La série Ganbare Goemon n’est pas spécialement connue chez nous. Pourtant, il s’agit bien d’une grande saga, les premiers épisodes sortant sous Famicom (Nes), produisant encore régulièrement quelques épisodes comme c’est le cas sur cette génération avec une incursion en 2005 sur DS, Ganbare Goemon: Tōkai Dōchū Ōedo Tengu ri Kaeshi no Maki, malheureusement exclusivement pour l’import. A part deux épisodes Nintendo 64 traduits en français, les textes tout du moins, le reste se cantonne soit au japonais, soit à l’anglais en cas de sortie sur le territoire américain. Cet épisode, The Mystical Ninja, sorti sur Super Nes est un des opus les plus populaires et les plus représentatifs des aventures de ce ninja aux cheveux bleus.

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La révision du week-end, c'est une ancienne chronique : The Legend of the mystical ninja (Snes). Pas de réécriture, faute de temps. Il ne s'agit que d'une copie d'un ancien article mais il reste à mon avis encore valable (pour sa pertinence).



La série Ganbare Goemon n’est pas spécialement connue chez nous. Pourtant, il s’agit bien d’une grande saga, les premiers épisodes sortant sous Famicom (Nes), produisant encore régulièrement quelques épisodes comme c’est le cas sur cette génération avec une incursion en 2005 sur DS, Ganbare Goemon: Tōkai Dōchū Ōedo Tengu ri Kaeshi no Maki, malheureusement exclusivement pour l’import. A part deux épisodes Nintendo 64 traduits en français, les textes tout du moins, le reste se cantonne soit au japonais, soit à l’anglais en cas de sortie sur le territoire américain. Cet épisode, The Mystical Ninja, sorti sur Super Nes est un des opus les plus populaires et les plus représentatifs des aventures de ce ninja aux cheveux bleus.

. Pragmatisme économique :

Il est intéressant de voir exposer ce que j’appelle le pragmatisme économique dans un jeu vidéo. Après tout, le coût de la vie a ses disparités. Des différences qui vont de pair avec différents profils budgétaires. C’est bien pour cela que pour les supermarchés, il y a LIDL et Auchan, Aldi et Leclerc, comme pour les vêtements il y a Zadig et Voltaire et Tati. Ce n’est pas la même chose, pas les mêmes produits donc pas les mêmes prix. De quoi contenter toutes les bourses.


Souvent, dans le jeu vidéo, on se retrouve face à une unicité du prix. Il y a un même prix pour dormir dans une auberge, un même prix pour passer telle frontière, et compagnie. Des différences selon la frontière ou l’auberge mais une unicité de prix tout de même. Quelque soit l’expérience du joueur, bien souvent on paiera la même somme.


Etrange conception, assez irréaliste au final. Pourquoi pas plus de choix ? Comme dans la vraie vie ? C’est ce que propose The Mystical Ninja en donnant la possibilité au joueur de payer un service à différent tarifs. Je m’explique. A la fin du premier stage, on nous explique qu’il faut se rendre sur une île pour poursuivre notre quête. Seulement, impossible d’y aller à pieds. Le bateau ou l’avion. En allant voir une agence de voyage, notre héros a le choix. Trois « package », donc trois prix, pour se rendre au fameux endroit. En prenant le moins cher, ce qui fut mon cas, cherchant à faire des économies, mon ninja se retrouva à ramer dans une espèce de tonneau, poursuivi par un requin agressif. L’ancêtre du low cost.


De même, dans les villes parcourues, il est parfois possible de passer une nuit dans une auberge. Là encore, le choix est au rendez-vous. Pas de prix unitaire mais une offre dégressive vous permettant de séjourner dans une suite, une chambre correcte ou un cloaque. En choisissant d’abord le cloaque puis la suite luxueuse, je pus découvrir une vraie différence de traitement. Deux tatamis et un aspect sale contre un grand espace propre. Mon personnage récupéra toute son énergie dans les deux cas mais grâce à la suite, il acquérait un statut différent. D’aventurier pouilleux mais économe, devint un voyageur de luxe misant plus sur son bien-être que la stratégie de l’économie. L’aventure, c’est aussi une question de bourse, on l’oublie trop souvent.


. Humour omniprésent :

The Mystical Ninja est un titre plein d’humour, cet humour, malheureusement, si peu présent dans nos jeux HD actuels. Au cours du périple, en s’aventurant dans les multiples maisons visitables, le joueur pourra rencontrer un voyant tirant des prédictions fumeuses de son esprit embrumé. Alors que notre ninja est le héros d’une grande quête, le mystique ne verra rien d’exceptionnel dans son destin. Ce qui le surprend, première fois de sa vie qu’il est confronté à un tel vide.


Les ennemis sont bien souvent loufoques. On croisera ainsi des robots poupons, des clowns grossiers, des pêcheurs se baladant avec de gros thons sur l’épaule, un ninja poussant une poussette munie de mitrailleuses (référence au manga Lone Wolf and Club et à son adaptation au cinéma, la saga Baby Cart), etc.


De nombreux clins d’œil, petits écarts et autres gimmicks simplistes qui font mouche. Le soft baigne dans un absurde joyeusement communicatif où les références sont détournées, malmenées, caricaturées. A chaque fois, on y décèle la trace du réel, qu’il s’agisse du quotidien ou d’un domaine artistique, mais aucune restitution fidèle. Chaque matériau passe à la moulinette permettant à la saga de se créer une identité : celle de l’absurde.


. Mise en abyme et anthologie du jeu à la japonaise :


Entre deux/trois coups de pipe, notre héros aura la possibilité de s’essayer à plusieurs mini-jeux. Une mise en abyme ludique et intéressante. De par son nombre tout d’abord. Pour un jeu datant tout de même de l’époque Super Nes, on ne peut qu’être impressionné par cette foule d’à-côtés. Alors qu’une série comme Yakuza est couverte de louanges pour ses petites occupations qui sont autant de micro gameplay, un jeu comme The Mystical Ninja le proposait déjà en 91 au Japon.

Mais le plus intéressant, au-delà du nombre et de l’intérêt ludique de plusieurs de ces jeux, c’est l’aspect « anthologie nippone ». Le titre propose en effet une sorte de grand résumé du jeu à la japonaise. Allant des dès style tripot, en passant par des arts plus nobles, la peinture, sans oublier les jeux de foire (le lancer), de ceux que l’on voit dans ces fêtes populaires au Japon, pour terminer par des jeux vidéo. L’occasion pour Konami de faire un clin d’œil à ses propres productions, on retrouve Gradius ainsi que d’autres petits jeux comme un casque-brique.


Une histoire du jeu nippon disséminée ici et là, d’un monde à l’autre, d’un niveau à l’autre. Une mise en abyme intelligente qui donne encore plus de sens à cette plongée déjà réussie sur le strict plan ludique.

. Comportement éthique ou l’anti-bourrin :

Grâce à un petit détail, le jeu cherche finalement à cadrer par la sanction le comportement du gamer curieux, pour ne pas dire bourrin. Comme l’action principale dans de nombreux jeux consiste à tirer/taper bref une action forte et physique face à un autrui menaçant, The Mystical Ninja valorise à certains moments la non-violence. Dans un des premiers niveaux, le jouera rencontrera des biches. Il est possible de les tuer en les frappant mais cette action nous coûte de l’argent.



En effet, pour chaque animal exterminé, le joueur perd 10 pièces d’or. L’extrême inverse du méchant de base qui, à chaque extermination, nous rapporte de l’argent. De l’argent pour les jeux, les restaurants et les achats. La même chose se reproduira lorsque l’on croisera ce qui ressemble à des prêtres. En les frappant, c’est 100 pièces d’or que l’on perd. En allant au contact de ces religieux, au contraire, notre bourse augmente de 10 précieuses pièces.

Par un simple détail, le jeu incite le joueur à un comportement éthique comme pour lui expliquer que malgré une panoplie réduite d’actions, on est pas dans la contextualisation dantesque d’un Heavy Rain, et malgré la tendance action du titre, il est possible de dessiner en creux le caractère du personnage. Soit un fou furieux amoral dont les actes néfastes, abattre des êtres inoffensifs, non agressifs, auront des conséquences pécuniaires ; soit un aventurier éthique, ne tuant que les méchants, enrichi par sa non-violence lorsque celle est légitime.

La sanction financière valorise ou pénalise et permet ainsi de donner plus de poids aux choix du joueur puisqu’au final ses coups auront des répercussions sur l’état de sa bourse. Autrement dit, sur sa progression dans le jeu. Cette capacité à acheter certaines armures, certains plats, pour se faciliter la tâche.

. Japonité absolue :

Le titre, et par extension la saga, à quelques exceptions, baigne dans une japonité absolue ou, de façon parfois plus générale, dans une Asie quasi rêvée. L’ambiance est exotique et bourrée de références. Rien que l’arme de notre ninja est significative. Il s’agit d’une pipe faisant plus penser à une pipe à opium qu’à la pipe de Brassens.


De même, les restaurants que l’on croise nous proposent des mets culinaires presque exclusivement japonais. Notre ninja pourra se repaître de sushis, de soupe tendance miso. Les magasins permettant des achats durables jouent eux aussi la carte du Japon en proposant au gamer des zoris (sandales japonaises), des casques tressés en osier, etc.

Les ennemis rencontrés sont également marqués culturellement. On découvre des acteurs de théâtre échappés de la tradition kabuki (ils portent des masques blancs symbolisant chacun une expression), des samouraïs ou rônins le sabre à la main, sans oublier les fantômes nippons comme la femme en kimono, le premier boss, ou le second portant sur son dos une architecture en bois fournie en lampions rouges.

Ce ne sont pas quelques touches qui font référence ici et là à un pays, une culture, c’est le jeu dans son entier. Bien des aspects, comme on vient de le voir, s’inspirent de l’identité culturelle nippone. The Mystical Ninja n’est pas le seul jeu à le faire, Okami joue aussi le porte-étendard du Japon, mais reste un exemple marquant et fort réussi de cette culture portée à bras le corps. Réutilisation fidèle ou fantaisiste, là n’est plus la question.


Mention




Commentaire :

The Legend of the Mystical Ninja est un jeu d'action/aventure, mâtiné d'un peu de RPG, qu'il faut faire une fois dans sa vie. Pour découvrir cette grande saga nippone peu connue chez nous et qui mériterait pourtant un petit regard, voire plus. Drôle, riche dans son aventure autant que dans ses audaces conceptuelles, cet opus de la série Ganbare Goemon est une parfaite introduction tant le jeu synthétise à merveille l'identité de la série et, plus pragmatiquement, se montre abordable via une bonne traduction en anglais.

Comme chaque week-end, levelfive.fr vous propose de redécouvrir un ancien article. Cette fois-ci, un article réflexif à propos de la saga Pikmin.

La série Pikmin a réussi en à peine deux épisodes à séduire un grand nombre de joueurs. Level-design ingénieux, concept de base intelligent, narration originale…Seulement, Pikmin c’est aussi quelques réflexions distillées avec parcimonie. Sous un aspect kawaii, le titre dissimule des propos surprenants sur la consommation, l’écologie et l’Homme plus généralement.

La suite : http://levelfive.fr/index.php?option=com_content&view=article&id=151:reflexions-la-pensee-critique-dans-la-saga-pikmin&catid=35:reflexions&Itemid=29

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La série Pikmin a réussi en à peine deux épisodes à séduire un grand nombre de joueurs. Level-design ingénieux, concept de base intelligent, narration originale…Seulement, Pikmin c’est aussi quelques réflexions distillées avec parcimonie. Sous un aspect kawaii, le titre dissimule des propos surprenants sur la consommation, l’écologie et l’Homme plus généralement.

I) Une cruauté nécessaire

Tuer pour survivre

De loin, Pikmin est une série mignonne et fort sympathique. Il n’y a qu’à regarder ces bestioles de toutes les couleurs avec des fleurs ou des feuilles sur le crâne. C’est qu’ils sont drôles ces espèces de radis sur pattes à gigoter dans tous les sens, à attaquer des monstres par dizaines. Une telle image, bien que partiellement juste, est pourtant réductrice. Pikmin met le joueur face à un concept cruel où la notion de sacrifice se rappelle régulièrement à nos oreilles. Il faut faire du mal à autrui pour se faire du bien.

Dans Pikmin premier du nom, le capitaine Olimar échoue sur une étrange planète et a trente jours pour retrouver les pièces de son vaisseau pour ainsi retourner sur sa planète d’origine. Trente jours car au-delà ses réserves d’oxygène seront complètement vidées. Par cette simple donnée, qui sera gommée dans le second opus, Miyamoto impose un stress permanent au joueur. Chaque journée a son importance, chaque action a son poids et les conséquences de nos actes sont encore plus terribles que d’habitude puisqu’ils peuvent nous faire perdre un temps précieux, tuer des pikmins par paquets de douze et ainsi réduire nos espérances de survie jusqu’à peau de chagrin.

Un jeu cruel pour son timing serré, et cette mort qui se rapproche dangereusement chaque jour qui passe, mais encore plus pour son principe moral. En effet, bien que les pikmins soient des êtres vivants, Olimar ne les utilise que comme une sorte de chair à canon. Ils se battent pour que nous survivions, nous joueur, et tant pis s’ils meurent. D’autant que les sacrifices pourront atteindre des sommets. Des dizaines, des centaines de pertes pour qu’Olimar puisse rejoindre sa planète.

