Les mèmes sont des éléments qui se propagent rapidement sur les réseaux sociaux. Ce sont des courtes vidéos ou images facilement partageables, souvent accompagnées de texte. Si vous utilisez l’internet de temps en temps, vous en avez forcément croisé un — parfois même sans vous en rendre compte.
Les mèmes liés au jeu vidéo trouvent un écho particulier grâce aux expériences communes des joueurs, aux blagues internes et aux frustrations propres à la communauté gaming. Beaucoup de mèmes sont tellement ancrés dans la culture internet que leur origine devient floue. Les créateurs les modifient légèrement pour y ajouter de nouvelles couches d’humour, prolongeant ainsi leur durée de vie. Certains proviennent autant d’online slots Canada que de jeux vidéo en live action.

Mèmes de jeux vidéo populaires
Plusieurs jeux ont donné naissance à certains des mèmes les plus reconnaissables et les plus viraux, notamment Mario Kart 8, Star Fox 64, World of Warcraft et GTA: San Andreas.
Voici quelques mèmes devenus célèbres :
1. Do a Barrel Roll
La phrase « Do a barrel roll » est une réplique culte du jeu Nintendo sorti en 1997, Star Fox 64. Peppy Hare, un pilote lapin et mentor du personnage principal, la répète comme une instruction urgente. Le « tonneau » est une manœuvre défensive permettant d’éviter les tirs ennemis.
Le ton pressant et la répétition de cette commande la rendent comique, et les joueurs en plaisantent encore aujourd’hui. Elle est rapidement devenue un mème utilisé comme réaction ou simple instruction. À noter : taper « Do a barrel roll » dans Google fait pivoter la page de résultats sur 360 degrés.
2. Luigi’s Death Stare
En 2014, les fans de Mario Kart 8 ont popularisé l’un des mèmes les plus marquants de la décennie : le « regard de la mort » de Luigi. Dans le jeu, après avoir frappé un adversaire avec une carapace, Luigi lance un regard intense et hilarant qui a fait le tour du web.
Le mème a gagné encore plus de traction grâce à une combinaison dans Super Smash Bros. Appelée « Zero to Death », une séquence technique permettant de faire passer l’adversaire de 0 % de dégâts à l’élimination.
3. Leeroy Jenkins
World of Warcraft est l’un des berceaux les plus fertiles de mèmes dans l’univers du jeu vidéo. Le plus iconique provient d’une vidéo devenue virale. On y voit un groupe de joueurs préparer leur stratégie avant un combat, lorsqu’un membre de l’équipe, trop enthousiaste, fonce dans l’arène en criant son nom : « LEEROY JENKINS ! ».
Pris de court, le reste de l’équipe le suit… pour être rapidement décimé à cause de sa témérité. La scène est devenue un symbole d’imprudence héroïquement absurde.

L’impact des moments viraux dans le gaming
Il serait facile de considérer les mèmes comme un simple divertissement enfantin, mais ils peuvent propulser des tendances sur pratiquement toutes les plateformes sociales. Ils occupent une place majeure dans les conversations en ligne et attirent aussi bien les novices que les experts du web.
Les marketeurs avertis savent à quel point ils peuvent influencer les comportements : style de vie, opinions politiques, décisions d’achat… Tout y passe. C’est pourquoi ils suivent de près les tendances virales.
Voici comment les mèmes influencent le monde du jeu vidéo :

1. Créer un sentiment de communauté
La culture du jeu vidéo et celle des mèmes partagent un public passionné. Les mèmes permettent aux joueurs de se sentir membres d’une communauté qui partage le même humour, les mêmes centres d’intérêt et les mêmes frustrations. C’est cette connexion qui les rend si viraux.
Ils attirent également de nouveaux joueurs, désireux de participer aux tendances et de rejoindre le groupe. Bien utilisés, les mèmes peuvent propulser un jeu méconnu vers un succès mondial quasi instantané.

