amant de son actuelle compagne, Elita. Celle-ci lui avoue que Garcia est récemment mort dans un accident de voiture. Benny l'oblige alors à le conduire sur sa tombe.

En 1974, après Pat Garrett et Billy the Kid, Sam Peckinpah réalise ce qui est sans doute son film le plus personnel, Bring Me the Head of Alfredo Garcia. Dans la Horde Sauvage et Pat Garrett, les thèmes de l'enfance innocente et de la femme ont toujours été explicite. Le paroxysme de ces thèmes est atteint dans Apportez-moi ...

Dès le début du film, nous voyons un lac paisible avec ces habitants accompagné musicalement de sonorités mexicaines appaisantes, puis nous voyons une jeune femme enceinte, belle, assise au bord du lac, et souriante de l'avenue de ce bébé. Un coin de Paradis qui sera vite entaché par deux gueules patibulaires (physique typique du cinéma de Peckinpah) qui demande à la jeune fille de venir voir son père. Si vous avez lu le synopsis, vous comprenez que le paradis se transforme alors en un véritable cauchemar. Ainsi l'enfant né sera témoin de violentes fusillades et d'un père assassiné d'une façon brutal (on ne voit pas le meurtre mais une tête coupé de son corps, c'est toujours barbare ...).

L'autre élément est la fiancée de Benny, rêvant toujours de se marier avec son aimé. Malheuresement, Benny pense plutôt à la tête et à l'argent qu'à sa femme,en quelques sortes il est à la recherche de son bien-être, de son rêve américain. L'issue n'en est que plus cruel puisqu'elle meurt prêt de la tombe d'Alfredo Garcia. Benny va finalement se rendre compte de sa connerie, et s'est alors qu'explose toute sa colère et son désespoir jusqu'à un final où tous les personnages qui ont créer l'histoire se rencontre et s'affronte dans une fusillade mémorable.

On retrouve alors dans Alfredo Garcia, un peu des Chiens de Paille avec son côté pessimiste de l'être humain sans une once d'espoir ainsi que l'ambiance mexicaine déjà présente dans la Horde Sauvage et Pat Garrett. La poésie morbide et les fusillades sont toujours présentes. Ce qui différencie ce Peckinpah des autres, c'est l'humanité que dégage le personnage Benny joué par Warren Oates. Alors que Pat Garrett et La horde incarnait des mythes vieillissants, Benny est un looser qui n'aura pas saisi à temps l'essentiel de sa vie misérable. Peckinpah est cruel avec son personnage, il le fait souffrir jusqu'à la fin.

Alfredo Garcia est considéré comme son film le plus personnel, car il est le maître à bord durant la production du film et qu'il est l'auteur du scénario. Aucun problème n'est venu le perturber, il a pu enfin exprimer ce qu'il voulait comme pour la Horde Sauvage. Il sagit pour beaucoup de monde comme son meilleur film (et le deuxieme meilleur pour moi ^^).

En 1881, au Nouveau-Mexique, dans le repaire de Fort Sumner, Pat Garrett retrouve Billy, son ancien compagnon de route, et lui annonce qu’il est devenu shérif. Pat lui recommande alors de quitter les environs, sinon il sera dans l’obligation de l’éliminer. Billy ignore son conseil. Commence alors une poursuite impitoyable entre le policier et le jeune hors-la-loi.

Entre les Chiens de Paille et Pat Garrett, Sam Peckinpah connu son plus grand succés commercial : Guet-Apens est l'un des succès de l'année aux Etats-Unis. Pourtant, jugé comme l'un de ses meilleurs films, Guet-Apens est une oeuvre mineure. Malgré un générique typiquement Peckinpah et des fusillades toujours aussi incroyable, rien ne ressort du couple Steve MacQueen/Ali MacGraw. Les personnages ont beau être purement Peckinpah dans leur physique que psychologiquement vide d'intérêt. Le scénario est remanié par Walter Hill ammenant une fin optimiste (quasimment jamais dans un Peckinpah !) tout en oubliant l'essentiel du bouquin et de l'esprit du réalisateur. Bref un succès mais pas artistique.

