Fiche technique :
Pays : Chine
Date de sortie : 1979
Genre : Les prémices de la Kung-Fu Comedy
Réalisateur : Liu Chia-Liang
Casting : Liu Chia-Liang, Hsiao Hou, Lo Lieh et Kara Hui
Note : 7/10




Résumé
Accusé d'un crime qu'il n'a pas commis, l'artiste martial Chan est piégé par Duan, le tenancier d'une maison close, qui lui fait briser les mains et force la soeur de ce dernier à devenir sa maîtresse. Infirme, Chan survit en faisant des spectacles de rue accompagné de son petit singe, jusqu'au jour où des voyous tuent le pauvre primate. Témoin de la tragédie, un pickpocket au grand coeur propose à Chan de prendre la place de son singe en apprenant la technique du kung-fu spécifique à cet animal.

Un joli spectacle divertissant
Mad Monkey est un film à grand spectacle (du moins pour l'époque), ici pas beaucoup de scène avec échange de coup, mais plutôt des acrobaties dédiées à l'art de la boxe du singe, filmé admirablement par Liu Chia-Liang. Le film impose les bases simple de la comédie kung-fu, un disciple qui n'en fait qu'à sa tête, des méchants bien caricaturaux. Mais Mad Monkey comporte des passages inspirés des films de kung-fu pur de la Shaw Brothers qu'on voit souvent, comment l'humiliation du maître Chan par le brisage de ses deux mains et l'eternel histoire de vengeance. Que serait un film d'arts martiaux sans ses scènes d'entrainement avec le maître et son disciple ? Liu Chia s'en donne à coeur joie, avec des katas magnifiques de la boxe du singe, des épreuves irréalisable par le commun des mortels (dormir sur deux cordes superposées ah ah). Pour les scènes de combat, Liu Chang préfère des affrontements spéctaculaire à défaut d'être réaliste, avec pas mal d'utilisation du décor (table, mur, chaise etc) et par la même occasion va un peu modifier l'art de la boxe du singe pour avoir une sorte d'aisance lors des combats.

Des seconds rôles, un peu trop en retrait
Si je pouvais faire un seul reproche à Mad Monkey, c'est le trop peu d'importance que donne le réalisateur aux seconds rôles. L'actrice Kara Hui (Lady Kung-Fu) qui joue la soeur de maître Chan, a un rôle vraiment trop anecdotique, alors qu'elle se débrouille très bien pendant les combats, ce qui n'est pas le cas de tous, Lo Lieh pour ne citer que lui par exemple. Ce choix est peut-être du à l'importance du rôle de Hsiao Hou (expert en arts martiaux) et à Liu Chia-Liang (le réalisateur) qui ce dernier film de manière à rendre en qu'elle que sorte un hommage à cet art du kung-fu.

Conclusion
C'est de la bonne comédie kung-fu, sans être débile comme les productions d'aujourd'hui. A regarder pour un moment de détente, sans réellement se prendre la tête. Un peu comme si on poser notre cerveau, et que juste les yeux travailler.

Fiche Technique :
Date de sortie : 1956
Pays : États-Unis
Genre : semi-autobiographie d'Ed Wood
Réalisateur : Edward D. Wood jr
Casting : Ed Wood, Bela Lugosi, Dolores Fuller, Timothy Farrell
Note : 0.5/10



Résumé
Un homme qui aime s'habiller en femme, va rencontrer des difficultés pour l'avouer à sa femme.

Tirez les ficelles qu'il vous dit !
L'intro du film commence sur un Bela Lugosi dans une pièce manipulant des fioles chimique et prononçant des phrases incomphréensible, du genre Tirez les ficelles, dansez !, Méfiez-vous du gros dragon vert assis sur votre seuil. Il mange les petits garçons, la queue des petits chiens et les escargots gras et gros il répète ça tout le long du film, on sait jamais pourquoi il fait ça et encore moins qui il est. Ed wood nous montre ensuite une scène où un travesti c'est suicidé, là on se rend compte des nombreuses gaffes que fait Ed Wood, un figurant policier qui reste bloqué car on lui ferme la porte juste devant son nez, le docteur qui oublie son stéthoscope sur le corp de la victime et pour finir un plan sur un radiateur qui ne veut strictement rien dire à part montrer un radiateur. La suite du film vire dans le grand n'importe quoi (enfin le début étant pas mal aussi), le narrateur nous raconte des choses sans aucun sens, le Créateur ne nous a pas donné d’ailes, nous volons quand même, les chapeaux empêchent le sang de monter à la tête, et provoquent donc la calvitie ! Et que 7 hommes sur 10 sont chauves, vient alors le tour de Glen qui découvre des vêtements féminins et peut donc commencer sa vie de travesti (entre temps notre Bela refait une apparition, en marmonant encore les mêmes choses sur des surimpressions de troupeaux de bisons, pourquoi ? je ne sais pas). Attention la suite n'est pas mal non plus, Glenda rentre chez elle est s’effondre, vient ensuite une scène où la femme de Glenda est sous des planches de bois (pourquoi, comment, ça c'est du Ed Wood), Glenda n'arrive pas à dégager sa femme de sous les décombres, disparition de Glenda et apparition de Glen qui la sauve. On voit ensuite le mariage de Glen avec sa femme dans une église au décor riducule, assisté d'un prêtre et d'un démon (pourquoi il est là, là encore aucun rapport), noté le figurant qui joue le prêtre et n'arrête pas de matter l'actrice. On assiste à des scènes avec des femmes de charme sous le regard de Bela, encore une fois on se demande où est le rapport avec tout ça, une chose est sur Ed Wood avait abuser de produit illicite à l'écriture de son scénario. Dans le dernier gros quart d'heure, on nous raconte l'histoire d'un soldat pseudo hermaphrodite qui va subir une opération (les scènes de chirurgie son des extraits volés d'un documentaire), il guérit grace à l'opération, hop on passe à Glen qui lui suit un traitement psychiatrique. Le film se termine comme ça.

