L'histoire
Maximus Decimus Meridius est un grand général Romain ayant conduit les Armées de l'Empereur Marc-Aurèle à de nombreuses victoires. Ce dernier, en fin de vie, apprend en privé à Maximus qu'il souhaite lui laisser le pouvoir à sa mort, le préférant à son fils Commode. Lorsque ce dernier l'apprend, avant l'annonce officielle, il tue son père pour que cette annonce n'ait jamais lieu, et devient ainsi le nouvel Empereur. Bien que la cause officielle du décès de l'Empereur soit la vieillesse, Maximus comprend immédiatement qu'il a été assassiné par Commode. C'est pourquoi, lorsque celui-ci lui offre de le servir comme il a servi son père, Maximus refuse. Commode le fait donc exécuter, avec toute sa famille. Cependant, Maximus réussit à déjouer l'exécution et fuit. Ayant vu sa femme et son fils morts, sauvagement assassinés par des envoyés de Commode, il s'effondre et perd conscience. Il est récupéré par des vendeurs d'esclaves et remis sur pied, puis vendu comme gladiateur. C'est ainsi qu'il regagnera progressivement du pouvoir, dans l'espoir de retourner à Rome et se venger du jeune Empereur.


* Réalisation : Ridley Scott
* Budget : 103 millions de dollars
* Musique : Hans Zimmer
* Pays d'origine : États-Unis
* Genre : Péplum
* Durée : 155 minutes / 171 minutes (version longue)
* Dates de sortie : 1er mai 2000 (première à Los Angeles), 5 mai 2000 (États-Unis), 20 juin 2000 (France),

Le tournage
Il s'est déroulé dans quatre pays et sur trois saisons. Pour Branko Lustig (producteur) : « C'est un peu comme si nous avions tourné quatre films puisqu'il a fallu coordonner les efforts de quatre équipes : la première, qui se déplaçait d'extérieur en extérieur, et les trois autres, qui opéraient respectivement à Londres, Malte et au Maroc. »
« Notre objectif commun se résuma à un mot : « authenticité » souligne Ridley Scott. « Nous n'avions aucunement l'intention de tourner un documentaire archéologique, mais nous tenions à restituer fidèlement l'esprit du temps. J'ai disposé pour cela d'une excellente équipe qui s'est documentée et rendue sur place. Ils ont accompli un travail extraordinaire : on respire l'ambiance de la ville, de l'arène, on se sent transporté à l'époque romaine. »



En + :

-Afin de garantir la sécurité des acteurs du film, la production engagea Nicholas Powell, qui avait déjà réglé les scènes de bataille de Braveheart. « Ridley souhaitait filmer les joutes en plans rapprochés pour leur conférer un maximum d'impact visuel, ce qui augmentait nécessairement le facteur risque. Il a fallu mettre au point une chorégraphie rigoureuse et maintenir nos gars en alerte afin qu'ils ne se relâchent à aucun moment, fût-ce à la dixième répétition. Une seconde d'inattention aurait pu entraîner de graves blessures. »

-Sorti en juin 2000, Gladiator de Ridley Scott doit beaucoup à La Chute de l'Empire romain : même genre de héros, général de l'armée romaine avant sa disgrâce (Maximus dans Gladiator, Livius dans La Chute de l'Empire romain), même personnage (Commode et Marc Aurèle), même personnage féminin fragile et manipulateur (Lucilla dans Gladiator et Antonia dans La Chute de l'Empire romain, et même genre de scènes, avec le défilé des troupes et le duel final.



Citation
- * Mon nom est Maximus Decimus Meredius, Commandant en Chef des Armées du Nord, Général des Légions Felix, fidèle serviteur du vrai Empereur Marc Aurèle, Père d'un fils assassiné, époux d'une femme assassinée, et j'aurai ma vengeance, dans cette vie ou dans l'autre.

Sources : Wikipédia , Allociné , Purciné

Un article qui VOUS est destiné puisque je vous demande aujourd'hui quel est votre film préféré!
Ces sondages qui seront publiés entre deux fiches de films vous permettra de partager votre passion pour le cinéma avec les autres membres du site. Du meilleur scénario à la meilleure bande-son , tous les sondages porteront bien sur sur le cinéma.

Premier sondage :

Titre original : Some Like it Hot
Réalisation : Billy Wilder
Pays : États-Unis
Durée : 116 min
Date de la sortie américaine : 29 mars 1959

L'histoire

Deux musiciens de jazz au chômage, mêlés involontairement à un règlement de comptes entre gangsters, se transforment en musiciennes pour leur échapper. Ils partent en Floride avec un orchestre féminin. Ils tombent illico amoureux d'une ravissante et blonde créature, Alouette, qui veut épouser un milliardaire.




Pour peaufiner le tout, Wilder fait le choix incongru, mais totalement justifié, de tourner le film en noir et blanc afin de respecter l’esthétique de l’époque. Avant même que le tournage ne débute, Marilyn s’oppose à cette volonté, son contrat avec la Fox stipulant qu’elle ne tournerait que dans des films en couleur. Wilder insiste, prétextant que le maquillage de Curtis et Lemmon passera mieux à l’écran si le film est en noir et blanc. Marilyn accepte de faire une entorse à son contrat. Le résultat est sublime. L’image est lumineuse. Sur un rythme soutenu accompagné par un jazz très hot, Wilder filme mieux que personne les corps de ses acteurs, leur donnant une plus grande part de crédibilité. Chaque scène se pose comme une véritable leçon de cinéma. Au final, le film est nommé six fois aux Oscars: meilleur acteur pour Jack Lemmon, meilleurs décors, meilleurs costumes et meilleure photo pour un film en noir et blanc, meilleur réalisateur, meilleur scénario. Malheureusement, cette année là, se trouve face à eux la machine de guerre Ben Hur, qui rafle tout. Certains l’aiment chaud se contente du prix des meilleurs costumes pour un film en noir et blanc.




Si Certains l’aiment chaud est devenu un classique hollywoodien ayant traversé près de cinquante années sans prendre une seule ride, c’est avant tout grâce à son mode de narration et son esthétique. En effet, Billy Wilder a construit son scénario selon les recettes miracles hollywoodiennes: il fait baigner son film dans l’idée de sexe et y ajoute accessoirement une petite pointe de danger de mort, le tout traité sur le ton de la comédie. L’idée est mise en place dès le début de la campagne de promotion du film. En plus du jeu de mot du titre, Some like it hot, qui préfigure non seulement un film enflammé au niveau du rythme, mais également sexuellement, la bande-annonce clame fièrement: You’ve never laughed so much at sex … or a picture about it.. De plus, Wilder parsème son film de petits détails propres à la narration classique hollywoodienne, comme par exemple le fait de laisser aux spectateurs la possibilité de formuler des hypothèses sur la suite de celui-ci. Puisque Joe est saxo tenor, Sugar va-t-elle tomber amoureuse de lui? L’intérêt de tout ceci étant de savoir comment Billy Wilder va rendre ces hypothèses possibles. Sans être totalement prévisibles, les rebondissements sont amenés aux spectateurs de façon subtile, afin qu’ils se laissent prendre au jeu de la découverte. Du grand art. A tout ceci, il ajoute des références succulentes aux films de gangsters des années trente: de la parodie du massacre de la Saint-Valentin d’Al Capone à l’auto-référence de George Raft (inventeur du oss coin comme gimmick propre aux mafieux, se moquant d’un de ses sous-fifres qui joue avec une pièce de monnaie), en passant par le nom de Little Bonaparte, ersatz du célèbre Little Caesar interprété en 1931 par Edward G. Robinson.