C’est une cruauté qui n’est pas motivée, le joueur ne fait pas ça pour le plaisir (même s’il le peut ce n’est pas l’objectif premier), elle est nécessaire. Il faudra parfois se montrer cruel pour survivre, quitte à fouler la morale des deux pieds. C’est dans cette cruauté obligatoire que le sacrifice intervient. La cruauté est d’ailleurs soulignée, dans le premier opus, à chaque fin de journée puisqu’on nous montre le bilan des pikmins possédés avec, s’entremêlant, des courbes de gains et de pertes. Chaque erreur entraîne son lot de morts.

Après ce petit exercice d’esclavage, Olimar dans le second opus utilisera les pikmins non pas pour survivre mais pour faire de l’argent. La société à laquelle il appartient étant ruinée, Olimar retournera sur la planète du premier opus pour ramener ces objets forts étranges (bouteilles et compagnie) afin de les revendre et ainsi renflouer le gouffre financier de son employeur. Une raison toujours délicate sur le plan moral, à nouveau exploitation des pikmins, mais nécessaire. Olimar doit exploiter ces radis sur pattes pour éponger les dettes, aucune issue n’existe. S’il ne le fait pas, l’entreprise coulera et sa famille aura des difficultés à survivre elle aussi.

Le meilleur rendement

Ce qui est également assez incorrect dans Pikmin, toujours par rapport à cette question de la cruauté, c’est la présence permanente de rendements. On a parlé au début de cet article des courbes de pertes et de gains. Certes, le but est de souligner les erreurs et de montrer la portée de nos actes mais la chose réduit également des données graves (la mort de dizaines de pikmins) à de vulgaires statistiques dignes d’un trader. La vie, phénomène concret, symbolisait par quelques abstractions.

J’ai gagné tant aujourd’hui, j’ai perdu un peu également mais je vais investir sur telle société dès la semaine prochaine…on connaît la musique. Bref, Miyamoto nous déstabilise un peu plus avec cette froide politique du comptage. Mais ce n’est pas tout, dans le second opus la question du rendement est encore plus mise en avant. En effet, dans les fameux donjons souterrains, il faudra bien souvent penser une fois de plus en bon capitaliste de la finance. En clair, il s’agit être un tacticien du rendement.

Par exemple, on pourra se dire “si je sacrifie une dizaine de pikmins albinos, je vais pouvoir détruire cet obstacle et ainsi attaquer de front avec le reste. En clair, je perds 10 bestioles pour sauver 80 pikmins“, un retour sur investissement non négligeable. On compte, on élabore des stratégies, on pèse sur la balance des sacrifices histoire de savoir quel choix est le plus intéressant. Toute la froideur des finances, des mathématiques, appliquées aux génocides en série des pikmins. Quoi de plus cruel en effet ? On se croirait dans un débat entre communautés victimaires réclamant à grand renfort de larmes un mémoriel en bronze dans un jardin public en plein cœur de Paris…la pitié en moins heureusement.

II) Critique d’une société de consommation

Un regard extérieur

C’est principalement par l’intermédiaire de l’inventaire du capitaine Olimar, compilant les objets récupérés par le bonhomme au cours de ses expéditions, que Pikmin se permet quelques critiques sociétales et économiques surprenantes.

Pikmin 2 illustre à merveille cette facette de la saga. A chaque objet trouvé et transporté jusqu’au vaisseau d’Olimar, le joueur a le droit à quelques lignes de présentation. C’est en quelque sorte le décodage que fait l’ordinateur intégré au vaisseau, il analyse et nous dit ce que peut bien être la pièce ramassée et surtout qu’elle est son utilité.

Le procédé n’a l’air de rien comme ça mais rappelle un peu le principe de la critique par l’étranger lisible, par exemple, dans Les Lettres Persanes de Montesquieu. L’idée est d’avoir un regard extérieur venant analyser et critiquer des éléments qui nous sont familiers. Ici c’est Olimar, le petit cosmonaute aidé de son ordinateur de bord, qui vient nous apporter un éclairage sur des objets de notre quotidien. La parole de l’étranger pour mieux critiquer notre propre monde, notre société, en voilà une bonne idée…une vieille idée.

Quelques exemples

Voici quelques exemples de descriptions issues de l’inventaire du vaisseau. La première concerne une pièce lustrée, « Ce métal rare n’existe pas sur Hocotate. Quand je le contemple, mon désir est incontrôlable. Sur Hocotate, il y a un célèbre métal précieux qui a des effets similaires. Peut-être que c’est ce matériau attrayant le responsable de tous les maux de cette planète… ». Autre exemple avec la découverte d’un boulon, « Conçu pour tous les chefs d’entreprise du système solaire, cet objet a une forme ésotérique qui envoûte le cœur des hommes. Offrez-le à un employé pour qu’il devienne une bête de travail qui n’a besoin ni de jour de congé ni d’augmentation de salaire ! ». Il est possible de voir dans cette petite description une référence aux Temps Modernes de Chaplin et à la fameuse scène de folie de Charlot dans l’usine. Une bête de travail, un être aliéné. Certes, on ne parle pas de folie comme dans le film de Chaplin mais des points de convergence existent néanmoins.

Quelques autres exemples pour la forme avec ici la découverte d’un gâteau, on peut lire « Si nous vendions pareils délices sur Hocotate, plus personne ne pourrait s’en passer ! Ce n’est pas bien de rendre toute une population obèse, mais comme dit si bien le vaisseau : ” Les affaires sont les affaires ! “. Enfin, le commentaire accompagnant un presse-oranges « Quand je pense au président, l’envie de monter tout en haut de l’échelle hiérarchique me passe. Pour être chef d’entreprise, il faut être un monstre sans cœur et sans scrupules. Il faut être cruel pour faire trimer ses employés et, malgré tout, garder bonne conscience. ».

Des propos surprenants donc, critiquant un patronat à la main lourde, les pratiques d’abrutissement du travail à la chaîne ou encore les méfaits d’une société d’hyperconsommation. A travers un moyen détourné, aussi original que bien vu, Pikmin se permet donc de placer quelques piques intelligentes au détour de quelques phases de jeu.

III) Un appel écologique

Pollutions et loi de la jungle

Évidemment, on ne peut passer à côté du fait que Pikmin est aussi une série délivrant un message écologique fort. Le tout est relativement simple mais il faut quand même admettre la véracité du propos.

Pikmin est une saga nous plongeant dans des univers, pour la plupart, champêtres, calmes et sentant bon la nature. On ne trouve quasiment pas de traces d’urbanisation, rien que la nature avec la cruauté qui y règne car Pikmin délivre un message écologique mais est loin de nous montrer la nature comme un havre de paix. Au contraire, les hautes herbes, les plaines enneigées pullulent de bêtes voraces de tailles variables et hostiles. C’est la loi de la jungle, chacun bouffe l’autre, chacun s’attaque à l’autre et la seule règle qui existe dans un tel monde est celle du plus fort : « Taper le premier avant de se faire soi-même taper ». Point d’angélisme ici.

L’autre élément intéressant du message écologiste de la saga est bien évidemment le constat des pollutions causées par l’homme. Olimar tombe sur des produits de la vie de tous les jours, des grandes marques essentiellement, et le tout pollue joyeusement les environnements verdoyants du jeu. Une vieille cannette, des sacs plastiques, des objets abandonnés, cassés…les petites pollutions du quotidien en somme. Par l’accumulation d’objets rencontrés, la ressemblance des fameux objets avec ceux de notre réalité, Miyamoto nous envoie des signaux.

Anticipation sans l’homme

Enfin, dernier élément de cette pensée écolo, il s’agit de cette étonnante anticipation que propose Miyamoto. Bien qu’ayant des doutes lors du premier opus à propos de la planète que visite Olimar, on est quasiment sûr dans Pikmin 2 qu’il s’agit de la Terre. Une Terre étonnante puisque malgré les nombreux déchets provenant du monde humain, visibles ici et là, jamais le capitaine et sa bande ne rencontrent d’hommes. Comme si l’homme avait disparu (on ne sait pas comment), avait terminé sa propre existence pour ne laisser derrière lui que les déchets produits par la société du vide qu’est la société de consommation. Le pire étant dans ces objets laissés à même le sol qu’on n’y rencontre que des éléments superficiels. Aucune œuvre d’art, aucun chef d’œuvre, aucune trace d’un passé lointain, aucun élément d’une identité nationale. Rien que des babioles, des objets de consommation, d’une consommation précaire. Comme si au fond, l’homme n’était même pas capable de laisser un beau souvenir de lui aux visiteurs du futur. Triste futur.

Comment peut-on raconter une histoire autrement qu’avec des dialogues ou des cinématiques ? Exemple des jeux à inventaire, dans lesquels le bric à brac ramassé construit l'univers et l'histoire.

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Comment peut-on raconter une histoire autrement qu’avec des dialogues ou des cinématiques ? Exemple des jeux à inventaire, dans lesquels le bric à brac ramassé construit l'univers et l'histoire.

Je crois que ce que j’aime le plus dans les jeux d’aventure « point & click », mis à part bien évidemment le fait d’être transportée dans une histoire et un univers intéressants, c’est de jouer avec l’inventaire. Explorer les décors, trouver des objets, chercher comment les combiner ou les utiliser… On peut dire, il me semble, que le gameplay d’un jeu d’aventure se résume à deux choses : dialoguer avec des personnages, et bricoler avec des items et des mécanismes. Pour faire un jeu réussi, il faut que les deux axes soient au top. Des dialogues piquants et bien écrits, des personnages crédibles, ça c’est comme au cinéma ou dans les romans. Mais la partie bidouillage, ça c’est vraiment l’essence du jeu d’aventure. Ce n’est pas juste des éléments de fun pour servir de faire-valoir à la narration ou des casse-têtes pour fabriquer de la durée de vie : non, quand c’est bien fait, cela fait partie intégrante de la narration et de la mise en scène de l’univers (comme dans Alice is dead 2 ci-dessous, un petit jeu, mais vraiment pas mal).

Comme je le disais il y a peu, chaque jeu possède son propre « code », qui détermine l’horizon d’attente du joueur-enquêteur. Tel jeu me demande de trouver un mot de passe chiffré : ok, les chiffres en question doivent se trouver notés quelque part dans la même pièce. Tel autre jeu affiche les symboles des forces élémentaires, et j’ai dans mon inventaire des pierres bleue, blanche, rouge et verte : ok, il faut associer chaque couleur à son élément. Dans les jeux bien faits, nul besoin d’explications, il faut donner au joueur l’impression qu’il a deviné tout seul, qu’il a décodé l’énigme par sa seule perspicacité.


Du coup, la contrainte est qu’un joueur moyen doit être capable d’en venir à bout, sans prendre de notes ou assez peu, sans faire de maths trop compliquées, sans avoir besoin de références culturelles trop savantes. On obtient alors des résultats complètement anti-réalistes, et des situations dans lesquelles les secrets les plus compromettants sont gardés par des codes faits de signes du zodiaque, d’associations de couleurs ou notés sur des pense-bêtes éparpillés un peu partout. C’est surtout le cas dans les jeux de type « Escape the room » où l’univers est par définition réduit à une seule pièce, parfois un peu plus. Le premier réflexe de l’habitué est toujours de regarder sous les meubles et d’essayer de retourner chaque objet, à la recherche d’un indice – ou de l’éternel tournevis. L’espace limité ne permet pas le développement d’un background détaillé, mais généralement les bons jeux mettent en avant une thématique qui donne un indice sur le type de code à quoi s’attendre : par exemple l’un demandera de jouer sur l’allumage de différentes sources de lumière pour révéler des éléments, l’autre demandera de collecter une série d’items ou encore de réparer une machine.


Dans les grands jeux d’aventure, on peut au contraire se permettre de baser les énigmes sur un ensemble d’informations plus complexes, voire sur tout une culture. Pour ne pas larguer le joueur en route, il convient alors d’intégrer ces éléments de culture directement dans le jeu, et de les rendre consultables. C’est ce qui avait été brillamment fait par exemple dans Myst, où la lecture de différents livres illustrés de schémas était nécessaires pour comprendre le fonctionnement des étranges machineries rencontrées, ou encore dans Gabriel Knight 3, où on disposait d’un ordinateur dans le jeu lui-même, capable d’effectuer des recherches sur une vaste série de mots-clefs.

Après bien sûr, on peut aussi décider de faire exprès de tromper les attentes du joueur, et de prévoir des objets complètement saugrenus et hors de propos, ou complètement mystérieux. Je pense par exemple à Nikopol, qui reposait sur des énigmes vraiment fumeuses et décalées, ce qui allait très bien avec un contexte de superstitions mi-sectaires, mi-politiques, saupoudrées de culture pop futuro-ringarde. Ou aussi aux items utilisés de façon absurde pour un effet comique, réussi (dans Monkey Islandavec le fameux poulet-poulie) ou raté (dans Runaway, avec la plupart des actions stupides soit-disant marrantes – oui, je n’aime pas ce jeu). Tout le plaisir repose alors sur l’expérimentation un peu au pif : que se passe-t-il si je combine le canard en plastique avec la pince et la corde à linge ? (généralement rien, sauf si on est dans The Longest Journey). Le jeu inspiré de Jules Verne, Voyage au coeur de la Lune, a très bien réussi cela en s’inspirant du contexte de l’exploration scientifique : le joueur, parvenu sur la lune, peut collecter toutes sortes de substances et tenter de les mélanger, de les cuire, etc afin de fabriquer différentes potions aux effets inattendus. J’avais adoré le sentiment de liberté et d’immersion que cela procurait !