Un nanar qui se veut profond
Eh oui le gros problème dans tout ça c'est que le film se veut profond, hors Ed Wood raconte n'importe quoi, filme n'importe comment. Les acteurs jouent très mal (la plupart ne sont même pas du métier), il arrive même lors de scène entre deux comédiens que l'un regarde sa montre d'un air blasé. Pour les scènes en extérieur Ed Wood devait partir à la vue de la police, car il n'avait pas d'autorisation de filmer dans les rues, rajoute des stocks-shot à droite à gauche pour combler son film en prime. Pour sa première oeuvre, Ed Wood tape dans le mille en nous gratifiant d'un des plus mauvais film de l'histoire du cinéma.

conclusion
Uniquement à voir si vous voulez étudier le cas Ed Wood, sinon oublier ce film. Le film dur une heure et c'est un vrai supplice de le regarder jusqu'au bout.

Fiche technique :
Date de naissance : 10 octobre 1924 à Poughkeepsie
Date de décé : 10 décembre 1978 à Hollywood
Profession : réalisateur, acteur, producteur, scénariste, monteur, cascadeur
Signe particulier : Plus mauvais réalisateur de tous les temps

Introduction
Ici je ne vais pas parler de l'enfance d'Ed Wood, mais plutôt m'attarder sur ses premières réalisations et surtout le personnage qu'il était.

Ed Wood qui es-tu ?
D'abord parlons du personnage, Ed Wood a comment dire un certain goût pour les habits de femme, il aime porter des habits féminins sous ses vêtements d'homme. Vétéran de la seconde guerre mondiale, il rentra avec deux blessures et une médaille d'honneur, avouant qu'il porté des dessous féminins sous son uniforme. Avant de devenir réalisateur Ed Wood commença par différents boulots dans des studios de cinéma, dont porteur de café, assistant de plateau et cascadeur dans des westerns, il se fera remarquer en réalisant des moyens métrages et des pièces de théâtre. Pour la réalisation de son premier long métrage, un producteur de film à serie Z lui confie une biographie d'un transsexuel intitulé Glen Or Glenda. Le budget pour le film est dérisoire, mais cela ne fait pas peur à Ed Wood il investit beaucoup de sa personne pour sa première oeuvre, le rôle principale lui est attribué (d'ailleurs Glen Or Glenda est une sorte d'autobiographie, mais ça j'en parlerai dans une review du film), c'est la rencontre avec Bela Lugosi star déchu du cinéma d'épouvante, qui va faire que Glen Or Glenda est important pour Ed Wood. Demandant à Bela Lugosi de jouer dans son film, celui-ci réticent à la lecture du scénario va quand même accepter de jouer dedans sur les conseils de son ex-femme et avec un cachet de 1000$, naîtra par la suite un grande amitié entre les deux hommes. Après l'échec de Glen Or Glenda, Ed Wood re tente sa chance avec un western, il devient producteur et scénariste d'une serie racontant les aventures de Tucson Kid, employé dans une une compagnie d’assurance dans l’ouest sauvage, après deux épisodes le projet est abandonné, par la suite il s'essaye aux films noir avec The Jail Bait, il donne le rôle à Steeve Reeves un culturiste inconnu. Ed Wood veut réaliser un film fantastique avec Bela Lugosi(Bride of the Monster), pour rassembler les fonds nécessaire à la réalisation de son film Wood va faire tout son possible pour avoir de l'argent, en frappant à toutes les portes, en organisant des soirées cocktails pour trouver des financiers. Essuiant refus, il fini par obtenir de l'argent par un boucher industriel, qui lui donne deux exigences qu'une explosion atomique soit dans le film et que son fils tienne le premier rôle, déjà qu'il a donné le rôle de l’héroïne à une jeune actrice pas très douée, il n'est plus à ça prêt. Le tournage du film est une vraie catastrophe, les acteurs se trompent dans leurs dialogues (il faut savoir que Ed Wood ne retourne jamais les scènes), le moment culte vient à la scène final où Bela Lugosi se fait tuer par une pieuvre géante, n'ayant pas beaucoup de moyens ils avaient décidé de voler la fausse pieuvre dans des studios d'Hollywood, s'apercevant qu'en route ils avaient oublier le moteur de la bête, Bela Lugosi contraint de s’enrouler lui même dans les tentacules, le film sera encore un échec de plus. Après quelques autres projets, il réalise son oeuvre la plus connu avec Bela Lugosi (Plan 9 from outer space), le scénario est minable, ils ont quatre extraterrestres qui lèvent une armée de mort, ils sont trois pour conquérir le monde. Bela lugosi meurt avant la fin du tournage, Ed Wood le remplace par le chiropracteur de sa femme qui doit se cacher le visage pour pas qu'on sache que Bela Lugosi a était remplacé, il n'y a que Ed Wood pour penser que cela marcherait et encore une fois le films est un échec total. Son dernier grand film fantastique est Night of the Ghouls, là encore pour trouver de l'argent Ed Wood rencontre des problèmes, il va réussir à convaincre ses amies de lui donner de l'argent, le tournage est difficile Ed porté sur la bouteille a des relations tendu avec l'équipe, le film mettra 20 ans avant de sortir des labos de production. Dans les années 60 Wood est réduit à tourner des films d’entreprise, d'écrire des romans pornographiques, il tente encore sa chance avec le producteur de Glen Or Glenda, The Sinister Urge sorte de thriller sombre dans l'oublie dès sa sortie en salle. Sa fin de vie est triste, il sombre de plus en plus dans l’alcoolisme, ne survit que grace à de l'argent prêté qu'il débourse aussitot dans l'alcool, il continue de penser qu'il a encore une chance en écrivant des scénarios dont Attack of the Giant salami, Rue Pigalle, The Air Hostess. Il en revient à tourner des films pornographiques pour payer son loyer, il meurt le 10 décembre 1978 du crise cardiaque du à son alcoolisme juste après s'être fait expulsé de son appartement.

