Après des années de combat acharné, le nouveau Kassovitz débarque enfin sur nos grands écrans. Le réalisateur de la Haine a-t-il réussit à remonter la pente après le très moyen Gothika et est-ce que l’Amérique lui réussit ?

Toorop est un mercenaire qui a mené beaucoup de guerre. Un mafieux européen lui confie une mission : livrer une jeune fille de Russie jusqu’à News York. Si il réussit, ses antécédents seront effacés et il sera plus qu’un homme dans la foule. Mais que cache cette jeune femme ? Et pourquoi c’est lui qui a été choisi alors que tant de mercenaire serait propice à la situation ? Si le pitch vous rappelle un film, c’est normal, il ressemble fortement au chef d’œuvre de Cuaron, Les fils de l’homme. Tout y est pour que les deux films soient rapprochés : une ambiance apocalyptique, une jeune femme a escorté et un homme qui sait pas vraiment se qu’il fout là. Les points communs s’arrêtent là ! Adaptation du livre Babylon Babies, Babylon A.D. est une œuvre à laquelle Kassovitz tenait beaucoup. Afin de le mener à bout, il a dû en chier ! Notre frenchi partait avec des intentions de colosse mais il s’est très vite heurté à la montagne Hollywood. Rappelons quand même que les producteurs n’ont pas laissé Kassovitz faire se qu’il désirais et qu’ils ont voulu absolument formaté le film pour le grand public. Un tournage épuisant d’après son réalisateur et, de plus, il se murmurait que la tension entre Vin Diesel et Kassovitz était assez fréquent en vu des retards de l’acteur sur le plateau. Quand on sait que notre petit réalisateur avait réalisé l’exercice Gothika juste pour s’attribuer la confiance des producteurs, il y a de quoi se demander si on se foutrait pas un peu de sa gueule ? Et si Kasso n’aurait pas fait mieux de rester en France ?



Laissons de côté tout les incidents « techniques » et penchons nous enfin sur le résultat. Babylon A.D pose son ambiance dés le début, le monde va mal, les gens vivent dehors et les terroristes sont plus présent que jamais, un monde mêlant technologies et pauvreté. Après avoir jouer l’agent secret, le fou de la nuit, la nounou, voilà Vin Diesel en mercenaire solitaire. Pas de problème au niveau de sa prestation sauf, que sa voix est un peu ratée à mon goût. Un doublage un peu trop « racaille » avec un vocabulaire qui va de paire. Michelle Yeoh qui n’était pas trop à sa place dans le dernier opus de La Momie, trouve ici un juste équilibre et est assez convaincante en bonne sœur adepte du kung-fu. Le reste du casting donne l’honneur au français et dans des rôles assez inattendus. Mélanie Thierry en jeune fille porteuse d’un virus ayant un regarde innocent sur un monde qu’elle ne comprend pas, Depardieu en mafieux au gros pif, Lambert Wilson en scientifique et Charlotte Rampling en méchante créatrice de secte religieuse. Les deux hommes s’en sortent pas mal mais la dernière n’échappe pas aux clichés récurrents. Sur un fond de politico-religeux, Kassovitz ne transforme pas l’essai qu’on lui a accordé, il use du genre et propose tous se qui a déjà été fait : bullet time, le héro croit enfin en se qu’il n’a jamais cru et devient gentil, une love story impossible.



Un résultat de 1H40 qui ne va jamais jusqu’au bout de se qu’il propose. Impossible de s’attarder sur les personnages et leur passé. Seul le léger retour en arrière de Toorop nous laisse entrevoir une enfance difficile, un passé de guerre et de débauches. La réalisation reste dans l’ensemble de bonne facture sauf lors des combats, brouillons et mal filmé. Un peu le même syndrome que dans Batman Begins : des fights violents mais filmé de prés, donc illisible par moment. Les scènes d’actions sont par contre bien maîtrisées mais les effets bullet time en tendance à donner un aspect brouillon. Visuellement, il faut reconnaître à Kassovitz d’avoir fourni un travail superbe (le New York futuriste est assez impressionnant, le sous marin de même). Un point noir : la BO. Elle penche d’un côté hip-hop mal branlé qui ne colle pas trop au trip du film je pense.

Babylon A.D est un bon film, pas une référence ou une nouvelle œuvre majeure dans le genre mais malgré la catastrophique direction du projet, on ne pas vraiment bouder devant le résultat. Déçu ? Comment ne pas l’être de tout façon. Trop court, brouillon dans sa narration, illisible dans les combats et expédiant la fin trop vite, c’est sûr, on peut bouder ! Mais Babylon A.D possède ce charme venant d’autre part, un charme non novateur mais contrastant parfaitement l’ensemble du projet et le résultat final, Kassovitz peut en tout acs être fier d’avoir mener son bébé à bout, il s’avère être un divertissement d’honnête facture. Pour un livre jugé « inadaptable », c’est d’autant plus réussit !