Mais on peut aussi décider que finalement tout ça importe peu, ce qui est drôle c’est de trouver des objets et de résoudre des puzzles avec un fond narratif suffisamment intéressant. Et voilà qu’apparaissent les jeux de type « hidden objects » ! Il s’agit en effet de cliquer dans un décor fixe tout une liste d’objets, sans aucun rapport avec l’histoire ni avec quoi que ce soit. On a donc généralement de superbes vues d’un incroyable désordre, assez moches dans la plupart des jeux, mais parfois réellement inspirées et esthétiques dans d’autres. La série des Mystery Case Files est sûrement le meilleur exemple à ce jour (image de titre) et présente des scènes de merdiers, certes, mais de merdiers délicieusement rétros dans lesquels il faut trouver des robots, des bretzels, des fers à cheval, des clochettes, et autres cuillers à miel. Tout cela finit par nous mettre sur la piste du criminel, sans que l’on sache vraiment comment. C’est une sorte de gameplay métaphorique ! On cherche, on trouve, peu importe si on a cherché un bretzel pour trouver une empreinte digitale.

C’est aussi ce qui fait le charme du jeu, ce côté métaphorique c’est son essence-même (il suffit de penser aux jeux traditionnels type échecs…). On a le même système de « suspension of disbelief » dans des jeux de stratégie ou un peu RPG : la résolution des phases de combat est remplacée par une séquence de puzzle game où l’on groupe des pions par couleur, etc. , par exemple dans Might & Magic : Clash of Heroes : le joueur accepte de passer par une étape complètement non-réaliste mais sans rupture de l’immersion.


Il y a enfin un dernier type de jeux qui fait un usage intéressant de la recherche et de la manipulation d’objets dans un contexte narratif, il s’agit des jeux d’enquêtes. Le plus emblématique est la série des Ace Attorney sur Nintendo DS, avec Phoenix Wright et Apollo Justice (le prochain doit sortir sous peu d’ailleurs). La seule façon de faire progresser l’enquête et l’histoire, c’est de dégainer le bon item au bon moment : la preuve qui montre que le suspect a menti, le témoignage qui disculpe votre client… Tout repose sur la collecte des items et sur la gestion de ce précieux inventaire. C’est le jeu d’aventure réduit à sa plus simple expression, mais quelle efficacité ! Chaque item est davantage que lui-même, le joueur doit déduire tout ce que peut symboliser chacun : un bretzel n’est pas qu’un élément du kitsch apéritif, ça peut être l’arme du crime, la preuve de la présence d’un suspect à tel heure à tel endroit, ou bien un déclencheur de conversation avec un témoin.

De même dans Metropolis Crimes ou Criminology : tout le gameplay consiste à collecter des éléments de preuve, à les analyser dans le but final de faire un rapport complet permettant de déterminer le coupable. Dans ce type de jeu, l’histoire et la narration deviennent des prétextes et sont en retrait par rapport au gameplay. L es deux titres français mettent en scène des personnages assez clichés, inspirés la plupart du temps par la télé américaine, mais la sérieAce Attorney réussit au contraire à donner de l’épaisseur à une galerie de caractères vraiment sympas, en recourant à de nombreux dialogues, des apartés du héros, des commentaires pour chaque élément observé… Cela en fait des jeux vraiment attachants, au contraire des deux autres. Ces derniers ont, je pense, été victimes de la mode de la « touch generation » : on doit effectuer toutes sortes de manipulations au stylet, au micro afin de simuler les gestes de l’enquêteur. C’est souvent plus énervant qu’amusant, et ça ne nourrit pas du tout l’univers ni l’immersion. Mais il faudrait y revenir.


En fait il y a vraiment plein de façons différentes d’imaginer un gameplay d’aventure à base d’inventaire, du plus réaliste au plus symbolique, et toutes sortes de plaisirs à en tirer. Je ne comprends vraiment pas les jeux d’aventure qui font quasiment l’impasse dessus, comme si c’était une faute de goût, un truc ringard à éviter depuis qu’on fait des jeux visuellement réalistes. Je pense à Sybéria par exemple : une belle histoire, de beaux décors, mais complètement lisses et lointains tellement il n’y a rien à faire (appuyer sur des boutons ou composer un numéro de téléphone, c’est pas vraiment le summum du gameplay). Ou encore àDreamfall, alors que The Longest Journey était si bon (mis à part le canard en plastique). Probablement la tentation de faire des films interactifs et de penser un gameplay le plus transparent possible, au risque qu’il devienne inexistant. Heureusement je pense qu’on va vite revenir de tout ça, je suis d’ailleurs bien curieuse de voir ce qu’il en sera dans Heavy Rain (quand j'aurai acheté une PS3 T_T).

Bonjour à tous,

Avec un jour de retard, voici le nouvel édito de levelfive.fr. Pour commencer comme il se doit, un résumé des publications d'août.

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Bonjour à tous,

Avec un jour de retard, voici le nouvel édito de levelfive.fr. Pour commencer comme il se doit, un résumé des publications d'août.

Livre - L’histoire de Mario : 1981 – 1991 : L’ascension d’une icône, entre mythes et réalité (William Audureau)
Chronique - Bishi Bashi (PS1)
Réflexions - Narration et jeu vidéo (Escape the room ou l'aventure tacite)

Comme on peut le constater, le mois d'août fut pauvre en publications. Après un mois de juillet chargé, le mémoire sur Jules Verne et les jeux vidéo, j'ai pris quelques vacances et donc un peu de recul par rapport au site. Je le sais, il y a beaucoup de choses à améliorer, trop même. Je ne peux que lancer un appel aux bonnes âmes, contactez-nous pour rallier le site afin de fournir plus d'articles chaque mois et une meilleure visibilité des billets.

Sinon, le mois de septembre verra la publication d'autres billets de Sachka sur la narration dans le jeu vidéo. Et puis, bien d'autres choses, il faut que je planifie tout ça.

Par rapport au site lui-même, les dossiers seront mis à jour normalement. De même, les articles seront standardisés (police, mise en page...). Beaucoup de boulot mais qui en vaut la peine.

N'hésitez pas à nous écrire, à nous transmettre des idées, à poster sur le forum, etc. Il est toujours agréable de savoir que l'on ne fait pas tout ça...pour rien.

A bientôt

Bonjour à tous,Il faut bien se reposer parfois, c'est tout l'objet de ce petit billet pour vous dire, simplement, que levelfive.fr part en vacances jusqu'à la fin du mois d'août. Du coup, pas de nouveaux articles avant début septembre. Une pause nécessaire. N'hésitez pas à fouiller dans les dossiers pour nourrir vos vacances de réflexions vidéoludiques.

A bientôt

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Comment peut-on raconter une histoire autrement qu’avec des dialogues ou des cinématiques ? Exemple des jeux de type "Escape the room" et d'un gameplay sans parole (ou presque)

La suite : http://levelfive.fr/index.php?option=com_content&view=article&id=234:reflexions-narration-et-jeu-video-escape-the-room-ou-laventure-tacite&catid=35:reflexions&Itemid=29

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Comment peut-on raconter une histoire autrement qu’avec des dialogues ou des cinématiques ? Exemple des jeux de type "Escape the room" et d'un gameplay sans parole (ou presque)




La plupart des jeux d’aventure comportent leur lot d’énigmes (ou « puzzles ») qui ponctuent la progression du joueur dans l’histoire. Ils comportent également toute une série d’objets à chercher, assembler, utiliser afin de faire avancer le scénario. Ces éléments, avec d’autres, rendent l’aventure interactive et la distinguent d’un simple roman vidéo. D’ailleurs quand les jeux négligent cette composante, les joueurs ont tendance à râler, et à rappeler qu’ils ne veulent pas d’un rôle passif, aussi belle soit l’histoire qu’on leur raconte. C’était un peu le cas par exemple de Dreamfall, la jolie suite de The Longest Journey : on y allait d’un point A à un point B, on lisait les dialogues, mais il y avait très peu de place pour un vrai gameplay.
A croire que le gameplay d’aventure s’est un peu perdu, comme si la définition du mot gameplay devait rimer avec combat, course ou plateforme. Comment peut-on raconter une histoire autrement qu’avec des dialogues ou des cinématiques ?
Il existe au contraire des jeux qui font presque totalement l’économie d’un scénario, de dialogues ou de cinématiques, et qui reposent entièrement sur un gameplay d’aventure pour raconter une histoire. Ce sont entre autres les jeux de type « Escape the room » (comme l’emblématique Crimson Room ci-dessus). Le présupposé de base est toujours le même : le joueur (ou le personnage) se retrouve enfermé dans une pièce sans savoir pourquoi ni comment sortir ; il doit alors fouiller partout à la recherche d’objets ou d’indices qui lui permettront de s’échapper. Parfois ces objets dévoileront par fragments une histoire et donneront un début de sens à la situation du protagoniste : lettres, journal, mémos… Mais la plupart du temps rien n’est expliqué. La majorité de ces jeux d’énigmes pures ne sont qu’un assemblage astucieux de casse-têtes. Dans les plus réussis,quelque chose est tout de même raconté à travers le décor, les objets, le gameplay, le style graphique. Est-on dans une chambre ou un salon à l’aspect quotidien ? Dans une cellule dénudée servant de laboratoire à des expériences saugrenues (comme dans la série Terminal House, ci-dessus Rental House) ? Y a-t-il des traces de personnes déjà passées par là, ou tout est-il trop bien rangé pour être honnête ?
Certains jeux utilisent des décors très soignés, des univers presque luxueux parfois qui génèrent une impression d’étrangeté très réussie : comment peut-on être enfermé dans un salon chic décoré de bonsaïs et de vases précieux, sans avoir apparemment aucun moyen de sortir ? Pourquoi les indices sont-ils cachés dans des tableaux, des statuettes démontables ?… D’autres jeux optent pour un univers complètement imaginaire et décalé, parsemé de machineries étranges : le joueur n’a alors pas la moindre idée de la façon dont tout ça se manipule et de leur raison d’être – encore moins de la raison de sa présence. Il doit tâtonner parmi des artefacts et des symboles sans connaître la religion, le code, la science ou la magie qui en régit l’ensemble.
Généralement on n’a pas tellement plus d’explications après avoir réussi à sortir : on quitte la pièce close comme on se réveille d’un rêve illogique et bizarre, sans pouvoir y revenir. Mais on a bel et bien vécu une aventure, une histoire sans mots. Les « vrais » grands jeux d’aventure gagneraient sans doute à faire à nouveau confiance à ce genre de gameplay, pas seulement pour fabriquer de la durée de vie, ni pour avoir un semblant d’interactivité, mais pour créer des ambiances, des univers. Un univers vit aussi par les objets qui le composent et par le type de logique qui les lie entre eux. A suivre dans un autre billet.
En attendant, voici ma petite sélection de jeux de type « Escape », certains étant moins puristes que d’autres dans la forme, puisqu’ils prennent place dans plusieurs salles au lieu d’une ou sont parfois assez scénarisés.
The Submachine (ci-dessus) : un vrai bijou. Il s’agit d’une série de plusieurs jeux qui se suivent plus ou moins. L’univers est complètement fumeux, on commence ainsi dans un phare enterré (!), et on explore toutes sortes de tunnels, salle de labo… C’est l’oeuvre de Mateusz Skutnik, et il a signé quelques autres titres que je ne saurai trop conseiller également.Trapped (ci-contre) : trois chapitres pour suivre ce jeu scénarisé.
Les deux premiers possèdent un style isométrique très mignon qui leur donnent un air de miniature assez charmante (même si du coup le pixel hunting est parfois laborieux… enfin surtout au pad sur un portable ^^’). Beaucoup d’humour également et une difficulté bien dosée, ce qui en fait un jeu très agréable.
Et pour finir deux Escape plus puristes : The White Day et O Quarto. Le premier est l’un des très nombreux jeux d’Escape réalisés par Idac : j’aurais pu choisir n’importe lequel d’entre eux, ils sont tous très bien réalisés, avec de très beaux décors et des énigmes pas piquées des vers qui fonctionnent généralement bien.
Le deuxième est brésilien (version anglaise dispo, mais pleine de fautes) et propose des énigmes assez originales et bien pensées, toujours dans une seule chambre,comme il se doit. Un deuxième jeu, O Cofrepropose la suite de cette évasion.
Sans oublier un lien indispensable : le très sympathique site Lambda, qui collectionne les jeux d’Escape mais pas seulement, et fournit pour chacun une solution testée. Parfois bien pratique !

Lorsqu’on songe à un party-game loufoque et original, on pense souvent à la saga de Nintendo : Wario Ware. Néanmoins, avant l’apparition du premier Wario Ware, Wario Ware Inc. en 2003, une saga très japonaise dans l’âme essuyait déjà les plâtres du mini-jeu très court et très idiot. Bishi Bashi, c’est un peu le party-game dans l’ombre de Wario Ware, des défauts certes mais du potentiel et une aura de pionnier.

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Lorsqu’on songe à un party-game loufoque et original, on pense souvent à la saga de Nintendo : Wario Ware. Néanmoins, avant l’apparition du premier Wario Ware, Wario Ware Inc. en 2003, une saga très japonaise dans l’âme essuyait déjà les plâtres du mini-jeu très court et très idiot. Bishi Bashi, c’est un peu le party-game dans l’ombre de Wario Ware, des défauts certes mais du potentiel et une aura de pionnier.



Des jeux idiots
Bishi Bashi se caractérise par la bêtise des situations mises en scène, ludiquement parlant. On retrouve ce trait dans la saga Wario Ware. Il s’agit de jeux dont le principe même, le challenge proposé, n’a rien de glorieux, d’héroïque voire de cohérent. Le plus souvent, les défis s’appuient sur une réalité du quotidien, atrocement banale.
Là où Wario Ware proposait d’essuyer des fesses de vaches, Bishi Bashi impose par exemple au joueur de vider le plus rapidement possible un crayon critérium ou d’écraser des cafards avec une pantoufle. Des situations ordinaires qui font rire par le fait même qu’elles s’insèrent dans un jeu vidéo et qu’on les transforment en défi alors qu’il s’agit d’acte dénué de « motivation sportive ».