Des navets, des films bien plus mauvais que ceux d'Ed Wood, le cinéma en regorge. Mais alors qu'est-ce qui fait qu'aujourd'hui seul le nom d'Ed Wood demeure dans nos esprits ? Ce sont sûrement son incroyable liberté de ton et sa touchante naïveté. Bien qu'ils ne respectent pas certaines règles auxquelles le cinéma classique nous a habitué, les films d'Ed Wood sont incroyablement sincères et c'est cette qualité qui fait que ses films demeurent intéressants aujourd'hui.

Fiche technique :
Date de sortie : 1982
Pays : Turquie
Genre : Nanar
Réalisateur : Çetin Inanç
Casting : Cüneyt Arkin, Aytekin Akkaya, Füsun Uçar, Hüseyin Peyda, Necla Fide
Note : 8.5/10



Introduction
Avant de commencer la review de ce film mythique, des petites explications s'imposent. Cüneyt Arkin l'acteur principal du film est une vraie star dans son pays avec plus de 300 productions à son actif, la plupart de ses films n'ont jamais vu le jour en France. Cüneyt Arkin a un don hors du commun pour nanardiser les films dans lesquels il joue, Turkish Star Wars est un exemple flagrant, jeu de l'acteur sur jouer comme pas possible, des scènes de combat d'un ridicule à mourir de rire et des costumes digne de mardi gras, voila tout un programme.

Résumé
Un bon gros méchant décide d'annihiler la terre avec l'aide des cerveaux humains (en même temps la seul arme qui peut le détruire), mais heureseument que notre héros arrive pour empêcher tout ça.

Vive le stock-shot
C'est quoi le stock-shot vous allez me dire ? c'est fort simple en fait, il sagit tout simplement de prendre des images d'un autre film et de les incorporer à celui-ci (bien sûr la plupart du temps, c'est fait sans l'accord du réalisateur). Turkish Star Wars est bourré de stock-shot de Star Wars, pendant toute l'introduction du film des images alternent entre nos héros qui sont dans un vaisseau carton pâte et des images du Star Wars de George Lucas, pour simuler l'effet qu'ils ont dans l'espace. Pendant tout le long du film c'est des stock-shot de Star Wars qui passent en boucle, on y voit même l'étoile noire et des apparitions furtive de Dark Vador... si si, enfin bon le réalisateur a eu d'autres bonne idées, il y a aussi des stock-shot de vieux péplum, des documentaires sur des pyramides. En plus de violer la propriété intellectuelle, Çetin Inanç (le réalisateur hein) a même eu l'idée de pomper la musique de Indiana Jones et tout ça sans remords, le film est une plagiat de Star Wars en passant par La Planète des singes. Comme vous pourrez vous en doutez Turkish Star Wars est un film à très très petit budget (en gros on a n'a pas d'argent, mais c'est pas grave on assume complètement), ben à l'écran ça fait mal aux yeux, les décors sont tous le temps les mêmes, quand on change de lieu le réalisateur essaie de faire croire à un autre mais c'est raté, les costumes en mousse sont moche et ridicule. Le pire dans tout ça je crois bien que c'est les combats, l'acteur principale n'a pas de doubleur il tourne toutes les scènes lui-même,imaginer votre petit frère ou votre petite soeur s'amusant à jouer les karatékas en herbe avec des trampolines pour les sauts (l'acteur saute vraiment sur des trampolines pour faire croire qu'il saute très haut), c'est des crises de fous rires qui vous attendent en perspective. Ah oui j'allais oublier un chose importante, le réalisateur veut se donner un effet de style complètement foireux, avec comme exemple un plan serré sur un personnage et tout de suite après passer à un plan sur des montagnes ou le soleil. Mais sachez cela, il répète la chose 20 à 30 fois dans le film, youpi.

Conclusion
Un des nanars du siècle dernier qui est très difficile à trouver en DVD, il existe que des copies pirate, mais en cherchant bien on le trouve. Car passer à coté de ce chef-d'oeuvre ça serait une honte.

Fiche technique :
Date de sortie : 1982 (serie TV)
Pays : Japon
Genre : Space opéra
Réalisateurs : Osamu Desaki, Toshio Takeushi

Auteur : Buichi Terasawa



Mini-bio
Né à Hokkaido (Asahikiwa) le 30 mars 1955, après pal mal d'échecs dont son recalage à l'examen d'admission aux études supérieures. Par la suite il décide de crée des shôjo manga (manga pour jeunes filles) il deviendra en 1976 assistant de Osamu Tezuka (Astroboy, Le Roi Leo). 1977 il commencera à publier dans un hebdomadaire du nom de Shônen Weekly Jump Space Adventure Cobra, il laisse de coté quelque temps Cobra pour réaliser Black Knight Bat en 1985, Karasutengu Kabuto en 1986 et Midnight Eye Goku 1987. En 1992 il réalise son premier manga en couleur par ordinateur Takeru. 1995 resort Cobra avec Cobra the Psychogun colorier par ordinateur, racontant de nouvelles aventures de Cobra.