2. Des outils de marketing organiques
Les mèmes sont des outils marketing gratuits et crédibles. Les joueurs les créent par plaisir, sans contrepartie. Lorsqu’un joueur crée un mème sur un jeu, c’est qu’un élément l’a amusé, surpris ou agacé. Si ce mème devient viral, il peut accroître la notoriété du jeu, encourager les téléchargements et prolonger sa durée de vie.
Certaines franchises ont même bâti leur succès grâce aux mèmes. L’exemple le plus parlant est Among Us. Quasi ignoré lors de sa sortie en 2018, il est devenu un phénomène mondial en 2020 grâce aux mèmes et aux streamers sur Twitch.

3. Améliorer les stratégies marketing
Le revers de la médaille, c’est que la communauté en ligne repère très vite les contenus artificiels. Une marque qui crée des mèmes sans comprendre la culture risque de produire quelque chose de gênant — et se fera immédiatement moquer. Les tentatives ratées deviennent elles-mêmes des mèmes tournant en ridicule les équipes marketing.
Les entreprises doivent donc créer des contenus authentiques et tester différentes approches. Les jeux originaux, avec des mécaniques sociales, se prêtent particulièrement bien à la création de mèmes. Plutôt que de forcer des mèmes artificiels, les marques se concentrent désormais sur la création de contenus réellement partageables.


Pour conclure, toute personne utilisant régulièrement internet a forcément vu passer un mème. Dans le domaine du jeu vidéo, ils jouent un rôle essentiel en créant un sentiment de communauté et en permettant de partager des blagues ou des frustrations communes.
Les marques ont bien compris leur potentiel. Celles qui maîtrisent l’art d’intégrer les mèmes à leur stratégie marketing peuvent atteindre des millions de personnes et bénéficier d’une visibilité gratuite.

On peut aimer un JRPG pour son univers, son scénario ou ses combats… mais une chose revient toujours quand on se remémore un grand classique : sa bande-son.

Des mélodies 16-bit gravées dans la mémoire collective jusqu’aux orchestrations modernes dignes du cinéma, la musique des JRPG a façonné une identité unique dans l’histoire du jeu vidéo.

Voici un petit tour d’horizon des OST qui ont marqué le genre selon moi :

Final Fantasy VI – Nobuo Uematsu (1994)



Le summum de l’ère Super Nintendo.
Entre Terra’s Theme, Dancing Mad et Aria di Mezzo Carattere, FFVI montre qu’une OST 16-bit peut rivaliser en émotion avec les grandes partitions symphoniques.

Chrono Trigger – Yasunori Mitsuda / Nobuo Uematsu (1995)



Une BO mythique composée dans la douleur (Mitsuda en est tombé malade), mais qui a donné des musiques inoubliables : Corridors of Time, Frog’s Theme, Battle with Magus…
Probablement l’un des albums les plus influents du JRPG.

Final Fantasy VII – Nobuo Uematsu (1997)




L’entrée du JRPG dans la 3D, accompagnée d’une OST qui reste culte.
One-Winged Angel, Aerith’s Theme, Cosmo Canyon… si on parle encore de FFVII aujourd’hui, l’OST y est pour beaucoup.

Xenoblade Chronicles – ACE+, Shimomura & co. (2010)



Une BO démesurée à l’image du jeu.
Des thèmes de plaine qui donnent envie de partir à l’aventure, des musiques de nuit planantes, des combats explosifs…
Un véritable best of de la musique moderne de JRPG.

Persona 5 – Shoji Meguro (2016)




Le jazz-funk n’avait jamais été un style “JRPG”… jusqu’à Persona 5.
Last Surprise, Beneath the Mask, Rivers in the Desert — une BO qui donne une identité instantanée au jeu.

NieR & NieR Automata – Keiichi Okabe (2010 / 2017)




Un mélange unique de mélodies mélancoliques, de chants inventés et d’arrangements déchirants.
Peu de bandes-son savent créer autant d’émotion uniquement par leur ambiance.

Dragon Quest XI – Koichi Sugiyama (2017)




La série Dragon Quest a son style depuis toujours, mais l’épisode XI offre l’une des orchestrations les plus maîtrisées de la licence.
Classique, mais intemporel.