Pour peaufiner le tout, Wilder fait le choix incongru, mais totalement justifié, de tourner le film en noir et blanc afin de respecter l’esthétique de l’époque. Avant même que le tournage ne débute, Marilyn s’oppose à cette volonté, son contrat avec la Fox stipulant qu’elle ne tournerait que dans des films en couleur. Wilder insiste, prétextant que le maquillage de Curtis et Lemmon passera mieux à l’écran si le film est en noir et blanc. Marilyn accepte de faire une entorse à son contrat. Le résultat est sublime. L’image est lumineuse. Sur un rythme soutenu accompagné par un jazz très hot, Wilder filme mieux que personne les corps de ses acteurs, leur donnant une plus grande part de crédibilité. Chaque scène se pose comme une véritable leçon de cinéma. Au final, le film est nommé six fois aux Oscars: meilleur acteur pour Jack Lemmon, meilleurs décors, meilleurs costumes et meilleure photo pour un film en noir et blanc, meilleur réalisateur, meilleur scénario. Malheureusement, cette année là, se trouve face à eux la machine de guerre Ben Hur, qui rafle tout. Certains l’aiment chaud se contente du prix des meilleurs costumes pour un film en noir et blanc.

En +

-L'avant-première ne laissa pas préjuger du succès futur du film. La femme du réalisateur, Audrey Wilder, confia ainsi à ce sujet : L'avant-première fut un désastre. Cela se passait dans un petit cinéma et personne n'a ri, sauf quelques amis. [...] En fait le public ne savait pas trop comment réagir, s'il pouvait rire ou pas.
Cette première impression fut toutefois vite dissipée : La projection suivante a eu lieu à Westwood devant un public plus averti et ils rirent tellement qu'on n'entendait plus le dialogue. Conséquence inattendue, la scène où Jack Lemmon annonce qu'il est fiancé fut tournée à nouveau, à un rythme plus lent, afin de remédier à cette situation !

-Si la présence de Marilyn Monroe joue un rôle important dans l'attrait de Certains l'aiment chaud, elle constitua un véritable casse-tête lors du tournage : elle n'arrivait en effet que très difficilement à retenir ses répliques. Dans certains cas, il lui fallut jusqu'à 59 prises ! Billy Wilder se résigna donc à employer les grands moyens : selon les cas, il ecrivit la réplique sur une ardoise tenue hors du champs de la caméra, où sur un papier collé à un endroit discret du décor...
A ce sujet, Jack Lemmon aurait même confié : Je me réveille en nage au beau milieu de la nuit, après avoir rêvé qu'on en est à la cinquante-cinquième prise, que Marilyn vient enfin de passer sa réplique et que j'ai bafouillé...

-Marilyn Monroe voulait que le film soit en couleur, mais Billy Wilder réussit à la convaincre de tourner en noir et blanc, des test ayant révélé que le maquillage porté par Tony Curtis et Jack Lemmon rendait leur visage légèrement verdâtre.

-Une remarque que Tony Curtis aurait faite en aparté lors du visionnement de rushes a fait le tour du monde. Exaspéré par les retards incessants de Marilyn Monroe ainsi que son manque de sûreté dans le travail et les nombreuses prises à effectuer, Curtis aurait commenté qu'« embrasser Marilyn Monroe, c’était comme embrasser Hitler. » Propos formellement démentis par l’intéressé, à plusieurs reprises, notamment dans un reportage sur le film tourné en 2001 pour les besoins de sa sortie DVD.



Sources : FilmdeCulte , Allociné , Wikipédia

Production : Walt Disney Pictures
Budget : 1.488.000 $US
Format : Couleurs - 1,37:1 - Mono (RCA Sound Recording)
Durée : 83 minutes
Dates de sortie : États-Unis : 21 décembre 1937 ; France : 4 mai 1938


Blanche Neige et les 7 nains est le 1e long-métrage d'animation et Classique des studios Disney. Sorti le 21 décembre 1937 au Carthay Circle Theater d'Hollywood, il est adpaté du conte-éponyme des frères Grimm paru en 1812.

Contrairement aux idées reçues, Blanche Neige et les 7 nains n'est pas le premier long-métrage d'animation de l'histoire du cinéma. Déjà en 1917, le cinéaste argentin Don Frederico Valle réalisa un film muet de 60 minutes intitulé El Apóstol. Quirino Cristiani réalisa à son tour Peludópolis (1931), le premier dessin animé sonore en long métrage. Ces deux films argentins, ainsi que la production italienne de 1936, Les Aventures de Pinocchio, précèdent donc le classique de Disney. C'est en revanche le premier long-métrage d'animation au monde à la fois sonore et en couleurs. Disney réutilisa le procédé Technicolor qu'il avait acheté et employé en 1935, pour le court-métrage de la série Silly Symphonies, Flowers and Trees.



L'histoire

Blanche-Neige est une très jolie princesse. À la mort de sa première femme, le père de Blanche-Neige, voyant que sa fille a besoin d'une affection maternelle, se remarie. Quand le roi meurt, la marâtre montre alors sa véritable identité. Elle oblige alors la jeune princesse à faire les plus mauvaises tâches. La Reine, sentant qu'un jour la beauté de la jeune fille dépassera la sienne, donne l'ordre à son garde-chasse de la tuer.


N'ayant pas le courage d'exécuter la funeste directive de la Reine, il abandonne Blanche-Neige dans la forêt et offre à la reine le cœur d'une biche comme preuve de son crime. La princesse après une longue marche tombe d'épuisement. Les animaux de la forêt l'emmènent alors jusqu'à la maison des Sept Nains. À son réveil, elle fait la connaissance de Prof, Simplet, Grincheux, Joyeux, Dormeur, Timide et Atchoum. Mais le Miroir Magique de la méchante Reine lui révèle la présence de Blanche-Neige dans la forêt. Furieuse, elle boit alors une potion qui la transforme en vilaine sorcière, et profite de l'absence des Sept Nains pour convaincre la jeune ingénue de croquer dans une pomme empoisonnée. Surprise puis poursuivie par les Sept Nains, la méchante Reine tombe dans un ravin. Mais, il est déjà trop tard... Blanche Neige plonge dans un profond sommeil. Ses sept petits amis décident alors de faire reposer leur princesse dans un cercueil de verre. Un Prince, ébloui par la très grande beauté de la délicate endormie, lui dépose un tendre baiser sur les lèvres. Blanche-Neige ouvre alors les yeux et découvre « son » Prince.