Parfois, les jeux ne se contentent pas de transposer des réalités du quotidien mais les distordent pour conduire la réalité vers le loufoque, le grotesque. C’est par exemple le cas lorsque le joueur, incarnant un salary-man, devra traverser une rue en esquivant des tonneaux voire des chats particulièrement agressifs.
Une esthétique du bricolage ou l’école Gondry
C’est vrai que l’on pense désormais à Michel Gondry lorsque l’on cherche un nom pour caractériser une esthétique du bricolage. L’idée de faire croire, d’illusionner, avec peu. L’anti-Hollywood aux effets numériques gargantuesques. Gondry dans La Science des rêves ou Soyez sympas, rembobinez ! imagine des stratagèmes à base de rouleaux de papier toilette ou de guirlandes. Le jeu vidéo, pourtant art du virtuel, n’ a pas à rougir.

La Science des rêves, de Michel Gondry
Un mini-jeu incarne parfaitement cette esthétique si singulière, un jeu où il s’agit de s’évader d’un camp de prisonnier en passant derrière un garde mais en veillant à s’arrêter lorsque ce dernier se retourne. Un .gif un peu ridicule illustre le gardien, tout comme les prisonniers. Des images figées, à peine animées à certains moments. Le décors n’en est pas moins sommaire. Au lieu d’une modélisation classique en 3D dimensions, ou une 2D léchée, les développeurs préfèrent une compilation grossière de matériaux limités. La chose a plus de charme et cette contrainte nourrit la créativité.
Des couleurs plus que des directions
Alors que de nombreux mini-jeux, issus des party-game, jouent sur des réflexes directionnels, ici la singularité de Bishi Bashi est de jouer non pas sur des flèches directionnelles mais sur des couleurs à mémoriser.
Un mini-jeu propose de tirer sur des bandits apparaissant à des fenêtres d’un immeuble. Seulement, point de viser/tirer, ou de boutons de direction, ici seul compte la couleur du brigand. Chaque couleur correspondant à un bouton de la manette.

Bishi Bashi
Mention

Conclusion
Bishi Bashi n’est pas un grand jeu et vaut plus pour son aspect historique que sa valeur actuelle. En effet, quelques années avant le premier Wario Ware, Bishi Bashi proposait déjà une sorte de brouillon du party-game aux idées crétines, émanation d’un quotidien rendu ludique, et d’une esthétique bricolée. Wario Ware fera mieux mais Bishi Bashi, d’une certaine manière, posa les fondations de cette philosophie du jeu quelques temps plus tôt. Ce n’est pas rien d’être un précurseur.

On pense tout connaître sur Mario puisque la plupart des joueurs le côtoient depuis des années. Le plombier moustachu est un de ces membres éminents du cercle, ô combien restreint, des vedettes virtuelles devenues phénomènes culturels. De nombreuses personnes connaissent Mario, sa silhouette, son style de jeu, sans avoir parfois pris le héros bedonnant manette en main. William Audureau, journaliste spécialisé dans les jeux vidéo, nous livre avec cet ouvrage une enquête passionnante qui est loin de suivre le tracé balisé de l’ouvrage biographie institutionnel. Et c’est tant mieux.

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On pense tout connaître sur Mario puisque la plupart des joueurs le côtoient depuis des années. Le plombier moustachu est un de ces membres éminents du cercle, ô combien restreint, des vedettes virtuelles devenues phénomènes culturels. De nombreuses personnes connaissent Mario, sa silhouette, son style de jeu, sans avoir parfois pris le héros bedonnant manette en main. William Audureau, journaliste spécialisé dans les jeux vidéo, nous livre avec cet ouvrage une enquête passionnante qui est loin de suivre le tracé balisé de l’ouvrage biographie institutionnel. Et c’est tant mieux.




Propriétés intellectuelles et aléa de la création
Beaucoup de joueurs connaissent l’évolution de Mario, dans les grandes lignes. De conversations en lectures de blogs, on se pense connaisseur du célèbre plombier à la salopette rouge. Seulement, L’Histoire de Mario offre suffisamment d’intérêt pour mériter un détour, même pour un « vieux » joueur.
L’avantage du livre de William Audureau est justement d’aller au-delà du descriptif, lent et sans élévations. L’Histoire de Mario n’est pas une biographie plan-plan nous décrivant chaque jeu, chaque volume de vente, etc. Au contraire, l’auteur s’attarde sur des points hautement plus intéressants, qui dépassent parfois le cadre strict du jeu vidéo, comme la bataille des propriétés intellectuelles.
Dans le domaine des arts et de la création, ces affaires sont nombreuses. On ne compte plus les procès imputés pour violation, détournement ou usage abusif d’une propriété sans l’accord du détenteur des droits. Le cinéma, la littérature sont deux grands fournisseurs en anecdotes croustillantes sur le sujet. Le jeu vidéo ne fait pas exception.
Ainsi, Audureau nous apprend que Mario n’aurait probablement pas été Mario si Universal n’avait pas mis des bâtons dans les roues à Nintendo. En effet, la vedette à l’origine, pour Big-N, était le grand singe Donkey Kong. C’est lui qui tient la vedette, c’est lui qui a le charisme. Seulement, Universal voyant que Nintendo engrangeait beaucoup d’argent avec ses jeux vidéo trouva une parade ultime : évoquer le détournement illicite du personnage de King Kong, propriété d’Universal. Suite aux procès, un accord à l’amiable fut trouvé et enterra ainsi l’affaire du primate aux multiples analogies. Le singe, sujet à trop de problèmes de ce type, fut petit à petit délaissé au profit du jeune Mario. Un problème de propriété intellectuelle = un héros.

King Kong (l'original)
Naissance d’une icône
Audureau ne se contente donc pas de décrire le parcours vidéoludique de Mario, il s’interroge aussi sur les procédés qui conduisent à l’élaboration d’une star, aussi virtuelle soit-elle. En effet, comment arrive-t-on à imaginer une vedette pérenne dans le monde du jeu vidéo ?
Mario est au départ un personnage a priori anodin et inintéressant. De plus, il n’est dans ses premières apparitions qu’un petit méchant de bas étage. Délaissé un temps au profit de Donkey Kong, la roue tournera par la suite pour le moustachu. Grâce aux procès gênant pour le grand singe et surtout grâce au forcing de Shigeru Miyamoto (le jeune créateur poussera à une utilisation abusive de son personnage au sein des équipes de développement de Big-N). Ainsi exploité, le petit personnage ventru se retrouvera dans des jeux de tennis, de golf, etc. Quoi de mieux qu’une opération de lobbying pour faire rentrer dans les habitudes des joueurs un tout nouveau personnage ?

Shigeru Miyamoto
A côté d’une telle destinée, on songe aux trajectoires mouvantes, et parfois tragiques, de dizaines d’autres. La gloire n’est jamais éternelle. On se souvient tous de succès spontanés mais courts comme Alex Kid, Eartworm Jim, depuis tombés dans l’oubli. On se souvient aussi de ces vies multiples comme la gloire, la déchéance puis la renaissance de Tomb Raider. La vie de star virtuelle paraît aussi complexe que celle de personnes bien réelles.
Création anarchique
Le livre est aussi le témoignage d’une certaine conception de la création vidéoludique, d’une époque presque révolue. Alors qu’aujourd’hui, l’industrie du jeu vidéo (rien que le nom donne une idée de la mutation) semble organisée et hiérarchisée, on suit des plannings…, les prémisses du jeu vidéo donnent une toute autre image.
On découvre ainsi Miyamoto et son équipe ne cessant de prendre, d’emprunter, d’alimenter une sorte de pot commun pour sortie des jeux en série. Mario est un fourre-tout dans lequel on vient puiser lorsqu’il est de bon ton de sortir une nouvelle aventure. Un nouveau jeu ne signifiera pas un jeu intégralement nouveau mais souvent un réaménagement de niveaux, l’utilisation de passages délaissés précédemment, etc. Point de nouvelle création de A à Z mais des compilations variables.
Autopsie d’un film controversé
Enfin, le livre est aussi original, et intelligent, pour son traitement du film hollywoodien : Mario Bros de Rocky Morton et Annabelle Jankel. Décrié par de nombreux joueurs, le film est ici disséqué pour montrer un enfantement complexe et long (opposition entre les deux réalisateurs et le reste de l’équipe de tournage, grand méli-mélo d’une succession de scénaristes charcutant un scénario déjà bien fade à l’origine, etc.).
Loin d’un texte partisan (anti ou pour), Audureau a l’intelligence de réfléchir, d’analyser dans le détail un film qui, tout de même, le mérite. Il s’agit quand même de la première adaptation filmique d’un jeu vidéo. C’est grâce à de telles opérations que le livre montre sa supériorité sur certains blogs trop dans l’amour ou la haine pour produire un contenu sérieux.

Affiche film Super Mario Bros
Conclusion
L’Histoire de Mario est un livre particulièrement documenté, intelligent et qui a le mérite de proposer une étude qui mérite le détour malgré un sujet pour le moins casse-gueule. On peut par contre reprocher un festival de coquilles sur la première édition de l’ouvrage. On se demande où était le correcteur avant l’impression finale ? Pix’n Love devrait faire attention à de tels détails pour ne pas gâcher la superbe de son image.

Bonjour à tous,

Le mois de juillet fut un mois particulièrement riche. En effet, ce fut l'occasion pour le site de publier, en intégralité, un mémoire de littérature comparée originale ("Un cas de transmédialité : l'oeuvre de Jules Verne en jeux vidéo") portant sur l'adaptation des romans de Jules Verne en jeux vidéo. Afin de faciliter la lecture du mémoire, une page spéciale existe, pour y accéder cliquez sur l'image ci-dessous :

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Bonjour à tous,

Le mois de juillet fut un mois particulièrement riche. En effet, ce fut l'occasion pour le site de publier, en intégralité, un mémoire de littérature comparée originale ("Un cas de transmédialité : l'oeuvre de Jules Verne en jeux vidéo") portant sur l'adaptation des romans de Jules Verne en jeux vidéo. Afin de faciliter la lecture du mémoire, une page spéciale existe, pour y accéder cliquez sur l'image ci-dessous :

Cliquez sur l'image pour accéder au mémoire

Pourtant, le bilan est assez négatif. Alors que la qualité des billets était au rendez-vous, que le site proposait régulièrement des articles, les statistiques sont nettes : il s'agit du mois à l'audience la plus basse. Ce résultat ne me surprend pas vraiment. L'exercice est périlleux, demande un réel investissement de lecture, et de réflexion. Ce qui n'est pas commun actuellement sur Internet, ce que je déplore. Levelfive.fr n'est pas un site d'actualité et ne cherche pas à rivaliser avec les blogs sur le jeu vidéo arborant des chiffres mirobolants. L'objectif est toujours de penser le jeu vidéo, de bâtir durablement des réflexions autour de ce média, de démontrer ça richesse. Un peu d'amertume mais pas de réelle tristesse.

Le mois d'août sera beaucoup plus tranquille. En raison de départs en vacances, je ne pourrais pas assurer correctement le suivi du site. Du coup, un fonctionnement au ralenti. Le site reprendra pleinement en août. Au niveau des innovations, ou des projets, pas de grande avancée. Pour l'instant, le principal travail du site est d'uniformiser les articles et d'améliorer leur lisibilité. En effet, la taille de la police, les rebonds à la fin des articles et bien d'autres éléments méritent une attention particulière. L'idée est d'harmoniser le site et d'offrir un plus grand confort de lecture. Après cela, les projets pourront reprendre mais pas avant de rétablir un peu d'ordre dans ce qui ressemble parfois à un développement anarchique.

N'hésitez pas à nous écrire via l'onglet "Contact" pour nous proposer un article, nous remercier ou autre. N'hésitez pas à diffuser non plus le site par tous les moyens possibles et imaginables, à vous abonner à nos pages/comptes sur les réseaux sociaux (Twitter, Facebook...). N'étant pas du sérail des journalistes spécialisés, je manque malheureusement d'appuis médiatiques pour faire connaître le projet levelfive.fr. Ce qui me chagrine tout de même au regard de la qualité des articles, surtout en comparant à certains blogs.

Je profite également de cet édito pour adresser mes condoléances à la famille de Chris Marker. C'est un documentaire de Marker, Level Five, qui donna son nom au site, documentaire dans lequel nous puisons allégrement pour illustrer, d'habitude, nos éditos. Je vous souhaite à tous un bon mois d'août, de bonnes vacances et surtout une bonne lecture.

Alexis Hassler, "Alfoux"

Le 14 juin 2012, je soutenais à l'université de Censier, Paris, mon mémoire de première année de master Lettres Modernes. Au bout d'une heure quinze environ, je ressortais de la salle où je venais d'échanger avec mon directeur de recherche, et juge à ce moment-là, Michel Bernard. Amoureux autant de la littérature que des jeux vidéo depuis mon enfance, je n'ai jamais vraiment renié ces deux passions au fil des ans. Alors forcément, lors de cette reprise d'études, je ne pus m'empêcher de mêler ces deux disciplines encore trop rarement étudiées.