Agnès Merlet signe son retour avec Dorothy. Après dix années d’absence, la réalisatrice de Artemisia et du Fils du Requin signe son come back avec un thriller psychologique surnaturel. L’attente valait le coup ?

Jane Morton est une psychiatre. Un jour, elle décide d’aller sur une île afin d’étudier un cas très étranges. Elle n’est pas très bien accueilli au sein de la communauté établit en se lieu, mais elle est déterminer à aider Dorothy. Cette dernière a fait du mal à l’un des bébés de l’île alors qu’elle avait été engagée comme nounou. Pour certains habitants elle est habité par un démon, pour d’autre elle est malade et pour sa tante, elle n’a rien fait. Jane va tenter de trouver la cause du problème, et à ainsi, déterrer certains secrets.
Dorothy risque gros en voulant emprunter à plusieurs genres afin de se créer sa propre identité. La BA laissez suggérer un film d’horreur, paranormal et surnaturel, il est en fait juste question d’un drame/thriller psychologique. Le métrage doit beaucoup à son interprète, Jenn Murray. La jeune actrice est possédé par le rôle de Dorothy et livre, pour sa première expérience s’il vous plait, une performance extraordinaire. Difficile en effet de croire que cette femme a 21 ans ! Elle incarne autant une enfant de 8 ans qu’une jeune de 16 voir plus. Si Dorothy terrifie c’est par son comportement (digne de l’Exorciste par moment !) aussi touchant que violent. Autre perle du casting, vévélé par Block Book, du grand Verhoeven, Carice Van Houten est touchante en psy prête à tout pour découvrir se qui se cache en Dorothy. La majorité de la première partie du film est considéré et réalisé un peu comme celle de l’Exorciste (Jane remplace tout les docteurs et les extensions religieuse du film de Friedkin). La religion tient une importance majeure dans la communauté. Le prêtre dirige tout le monde, dévoilant la parole de Dieu. Cette communauté fait ainsi penser à celle du Village, de Shyamalan, où un paradis saint est entretenu pour garder les habitants où ils sont (La nourriture est blanche, les enfants ont une éducation religieuse, seul Dieu est arbitre).



Malheuresement, la réalisatrice insiste trop sur ce côté religieux. Ainsi, dans un but louable, l’idée parait utile, mais plus les indices sont dévoilés et plus en plus on comprend que l’intention est avouable à une sinistre vérité. Si l’intrigue principale est intelligemment menée, tous prend son sens lors des dernières minutes. Et si l’île n’avait pas existé ? Et si, en fait Laura était morte dans l’accident ? Et si Dorothy était exploiter juste par le maris de Jane afin de lui parler une dernière fois ? Tant de question subsiste au final. On pourrait associer Dorothy à une œuvre schizophrène où Dorothy permet en possession de son don, de réduire le malheur causé par la mort d’être cher. La petite fille perturbée serait donc une exploitation ? Laissant le spectateur perplexe sur une seconde partie orienté vers le thriller. Dorothy sert d’instrument de vengeance contre la terrible tragédie qui frappe l’île, permettant à la Agnés Merlet d’opter pour quelques options gore. Qu’on se le dise, le sang ne coule pas à flot, c’est un juste milieu entre le drame et l’horreur. Parsemant à quelques instants des plans sublimes, la réalisation s’emporte sur des choix de montages peu adapté (des mauvaises coupures). A vrais dire, j’ai beaucoup de mal à vraiment fonder un avis (autant objectif que subjectif) sur l’aspect général du film. C’est un bon film, mais on se fait chier (dur à comprendre je sais).

Après l’heure et demie que doit durer environs le film, on se demande comment les critiques presses peuvent crier au chef d’œuvre. Dans le genre c’est une réussite, peu présente, sa va de soit, mais dans la généralité, on reste devant un honnête thriller. Une histoire surnaturelle qui peine à tenir en haleine ? Bizarre non ? Dorothy est l’exemple même de la mauvaise transition papier/écran. Si sur le papier, et donc dans le fond, c’est brillant, dans la forme Agnés Merlet foire entièrement ces intentions en n’imposant jamais au spectateur une réelle source de tension.

Paru en 1954, l’œuvre de Richard Matheson a déjà été adapté deux fois sur grand écran : The Last Man on Earth et Le survivant. Cette troisième version a mit un temps fou pour être mise en route. Changement de réalisateur et d’acteurs perpétuel, le choix est il le bon ?