En +

Le film nécessita quatre ans de préparation, deux ans de production, 800 kilomètres de papier pour plus de 2.000.000 de croquis et dessins, et utilisa des techniques issues des cartoons : le Technicolor, la caméra multiplane, le Rotoscope.

Sur les 25 chansons écrites pour le film, seules 8 furent intégrées dans la version finale.

Malgré un long travail, certaines scènes initialement prévues, ne furent pas intégrées au montage final (par exemple, la séquence où les nains construisent un lit pour Blanche-Neige ne fut jamais terminée ainsi que la scène chantée Music in Your Soup).

La gestuelle de Blanche-Neige durant sa danse avec les nains est calquée sur les prises de vues réelles de Marge Celeste Belcher, fille d'Ernest Belcher, un animateur du studio. Cette jeune danseuse engagée comme modèle épousa en 1937 Art Babbitt, un autre animateur du studio qui travailla sur le personnage de la Reine/Sorcière, mais elle ne connaîtra la gloire, sous le nom de Marge Champion, qu'après son second mariage avec le danseur/chorégraphe Gower Champion en 1947. Cette danse est reprise par Belle Marianne dans Robin des Bois (1973) lors de la fête dans la forêt de Sherwood.

Dans la version originale, c'est le cœur d'un porc (pig) que le chasseur met dans le coffret pout tromper la Reine et lui faire croire qu'il a tué Blanche-Neige... il s'agit du cœur d'une biche dans la version française.

Pour annoncer la ressortie en salle en avril 1944 du film, Walt Kelly dessina une histoire de 3 pages dans le journal Walt Disney's Comics & Stories n°43, histoire dans laquelle intervenait Donald.

Trois personnes sur cent connaissent les noms des 7 nains par cœur! Ils ont été retenus sur une liste de 50 noms potentiels tels que : Paresseux, Laideur, Sale, Sentimental et même Égocentrique... (Pour les quatre-vingt-dix-sept autres, rappelons que les noms des sept nains sont Simplet, Prof, Atchoum, Joyeux, Timide, Grincheux et Dormeur!)

On peut voir l'ombre de Blanche-Neige et des 7 nains dans le film d'animation Le Roi Lion 3 : Hakuna Matata (The Lion King 1½).

La chanson Someday my prince will come est devenue un standard de jazz interprété, entre autres, par Miles Davis.

En France, les chansons ont connu un succès phénoménal dès leur sortie grâce aux enregistrements d'Elyane Célis (Blanche-Neige) et de Ray Ventura et ses Collégiens.

Dans le jeu vidéo Kingdom Hearts, Blanche-Neige est une des Princess of Heart.



Sources : Wikipedia , Ultimate Disney

CinéStation vous propose de réaliser la fiche de votre film préféré ! Que ce soit un long métrage , un film d'animation , ancien ou récent , il n'y aura aucun refus.
Pour cela , il vous suffit juste de laisser un commentaire avec le nom du film de votre choix , puis sa fiche sera crée sur le blog.

Bonne soirée et merci de votre visite sur CinéStation

Hollywood est le nom donné à la partie nord-ouest de la région de Los Angeles, Californie, aux États-Unis d'Amérique. Hollywood a donné son nom à un quartier de Los Angeles, et s'étend sur les villes voisines de West Hollywood, Beverly Hills et Burbank. Sa population est estimée à environ 300 000 habitants.

Le quartier est réputée pour ses studios de cinéma, les sièges sociaux des grands groupes de cinématographie et pour être le lieu principal de résidence de nombreuses stars. En 1911, Nestor Studios est le premier studio de cinéma à s'installer à Hollywood.

Le mot Hollywood fait souvent référence à l'industrie cinématographique américaine prise dans son ensemble, compte tenu de la concentration qui fit ici la fortune de la mégalopole. Cette association est cependant réductrice pour un cinéma américain qui revendique également des réalisateurs de la côte Est qui ne soient pas affiliés à cette industrie des images.



Dans les années 1880 , Henderson Wilcox du Kansas, qui a fait fortune dans l'immobilier bien qu'il ait perdu l'usage de ses jambes à cause de la fièvre typhoïde, et sa femme Daeida, décident de déménager depuis Topeka jusqu'à Los Angeles. En 1886, Wilcox achète 0,6 km² de terre dans la campagne à l'ouest de la ville, sur les contreforts de la Passe de Cahuenga. C'est Daeida Wilcox qui choisit le nom de la propriété, Hollywood, en faisant référence à une colonie d'immigrants allemands nommée Hollywood située dans l'Ohio, dont elle a eu connaissance en discutant avec une femme qui y habite, lors d'un voyage en train vers l'est. La sonorité du mot lui plaisant, elle appelle le ranch ainsi.

Harvey Wilcox crée peu de temps après une carte de la ville, qu'il complète avec les autorités du comté le 1er février 1887: c'est la première fois que le nom d'Hollywood apparaît officiellement. Avec sa femme comme conseillère, il trace Prospect Avenue (aujourd'hui Hollywood Boulevard) comme rue principale, la bordant comme les autres avenues de toyons; puis commence à vendre le terrain par lots. Daeida lève des fonds pour construire deux églises, une école et une bibliothèque. Ils importent quelques houx anglais pour essayer de donner une raison au nom de la ville, mais les buissons ne s'acclimatent pas et ce projet est abandonné.

En 1900, Hollywood a un bureau de poste, son propre journal, un hôtel et deux marchés, servant une population d'environ 500 personnes. Los Angeles, dont la population est de 100 000 habitants à cette époque, se situe à 11 km à l'est d'Hollywood, et les deux villes sont séparées par des cultures d'agrumes. Une ligne de tramway unique partant de Prospect Avenue rejoint Los Angeles, mais le service est inconstant et le voyage prend deux heures. La situation est par la suite améliorée avec la reconversion d'un hangar en écurie.

C'est en 1902 qu'ouvre le célèbre Hollywood Hotel, sur le côté ouest de Highland Avenue, et en face de Prospect Avenue. Cette route, jusqu'alors sale et non-pavée, est rendue carrossable par la suite. L'année suivante, la ville s'incorpore en municipalité. En 1904 un nouveau tramway apparaît qui diminue radicalement le temps de voyage jusqu'à Los Angeles et dont le nom, The Hollywood Boulevard, va être l'un des facteurs du renommage de Prospect Avenue. L'autre est l'annexion de la ville à Los Angeles. En effet, en 1910, les conseillers votent l'annexion à Los Angeles surtout dans le but de profiter du système d'approvisionnement en eau efficace de la ville. Celle-ci vient en effet d'ouvrir l'Aqueduc de Los Angeles. Une autre raison de ce vote est l'accès au système d'égouts de Los Angeles. Ainsi, à travers cette annexion, le nom de Prospect Avenue est changé pour celui de Hollywood Boulevard, ce qui cause en même temps la modification de tous les numéros de rues du nouveau quartier. Par exemple, 100 Prospect Avenue, sur Vermont Avenue, devint 6400 Hollywood Boulevard; et 100 Cahuenga Boulevard, sur Hollywood Boulevard, devint 1700 Cahuenga Boulevard.