L'univers de Cobra
Le manga s'inspire des space opéra dans un univers pulp des années 70's, avec une bonne touche de musique funk de la même époque, on peut y voir aussi un mélange médiéval-fantastique. L'univers de Cobra est mystique, très grande avec plusieurs dimension sur des univers bien différentes, avec l'apparition de démons, de dieux, où la plupart de ces être se sont construit leurs domaine.

Les personnages principaux

Cobra



Corsaire de l'espace le seul à avoir mis en échec la guilde des pirates de l'espace, ces affront lui vaudra d'être le criminel le plus recherché de la galaxie. Lassé de sa vie de fugitif, il décide d'éffacer complètement sa mémoire et de changer de visage, il disparaît pensant que tout le monde le croit mort.

Crystal Boy



Haut responsable de la guilde des pirates de l'espace, c'est le premier ennemi de taille que racontre Cobra, protégé par une armure en verre il devient très resistant aux rayons du psychogun. La rumeur circule selon la qu'elle il serait responsable de la perte du bras de Cobra.

Lady (Armanoïde)



Un robot domestique qui aide Cobra dans ses aventures et pilote son vaisseau le Turtle, bien qu'elle soit un robot domestique son armure est ultra resistant aux attaques légères. Cobra tient beaucoup à elle, la serie laisse comprendre que Lady fu la femme de Cobra.

Jane



Chasseuse de primes , rencontre Cobra et s'alliance avec lui pour retrouver ses soeurs (Catherine, Dominique). Elle sera capturée par Crystal Boy et Tarbeige (un homme plante) qui prendra le contrôle de son cerveau.

Catherine



Institutrice dans la vie, Catherine est détenue dans une prison infiltrée par la guilde des pirates de l'espace, Cobra arrive à la sortir de là. Jane blessera mortellement sa propre soeur, qui est sous contrôle de Tarbeige, la suite varie entre le manga et l'anime.

Dominique



Agent de la police galactique est infiltrée dans une organisation de mercenaires des neiges. C'est un des seul soeurs qui restera en vie, jusqu'au retour de Salamander.

Sandra



A la tête des faucons des neiges, des rebelles qui s'attaquent aux convois de fonds. En étant à la recherche de Dominique, Cobra fera sa connaissance.

Salamandar



Maître de la guilde des pirates de l'espace, dotée d'une puissance très forte, il est responsable de la disparition de Dominique et de l'accident de Lady. Cobra est bien décidé à l'éliminer avec l'aide de ses compagnons.

Liste des épisodes (série TV)

01 Fukkatsu ! Psychogun 第1話　復活!サイコガン
02 Kikai ! Jigoba 第2話 奇怪!ジゴバ
03 Shukuteki ! Cristal Boy 第3話 宿敵!　クリスタルボーイ
04 Dassô !! Sid keimusho 第4話　脱走!!　シド刑務所
05 Nazo ! Kyôteki sniper wa ? 第5話　謎!　強敵スナイパーは?
06 Majutsushi no shôtai !! 第6話　魔術師の正体!!
07 Jane no kataki ! 第7話　ジェーンの仇!
08 Gekitô ! Cobra tai Boy 第8話　激闘!　コブラ対ボーイ
09 Shutsugen !! Tôzoku Snow-Gorilla 第9話　出現!!　盗賊スノウ・ゴリラ
10 Irezumi no himitsu 第10話　イレズミの秘密
11 Suna no wakusei Zados 第11話　砂の惑星ザドス
12 Osorubeshi saishû heiki 第12話　恐るべし　最終兵器
13 Shi no roulette 第13話　死のルーレット
14 Daimaô Galtan 第14話　大魔王ガルタン
15 Ryûzuishô no tomo yo ! 第15話　竜水晶の友よ!
16 Jigoku e ! Rugball 第16話　地獄へ!　ラグボール
17 Narazumono team 第17話　ならず者チーム
18 Death Game ! 0078ji 第18話　デスゲーム!　0078時
19 Naruka ! ? Gyakuten Home run 第19話　なるか!?　逆転ホームラン
20 Shitô ! Suna no umi no kyôfu 第20話　死闘!　砂の海の恐怖
21 Futari no Sword ô 第21話　二人のソード王
22 Chitei no kyaku 第22話　地底の客
23 Kaitei no bohyô 第23話　海底の墓標
24 Robot wa ikaga ? 第24話　ロボットはいかが?
25 Cobra ga shinda !? 第25話　コブラが死んだ!?
26 Senka no kanata ni 第26話　戦火の彼方に
27 Aku no teiô ! Salamandar 第27話　悪の帝王!　サラマンダー
28 Cobra ikari no hôfuku e 第28話　コブラ怒りの報復へ
29 Kyokuhoku no otoko – Atsuki chi yo 第29話　極北の男・　熱き血よ
30 Salamandar wo taosu hô 第30話　サラマンダーを　倒す法
31 Abayo ! Ore no Cobra 最31話　あばよ!　おれのコブラ

PS : je ferai une review du film Cobra dans un prochain article.

Fiche technique :
Date de sortie : 2004
Pays : Japon
Genre : Sophie au pays des merveilles
Réalisateur : Hayao Miyazaki
Note : 10/10



Résumé
Sophie, une jeune fille de 18 ans, fait la connaissance du magicien Hauru, jeune homme séduisant et mystérieux. Se méprenant sur leur relation, une sorcière jalouse jette un épouvantable sort à Sophie et la transforme en vieille femmme de 90 ans... Quel destin attend alors Sophie ?