La suite : http://levelfive.fr/index.php?option=com_content&view=article&id=229:reflexions-memoire-m1-lettres-modernes-qun-cas-de-transmedialite-loeuvre-de-jules-verne-en-jeux-videoq&catid=35:reflexions&Itemid=29

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Le 14 juin 2012, je soutenais à l'université de Censier, Paris, mon mémoire de première année de master Lettres Modernes. Au bout d'une heure quinze environ, je ressortais de la salle où je venais d'échanger avec mon directeur de recherche, et juge à ce moment-là, Michel Bernard. Amoureux autant de la littérature que des jeux vidéo depuis mon enfance, je n'ai jamais vraiment renié ces deux passions au fil des ans. Alors forcément, lors de cette reprise d'études, je ne pus m'empêcher de mêler ces deux disciplines encore trop rarement étudiées.
Faire ce mémoire fut la suite logique de la création, et la poursuite, du site levelfive.fr. Penser le jeu vidéo, c'est autant publier des articles de fond que la conduite de réflexions plus denses comme le mémoire ou la thèse. L'année qui se profile va de nouveau me plonger dans la réflexion/rédaction d'un nouveau mémoire portant sur la littérature et les jeux vidéo. Aucun sujet n'est encore défini, mais j'ai la conviction que bien des choses sont à approfondir et que cette vision de la littérature comparée n'en est encore qu'à ses débuts.

Jules Verne


Afin de facilement lire dans son intégralité le mémoire "Un cas de transmédialité : l'oeuvre de Jules Verne en jeux vidéo", voici une page condensant l'ensemble des parties de l'écrit. Bonne lecture.

L'introduction du mémoire : 01/02 ; 02/02

Le développement préliminaire : 01/02 ; 02/02

Partie 1 : Reprises fidèles des romans de Jules Verne : 01/03 ; 02/03 ; 03/03

Partie 2 : Détournements des romans de Jules Verne : 01/02 ; 02/02

Partie 3 : Inventions à partir des romans de Jules
Verne : 01/02 ; 02/02

Conclusion : 01/02 ; 02/02

Bibliographie : 01/01

Un grand merci à Michel Bernard qui oeuvre pour conduire une réflexion dense et originale sur les rapports entre la littérature et l'informatique.

Une étude de littérature comparée originale

La réflexion menée précédemment portait sur la relation entre le jeu vidéo et la littérature. Cette étude comparée avait pour intention de réfléchir à la transposition d’une œuvre d’un média à l’autre, autrement dit au cas de la transmédialité pris au sens strict du terme entre deux médias.

La suite : http://levelfive.fr/index.php?option=com_content&view=article&id=226:reflexions-conclusion-0102-memoire-qun-cas-de-transmedialite--loeuvre-de-jules-verne-en-jeux-videoq&catid=35:reflexions&Itemid=29

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Une étude de littérature comparée originale
La réflexion menée précédemment portait sur la relation entre le jeu vidéo et la littérature. Cette étude comparée avait pour intention de réfléchir à la transposition d’une œuvre d’un média à l’autre, autrement dit au cas de la transmédialité pris au sens strict du terme entre deux médias.

Plus précisément, il s’agissait de penser l’adaptation des romans de Jules Verne en jeux vidéo. La problématique posée dans le cadre de ce mémoire a été de voir si la transposition de l’univers du romancier au sein du média numérique conduisait à une fidélité ou à un détournement.

Jules Verne (jeune)

Une progression logique et des difficultés
Après la lecture des romans de Jules Verne sélectionnés pour ce mémoire, et après avoir terminé les jeux les adaptant, deux hypothèses s’imposent. D’un côté, on trouve des jeux transposant fidèlement le monde vernien et de l’autre des jeux détournant cette œuvre.

Seulement, en aucun cas les jeux analysés ne constituent des blocs pouvant être entièrement rangés sous l’une ou l’autre hypothèse. Il fallut donc affiner ces hypothèses et reconnaître tout d’abord des degrés, plus ou moins importants, de fidélité et de détournement dans les jeux étudiés.

De même, le terme « détournement » est une classification trop générique. Elle fit ainsi l’objet d’une segmentation interne. On ne peut pas parler simplement de jeux détournant les romans de Jules Verne, mais de détournements d’éléments existants et d’inventions.

Dans les deux cas, les jeux prennent des libertés avec le matériau d’origine mais de différentes manières. Dans le premier cas, il s’agit de réutiliser en le modifiant un élément des récits de Jules Verne. Dans le second cas, il est question d’inventions pures s’intégrant à une base qui demeure le livre de Verne.

Une vision de la transmédialité et de ses déclinaisons (Hypermédialité pour notre cas si l'on suit ce schéma)
Partant de cette triple segmentation, il fallut trouver un développement logique à l’intérieur des grandes parties de ce mémoire. Pour les deux premières parties, les sous-catégories pouvaient sensiblement être les mêmes. C’est pour cela que l’arborescence entre la première et la deuxième partie est proche.
L’idée consistait, en premier lieu, à saisir les éléments les plus génériques et évidents pour remonter vers ceux plus abstraits et complexes. C’est ainsi que les deux premières grandes parties du mémoire abordent, dans le même ordre : le cadre spatio-temporel, les péripéties des romans et les personnages.

Il ne fut pas évident de savoir où classer certains éléments observés dans les jeux. En effet, toute transposition d’un passage de roman au jeu vidéo est en soi un détournement. Il fallait donc garder à l’esprit une différence entre le détournement propre à la transmédialité (passage d’un média linéaire et non interactif comme la littérature au média jeu vidéo, plus éclaté et interactif) et le détournement conscient et assumé par les développeurs de jeux d’éléments propres aux récits de Jules Verne.

Pour la troisième partie, l’organisation des éléments observés ne pouvait suivre l’arborescence des deux premières parties. Comme il s’agissait d’inventions des développeurs, il semblait plus pertinent d’organiser les résultats sous la forme d’une typologie. Il est plus intéressant d’observer les formes de création imaginées par les développeurs plutôt que ce sur quoi portent ces inventions.
La transmédialité dans le cadre d’un échange entre littérature et jeux vidéo
Comprendre le processus même de la transmédialité dans le cadre d’un échange entre la littérature et le jeu vidéo nécessite au préalable une compréhension de ce qu’est le jeu vidéo en tant qu’œuvre. Le développement préliminaire de ce mémoire l’a évoqué, le jeu vidéo est un média de la synthèse. Les développeurs de jeux, souvent nourris d’une culture variée, empruntent des procédés créatifs à de multiples moyens d’expression (cinéma, littérature, musique de film, etc.).

On ne peut pas dire comme pour un roman, qui est une forme de littérature, que le jeu vidéo est un média du texte. Ou, comme le cinéma, que le jeu vidéo est un média de l’image. Ou encore comme un album de musique, album classique ou album-concept, qu’il s’agit d’un média du son. Un jeu vidéo est à la fois un média du texte, de l’image et du son.

Aucun procédé, et donc aucun emprunt à un autre art, n’est isolé des autres. Si l’on devait évoquer une image symbolisant le jeu vidéo, on ne devrait pas choisir la vision de couches de sédiments posées les unes sur les autres en tant que strates. Il serait plus pertinent d’y voir une toile d’araignée étendue où chaque point est relié à un ou plusieurs points.

Le jeu vidéo ou la structure en toile d'araignée
A ces éléments plus traditionnels, déjà éprouvés au cinéma ou en littérature, s’ajoute dans un jeu vidéo un aspect ludique et interactif. Le spectateur est joueur et donc par conséquent n’est pas passif. Les développeurs de jeux le font agir lors de séquences plus ou moins longues, déconnectées ou non des procédés évoqués plus haut.

En comprenant ainsi ce qu’est le jeu vidéo en tant qu’œuvre, il est plus aisé de comprendre comment un jeu peut adapter une œuvre provenant d’un autre média. Cette transmédialité ne peut qu’être à l’image de ce qu’est le jeu vidéo, un réseau d’emprunts doublé d’une logique ludique et interactive.

Le passage d’un roman au cinéma démontre une traduction de procédés narratifs textuels en procédés filmiques. Une description d’un personnage peut se matérialiser par l’utilisation de gros plans ou d’un plan séquence (découvrant le protagoniste de bas en haut par exemple). Le passage d’un roman en jeu vidéo n’est pas aussi simple. Le roman sera traduit aussi bien par des procédés de l’image (scènes cinématiques) que textuels (notes, lettres, carnets, etc.) ou sonores (des thèmes sonores empruntant beaucoup à la musique de film).

Seulement, ce qui fait tenir ces procédés divers et variés au sein d’une même œuvre demeure l’aspect ludique du jeu vidéo. C’est autour de séquences ludiques et interactives que viennent se greffer des passages empruntant aux procédés d’autres médias. C’est ainsi que l’on pourra avoir entre deux zones d’exploration et de collecte d’objets (exploration ludique et interactive), une scène cinématique. Ce qui fait la singularité du jeu vidéo, ce n’est pas simplement cette synthèse de procédés provenant d’autres arts mais également la capacité de lier ces éléments à des interactions ludiques. Les séquences jouables servant toujours de base.

Du fait de cette interactivité soutenue, on peut souligner que les spécificités du jeu vidéo par rapport au roman (une position de spectateur/acteur, etc.) remettent en cause certaines conceptions narratologiques[1] voire éthiques. Alors que l’on distingue traditionnellement dans la narratologie le personnage du narrateur et du destinataire (le lecteur), on remarque qu’avec le jeu vidéo le personnage et le destinataire ne font qu’un puisque le joueur dirige l’avatar.

De même, par ses actions singulières, et la possibilité parfois offerte de modifier plus ou moins le déroulement de l’histoire, le joueur se fait également auteur. Autrement dit, dans le jeu vidéo, le joueur peut vampiriser plusieurs statuts et être différents actants, comme dirait Greimas, à la fois. C’est un vrai bouleversement pour la narratologie, a priori caduque pour expliquer le déroulement du récit au sein du jeu vidéo.

Greimas
Il semble pertinent, suite à ces analyses, de chercher à synthétiser le procédé de la transmédialité pour le cas de la littérature et du jeu vidéo. Par littérature, on entend le genre du roman (roman d’aventure mais les caractéristiques de cette catégorie sont retrouvables en grande partie dans d’autres types de roman). Par jeu vidéo, on pense au genre du jeu vidéo d’aventure (point and click, jeux d’objets cachés et jeux d’aventure à la troisième personne). Ces précisions sont importantes car du fait de la diversité du jeu vidéo, on ne peut pas dégager des schémas applicables au média dans son ensemble mais seulement à un genre particulier.

Tout d’abord, il est possible de classer les différents éléments romanesques dont les créateurs de jeux vidéo s’inspirent lors de l’adaptation d’un roman :

Cadre spatio-temporel

Personnages

Péripéties

Idées du récit

On entend par « idées du récit » tous les éléments qui ont trait à la pensée, sous la forme de messages plus ou moins explicites, que diffuse l’auteur dans son roman. Pour resserrer la question à l’échelle de Jules Verne, on peut dire que la plupart des jeux valorisent des éléments romanesques propres au romancier. Le sens de la pédagogie est présent dans de nombreux titres sous des formes interactives ou non. De même, l’esprit des grandes inventions demeure dans plusieurs jeux. Jules Verne imaginait des machines du futur, de nombreux développeurs poursuivent cette entreprise.

[1] Wikipédia, Narratologie, Wikipédia, l’encyclopédie libre [en ligne], 2012, [11/05/2012], URL : http://fr.wikipedia.org/wiki/Narratologie#cite_note-0

I) Une histoire parallèle

Les libertés que prennent les jeux vidéo par rapport aux romans de Verne peuvent se concrétiser sous la forme d’une histoire parallèle. L’histoire parallèle vient s’ajouter à celle imaginée par le romancier.

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I) Une histoire parallèle

Les libertés que prennent les jeux vidéo par rapport aux romans de Verne peuvent se concrétiser sous la forme d’une histoire parallèle. L’histoire parallèle vient s’ajouter à celle imaginée par le romancier.
A) Une histoire de meurtre
Le jeu Le Tour du monde en 80 jours 2 de Micro Application imagine une histoire parallèle au roman initial. En effet, le récit développe l’idée d’un meurtre à élucider qui se déroulerait en même temps que le tour du monde entrepris par Phileas Fogg.

Le capitaine Speedy face à Phileas Fogg (à gauche)

L’aventure débute le 2 octobre 1872. Le Reform-Club organise un diner caritatif pour les orphelins de la marine marchande. Le joueur découvre l’image du diner en arrière-plan du texte déroulant l’histoire. D’ailleurs, le texte apprend au joueur qu’à ce repas se trouvent plusieurs protagonistes du roman Le Tour du monde en quatre-vingts jours de Jules Verne. Pour n’en citer que quelques-uns, on retrouve le capitaine Samuel Speedy, sa tante Hyacinthe Speedy, Andrew Stuart, Phileas Fogg ou encore Lord Albermale.

Seulement, une altercation éclate entre Phileas Fogg et Lord Albermale. La vive conversation entre les deux hommes prend rapidement la forme d’un pari, celui d’un tour du monde dont le prix serait de vingt mille livres. Phileas Fogg va chercher le Daily Telegraph pour étayer ses allégations tandis que John et Andrew vont et viennent à la bibliothèque. Hyacinthe Speedy, elle, prend congé dans sa chambre. Fogg décide de partir immédiatement afin d’entreprendre son tour du monde.

Daily Telegraph dans sa version actuelle
Peu après le départ de Phileas Fogg, le capitaine Samuel Speedy se met à hurler dans le couloir. Sa tante Hyacinthe vient d’être assassinée. La police débarque alors avec à sa tête le policier Fix. Tous les invités se rendent dans la chambre où se trouve le corps de la vieille femme. Fix aperçoit sur un meuble un coupe-papier taché de sang ainsi qu’un cadenas fracassé sur le sol. A côté du corps de Hyacinthe Speedy, on retrouve également un coffret forcé. Seulement, les bijoux s’y trouvent encore. Autrement dit, il ne s’agit pas d’un vol.
B) Du roman d’aventure au roman policier
Il est intéressant de voir que cette histoire parallèle amène le récit d’aventure de Jules Verne vers le genre du roman policier. Le joueur se retrouve d’une certaine manière dans un récit d’Agatha Christie. Un meurtre en huit clos, des suspects, les éléments de parenté avec l’écrivain anglais sont nombreux même si rapidement l’aventure reprend la forme d’un tour du monde. En effet, devant l’étrange attitude de Phileas Fogg, le policier Fix part à sa recherche et donc entreprend, comme dans le roman original, un tour du monde.