Hollywood Sign :

L'image qui caractérise le plus le quartier est une colline à l'ouest (le Mont Lee) de Los Angeles affublée de gigantesques lettres formant le nom de HOLLYWOOD. Il s'agissait à l'origine d'un panneau publicitaire, érigé en 1923 par des promoteurs immobiliers. Le panneau original, « Hollywoodland », qui était laissé à l'abandon, a été restauré en 1949 par la Chambre de Commerce de Hollywood et a perdu à cette occasion ses quatre dernières lettres.

Coordonnées : 34°08'02.5N, 118°19'18W

Altitude : 478 mètres

Une tradition romantique et suicidaire poussa quelques artistes, qui se perçoivent maudits par le complexe médiatique broyeur de carrières, à se jeter du haut du Hollywood Sign, face à la cité des anges.

Prochain dossier : Sunset Boulevard...

Sources : Wikipedia , Streets of Los Angeles

* Titre : Nosferatu le vampire
* Titre original : Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
* Scénario : Henrik Galeen, d'après le roman de Bram Stoker Dracula
* Photographie : Fritz Arno Wagner
* Décors et costumes : Albin Grau
* Musique (selon version) : Hans Herdmann, P. Schirmann
* Production : Prana Film Berlin GmbH
* Genre : horreur
* 5 actes
* Format : N&B - 1,33:1
* Durée : 72 min (soit 1967 m)
* Première 6 aout 1922

L'histoire
Thomas Hutter, jeune agent immobilier part pour les Carpates, dans le château du Comte Orlock pour lui vendre une maison. Celui-ci le mord à plusieurs reprises. Embarqué sur un voilier, Nosferatu débarque là où habite Ellen, la bien-aimée de Thomas. La femme se sacrifiera et offrira son sang au démon afin de l'attirer et le piéger jusqu'au lever du jour.


En +
* Ce film est la première adaptation cinématographique du livre Dracula, de Bram Stoker, ainsi que le premier film traitant du thème du vampire.
* La femme de Bram Stoker ayant refusé d'attribuer les droits du chef d'œuvre de son mari, récemment décédé, contraignit le réalisateur à appeler son film Nosferatu. La signification originelle du mot
osferatu est difficile à déterminer. Il est devenu populaire grâce au roman de Bram Stoker et ce dernier l'a trouvé dans un ouvrage de l'écrivain anglais Emily Gerard. Selon une étymologie populaire, nosferatu proviendrait du roumain
u sfîrşitul qui signifie le non fini, c'est-à-dire le non-mort, le mort-vivant. Il est possible que ce nom ait été influencé par le grec nosophoros, signifiant ransporteur de maladie.
* Cette première version a fait l'objet d'un remake spécifique : Nosferatu, fantôme de la nuit de Werner Herzog, en 1979, avec Klaus Kinski, Isabelle Adjani et Bruno Ganz.
* En 2000, E. Elias Merhige réalise une adaptation romancée de la réalisation de Nosferatu sous le titre L'Ombre du vampire (Shadow of the vampire). Il reprend notamment la légende selon laquelle l'acteur incarnant Nosferatu, Max Schreck, était un authentique vampire.
* L'influence de Murnau sur le film de vampire est énorme. Dans son film, son vampire est détruit à la lumière du jour, alors que dans le roman de Bram Stoker, le comte Dracula se ballade en plein jour. Depuis ce film, la lumière du jour est synonyme de mort pour un vampire.

Extrait


Sources : Wikipédia

Date de sortie : 13 Juillet 2005
Réalisé par Tim Burton
Avec Johnny Depp, Freddie Highmore, Annasophia Robb
Film américain.
Genre : Comédie, Fantastique
Durée : 1h 56min.
Année de production : 2004
Titre original : Charlie and the Chocolate Factory
Distribué par Warner Bros. France


L’histoire :

Charlie est un enfant issu dune famille pauvre. Travaillant pour subvenir aux besoins des siens, il doit économiser chaque penny, et ne peut soffrir les friandises dont raffolent les enfants de son âge. Pour obtenir son comptant de sucreries, il participe à un concours organisé par linquiétant Willy Wonka, le propriétaire de la fabrique de chocolat de la ville. Celui qui découvrira lun des cinq tickets dor que Wonka a caché dans les barres de chocolat de sa fabrication gagnera une vie de sucreries


En + :

Adapté dun classique littérature
Charlie et la chocolaterie est ladaptation cinématographique du classique de la littérature enfantine Charlie and the Chocolate Factory, écrit en 1964 par Roald Dahl. Vendu à plus de 13 millions dexemplaires à travers le monde, le livre a été traduit dans pas moins de 32 langues.

Charlie au cinéma : deuxième !
Le Charlie et la chocolaterie de Tim Burton est la seconde adaptation cinématographique du roman de Roald Dahl. En 1971, Mel Stuart signait son Charlie et la chocolaterie, avec Gene Wilder dans le rôle de Willy Wonka et Peter Ostrum dans celui de Charlie Bucket.

Burton et Depp puissance 4 !
Charlie et la chocolaterie marque la quatrième collaboration du réalisateur Tim Burton et de lacteur Johnny Depp, après Edward aux mains dargent (1990), Ed Wood (1994) et Sleepy Hollow, la légende du cavalier sans tête (1999). Une fructueuse coopération qui se chiffre même à cinq unités, si lon prend en compte le fait que Johnny Depp a prêté sa voix au personnage principal des Noces funèbres, film danimation co-réalisé et produit par Burton.

Le réalisateur




Après des études à la California Institute of the Arts, Tim Burton débute chez Disney dans les années 70, collaborant à l'animation de plusieurs dessins animés, dont Rox et Rouky. Après cette expérience, il débute dans la réalisation avec deux courts métrages, l'un d'animation (Vincent; 1982), l'autre de facture classique, Frankenweenie (1984), parodie revendiquée de Frankenstein et des films de la firme Hammer.

En 1985, Tim Burton réalise son premier long métrage, Pee Wee Big Adventure, qui plante déjà les bases d'un univers très personnel, où le fantastique le dispute à l'onirisme. Trois ans plus tard, il se révèle au grand public avec la comédie Beetlejuice, fable fantastico-macabre dans laquelle Michael Keaton incarne un exorciste totalement déjanté. Il retrouvera le comédien pour Batman (1988 ) et Batman, le défi (1991), le glissant sous le costume du célèbre homme chauve-souris et démontrant par la-même que son génie créatif peut aussi s'exprimer sur des films dits de commande.

Fidèle en amitiés professionnelles, Burton entame en 1990, par la romance fantastique Edward aux mains d'argent, une fructueuse collaboration avec Johnny Depp. Après avoir donné au comédien le rôle d'une invention humaine pourvue d'un coeur et de lames de métal en guise de doigts, le cinéaste ne cessera de lui offrir des prestations fortes et originales. Ainsi, Johnny Depp se glisse sous les traits du réalisateur de sériez Z Ed Wood (1994), fait tout pour percer le mystère d'un cavalier sans tête dans Sleepy Hollow (1999) et campe un inquiétant chocolatier dans Charlie et la chocolaterie (2005), adapté du livre pour enfants de Roald Dahl.

