À une époque, lancer un jeu japonais, c’était changer de monde.

Interfaces étranges, musiques marquantes, persos improbables, idées parfois bancales… mais une vraie identité.

Des JRPG PS1 comme Xenogears, Vagrant Story ou Suikoden, aux bizarreries Dreamcast façon Shenmue, Jet Set Radio ou Rez, en passant par les jeux PS2 ultra typés comme ICO, Katamari Damacy, Okami ou Shadow of the Colossus, le Japon proposait autre chose que de simples clones occidentaux.

Aujourd’hui, entre moteurs partagés, ambitions mondiales et production AAA standardisée, cette “folie” semble s’être estompée.

Vous avez aussi l’impression que le jeu vidéo japonais a perdu une partie de son âme, ou au contraire que cette époque était juste plus tolérante à l’expérimentation ?

Joypad, Console+, Player One… souvenirs d’une époque où on lisait les tests sur papier.





Il fut un temps où la hype ne se vivait pas sur Twitter, où l’on ne scrollait pas Metacritic à la minute, et où chaque nouveau numéro de Joypad ou Player One était un petit événement mensuel.

On découvrait les jeux en avance grâce à trois screenshots mal compressés, on lisait les tests vingt fois, et on découpait parfois les posters pour les coller dans la chambre.

Ces magazines avaient quelque chose que plus rien n’a aujourd’hui :

- des plumes reconnaissables, avec un ton, un style, des private jokes
- des avis assumés, parfois à contre-courant, souvent passionnés
- une attente : un mois à spéculer avant de savoir si LE jeu très attendu avait pris 98% ou s’était fait démonter
- et surtout, un sentiment d’appartenance à une petite communauté de joueurs qui partageaient une même passion, bien avant Internet.

Beaucoup ont disparu, mais l'influence reste immense : c’est littéralement avec eux que toute une génération a appris à aimer le jeu vidéo… et parfois même à écrire sur le jeu vidéo.

Et vous : quel magazine vous a marqué ?
Vous aviez une équipe “Joypad” ou “Console+” ?

On peut aimer un JRPG pour son univers, son scénario ou ses combats… mais une chose revient toujours quand on se remémore un grand classique : sa bande-son.

Des mélodies 16-bit gravées dans la mémoire collective jusqu’aux orchestrations modernes dignes du cinéma, la musique des JRPG a façonné une identité unique dans l’histoire du jeu vidéo.

Voici un petit tour d’horizon des OST qui ont marqué le genre selon moi :

Final Fantasy VI – Nobuo Uematsu (1994)



Le summum de l’ère Super Nintendo.
Entre Terra’s Theme, Dancing Mad et Aria di Mezzo Carattere, FFVI montre qu’une OST 16-bit peut rivaliser en émotion avec les grandes partitions symphoniques.

Chrono Trigger – Yasunori Mitsuda / Nobuo Uematsu (1995)



Une BO mythique composée dans la douleur (Mitsuda en est tombé malade), mais qui a donné des musiques inoubliables : Corridors of Time, Frog’s Theme, Battle with Magus…
Probablement l’un des albums les plus influents du JRPG.

Final Fantasy VII – Nobuo Uematsu (1997)




L’entrée du JRPG dans la 3D, accompagnée d’une OST qui reste culte.
One-Winged Angel, Aerith’s Theme, Cosmo Canyon… si on parle encore de FFVII aujourd’hui, l’OST y est pour beaucoup.

Xenoblade Chronicles – ACE+, Shimomura & co. (2010)



Une BO démesurée à l’image du jeu.
Des thèmes de plaine qui donnent envie de partir à l’aventure, des musiques de nuit planantes, des combats explosifs…
Un véritable best of de la musique moderne de JRPG.

Persona 5 – Shoji Meguro (2016)




Le jazz-funk n’avait jamais été un style “JRPG”… jusqu’à Persona 5.
Last Surprise, Beneath the Mask, Rivers in the Desert — une BO qui donne une identité instantanée au jeu.

NieR & NieR Automata – Keiichi Okabe (2010 / 2017)




Un mélange unique de mélodies mélancoliques, de chants inventés et d’arrangements déchirants.
Peu de bandes-son savent créer autant d’émotion uniquement par leur ambiance.

Dragon Quest XI – Koichi Sugiyama (2017)




La série Dragon Quest a son style depuis toujours, mais l’épisode XI offre l’une des orchestrations les plus maîtrisées de la licence.
Classique, mais intemporel.

Octopath Traveler – Yasunori Nishiki (2018 )




Un hommage moderne aux JRPG 16-bit, mais avec une finesse orchestrale surprenante.
Les thèmes de combat sont parmi les meilleurs de la génération.

Depuis cinq ans, l’industrie du jeu vidéo vit la plus grosse vague de rachats de son histoire : Activision-Blizzard, Bethesda, Bungie, Codemasters, Gearbox, (et bientôt Ubisoft ?) et la liste continue de s’allonger. D’un côté, les géants consolident leurs catalogues. De l’autre, de plus en plus de studios indépendants cherchent un refuge financier face à des coûts de développement toujours plus lourds.

Mais cette consolidation tous azimuts pose une question simple : est-ce encore une évolution naturelle du marché ?



Les arguments “pro-rachats” : stabilité, moyens, ambition

Pour certains, les acquisitions restent une nécessité :

- Sécuriser le financement : un studio racheté ne dépend plus d’un seul jeu pour survivre.
- Accéder à des outils et infrastructures impossibles à financer seul (engines internes, serveurs, pipelines d’animation, marketing global…).
- Des jeux plus ambitieux : les fusions ont parfois permis des projets impossibles autrement, comme Baldur’s Gate 3, Sea of Thieves ou encore Final Fantasy XIV après sa relance.
- Continuité des séries cultes : certains rachats ont sauvé des licences abandonnées.

Sur le papier, tout le monde y gagne : les studios sont protégés, les budgets augmentent, et certaines licences revivent.

Les arguments “anti-rachats” : uniformisation, risques et monopoles

Mais l’envers du décor inquiète de plus en plus :

- Concentration du marché : moins d’acteurs = moins de diversité créative.
- Risque d’annulation des projets jugés “pas assez rentables”.
- Départs massifs : de nombreux rachats se soldent par… des licenciements.
- Pression GaaS et microtransactions : les catalogues doivent être “rentabilisés”.
- Exclusivités de force qui fragmentent les communautés.
- Fermetures soudaines : même des studios historiques (Volition, Tango Gameworks, Arkane Austin…) n’ont pas survécu malgré leur rachat.

Aujourd’hui, beaucoup voient les acquisitions non plus comme une opportunité, mais comme une menace pour la créativité et la stabilité de tout le secteur.

Le vrai problème : la dépendance aux géants

Peu importe le camp, une chose est claire :
Le marché devient de plus en plus dépendant d’une poignée d’acteurs capables d’absorber, de financer… mais aussi d’éliminer.

Ce n’est pas tant le rachat qui pose problème, mais le degré de contrôle économique qu’il crée.

En 2025, chaque acquisition n’est plus un événement isolé, mais une brique dans un système où : les risques sont centralisés, les échecs se répercutent sur des milliers d’emplois, et les décisions créatives se prennent de plus en plus loin des studios.

Et vous, vous voyez les rachats comme une chance… ou comme une menace pour le jeu vidéo ?