Robert Neville était un scientifique et un chercheur réputé avant, mais depuis qu’un virus a décimé tout le monde, il est seul. Accompagné de sa chienne, Sam, il espère trouver un remède à ce terrible virus. Mais, Neville n’est pas vraiment seul. La nuit, des créatures, les contaminés, sortent et New York n’est plus très sûr désormais.
Il en aura fallu des manœuvres et des changements pour aboutir à ce résultat. A titre d’information, le rôle de Robert Neville a été pressentit d’abord pour Arnold Schwarzenegger et devait être réalisé par Ridley Scott. Il y a ensuite eu Rob Bowman et Michael Bay mais rien n’aboutit. James Cameron et Paul Verhoeven aurait été intéressé mais ils ne sont jamais rentrer en discussion. Et ne parlons même pas des acteurs : Mel Gibson, Nicolas Cage, Tom Cruise, Kurt Russell et Michael Douglas. Tous ces noms ont été évoqués mais aucun n’est finalement choisi. Entre tous ces noms ont aurait pu trouver un beau mélange mais c’est finalement Francis Lawrence qui est choisis pour diriger le projet et Will Smith pour le rôle principal. Un choix plus que discutable quand on sait que son précédent film avait partagé les avis. Pas faute d’avoir essayé, Will Smith est lui-même allé voir Guillermo Del Toro et Mathieu Kassovitz pour mener le projet. Le planning des deux hommes étant trop chargé, son dernier espoir était placé en Lawrence. Cette adaptation livre un pari osé, opérant des changements par rapport à l’œuvre originale. Los Angeles se transforme en New York, la fin est complètement changée et un chien a été ajouté au récit.



Un challenge de haut niveau que d’arriver à créer cette ambiance de fin de monde. La vue d’un New York vide est sans conteste l’une des images fortes du film. Neville tente pourtant de garder un peu d’espoir et passe chaque jour à la radio, un message. Il se rend à un point précis en attendant que quelqu’un entende son appel. Il fait tous pour ne pas perdre son humanisme, il va au vidéo club, parle aux mannequins, joue au golf et s’occupe de sa chienne. Une relation improbable dit comme sa mais ce lien qui les unis est magnifique. Neville a perdu sa famille, il ne lui reste que Sam pour lui tenir compte et il sait que la "vraie" fin du monde sera quand il n’aura plus Sam. Cette idée mène à l’un des plus beaux moment du film : Neville tuant de ces propres mains Sam pour ne pas qu’elle devienne comme les contaminés. Un accident qu’il regrette étant donné qu’il est tombé dans son propre piège, tendus par les contaminer. Si la première partie est dans la forme géniale (Neville subissant son train train quotidien pour fuir la solitude), la deuxième partie s’en sort moins bien de ce côté. Subissant un ralentissement majeure et ne créant rien de terriblement osé finalement. Je suis une légende subit la malédiction d’Hollywood. L’œuvre de Matheson est restitué au strict minimum dans le cadre d’un blockbuster. On colle une fin tragique (?) teinté d’un exposant religieux facilement discutable afin d’y formater le réduit au genre demandé. Et en plus, les réflexions des spectateurs ont amené à dévoiler une fin alternative, achevant le film sur un happy end des plus regrettable mais moins discutable dans le contexte.



Lawrence propose tout de même une réalisation convenable, livrant quelques plans magnifiques par moment. Will Smith livre une interprétation superbe dans la peau du dernier homme sur Terre. Ce film était pour lui l’occasion de concrétiser l’idée qu’on c’était faite de lui, celle d’un très grand acteur. Une chose difficile sur le papier que de porter la quasi-totalité du métrage sur ces épaules, se partageant l’affiche avec sa chienne. Dur de trouver une réelle stabilité dans cette épopée, jonchant du drame à film d’action en passant par la science fiction, Je suis une légende tombe à la renverse lors de la chute du récit. Si il tente de faire passer un message, ce dernier est différent de celui de Matheson. Comment ne pas rager devant le potentiel proposé par l’idée ? C’est voué, certes, à de bonnes intentions mais des intentions litigieuses. Dommage, Will Smith c’était pourtant investit énormément dans ce projet et il s’en tient à ces intentions avec son interprétation géniale.

Je suis une légende n’est pas l’adaptation idéale du roman de Matheson. Il est juste un blockbuster, formaté pour la fin d’année et pour le grand public. Rien d’intelligent, rien de terriblement ambitieux finalement. Sa serait se demander si l’histoire d’origine n’a pas été trahie. Saluons quand même, pour la dernière fois, l’incroyable interprétation de Will Smith. Je suis une légende est un film de science fiction potable et loin des intentions narratives et sensationnelle attendue.

Après avoir affronté deux fois la même momie, Rick O'Connell va cette fois chasser de la momie en Asie. Rob Cohen succède à Stephen Sommer pour le meilleur et pour le pire.