Tim Burton parvient parfois à s'affranchir du fantastique pur et d'un cinéma très personnel bâti au fil des ans. Il emprunte ainsi un ton plus parodique avec Mars Attacks! (1996), qui narre une invasion extra-terrestre aussi tragique que délirante, se penche sur l'exercice du remake avec La Planète des singes (2001), ou abandonne même toute excentricité avec la fable douce-amère Big fish (2003).

Considéré comme l'un des cinéastes les plus inventifs de sa génération, Tim Burton est également un producteur avisé, notamment dans le domaine du film d'animation fantastique (James et la pêche géante, L' Etrange Noël de M. Jack, Les Noces funèbres).


Edgar Allan Poe a fortement influencé Tim Burton.
L’attrait que le cinéaste éprouve pour lui provient d’une part de la découverte de l’œuvre du poète maudit lorsque Burton a 10 ans et, d’autre part, des films que Roger Corman a réalisés d’après l’œuvre de Poe. Il convient de préciser que Vincent Price, son idole, était la vedette principale de ce cycle.

Le scénario de L'Étrange Noël de Monsieur Jack a été rédigé à partir d'un poème Tim Burton. Cela renforce un peu plus le parallèle entre Burton et Poe, car son plus célèbre travail est un poème : Le Corbeau. De plus, les poèmes de Poe et de Burton servent à chaque fois de base à l’élaboration de leurs scénarios respectifs qui, certes respectent l’esprit des auteurs, mais reconnaissons-le, entraînent l’histoire dans une nouvelle direction. Le poème original de Poe est transformé en un véritable feu d’artifice visuel et burlesque entre Price, Karloff et Lorre, tandis que celui de Burton devient une comédie musicale mélancolique et macabre.

Marques de fabrique :
Tim Burton laisse sur chacune de ses œuvres plusieurs empreintes récurrentes, parmi lesquelles :

* Présence fréquente de chiens morts, de chats noirs, de clowns, de parapluies, d'arbres tordus, de représentants d'églises peu sympathiques et d'épouvantails dans ses films. De plus, présence quasi perpétuelle de morts dans ses films.
* Les crédits, au début du film, sont souvent présentés en travelling.
* Engage régulièrement certains acteurs : Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Michael Keaton, Jeffrey Jones, Jack Nicholson, Glenn Shadix, Deep Roy, Christopher Lee, Lisa Marie, Winona Ryder, Danny de Vito, Albert Finney et Paul Reubens.
* Ses travaux et son style sont influencés par l'artiste Edward Gorey, notamment au niveau de ses peintures à l'encre.
* Utilise souvent les ombres afin d'obtenir un rendu inquiétant.
* Ses personnages principaux ont tendance à être des individus solitaires, excentriques, timides, en marge de la société, souvent pâles et distants.
* Ses créations présentent un bon nombre de rayures noires et blanches et de spirales tordues.
* Ses films commencent souvent par des flocons de neige tombant la nuit, ou lorsque la fête commence (in medias res).
* Il s'inspire parfois du cinéma expressionniste allemand et de ses images exagérées.
* Sur la bande originale du film, il travaille essentiellement avec Danny Elfman (sauf pour Ed Wood, dont la musique est signée Howard Shore.
* Il insère souvent des références aux Kaijus Eiga dans ses films.
* Il a une prédilection pour les monstres de tous types : loup-garou dans Big Fish, le Pingouin et Catwoman dans Batman 2, une galerie complète dans L'Étrange Noël de Monsieur Jack...



Merci à Marios pour avoir composé cette fiche
Sources : Allociné , Wikipédia

Ce film fait partie de la Saga Pirates des Caraïbes
Date de sortie : 13 Août 2003
Réalisé par Gore Verbinski
Avec Johnny Depp, Geoffrey Rush, Orlando Bloom
Film américain.
Genre : Aventure, Fantastique, Action
Durée : 2h 20min.
Année de production : 2002
Titre original : Pirates of the Caribbean: The Curse Of The Black Pearl

L'histoire

Dans la mer des Caraïbes, au XVIIe siècle, Jack Sparrow, flibustier gentleman, voit sa vie idylle basculer le jour où son ennemi, le perfide capitaine Barbossa, lui vole son bateau, le Black Pearl, puis attaque la ville de Port Royal, enlevant au passage la très belle fille du gouverneur, Elizabeth Swann. Lami denfance de celle-ci, Will Turner, se joint à Jack pour se lancer aux trousses du capitaine.
Mais Will ignore quune malédiction frappe Barbossa et ses pirates. Lorsque la lune brille, ils se transforment en morts-vivants. Leur terrible sort ne prendra fin que le jour où le fabuleux trésor quils ont amassé sera restitué...



En +
La piraterie selon Verbinski
Gore Verbinski a immédiatement été séduit à lidée de mettre en chantier un film de pirates. Selon lui, la piraterie est un monde de liberté, de grands espaces et de mystères. Les sentiments y sont exacerbés, rebelles. Les pirates sont apparus à une époque doppression, où lon pouvait être pendu pour le vol dun simple morceau de pain. Dans ces conditions, quavaient-ils à perdre ? Pour moi, ce film parle de hors-la-loi qui ont un code dhonneur, dhommes libres qui nobéissent quà leur conscience et à aucun autre pouvoir. Aucun des personnages na voulu devenir pirate, la vie a fait deux ce quils sont. Pour mener leur existence et obtenir ce quils veulent, ils ont choisi un autre chemin.

Un réalisateur touche-à-tout :

Pirates de Caraïbes : la malédiction du Black Pearl est le quatrième long-métrage de Gore Verbinski. Avec ce film de pirates à grand spectacle, lAméricain prouve quil est définitivement à laise dans tous les registres, aussi différents soient-ils. Après la comédie burlesque La Souris en 1997, Verbinski sessaye à la comédie daction avec Le Mexicain, puis signe en 2003 le film dhorreur Le Cercle - the Ring, remake de Ring. Entre-temps, il sera venu prêter main forte à Simon Wells pour la réalisation de La Machine à explorer le temps - Time machine.

Le producteur Jerry Bruckheimer explique :

Le projet Pirates des Caraïbes : la malédiction du Black Pearl était parfait pour Gore parce quil valorise son humour et son grand sens de la narration. Il est aussi familier des effets visuels. Quelle que soit la contrainte technique, il ne perd jamais son histoire de vue. Cest un conteur avant tout. Il était comme un gamin avec ce projet, très pro dans le travail et complètement surexcité.

Le film en musique



Un grand Merci à Marios qui à proposé cette fiche.