Après avoir surmonté bien des obstacles prenant la forme de mini-jeux ou d’objets cachés à trouver, le joueur découvre finalement l’identité du meurtrier. Sous la forme de dialogues entre différents protagonistes, on apprend que l’auteur du meurtre était Samuel Speedy, le seul héritier de Hyacinthe. Le texte apprend également au joueur que, lors du procès, un médecin apporta des preuves de la culpabilité du marin. En effet, l’entaille sur la cuisse de Speedy correspondait à l’arme du crime retrouvée sur place. Samuel Speedy est ainsi condamné à vingt ans de travaux forcés dans les Indes pour le meurtre de sa tante. Il meurt quatre and plus tard du choléra, Fix lui est promu inspecteur et Phileas Fogg, ayant terminé son tour du monde, devient président du Reform-Club.

Agatha Christie
Micro Application propose une histoire parallèle au roman de Verne que le studio de développement adapte. L’aventure ne se focalise plus sur Phileas Fogg et prend une autre tonalité. Ce type d’invention conserve le cadre spatio-temporel des récits du romancier. Ce n’est pas toujours le cas, en particulier lorsque les jeux imaginent une suite aux récits de Jules Verne bien des années après.
II) Une suite des années plus tard
Certains jeux vidéo adaptant Jules Verne poursuivent ses histoires, donnant parfois une suite directe au roman initial. D’autres préfèrent décaler le cadre temporel et imaginer une suite se déroulant souvent des décennies après le récit adapté.
A) Une nouvelle exploration du centre de la Terre
Le jeu Voyage au centre de la Terre de Frogwares imagine une nouvelle exploration du centre de la terre, des années après l’expédition du scientifique Lidenbrock du roman de Jules Verne. Lors de la scène cinématique en trois dimensions ouvrant le jeu, le joueur découvre le personnage d’Ariane, jeune femme journaliste et photographe survolant l’Islande en 2005.

Ariane sur les flancs du volcan Sneffels en Islande (Voyage au centre de la Terre)
Ariane se retrouve bloquée sur le volcan Sneffels après un accident d’hélicoptère. En réussissant à créer une torche, par quelques associations dans l’inventaire du personnage, et en brûlant le bout de celle-ci avec un briquet Ariane peut se diriger vers une cavité sombre. Une scène cinématique se déclenche et illustre sa chute. La jeune femme se relève quelques heures plus tard sur une plage au centre de la Terre.

Le jeu imagine une nouvelle expédition au centre de la Terre mais également les conséquences sur le long terme de l’expédition du professeur Lidenbrock. Dans la cabane d’Adam, premier habitant rencontré par Ariane, la jeune femme découvre un livre d’un certain Armand Latifère. Ce scientifique fut le seul à croire au voyage de Lidenbrock. En cliquant sur l’ouvrage, le joueur peut lire un extrait du livre et apprendre que le professeur allemand s’éteignit en 1865 dans l’indifférence générale. Sa découverte fut dénigrée et on le jugea comme fou.

Armand Latifère crut en ce voyage et constitua un « groupe international de scientifiques pour explorer et habiter les entrailles de la Terre ». C’est ainsi qu’un ensemble de savants construisit une ville souterraine (Askiam) mais également un pont et d’autres infrastructures de ce type au centre de la Terre. Au fil des années, c’est une véritable société qui prit forme.

Ville d'Askiam (Voyage au centre de la Terre)
Afin de donner à cette communauté souterraine toute la crédibilité d’un Jules Verne, les développeurs de Frogwares inventent deux figures scientifiques. Ariane les rencontre sur la plage où elle échoue. Les deux hommes sont morts mais leurs tombes demeurent visibles. L’ordinateur portable d’Ariane permet d’obtenir des informations sur les objets environnants. En l’interrogeant à propos du texte figurant sur les stèles, la jeune femme en apprend un peu plus sur ces chercheurs[1].
B) Un monde souterrain
Comme Kheops Studio imaginait dans Voyage au cœur de la Lune une société lunaire que Jules Verne évitait de justesse, Frogwares détaille la société souterraine qui est pour le studio de développement la suite logique du voyage du professeur Lidenbrock. C’est au fil de l’aventure, grâce aux dialogues d’Ariane avec d’autres personnages ou en lisant certains documents éparpillés, que le joueur reconstitue l’histoire de ce monde souterrain.

Montgolfière ou téléphérique (Voyage au centre de la Terre)
La ville d’Askiam comprend des commerces, des rues pavées, des lampadaires, des moyens de locomotion (téléphériques) et bien entendu des habitants. L’esthétique de ces derniers est proche de celle des hommes du XIXème siècle en Europe. Les hommes portent des chapeaux haut-de-forme et de grands vêtements noirs. L’esthétique de la ville est également influencée par le XIXème siècle même si certaines parties font penser aux arts primaires.

Derrière ce travail esthétique, les développeurs inventent des pratiques et des objets de la vie de tous les jours. Par exemple, en dialoguant avec l’antiquaire Héraclès le joueur apprend que l’homme est aussi animalier. Autrement dit, il éduque des dinosaures afin d’en faire des moyens de locomotion.

Toujours dans cette même boutique, le joueur découvre un objet nommé « téléogramme ». En cliquant dessus, on apprend qu’il s’agit d’un objet générant des images en trois dimensions que l’on peut envoyer à n’importe qui.
C) Une critique de l’argent
A côté de la tentative d’Ariane de sortir de ce monde souterrain, l’histoire du jeu évoque également une affaire de fraude fiscale et de détournement d’argent. Pour résumer l’intrigue, le recteur de l’académie d’Askiam ainsi que d’autres complices ont manipulé des images d’information afin de faire croire à une guerre mondiale à la surface de la terre. Suite à cette terreur provoquée, ces hommes ont lancé un plan d’exploitation minière.

Seulement, les diamants récoltés devant servir à payer des mercenaires protégeant le secret du monde souterrain sont vendus pour placer de l’argent sur des comptes offshore. Ariane découvre le cœur de cette affaire en fouillant le bureau du recteur de l’Académie. Elle y trouve quelques fichiers résumant des transactions financières.

Laboratoire, lieu de toutes les découvertes (Voyage au centre de la Terre)
En imaginant une telle histoire d’argent, les développeurs inventent une suite possible aux aventures de Verne mais ne trahissent pas l’esprit du romancier. De nombreux romans de Jules Verne furent des critiques virulentes de l’argent, en particulier les derniers écrits[2].

L’invention d’une suite se situant des décennies après les romans de Jules Verne offre aux développeurs la possibilité de donner une fin à certains personnages tout en imaginant un monde nouveau. Certains jeux prennent le postulat inverse. Ils inventent non plus une suite se déroulant bien après la fin d’un roman de Verne mais la préquelle d’un récit.
III) Une préquelle[3] aux romans de Jules Verne
Inventer des histoires en partant des romans de Jules Verne, c’est exploiter les zones d’ombre de ces récits. Ces zones d’ombre peuvent aussi bien concerner l’après que l’avant.
A) L’île Lincoln avant le capitaine Nemo
Dans Retour sur l’île mystérieuse 2, les développeurs de Kheops Studio imaginent un passé à l’île Lincoln, avant l’arrivée du capitaine Nemo. Jules Verne n’en fait aucune mention dans son œuvre, le studio parisien est donc libre d’imaginer une préquelle au roman L’île mystérieuse.

Après avoir raté sa fuite en hélicoptère, Mina se retrouve à explorer de nouveaux pans de l’île Lincoln dans ce second épisode. Elle fait ainsi la découverte d’un moteur géothermique au cœur du volcan.

Singes bloquant l'accès au moteur géothermique (Retour sur l'île mystérieuse 2)
Ce moteur n’est pas l’invention du capitaine Nemo, comme Mina le découvre en écoutant le témoignage du marin grâce au mur d’ovoïdes, mais d’un certain « X ». En arrivant sur l’île Lincoln, le capitaine Nemo a découvert que cette île avait été habitée avant lui et qu’une force surnaturelle avait imaginé un moteur géothermique doublé d’un système de régulation[4].

Par cette explication fantastique, les développeurs justifient la richesse de l’île Lincoln. Même si la faune et la flore sont moins denses que dans le roman, l’île regorge tout de même de richesses. Ces richesses proviennent donc d’un élément surnaturel.

La régulation du moteur géothermique, qui s’est emballé lorsque Mina a désactivé le bouclier de l’île à la fin du premier épisode pour appeler les secours, passe par la résolution d’un casse-tête par le joueur. Il doit en effet régler les manettes d’un panneau de contrôle pour stabiliser à nouveau le moteur.
La préquelle est le pendant de la suite se situant des années après la fin des romans de Jules Verne. Seulement, certains jeux décident d’aller plus loin et inventent des connexions dépassant le strict cadre de la fiction
IV) Des connexions entre la fiction et le réel
Certains jeux vidéo adaptant les romans de Jules Verne inventent de nouvelles histoires se basant sur les récits du romancier sans pour autant se restreindre au cadre de la fiction. Quelques tentatives se permettent de mêler des éléments réels et fictifs.
A) Des relations entre le capitaine Nemo et Jules Verne
Le jeu Retour sur l’île mystérieuse illustre le mieux cette manière de faire. En découvrant le Nautilus à la fin de l’aventure, Mina trouve des documents dans le salon du sous-marin établissant une relation entre le capitaine Nemo et Jules Verne.

Sur un bureau, le joueur peut lire, en cliquant dessus, une lettre de Jules Verne au Capitaine Nemo[5]. L’adresse qui y figure correspond à un lieu d’habitation du romancier[6]. Cette adresse est désormais La Maison Jules Verne[7], un musée consacré à l’auteur de L’île mystérieuse.

Maison à la tour (Amiens)
A côté de cette lettre, le joueur découvre également un carnet de notes du capitaine Nemo. En cliquant dessus, il peut lire l’avis du marin sur le roman L’île mystérieuse[8]. De même, à côté de ce carnet trône une version illustrée du roman de Jules Verne[9].

Contrairement à la fin du jeu Voyage au cœur de la Lune, la connexion ne se fait plus entre deux œuvres mais entre un personnage de roman et son créateur. Autrement dit, les liens supposés mêlent la fiction à la réalité.

[1] Voici ce que l’on peut lire à propos d’Armand Latifère : « Chercheur et biologiste français connu pour avoir rassemblé autour de lui de nombreux scientifiques. Mais son ébauche de communauté universelle est restée inachevée après sa disparition en 64, lors d’une expédition en Islande. Auteur de La Classification des Espèces Marine (1863) », Frogwares, Voyage au centre de la Terre, Paris, Focus, 2003

[2] « Dans les Voyages extraordinaires, l’auteur se livre à une dénonciation du pouvoir de l’argent et souligne fréquemment son mépris de l’or. Ces deux fondements de la société mercantile du XIXe siècle sont systématiquement mis en cause. Dès Une Ville flottante, les Yankees nantis sont dénigrés pour leur mépris des vraies valeurs. Dans Les Tribulations d’un Chinois en Chine, dès que Kin-Fo ne paie plus les mensualités à sa compagnie d’assurances, ses dévoués protecteurs l’abandonnent. Dans L’Ecole des Robinsons, ce sont deux milliardaires qui se disputent la propriété d’une île déserte. Dans ces récits des années 1870-1880, la moquerie est encore souriante. La satire des riches devient plus marquée dans des romans des années 1890 comme Sans dessus dessous où une entreprise américaine n’hésite pas à tenter de faire basculer notre globe pour parvenir à exploiter des mines de charbon au pôle Nord, quitte à noyer la moitié de la population de la Terre et à asphyxier l’autre moitié », COMPERE, Daniel, Les Voyages extraordinaires de Jules Verne : analyse de l’œuvre, Paris, Pocket, « Les guides Pocket classiques », 2003, p.190-191

[3] Wikipédia, Préquelle, Wikipédia, l’encyclopédie libre [en ligne], 2012, [06/04/2012], URL : http://fr.wikipedia.org/wiki/Pr%C3%A9quelle

[4] On peut vraisemblablement voir ici une allusion à la série Lost et plus particulièrement à l’épisode 29 Everybody hates Hugo (Le Mal aimé, saison 2, 2005-2006). Lors de cet épisode, en explorant les souterrains, Sayid lance à Jack l’hypothèse d’un générateur géothermique derrière les parois de béton. Le personnage établit un parallèle avec une pratique vue au moment de la catastrophe de Tchernobyl.