Alors qu’ils sont à la retraite, les O'Connel coulent des jours pas très heureux. Leur vie d’aventurier leur manque. Un jour, ils sont appelé pour exécuter une mission très simple : amener un joyaux jusqu’en Asie. A leurs yeux, c’est une mission de routine mais ils ne savent pas qu’ils vont tomber dans un piège. En effet. Alex, leur fils, a déterrée l’Empereur Dragon. S’engage une aventure palpitante pour tuer l’Empereur avant qu’il ne ramène son armée sur Terre. Le pitch est simple et ressemble fortement à l’épisode précédent, sauf que sa se passe en Asie. C’est de plus un vrai challenge vu que les deux premiers épisodes avaient vite fait le tour de la question. Comme à l’accoutumer, Brendan Fraser est de retour dans le rôle de Rick. Le rôle qui la rendu célébre si je ne m’abuse. Il apporte encore une fois sa ténacité et sa fraîcheur tout le long du film. Si ce dernier est enthousiasmant, on ne peut pas en dire autant de Maria Bello. Elle loupe complètement la coche en passant après la magnifique Rachel Weisz. Avide d’une interprétation fade et sans saveur, les fans risquent fortement de regretter l’ancienne Evelyne. Que serait La Momie sans John Hannah ? L’acteur est le deuxième et le dernier acteur qui est toujours présent depuis le début. Si il vous avez fait mourir de rire dans les deux premiers volets, rassurez vous, il est toujours aussi hilarant. Hilarant certes, mais dommage quand même qu’il lui manque une vraie extravagance, le rôle propose pourtant une multitude de gag. Si notre couple n’a physiquement pas changé, Alex, leur progéniture a grandit lui. Luke Ford livre une prestation plus que passable et propose quelques moments sympathique (surtout en compagnie de son père !). Qui dit Asie dit Asiatique au menu. La charge d’incarner L’Empereur Han revient à Jett Li. Sa performance reste de bonne facture même si la narration et les situations ne lui demande pas grand-chose à faire.



La Momie était d’honnête film d’aventure purement divertissant, ce troisième opus ne propose jamais le punch q’ils avaient. Le effets spéciaux sont toujours géniaux ( le dragon et les Yétis sont superbe) mais impossible encore une fois de retrouver ce charme d’antan, cette magie qui opéré si bien avant. La Momie 3 se contente juste de remplir un cahier de charge très peu remplis et maigre d’intention louable. J’en veux pour preuve le final, une bataille entre deux armées de zombies et parallèlement celui de Rick et Han. Une simple copie/conforme du 2 sans l’héroïsme du duel. Le combat est lent, pas très long et ne propose pas un seul instant quelque chose de différent. Les vrais aventuriers sont loin d’un Indiana Jones. Seul la course poursuite dans Shanghai et le passage de L’Himalaya vous tiennent en haleine. C’est dire que sur 2 heures environs, Cohen prend les éléments des précédents et fait un mélange. Même l’humour, élément majeur avant, est réduit à l’état de répliques gentillettes. Impossible donc de croire et rentrer dans le jeu des acteurs. On fourre une histoire d’amour là s’achevant sur un happy end aguicheur. C’est redevable à la franchise, chose inimaginable que La Momie soit un film qu’il se termine mal. L’affaire n’est pas désagréable mais pas convaincante.

En cette période estival, les jeunes devraient apprécier le spectacle mais impossible de tenir en haleine tout le long. Finis l’aventure pur et dur, au revoir le côté épique et l’humour. La Momie 3 : La Tombe de l'Empereur Dragon tombe dans une facilité insipide (les deux précédents avait la réussite de ne pas franchir la limite) et s’en tient au cahier de charges, et si il n’est pas désagréable c’est sûrement grâce aux anciens, j’ai nommé Brendan Fraser et John Hannah. Dommage Rob, on ne demandait pas grand-chose pourtant.

Après Toy Story, Monstre & Cie, Némo et j’en passe, Pixar revient sur le grand écran avec Wall-E. Un petit robot tout mignon au centre d’une histoire magnifique. Enjoy !

Wall-E est un projet de longue date dans l’histoire de Pixar. L’idée est venue à Andrew Stanton lors d’un déjeuner, avec d’autres membres de Pixar tel que John Lasseter et Peter Docter. Une histoire incroyable lorsqu’on sait que Monstre & Cie, 1001 Pattes et Némo sont née lors de cet instant. Seulement le projet a été mit de côté pendant un long moment. Mais Stanton avait toujours en tête de le concrétiser et le succés engendrer par Ratatouille et les progrès technique qu’apporte ce dernier là encourager. Il est donc revenus à la charge et voila, la machine Wall-E était en marche pour de bon. Alors Wall-E c’est quoi ? Wall-E c’est un petit robot qui a été envoyé sur Terre pour la nettoyer. Notre bonne vieille planète bleue est déserte ! Tous les hommes sont partit dans un énorme vaisseau spatial en attendant d’avoir enfin un signe de vie permettant de revenir habiter sur Terre. Seulement, un jour, Wall-E va faire une rencontre qui va changer à jamais sa vie, et celle des humains. Alors qu’il termine une autre de ces interminables journées, Wall-E voit atterrir sur Terre, Eve, un robot high-tech envoyer par les hommes pour détecter toute trace végétale sur Terre. Si il se montre timide au début, il ne sait pas que cette rencontre est primordiale.