Sources : Allociné

King-Kong, 1933, Ernest B.Schoedsack et Merian C.Cooper, Etats-Unis. Noir et Blanc. Son : Mono. Société : RCA.
Durée: 1h30 (Onze bobines).
Réalisateur : Ernest B.Schoedsack et Merian C.Cooper.
Interprètes : Fay Wray (Ann Darrow), Robert Armstrong (Charles Denahm), Frank Reicher (Englehorn), Bruce Cabot (Driscoll), Sam Hardy (Weston), Noble Johnson (Le chef indigène), Steve Clemento (le sorcier), James Flavin (Le lieutenant), Victor Wrong (Lumpy)...
Dates de sortie américaines : 2 Mars 1933 au Radio City Music Hall et au New Roxy de New-York et le 24 Mars 1933 au Grauman's Chinese Theatre à Hollywood.
Date de sortie française : 16 Septembre 1933 au Marivaux à Paris (en exclusivité pendant sept semaines). Doublage français dirigé par Jean de Limur.

King-Kong, un film de science-fiction ? Certainement pas puisqu'il ne correspond pas à la définition du thème, plutôt un film fantastique dans la plus pure tradition. Il n'est présent ici que pour deux raisons essentielles : les effets spéciaux, qui furent précurseurs de nombreux films, et comme film étalon, référence de toute une génération d'écrivains et de réalisateurs de SF. Ray Bradbury, entre autres, s'est dit particulièrement influencé par le film et l'on note de nombreux parallèles avec cette oeuvre dans tous les films SF des dernières années.
Le thème de la bête transposée de sa jungle natale vers un monde étranger semble éternel : La saga Alien (ou Predator) ne sont que des réécritures modernes... King-Kong reste le modèle des films de monstres qui ont suivi!



Le Film
Un soir d'Hiver aux docks d'Hoboken, un homme questionne un veilleur de nuit chargé de surveiller un mystérieux bateau. L'homme demande C'est bien le bateau du cinéma? . Le gardien lui apprend que c'est effectivement celui-ci et qu'il contient une importante cargaison d'explosifs.
L'homme est un impresario chargé de trouver une actrice pour le producteur et réalisateur Denham. Il revient bredouille car personne ne veut partir pendant plusieurs mois pour une destination inconnue!
Denham part alors seul à la recherche d'une actrice, il déniche une jeune fille qui tentait de voler une pomme à un marchand. C'est une figurante au chomage, il la convainc, sans mal, de partir pour un long voyage de plusieurs mois, c'est de l'argent, de l'aventure et la gloire...
L'adjoint du capitaine, Driscoll, commençe à s'intérésser à cette belle inconnue qui tourne un bout d'essai avec Denham. Ce dernier révèle bientôt les raison de son voyage : sur l'ile de Skull Island (l'ile du crâne), jusqu'alors inconnue des cartes de navigation, des indigènes vénèrent un dieu monstrueux que Denham voudrait bien filmer.

Arrivés sur l'ile, toute l'équipe du film, accompagnée de Driscoll et de quelques marins, sème le trouble dans la fête indigène qui a lieu. Le chef du village se fache mais finit par se calmer à la vue de Ann Darrow, la comédienne aux cheveux d'or, qu'il veut finalement acheter... L'équipe du tournage finit par se retirer mais Ann est capturée par les indigènes durant la nuit.

Elle est attachée à un autel derrière une imposante muraille de pierres pour être offerte au Dieu Kong. Au moment où Driscoll et quelques hommes arrivent pour la secourir, un singe monstrueux de vingt mètres de haut vient s'emparer de la belle et l'emporte au coeur de la forêt. Une équipe part à sa recherche en suivant les traces laissées par le singe gigantesque. Durant leur quête, ils sont ataqués par des dinosaures et les survivants ne doivent la vie que grace aux grenades à gaz qu'ils ont emporté. Les hommes traversant une gorge profonde sur un pont formé par un tronc d'arbre abattu, Kong va secouer l'arbre pour les faire tomber dans le précipice. Seul Driscoll échappe de justesse à l'hécatombe en se cachant dans une grotte.

Le singe géant emporte l'inconnue dans son repaire, suivi de Driscoll... Pendant une bataille qui oppose Kong à un ptérodactyle, Driscoll profite de la diversion pour sauver Ann et la ramène au village indigène. Furieux, le singe géant s'aperçoit de la fuite de sa belle captive et retourne au village, force les portes, et décime la population du village. Finalement, la folie furieuse du géant est stoppée sur la plage par les grenades à gaz de l'expédition... Denham saisit l'occasion pour le faire transporter sur le bateau, enchainé...

A New-York, le singe est présenté comme la huitième merveille du monde dans un grand théatre. Des milliers de personnes se pressent le soir de la première où il est présenté avec l'équipe qui l'a capturé. Au moment où Ann et Driscoll officialise leur mariage, Kong devient furieux et brise ses chaines semant la panique dans le théatre et dans la ville. Il renverse voitures, métro et part à la recherche de Ann, balayant tout sur son passage!

Driscoll et Ann se réfugient au dernier étage d'un hôtel, Kong ne tarde pas à les retrouver et passe sa main par la fenêtre de la chambre pour s'emparer de la belle. Il l'emporte bien vite vers le plus haut sommet de la ville : le gratte-ciel de l'Empire State Building. Impuissants, la police fait finalement appel à une escadrille de chasseurs de combat qui lui tire dessus à la mitrailleuse. Le singe a juste le temps de poser Ann sur une corniche avant de tomber au sol, criblé de balles. Denham arrive sur la dépouille du géant abattu et déclare : Ce ne sont pas les balles qui l'ont tué : c'est la belle qui a tué la bête.



Que reste-t-il du film près de 70 ans plus tard ? Au delà de la simplicité de l'action, il faut rendre un hommage aux effets spéciaux novateurs et à un film sans temps morts, préfigurant l'action non-stop des années 80, puis 90... Ce n'est pas au détriment du poésie narrative trés présente magnifiée par le noir et blanc, mais l'on peut être également charmé par la version colorisée, qui constitue une superbe collection de tableaux chromatiques...

King-Kong reste une succession d'effets spéciaux époustouflants, ponctués par des scènes de pur sadisme, pouvant certainement choquer à l'époque, l'écrasement des indigènes, les marins, les indigènes puis le New-Yorkais machés par Kong. Opposée à ces effets gore , la plus totale poésie apparaît à d'autres moments : le déshabillage de la belle par la bête ou l'escalade et la chute du singe géant de l'Empire State Building, symbole ultime -et phallique- de l'Amérique et du monde occidental dans les années 30.

Et en France?
La sortie française du film est plus controversée : une première a lieu le samedi 9 Septembre 1933 à 9h30 au Marivaux Pathé Nathan pour les exploitants et la presse. Le film est jugé trop simpliste, le film ne sera pas diffusé dans les grands circuits traditionnels... Le film est tronqué de sa première bobine, car l'arrivée du monstre est jugée trop longue.