Après ces déboires, Peckinpah revient pour une dernière fois au Western et il aura encore des problèmes avec la production qui est cette fois-ci, la MGM. On lui impose un acteur de 37 ans (Kris Kristofferson) pour jouer Billy the Kid alors qu'à l'origine le personnage ne fait que dans la vingtaine. Puis époque peace and love oblige, la production impose Bob Dylan, l'un des plus grands chanteurs américains sur Terre.

Malgré ses soucis, les acteurs non désirés par le réalisateur se révèlent excellent dans leur rôle tous les deux. Mais la vrai star du film se révèle James Coburn, tout simplement fabuleux dans le rôle de Pat Garrett, prêt à tout pour retrouver et tuer son meilleur ami du temps où il était lui aussi Hors la loi.

Si on suit la filmographie de Bloody Sam, on pourrait croire que se Pat Garrett ne serait que plus brutal que ces derniers (qui sont La Horde Sauvage avec le Chaos et Les Chiens de Paille avec la Bestialité) or cela n'est pas le cas. Le film a beau être d'une grande violence, Peckinpah nous surprend par sa sensibilité que l'on savait jusqu'à présent quasi inexistante. Car Oui, Pat Garrett et Billy the Kid est un film onirique et poétique, l'un des plus beau Requiem qui existe et le meilleur western crépusculaire ... après Impitoyable de Clint Eastwood.

Le film commence d'ailleurs d'une façon culottée puisqu'il sagit de la mort de Pat Garrett. Le Montage utilise deux scènes se produisant à deux époques différentes. Le but est de montrer Billy tirer sur Pat Garrett alors que celui-ci est déjà mort avant la mort de Pat. Une fatalité est montrée à l'écran et tout avance dans ce sens là durant le film. Un vieux shériff se prend une balle durant une fusillade, sa mort est inéductable. Il arrête de se battre et s'éloigne du massacre. Il continue d'avancer vers le crépuscule, la main sur son ventre en sang. Il s'arrête et regarde sa femme, qui fut si impitoyable durant la fusillade, pleurer. Tout cette scène se déroule sur la musique splendide composée par Bob Dylan himself. Une des plus belles séquences cinématographiques qui m'étaient données de voir, tout simplement.

Charcuté au montage à sa sortie, Pat Garrett et Billy the Kid n'a pas eu le succès escompté alors qui le méritait bien plus que Guet-Apens. Un nouveau montage apparue enfin en 1988, il sagit de la version Turner. Un autre montage vu le jour en 2005, qu'il n'est possible de voir que sur l'excellent DVD collector de Warner. Pourtant la version Turner reste la meilleure et possède la vision la plus proche de Sam Peckinpah.

David Summer, un jeune mathématicien, décide un beau jour de fuir l'Amérique et de s'installer avec sa femme dans un petit village de Grande-Bretagne où l'atmosphère plus paisible et tranquille favorisera l'écritue de son livre. Mais la réalité s'avère très différente et le couple se confronte vite à l'hostilité des autochtones. Sa femme se faisant sauvagement agressé, David, atteint dans ses convictions, rispostera par une violence qui, par le passé, le répugnait.

Sorti à la même époque que Orange Mécanique, Les Chiens de Paille n'a pas eu le succès escompté. Pourtant le film avait de quoi suscité une polémique beaucoup plus importante que Orange Mécanique car possédant une scène de viol tout simplement insupportable, bien pire que celles d'Orange Mécanique réunies.

Sam Peckinpah, en plus d'avoir une fascination, malsaine pour de nombreuses critiques, pour la violence, est une personne pessimiste, qui n'a que peu d'espoir en l'être humain. La Horde Sauvage mettait en oeuvre le Chaos et un monde en déliquescence. Les Chiens de Paille s'attarde plus sur l'homme et son comportement bestial, tel que le film de John Boorman, Délivrance. D'ailleurs, Sam Peckinpah devait réaliser ce dernier, mais on peut dire que finalement, il a fait son Délivrance.