Encore une oeuvre iconoclaste du maître
Mais avant tout, Le Château Ambulant est inspiré du roman anglais Howl's Moving Castle de Diana Wynne Jones sortie en 1986. Miyazaki le disait lui-même Le Château Ambulant ne ressemble en rien à mes précédente oeuvres, c'est la première fois que le réalisateur assume une histoire d'amour jusqu'au bout, avec échange de baiser entre Sophie et Hauru, chose rare chez le cinéaste. La chose la plus surprenante c'est que le personnage principale est une grand-mère, qui tombe amoureuse d'un garçon de 20 ans, Miyazaki nous raconte une love story qui passe par d'innombrable chemins tous plus beaux et plus magique les uns que les autres. En regardant de plus près Le Château Ambulant, on s'aperçoit que les villes style vieille Europe avec leur ballet d'avions de bombardement s'inspirent de porco rosso, le monde magique de Hauru fait penser au Voyage De Chihiro et d'ailleur Hauru et la réincarnation de Haku, c'est une oeuvre auto-référentielle que réalise là Miyazaki. Un autre point important, la méchanceté est ambigus (comme dans la plupart de ses films), la redoutable sorcière qui jette le sort à Sophie au début, devient par la suite une inoffensif vieille Dame qui se fait recueillir par Sophie dans la maison de Hauru (Le Château Ambulant). Il y a un passage dans le film que Miyazaki a inventé et qui n'apparait pas dans l'ouvrage, c'est quand Sophie est projetée vers la fin dans le passé, qu'elle voit Hauru étant jeune est leur dit Je suis Sophie. Attendez-moi dans le futur, alors on comprend tout le sens de cette histoire et le destin de Sophie.

C'est beau de vieillir
Sans doute la première fois que la vieillesse est évoquée avec autant d'amour, de tendresse. Il faut voir comment Miyazaki donne vie à cette jeune fille de 90 ans, de comment elle se déplace avec tout les désavantages qu'ont les vieilles femmmes, mais ce qui fait le charme de Sophie s'est son caractère de femme forte. Il y a plusieurs méssages qu'a voulu véhiculé Miyazaki, que même à 90 ans on a encore le droit d'aimer et ce n'est pas parce que on est une grand-mère que l'on n'a plus le droit de vivre une aventure.

Conclusion
En voyant cette oeuvre, on a qu'une chose à dire c'est que le Monsieur mérite le respect eternelle.

Fiche technique :
Date de sortie : 2004
Pays : Japon
Genre : Cyberpunk
Réalisateur : Mamoru Oshii
Note : 6.5/10



Résumé
2032... La mince frontière qui séparait l'homme de la machine s'est abolie. L'espèce humaine a virtuellement oublié ce qui faisait son humanité, tant corporelle que spirituelle. Batou un est cyborg, inspecteur au sein de l'unité anti-terroriste, il est sur la piste d'une gynoïde soupçonnée d'avoir disjoncté et massacré son propriétaire.

Mamoru Oshii ce visionnaire
Dèjà il n'est pas vraiment nécessaire d'avoir regardé le premier opus, pour comprendre Innocence. Mamoru Oshii s'amuse à poser des questions sur l'existence humaine, ou plutôt son sens même et de comment elle se situe dans ses créations de machines. Car le Ghost c'est quoi si ce n'est un robot à qui l'on a donné une âme humaine, ces poupées qui veulent ressembler à leur créateur et une chose totalement inhérente à l'homme. Dans une ville très metropolisé, peu de gens peuvent se targuer d'être encore humains à 100 % sans avoir des implants biomécanique et autres diodes dans le cerveau, le seul être encore sur d'être humain c'est le chien de Batou. La différence entre la machine et l'homme c'est que l'un a une âme l'autre non, dans Innocence des enfants se font voler leur âme, pour ensuite les transplanter dans des poupées pour les rendre identique aux créateurs, c'est là la question de la frontière que pose le réalisateur. Cette frontière est remise en cause, quand Batou et son coéquipier revivent trois fois de suite une scène avec juste quelques détails de changé.

Ne pas avoir peur de la philosophie, sinon c'est foutu
Un des gros points négatif de Innocence, c'est que le film s'overdose de proverbe et autres citations philosophique, c'est constamment et dans n'importe qu'elles situations, même si certaines sont les bienvenue. Donc des fois on se demande si Mamoru Oshii ne se perd dans toutes ces frasques philosophique et si le spéctateur a encore l'envie de le suivre. Il y a une chose qu'on ne peut pas enlever à Innocence, c'est sa beauté. L'anime mélange déssins en 2D et images de synthèses de manièrere remarquable.

Conclusion
Il serait dommage de passer à coté de Innocence, tant celle-ci inspire à une réflexion de l'existence de l'humanité.