[5] « Adresse : Jules Verne, Maison à la tour, rue Charles Dubois,

Amiens France/ Amiens, le 18 novembre (l’année est effacée)

Capitaine, Vous trouverez ci-jointe la version définitive de l’ouvrage inspiré des notes de nos amis communs, Gédéon Spilett, Cyrus Smith et leurs compagnons. De leur naufrage en ballon au combat contre les pirates, leur aventure m’a donné toute la matière dont un romancier puisse rêver. Fascinante est la manière dont vous les avez aidés sans vous révéler, protégeant ainsi votre solitude sans manquer aux devoirs de l’hospitalité. Après plusieurs années cependant, vous décidâtes de leur dévoiler votre présence. Votre confiance était justifiée car, lorsqu’ils regagnèrent la civilisation, les naufragés du ciel eurent à cœur de ne divulguer ni l’emplacement, ni même l’existence de votre île. En recueillant leur histoire, je me suis trouvé à mon tour lié par ce devoir de discrétion. Pour préserver votre tranquillité, j’ai donc altéré la fin de leur récit. Mon livre imagine que vous sabordez le Nautilus et disparaissez avec lui. Mieux, peu après, j’invente une terrible éruption qui détruit l’île Lincoln de fond en comble. Ainsi le monde vous croira-t-il mort, et votre retraite détruite. J’ose pourtant souhaiter que fatigué de la solitude vous reviendrez de plein gré à la société des humains et ferez profiter le monde de votre immense savoir. Sur cet espoir, je me déclare, monsieur, votre sincère et respectueux admirateur. Jules Verne », Kheops Studio, Retour sur l’île mystérieuse, Paris, Microids, 2005

[6] « En 1882, il quitte le 44, boulevard Longueville, où il réside depuis 1873, pour emménager au 2, rue Charles Dubois, la fameuse maison à la tour », Wikipedia, Jules Verne, Wikipédia, l’encyclopédie libre [en ligne], 2012, [06/04/2012], URL : http://fr.wikipedia.org/wiki/Jules_Verne

[7] Centre national Jules Verne, « La maison Jules Verne », Centre national Jules Verne [en ligne], 2011, [06/04/2012], URL : http://www.jules-verne.net/maison-jules-verne.html

[8] « J’apprécie le roman de M. Verne. Il porte sur moi un regard lucide et sans indulgence, mais toujours respectueux. M. Verne souhaite me voir revenir dans la société des humains, mais cela n’adviendra pas. Je pense finir ma vie dans la solitude, sans autre confident que cette feuille de papier. Depuis ce jour funeste où les Anglais massacrèrent ceux qui m’étaient cher, j’ai fui le monde, et ma blessure est trop profonde pour jamais guérir. Pour protéger ma retraite, j’ai monté à bord de mon vaisseau un générateur d’écran. Cette puissante machine produit à intervalle régulier un bruit qu’on entend par toute l’île. En principe, nul objet matériel ne peut franchir mon écran, qui interdit également toute émission d’ondes vers l’extérieur. En pratique, mon générateur connaît des défaillances par temps d’orage. Elles sont brèves, mais suffisantes pour autoriser le passage d’un nageur ou d’une petite embarcation. Or, cette partie du Pacifique étant mal fréquentée, je ne puis exclure qu’un jour des pirates ne débarquent sur mon île…J’ai donc dressé quelques pièges et réglé mes serviteurs d’acier en mode agressif. Ils se mettront en chasse dès qu’une personne non autorisée tentera de pénétrer dans le Nautilus. », Kheops Studio, Retour sur l’île mystérieuse, Paris, Microids, 2005

[9] En cliquant sur la couverture du roman, Mina dira : « C’est L’Ile Mystérieuse, un roman de Jules Verne. Une édition originale ! Des passages ont été soulignés au crayon : ils racontent la destruction totale de l’île dans une explosion volcanique », Kheops Studio, Retour sur l’île mystérieuse, Paris, Microids, 2005

La plupart des jeux vidéo adaptant Jules Verne se réapproprient les récits du romancier. Les développeurs partent de son imaginaire pour inventer de nouvelles histoires, de nouveaux personnages. Ils ne se contentent pas de copier mais dépassent le matériau d’origine. Par l’utilisation du terme « invention », on entend tout ajout de la part des développeurs aux romans.

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La plupart des jeux vidéo adaptant Jules Verne se réapproprient les récits du romancier. Les développeurs partent de son imaginaire pour inventer de nouvelles histoires, de nouveaux personnages. Ils ne se contentent pas de copier mais dépassent le matériau d’origine. Par l’utilisation du terme « invention », on entend tout ajout de la part des développeurs aux romans.
I) De nouveaux événements enrichissant les récits
L’invention de certains événements dans les jeux vidéo adaptant les romans de Jules Verne ne modifie pas toujours le récit. Ces ajouts sont cohérents par rapport à l’œuvre initiale et ne font que l’enrichir de nouvelles péripéties.
A) De nouveaux événements interactifs
Dans Le Tour du monde en 80 jours de Micro Application, les développeurs imaginent à plusieurs reprises de nouveaux événements qui se transforment en épreuves ludiques pour le joueur. C’est le cas dès le début de l’aventure. Le joueur incarnant Passepartout est reçu par une personne non identifiée. Cette dernière lui lance un défi, préconisé par Phileas Fogg, afin de tester son aptitude à bien servir le maître des lieux.

Phileas Fogg dans Le Tour du monde en 80 jours (Micro Application)


Ce test consiste à retrouver les onze morceaux de la notice de la chaudière. Les éléments sont dispersés dans l’entrée de la maison. Faisant face à un décor fixe, le joueur n’a qu’à cliquer sur ces objets dissimulés pour reconstituer la notice et ainsi remporter le défi. D’autres épreuves s’enchaîneront. Leur réussite conduit à l’embauche de Passepartout par le gentleman anglais.
Le jeu invente des événements mais aussi des personnages qui amènent à de nouvelles situations et donc à de nouveaux défis pour le joueur. Par exemple, incarnant Phileas Fogg, le joueur se rend avant le grand voyage au Reform-Club. Un texte lui annonce qu’un peintre de renom est aujourd’hui l’invité d’honneur. Comme il a égaré ses quinze tubes de peinture, il faut l’aider à les retrouver. Le joueur doit à nouveau cliquer sur des objets dissimulés dans le décor pour remporter le défi et faire avancer l’histoire.
B) Un enrichissement non interactif
Le jeu Voyage au cœur de la Lune utilise lui aussi ce procédé de l’enrichissement du récit mais sans toujours passer par l’utilisation d’un concept ludique. Cet enrichissement se fait par exemple au niveau des personnages. Dans le roman de Jules Verne, en particulier De la Terre à la Lune, la rivalité entre le capitaine Nicholl et Barbicane est manifeste et tient à l’opposition de deux métiers (le spécialiste des blindages, Nicholl, et le professionnel des canons, Barbicane). Nicholl déteste Barbicane car il peut selon lui perforer ses blindages.
A aucun moment, Jules Verne ne va plus loin. Cette rivalité est une rivalité d’hommes, de scientifiques[1]. Seulement, le jeu Voyage au cœur de la Lune apporte une autre dimension à cette rivalité, une vision qui s’ajoute à celle, reprise, de Jules Verne. Cette nouvelle querelle repose sur l’amour d’une femme.

Lettre de Diana Moon dans Voyage au coeur de la Lune
La femme se prénomme Diana Moon. Son nom de famille est un jeu de mot comme on en trouve dans l’œuvre de Jules Verne (par exemple, le nom de famille de Phileas Fogg renvoie à ce temps caractéristique du climat londonien). Cette relation triangulaire est contée au joueur par l’intermédiaire de lettres que l’on découvre sur chaque personnage mais aussi grâce à des vignettes que le jeu débloque en cas de découvertes.
L’histoire de Diana Moon est la suivante. La jeune femme prenant connaissance de l’expédition pour la Lune veut à tout prix participer à ce voyage. Pour arriver à ses fins, elle séduit d’abord Barbicane puis faute de réussir le capitaine Nicholl. Ce passage de l’un à l’autre ajoute à la discorde purement scientifique qui existait déjà entre les deux hommes une querelle amoureuse.
Cette invention permet aussi de souligner la pauvreté des personnages féminins dans les romans de Jules Verne. En mettant en avant des femmes, en tant que personnage principal des récits, les jeux Voyage au centre de la Terre de Frogwares ou encore Retour sur l’île mystérieuse ont probablement agi dans le même esprit.
Inventer de nouvelles péripéties, interactives ou non, offrent aux développeurs la possibilité d’enrichir les récits de Jules Verne. Seulement, certains jeux se veulent plus ambitieux et proposent une histoire alternative par rapport au roman adapté.
II) L’histoire alternative
L’intrusion d’événements inventés peut apporter aux récits de Jules Verne des déroulements alternatifs plus ou moins importants.
A) L’invention d’une civilisation
Le jeu Voyage au cœur de la Lune incarne le mieux ce principe de l’histoire alternative. Dans ce jeu d’aventure, les développeurs détournent certains éléments comme on a pu le voir dans la seconde partie de cette étude. Mais ce procédé n’a pour finalité que d’imaginer un univers. En faisant atterrir l’obus sur la Lune, les développeurs de Kheops Studio décrivent ce que ne propose pas Jules Verne : un monde lunaire.

Michel Ardan hésitant à sortir de l'obus (Voyage au coeur de la Lune)
Tout d’abord, il est question d’un climat. Michel Ardan une fois arrivé sur la Lune, et après avoir dévalé une montagne, tente de sortir de l’obus mais sentant un froid glacial il n’ose poursuivre. Cependant, quelques secondes après cette tentative avortée une cinématique nous montre le soleil dévoilant cette partie cachée de la Lune où vient d’atterrir le protagoniste de Verne. Sous l’impact du soleil, ce qui ressemblait à de la neige fond. Il s’agissait d’oxygène solidifié. Du coup, Michel Ardan peut sortir de son obus et respirer tranquillement.
Le climat est soigneusement développé par les développeurs, la faune et la flore par exemple sont deux éléments détaillés[2]. Les créateurs de Kheops Studio imaginent des fruits lunaires[3] qui sont au cœur de la résolution de certaines énigmes. Par exemple, la cuisson de certains fruits avec la poêle de Michel Ardan permet la confection de compotes. Ces mélanges offrent diverses aptitudes aux joueurs[4]. En ingurgitant l’une d’elles, il est possible d’explorer des zones jusqu’alors inaccessibles ou encore de rendre malade des Sélenites (les habitants de la Lune) et ainsi de visiter une pièce bloquée par un garde.

Compotes (Voyage au coeur de la Lune)
B) Une société sélénite
Au-delà du climat, les développeurs du Voyage au cœur de la Lune décrivent une société sélénite jusque dans le moindre de ses détails. La société que découvre Michel Ardan est hiérarchisée et ressemble au système indien des castes. On trouve au-dessus de tout le monde un chef nommé « le Grand Lunaire » que l’on rencontre simplement par l’intermédiaire de vidéos. Puis, au-dessous, on croise des dignitaires de différents rangs et au plus bas ceux que l’on nomme « les bannis ».
Cette organisation sociale de type pyramidal se retrouve dans la structure physique de cette société. En effet, les Sélénites vivent à l’intérieur d’une montagne. En prenant un ascenseur, il est possible d’accéder à différents étages (six au total) correspondant à différents niveaux sociaux et différentes activités (dortoirs, laboratoire, administration, vestige des anciens voyages, etc.). Certains étages ne sont accessibles qu’après avoir obtenu une clé sélénite. Ces clés s’obtiennent lorsque le joueur décide de passer un test d’intelligence auprès d’un dignitaire de second rang. Le joueur collecte des points en fonction des actions qu’il fait. En réussissant des combinaisons d’objets ou en résolvant des énigmes, il fait augmenter son score jusqu’à atteindre un palier suffisant lui permettant un entretien en vue d’obtenir une clé.

L'ascenseur dans Voyage au coeur de la Lune
Pour rentrer un peu plus dans le détail, les développeurs imaginent certains attributs de la vie en société comme une forme de commerce. Dans le jeu, il existe une monnaie lunaire qui peut être obtenue en vendant des objets issus de l’obus ou des combinaisons du joueur. Le principe de ce commerce repose sur le concept de l’offre et de la demande. Plus on vend un même objet au dignitaire de second rang faisant office de commerçant, plus le prix de l’achat baisse. C’est la rareté qui donne sa valeur à l’objet.
Concernant le langage, les développeurs ont imaginé un langage sélénite oral et écrit. Pour acquérir l’écrit, Michel Ardan doit passer un mini-jeu auprès du dignitaire de second rang qui l’oblige à associer des idéogrammes lunaires à des traductions en langage terrestre. Le jeu prend ainsi la forme d’un QCM. En réussissant toutes les questions, Ardan peut alors déchiffrer le sélénite écrit. Un autre mini-jeu symbolise l’apprentissage oral. Le défi à réussir consiste en la combinaison de sons. Certains portent un idéogramme lunaire, d’autres non. L’appareil permettant l’apprentissage, et le mini-jeu qui matérialise la leçon, se nomme un « éducateur harmonique ».
Comme toute société a son histoire, les développeurs de Kheops Studio imaginent également un passé au peuple lunaire distillé via des dialogues. Les Sélénites se seraient rendus sur Terre il y a des siècles de cela, alors que les Terriens marchaient à peine sur leurs jambes. Ils auraient inventé un canon sur la Lune mais également sur Terre afin de faciliter des échanges réguliers entre les deux astres.

Trace de l'ancienne adoration des hommes envers les sélénites (Voyage au coeur de la Lune)
De ce passé, il résulte quelques éléments que Michel Ardan retrouve au fil de l’aventure. Par exemple, le personnage de Jules Verne trouve une flute qu’il répare, en créant une colle spéciale avec une machine appropriée (ce qui nécessite au préalable de récupérer les ingrédients nécessaires à la fabrication de cette colle), et qui lui permet de parler le sélénite. De même, autre objet illustre du temps des voyages, la conque de Belbaab donne la possibilité au dignitaire de second rang de comprendre le terrien. Michel Ardan en trouve une dans la forêt faisant face à son obus.
Les conversations entre Michel Ardan et les Sélénites apprennent aux joueurs que ces voyages entre la Lune et la Terre ne se font plus. Le dignitaire faisant passer au protagoniste de Verne des tests d’intelligence lui explique que les premières traversées vers la Terre furent entreprises par des pionniers pris d’un élan mystique. Au premier niveau de l’ascenseur lunaire, Michel Ardan découvre au bout du couloir une gigantesque fresque. Cette dernière représente des Sélénites et des humains, les derniers célébrant les premiers. Cette fresque n’est d’ailleurs visible qu’après la résolution d’un puzzle.