Dustin Hoffman, acteur le plus brillant de sa génération avec Gene Hackman, joue le rôle de ce jeune mathématicien qui est pacifiste et répugne toutes les sortes de violence pouvant exister. Sa femme, quand à elle à tendance à s'habiller comme une femme de la ville voulant se faire désirer. Evidemment, lorsque ces derniers veulent amménager dans la campagne profonde, rien ne se passera comme ils l'auraient voulu ...

Ainsi le montage garde toujours une tension surprenante, car aucun plan ne dépasse les 5 secondes d'apparitions. Ce surdécoupage n'apporte que plus de puissance à cette oeuvre au combien dérangeante. De plus la fameuse scène du viol est voulu par sa victime ! Inquiète au début, elle se laisse faire par le premier violeur, comme si elle éprouvait du désir pour ce dernier avec cette bestialité que ne possède pas son mari si calme. En revanche le deuxième violeur sera vu comme une véritable agression, d'une sauvagerie inouie.

Face à cette barbarie, le comportement du jeune mathématicien changera à jamais, devenant plus violent que n'importe quels de ces autochtones, dans un final extrême et sans concession. Terriblement crédible, terriblement pessimiste.

Les Chiens de Paille est sans nul doute, le film le plus dur de Sam Peckinpah. Ce qui n'empeche pas au film d'être un Chef d'Oeuvre de plus dans sa filmographie et le meilleur Survival existant ...

1914. Pike Bishop et sa bande, déguisés en soldats, pénètrent dans une petite ville à la frontière du Texas, San Rafaël, pour y dérober la paie des travailleurs du chemin de fer. Ils ignorent que Deke Thomton, autrefois leur complice, mais qui travaille maintenant pour la direction des chemins de fer, les attend et va essayer, avec quelques chasseurs de primes, de les faire tomber dans une embuscade...

La Horde Sauvage marque le début de l'extrême violence au cinéma pour plusieurs raisons : la découverte du système de boules de sang explosant à temps voulu, l'utilisation du ralenti sur un corps se faisant déchiqueter par les balles, et du montage jouant sur l'alternance entre un corps au ralenti est une autre situation dans une des fusillades apocalyptique du film. Cette violence n'est aucunement gratuite comme l'ont souvent décriées les critiques de cette époque donnant même le surnom au réalisateur du film, Bloody Sam. Sam Peckinpah est pourtant une personne sensible et celà se ressent dans ses films, mais qui éprouve une fascination pour la violence et le chaos.

Avant La Horde Sauvage, Peckinpah commença dans la série télévisée consacrée au Western où il remporta un jolie succès, il continuera dans le même genre avec ses premiers films, dont Major Dundee ou Coups de feu dans la Sierra, pourtant on ne ressent pas dans ces derniers cette rage et cette poésie que dégage les productions post Horde Sauvage. Major Dundee possède pourtant ces éclairs de violence qui sont les prémices d'un cinéaste dérangeant. Mais la production de Major Dundee ne voyait pas du même oeil leur bébé. Le film charcuté d'une heure au montage.

Puis arrive La Horde Sauvage, véritable commencement du cinéaste dans ses propres thèmes et sa réalisation possédant un montage chaotique fascinant. Le film commence d'ailleurs sur un générique impressionant, où l'on voit des enfants s'amusant avec des scorpions submergés de fourmis, parallèllement une bande de soldat à priori aidant son prochain se révèle en fait une bande de salopards impitoyables, prêt à braquer une banque. Au moment où cette révélation se montre, le générique se termine par Directed By Sam Peckinpah (sous forme de Freeze noir et blanc du plus belle effet). La Horde est enfin révélé, on voit son propre visage, enfin on le croit ... Après une première fusillade apocalyptique, la horde s'empart de l'argent et s'enfuit, fier de leur succès lors du braquage. Pourtant les gains obtenus ne sont que des pièces d'argent trouées ... Peckinpah révèle en fait la véritable identité de cette horde, qui est en fait vieillissante, se faisant avoir comme des bleus, ils sont dépassés par les évènements. N'oublions pas que le film se passe en 1913, c'est-à-dire la fin de l'ouest , l'arrivée grandissant des nouvelles technologies comme la voiture, l'expension considérable du chemin de fer, et avec ces évolutions, la fin des héros de l'Ouest.