Fiche technique :
Date sortie : 2003
Pays : Corée du Sud
Genre : Ris, tout le monde rira avec toi. Pleure, tu seras le seul à pleurer
Réalisateur : Park Chan-wook
Casting : Choi Min-Sik, Yoo Ji-Tae, Gang Hye-Jung, Kim Byoung-Ok, Chi Dae-Su, Lee Seung-Shin, Yoon Jin-Seo, Oh Tae-Gyung
Note : 8.5/10



Résumé
1998. Oh Dae-Su, marié et père de famille, est kidnappé sans raison apparente. Il se retrouve peu de temps après dans une cellule privée, emprisonné pour une durée indéterminée. Son seul lien avec l'extérieur est une télévision par laquelle il apprend le meurtre brutal de sa femme... meurtre dont il est le suspect n°1. 15 ans plus tard, il est relâché. Il va alors chercher à découvrir qui la kidnappé et pourquoi.

vengeance
Old Boy fait partie du deuxième volume d'une trilogie sur la vengeance, sans que ceux-là se suivent. Le premier c'est Sympathy for Mr. Vengeance en 2002, qui fini par Lady Vengeance en 2005. Old Boy est un film qui parle avant tout d'un sujet tabou, l'inseste. Park Chan-wook nous montre un homme qui va s'en sans rendre compte faire la chose la plus ignoble qu'un père de famille peut faire à ses enfants, mais Oh Dae-Su avant de commettre l'irréparable, va tout faire pour retrouver son ravisseur qu'il la enfermé toutes ces années. Un homme qu'on enferme pendant 15 ans sans raison, à sa sortie mieux ne faut pas être de ceux qui ont participé au projet, car Park Chan-wook nous livre des images choc, brutal (jamais totalement gratuite), d'un homme qui va jusqu'à arracher des dents au marteau et plus quelques autres tortures. L'humiliation que subit Oh Dae-Su par son ravisseur appelé Evergreen qui est beaucoup plus jeune que lui, et exerce une vengeance sadique envers Oh Dae-Su. Ce sadisme atteint son paroxysme pendant l'une des scènes final, qui est d'une horreur vertigineuse.

C'est pas parce que c'est violent, que cela ne doit pas être esthétique
Park Chan-wook a un sens inné pour le montage, on peut le voir lors d'une scène de baston filmé à la manière d'un beat'em up, là le réalisateur nous montre un ballet de violence brute agrémentée d'une superbe musique, ou encore la fameuse scène du marteau qui trace une ligne entre celui-là et sa victime. Je pourrais parler aussi de Oh Dae-Su qui retrouve sa liberté en sortant d'une malle, la caméra se centre sur cette malle dans un champ vert, quand sort de la malle Oh Dae-Su, la caméra nous montre l'illusion de cette fausse liberté et qui annonce le pire pour lui.

Conclusion
Une oeuvre culte, violente, mais avec un réél méssage derrière. Car une fois la vengeance faite, que reste-t-il à faire ?

Fiche technique :
Date de sortie : 1989
Pays : Japon
Genre : Polar Yakuza
Réalisateur : Takeshi Kitano
Casting : Beat Takeshi, Kawakami Maiko, Ashikawa Makoto
Note : 8/10



Résumé
Azuma est un flic individualiste et taciturne qui n'hésite pas à utiliser la violence pour faire respecter la loi. Il décide de faire justice lui-même quand il découvre qu'un gang de yakuzas est responsable de la mort de son meilleur ami et du viol de sa jeune soeur.

Petit rappel
A la base Kitano ne devait pas réaliser le film, mais juste jouer dedans. Il y a eu beaucoup de rumeurs qui ont circulées sur ce sujet, comme quoi le réalisateur de base était incompétent, la vraie histoire c'est que le réalisateur s'est désisté de lui_même (les raisons, je ne les connais pas personnellement). Il faut quand même savoir que c'est Kinji Fukasaku qui aurait du réaliser le film, un très grand cinéaste japonais, à qui l'on doit Battle Royale pour les néophyte et sa saga The Yakuza Papers en cinq volumes qui parle des yakuzas de l'après guerre, pour les initiés. Quand Kitano reprend le film, il décide de réécrire entièrement
le scénario, qu'il considéré comme trop consensuel, il change son personnage en flic plus sombre, qui ressemble à l’inspecteur Harry, en plus violent. Dès sa première réalisation, on reconnait le style du réalisateur, avec ses plans fixes, ses personnages ayant le moins possible d'expressions sur les visages et une musique toujours sublime, qui à l'époque n'est pas jouée par Joe Hisaishi (c'est qu'a partir de A scene at the sea), mais par Daisuke Kume et Erik Satie.

Encore une histoire de suicide
Comme la plupart des films de Kitano, la mort est le sujet principal du film. En jouant un anti-héros, qui va jusqu'à martiriser des petits yakuzas et tuer de sang froid par la suite, Kitano endosse un rôle qu'on a peu l'habitude de voir au cinéma. Violent Cop est un film très pessimiste entre les relations yakuzas, policiers et les relations frère, soeur. toutes ces tensions entre ces être que tout oppose et rapproche inévitablement, prend tout son sens lors de la scène final

Conclusion
Pour une première oeuvre, c'est un coup de maître que réalise là le cinéaste, à l'antipode de ce qu'il se fait d'habitude.

Fiche technique :
Pays : Chine
Date de sortie : 1971
Genre : Wu Xia Pian
Réalisateur : Chang Cheh
Casting : David Chiang, Lung Ti, Ku Feng
Note : 7/10



Résumé
Dans une Chine ensanglantée par les guerres de clans, le justicier Lei Li est accusé à tort du vol du trésor du clan du tigre, suite à une rumeur lancée par le fourbe Lung. Attaqué par le tigre et ses hommes, Lei Li les met en déroute. Mais Lung surgit et propose à Lei Li un combat loyal, dont l'issue décidera de son sort. De plus, le perdant aura le bras tranché.