La censure s'en prend même au film : King-Kong est un film dangereux pour les enfants , il est interdit aux moin de 13 ans. La critique est quasiment unanime pour descendre le film aux enfers : ...il aurait fallu un homme de plus de talent pour nuancer ces tableaux de cauchemar... le sujet est d'une candeur enfantine, car les auteurs ont évité au récit tout ce qui pouvait apporter un élément de pensée intéréssant . Nous sommes en présence d'un conte puéril, à l'échelle de la mentalité américaine, qui ne s'embarasse pas de soucis de philiosophie ou d'ironie , déclarait Emile Vuillermoz dans Le temps daté du 23 Septembre 1933. D'autres comme Jean Wahl dans Pou Vous , revue de cinéma terminait son article par Je ne crois pas que King-Kong créé de l'angoisse , inspire la peur ou l'émotion, c'est une curiosité photographique .La censure s'en prend même au film : King-Kong est un film dangereux pour les enfants , il est interdit aux moins de 13 ans. La critique est quasiment unanime pour descendre le film aux enfers : ...il aurait fallu un homme de plus de talent pour nuancer ces tableaux de cauchemar... le sujet est d'une candeur enfantine, car les auteurs ont évité au récit tout ce qui pouvait apporter un élément de pensée intéréssant . Nous sommes en présence d'un conte puéril, à l'échelle de la mentalité américaine, qui ne s'embarasse pas de soucis de philiosophie ou d'ironie , déclarait Emile Vuillermoz dans Le temps daté du 23 Septembre 1933.



La Production 601
La Production 601, tel était le nom de code du tournage de King Kong dans la production de la RKO. Le film a entièrement été tourné dans le studios RKO-Pathé à Culver City. Il comprenait onze plateaux. L'un des décors les plus impressionnants était celui de Skull Island. Il s'agissait en fait d'un décor déja utilisé dans Le roi des rois et représentant la ville de Jérusalem! Le mur d'enceinte fut recouvert de sculptures indigènes et appareillé d'une végétation. Au centre, une lourde porte en bois de deux battants fut installée et les piliers du temple de Jérusalem furent recouverts de mousse et de lierre puis transformés en ruines...

De même pour le village, qui avait déja été utilisé pour L'oiseau de paradis de King Vidor.
Les seuls éléments de Kong construits à leur taille réelle étaient un bras géant articulé avec une main, ainsi qu'une jambe et un pied. Pour le buste, il fallut quarante peaux d'ours et trois hommes pilotaient cet ensemble articulé. A la sortie du film, les plus folles rumeurs courèrent : King-Kong n'était qu'un humain sous une peau de singe, ou King-Kong est un singe réel de 3 mètres de haut! D'autres critiques se lançèrent dans des hypothèses sur les effets spéciaux : on parla de découpage de la pellicule.

Lors de la sortie du film, les producteurs et les distributeurs trouvant l'arrivée de Kong longue à venir amputèrent le film de la première bobine.

Le film sortit simultanément et en exclusivité dans deux des plus grands cinémas du monde (en 1933), le Radio City Music Hall et le New Roxy, à raison de 10 000 places par séances et 10 scéances par jour! Les recettes s'élevèrent à 89 931 000 dollars pour seulement les 2, 3, 4 et 5 Mars 1933...
King-Kong ressortit en exclusivité aux USA en 1938, 1942, 1946, 1952, 1956 et 1970. Le film fut programmé à la télévision américaine en mars 1955 durant sept jours en multi-diffusion, soit seize diffusions en une semaine.
Lors de sa ressortie en 1938, King-Kong fut amputé des scènes des plus choquantes par le puritain Code Hayes. Quatre coupures furent effectuées : la scène où le brontosaure secoue le marin dans ses machoires, le déshabillage de Fay Wray par le monstre, la destruction du village par Kong, les indigènes écrasés où machés, ainsi qu'un New-Yorkais, la scène (pourtant impressionnante de masochisme) où Kong se trompe de femme et la laisse tomber sur le macadam...

Toutes ces scènes ne furent réinsérées qu'à partir de 1972 !

En +

La scène perdue

Dans le scénario original, une scène dite de l'araignée est mentionnée, au moment où les marins tombent dans le précipice, ils sont dévorés par une araignée géante. La scène a été dessinée par O'Brien, et certains spectateurs affirment avoir vu la scène durant leur jeunesse. Ces images ont elles été ajoutées pour des copies réservées à l'exportation ?

Le cri de Kong

Le cri de King-Kong est l'oeuvre de Murray Spivack, le directeur du son de la RKO agé de 31 ans. Il n'existait pas de son authentique dans la sonothèque de la RKO pour représenter la force d'un singe géant. Il fut donc déçider d'en composer un à partir du rugissement d'un tigre passé à l'envers, au ralenti et réenregistré. Mais le son était trop court, il fallait trouver un cri pouvant durer plus de trente secondes. On ajouta alors le feulement d'un tigre, et un morceau d'aboiement de chien, suivant la même technique.



Sources : SF Story

Film Français, 2003
De Francis Weber
Scénario : Francis Weber
Avec Gérard Depardieu, Jean Reno, Richard Berry, André Dussollier, Jean Pierre Malo
Photographie : Luciano Tovoli
Musique : Marco Prince
Durée : 1h25

L'Histoire

Ruby n'a qu'une idée en tête : se venger de l'homme qui a assassiné la femme qu'il aimait.
Quentin n'a en tête que très peu de neurones. Juste assez pour être d'une grande gentillesse et d'une bêtise à entrer dans le Livre des Records.
Les chemins des deux hommes vont se croiser, celui du dur qui n'est que désir de meurtre et celui du simple qui tutoie les anges.



En +

Les films de Francis Veber s'articulent souvent autour d'un duo de personnages que tout éloigne. Ainsi, Lino Ventura campait-il un tueur à gages froid face à un Jacques Brel au bord de l'hystérie dans L'Emmerdeur, et Gérard Depardieu jouait-il le gangster face au penaud et maladroit Pierre Richard dans Les Fugitifs. Tais-toi n'échappe pas à la règle.
Pour former un nouveau duo de cinéma, Veber fait appel à deux acteurs imposants physiquement, Jean Reno et Gérard Depardieu. Tout le problème consistait à trouver un équilibre dans ce couple, l'un d'entre eux devant nécessairement endosser le costume du naïf légèrement benêt tandis que l'autre serait l'homme fort. Le rôle du naïf échut finalement à Depardieu, dont la prestation a surpris le réalisateur. Veber confie : Dans Tais-toi, Depardieu s'est allégé au-delà de toute espérance. Il s'appelle Quentin dans le film, il aurait pu s'appeler Pignon. Oui, depardieu s'est Pignonisé, ou, pour ne pas être immodestement en référence à mon travail passé, je dirais qu'il s'est Bourvilisé. De son côté, Jean Reno a su élever son le niveau de son jeu à la hauteur de son partenaire. Veber avoue : Reno, dans Tais-toi est à la hauteur. Et quand on sait à quelle altitude Depardieu peut s'envoler dans un un rôle qui l'inspire, on peut dire que Jean Reno est allée très, très haut.