Mais la force indéniable du film reste son rythme impressionant, ses dialogues parfaitement construit, sa cohérence dans l'évolution des personnages. Ainsi on voit plusieurs thèmes qui figuront dans les prochains films de Sam Peckinpah : La vieilliesse, le chaos, le désespoir, l'enfance sois disante innocente ... Car les enfants que l'on voit au début s'amusaient à tuer les fameux scorpions qui sont la métaphore de la Horde, celle qui fut si impitoyable au début, qui finira par être dépassé par tout ce qui l'entoure et détruite définitivement sous un déluge de balles dans la fusillade la plus connue de l'histoire du cinéma. D'ailleurs c'est un enfant qui tue le chef de la Horde, William Holden, surpris aussi qu'une femme lui tire dessus. Cette fusillade est la représentation d'un monde malade comme la ville dans laquelle elle se produit, débordée par le vice et la nouvelle technologie dévastatrice (la Machine Gun).

Pour conclure, La Horde Sauvage est le premier chef d'oeuvre de Sam Peckinpah (ne pas oublier Coups de feu dans la Sierra tout de même) et surement pas son dernier.

Le plombier moustachu (que l'on a jamais vu à l'oeuvre dans son véritable métier) est de retour sur gamecube et comme dans chaque épisode, une nouveauté. Laissons tomber le scénario (ah bon il y en a un ?), plus affirmé que dans les anciens épisodes mais toujours aussi bidon, voir même empire la progression tellement les cinématiques ne sont pas assez bien rythmées. Le plus de ce nouveau Mario est l'ajout du J.E.T, sorte de pompe à eau possédant une intelligence artificielle (on se demande pourquoi ...) et multi fonctions car OUI, il peut faire Jet Pack, Turbo Réacteur, Propulseur qui fait voler loin, très loin. Bref une nouveauté géniallisime (pas étonnant de la part de Miyamoto) enrichissant considérablement les principes établies par Super Mario 64.
Cela ne s'arrête pas là, car le monde dans lequel nous jouons est une île paradisiaque, alors chaque monde que propose Sunshine va correspondre à cette ambiance de rêve : Port ensoleillé, Colline verdoyante, ou Parc d'attraction ... Les graphismes sont d'une splendeur et ne font qu'embellir l'île et ses lieux. Autre point : les niveaux Warp Zone dirons nous : ces épreuves vous ferons douiller, ils font appelle à la patience du joueur ainsi qu'à sa dextérité, bonjour les crises de nerfs. A noter aussi la Bande Originale tout simplement somptueuse ! Seul défaut au tableau, les caméras très capricieuses qui vous font louper un saut important, énervant isn't it ?

Pour conclure, je dirais (et ça va faire polémique je le crois ^^) que Super Mario Sunshine est meilleure que son antécédent en 3D, Super Mario 64. Voilà je l'ai dit ... et je m'en fou des insultes.

Existe-t-il un Chef D'oeuvre tel que Shenmue ayant été autant boudé par le public comme ce dernier ? Non, Shenmue n'a pas rencontré de succès, ce qui joue énormément sur la production d'une nouvelle suite, le 3ème épisode pour être précis, attendu comme le messie par de nombreux joueurs ! Mais qu'est ce que Shenmue ? C'est vivre dans la peau de Ryo ainsi que de retrouver l'assassin de son père. Prenez littérallement le terme Vivre car c'était le but de Yu Suzuki, génial créateur des Virtua Fighter. Dans Shenmue, c'est Métro Boulot Dodo, nous vivons dans le quotidien d'un petit village japonais. Nous disposons d'une liberté impressionante, le gameplay s'enrichi par d'autres genres : le jeu de combat, très proche de la maniabilité d'un Virtua Fighter, ainsi que le Quick Time Event, reprit aussi par Resident Evil 4. Ces Possibilités enrichissent totalement la quête de notre héros jouant les détectives ! Ainsi on peut interroger tout le monde, se balader sans que le temps nous impose quoi que ce soit (à moins que vous ayez un Rendez Vous à telles heures). Sinon vous pouvez vous faire un petit Space Harrier ou Hang On dans une salle d'arcade (des jeux Yu Suzuki ^^), ainsi que de faire des mini quêtes, comme avoir toute la collection des petites figurines. Shenmue n'est pas un MMORPG comme va l'être Shenmue Online, mais une véritable simulation de vie avec une trame scénarisée, avec nombreuses références cinématographiques, comme les films de la Shaw Brothers, ou les Kitano.