C’est un discours osé, faire d’une idée aussi pessimiste, un film d’animation. Car dans le fond Wall-E est un peu un drame. Notre petit robot est tout seul (il est quand même accompagné d’une puce qu’il balade un peu comme son chien), il se sent d’abord rejeté puis fait tous pour rester avec sa chère et tendre. Les premiers plans sont somptueux, ils dépeignent une Terre vide, encombré de petit cube que notre Wall-E assemble depuis 700 ans. Imaginez 7 siècles de solitude. On remarque ainsi au travers de chaque plan que, Pixar avait fait de Ratatouille une merveille technique, Wall-E est une nouvelle étape dans ce domaine. Wall-E se retrouve vite confronté à la réalité en voyant EVE. Lui est dépassé, il est sale alors qu’elle est blanche, propre, une merveilles de la technologie. Dans un sens, le scénario aurait pu être une histoire d’invasion, où ce petit bout de ferraille se serait retrouvé confronté aux humains, aux nouveauté informatique. Mais non ! Un pari audacieux, une histoire d’amour, quasiment muette, entre deux robots. Dit comme sa, c’est un peu limite, mais sur la forme c’est grandiose. Saluons le travail extraordinaire accordé aux mimiques des deux robots, c’est ce point qui rend Wall-E attachant aux yeux des spectateurs. On voit que les types de chez Pixar ont du savoir faire et qu’ils ont de l’humour (Wall-E s’en prend toujours plein la gueule et c’est tordant !).



N’oublions pas que Wall-E est un produit pour enfant. Alors au travers de thématiques assez multiples et connus, on ressent une réflexion très claire sur la pollution. C’est peut être en visant un public si jeune sur une chose très grave que Pixar innove. Alors au travers des thématiques, Pixar critique ainsi la technologie moderne, rendant les hommes à la merci des robots et découvrant qu’au final, le robot le plus rétro et dégueu de l’univers, est en fait le robot le plus attachant et courageux. C’est fou comme Pixar maîtrise la chose ! Car Wall-E est une histoire d’amour sur fond de politique. Cette politique ne touchera pas les plus jeunes, qui verront en ce bijoux un film d’animation visuellement superbe et dont les seuls sons et mimiques peuvent retranscrire l’une des plus belles histoires d’amour que la science fiction a connus. Les adultes, eux, seront certainement touché par le message, apprécieront tout autant que leur progéniture et tomberons sans doute amoureux du robot le plus mignon de l’animaton.

La réussite est sans appel ! Pixar n’a plus rien à prouver, ils sont les meilleurs en la matière. Avec cette histoire d’amour touchante où, au détour de chaque plan se cache un gag, visuel comme sonore, Wall-E est un film pour tous, dont le degré de l’âge permet de savourer le spectacle avec une sauce différente mais toute aussi savoureuse. Un joyau visuel teinté d’amour et d’humour, un joyau comme seul Pixar en a le secret.

Comme The Dark Knight hier, avec la critique en avant première, aujourd’hui c’est Hellboy II : Les légions d’or maudites qui y a droit. Même si il est censé sortir en France que le 29 octobre, il est déjà sortit dans d’autre pays. Je l’ai vu et voilà mes réactions !

Créé par Mike Magnolia, Hellboy a déjà été porté à l’écran en 2004 par le talentueux Guillermo Del Toro. Le réalisateur d’origine mexicaine revient avec un second opus intitulé « Les légion d’or maudites ». Le premier épisode n’a pas rencontré un véritable succès commercial, alors que les critiques étaient pourtant assez satisfaites du résultat. Hellboy est en quelques sortes le film qui achève l’année des supers héros. Notre bon samaritain passe après Batman, Iron Man, Hulk, Hancock et Wanted. Alors, Del Toro a mit les bouchées doubles ? Ou juste un autre film de super héro anecdotique ?

ATTENTION !! Cette critique comporte des spoilers, donc si vous ne voulez pas en savoir d’avantage, allez directement à la conclusion.