Un Sélénite (Voyage au coeur de la Lune)
Au fur et à mesure, les Sélénites se sont lassés de la Terre. La planète bleue n’étant plus à la mode, les voyages cessèrent. La période des désillusions succéda à la période des voyages. Selon le dignitaire de second rang rencontré, ce revirement est le résultat du contact avec les humains. La Terre était désirable tant qu’elle n’était pas accessible.
Depuis, les Sélénites se sont repliés dans l’isolationnisme, propre à une civilisation adulte précise le dignitaire de second rang. Le simple fait de se balader à l’extérieur est d’ailleurs considéré comme vulgaire. Seuls les bannis le font.
Les développeurs de Kheops Studio inventent également tout un rite funéraire aux Sélénites. Ainsi, en haut d’une montagne, Michel Ardan découvre une nécropole. Cette dernière ne s’ouvre qu’en résolvant un casse-tête qui se réduit à l’entrée des bons idéogrammes sélénites sur un panneau de commande.

Flute lunaire et autres objets (Voyage au coeur de la Lune)
Au sol de cette nécropole, Michel Ardan tombe sur une devise : « Voir la Terre et mourir ». Au temps des voyages, les pèlerins lunaires se rendaient sur Terre et revenaient ensuite sur la Lune pour mourir. Ces déductions sont faites par Michel Ardan lui-même, en voix-off. Le fait de fouiller quelques tombes apporte également des informations. Les tombes se tiennent debout et ressemblent, selon les mots de Michel Ardan, à « des boites de conserve ». L’aspect est grisâtre, le matériau ressemble à du métal. Pour sortir de la nécropole, un nouveau casse-tête s’impose au joueur. Ce jeu repose sur des combinaisons mathématiques. Le joueur doit cliquer sur la figure dont la somme des arrêtes correspond aux deux figures illuminées sur le tableau de bord.
C) De nouvelles connexions entre les romans et les jeux
Seulement, les développeurs de Kheops Studio ne se contentent pas d’inventer un monde sélénite dans les moindres détails. Ils poussent au maximum la logique de l’histoire alternative en imaginant également de nouvelles connexions entre les romans de Jules Verne et donc, par extension, entre plusieurs de leurs propres jeux.
A la fin du Voyage au cœur de la Lune, Michel Ardan retourne sur Terre. Au terme d’une scène cinématique en trois dimensions, le joueur voit l’aventurier français atterrir sur une île. Alors qu’Ardan sort de son obus, une voix-off précise que l’île sur laquelle il vient d’atterrir n’est figurée sur aucune carte. Il s’agit de l’Ile Lincoln du roman L’île mystérieuse. Sur la plage, à peine sorti du projectile, l’ancien astronaute fait la rencontre du capitaine Nemo.
Jules Verne était un romancier qui avait le souci de la cohérence[5]. Il n’est pas rare de retrouver certains personnages dans plusieurs romans, chacun ayant évolué depuis la précédente apparition. Par exemple, à la fin de Vingt mille lieues sous les mers, le lecteur ne sait pas si le capitaine Nemo est mort dans le maelström géant qui clôt le récit ou s’il a survécu. Ce n’est que quelques années plus tard, avec la sortie de L’Ile mystérieuse, que Jules Verne reprend son personnage pour lui donner une fin et expliquer ses motivations passées. Le roman donne également une suite au récit Les Voyages du capitaine Hatteras en contant la vie de reclus du personnage d’Ayrton.

Maelstrom
En imaginant une connexion entre les jeux Voyage au cœur de la Lune et Retour sur l’île mystérieuse, Kheops Studio reprend à son compte le procédé de Jules Verne. Les développeurs créent des liens entre leurs propres productions, tissant au fur et à mesure un univers cohérent. On apprend d’ailleurs dans Retour sur l’île mystérieuse 2 que l’arrivée de Michel Ardan sur l’île Lincoln est chronologiquement antérieure à celle de Mina.
Le parti pris de l’histoire alternative permet à certains jeux vidéo de s’appuyer sur les récits de Jules Verne pour en explorer les zones d’ombre. Seulement, l’histoire alternative peut également prendre la forme d’une histoire parallèle se déroulant à côté d’une aventure du romancier.

[1] « Or, si Barbicane fut un grand fondeur de projectiles, Nicholl fut un grand forgeur de plaques. L’un fondait nuit et jour à Baltimore, et l’autre forgeait jour et nuit à Philadelphie. Chacun suivait un courant d’idées essentiellement opposé », VERNE, Jules, De la Terre à la Lune, trajet direct en 97 heures, Paris, Hetzel, 1879, disponible en ligne : http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k63212g/f110.image.r=rivalit%C3%A9, p.102-103

[2] Annexe 5, p.83

[3] Voici la liste des fruits lunaires trouvables dans le jeu : Méphitia (fruit jaune), Strangulica (fruit vert), Voracia (fruit bleu), Sagittaria (fruit violet), Gladiata (fruit rouge) et raisin lunaire (hybridation d’une vigne terrestre et d’un terreau lunaire)

[4] Voici un résumé des effets produits par la confection de compotes : Mephitia + Strangulica = rapidité accrue / Voracia + Mephitia = vision verte / Voracia + Gladiata = vision violette / Strangulica + Sagittaria = compote comestible / Sagittaria + Gladiata = compote comestible / Voracia + Raisin Lunaire = ivresse

[5] « Il est évident que chacun des Voyages extraordinaires peut se lire de manière indépendante. Mais l’auteur a le souci de bâtir un ensemble cohérent. Entre chaque roman, des liens discrets ou explicites se tissent (retour de personnages, autoréférences, allusions, variations, etc.). », COMPERE, Daniel, Les Voyages extraordinaires de Jules Verne : analyse de l’œuvre, Paris, Pocket, « Les guides Pocket classiques », 2003, p.10

Comme chaque week-end, une petite révision. Cette fois-ci, on vous propose un film portant sur les jeux vidéo. Il ne s'agit pas de l'adaptation d'une licence mais d'une fiction, type science-fiction, se basant sur une vision personnelle (on va dire ça comme ça) des jeux vidéo. Entre le nanar et le navet, le film du week-end, pour rigoler un bon coup.

A vouloir regarder toutes les productions filmiques se rapprochant peu ou prou du jeu vidéo, je m’inflige fatalement quelques ratés. C’est le cas de cette punition consentie portant le doux nom d’Ultimate Game. Insupportable navet, tirant fébrilement vers le nanar, cette nouvelle tentative du cinéma lorgnant vers le média interactif n’arrive jamais à séduire. Au contraire, elle surenchérit et tombe bien souvent dans le grossier.

La suite : http://levelfive.fr/index.php?option=com_content&view=article&id=115:film-ultimate-game-mark-neveldine-et-brian-taylor&catid=38:films&Itemid=30

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Ci-dessous, l'article version Gamekyo. Néanmoins, pour un confort optimal de lecture, optez pour les liens ci-dessus.

A vouloir regarder toutes les productions filmiques se rapprochant peu ou prou du jeu vidéo, je m’inflige fatalement quelques ratés. C’est le cas de cette punition consentie portant le doux nom d’Ultimate Game. Insupportable navet, tirant fébrilement vers le nanar, cette nouvelle tentative du cinéma lorgnant vers le média interactif n’arrive jamais à séduire. Au contraire, elle surenchérit et tombe bien souvent dans le grossier.

"Je préfère rester discret, avec un tel film dans ma filmo je risque d'être grillé"



I) Les jeux vidéo, c’est trop violent

Le film commence par une grosse scène d’action, ça tire de partout, ça explose, ça flingue, ça bouge. On ne comprend pas grand-chose mais c’est fait exprès, pour faire jeune me dit-on, coller à l’esprit « jeux vidéo ». D’ailleurs, c’est le cas de toutes les scènes d’action qui suivront. Issues du même moule, jamais motivées, elles apparaissent comme une belle phrase dans un paragraphe de Marc Levy. L’incongruité la plus totale en somme.

Enfin un film défendant subtilement les jeux vidéo

Bref, voilà la première image que nous proposent les réalisateurs des jeux vidéo. Une bonne grosse caricature d’un Left 4 Dead ou d’un MAG. Réussir à caricaturer et rendre encore plus simplistes des jeux qui sont pourtant ce qu’il y a de plus simple à comprendre (pas à maîtriser, attention)…il fallait oser.

Une intégration du virtuel au réel tout en finesse

Le gamer dans toute sa splendeur

Seul moment intéressant dans cette vision proposée de notre média favori, une sorte de parodie des Sims. La copine du héros, qui est en fait un taulard condamné à mort qui cherche à sauver sa peau en jouant à un jeu vidéo tout ce qu’il y a de plus réel, se retrouve enrôlée dans « Society ». Version trash de la saga phare d’Electronic Arts. C’est gratuit, souriant mais ça ne va pas plus loin.

Les Sims version trash

Le seul "plan nichon" du film
II) Un scénario exceptionnel

Je vous la fais courte comme dirait l’autre, en même temps c’est difficile de faire un essai universitaire doublé de colloques type Sorbonne pour un tel film. Nous sommes dans un futur proche, tellement proche qu’on dirait le présent, un monde impitoyable où un type, Ken Castle (Michael C.Hall, autrement dit le Dexter de la série du même nom) est une super star. Pourquoi ? Parce qu’il est développeur pardi ! Il a inventé le jeu vidéo réel. Après Society dont j’ai parlé plus haut, le bonhomme a créé Slayer, le MAG du pauvre.

Michael C.Hall qui cabotine un peu

beaucoup même...

...et c'est peu dire

En clair, des humains se retrouvent dans des arènes qui ressemblent à s’y méprendre à des usines désaffectées situées en ex-URSS (probablement le lieu du tournage, c’est connu depuis les films de Jean-Claude Van Damme sortant directement en vidéo club, c’est pas cher), se tuent comme des gros bourrins pour arriver jusqu’à une sorte de checkpoint. Au bout de 18 victoires, le gagnant est gracié et peut reprendre une vie normale. Notez que l’on touche là le point culminant de la critique sociétale du film.

La vilaine jambe en plastique

Un homme arrive à se faire remarquer : Kable (Gerard Butler, le type de 300). Il est fort, brun, ténébreux et il serre les dents quand il tire. Bref, un vrai héros. Seulement, le méchant Castle veut le détruire parce que faut pas déconner il est pas gentil du tout. Si vous pensiez que les réalisateurs allaient développer une psychologie pour leurs personnages, vous vous trompez de film. On a d’un côté un gentil (serviable, séparé de sa femme et de sa brosse à dent), de l’autre le grand méchant (développeur sadique qui aime la violence, qui n’est pas du tout réglo et qui cabotine à mort).

"Dis-moi où est mon agent, j'ai deux mots à lui dire !"

Pour le joueur curieux, c’est clair, on se fout ouvertement de sa gueule. Les clichés s’enchaînent, les poncifs s’accumulent. Le jeu vidéo renvoie ici à un média crétin, bas du front…bref, une vision pour le moins elliptique d’un média à la production pourtant fortement hétérogène.

Après un bon tiers, le spectateur découvre un nouveau personnage, un jeune tout à fait lambda mais véritable crack en informatique qui se met à contrôler Kable. La vache, trop fun ! Il contrôle un vrai type en jouant. Un jeu vidéo avec des vrais gens, ça te fait plaisir non ? Non ? Ok. Du coup, on a le droit à des scènes tragi-comiques où le gosse fait des gestes que reproduit à la perfection Kable.

Le jeu vidéo du futur ou l'explicite pour les nuls

III) Des acteurs en roue libre, une conclusion à l’arrache

Le plus drôle dans le film, et c’est probablement cet aspect là qui fait penser que, peut-être, un jour Ultimate Game sera considéré comme un nanar, le plus drôle donc ce sont les acteurs. Gérard Butler, pourtant talentueux dans 300, nous joue le monolithe de 2001, l’odyssée de l’espace en prenant des airs de brute épaisse quand quelqu’un lui parle ou serre les dents le reste du temps. Castle, probablement heureux de sortir de sa série, cabotine comme un dingue à chaque apparition. C’est bien simple, Dexter est en roue libre du début à la fin. Et puis, c’est sans compter sur les méchants, en particulier le gros black qui en veut à Kable (on ne saura jamais pourquoi) et qui souffle comme un buffle et lance des regards de gars pas très content.

"Moi aussi je sais cabotiner"

Des acteurs au top de leur forme

Bref, ça joue mal mais surtout ça manque de charisme. Mention spéciale pour la « résistance ». Les gars qui cherchent à parasiter la puissance montante de Castle forment une belle équipe de bras cassés. Un noir chétif, une blanche avec des dread locks et un asiatique qui joue tranquillement le cliché de l’informaticien. En gros, c’est Benetton qui va sauver le monde, il ne manque que l’incrustation du logo.

Un leader à n'en pas douter

La "roots" du lot

Avec l'asiatique on tient là la fine fleure de la résistance (si, si !)

Conclusion

Avec son esthétique putassière, un traitement des jeux vidéo lourdingue et à peine digne d’un ado fan des pires bessonades, Ultimate Game constitue un navet de choix. Raté de bout en bout, la vision de ce long métrage trouve malgré tout quelques moments de grâce du fait d’une ou deux scènes bien senties et surtout d’acteurs à la médiocrité hallucinante cabotinant intensément. Les deux réalisateurs, pourtant auteurs des deux très bons Hyper Tension (1 et 2), perdent leur talent en passant de l’humour bas du front au sérieux quasi absolu. C’est ce qu’on appelle un beau raté.