Pour plus de renseignements sur l'univers de Shenmue, et le Pourquoi est ce un chef d'oeuvre ?, je vous conseille fortement le Hors Série Mad Movies : Quand le jeu vidéo fait son cinéma, où l'on y trouve une analyse de l'oeuvre de Yu Suzuki absolument brillante, ainsi qu'un article sur les références cinématographiques de Shenmue (et elles sont nombreuses !). Je vais faire un petit avant goût pour vous donnez envi :

En moins de temps qu'il n'en aura fallu pour le jeu vidéo de rentrer dans la cour tant convoitée de la culture, une certaine frange du public aura su bouder son lot de chefs-d'oeuvre aussi vite que l'on épelle Mario, un peu comme si on refusait d'enseigner Picasso en cours de peinture. Parmi ceux-ci, l'un trône tout en haut, ardemment mais pas fièrement, de toute sa splendeur délaissée : Shenmue

Par la suite, l'article de Tarik Zerglain se révèle très poussé dans les comparaisons comme des différences entre l'oeuvre de Yu Suzuki et les Metal Gear de Hideo Kojima (ce n'est qu'un petit exemple). J'espère que vous êtes curieux, et que vous foncerez acheter cet Hors Série d'un magazine si brillant !

Gitaroo Man est le genre de jeu qui devient instantanément culte à sa sortie comme We Love Katamari ou encore Guitar Hero. Dévelloppé par l'équipe d'Inis, les créateurs du fantastique Ooendan, le jeu nous transporte dans un monde complètement dingue, dont le principe du gameplay est de jouer de la guitare (dans différentes sonorités selon le niveau) avec le Joysick Analogique Gauche et les quatres bontons spécifiques à la PS2. D'une difficulté hors norme (le mode Maestro !!!), Gitaroo Man va vous faire passer des nuits blanches si vous avez les nerfs bien accrochés. Mais où est l'intérêt de ce jeu de rythmes ? La musique, elle même tout simplement, d'un qualité renversante, mélangeant les genres, de la J-Pop ultra réjouissant (Flying-O) au Jazz en passant du côté des sonorités mexicaines ou ... gothique, ainsi qu'une ambiance déjanté où l'on incarne un gamin mal dans sa peau qui découvre ses pouvoirs de musiciens, son chien l'aidera dans sa quête (absurde isn't it ?) pour qu'il retrouve la confiance en lui. Typiquement Japonais, donc typiquement Culte.
Un jeu que tous les fans de Rythm'n'game doivent absolument posséder !!!

Dans la rubrique des jeux boudés avec les cochons de guerre et méritant plus d'estimes, je vous présente Luigi's Mansion ...
Jeu de lancement de la Cube avec Wave Race ainsi que Star Wars Rogue Leader (et autres), il se présente comme une parodie des Resident Evil allant jusqu'au détail de la porte qui s'ouvre lentement (réjouissant), ainsi qu'une touche fort séduisante de Ghostbusters avec l'aspirateur que ce cher Luigi doit manier avec délicatesse.
Alors on a dit que le jeu était trop simple et trop rapide à finir, ainsi qu'une certaine monotonie se faisait ressentir ! Essayer de finir le jeu avec un Rank A se révèle un challenge beaucoup plus ardue qu'il puisse paraître. Pour la courte durée de vie, cela n'est pas un défaut et ne le saura jamais pour aucun autre titre : je prends l'exemple d'ICO qui est un jeu parfait et qui pourtant se finit en à peine 6 heures de jeu; et cela ne l'empêche pas d'être le Must de la PS2. Bien évidemment, Luigi's Mansion n'est pas le Must de la Gamecube dû à la sortie rapide du soft le rendant perfectible sur quelques points mais le plaisir est énorme comme c'est souvent le cas chez Miyamoto, d'une originalité débordante, aucune monotonie se fait ressentir, aspirer du fantôme is fucking good !
Get this game, NOW !