Le dernier des trois
La Rage Du Tigre est le dernier de la trilogie du légendaire combattant à un bras, avant cela sont sortie One Armed Swordman en 1967, et Return Of The One-Armed en 1969, sans aucun doute que le meilleur des trois et The New One Armed Swordsman. Dès l'introduction du film le ton est donné, on voit le héros chevaucher son cheval vétu entièrement de blanc, par la suite il devra affronter des hommes qu'il corrige sans problème. Suite à sa défaite contre Lung, il se tranche un bras et jure de ne plus pratiquer le kung fu. Le film raconte une histoire de vengeance, qui passe d'abord par la mutilation de son héros, d'humiliation en humiliation, pour finir par le stade ultime la mort, c'est un schéma des plus classiques, mais rondement bien mené par son réalisteur. Qui dit Wu Xia Pian dit combat, et là il faut pas s'attendre à des combats ultra réaliste, déjà le héros qui arrive à tué plus d'une cinquantaine de guerrier alors qu'il a un bras, un coup de sabre un mort. Mais attention, les chorégraphies sont très bonne et les combats sont d'une violence brut.

Une relation ambiguë
Après avoir perdu son bras, on retrouve notre héros serveur dans une taverne, dont à la suite d'un affrontement avec des hommes du tigre un certain Ti Lung l'aidera, naissant alors avec les deux hommes une relation d'honneur, d'amitié et d'amour. A l'époque on devait pas encore parler d'homosexualité directement, Chang Cheh à fait en sorte que ces deux héros aient une relation ambiguë, qui n'est pas à mon avis due au hasard.

Conclusion
Un film Wu Xia Pian bien efficace, avec une histoire de vengeance comme je les aime.

Fiche technique :
Pays : Chine
Date de sortie : 1972
Genre : Péplum Martial
Réalisateur Cheng Kang
Casting : Ivy Ling Po Lisa Lu Lily Ho Li Ching Yue Hua Lo Lieh Tina Chin Fei Shu Pei Pei Yeh Ling Chih Wang Chin Feng Wong Ping Lau Ng Kei Ha Ping Huang Chung Hsin Fan Mei Sheng Tien Feng
Note : 7/10



Résumé
Trahis par une ministre véreux, les célèbres guerriers chinois de la famille Yang sont anéantis par l'armée du Roi. Deux généraux ayant échappé au massacre annoncent la terrible nouvelle aux 14 veuves et filles de Yang. Profondément attristées mais également révoltées, les amazones sont déterminées à partir sur le front pour défendre leur pays et venger les membres de leur famille, avec une nouvelle armée composée essentiellement de femmes.

Budget colossal
Le film sort en 1972, il aura fallu 1 an de tournage et un budget énorme pour l'époque, pour voir l'un des plus épiques films de la Shaw Brothers, qui réunit un beau casting de star féminine, Lisa Lu Yan, Ivy Ling Po, Lily Ho, les hommes ne sont pas délaissés pour autant, Tien Feng, Lo Lieh, Paul Chiang, Wong Hap et Bolo Yeung. Le récit historique du film est très connu en Chine, les 14 amazones sont des femmes impitoyable
face aux barbares Mongoles, dotées d'un patriotisme et d'une vengeance presque aveugle, elles sont aussi accompagnées par de fidèle guerrier, que rien n'arrêtera. Pour bien retranscrire cette épopée à l'écran, Chen Chi-Jui (décors) a pris son bon goût avec lui, en créant le château énorme des Mongoles, avec des intérieurs magnifique pour la maison Yang et sans oublier la tonne de figurant lors des batailles.
Comme tout bon film de la Shaw qui se respecte, les chorégraphies sont les maîtres mots de leur réussite et c'est le fils du réalisateur qui si attarde Tony Ching Siu Tung, en nous offrant des batailles enragées, dont le rythme est soutenu sans problème pendant les 2 heures du film.

Historique oui, mais diablement kitsch aussi
Il ne faut pas s'attendre à du réalisme ici et non plus de parlote politique, les 14 amazones sont là uniquement pour en découdre avec les Mongoles, qui en parlent d'eux ressemblent à un personnage très connu (veste rouge, bonnet rouge, vous voyez...). C'est veuves qui n'hésite pas à créer un pont humain, pour traverser un immense gouffre, lors d'une scène mémorable. Les gardes qui s'acharnent sur des pauvres prisonniers déjà mort, mais cela ne saurait faire fuir les fans de la Shaw, car la violence est bien présente, avec ses tortures et décapitations en tout genre, garni d'une belle peinture rouge.

Conclusion
Une oeuvre à voir absolument, pour son casting phénoménal, ses chorégraphies dantesque et surout pour ceux qui aiment le kitsch.

Fiche technique :
Pays : Japon
Date de sortie : 1998
Genre : Akira du pauvre
Réalisateur : Hirotsugu Kawazaki
Note : 2/10



Résumé
Yu Ominae est le meilleur agent de l'organisation Arcam, une agance spécialisée dans les opérations militaires les plus dangereuses. Suite à la découverte d'une relique archéologique capitale, Yu est envoyé pour protéger l'équipe scientifique chargée de percer les mystères de ce qui se révèle rapidement être... l'arche de Noé ! convoitée par des agents américains sans scrupules, l'arche est dotée de pouvoirs extraordinaire, notamment celui d'influencer sur le temps.

Mélange d'histoire ancienne et technologie... mouais
Ce mélange peut paraitre étonnant, une arche de Noé en plein milieu de l'antarctique tout droit sortie d'une dimension X par son design où des chercheurs s'étalent dessus à percer son mystère (enfin surtout ouvrir sa porte).Là on se dit que ça peut donner quelque chose d'intéressant niveau scénario, mais il n'en n'est rien, le manga est un concentré d'action gonflée à la testosterone pour mou du bubble, c'est qu'elle que lignes au-dessus sont juste là pour attirer les spectateurs qui s'attendaient à une histoire finement travaillé. En plus le manga se targue d'une critique américaine lamentable, des patriotiques qui tuent pour leur nation tout en se servent des autres, bref c'est simpliste.