Il neige, c’est le soir de Noël. La caméra s’approche peu à peu de la fenêtre et nous emmène dans une vieille maison. Dedans, le professeur Broom et un petit homme rouge. Ce petit homme c’est Hellboy, plus jeune. Cédant aux caprices de son « fils », Broom va, sans le savoir, conter à son enfant une histoire qui va prendre toute son ampleur plus tard. C’est donc ainsi que débute le film. D’une manière plus générale, une trêve a eu lieu entre les humains et le royaume invisible des créatures fantastiques. Seulement, un ancien chef décide de rompre cette trêve et réveil ainsi des créatures maléfiques venant du fin fond des Enfers. C’est bien sûr Hellboy qui va être mit sur le coup, avec l’aide de Liz, sa petite amie aux pouvoirs pyrokinésiques et l’aquatique Abe Sapien. Mais contre son gré, il va devoir être accompagné du protoplasmique Johann. Ce qu’ils ne savent pas, c’est qu’ils vont devoir arpenter des lieux inconnus et inimaginables pour rétablir l’ordre chez les créatures fantastiques.



Pas de blabla d’intro, Hellboy est une réussite ! Graphiquement, Del Toro marque le coup avec des effets graphiques sublimes (Nuana coupant une goutte d’eau en deux en s’entraînant) et c’est pas une science, l’homme a toujours son côté humain et tragique. En mettant Hellboy à découvert, il développe ainsi un point qu’il aime : la solitude. Hellboy a peur de perdre Liz et en plus, il se retrouve confronté aux avis des humains. On le sent, il voudrait être traité comme eux. Lors du périple, Del Toro nous présent des lieux et des personnages magnifiques tel que le marché des trolls, l'ange de la mort, le sous terrain où est enfermé l’Armée d’or. Ma préférence va pour l’homme de pierre, se redressant sur une plaine pour ouvrir la porte les menant sous terre et pour la mort de la créature verte (désolé elle n’a pas de nom je crois), moment à la fois magnifique et tragique. Si la réalisation est de très bonne facture, la palme revient une fois de plus aux acteurs. Ron Perlman est touchant, Selma Blair s’en sort pas trop mal, Doug Jones est toujours aussi attachant, Luke Goss signe une prestation géniale et Anna Walton, la sœur de ce dernier dans le film, est convaincante. N’oublions pas Johann, interprété par John Alexander mais vocalement c’est Tomas Kretschmann qui s’en charge, époustouflant de charisme.



Comme vous l’avez vu, l’agent Meyer n’est pas de retour. Hellboy est devenus le petit ami de Liz mais ce couple créé des problèmes. Liz ne veut pas avouer à « Red » qu’elle est enceinte alors que lui ne veut absolument pas la perdre. Hellboy 2 installe une romance, plus évoluée et développé que dans le premier épisode. Heureusement pour nous, Del Toro ne gâche pas cette relation au travers de clichés niaiseux et à l’eau de rose. Abe Sapien lui aussi se laisse guider par l’amour en tombant amoureux de la Princesse Nuala (clin d’œil en particulier au passage où Hellboy et Abe chantent tout en se bourrant de bière), sœur du Prince Nuada, qui est le grand méchant du film. Elle veut fuir le plus possible son frangin afin qu’il ne se retrouve jamais en possession de la dernière pièce de la couronne permettant de guider et lever L’Armée D’or. Abe pourtant sait bien que cet amour est impossible et il ne se trompe pas, en effet si le Prince Nuara meurt, sa sœur meut aussi (la scène finale est sublime !). Une épreuve difficile attend donc Abe. Bien que Hellboy démissionne à la fin, en choisissant comme il l’avait promis, Liz, la fin reste assez ouverte et, qui sait, la prochaine fois on verra Hellboy papa dans une maison à la campagne.

Guillermo est un grand et sa se sent. Il nous livre un film d’action grand public mais intimiste. Tout est maîtrisé et on sent que le mec a voulu vraiment nous faire passer une émotion. Mais Les Légions D’or Maudites est avant tout un conte noir, une histoire d’amour et un formidable spectacle visuel. Une réussite qui, je l’espère, touchera le public cette fois.

On le sait, et ce n’est plus une surprise, si il y a bien un film qu’il faut attendre cet été, c’est sans contestes le nouveau Batman. Nolan avait surpris tout le monde avec son Batman Begins, engendrant ainsi un succès mérité haut la main. La Warner n’a pas énormément hésité avant de mettre en marche une suite. Une suite qui prendra une tournure dramatique avec la récente mort du talentueux Heath Ledger. Alors les nouvelles aventures du chevalier noir sont elles à la hauteur de nos espérances ? Et, surtout, rendent-elles hommage à l’un de nos acteurs les plus regretté ? Chef d’œuvre ou pétard mouillé ?