Que dire de ce jeu si boudé ? Il sagit de la première tentative à la 3D pour un jeu stratégique de guerre tour par tour à la Worms et dans lequel vous jouez des cochons de différents pays. Bien sûr le plaisir stratégique d'un Worms n'est pas atteint, ainsi que la lassitude pouvant intervenir. Mais c'est plaisant, c'est drôle (voir hilarant) grâce aux voix des guignols de l'info, le gameplay est plutôt bien foutu pour une adaptation risquée à la 3D d'un Worms (dont Team 17 tentera le coup ... en vain) et on s'amuse beaucoup ...
On ne peut pas vraiment en dire beaucoup plus, il suffit d'y jouer pour comprendre. Recommandable mais pas indispensable.

Winslow Leach, jeune compositeur de talent, se fait voler sa cantate intitulée « Faust » par un certain Swan, star planétaire. Décidé à demander des comptes, Leach s'introduit dans la maison de production « Death Records ». Poursuivi par les gardiens, il est jeté en prison. S'évadant, il se coince accidentellement la tête dans une presse à disques. Défiguré, celui-ci hante le nouveau temple du rock n'roll : le Paradise.

Si il y a des films qui tiennent du miracle, Phantom of the Paradise est l'incarnation ultime de ce miracle. Fourre-tout doté d'une cohérence au-delà des mots, le film de Brian DePalma n'est pas explicable. On comprend très bien ce qui, en amont, a permis à De Palma d'expliquer son projet au producteur Pressman : une combinaison du Fantôme de l'Opéra, du Portrait de Dorian Gray, de Faust et de Frankenstein.
Ce qui échappe à toute rationalisation, en revanche, c'est que le résultat final tienne debout. Mieux : il n'aurait pas pu exister sans les idées incroyables de mise en scène, de narration, de direction d'acteur et j'en passe qui confèrent sa moelle épinière au film. Problème de la poule et de l’œuf : De Palma savait-il déjà exactement comment il allait raconter son histoire, l'ayant planifié avec la froide logique qu'on lui connaît, ou est-il rentré en transe vaudou pour signer son meilleur film ? Si la première version est la bonne, cela veut dire : 1)que Brian De Palma peut rationaliser l'inspiration ultime et faire des films parfaits quand il le sent 2) Qu'il nous nargue depuis des années en ne réitérant pas l'exploit, même s'il en a fait d'autres.
Pardon pour les ergotages qui ont précédé, mais à part écrire un long cortège de louanges, il est difficile de parler de ce qui, pour votre serviteur, est un film parfait échappant à l'analyse. Il y a des milliards de choses à dire sur Phantom of the Paradise, toutes aboutissant à la même conclusion : ce genre de rencontre harmonieuse entre TOUTES les composantes d'un film n'arrive qu'une fois tous les 25 siècles.
Tous les thèmes de De Palma sont présents, l'auteur ayant par ailleurs déjà traité du show-biz et de son inhumanité dans le très attachant Attention au Lapin/Get To Know Your Rabbit, mais jamais sans doute a t-il été à ce point capable de passer du coq à l'âne (pour exemples : mort hystérique de Biceps/chanson mélancolique de Jessica Harper; mélo tragique où le fantôme surprend Phoenix et Swann ensembles/scène de pur fantastique où Swann révèle ''qu'il est sous contrat, lui aussi'', etc...) avec une fluidité imparable, de manier l'ellipse (arrestation, évasion, mutilation et transformation en quatre minutes chrono) aussi brillamment et, surtout, de trouver cet espèce d'équilibre magique entre drame et comédie qui fait échapper le film à tous les registres et le rend inclassable.
Pour se garantir un maximum d'efficacité, la méthode de De Palma est d'en faire systématiquement trop, de tout grossir dix fois pour mythifier instantanément les personnages, les évènements, le film tout entier. Il y a en effet dans Phantom of the Paradise une cruauté tellement absolue, tellement inhumaine, qu'elle catapulte immédiatement les deux adversaires (Winslow Leach le compositeur naïf et Swann le producteur diabolique ) à leurs firmaments respectifs : le plus beau des héros tragiques; la plus séduisante des pourritures. Cette méchanceté démentielle se retrouve dans la chanson finale de Paul Williams (comme les autres, du reste), The Hell of It, aux paroles d'une rare violence polie : ''Good for nothin' bad in bed nobody likes you and you're better off dead goodbye (...) If I could live my life half as worthlessly as you, I'm convinced that I'd wind up burning too''... Sympa ! Pensé comme le film de genre ultime, la somme insurpassable de tous les clichés possibles et imaginables, Phantom of the Paradise n'avait que deux options possibles : devenir la pire daube de tous les temps ou incarner à lui seul l'essence du cinéma. En résumé : c'est LE chef d’œuvre.