Octopath Traveler – Yasunori Nishiki (2018 )




Un hommage moderne aux JRPG 16-bit, mais avec une finesse orchestrale surprenante.
Les thèmes de combat sont parmi les meilleurs de la génération.

Depuis cinq ans, l’industrie du jeu vidéo vit la plus grosse vague de rachats de son histoire : Activision-Blizzard, Bethesda, Bungie, Codemasters, Gearbox, (et bientôt Ubisoft ?) et la liste continue de s’allonger. D’un côté, les géants consolident leurs catalogues. De l’autre, de plus en plus de studios indépendants cherchent un refuge financier face à des coûts de développement toujours plus lourds.

Mais cette consolidation tous azimuts pose une question simple : est-ce encore une évolution naturelle du marché ?



Les arguments “pro-rachats” : stabilité, moyens, ambition

Pour certains, les acquisitions restent une nécessité :

- Sécuriser le financement : un studio racheté ne dépend plus d’un seul jeu pour survivre.
- Accéder à des outils et infrastructures impossibles à financer seul (engines internes, serveurs, pipelines d’animation, marketing global…).
- Des jeux plus ambitieux : les fusions ont parfois permis des projets impossibles autrement, comme Baldur’s Gate 3, Sea of Thieves ou encore Final Fantasy XIV après sa relance.
- Continuité des séries cultes : certains rachats ont sauvé des licences abandonnées.

Sur le papier, tout le monde y gagne : les studios sont protégés, les budgets augmentent, et certaines licences revivent.

Les arguments “anti-rachats” : uniformisation, risques et monopoles

Mais l’envers du décor inquiète de plus en plus :

- Concentration du marché : moins d’acteurs = moins de diversité créative.
- Risque d’annulation des projets jugés “pas assez rentables”.
- Départs massifs : de nombreux rachats se soldent par… des licenciements.
- Pression GaaS et microtransactions : les catalogues doivent être “rentabilisés”.
- Exclusivités de force qui fragmentent les communautés.
- Fermetures soudaines : même des studios historiques (Volition, Tango Gameworks, Arkane Austin…) n’ont pas survécu malgré leur rachat.

Aujourd’hui, beaucoup voient les acquisitions non plus comme une opportunité, mais comme une menace pour la créativité et la stabilité de tout le secteur.

Le vrai problème : la dépendance aux géants

Peu importe le camp, une chose est claire :
Le marché devient de plus en plus dépendant d’une poignée d’acteurs capables d’absorber, de financer… mais aussi d’éliminer.

Ce n’est pas tant le rachat qui pose problème, mais le degré de contrôle économique qu’il crée.

En 2025, chaque acquisition n’est plus un événement isolé, mais une brique dans un système où : les risques sont centralisés, les échecs se répercutent sur des milliers d’emplois, et les décisions créatives se prennent de plus en plus loin des studios.

Et vous, vous voyez les rachats comme une chance… ou comme une menace pour le jeu vidéo ?

Certains noms sont devenus indissociables de l’histoire du jeu vidéo.

Des pionniers du gameplay aux maîtres de la narration, ces créateurs ont posé des fondations qui continuent d’influencer l’industrie aujourd’hui.

Shigeru Miyamoto
Le père de Mario, Zelda, Donkey Kong. Celui qui a défini les codes du level design moderne et dont l’impact reste absolument colossal.



Hideo Kojima
Visionnaire, obsédé par la narration et le cinéma. Avec Metal Gear puis Death Stranding, il a prouvé qu’un jeu pouvait être une œuvre d’auteur.



Sid Meier
Le maître de la stratégie. Sans lui, pas de Civilization, et surtout pas cette vision du “one more turn” devenue un pilier du genre.



Hidetaka Miyazaki
L’architecte du “soulslike”, celui qui a remis la difficulté et l’exploration cryptique au centre. Un style devenu une référence.



Tous ont un point commun : ils ont imposé une vision personnelle, parfois contre les tendances du moment… et l’industrie entière a fini par les suivre.

D'autres noms que j'aurais oubliés ?