Comme le suggérer la fin de Batman Begins, il y aura bien une suite et elle sera avec le Joker. Personnage méchant emblématique de l’univers de Batman, j’avais hâte de voir comment il allait mis en avant après le fabuleux Jack Nicholson. Mais commençons par le commencement. Gotham est plus pourri que jamais et les criminelles arpentent les rues. Seul l’homme chauve souris peut changer la donne avec l’aide de l’inspecteur Gordon et de Harvey Dent. Mais un point noir vient compliquer leur plan lorsque le Joker entre en action, prêt à tout pour engendrer le chaos dans la ville. L’excitation est à son comble lorsque le film débute. Après une très longue attente, on est plus qu’en droit d’attendre à un chef d’œuvre. L’ouverture met en scène le braquage d’une des banques les plus importantes de Gotham. Plus qu’une intro, elle fait entrer d’emblé en scène le Joker. Son entrée signe aussi le début d’un engrenage malin où s’entrechoc des destins, des héros et des méchants.



The Dark Knight s’apparente à un gros polar en fait. Chacun puisant ces intérêts au sein de Gotham, en effet, le Joker veut y rependre l’anarchie totale, Gordon est l’un des derniers flics de la ville qui tente de faire son boulot réglo, Harvey Dent, veut absolument rendre justice en s’attaquant à la pègre et ainsi démanteler un énorme réseau de criminalité ayant élu domicile au cœur de Gotham, puis, enfin, le chevalier noir, Batman, qui tente tout pour sauver les gens bon et innocent. Dans Begins, Nolan nous familiarisé avec les peur ancestral de Bruce Wayne afin de le faire devenir ce qu’il est à présent mais cette fois, le ton change, on retrouve un Bruce Wayne qui perd petit à petit de son intérêt pour lui-même en tant que héritier de la famille Wayne pour se concentrer complètement sur son « côté obscur ». Car oui, Batman devient le mauvais côté de Bruce, il en devient un héros quasi schizophrène, qui n’assume plus son statut et qui a peur de lui en quelque sorte, il sent que ça va mal, que le plan est erroné.

« C’est avant tout un électron libre qui traverse l’histoire comme une force de la nature détruisant tout sur son passage », tel son les mots de Christopher Nolan pour décrire le Joker, un être anarchique, sans limite et sans morale. Et c’est sans compté sur l’interprétation magistrale de Heath Ledger. Le regretté a accomplis un travail de dingue et livre un jeu d’acteur somptueux. Son rire fait froid dans le dos et répliques nous donnes des frissons (retenons le cultissime « Lets put a smiley on that face » ou bien son « Why so serious ? »). Nolan a réellement tout compris, le Joker terrifie, fait tout pour arriver à ces fins et à n’importe quel prix. Chacune de ces apparitions est voué à un dialogue d’entourloupe, il manipule tout le monde, le Joker est le chef d’orchestre de cette funèbre fanfare. Si bien évidemment on retient l’interprétation de Ledger, la véritable surprise se trouve chez Aaron Eckhart. L’homme est d’un perfectionnisme fracassant. Si lors du premier acte, il livre un combat au nom de Gotham, dans le second acte, il se bat au nom de lui-même. Réduit à l’état de Double Face à cause du Joker, ce dernier arrive quand même à manipuler Dent comme une poupée. Tous change lors de l’impressionnante scène de l’hôpital, si Dent décide en fonction du hasard, il n’est pas moins tout beau, tout gentil dans ces actes. N’oublions pas Morgan Freeman, toujours aussi bon, Micheal Caine attachant en bon serviteur, Gary Oldman impeccable et Maggie Gyllenhaal qui succède très bien à la fadasse Katie Holmes (un changement de casting lié à la non disponibilité de l’actrice). Un casting parfait donc. Qu'on se le dise, aussi, Nolan commence enfin à savoir filmer les combats, c'est pas parfait mais c'est déjà sa de gagner.



ATTENTION !! Cette partie de la critique comporte des spoilers, donc si vous ne voulez pas en savoir d’avantage, allez directement à la conclusion.

Avouons le, Nolan propose des choses audacieusement dans son shéma narratif parce que, franchement, faire crever Rachel au beau milieu du film, faut avoir un certain cran. C’est un des principaux points qui mène à la chute du récit. Vous trouvez Begins sombre ? The Dark knight l’est encore plus ! La vengeance consume Dent et Wayne, aboutissant à une alchimie de rage, de folie et de violence. Les deux hommes puisent dans leur mauvais côté, celui qui pourrait mener à leur chute. Comme il l’a toujours voulu, Nolan peut donc développer des sujets qu’il aime tel que le bien, le mal, la vengeance et la peur, n’oubliant pas de poser cette aura macabre post-11 septembre qui hante encore pas mal de monde. Puis ce dernier quart d’heure, sombre, puissant et nerveux prenant en premier le pas sur l’ultime combat Batman/Joker du film et, ensuite de celui de Harvey Dent/Gordon/Batman. Si le premier est l’apothéose d’un jeu du chat et la souris, le deuxième est un vrai règlement de compte. On s’en que le réal à voulait insuffler sinistre sort, Gordon brisant le signal d’appel de Batman, rompant ainsi leur alliance et laissant une belle ouverture pour une éventuelle suite.
J’achève donc ma critique tel que Gordon achève le film : « Il est le héro que Gotham mérite, pas celui dont nous avons besoin aujourd’hui, alors nous le pourchasserons, parce qu’il peut l’endurer, parce que ce n’est pas un héro, c’est un gardien silencieux, qui veille et protége sans cesse, le chevalier noir ! »