Akira-like
Spriggan est une grosse repompe de l'anime Katsuhiro Otomo (il supervise le projet, en gros il sert à rien). Le big méchant ressemble à Tetsuo avec ses maux de têtes qui peuvent être calmé par des drogues, en plus de ça il a les même pouvoirs de télékinésie. L'arche aussi fait penser à Akira dans son utilisation, destruction atomique...etc. Kawasaki n'a pas eu une once d'originalité, il a fait une pâle copie de l'oeuvre d'Otomo.

Conclusion
Une anime minable que rien ne sauve du naufrage qui l'attend, un point positif à noter, l'animation est excellente et le manga pas trop laid, même si il date de 1998. Donc ne soyez pas leurré par le nom de Katsuhiro Otomo qui apparait sur la jaquette du DVD.

Fiche technique :
Pays : Japon
Date de sortie : 2003
Genre : Chambara
réalisateur : Ryuhei Kitamura
Casting : Aya Ueto, Yoshio Harada, Aya Okamoto,Naoto Takenaka, Minoru Matsumoto , Joe Odagiri , Katsuki Kitamura
Note : 6/10



Résumé
Azumi, jeune fille orpheline, est recueillie par un ancien guerrier du Japon féodal, maître en arts martiaux. Loin de toute civilisation, elle va apprendre avec neuf autres jeunes garçons les meilleurs techniques de combat au sabre. Après plusieurs années d'entraînement et de perfectionnement, les dix compagnons, devenus de puissants guerriers assassins, doivent partir acomplir leur première mission : tuer un puissant chef de clan...

Du manga au film
Azumi est tiré d'un manga Shogakukan et cela se voit à l'écran, le film est un manga-live, il y a juste à voir le costume de l'héroïne teinté d'un bleu violet fluo pour sans rendre compte. La plupart des protagonistes sortent tout droit des jeux vidéos nippon, l'homme singe, le beau gosse avec sa robe blanche et sa rose rouge, tout cet ensemble donne un ton très kitsch au film. Le scénario lui est ultra simple donc pas la peine de s'arrêter dessus, mais là où il y avait à redire c'est dans la mise en scène et le jeu des acteurs qui sont d'un amateurisme aberrant, pour un film de Chambara (film de sabre japonais) les scènes de combtas sont pour la plupart du temps moyenne, le réalisateur film bien trop près les affrontements, les coups de sabre sont limite des fois, des effets de caméra qui ne sont pas toujours approprier comme il le faut et pour couronner le tout les effets spéciaux sont digne des productions M6.

Navet ?
Bien que le film dur 2 heures, on ne s'ennuie pas une seul seconde et pourquoi donc alors ? peut-être grace au charme de Aya Ueto, aux personnages bien qu'ils soit farfelus sont loin de n'être pas attachant. Les scènes de combat sont plaisante, même si il y a beaucoup à redire sur elle. Mais c'est surtout la scène final qui est magnifique, quand Azumi se bat contre 200 hommes à elle toute seul et qui ce fini par un duel contre le psychopathe à la robe blanche (là le réalisateur aurait pu s'abstenir d'effet de caméra stylisée), là tout le charisme des deux personnages resortent avec des postures qui impose le respect.

Conclusion
Dans l'ensemble ce n'est pas un mauvais film, juste qu'elle que lacunes qui font tâche dans la réalisation. Il ne révolutionne en aucun cas le style wu xia pian, d'ailleurs les productions Shaw Brothers d'époque sont bien meilleurs. Hideo Kojima joue dedans.

Fiche technique :
Pays : Japon
Date de sortie :1987
Genre : Cyber punk
Réalisateur : Shinya Tsukamoto
Casting : Kei Fujiwara, Renji Ishibasi, Tomoro Tagushi
Note : 7.5/10

Résumé
Après un accident d'automobile, un homme voit son corps muter en une sorte de d'aimant ramassant tous les détritus métalliques de la société.

Le cinéma des bas-fond
Tourner en 1987 ou 1988 de mémoire avec des moyens dérisoires, le tout en 16mm noir et blanc. A sa sortie le film fut acclamé par bon nombre de personne du métier, de Darren Aronovsky à Quentin Tarantino entre autre. Tetsuo surf sur la vague du cyber-punk en s'inspirent (comme le dit Tsukamoto) de Blade Runner et vidéodrome, mais là où des réalisateurs comme Cronenberg compte l'histoire d'une société aliénée par la technologie et qui est prête à se changer en machine. Tsukamoto lui pose son regard sur l'après, en filmant le monstre comme si cette mutation pouvait lui donner une nouvelle vie et pour eux il y a de l’avenir dans ce Japon en crise à la technologie.

Tsukamoto expérimente
Le scénario de Tetsuo est des plus simple, les dialogues sont peut nombreux, mais alors pourquoi crier au génie. Tout simplement c'est que Tetsuo est une oeuvre visuel et auditive, Tsukamoto film de manière choc avec des scènes souvent accelerées. Lors d'une course poursuite entre l'homme et une humaine (qui vient à peine de muter) dans un métro, la séquence se finie par le retentissement de la sirène du train, là la caméra suit les couloirs de la gare de façons accélérée qui est du plus belle effet. La musique a aussi une part importante dans le film, Tetsuo est agrémenté de bruit industrielle (pas mal de percussions) qui retranscrivent bien l'ambiance que veut donner le cinéaste.

Conclusion
Je vais être clair le film ne plaîrat pas à tout le monde. Certains y veront un film qui fait dans la mise en scène choc et qui au final soit considéré comme raté, ou bien alors d'autres veront une grande oeuvre qui influença pas mal de monde.