Initialement, Fabrice Luchini devait interpréter le rôle du psychiatre, incarné finalement par André Dussollier. Luchini déclina l'offre de Francis Veber au prétexte qu'il allait interpréter un personnage quasi similaire dans Confessions trop intimes de Patrice Leconte.

Titres provisoires
Tais-toi a changé de titres à maintes reprises, s'intitulant tour à tour Ruby et Quentin, puis Les Tourtereaux. Lors du festival de Cannes 2002, des affiches du long métrage avaient été placardées dans les rues de la ville, le titre du film était alors Ruby et Quentin.

Phrases cultes

« C'est un asile de fous, pas un asile de cons. Il faudrait construire des asiles de cons, mais je vous laisse imaginer la taille des bâtiments. »

« Je m'appelle Quentin et je viens de Montargis »

« Alors si je comprends bien, le type le plus con de votre asile a réussi à enlever le plus dangereux, c'est pas un peu insolite ça ? »

Avis Personnel

Personnellement, Francis Weber a toujours été une référence pour moi dans le domaine de comique français. Alors comprenez l'effet qu'a eu ce film sur moi ! Aimer les films français comiques et ne pas avoir vu ce film, c'est comme si on oubliait la cerise sur un gâteau. Un vrai concentré de bonne humeur et d'humour qui ferait tordre de rire un mort !





Sources : Allociné, Wikipédia

Steamboat Willie est le troisième dessin animé où Mickey Mouse apparait. Il a été réalisé et produit par Walt Disney et Ub Iwerks en novembre 1928. Mais c'est ce film qui marque la naissance du personnage en raison de sa diffusion auprès d'un large public et de l'utilisation d'une bande sonore.

Mickey Mouse




Rappelant vaguement Oswald le lapin, premier personnage à succès de Disney, Mickey est une souris formée à base de cercles, habillée d'un simple short rouge retenu par 2 énormes boutons jaunes.

Selon la légende, Mickey aurait été créé par Walt Disney durant un voyage en train. D'abord appelé Mortimer, il fût renommé Mickey par Lilian, la femme de Walt. En réalité, il serait plus probable que Ub Iwerks soit le véritable papa de Mickey.

Après Plane Crazy et The Gallopin' Gaucho, la souris fait officiellement ses débuts dans Steamboat Willie, le premier film sonore des studios. Au fil du temps, Mickey se crée une identité, Pluto devient son chien, Minnie sa petite amie, Dingo et Donald ses meilleurs amis. Les courts-métrages ne sont pas son seul lieu de prédilection puisque dès 1940 il obtient le rôle de l'apprenti sorcier dans le troisième long-métrage de Disney, Fantasia.

Le début d'un rêve
Le premier dessin animé Mickey Mouse et le premier aussi avec synchronisation du son. Mickey est né par nécessité quand Walt a découvert qu'il avait perdu ses droits sur son ancien personnage Oswald, le lapin. Refusant de travailler sur le personnage d'Oswald pour moins d'argent, il s'associe à Ub Iwerks pour créer Mickey Mouse. Dans « Steamboat Willie », Mickey joue le rôle d'un matelot malicieux qui se trouve sur une embarcation fluviale. Il interprète « Turkey in the Straw » avec une ménagerie d'animaux comme instruments, au grand ravissement de Minnie. Mais ceci n'est pas du tout du goût du tyrannique capitaine Pat et Mickey finit dans les cuisines avec une corvée de patates.



Réalisé par Walt Disney. Après avoir essayé en vain de passer un contrat pour un enregistrement avec RCA ou Western Electric, Walt Disney accepte un enregistrement pirate avec Powers Cinephone. Après une première séance désastreuse, il finira par enregistrer la bande-son avec une bande de 15 pièces, en interprétant lui-même les cris de Mickey. Sorti au Colony Theater à New York le 18 novembre 1928, la date reconnue par la suite comme celle de la naissance de Mickey Mouse.

Walt Disney



Réalisateur, Acteur, Producteur, Producteur exécutif, Scénariste américain
Né le 5 Décembre 1901 à Chicago, USA
Décédé le 15 Décembre 1966 à Los Angeles, USA (Cancer)

Né le 5 décembre 1901 à Chicago, Walt Disney passe une enfance assez monotone auprès de son frère Roy, marquée par l'abandon de leur mère. Vendeur de journaux à dix ans, il fait un peu de théatre puis devient dessinateur de publicité dans une usine de machines agricoles de Kansas City. Pour elle il réalise dès 1921 un dessin animé passé inaperçu. En 1926 il lance la série Oswald the Rabbit avec son ami d'enfance Ub Iwers. La production fait faillite mais en 1928 il réalise un dessin animé dont le personnage, un rat nommé Mortimer se transformera en Mickey Mouse l'année suivante. Successivement musical, parlant, puis colorisé ( en 1935 avec La Fanfare) il sera le personnage mythique et emblématique de Disney. Il crée le dessin animé de long métrage en 1937 avec Blanche-neige et les sept nains. D'autres personnages naissent parallèlement, le chien Pluto, Le canard Donald et une fiancée pour Mickey : Minnie. Disney quitte la R.K.O. en 1938 pour gagner son autonomie avec les studios de Burbank. Il réalise de nombreux progrès techniques dont la coloration des Celluloïdes par étalonnage et l'invention de la caméra Multiplane qui donne une grande profondeur de champ. En 1940 deux longs métrages sortent successivement : Pinocchio et Fantasia. L'un adaptation du beau roman de Collodi, l'autre expérimentation ambitieuse d'animation sur de la musique classique. S'inspirant souvent de contes populaires, Disney met à jour son style caractéristique tout en rondeurs dit le style en O. Il réalise Dumbo en 1941 puis Bambi en 1942 qui marquera toute une génération d'enfants. Les personnages humains reprennent ensuite le dessus avec Cinderella en 1950, ou se mêlent aux animaux dans l'adaptation tantôt onirique, tantôt cauchemardesque de Lewis Carroll : Alice au pays des merveilles. De nombreux films dont le succès perdure aujourd'hui voient le jour : La Belle et le Clochard en 1955, La Belle au bois dormant en 1959, Les 101 Dalmatiens en 1961. De sa production en prises de vue réelles, retenons Mary Poppins en 1964 interprétée par Julie Andrews. Walt Disney s'éteind le 15 décembre 1966, suite à de nombreux problèmes pulmonaires dus à sa longue vie de fumeur. Son empire lui survit dont les adaptations amènent toujours les classiques au grand public tel Le Livre de la jungle en 1967. De nombreuses productions suivent, du film Les Aristochats en 1970 à Kuzco, l'empereur mégalo en 2001, en passant par Les Aventures de Bernard et Bianca en 1977, La Petite Sirène en 1989, Aladdin en 1992, Le Roi lion en 1994, ou Tarzan en 1999.
De nombreuses sociétés de distribution ont vu le jour; après Walt disney Production, Walt Disney Pictures, puis Buena vista pictures.

Sources : Wikipédia , Allociné , Disney.fr , http://perso.orange.fr/disney-unofficial

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