Pas de doute, The Dark Knight est, premièrement, un grand film mais aussi le meilleur film de super héro à ce jour. L’énergique réalisation de Nolan vous tient en halène et on en redemanderais presque, sachant qu’à la base, Nolan voulait un métrage de 3 heures ! La palette d’acteur est impeccable, on ne cessera pas de vanter Heath Ledger pour son travail de titan, Christian Bale trône toujours comme mon acteur préféré et Aaron Eckhart créé la surprise. Un film des plus moderne, noir et violent, sombre et funèbre. Je peux ainsi vous assurez, que lorsque le générique commencera, la salle s’allumera, vous ne manquerez pas de lâcher un sourire, tel un môme, en repensant à ce que vous venez de vous prendre dans la gueule. Culte !

La dernière version d’Ang Lee, n’était pas vraiment la plus convaincante et la plus apprécie du public. Mais le petit français Louis Leterrier s’attaque au projet de l’Incroyable Hulk et livre une performance plus que convenable.

Le générique de début, met en scène l’expérience qui va amener Bruce Banner à devenir Hulk. On y découvre, par la suite, un Bruce Banner, au Brésil, employé dans une usine d’emballage de bouteille de soda à la guarana. Là-bas, se n’est qu’un simple homme, vagabond et discret. On le découvre ainsi, en train d’essayer de contrôler sa force et, en parallèle, mené des recherches à distances avec un certains Mr Blue. Mais tout va chambouler quand le Général Ross lance une opération afin de le retrouver. S’en suit une course poursuite pour la survie…
C’est clair d’entrée, Leterrier efface totalement la version de Ang Lee et réécrit sa propre version des faits. Il n’est pas question de l’enfance de Bruce, ni d’un accident menant à sa transformation. Non, au lieu d’approfondir le passé du héros, comme la fait Ang lee, Leterrier préfère se concentrer sur les états d’âme des protagonistes et sur le périple de Banner, consistant à trouver un moyen de redevenir normal. On oublie le très bon Eric Bana, c’est l’excellent Edward Norton qui s’y colle et livre une performance de grande qualité. N’oublions pas aussi, l’excellent Tim Roth, en soldat désireux de pouvoir, qui n’était clairement pas l’homme de la situation au départ, mais arrive à s’imposer avec un charisme génialissime.



Passons le fait que Liv Tyler ne soit pas très convaincante et fadasse, j’ai une énorme préférence pour la sublime et excellente Jennifer Connelly. Le film dure deux bonnes heures que l’on ne voit pas passer, signant un autre gage de qualité, on ne s’ennuie pas. Le rythme est effréné, presque nerveux, sa ne s’arrête jamais. Le travail de l’équipe de Kurt Williams est phénoménal sur l’homme vert. Il est bien moins grand que celui de Ang Lee, mais est beaucoup plus imposant que ce dernier, presque terrifiant.. Sa couleur connaît une petite variante aussi, il n’est plus d’un vert clair, non, ce Hulk est presque gris, assez foncés, mais je vous rassure, sa ne choque pas. On pourrait presque parler d’un choix justifié envers cette couleur, étant donné que Hulk représente le « mauvais côté » de Bruce Banner, son aspect de destruction en quelque sorte, il représente toute la rage et la puissance qu’il cache en lui. A méditer donc.



Certes, Hulk n’est pas le film parfait, il subit par moment une légère baisse de régime, on ne décroche pas mais on le sent quand même, et ose quelques touches d’humours parfois mal placé (la scène en taxi). Leterrier, impose sa patte tout de même, il ne laisse pas l’action de côté au profit de l’émotion et vice versa. Non quand Hulk s’énerve, à l’écran sa envoi du lourd et on prend plein la gueule. Chaque combat est puissant, lourd, violent, et que dire de l’affrontement finale contre l’Abomination, un festival d’explosion, de coup et de rage. Rien n’est confus dans tout sa, tout est lisible et clair. Sa en jette quoi, et on redemande encore !

L’incroyable Hulk étant, à première vue, juste un film de super héros au beau milieu des sorties estivales. Oui c’est bel et bien un film de super héros mais, putain, sa dépote un max. Après avoir vu cette version, je vous assure que vous allez oublier celle de Ang Lee. Si Hancock n’est pas votre genre, si vous en avez vraiment marre d’attendre The Dark Knight, allez voir celui là, il pourrait bien faire de l’ombre et venir titiller le chevalier noir sur son territoire.