A l'instar de Robocop, j'ai publié une critique de Denis Brusseaux justifiant parfaitement l'établissement du mot chef d'oeuvre à ce film. Car oui, Phantom of the Paradise est un modèle du divertissement et du sens du rythme ainsi qu'une superbe satire du show buisness des années 70. Quel plaisir hallucinant de voir et revoir un tel chef d'oeuvre !
Vous ne l'avez pas vu ? qu'est ce que vous faites à poiroter devant votre PC ? Achetez l'excellente édition double DVD éditer chez Opening, ça en vaut la peine !

Japon féodal, période Edo. Itto Ogami est un homme envié et jalousé, il est le bourreau officiel du Shôgun. Accusé à tort de complot contre son maître, Itto Ogami refuse de faire seppuku, préférant mener une existence de déshonneur sur les routes du Japon. Il prend la fuite avec son fils Daïgoro qu'il pousse dans un landau équipé d'armes étonnantes. Il devient alors un tueur à gages avide de se venger de ceux qui l'ont contraint à l'exil... un loup solitaire, « le Loup à l'enfant ». Leur aventure se prolongera tout au long de six films, qui les verra affronter ronins, femmes-ninjas, jusqu'à descendre aux enfers pour l'ultime confrontation avec les fantômes de leurs poursuivants ...

Saga mythique par excellence, la série des Baby Cart (Lone Wolf and Cub) est une démonstration visuelle totalement ahurissante du cinéma Japonnais des années 70. Débutée par le génial Kenji Misumi, la saga continura son chemin (jusqu'à un Ultime sixième film) avec 2 autres réalisateurs : Misumi réalise les 3 premiers et le 5ème, puis Buichi Saito pour le 4ème et Yoshiyuki Kuroda pour le dernier. Ces films sont uniques car il détourne les codes du chambara (films de samouraïs), de plus nous avous le côté Pop des années 70 qui apporte un côté surréaliste et absurde à la chose. Ce qui est marquant aussi, c'est la violence extrême et décalée que dégagent ces films avec des combats purement stylés et destructeurs, et cet relation si incroyable entre le père, si froid et son fils, si innocent. A noter tout de même, que le manga (excellent) est légèrement différent que les films car Ogami Itto est moins glacial. Auparavant, je fais parti de ceux qui préfèrent les versions DVD de HK vidéo à celle de Wild Side sur le point de vue de l'image et de l'esthétisme. Mais vu que le Wild Side va baisser au niveau du prix, foncez sans hésiter sur ce bijou, de plus le coffret possède un livret en plus ainsi qu'un DVD bonus par rapport à l'édition HK vidéo.